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RED N' REBEL - One Last Chance (2020) (Rockliquias Bandas)

 A pesar de la que está cayendo, sigue habiendo bandas valientes publicando nuevos trabajos. Este es el caso de Red n´Rebel,  grupo de Cornellá, que nos alegra este maldito 2020 con un excelente rock and roll "hardrockero". Aquí tenéis la entrevista que amablemente nos concedieron.


Hola amigos de RedN´Rebel, la banda se formó en 2014 ¿Cómo se inició el proyecto?

Deseaba montar una banda de Classic Rock, a partir  de un  anuncio Wolf Coleman me mando una demo con una fantástica interpretación (free bird) su sonido y esencia  era justo lo que necesitaba, a la par también se ofreció un batería con un muy  buen groove Mario G, le propuse a mi viejo amigo Raúl Martí incorporarse de  bajista, y  a otro guitarrista colega Toni Rodríguez, pasado un tiempo cambiamos de batería entrando  José Contreras y incorporamos la figura de un teclista que desde inicio era esencial para mí.

¿Nos podéis indicar la trayectoria musical de sus integrantes?

Como puedes imaginar muchos proyectos que no pasaron de un nivel local, bandas malditas de la escena hard and heavy del extrarradio barcelonés, bandas que no consiguieron pasar de unos pocos conciertos locales a algo más serio. 

¿Cuáles son las fuentes de las que manan vuestra inspiración musical?

Las grandes bandas americanas y británicas de los 70s, el blues rock de toda la vida. Imposible nombrarlas a todas, les rendimos tributo interpretando alguno de esos temas que nos han marcado la vida.



En 2014 grabáis una primera demo con cuatro temas en directo (sería bueno rescatarla). Al año siguiente entráis en el estudio para la grabación de otras cuatro composiciones. En 2016 llegaría vuestro primer EP y en 2018 el single "At the Crossroads / Scars". Por fin en 2020 llega vuestro larga duración "One Last Chance". ¿Cómo ha evolucionado la banda en todo este tiempo?

Desde principio la dirección era la misma, pero cuesta encontrar los medios y las personas con la energía para darle la forma adecuada, yo considero que todo el trayecto forma parte del training para esta grabación, intentamos hacer música a lo grande, somos muy selectivos y críticos con nuestras composiciones e intentamos cuidar mucho los detalles y arreglos. En directo siempre hemos sido una banda con actitud y bastante vistosa que no se limita a recrear los temas sin más, nos dar un buen show  de rock& roll sin complejos y genuino. Pero no es nada premeditado de hecho creo que en nuestro local hemos dado las mejores sesiones de nuestros temas.

¿Nos podéis dar detalles de la grabación?

Como imaginaras los medios económicos no son nuestro motor, somos pura  “working class”, pero hemos conseguido captar nuestro sonido y objetivo con esfuerzo y algo de experimentación. Grabamos la base en un par de sesiones en un almacén trasladando todo el equipo de L´Antonie (técnico que ha grabado todas las sesiones de la banda), y rematamos el trabajo en su pequeño estudio de Olesa de Montserrat con muchas dificultades, tanto personales ( nuestras vidas han sufrido muchos cambios en el proceso) como técnicas, dado que  el estudio estaba  ubicado en un multi espacio  y se nos filtraban ruidos de los locales colindantes donde ensayaba una banda de death metal, en ocasiones esperábamos los momentos de silencio. 

Experimentábamos la forma de sacar nuestro sonido, moviendo amplificadores a pasillos en alguna madrugada y cosas así, muy artesanal verdaderamente.



¿ Qué tal ha sido trabajar con Will Maya?

Will Maya participo mezclando y masterizando a través del contacto de un gran amigo Ismael García, quien  nos dio el empujón final realizando la mezcla bruta y nos recomendó que Will terminase el proceso del disco. Estamos muy agradecidos porque fue inmediata la conexión y prácticamente sin más captó nuestra esencia y le dio forma coherente a todo la paleta de sonidos de la banda.

¿Con qué colaboraciones habéis contado?

Fredy García a la harmónica, un auténtico crack del blues rock. A los  teclados  nuestro querido David Cunillera, el grandísimo Ferrán Bruach, y Laura Powel justo antes de dar a luz a su pequeño. Aprovecho para decirles que son gente a quien apreciamos y estamos agradecidos hasta el alma de su energía con nosotros.

A los lectores de Rockliquias les gusta que sean los autores los que presenten su obra. ¿Nos podéis describir brevemente los temas?

Cosa difícil… creo honestamente que es un disco genuino de classic rock, con influencias de los grandes, pero que consigue sonar personal. Cada tema es un pequeño viaje distinto. Debéis ponerlo al 11, y captar alguno de los sutiles homenajes que dejamos a nuestros maestros.

