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PETE SINFIELD - Still (1973 / Manticore)

Es éste un disco que literalmente arrasé  en su versión cassette, hasta destrozarla. Conservo como se ve en la foto, su carátula original. Porque resulta que salió en España. King Crimson tenían tirón en 1973 hasta aquí. Pero no lo supieron vender adecuadamente. 



El letrista de la banda, acompañado por una cohorte de la familia  carmesí : Greg Lake, Mel  Collins, Keith Tippet, Boz Burrell,  John Wetton o Ian Wallace. O BJ Cole y Snuffy Walden (de la misma escudería Manticore, con Stray Dog). Por supuesto, éste único álbum de Sinfield guarda momentos mágicos crimsonianos. Tanto en remansos pastorales de paz, como en arranques  furibundos de furia. Muy Crimson, como digo. Y sorprende  que no anduviera por aquí el tío Fripp......quizá le pareció a Sinfield demasiado Crimson involucrado. 

Por fin tengo una copia original, la spanish gatefold en relieve. Ya tenía su reedición cd de 1993 como "Stillusion", expandida con un par de temas más. Me quitaba el mono, pero no la adicción. "Still" es mágico,  para mi. Y comparable al de "McDonald & Giles". Himnos de mundos perdidos como los de la poética belleza de "Song of the Sea Goat". Reflejada maravillosamente en la portada de Sulamith Wulfing. Y esas fugas traviesas tan de Keith Tippet. "Under The Sky" podría estar en cualquiera de los tres primeros de King Crimson. Con un delicioso Mel Collins a la flauta y otros hipnóticos sonidos de viento de un bosque encantado. Pedal Steel maestro de BJ Cole (Procol Harum), con hippies cadencias country-rock/pub rock en "Will it be You".

 "Whoolefood Boogie" tiene de ése rockerio gamberro con que a veces gustaba de sorprender Robert Fripp. Y Snuffy Walden aprovecha para insertar un sólo de guitarra muy southern, en un entorno relleno de pose arty. "Y soy un comensal orgánico,  mejor es la vida comiendo naturalmente". Uno de los más álgidos momentos, "Still", momento zen  con su leve melodía japonesa. Pura imaginería carmesí otra vez. Y la inimitable voz de Greg Lake en el 73, sonando con la gloria de su más alto nivel poético. Junto a la enigmática de Sinfield, un par de carismas enormes que funcionan. Como en una obra de Debussy, entra "Envelopes of Yesterday". La música y letra pertenece casi en su totalidad a Sinfield. Aunque existe alguna ayuda de Ian McDonald o incluso Vivaldi (en la primera), entre otros. Pero "Envelopes..." es toda obra suya. Eso dice mucho de su colosal predisposición melódica,  además de como poeta-letrista. Éste tema no tiene precio. No tengo más que alabanzas. Y ése sólo gilmouriano de Snuffy es la guinda. Esto SÍ que es un temazo. Que se usa con mucha alegría el término coloquial. Ídem para "The Piper" y su ensoñadora música de bosque encantado. Mel Collins se sale a la travesera,  en un corte de irrepetible magia. Continúa la atmósfera irreal de surrealismo pastoral con "A House of Hopes and dreams". Cierta cadencia Floyd brota en el ambiente. El ambiente sórdido urbano nocturno viene a irrumpir en la final "The Night People", pero sin previsibles  estridencias. El hilo surreal continúa,  bajo voz psicodélica y sección jazz brass de bluesistico abrazo. 



Éste es un álbum de  vuelta y vuelta. Que es como me cargué la cinta de crío. Ahora feliz, de haber conseguido el arte-facto real . Pocas copias he visto editadas en éste país. Realmente la mía es la primera que veo. Una Obra Maestra de las de verdad. De las que el tiempo no puede borrar. Y que a pesar de los nombres involucrados, todavía permanece en el anonimato. Mejor. Para mí sólo. Mi tesooooro......

J.J. IGLESIAS 



Temas
1. The Song of the Sea Goat (6:08)
2. Under the Sky (4:24)
3. Will It Be You (2:42)
4. Wholefood Boogie (3:40)
5. Still (4:45)
6. Envelopes of Yesterday (6:19)
7. The Piper (2:51)
8. A House of Hopes and Dreams (3:57)
9. The Night People (7:56)

 








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RED SAND - Gentry (2005/ RS)

 Nunca estamos contentos con nada. Eso no es malo. Lo que es malo es el conformismo de ahora. En los 90, el prog estaba volviendo. La gente joven estaba descubriendo discos maravillosos de sus hermanos mayores o padres. Y la crítica se había olvidado de jodernos. Conste que todavía están ahí, los mismos. Pero ahora callan como traidores Judas. El prog imperante,  era por entonces, el llamado neo-prog. Que cogía el testigo de los valientes de los 80. Que a su vez habían cogido el suyo de los 70. Y claro,  remangábamos el morro. Que si esto suena a Genesis,  a menganito o a zutanito. Que si "más de lo mismo", y tal. Llevo como un par de años desempolvando y rebuscando grandes álbumes olvidados, tildados  de. ...... neo prog, (póngase cara de asco). Y resulta que se comen con patatas a toda la mutación híbrida actual. Ésa (mala) suerte de indie pop rarito descafeinado y estreñido. Frío como un témpano de hielo en el ojal, en pleno Enero. Así que viva el neo prog, cabrones. 



