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SYNDONE - Odysséas (2014)

Se venía venir. Del drama de cuento de hadas principesco pasamos a la épica de Homero. Si el rock sinfónico ha pecado de algo en su historia es en esa tendencia a veces desmedida hacia el espectáculo circense de adaptaciones épicas y algo hollywoodienses tanto de temas históricos, literarios o de leyenda. Eso era dejar repartir una sabrosa bandeja de improperios a los detractores del género que se frotaban las manos para insultar con conocimiento de causa. 


Hubo y hay cosas aberrantes con las famosas óperas rock. Terribles engendros solo comparables a la zarzuela, el género español chico de la opereta y el cabaret o a insoportables musicales de Broadway. Casi todos los grandes grupos cayeron de una forma u otra en la esperpéntica de mezclar teatro y música algo que no he soportado nunca. Otra cosa es buscar un tema o una obra clásica para hacer música con ella, pero sin la necesidad de pintarse la cara, hacer aspavientos en un escenario o ponerse una bombilla en el culo que se encienda en el momento álgido para que el patio de butacas aplauda a rabiar. Ya sé que me vais a decir que casi todos los cantantes del prog de los 70´s hicieron sus numeritos en el escenario y a los de mi generación nos dejaba embobados y maravillados al verlos. Pero el tiempo pasa inexorablemente y las antiguas imágenes no aguantan bien su paso. Cierro los ojos y sigo escuchando Selling England, Thick as a Brick, el Tales topográfico o El tarkus. La música sigue siendo maravillosa siempre y cuando no imagine a Peter Gabriel pintado como una mona de pascua poniendo caritas, a Jon Anderson como una muñequita de porcelana a punto de romperse, a Ian Anderson marcando paquete con mallas y cara de enloquecido o a Keith Emerson encima de un órgano dándole de hostias. Cuando en aquellos shows ganaba el sentido del humor o la auto-parodia la cosa mejoraba. El problema era si se lo tomaban en serio o con trascendencia. Pero soy consciente de que aquello nos enloquecía a todos. Sin embargo la música es otra cosa. El espectáculo a día de hoy es ridículo. Claro que por otra parte nos traen buenos recuerdos de juventud y de ingenuidad. Me gustan los temas épicos en música y que las composiciones alegren nuestros oídos, pero no creo que a día de hoy sea necesario vestirse de flamenca o de preservativo para ofrecerla al público. No obstante las épicas, las sagas y las leyendas siempre han sido temas recurrentes en el rock progresivo pero generalmente en su vertiente sinfónica. Cualquier día lo harán con Juego de Tronos que se presta, aunque yo esa historia tan malvada (nadie en la serie es bueno) la veo más proclive hacia el gótico o al death metal que a otra cosa.

Syndone han cogido a Ulises a Circe y a Penélope y lo han hecho muy bien. Sus álbumes no salen de un día para otro. Se toman con cierta calma lo de grabar pero al menos lo hacen con conocimiento y calidad. El empleo casi zappero del vibráfono en el tren rítmico inicial le da un carácter intenso que contrasta con el reposado clasicismo trovadoresco de la segunda pieza. Siguen un poco en esa historia descriptiva típica de los concept albums con música sugestiva en imágenes casi cinematográfica. Los teclados son todo lo épicos que cabría de esperar y dejan paso a algunos excesos hard en la voz, bastante controlados en la composición pero también algo chillones. Cuando lo instrumental avanza encontramos los mejores momentos tanto en el groove del órgano como en los arreglos de viento en la nutrida orquesta de metales que lo acompaña. Hay cierto sabor mediterráneo de la Grecia antigua en la introspectiva Penelope con un piano amargo y tristón de completa factura académica. La melodía es algo decadente y teatral pero no exenta de delicadeza a pesar del drama. Circe es mucho más entretenida y vigorosa en un ejercicio de jazz rock fusión nada desdeñable. Me gusta el chirrido algo estrambótico del sinte y la polirítmica tensión pero se me hace muy breve y con falta de desarrollo. En Ade vuelve el piano como protagonista siempre seguido del vibráfono y agudas intervenciones del moog con interesantes arreglos de cuerda. La voz vuelve a sobrarme pero lo instrumental tiene la suficiente fuerza como para que me olvide de que están cantando. Poseidon el dios del mar tiene otra breve intervención instrumental a las viejas sonoridades a la ELP- Greenslade pero vuelve a quedarse en dos minutos que te dejan insatisfecho por falta de tiempo instrumental. Toda la tónica del disco es parecida. Partes vocales, pasajes descriptivos, buena instrumentación con ricos ingredientes pero mucha contención a la hora de ampliar las partes instrumentales. 