Se abre con  el tema que da título al disco “One last Chance” sinceramente vamos con todo aquí, hard rock fresco y un crescendo donde la banda trempa muchísimo. Sin tregua entra “Rocksound” un tema muy Stoniano que es una fiesta rockera dedicado a la sala barcelonesa  que tristemente ha sido noticia por su  cierre.  “At the crosroad “   es un hard blues muy potente, “Elpaso” es una intro fronteriza, nos gusta recrear esos ambientes nos hace sentirnos como una banda de forajidos de un wester en plan Grupo Salvaje de Peckinpag, engancha con “Scars” puro Shouther rock ideal para imaginarte en una larga carretera buscando tu destino tras romperte el corazón y sin rumbo en tu vida. Absence” es una canción sentida fúnebre de ambiente psicodélico, que acaba muy  hard rock. 

La segunda cara del disco se abre con      “good bless” una de nuestras favoritas  sin duda, la intro es un blues pantanoso y oscuro que se abre a una luminosa y melódica suite. “Should be a law “   es un viejo clásico de la banda revisado y con nuevos arreglos para el disco. “So alone” es puro hard rock  que termina  en una parte instrumental donde Wolf Coleman brilla con su guitarra, es uno de nuestros temas más celebrados en vivo. “Roots” es una pieza con un buen  groove donde sutilmente introducimos momentos muy ambientales slides, y acabamos con un tema acústico que se llama “Family first” muy melódico que habla de lo que sientes cuando te abraza una hija o hijo cuando tu vida se esta rompiendo. 

 ¿Tenéis fechas para su presentación?

Hablar de fechas ahora mismo sería una osadía, vivimos en un largo intermedio que no sabemos cómo puede acabar.

¿Cómo creéis que cambiará el mundo de la música después de la pandemia?

Todo se vivirá más intensamente, valoraremos cada canción y cada abrazo de los amigos como si fuese un regalo inesperado. Cada concierto será como un pequeño homenaje a la música, quizás la hermana menor de la cultura donde además el hard rock es el hijo díscolo que no tiene ni trabajo ni futuro. Los músicos hard rockeros peleamos por el Respeto en un mundo donde no se nos quiere, pero que sabe que lo nuestro  es algo especial una forma de ser que nos convierte en una hermandad de adoradores de guitarras y sensaciones genuinas y autenticas.

¿Qué diríais a nuestros lectores para que compren el Cd y vayan a vuestros conciertos?

Que compran más que un CD; compran pasión, amor, esfuerzo, hasta dolor,  sueños y esperanzas, que cuando disfruten de el en algún lugar nosotros estaremos brindando por su respeto y afecto. 





Contacto:











P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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ROCKLIQUIAS RADIO HALLOWEEN

 Hoy en Rockliquias Radio tenemos programación especial Halloween


A las 21:00 tenemos "Delicias desde el caos, especial Halloween", un relato sonoro ideado por J.J.Iglesias y Adrián de Felipe. Como complemento a esta emisión Adrián amontado un extraordinario vídeo que podéis descargar y visualizar en :

Vídeo Halloween


Al filo de la medianoche tenemos el estreno del primer programa de "Pesadillas en alta Fidelidad" de nuestro nuevo redactor Luis Arnaldo Álvarez.


Podéis escuchar Rockliquias Radio en:

https://rockliquiasradio.radio12345.com/


https://sites.google.com/view/rockliquiasradio/p%C3%A1gina-principal







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Wobber - Dwellers of the deep (KARISMA RECORDS) (2020)

 Uno de los muchos productos cosechados durante el periodo de confinamiento, es la nueva propuesta discográfica de los consagrados Wobbler. 



Los noruegos retornan al panorama de actualidad entre el brillo y la oscuridad, a bordo de cuatro temas donde cobra presencia la experimentación de la banda, en la que han apostando por el impresionismo dentro de una configuración yuxtapuesta, que nuevamente no reniega de la notable influencia británica, hallada en fenómenos claramente afirmativos en clave de Yes.

Dewellers of the Deep es el titulo que recibe este nuevo disco, que cuenta con la elaborada Suite Merry Macabre, en la que la banda elude despistes y relatan básicamente el concepto de la obra

Desde que prácticamente con su debut debut discográfico consiguieron perforar un hueco en la grueso muro que cimenta el muro de contención de la obesidad mental del consumista de bolardos, los nórdicos han tomado buena nota del Salmón que contra corriente propone decencia a la unanimidad indecente. Con las puertas el armario abiertas para que su orientación se desprendiese de tabúes y restando a la par cierta identidad personal, tanto en este nuevo álbum como su obra previa, eludir el ''Yesismo'' innato en su propia conmoción como núcleo propulsor de su fuerza, ha supuesto el ''Tobor Distor'' en el fallo de un jurado que sentencia el estraperlo de composiciones carentes de atrevimiento, que transcurren por la senda de una audacia encauzada por la decisión de una fórmula eficaz.