Y aquí traigo a los canadienses (de Quebec , nada menos, marca "Q" denominación de origen), Red Sand. Formados en 2003, con majo debut en 2004 y éste "Gentry" del 2005. No estamos hablando de unos olvidados. Que llevan sus buenos 10 álbumes de estudio, (lives aparte), el último de éste mismo año : "The Sound of the Seventh Bell". El guitarrista Simon Caron lleva las riendas, en letra y música. Mathieu Gosselin (bajo), Perry Angelillo (me he jurado no hacer ningún chiste, a la batería). Pierre Massicotte (teclados) y Stephane Dorval (cantante, ex-Dagmahr). He aquí el prototipo de disco cojonudo del género. Al que seguro le hubiéramos puesto pegas en su día,  con lo del neo de los cojones. Que pasó desapercibido incluso en las filas del underground. A los british les jode bastante que les metan un gol en casa. Y claro, "neo prog canadiense", pues como que no. 

"Submissive" (18'07) elabora imágenes.  Sin parar. De tragicomedia.  De altos y bajos de la vida. De ironías y traiciones. Te dirán que "a la Marillion". Y no. Porque las mismas influencias beben del pitorro unos que otros. Es un botijo para muchos morros. Steff Dorval no era un Fish clone. Su voz es dulce, amarga y multi-expresiva. Mucho. Y sí,  si el guion exige desnudarse, pues se sobreactúa lo que haga falta. Que éste tipo de música lo pide a gritos (torturados). Fondos existenciales de mellotron genesiano y bajo casi más Jaco, que Chris o Geddy. Simon Caron eso sí,  es un Gilmour en toda regla, ergo, un Rothery de manual. Y el percusionista empuja al resto como un Ward, Mosley, Cook o Devoil. Imagina el mejor neo británico,  y tendrás "Submissive". La influencia clásica es evidente. Genesis sin Gabriel pero con Ganas. Esto es, "A Trick" / "Wuthering" mayormente.  Pero vaya, que los de la segunda hornada se dejan oír a ráfagas  inspiradoras, en sus mejores momentos. No hemos nombrado el factor acoustic-folk tan de Quebec, que entra aquí sin vaselina. Harmonium en neo, queda niquelao en muchos pasajes. Sublime combinación,  luego entonces. 

"Gentry" (5'24) sí que es fácilmente imaginable en voz de Fish. Es de ésas tristonas concebidas en la barra de un viejo bar, ante unas cuántas cervezas y muchos recuerdos. Emocionan, que es lo suyo. Justo lo que busco. "Very Strange" (19'13) es la segunda bofetada sinfo. Y es que hacer largas es un arte, Iron Maiden. Y a todo no se llega. Red Sand  tiene el mojo del clásico prog. Podrían dar unas cuántas clases prácticas a mucho enchufao de la "colorines de papel". Su categoría se pone al nivel de "aquellos" Marillion, Aragon, IQ, Twelfth Night o Citizen Caín. Al mismo. Sin desperdicio los 20 mts de rola jodidamente depre. Llena de cosicas que te mantienen alerta como mi perro cuando preparo la comida. Una cosa gloriosa, oiga. Aún estaban éstos con lo del bonus track, (ya demodé), y terminaban con "The Voice" (3'59). Una pequeña situación en un inmenso mural donde perderse, como en los de Mati Klarwein. 



Es hora de rebuscar neo, como se hace con la arqueología 70s. A mí me llegan con la misma fuerza y emotividad. Justo lo que ahora no abunda.

J.J. IGLESIAS




Temas
1Submissive 18:06
2Gentry 5:23
3Very Strange 19:15
Bonus Track
4Prise De Conscience 7:53









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SPIN DOCTORS - Turn It Upside Down (1993, Epic)

 Los neoyorquinos Trucking Company probaban a finales de los 80 lo que podría ser una marca seria y consciente en la fusión del blues con el rock tintado de años 60. El asunto fue únicamente germen de futuribles que se hicieron realidad, promesas que acabarían en bandas referentes en la escena norteamericana. De ahí saldría John Popper para finalizar su sueño convirtiéndose en el conjunto Blues Traveler, al igual que Eric Schenkman y Chris Barron se las arreglaron para lavar la cara a la idea convirtiéndola en Spin Doctors con la ayuda de una férrea base rítmica de dos piezas con los nombres de Mark White y Aaron Comess. Frankie LaRocka, A&R de Epic Records/Sony Music, les echó el lazo sabiéndose ganador desde el primer minuto de charla. Los directos del cuarteto resultaban pletóricas muestras de rendición funk con el corazón partido por el rock retro y el pop, teniendo una masa de incondicionales que ganaba en tamaño con cada nuevo show.