Con todo la escucha es satisfactoria aunque yo prefiera algo más de exageración instrumental y más vericuetos. Conste que el trabajo pasa de los 60 mtos pero 13 temas son muchos y optan por la concreción. Hubiera preferido un disco completamente instrumental, pero reconozco que es un trabajo de alta calidad que no defraudará a la frikilandia sinfónica.
Alberto Torró







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THE FLOWER KINGS - Back of The World Of Adventures (1995)

En un principio estuve pensando si hacer o no una retrospectiva del que probablemente sea el grupo de rock sinfónico más emblemático de Suecia. He hablado en el pasado tantas veces de ellos que tenía la sensación de ser reiterativo. Pienso que dentro del espectro progresivo es un grupo de sobras conocido, pero quizás me equivoque un poco dentro de los que están por debajo de los 40 años. Son una banda de segunda generación por ese motivo pongo una media de cuarenta años para arriba porque nacieron en los 90´s. Los que venimos desde los orígenes y del nacimiento de la prog music, a veces pasamos por alto que han pasado cinco décadas y que los que empezamos con esta música ya estamos todos jubilados y bastantes muertos en el camino (física y mentalmente) y que luego las nuevas generaciones se han ido incorporando “progresivamente”. 


The Flower Kings ya no existen como tal. Frenaron en 2013 pero su líder Roine Stolt sigue activo y ya dentro de las figuras sagradas del género. Alguna vez os he comentado que yo dirigí un fanzine llamado Lunar Suite entre 1993 y 1998. Fueron cinco años en que internet todavía estaba en pañales y nos buscábamos la vida a base de contactos telefónicos y correo tradicional. El boca a boca y como mucho el fax completaba la información. Una mañana de enero de 1996 me encontré uno de los muchos paquetes que me llegaban por entonces con cd´s promocionales. Un paquete que llegaba de Suecia con un CD y una pequeña nota escrita por un tal Roine. Supongo que alguien le pasó mi dirección. Por aquel entonces yo ya estaba saturado de un sinfín de bandas de neo progresivo y pensé que esta sería una más. Me equivoqué afortunadamente. Le contesté con una carta de agradecimiento, les hice una estupenda crítica ya que “Back of the world of adventures” me había entusiasmado y devuelto mi fe al progresivo clásico de calidad. Mantuvimos correspondencia durante los siguientes años y me mandó más CD´s de los Flowers conforme los iban editando. Les hice una entrevista, un especial y lo mejor de todo conseguí convencer a Esteban Vendrell dueño de la tienda Pan y Música para que les consiguiese una actuación en Barcelona. 

Nadie conocía en ese momento a The Flower Kings y dentro de mis limitadas posibilidades les dimos toda la promoción posible. Una vez subidos a los laureles ya en el nuevo siglo no creo que ni siquiera se acuerden de aquello ni de nosotros. Comimos juntos (incluyo foto), charlamos y gracias a Jesus Filardi de Galadriel y el escritor Julio Murillo los únicos que hablaban en inglés perfectamente, pudimos entendernos. Éramos cuatro locos con humildes medios. Tocaron en la sala Bikini en octubre de 1997 y allí nos juntamos la escasa peña progresiva que funcionaba en España en ese momento. No creo que pasásemos de unas 150 personas. Lo demás es historia.