No obstante, si nos detenemos en el presente y en lo que oferta la actualidad del movimiento progresivo sinfónico-apostólico de crestas que sepultan tupés, la calidad de estos músicos a la hora de explorar refritos de barbacoa dominguera, puede ser perdonada porque la nostalgia invade un terreno conquistado, cuya añoranza aún nos hace reflexionar a cerca de mantener en alerta la capacidad de la escucha desde la observación, sobre el tapete de una agitación de tiempos que han arrebatado esencias puras construyendo un convento de inocente impureza en el que madres superioras y hermanas de la caridad han dividido el Hosanna de un Excelsis cada vez más ''infumabilis'.



Este nuevo disco de Wobbler es un buen trabajo, fundamentalmente porque reconocer y elogiar a través del lenguaje y su propia aplicación musical el seno predilecto del que succiona un artista, ya es todo un detalle digno de mención y reconocimiento, y sobre todo, si tenemos en cuenta que menos penetración de adoquines con falos tridimensionales está todo más que inventado. 

Luis Arnaldo Álvarez







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NIL - QUARENTE JOURS SUR LE SIANI (UNICORN RECORDS) (2003)

 Los galos habían despejado dudas flotantes en la laguna de la incógnita con la publicación de su "Novo Sub Sole" dentro de la cada vez más pomposa comunidad progresista. El citado trabajo fue uno de los discos más vendidos del Unicorn. 



El plan de estrategia comenzaba a originarse dentro de un voluminoso marco encuadrado en el conceptualismo contemporáneo donde el perfecto As oculto tras la manga para sacudir aún más si cabe, la agitada cuerda de un tenso año 2003 lleva por título "Quarante Jours sur le Sinaï". Propuesta que se graba  en el año 2002 y que por orden y decreto de naufrago sello canadiense es reeditado en en el año 2006, para que la misma entidad discográfica se atribuya ''Horroris Causa'' en lo que se refiere a una de las cumbres de propuestas innovadoras de la música actual.

Obviamente, recorrer el sur de Sinai, a modo conceptual no es tarea fácil,  y requiere compromiso absoluto en el compromiso de un proyecto de investigación bien documentado. Y es que, hablamos de tratar sobre el apogeo y la caída de la legendaria Atlántida y su descendencia y  del Egipto ancestral. Así que, quien toma las riendas en tan calenturienta tarea para mentes de diminuta segmentación, es el teclista Benjamin Croizy respaldado del guitarrista e instrumentista de viento David Maurin junto con  Samuel Maurin completando la sección de cuerdas,  y Frank Niebel batería y percusión. Des esta forma se cimenta la tercera entrega discográfica de NIL, obra responsable de otorgarle al grupo reconocimiento internacional. 



Un álbum básicamente instrumental, que cuenta con la aportación de Roselyne Berhet como vocalista invitada. Una aportación que causó tal impresión, que Roselyne se suma a la banda como miembro oficial del mismo. Cabe destacar la participación de otros músicos como  Eric Vedovatiy Samy Cyr en los coros, sumadas a la de  Anne Caryol en el Cello, Hervé Franconi al Saxo Soprano, François Pernel en el Arpa y Audrey Casella en la narración. .

El proceso de grabación del disco fue llevado a cabo en un periplo de dos largos que se resumen en un total de 29 fragmentos seccionados en dos partes, una metodología muy propia de las normas creativas, resolutivas y de ejecución de las músicas avanzadas, en ramificaciones progresistas  de descendencia experimental, donde predomina la disonancia,  las armonías melódicas, y  por supuesto, la sensibilidad.  

Desde su puesta en circulación, los atributos y ubicaciones estilísticas con las que la obra sigue contando inclusive hasta nuestros días, han sido tan dispares como inoportunas, desde el Metal, ojo al dato, reitero, desde el Metal y quizá porque ciertos desarrollos simétricos de cuerdas fuesen tratados con mesura siguiendo el repelente guion de la vanguardia y las anomalía de la producción... Pasando por la música disco... Será por que las cajas empleadas por el baterista Niebel fuesen tratadas con más opacidad que armónicos dentro de la diversidad en aplicaciones al gusto por la combinación de medidas en las dunas de los sonidos progresivos, donde las pulgadas de 13 sustentadas con la nobleza del Arce o el Abedul, son puro bocatto di cardinale tanto para bateristas, como técnicos como productores... Pero como bien se vienen apreciando desde hace más de cinco décadas dentro de la música de nuestro tiempo, la tendencia de los críticos radica en la escalada a la cima de un campanario, para atentar despiadadamente contra la sencillez, un hecho que quizá esté propiciado por la grasienta mugre que cubre sus telescópicos puntos de mira.