  


Pocket Full Of Kryptonite (1991), cinco veces disco de platino, sería recordado como uno de los debutes más rentables para el sello en los 90. Turn It Upside Down descendió tres millones de copias en las ventas, aunque no por causa de su contenido. “Big Fat Funky Booty”, canción de bienvenida, era todo por lo que hubiese pagado un supergrupo ficticio mitad Sly And The Family Stone, mitad Funkadelic, todo setentas. “You Let Your Heart Go To Fast” sentaba en el banquillo ese rollo funky para darle al pop más lineal empaquetado y directo a las emisoras menos pretenciosas, convirtiéndose de inmediato en single bandera junto a “Cleopatra’s Cat”, corte que se transformaría en instant classic del combo.

 


Les catalogaron de jam band –banda de improvisación– o dentro de la extraña pegatina adherida a las palabras “rock universitario”; nada de eso, Spin Doctors no era el burrito que toca la flauta por casualidad ni un pasajero entretenimiento. “Biscuit Head” proclama la evolución sin perder en el horizonte la orilla anterior, “Mary Jane” quiere ser tanto Tom Petty como John Fogerty y “Beasts In The Woods” se desplaza machacona e irradiando agitación de espina dorsal. Como dicen en los States: Is this motherfucking funk rock or what? Dando lecciones desde New York City.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com


 








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TONY KAYE - End of Innocence (2021/ Spirit of Unicorn)

 Uno de los dos únicos miembros originales de Yes en activo. A sus 75 años pone en marcha su primer álbum en solitario. Y lo hace como obra conceptual sobre el "atentado" (ejem), al World Trade Center de 2001. Veinte años han pasado. Estaba yo en la pelu, arreglándome las puntas. Nunca más volví. En realidad, también es el transcurso de un amor. De Kaye y su esposa Dani Torchia, a la que conoció una semana después del terrible incidente. Parece que acomete el espinoso tema desde la versión oficial. Ninguna sorpresa. Hubiera preferido algún planteamiento cuestionado, algo más valiente, pero lo políticamente correcto manda desde siempre en el seno de Yes y derivados. 



Tanto Daniela Torchia (voz), como el batería Jay Schellen (actual guardaespaldas de Alan White), aparecen en el disco. Portada magnífica y sorprendente de Roger Dean. Con cierto regusto a sus texturas viejunas irrepetibles. En los primeros momentos de "Twinkle Twinkle Little Star" / "Twilight Time" ya se ofrecen recuerdos afirmativos, por la voz de Torchia. Si bien no se prodiga demasiado, siendo un álbum en que lo instrumental predomina. Puede que con éste álbum se borre de una vez por todas,  ése falso cliché que dice de Tony Kaye que "es sólo un organista". Hace años que espabiló y abrazó la tecnología de síntesis.  Desde su segunda vuelta a Yes en los primeros 80. Ahí están proyectos más actuales como Yoso o Circa para comprobarlo. Aunque su Hammond sea su amor real, inolvidable en bandas como Flash, Badger, Detective o Badfinger. Por supuesto, en los primeros Yes dejó huella indeleble e histórica. 

En "911 Overture" la música transcurre bajo una calma orquestal tensa y solemne, en un estilo de banda sonora que compitiría con el propio Trevor Rabin. Por cierto, se agradece la no inclusión del omnipresente Billy Sherwood. Su sonido hubiera aflorado de un modo u otro, vulgarizando el resultado. Y que tenga una banda llamada World Trade,  no procede en éste caso! Un blues algo desquiciado es "NYC Blues". El primer corte largo viene con "Battle Cry" (7'08), y ya se vislumbra la acción terrorista al modo de un soundtrack. Música explícita y descriptiva,  con aromas árabes, pero sin renunciar a la prog-teclistica. Que me recuerda bastante  a las historias narradas a golpe de teclados, por Patrick Moraz.  Hasta con algún escape de piano jazz, y guiño al "Close to the Edge". Su amado Hammond entra perfectamente en escena. Y aporta ése toque vintage tan necesario en el sonido de Kaye. En cambio el midi se adueña  de "285 Fulton Street", con emulaciones de guitarra y saxo, (recordar a Vangelis se hace inevitable). Tiene un aire más moderno y urbanita. Dominada por Grand Piano, "Let's Roll" (6'32) capta esencia Wakeman en el tipo de composición.  Y no se maneja mal Kaye en éste jardín. Algo de exploración de síntesis,  de matiz dramático,  es bienvenido . Muy bien calculada. 