Roine Stolt (1956) era un chaval adolescente cuando tocaba la guitarra con aquel grupo legendario llamado Kaipa de mediados los 70´s. Kaipa sacaron tres álbumes en esa época y se volvieron a juntar muchos años después para seguir todavía en activo a día de hoy. Roine fundó en los 80´s una banda llamada Fantasia en unos tiempos muy malos para la lírica y fue una especie de beduino viajero poniendo su guitarra a quien le ofrecía trabajo al tiempo que sacaba algún que otro LP como solista. Un guitarrista muy hábil, muy técnico y con buenas ideas para la composición. Los 90´s fueron la nueva lanzadera para hacer música interesante y Roine no desaprovechó la ocasión. En propias palabras me dijo que ya estaba aburrido de hacer música rutinaria sin sustancia. El disco prólogo a su banda era un trabajo en solitario llamado precisamente “The Flower King” (1994) en un estilo puramente de rock sinfónico pero haciendo alarde de sus múltiples influencias como guitarrista. Este disco me lo envió pocas semanas después y ya había asimilado bastante bien el primer álbum oficial de la banda llamado “Back in the world of adventures”. 

El título es muy significativo porque es una declaración de principios y una vuelta a la gran música progresiva de los 70´s. Yo me entusiasmé con el disco, me deshice en elogios y apliqué los mejores calificativos posibles hacia algo que me parecía excelente teniendo en cuenta que estábamos en 1996 y el sonido light y aburrido copaban las listas del neo-prog. Claro, este señor tocaba la guitarra con conocimiento y las melodías y los pasajes instrumentales eran buenísimos. A día de hoy quizás pienso que fui algo exagerado pero estoy contento de haberlo hecho. Me dejé llevar por un entusiasmo nada objetivo. Yo amo el rock sinfónico por encima de todas las cosas y este tío me daba lo que yo estaba pidiendo desde hacía mucho tiempo. Llevaba ya unos cuantos años sin volver a escuchar este álbum y me ha removido la memoria positivamente. 


Desde la fuerza de la primera pieza homónima, donde la banda recién formada con Tomas Bodin (teclas) Michael Stolt (bajo) Jaime Salazar (drums) y el percusionista de Sammla, Hasse Bruniusson presentaba una frescura y ganas impecables hasta la maravillosa “Big Puzzle” el grupo te recarga la energía y las ganas de escuchar una y otra vez. Por tu mente pasaban todos los grandes, desde Génesis a Yes, pasando por Camel o King Crimson. Había una diferencia brutal con los neo progres y probablemente este grupo y otros que vinieron de parecidas características algo después, no me hicieron tirar la toalla hasta 1998, época en la que mi estado anímico ya no estaba para juergas y entusiasmos y acabé sumido en una profunda depresión que me hizo aislarme de la relación humana durante muchos años. Una experiencia que a día de hoy le estoy muy agradecida al igual que a la farmacología. Pero siempre han estado la música y mis lápices y después los gatos, seres a los que adoro.
Alberto Torró




Temas
1- World of Adventures 0.00
2- Atomic Prince - Kaleidoscope 13.37
3- Go West Judas 21.25
4- Train To Nowhere 29.12
5- Oblivion Road 33.02
6- Theme for a Hero 36.50
7- Temple of the Snakes 45.23
8- My Cosmic Lover 46.46
9- The Wonder Wheel 53.34
10- Big Puzzle 57.51







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BOXER - Absolutely (1977 / EPIC)

Boxer fue el instrumento continuador de las inquietudes de Mike Patto, (Mike Patrick McCarthy, realmente), en su anterior aventura, Patto. 