Una obra de esta magnitud, pasto de la fluidez emergente del esfuerzo y del legado conservador de una escena leal a las formas y métodos académicos de la interpretación, solo puede situarse en lo magistral, un terno que durante siglos ha venido auspiciando la música generada con criterio y vistas a la innovación. Por lo tanto, no hay que dejarse guiar por aquellos textos encerrados en párrafos de extensos latifundios de helada palidez, a la hora de buscar el marco que mejor le pueda convenir a una musculosa obra musical, y más aún, cuando las mismas lenguas hablan un dialecto turbio ante puesto a un producto conciso y avalado por el rigor del Avant Garde en estado puro. 

Luis Arnaldo Álvarez



Temas
1 Acte I 36:16
2 Acte II 26:42





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KALEVALA ORCHESTRA - Abraham's Blue Refrain (1978 / Crypto)

Los finlandeses Kalevala ya habían editado en anteriores años joyas como "People No Names" y "Boogie Jungle", en un estilo que equilibraba el heavy prog y el acid psych de la Costa Oeste. Compararles con ciertas etapas de Man, no sería desacertado. 



Pero en 1978 se presentan como Kalevala Orchestra, quizá en un intento de resaltar algún cambio, bien estilístico,  bien de formación. Que en éste "Abraham's Blue Refrain" eran Lido Salonen (guitarras), Limousine Leppanen (voz solista, percusión), Ari Vaahtera (bajo), Beaver Aitto-oja  (batería) y Hessu Hiekkala (que en créditos pone "chinese horn", pero que no, que es coña, que son teclados, fijo). Entre los invitados sobresale nada menos que Jim Pembroke (Wigwam) a la voz y piano en el tema-título,  además de componer con toda la banda. Se involucró bastante, vaya. Por ejemplo para la inicial "Silver Fish", donde tienen cercanías  con los Gentle Giant "comerciales" de "Civilian" (bendita comercialidad). Álbum ése del que siempre reniegan los puristas de los británicos. Como si tuvieran que renegar de algo. Nunca lo he entendido. Un glorioso moog da la señal en "Lighthouse". Algo me dice que lo de "Orchestra" viene por la inclusión  del que toca el "chinese horn".......Qué cachondos, los finlandeses. Prog cameliano con las voces corales habituales en Kalevala. Como si Peter Bardens hubiera acabado en Family, en algún universo paralelo. 

"Forever Train" tiene más que ver con el anterior estilo West Coast. "Quicksilverizan" que da gusto, a la vez que lo envuelven en progresivo ágil y algo space rock, como unos Novalis u Hoelderlin de ése mismo año. Las dos partes de "Abraham's Blue Refrain" la hacen el tema más extenso, con casi 7 mts. Leppanen sigue recordandome en algunas inflexiones vocales a Roger Chapman. Es un tema de sinfonismo acentuado, casi en la onda de Barclay James Harvest. "Brown'll Might Suit You" entra en territorios hard rock, ya en la segunda cara, y se les da bastante bien. Siguen así en "Highland Temple", con la guitarra de nuevo muy preponderante. Raimo Kanna participa en la voz y teclado en "Playground", con brillante instrumentación y composición de corte muy Jethro Tull. 



Hammond organ como intro para "Marketbox Street", en devaneos arreglisticos realmente originales e intrincados. Son unos excelentes músicos. Terminan con "Panamanian Red", un tema compuesto únicamente por el guitarra, por lo que su lucimiento es evidente, en un marco íntegramente instrumental de intensidad casi jazz (hard) rock. Un perfecto final para un disco muy destacable. No sé exactamente a qué  venía lo de "Orchestra", ( quizá más proggy?) , pero les quedó un bonito álbum a recomendar. 

J.J. IGLESIAS







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THE PRETTY THINGS - The Sweet Pretty Things (Are In Bed Now, Of Course...) (2015, Repertoire)

 Con un sugerente y sensual título regresaban los británicos The Pretty Things, auténtica institución de la música inglesa. Y además lo hacían manteniendo su núcleo duro intacto, ese tándem formado por el vocalista Phil May y el guitarrista Dick Taylor. Tanto el uno como el otro levantaron la banda en sus primeros días de r&b penetrante, ácido, de cuerpo electrizante. Sin embargo, a partir de su obra cumbre conceptual S.F. Sorrow, Taylor decidió distanciarse del proyecto abandonando sus filas. Pasarían algunos álbumes orientados hacia el classic rock con tintes de rock musculado hasta que Dick volviese a su verdadero hogar, justo para la grabación del muy power pop Cross Talk (1980).