Mas oscuros pensamientos en la breve "Tug of War", de explícito sinfonismo Yes. El musculoso kit de Jay Schellen cobra vida para recrear el "Flight 11", bajo aires arábigos y tensión de texturas descriptivas necesarias. De nuevo el Hammond tiene un papel definido. Y no sobra. La siguiente es "Towers Fall". Con su título lo dice todo. Aunque en mi visión, yo le hubiera dado una sacudida violenta y cacofónica. Kaye opta por solemnizar el momento, a lo Vangelis. Tiempo de un poco de paz, con "Sweetest Dreams", en la agradable voz de Dani Torchia, y un clima muy Jon Anderson en solitario. Para "Aftermath" vuelve el sinfonismo tenso. "Heroes" es un homenaje en clave elegíaco, lleno de cuerdas y sentimiento solemne. Imagino que "The Battle" (11'23) se refiere ya a la respuesta de EEUU, a modo de tormenta bélica,  (justo lo que buscaban, vaya). Sonidos de helicópteros,  disparos e infierno de la guerra, bajo música sintetizada que desemboca en excelentes arranques de Hammond. Su desarrollo tiene chispas melódicas  de notable acierto. Kaye no es un virtuoso, aunque sabe atrapar la atención del oyente con su experiencia y buenas artes al teclado.

Las finales "Hope and Triumph" / "Homecoming" /"Ground Zero" son previsibles en su supuesto "final feliz", algo patriotero e incómodo.  El balance es un disco entretenido, nada del otro mundo, pero con algunos buenos momentos. Se deja escuchar. Y para la edad de nuestro hombre, es ya todo un logro. Sobre todo viendo lo que hacen el resto de la Yes family actualmente.

J.J. IGLESIAS









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Dan Patlansky – Real (2007)

 En 2015 la revista "Total Guitar Magazine" lo incluyó en la lista de los diez mejores guitarristas del mundo. Ese mismo año fue artista del año para "Blues and Soul Magazine". Suficientes credenciales  para presentarlo en nuestra páginas.


Dan Patlansky nace en Johannesburgo en 1981. A los 16 años forma su primera banda y tres años más tarde autoedita su primer disco, "Standing at the Station", con su banda "The Mississippi Muthers". Obtiene el premio a mejor guitarrista en el sur de Africa. La discográfica Blue Note se intesera por él y firma un contrato para editar su segundo LP, "True Blues" (2004). Durante los dos años siguientes realiza diversas actuaciones en Nueva Orleans de la mano de  Selwyn Miller, gerente de David Gates and Bread. El huracán Katrina le privó de actuar junto a Sonny  Landreth. Su tercera producción ve la luz en 2006, "Real". Posteriormente llegarían "Move My Soul" (2009), "20 Stones" (2012) y "Wooden Thoughts" (2013). El reconocimiento internacional lo alcanza con su séptimo lanzamiento, "Dear Silence Thieves" (2014), elegido como álbum del año en Blues Rock Review, dándole la oportunidad de abrir para  Bruce Springsteen y realizar una gira con Joe Satriani. Sus dos últimas producciones se titulan "Introvertigo" (2016) y "Perfection Kills" (2018).


"Real" es la tercera entrega en la discografía del guitarrista sudafricano Dan Patlansky. Le acompañan Gordon Legg (bajo) y Andy Turrel (batería). Grabado en los estudios  SABC a finales de 2006 con la excepción del tema "Blues for New Orleans" captado en la WWOZ-FM de Nueva Orleans en 2005. Nueve temas propios y dos versiones: "Dead Shrimp Blues" de Robert Johnson y "Your Mama Don't Dance" de Loggins y Messina. El estilo de Dan se acerca bastante a SRV pero con un carácter más pausado. El tema que abre el disco, "Real", es una buena prueba de ello. Temas destacados "Got A Bad, Bad Feeling", el instrumental "The Doctor" y "Frozen Dirt", con toques a lo Jeff Beck.
J.C.Miñana










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DECIMALS - Symmetry (2021) (Rockliquias Bandas)

 El pasado mes de julio (2021) los catalanes Decimals publicaron su primer larga duración, "Symmetry". Banda integrada por Alex Bru (guitarras), Alberto Gimeno (batería, teclados) y Carles Romagosa (bajo, paino). Nos ofrecen un metal progresivo verdaderamente interesante. Ahí va la entrevista.



 ¿Cómo fueron los inicios de  Decimals? 