Formados en 1975 tras romper éstos últimos,  son fichados por Virgin instantáneamente. Del mismo combo venía su sensacional guitarrista, Ollie Halsall, (que luego tendría mucho que ver en el rock 80s de éste país). Completaban el bajista Keith Ellis  (Koobas, Juicy Lucy, VDGG)  y Tony Newman a la batería (Jeff Beck, May Blitz). En el debut , "Below the Belt", demuestran que su orientación quiere ser más directa y hard, con un buen exponente. Pero ésta formación no va a durar mucho. Cambios de personal para un segundo que no será editado, "Bloodletting" (76), y en el que  intervienen nombres como Bobby Tench o Boz Burrell. Otro buen disco, que sin embargo, permanecerá inédito hasta 1979. Cuando Mike Patto ya no pertenezca a éste mundo.....Bienvenidos al surrealista proceder de las discográficas y sus movimientos sin sentido. Pero en 1977, Patto replantea la banda para un tercer intento (y una tercera alineación). Firman con Epic y reúne al teclista Chris Stainton (Grease Band, Joe Cocker, Eric Clapton), el bajista/vocals Tim Bogert, (Vanilla Fudge, BBA, Cactus, Pipedream), el guitarrista Adrian Fisher (Sparks) y el batería Eddie Tuduri (Wha-Koo). Y aquel vitaminico hard prog de la etapa Virgin, se convierte ahora en un Art Rock que trata de actualizarse, (y lo consigue), con las nuevas tendencias rockeras del momento.


En la inicial "Fool In Love", el funk da cuerpo a un tema de sólida base rítmica, (Tuduri y Bogert hacen un gran equipo). Así como la espléndida guitarra de Adrián Fisher, que resulta todo un descubrimiento  a lo largo de toda la grabación. Que suena de miedo en las manos de Jeff Glixman (Kansas), en los míticos Sound City de Los Angeles. 


"Red Light Flyer" se acerca a la primera generación AOR y sí,  no se aleja de Kansas en su tesitura pomp, de pleno dominio teclistico de Stainton. Puro reflejo del 77.



La herencia rock blues de la anterior etapa todavía se resiste a desaparecer en "Big Lucy",  y la banda suena espectacular. Vuelta a la sofisticación en "No Reply", que no se aleja mucho de unos Genesis por esas fechas, aunque Boxer le imprime una dosis extra de hard rock al asunto, con el valioso Adrian Fisher como figura destacada. 



Damos la vuelta al vinilo y el poderoso Clavinet de Stainton, (muy utilizado),  abre "Can't Stand What You Do". Un tema que en las discos de entonces yo lo hubiera pinchado sin dudarlo. Funk hard rock con un dinamitero bajo y "lanzallamas" Fisher calentando el ambiente como unos más del ghetto. 



Relaja la escucha "As God's My Judge", con la expresiva voz de Patto arropada por Rhodes y coros de Tim Bogert. Recuerda a ciertos momentos de Greenslade. "Rich Man's Daughter" es una re-trabajada versión que ya salía en el malogrado "Bloodletting", que todavía estaba por salir. Puede que Patto considerara que era demasiado buena como para olvidarla en una estantería de almacén.  Vuelve el punto pomp cercano a Kansas, (estaban en Epic, en el 77 y con Jeff Glixman), así que se adivinan intenciones. Suena más arty que la original, y muy cercana a Supertramp. Lo mismo le ocurre a  "Everybody's A Star (So What's In A Name)". Aquí Stainton nos lleva directamente a su época Joe Cocker, influencia mezclada claramente con el tipo de composición estilo de Richard Davies. Terminamos con "Hand On Your Heart", donde el pícaro Clavinet vuelve a dar marca registrada. En un corte a la Little Feat, que se encuentra con el fino hard rock de Fisher y Bogert, que maravillan en sus pirotécnicas intervenciones.



"Absolutely" pudo ser la consagración de Boxer. Con una definitiva formación y un sonido totalmente acorde con las rock bands que lo estaban petando en todo el mundo, ( y miro a Kansas y Supertramp particularmente). Pero al fallecer su líder en 1979, nos quedamos con la eterna incógnita . Mala suerte.
J.J. IGLESIAS









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CELSO SALIM BAND - Mama’s Hometown (2018)

Celso Salim es un excelente guitarrista brasileño que después de un duro trabajo parece que está consiguiendo el gran reconocimiento que ya tenía en su país.