 


En cualquier caso, y aunque aquel elepé tenía la suficiente calidad como para comerse a lo más granado de la nueva ola de aquellos días, The Pretty Things dejó de grabar álbumes de estudio hasta los años 90; de hecho, no sería hasta su ...Rage Before Beauty (1999) el momento en el que volveríamos a saber de ellos. Luego, otros casi diez años hasta Balboa Island (2007) y un siguiente parón en ediciones nuevas hasta este 2015. Es cierto que entre medias se han editado compilaciones y discos en directo, pero en 2015 era The Sweet Pretty Things (Are In Bed Now, Of Course...) el auténtico pan recién salido del horno. Un pan, todo sea dicho, de una masa madre deliciosa y perfectamente elaborada.

 


En la banda, además de May y Taylor, y del ya fijo desde hace muchos años Frank Holland –otro auténtico veterano–, podíamos encontrar a los más jóvenes George Woosey y Jack Greenwood, músicos de plena confianza para los capitostes de tan legendaria agrupación y a los que se les ha permitido en todo momento participar del trabajo creativo (George aparece en los créditos de cuatro canciones y Jack en los de una). Todos los temas nuevos casan con ese r&b psicodélico y áspero que tan bien manejaba –y sigue haciéndolo– este combo. La rotunda “The Same Sun”, el árido blues “And I Do”, la beat revival “Turn My Head”, la monumental “Dark Days”, el ejercicio baterístico de “Greenwood Tree”, el carácter un tanto folk de “Hell, Here And Nowhere”, la muy rítmica en sus atmósferas ácidas “In The South” o esa “Dirty Song” que parece sacada de los primeros días de Pink Floyd, son en su totalidad un ejercicio de maestría y conocimiento del terreno. Sin olvidar, por supuesto, las dos versiones apabullantes: el “Renaissance Fair” de The Byrds y aquel “You Took Me By Surprise” que Sky Saxon firmó para sus The Seeds. Para mí incuestionable disco del año de aquel 2015.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com








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ALAN FEANCH, PIERRE DUTOUR, BERNARD LUBAT - Grand Air (1975 / Tele Music) (SERIE PIONEROS)

 No habíamos abordado nuestra serie Pioneros desde el ámbito de la Library Music, desde hace un tiempo. Así que hoy traemos a tres de éstos músicos,  ya por entonces veteranos, en la Francia electrónica de los 70. 



Alan Feanch es uno de estos verdaderos pioneros de la "música sin nombre", o como despectivamente se llamaba en ésa década, muzak. También la utilizaban los críticos, para definir algún disco para ellos aburrido o soso. Es otra injusticia más de aquellos señores, que disfrazaban sus carencias con críticas negativas para todo. 

Pierre Dutour comenzó como trompetista y siguió como director de orquesta, compositor e intérprete de bandoneon y pianista de cabaret. En los 50 y en plena posguerra francesa, se empapa de buen jazz. Está en el sitio adecuado, y entra en la Orquesta de Claude Bolling. Hoy es pasto de coleccionistas de discos raros y Library, lo que viene a ser lo mismo. 

Por último Bernard Lubat fue un batería,  percusionista, pianista, vibrafonista y acordeonista. Colaboró con Michel Portal en la corriente avant-garde de los 60. La lista de ilustres con los que trabajó llenaría éste artículo.  Dexter Gordon, Stan Getz, Max Roach, Jean-Luc Ponty, Didier Lockwood, Cecil Taylor, Archie Shepp o Hermeto Pascoal, por citar unos pocos.

 Éste "Grand Air" los presenta juntos, pero no revueltos, aunque tampoco hubiera estado nada mal. Prácticamente la cara A va dedicada a Pierre Dutour,  excepto el último tema. "Grand Air" se nos presenta como ensoñador, pero estructurado ambient que enloquecería a un Brian Eno. Y luego dicen que él "inventó" ése género. Eno "no era muzak", para aquellos tipos. Cuánto reduccionismo hay en la historia de la música. ....también. "Sky Branch" mezcla electronics con vibrafono,  algo que siempre surte efecto. Con aires jazzisticos y de Space Age, más propios de la década anterior. Un título como "Aquatic Suspense" nos recuerda que esto es Library Music. Pero más parece rock progresivo de época, al estilo de Greenslade, Jade Warrior o Egg. Fender Rhodes descriptivo y utilizado con mucha imaginación,  que podría engañar a un experto en Canterbury prog. Ahora será el Hammond, junto a un clave o sonido similar, los que hacen de "Water Bouquet" otra delicia progresiva en pequeñas píldoras. Que al entrar el Rhodes (y el bajo), puede parecer Return to Forever o Weather Report. Soberbio "material de ascensor", para poner alerta todos los sentidos. La otoñal "Leitmotiv Suspense" lleva piano, sinte y bajo presentando un minimalismo introspectivo, que invita a pasear por un parque lleno de hojas secas, en un día de espesa niebla.