Albert: No creo que nuestro inicio fuese distinto a otro grupo, los tres escuchábamos grupos de música parecidos, estábamos a todas horas hablando de música y bueno, Alex y yo empezamos componiendo un par de temas en 2015-2016 (que mas tarde serian los singles que sacamos en 2019), luego se unió Carles y empezamos a quedar para ensayar de vez en cuando. Hacíamos algún que otro cover de Tool, jam sessions y cosas del estilo, pero enseguida nos dimos cuenta que queríamos componer y sacar nuestra propia música. En ese momento pensamos que lo primero y más fácil de sacar, sería un EP. Aún así, no incluimos las canciones que teníamos hasta entonces, y hubo que hacerlo de cero, pero la verdad es que fue muy divertido.


¿Cuáles son las trayectorias musicales de sus  miembros?

Albert: En este aspecto creo que somos bastante novatos en esto, Alex y yo, tuvimos un grupo cuando teníamos 15 años y ya habíamos tocado juntos, más allá de eso, cada uno componía y tenía sus propios proyectos individuales, de los cuales luego sacamos ideas para lo que ahora son canciones de Decimals. Aparte, todos tenemos formación musical ya sea en estudios desde pequeños o, en mi caso, estudiando un grado superior de música.


¿Cuáles son vuestras influencias ?

Albert: Tenemos influencias bastante variadas entre nosotros aunque muchas vengan del mismo tipo de escena. La más obvia es Dream Theater. Si bien es cierto que cada miembro tiene sus propios gustos, tenemos algunas bandas en común como por ejemplo: 'Tool' o 'Rush’. Sin embargo, tomamos muchas influencias de bandas modernas como 'Plini', 'Avenged Sevenfold', 'CHON', 'Toundra' o 'God Is An Astronaut'. Por último, siempre nos gusta añadir la importancia de los compositores de bandas sonoras de películas modernas, como "Hans Zimmer".



¿Cómo definiríais vuestra música?

Alex: Con Symmetry (nuestro primer álbum) hemos logrado un sonido más sólido y profesional respecto a los anteriores trabajos. Si bien es cierto que cada composición ha estado influenciada por muchas variables, el resultado final nos parece muy coherente. 

Nos gusta definirnos dentro de la escena del Metal Progresivo Instrumental, con grupos cómo Widek, For Giants o Plini, pero sí es cierto que tomamos influencias del Post-Rock o el Math Rock. Finalmente, la gran influencia de bandas sonoras, el arte del disco relacionado con el espacio y el marco conceptual del álbum, creemos que ayudan al oyente a interpretar la música desde una perspectiva distinta.


¿Cómo ha evolucionado vuestra música desde vuestras primeras grabaciones en 2018?

Alex: Siempre hemos pensado que la evolución de nuestra música ha tenido un proceso muy natural, tanto a nivel compositivo, como a nivel de calidad. Si bien es evidente que las primeras composiciones no tienen una calidad profesional, fueron necesarias para desarrollar el proyecto de Decimals, y sirvieron como base para el desarrollo de Symmetry. Antiguas canciones como ‘Ancient Astronauts’ o ‘Pacific Psycho’ dejan entrever el camino que ha seguido Symmetry.


Vuestro último trabajo se titula "Symmetry" ¿Nos podéis dar detalles de la grabación? 

Albert: La verdad que la grabación y composición fue todo un show, empezamos a componer “Symmetry” en 2019, hicimos broma con hacer un disco conceptual pese a ser instrumentales, y al final así fue. Queríamos poder contar una historia de alguna forma, así que lo dividimos en partes e intentamos aplicar conceptos de las bandas sonoras de las películas, como asignar melodías a personajes o situaciones, leitmotivs, etc. Incluso llegamos a poner código morse en varias partes del disco, con el típico sonido del código morse como figuras rítmicas en los propios instrumentos. 

Ya estando el álbum compuesto, empezamos con la grabación de batería justo en enero de 2020 en Vilano Productions (Barcelona). Después de eso llegó el covid y todo se torció un poco. Tuvimos que grabar desde casa el resto del álbum, lo cual frenó muchísimo el ritmo que llevábamos, y no fue hasta finales de 2020 que terminamos las grabaciones y empezamos las mezclas. 

De las mezclas y el mastering se encargó el gran Alex Cappa, de Metropol Estudios (Madrid). Esta parte también fue un pelín complicada ya que, por distancia y temas de covid, nunca pudimos vernos en persona y tuvimos que hacer reuniones por internet para contarle nuestras ideas y básicamente hacer alguna que otra corrección. Aún así, Alex sacó un sonido brutal al disco e hizo un trabajo espectacular.



¿Quién ha diseñado la portada y cuál ha sido su motivación?

Carles: Hicimos diversos “brainstormings” a partir de la historia que queríamos explicar. Al final redactamos un documento de guía para el diseño del arte que luego mandamos al diseñador gráfico Tobias Roetsch, de Alemania, que lo hizo realidad. Teníamos muy claros diversos elementos que queríamos incorporar en el arte para que este acompañara la historia que explicamos con la música. Estamos muy contentos con el resultado.