Celso aprendió a tocar la guitarra a los seis años. A los 14 se traslada a Estados Unidos y durante tres años es una verdadera esponja absorbiendo todo el sentimiento blusero americano. De regreso a su país comienza su carrera musical grabando cinco discos: "Lucky Boy" (2001), "Going Out Tonight"(2003), "Big City Blues"(2007), "Diggin´ The Blues" (2011) y "To The End Of Time"(2014),   labrándose un prestigio como uno de los mejores guitarristas brasileños de blues. En ese periodo telonea a B.B. King, Deep Purple entre otros. También realiza una gira junto al "bluesman" Larry McCray. En 2014 se traslada a Los Angeles y con su banda gana dos años (2015 y 2017) la Batalla de las bandas de la Southern California Blues Society. Su popularidad va en aumento y abren conciertos para Canned Heat, Kim Wilson y Larry McCray. Durante su carrera a ganado multitud de premios como cuatro Independent Music Award o el PPM - 2015 (Brasil) como mejor intérprete de blues/rock.


"Mama’s Hometown" es el último trabajo hasta la fecha de Celso Salim Band publicado el pasado 28 de septiembre por Wide Tracks Recordings y producido por Mike Hightower y Celso Salin. El grupo lo forman Celso Salim (guitarra, dobro, voz), Rafael Cury (voz), David Fraser (teclados, coros), Mike Hightower (bajo, coros) y Lynn Coulter (batería, coros). Como músicos invitados tenemos a Darryl Carriere (armónica), Mo Beeks (Hammond B3) y Minique Taylor (coros). En cuanto a su música tenemos blues de nueva generación con cierto estilo propio y sin olvidar las raíces del género. El disco comienza con "Mad Dog", sutil manejo del "slide guitar" muy bien secundado por el piano de David Fraser y la excelente voZ de Cury. "Locked Out In Misery" nos traslada a los sonidos de los blues de Chicago con la armónica de Carriere. "Let It Burn" incita al movimiento con su "boogie-woogie" mostrando a un grupo con muchas tablas. "No Need To Be Alone", uno de los temas destacados sin duda. Sentimiento y finura en el manejo de la guitarra por parte de Salim teniendo el Hammond B3 de fondo. El título lo dice todo. Seguimos con "Got To Find Taht Babe" demostrando el mestizaje de estilos con este "boogie" donde el dialogo entre guitarra y piano es perfecto. En "Down The Aisle" Salim se cuelga el dobro para un tema desenfadadamente rural. El tema de que título al álbum, "Mama's Hometown", es otro de los destacados. Seguimos con el dobro pero esta vez de una forma más pausada con el acompañamiento vocal de Minique Taylor. "Best Of Luck" nos muestra un gran blues del típico  bar perdido y sombrío del sur de los "states". La grabación finaliza con "In My Time Of Dying", un clásico del gospel que ha sido versioneado en multitud de ocasiones (Led Zeppelin, Blind Willie Johnson, Bob Dylan, etc) y que en manos de Salin sube un escalón más.
J.C. Miñana













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ADDICTED RECORDS UNDERGROUND DESDE RUSIA #I (@NoNameRecZ )

Si uno quiere saber lo que realmente se cuece en la cocina creativa de cualquier arte, sin manipulaciones, (esas ya vienen más tarde), tiene que dirigirse directamente al underground. Tanto hemos invocado aquí a esa deidad, que el sello de Moscú,  Addicted, se nos ha manifestado por mediación de su cerebro Anton Kitaev. Especializados en la distribución de material propio y autoeditado, relacionado con el avant rock en su más  amplia expresión. Nos envían un suculento dossier con ejemplos de su catálogo.  Interesantes e inventivas muestras de esa (inmensa) escena. Que aproveche la ensalada (rusa) cerebral.



 DETIETI
         "Frogressive Punk" (2018)

Con una portada que dice mucho sobre su música,  Detieti es un cuarteto que anda entre el R.I.O. de propia invención y cualquier cosa que se les ocurra entre medio. Hasta partes del "Bolero" de Ravel a ritmo de fuzz en la inicial "Cocaintro" (9'17). Intachables músicos  (rasgo común del país), sus inesperados cambios e imprevisibles salidas agradaran a zappafilos inconsolables, con un punto de sonido actual.
  