"Rosarium 1" es la presentación de Alan Feanch, y lo hace con etéreo Rhodes, como si pensara en una micro-banda sonora del espacio, en toda su inmensidad cósmica. 

Bernard Lubat es quien abre la segunda cara, con "Super Slow Down", de delicioso y progresivo modo. De nuevo son Rhodes + vibrafono los protagonistas,  además de fugaz guitarra eléctrica y un ambiente de "cine noir", que en Library suele ser recurrente. También suena a excelente banda proggy el tema  "Super Smog". Música perfecta para un "giallo" o "slasher" italiano. Aquí hay esencia y clase suficiente para estar a la altura de unos Goblin. Hasta el final del álbum,  nos acompaña de nuevo Alan Feanch y su onírico ingenio. "Galaxy 1" representa eso, sci-fi de suspense que no estaría alejado en su definición de cosmic-kraut. "Aqua Marina" es introspección Rhodes para desayunar un lunes, a poder ser sin mucho que hacer y sin stress. ....pido mucho verdad? La reverb le da atmósfera y cuerpo a unas notas liberadas a la eternidad. "Submarine City" sigue por la misma senda de hipnótica ensoñación. Un brusco cambio apocalíptico trae "Super Sonic", oscuridad y cacofonía pensadas para desagradar. Continúa en la final "Acieryx 1", como una pesadilla industrial que existe en el día a día de muchas personas.



 Bruscos contrastes para un completo álbum. Raro y cotizado en formato original (de 150 a 170 €), y que ignoro si tiene reedición. Y si no la tiene, debería. 

J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Pierre Dutour - Grand Air (2:35)
A2 Pierre Dutour - Sky Branch (3:16)
A3 Pierre Dutour - Aquatic Suspense (2:12)
A4 Pierre Dutour - Water Bouquet (2:53)
A5 Pierre Dutour - Leitmotiv Suspense (2:17)
A6 Alan Feanch - Rosarium 1 (3:55)



Temas
B1 Bernard Lubat - Super Slow Down (2:00)
B2 Bernard Lubat - Super Smog (3:16)
B3 Alan Feanch - Galaxy 1 (3:29)
B4 Alan Feanch - Aqua Marina (2:16)
B5 Alan Feanch - Submarine City (3:08)
B6 Alan Feanch - Super Sonic (1:33)
B7 Alan Feanch - Acieryx 1 (1:39)






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Bryce Janey ‎– Live At J.M. O'Malley's (2001)

 Cedar Rapids es una pequeña ciudad de apenas 100.000 habitantes, situada en el condado de Linn, en el estado de Iowa. Pues bien, en ese lugar se encuentra el J.M. O´Malley, un pequeño y entrañable bar irlandés donde puedes disfrutar de actuaciones como la de Bryce Janey.


Bryce Janey forma su primera banda, The Janey´s, a los 13 años teniendo como compañeros a su madre en la batería y a su padre a la guitarra. Desde 1991 a 1993 recorrieron los Estados Unidos de costa a costa. Su debut discográfico, "Practice What You Preach", llega en 1995 publicado por Hot Fudge Records. Al año siguiente ve la luz un "en directo" junto a Merri J.Miller, "Live at Checker's Tavern". En 1998, "Sweet Baby Jane", con el que obtiene muy buenas críticas y le da la oportunidad de tocar junto a BB Kings y Buddy Guy´s. A partir de ese momento obtiene el reconocimiento que merecía y la oportunidad de seguir grabando discos, nueve más hasta la fecha de hoy:

Bare Wire (1999)
Live at J.M. O´Malley´s (2001)
Heal The Night (2006)
Blues In My Soul (2010)
Game Of Life (2011)
Burning Flame (2013)
Delta Road (2015)
Organic Man (2016)
Brand New Day (2018)


Bryce Janey no deleita con una gran noche de blues con toques funk. La banda la integran Bryce Janey (voz, guitarra), Steve Hayes (batería), Dan "DJ" Johnson bajo y Tom T-Bone Giblin (hammond B-3, piano). El "setlist" está compuesto fundamentalmente por temas del "Bare Wire": "Hold On", "Strat Blues", " Workin´Fool" y "Trick Bag". Dos del "Sweet Baby Jane": "Long Time Runnin´" y "Sweet Baby Jane". Uno de su primer disco "Practice What You Preach". Y por último una versión del "Walkin´ Blues " de Robert Johnson, donde Janey demuestra su maestría con el "slide". Esta claro que Janey conoce el oficio y con un sonido propio nos hace rememorar sonidos de SRV, Buddy Guy o incluso Robert Cray, siemnpre magníficamente por el Hammond B-3 de Giblin. Como temas destacados "Strat Blues", excelente interacción entre guitarra y teclados, y "Workin´Fool". La apuesta más arriesgada, sin duda, "Practice Waht You Preach".
J.C.Miñana