La grabación está dividida en capítulos 

Alex: El origen de los capítulos surgió durante el desarrollo conceptual del álbum. Queríamos dividir la historia en 3 partes principales (Capítulos I, II y III), donde las canciones estuvieran entrelazadas y utilizaran recursos similares (ej. utilizar la misma afinación, melodías, etc.). Finalmente, el Preludio y Epílogo son utilizados como elementos cohesivos, dando una introducción y final a toda la historia. 

Al ser un álbum instrumental, la intención final no es que el oyente logre entender toda la historia, sino generar una interpretación personal a partir del sonido, las estructuras y el arte. En este caso, el desarrollo conceptual nos sirvió mucho a nosotros como base para componer toda la música.


Combináis pasajes de auténtica locura sonora del metal progresivo con otros más pausados y oníricos. ¿Con cuál os encontráis más a gusto?

Albert: En mi opinión no es que prefiera ninguno sobre el otro, obviamente no dejamos de ser una banda de metal progresivo, pero yo creo que al final todos forman parte de la esencia o del estilo de Decimals, da igual si es una melodía calmada, un pasaje pesado o una parte ambiental, nos gusta crear contrastes y diferentes paisajes sonoros. Intentamos aprovechar eso al máximo, ya que al ser instrumentales, es algo de lo que podemos sacar mucho beneficio. 



¿Qué tema os ha resultado más complicado por su composición o su ejecución?

Albert: A nivel de grabación diría que las más complejas fueron ‘NGC 6611’ y ‘Redemption’, ya que ambas tienen pasajes orquestales y con voz, lo cual nos llevó a hacer muchos arreglos. 

Pero en su ejecución, yo diría que es ‘Echo’ destaca por su complejidad técnica, su duración, etc. Es esa clase de canción que te deja exhausto, al final son 8 minutos de tema con pasajes muy rápidos y técnicos. 


¿Qué composición definiría la esencia de la banda?

Albert: Por lo general, el último disco define bastante lo que es el estilo de la banda o a dónde queremos ir, en este aspecto es un álbum muy sólido. Pero si tuviese que escoger diría que ‘Redemption’ o ‘Echo’ son las canciones más completas y donde mostramos nuestras distintas facetas. Tienen toda esa parte post rock, pero a la vez también tienen pasajes tranquilos o orquestales, y obviamente los riffs pesados. 


¿Habéis presentado  los temas en directo?¿Hay próximas fechas?

Albert: Aún no, tenemos nuestro primer concierto próximamente, el 9 de octubre en la sala New Underground, de Barcelona. Estamos muy contentos e impacientes, ya que será la presentación del álbum, y lo tocaremos entero. Aún así, no tenemos más fechas programadas por el momento, con el tema del covid es difícil abrirse hueco en un estilo como el nuestro, aparte de todas las restricciones de aforo, etc. Aun así, en breves nos pondremos a ello e intentaremos tocar cuanto más mejor. 


¿Podéis dirigiros a nuestros lectores para animarles a escuchar vuestra música?  

Carles: Primeramente nos gustaría dar las gracias a Rockliquias por darnos esta oportunidad de presentarnos un poco más al público. Estamos muy contentos con el resultado final de “Symmetry” y creemos que gustará a los más fans del metal progresivo instrumental y bandas sonoras modernas por igual, al final creemos que es un álbum que se hará bastante ameno ya que también tiene gran parecido con bandas sonoras de videojuegos en general, por lo que incluso gente que no es fan del rock progresivo podrá disfrutarlo.  

Finalmente recordaros que toda nuestra música la encontrareis en los principales servicios de streaming y que podéis apoyar a la banda haciéndoos con él álbum “Symmetry” desde nuestro bandcamp (decimals.bandcamp.com).




Temas
PRELUDE
00:00 NGC 6611

CHAPTER I: Regret
03:56 Signals
08:39 Cryptic Existence
11:22 Atlas

CHAPTER II: Pillars Of Destruction
15:22 Keep Safe From The Rain
21:32 Redemption

CHAPTER III: Circle Of Eternity
26:45 Self-Reflect
32:12 Beyond The Gate

EPILOGUE
36:38 Echo
- Into The Circle
- Dying Waves
- Legacy



Contacto


Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCv6mknjTbjcfcYLaY657JkA

Facebook: https://www.facebook.com/decimalsband/

Bandcamp: https://decimals.bandcamp.com/


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P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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PULSE TIMES TV / GROOVE Y NATURALEZA (Entrevista)

 El espacio televisivo Pulse Times TV nace mediante la iniciativa audiovisual Audio Visions Productions, ligada al estudio de grabación Groove Court Studio, propiedad en la actualidad de Maria Carmen Larralde Álvarez.