"Lazy Madonna"(4'58) es acid funk con rítmica matemática de manual. Metal tribal extraño en "Rasta Fear" (5'25), que pronto muta en herencia Gong con inclusión de vientos invitados. Las ideas dispararadas (o geniales) también vienen en micro-cápsulas alucinógenas,  tipo "Murat-Zlurad" (3'48), "The Dream of Woodland Animals" (1'27), "Im. Pokh. " (3'02) o "In Latrine" (2'17). Kraut comprimido en densas dosis a la Faust o Can.

"Diemback" (6'26) está cerca del pronk, (punk + prog), casi inventado por Cardiacs. Y "Threeptile" (11'26) cierra el frenopatico por hoy con amplia selección  bipolar entre complejidad y gamberrismo exquisito. Siempre de profundo rockerio desconcertante y look aleatorio. Poca broma. Aquí hay un trabajo de composición / ejecución altamente profesional. Avant rock de primera división,  aunque los jugadores no sean estrellas, son auténticos maestros en el arte de la sorpresa. Te meten un gol a la más mínima. 
                                        

Temas
1.Cocaintro 00:00 
2.Lazy Madonna  09:15 
3.Rasta Fear    14:10
4.Dream of Little Forest Animals  19:33
5.Murat-Zlurad  20:57
6.Im.Pokh  24:42
7.Diemback    27:42
8.In Latrine (Cocaintro Revisited)  34:06
9.Threeptile    36:21



JAHROOM
           "Cut - Price Goods + Nyx" (2016)

Jahroom es un trío compuesto por Alexander Nenashev (bajo), Timur Dzhanzakov (batería) y Rasel Rahman (guitarra), auténticos virtuosos de sus instrumentos. Digi-pack doble éste,  que compone dos grabaciones sutilmente diferenciadas. "Cut-Price Goods" cuenta con invitados a trompeta y saxos.  Lo que convierte a su material instrumental "bizarre - fusion", en actualizable propuesta de factura jazz - kraut a la Kraan, Missus Beastly o Munju. Sus temas van titulados siempre por números....y a mí me parece todo un mérito que recuerden cual es el "Cut-34" por ejemplo, del "Cut-23" !!!
"Nyx" es un EP de tres temas, y en el que toca tan sólo el trío. En un "post-kraut" (no sé si existe éso,  pero yo me lo invento! ), de gran desenvoltura imaginativa, expansiva y nada cartesiana. "Cut-28" (7'41) es una intersección entre Can y Don Caballero. Mientras que "Cut-27" (4'04) sería lo mismo entre Cynic, surf music y The Shadows!!! Así que imagina las posibilidades que presenta la música  de los completos Jahroom. 
                              

Temas
1.Cut-32 00:00 
2.Cut-23 feat. Konstantin Sukhan  02:42
3.Cut-34     07:43
4.Cut-7 feat. Konstantin Sukhan  10:58
5.Cut-35    16:11
6.Cut-2 feat. Ivan Shanin   20:05
7.Cut-34 feat. Anton Ponomarev  41:17
8.Cut-21 04:58    44:34
9.Cut-28  49:31
10.Cut-27  57:12 
11. Cut-29    1:01:16

TRANSNADEZNOST
       "Monomyth" (2018)

Cuarteto con las flotantes guitarras de Aleksandr Yershov y Alesya Izlesa (también glockenspiel). El ritmo lo llevan Nikolay Vladimirovich (bajo) y David Aaronson (batería). Otros "post-kraut" (ma ha gustado la palabreja), de herencia espacial al estilo de Ash Ra Tempel, Gila,  Lava o Agitation Free. Orientales arabescos guitarreros con la ocasional y "planante" trompeta de Aleksey Gorshkov. Lo que les da un plus de originalidad frente a su temática retro-cósmica. 