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STROMBOLI - Stromboli (1997 / Stromboli) (Rockliquias Bandas)

 En nuestra ardua labor arqueológica de bandas con enjundia del país,  nos paramos hoy en los zaragozanos Stromboli. Si en los 90 existió un nuevo renacimiento progresivo a nivel mundial, éste también llegó a nuestro país. Aunque en éste caso su líder, el guitarrista Fernando Pardos, ya viniera de patearse escenarios desde los 70. Y se nota. Concretamente con los jazz prog rockers El Asombro de la Plaza. Recuerdo cómo JC Miñana y éste escriba subíamos a escondidas al rellano del ático donde ensayaban, en la Plaza del Carbón de Zaragoza, en pleno centro. De ahí el nombre. 



En los 90 Pardos se reúne con dos jóvenes músicos,  José Luis Bella (batería) y José Tapia (bajo y voz solista), y forman Stromboli. Echo mano de la hemeroteca Atropos (fuente de sabiduría "progpular"). Y me recuerdo en mis propios escritos, porque allí estuve en sus conciertos, que hacían en vivo versiones de Taste, Frank Zappa, Black Sabbath, Cream, Hendrix o un "Hey Joe" aflamencado tocado a la manera de Deep Purple, en su "Shades Of". Que arriesgaban e improvisaban con la valentía y experiencia de los 70, vaya. Puede escucharse esto en el bootleg en vivo grabado de mesa en el C. C Delicias de ZGZ en 1996, y que Adrian de Felipe puso éste año en su canal de YouTube.  Asimismo, también está ahora a vuestra disposición en el mismo sitio su único y raro álbum autoeditado en micro-cantidades. Que es éste. 


Destacable joya que gana con el tiempo, como he podido comprobar en su reescucha de éste año. Su comienzo con "Septiembre" (5'39), advertía que la sección rítmica  era tan importante como la protagonista guitarra de Fernando Pardos. Imprimía a su música éste grupo un sabor mediterráneo,  no sé si premeditado aunque no creo, que los conectaba con glorias del roc catalá como Secta Sónica o Iceberg. Un bajo al estilo Jack Bruce y una imaginativa y realmente original batería cubrían cualquier hueco. Espléndido comienzo instrumental (como casi todo el disco), que ya no va a dejarnos en toda la grabación. Descriptiva y sugerente melodía la de "El Final de la Escalera" (10'26). Que nos lleva a los gloriosos días del prog hispano, hasta a Jukka Tolonen, Terje Rypdal o John McLaughlin. Una guitarra acústica doblada, (que no es tal, sino una bandurria! Algo que me chivaron los mismos Stromboli), da la intro a la dulce voz psicodélica de José Tapia. El inicial jazz rock torna en psych music para pasar a una tercera parte totalmente progresiva. Muy de gusto nórdico  próximo a Finnforest, Kaipa, Kerrs Pink o Atlas. Cada segundo vale,  cada nota es pura imaginación en manos de éstos desconocidos Stromboli, que tan buen recuerdo nos dejaron a quienes tuvimos la fortuna de verlos en vivo. Y yo lo hice unas cuántas veces.

En clave de blues psicodélico tenemos el dramático feeling de "Selenia" (6'39). Con una técnica similar a Tommy Iommi para ése menester, (de hecho es un gran guitarrista blues), pronto desbordan con otras ideas, donde los solos de varias guitarras dobladas conforman otro precioso momento del disco. El primer psico-prog británico de Gun, Bakerloo o Andromeda se verá reflejado en ésta magnífica pieza instrumental. "Señor Fusa" (12'35) es otro de los grandes momentos de éste disco, que todavía espera una edición oficial digna. Y van 23 años de olvido. De nuevo prog, psych & jazz son tejidos con expertas manos de orfebre. Y no anda lejos ésta propuesta de lo que hiciera Luis Alberto Spinetta con sus inolvidables Invisible. Con éso lo digo todo. "Broma Meteorológica" (5'01) vuelve a ése subconsciente laietano que tanto cuidan, en un corte que podría ser de Esqueixada Sniff. 

Finalizando con la tremenda "Las Moscas" (14'53), aquí apoyados por Dani, el teclista de Ánima Mundi. Otra interesante formación que compartió tiempo y espacio con Stromboli. Un Tour de Force final apoteósico,  magníficamente ejecutado y compuesto. Conteniendo todos los logros y virtudes que alcanzó ésta sensacional formación en un breve espacio de tiempo. Uno de los mejores secretos de nuestra herencia psych & prog. Algún día serán descubiertos como es debido.