Pulse Times TV expone un formato televisivo, divulgativo, que no se fundamenta en el concepto didáctico de la batería y la percusión, sino que desde un concepto diferente de comunicación muestra la actualidad del instrumento representado por algunos de los bateristas más reconocidos y prestigiosos del panorama nacional actual, quienes desde sus diversos criterios musicales, y la concesión del instrumento muestran su arte y sus obras en un escenario privilegiado como es el entorno de Groove Court Studio, el concejo suroccidental asturiano de Somiedo. 

Este programa está presentado por el baterista, productor y crítico musical Luis Arnaldo, colaborador incuestionable de una propuesta innovadora que contribuye a la expansión del arte sonoro hacia los hipnóticos y verticales puntos de un territorio propicio para el riesgo y la difusión de un espacio pionero en esta parcela.

Bateristas de longeva experiencia profesional y de diversa procedencia musical, exponen entre verdes y altos  valles arropados por rocosas montañas que coronan los cielos de un paisaje tan puro como natural, sus habilidades a través de sus propios diálogos musicales, que desembocan en charlas coloquiales abordando temáticas percusivas, musicales y la actualidad tanto del instrumento como del estado debilitado y carente de criterio por el que atraviesa el panorama musical en la actualidad. 

Pulse Times TV, también se hace eco de del arte que habita en el concejo representado por el Folk y el Jazz de la mano de figuras de gran prestigio local e internacional, así como también del sector turístico hostelero, que en los últimos años ha situado al prestigioso concejo entre uno de los más reconocidos en el Principado de Asturias, España y gran parte del mundo.



Luis, ¿De dónde sacas tiempo para alternar toda tu actividad como músico de sesión, crítico musical, locutor y presentador de televisión?

Luis Arnaldo: A ciencia exacta, no existe una respuesta concreta que pueda resolver esta pregunta con claridad. Creo que cuando todo tu mundo está vinculado al arte sonoro, van fluyendo proyectos que se encadenan y por el momento se van resolviendo a merced del riesgo en su mayoría.


¿Por qué Pulse Times TV, y por qué la elección de combinar el Groove con la naturaleza en el entorno tan magnético de Groove Court Studio?

Luis Arnaldo: Por varias razones, la fundamental se basa en la dirección que está tomando el mundo divulgativo y didáctico no solo de este instrumento, la batería, sino del resto de instrumentos cuya presencia masiva en plataformas como Youtube, o las redes sociales generan mayoritariamente una caótica desinformación que se desliga en gran parte del criterio musical, que cada vez se ha diseccionado más de la música de culto, y de la que siempre se ha mantenido muy al margen de una industria ineficaz y altamente nociva para la sociedad, y más en concreto, para la sociedad actual, la que lo quiere todo absolutamente todo al alcance de su mano de inmediato bajo la doctrina de lo superfluo entre otras estulticias. Pulse Times TV no revela nada innovador, pero procura mantener incandescente la llama del talento, de la expresión a tempo real mostrando la cara menos visible de algunos de los músicos más talentosos y creativos de este país.

La elección del concejo asturiano de Somiedo como escenario en el desarrollo de este espacio, se debe razones obvias en parte. Es el privilegiado entorno de mi sede de operaciones laborales Groove Court Studio, y son muchos los lazos que mantengo con este territorio, desde familiares a creativos.


Has apostado a su vez por mostrar el arte que existe dentro del concejo, representado por músicos tan desconocidos como portentosos, y tan internacionales como reconocidos. Así como también de su sector hostelero en la firme y férrea apuesta por el turismo, sabia combinación en nuestra opinión ¿Por qué este enfoque al formato del programa?

Luis Arnaldo: El arte en Somiedo se halla en todos y cada uno de los puntos de su extensión, desde sus rincones más despoblados hasta sus núcleos más exuberantes, y afortunadamente como en todo paraíso que acapara los cinco sentidos, el arte yace por inercia en el recoveco menos sospechoso. Es el caso del Folk, cuya representación es escasa, pero lo suficientemente entusiasta y disciplinada, como para ser revindicada en este espacio que a pesar de estar centrado en un instrumento como es la batería, no de desliga de otros músicos jóvenes, que luchan a merced del sacrificio por rescatar la esencia popular cada vez más perdida y olvidada de este concejo. Sucede lo mismo con otros valores reconocidos a modo internacional, que a bordo de experiencias sonoras de culto como el Jazz, pasean el nombre de Somiedo por el mundo entero. Sucede lo mismo con el sector hostelero y su eficaz propuesta tan competitiva como profesional, basada en algunos casos en el riesgo combinando lo clásico con lo moderno y allanando el camino de la dificultad a los prolíferos pasos de la sencillez.