"Pachamama" (6'03) es instantánea y convincente. Con aquellos juegos de cuerdas ingravidas jazzisificadas que acostumbraban Lutz Ulbrich y Gustav Lütjens en Agitation Free. Música atemporal que en "Ladoga" (8'19), - "la doga" la llevan ellos -, continúa por oscuros corredores teutones. "Kailash" (9'30) sirve para la notable demostración rítmica de su sección,  en desfase motorik - metronomico a la Can. Coloreado todo con reptilianas guitarras del Fripp más 70s. No sé si habrán leído la novela de Fred Mustard Stewart, "Star Child" (4'28), pero el tema aquí titulado resulta igual de original y onírico  que el clásico menor sci-fi. "Huldra" (7'35) contiene cánticos rituales stoned, que van bien acoplados al macro-cosmos musical de la banda. La breve "Chewbacca" (2'41) se convierte en elegía hacia el actor que dio vida a tan entrañable personaje. El glockenspiel tiene un decisivo protagonismo en su detallista intervención. Finalmente "Day / Night" (12'16) es otro bello paseo interestelar, con la rica presencia de la trompeta, que imprime frescura y un cosmic-jazz feel, simplemente irresistible. Hermoso disco.

Continuará. ......
J.J. IGLESIAS

Temas
00:00 1. Pacha Mama 06-03
06:03 2. Ladoga 08-19
14:22 3. Kailash 09-30
23:52 4. Star Child 04-27
28:19 5. Huldra 07-34
35:53 6. Chewbacca 02-40
38:33 7. Day/Night 12-15






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CARRIE NATION - Live at Winterland 1976

Desde la aprobación de la ley de derechos de autor en el parlamento europeo las cosas se están poniendo difíciles para todos aquellos que suben contenido a youtube. En esta ocasión queremos hacernos eco de un canal (Rock on MV) que desde hace algún tiempo comparte contenidos verdaderamente interesantes. En dicho canal podemos encontrar el concierto de los desconocidos Carrie Nation de 1976.


A mediados de los 70 Charlie Williams (voces, guitarra rítmica), Richard "Doc" Halstead  (voces, percusión) y  Bob Crabb (letrista y dibujante) forman la banda en Nevada city. Se trasladan a Atlanta y completan el grupo con  Marty Bone (guitarra), Hugh Pitts (guitarra), Billy Smart (bajo) y Kenny Ladenburger (batería). Tuvieron un recorrido de unos cinco años en los cuales no llegaron a publicar ningún disco.


La grabación pertenece al concierto de Carrie Nation en Winterland en 1976. El evento fue organizado por el inefable Bill Graham y completaban el cartel Kingfish ( Bob Weir) y the Elvin Bishop Band. Su música se mueve por los terrenos del rock sureño con muchos toques psicodélicos. El concierto se inicia con "I Wanna Know" que nos confirma lo anterior con un gran riff de guitarra. Continúan con "Silver Shells" un tema mucho más campestre y con la participación de sus dos  vocalistas Charlie Williams y Richard "Doc" Halstead. "Stealin' Man" tiene un marcado carácter rockero con alternancia en los solos de sus dos guitarristas Marty Bone y Hugh Pitts. La fiesta sureña  y los buenos momentos guitarreros continúan con  "You Give Me Joy". "Country Joy" tiene sonidos de bandas como Quicksilver o incluso Allman Brothers. La balada llega con "Lacey", baile en el granero. "Birthplace Of Our Nation" tiene sonidos que rememoran nuevamente el "southern rock". Finaliza el concierto con "Brother" la pieza más extensa con más de 14 minutos donde podemos escuchar sonoridades a lo  Allman, Outlaws o Lynyrd Skynyrd.
Buen documento sonoro.
J.C.Miñana


Temas
0:00:00 - I Wanna Know
0:05:36 - Silver Shells
0:12:15 - Stealin' Man
0:15:20 - You Give Me Joy
0:19:55 - Country Joy
0:24:05 - Lacey
0:33:01 - Birthplace Of Our Nation
0:38:14 - Brother





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PYRAMIDAL - Pyramidal (2019 / LAY BARE REC.) (Rockliquias Bandas)

En éste maravilloso "sin vivir" que disfrutamos actualmente,  en el que cuánta más información tenemos, más underground son las bandas, se dan curiosas paradojas. En el caso de los alicantinos Pyramidal,  hasta el punto de que sean más conocidos fuera que dentro de nuestras fronteras. Casi que hasta tocan más en el extranjero. Esto puede ser causa de que sus sellos hayan sido alemanes u holandeses, por lo que Pyramidal es una banda claramente internacional. Primero grabaron con Krauted Mind Records, su debut "Dawn In Space" (2011) y "Frozen Galaxies" (2013). Luego vino "Live Freaks : Live At Freak Valley Festival" (2013). Al margen de algunos splits e intervenciones en otros directos.