J.J. IGLESIAS


Temas

1- SEPTIEMBRE 5:41

2- EL FINAL DE LA ESCALERA 10:30

3- SELENIA 6:46

4- SEÑOR FUSA 12:40

5- BROMA METEOROLÓGICA 5:03

6- LAS MOSCAS 15:00


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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ALBERTO CEREIJO – WORK OUT (Donosti Records) Año 1990

 Lamentablemente tenemos que comunicar que nuestro redactor, compañero y amigo Alberto Torró deja Rockliquias por razones personales. Han sido años de una fructífera y estrecha colaboración. Alberto, gracias, Rockliquias siempre será tu casa. Pero, como se suele decir, "The Show Must Go On", por ello damos la bienvenida a Luis Arnaldo Álvarez ,baterista, locutor profesional y a cargo de ArnaldoStudio.



Treinta años después de la publicación del primer álbum en solitario del guitarrista  Alberto Cereijo titulado Work Out, el disco sigue siendo en la actualidad un perfecto desconocido para ''suaves'' o ''estridentes'' seguidores de los minifundios más innovadores del Rock instrumental.

La publicación de esta obra a cargo del sello Donosti Records coincidió cuando en el año 1990, el coruñés viajó a Los Ángeles donde se matriculó en el M.I. (Musicians Institute) de Hollywood en el departamento de G.I.T. (Guitar Institute of Technology). En marzo de 1992 se graduó en el M.I. (Musicians Institute). 

Cereijo expuso un mosaico dotado de intimismo, añoranza y soledad, aplicado a un lenguaje musical donde el progreso de su aprendizaje se hacia notar en el sofisticado uso de recurrentes armonías diseñadas para la confección de prófugas melodías con la finalidad de dar un paso más, allá en el lejano horizonte, donde las llamas de Galicia podían divisarse provocadas por la lume natural. La soledad rodeada de miedo incita a la valentía en cuya casta noble el alma se desvinculada por completo de complejos perjuicios en el ascenso escalonado de la progresión sobre el paso firme de la humildad.

El comedido uso de los elementos técnicos a los que Cereijo recurrió para registrar las once piezas, se manifiesta en el consecuente resultado de una producción distante de pretenciosas ambiciones de ese ayer trasladado a hoy donde la insensatez colma el desbordamiento insulso. Las añejas grabaciones de guitarras a través de procesadores de línea reforzadas con módulos dotados de percusiones ajenas a las dinámicas, no restaban en absoluto el cálido encanto de aquellas obras discográficas poseían, basadas en iniciativas intimistas, en cuyo proceso de elaboración el tiempo descolgado del reloj y la contra del espacio. 

Desde la apertura del disco: Chastity, en la que Cereijo alerta al oyente de que se va adentrar en una obra avalada por el atrevimiento y bloqueo a la osadía, pasando por diálogos en medios tempos fugaces como manifiestan temas del calibre de: The Shakle o Messyman hasta llegar al cierre del disco con la poderosa, desenfrenada e irónica Blacken, Work Out preserva una trabajo introspectivo  que no ha necesitado de ningún tipo de aditivos ni conservantes para hacer de esta primera carta de presentación del gallego, un esbozo de realismo orientado hacia un laberinto de contrastes dibujados sobre la lógica de un peregrino de las seis cuerdas de acero. 

Tres décadas después, Work Out sigue siendo una obra altamente recomendable para fomentar la humildad en el aterrador y desbocado mundo por el que pasa la guitarra por la actual jungla de las seis, o inclusive siete cuerdas de acero.

Si te identificas como un autentico dedos negros, o el equivalente a un experto buscador de vinilos en el circuito comercial de tu entorno, la paciencia puede recompensarte a la hora de encontrar este vinilo a merced de la ocasión, dado que el mismo, no ha contado con ninguna redición tan justa como meritoria. Y si lo posees en tu discoteca personal, entenderás perfectamente el mensaje y lenguaje con el que Cereijo describía perfectamente el camino por recorrer en el inicio de la década de los 90, y lo que es por otro lado, concebir, confeccionar y desarrollar la música en la intimidad.




Once temas plasmados en poco más de treinta y ocho minutos de Hard Rock y Heavy Metal perpetrado con un gusto realmente exquisito.
Luis Arnaldo Álvarez

Temas

1º- Chastity 00:00

2º- The first battle 01:05

3º- On the nail 05:06

4º- Lock up 09:42

5º- Lowlands 13:51

6º- Work out 19:11

7º- The shackle 23:49

8º- Emotion 27:46

9º- The hunter 28:36

10º- Messyman 32:28

11º- Blacken 36:50

Alberto Cereijo:

Guitarras, Bajo y programación de baterías







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