¿Nos puedes adelantar a los bateristas que han participado?

Luis Arnaldo: Hasta el momento bateristas de diferente procedencia musical y concesión del Groove. Desde el experimentado Antonio Pastora, pasando por uno de los de mayor actividad tanto en estudio como en directo como es Chus Gancedo, el innovador Bjorn Mendizabal, o figuras como Antolín Olea Barriga, Jorge Cobelo Luja, Luis García y una extensa lista de participantes de que seguirán desfilando por el programa. A los que hay que sumar la participación de la joven promesa de la gaita asturiana como es Silvia Nieto y el excepcional guitarrista de Jazz Marcos Rodríguez en representación a los talentos más innovadores del concejo.


En tu último disco Whispers Of Phobiocity, del proyecto musical más personal en el que militas y apadrinas, el concejo de Somiedo cobra protagonismo, dado que todos los efectos naturales reales que aparecen en el mismo los has grabado en el Somiedo, efectos por cierto muy logrados con un registro de grabación nítido y brillante, una conjugación que le ha dado forma a un disco cuyo concepto por otro lado, no tiene nada que ver con este paraje asturiano. El disco lleva unos meses publicado y hasta el momento ¿Qué respuesta está teniendo?

Luis Arnaldo: Realmente aún no ha contado con una publicación oficial en formato físico ni en las plataformas digitales, por diversos motivos, quizá la mayor causa sea en parte la falta de tiempo y la coherente gestión del sello que se encargará de publicarlo oficialmente. A priori puedo dar a entender desvinculación del álbum en la falta de interés en lo que a su definitiva publicación se refiere, pero cada cosa ha de ser amarrada en su justo momento para proceder a su resolución, y cuando los asuntos básicos de publicación estén en su debido lugar, Whispers Of Phobiocity verá la luz. No será mucho más el tiempo de demora, dado que ya existe nuevo material compuesto y grabado para su consecuente edición.


¿Cuándo será presentado y estrenado en Youtube en principio Pulse Times TV?

Luis Arnaldo: La presentación oficial del programa se llevará a cabo el Viernes 24 de Septiembre en el salón de actos de la Plaza, en la capital del concejo de Somiedo, y el estreno en Youtube tendrá lugar el Lunes 27 de Septiembre. Posteriormente se emitirá en diversas entidades televisivas.

El Lunes 27 lo podéis seguir mediante el canal de Youtube:

https://www.youtube.com/channel/UC6gm6nQ6tb0MBckxOMsrAJQ


Para finalizar, nos llegan rumores de que estás tramando algo con miembros de la legendaria banda de vanguardia progresiva norteamericana French TV ¿Qué nos puedes adelantar al respecto?

Luis Arnaldo: Proyectos hay tanto de estudio con Mike Sary y el resto de miembros que en la actualidad estamos trabajando en estudio, y de cara a una gira europea prevista para el año 2023, aún no puedo adelantar más datos.


Muchas gracias compañero por tu atención, por tu labor en esta tu casa, y felicidades por todos tus proyectos. Te deseamos toda la suerte del mundo.

Luis Arnaldo: Gracias siempre a vosotros.












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Duncan Mackay - Score (1977)

 Mientras todo el mundo babeaba  con el punk en 1977, EMI (si, la de la canción de los Pistols), tuvieron los santos cojones de editar esto en España. 



DUNCAN MACKAY era un teclista  wizard en la onda Emerson / Wakeman que tocaba con Steve Harley & Cockney Rebel (el cual aparece invitado), y les daba un toque  art rock todavía no reivindicado por ésos lumbreras que flipan tanto con el modern "bored" prog. El disco lo produjo un tal John Wetton que se canta unas canciones. Y así como el que no quiere la cosa, reunió a tres ex-King Crimson en el disco. El susodicho Wetton, Mel Collins y Andrew McCulloch (también de Greenslade, Fields, Peter Banks , Crazy World of Arthur Brown y la de diox). El bajista no iba a ser manco, y pillaron a Clive Chaman del Jeff Beck Group. 



DUNCAN se desquita a gusto, y se mete unas ráfagas ARP que ríase usted de las batallas laser de Star Wars. Por ése tiempo estuvo con Camel , Alan Parsons y Budgie. Así que desapercibido no pasó su kilombo. Como no tuvo bastante, metió a la London Symphony Orchestra en el primer corte, para hacer moshing, si eso.

J.J.Iglesias

PD - Me chivan que Kate Bush y 10CC también pidieron sus servicios. Tengo esos álbumes,  pero no los recordaba. Así que se confirma como un maestro Art rock en toda regla. Lo que no sabía es que fue considerado como teclista de Yes. Intuyo que en  los tiempos post-"Tormato". Pues hubiera salido algo guapo de verdad.



 








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