Formados en 2010 de las cenizas de Kreis y Moon, su radio de acción ha sido siempre, el space rock setentero. Al principio con algún toque stoner aquí o allá,  pero con más Hawkwind que Black Sabbath en el potaje.

Ocurre que éste tercero en estudio les ha salido más progresivo, así que han optado por nombrarlo homónimo,  como un nuevo comienzo no sabemos si espiritual, pero sí más amplio musicalmente. El cuarteto formado por Miguel Ángel Sanz, Miguel Rodes,  Lluís Más y Óscar Soler gusta y mucho por ahí fuera. Lo demuestra su participación en el prestigioso Festival Roadburn de Tilburg, en 2015.

Es poner "Pyramidal" y sonar "Visions of An Astral Journey" (9'04), y uno cree que ha puesto un disco de Brain,  Ohr o Bacillus. Sellos kraut 70s de garantía asegurada. El saxo de Arantxa Marín los pone en la órbita de levitaciones space-jazz tipo Kraan, Missus Beastly, Munju o Xhol Caravan. King Crimson mid-70s y Soft Machine también entran en la ecuación.  Incluso Porcupine Tree, cuando querían ser los Pink Floyd de los 90. Sus cambios son ásperos y hacen pensar en agrupaciones escandinavas dark-prog del nuevo siglo. Pura artesanía en extinción. 


De igual exquisitez se plantea "Creatures of the Ancient World" (10'26), con su orientaloide melodía que nos lleva a interiores de cámaras mortuorias dentro de pirámides,  calentando motores para salir zumbando hacia el próximo plano astral. Stoned vocals entran en acción por primera vez, mientras la regresión te lleva a civilizaciones que hacen joven a la egipcia. Hawkwind en estado puro, neto y bruto. Que si Dave Brock necesita un nuevo line-up,  con pillar a Pyramidal se le arreglan todos sus problemas. César Tenorio apoya con sus sintes, dando el perfecto y adecuado ambiente.

"Unsconscious Oscillations" (3'11) vuelve al space-jazz con instrumentos disparados en todas direcciones. El feeling cinemático y de misterio forma el trademark de ésta banda, atrayente y con la suficiente energía como para no desviar la atención del oyente ni un segundo. 


Demostrable en "Digital Madness" (9'42), cantada en tono "arábigo loco" y que si lo piensas, no anda alejada de nuestro rock andaluz. Llevado al space kraut con insuperable nivel y astucia. Una auténtica genialidad se mire por donde se mire. El ritmo arrasa y las guitarras transportan más rápidas que la velocidad de la luz, por agujeros negros de cósmica ensoñación progresivo-psicodélica. Cuidado que se te llevan. 

Y aún queda otro plato fuerte, "Alussa Infinity" (15'00), de imponente presencia esquizoide crimsoniana, (ergo, norteña también), con los más furiosos arranques fuzz del álbum. Siniestros recitados,  riffs sabaticos,  ritmos suicidas extremo-death. ....y de pronto, una subyugante calma espacial en la infinita inmensidad cósmica.  El violín de Judit Aliaga hace acto de presencia, como un Simón House entrando en su realidad cuántica atraído por sonidos familiares. Un palpitante bajo a la Waters recorre los últimos minutos con ingravidez gilmouriana, mientras nos da "la bajona" por el inevitable final de trayecto. 


Afortunadamente, el "play" está para pulsarlo. Eternamente. Excepcional obra de excepcional banda absolutamente internacional. Da gusto oíros, tíos. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1-Visions of An Astral Journey 00:00
2-Creatures of the Ancient World 09:06
3-Unconscious Oscillations 19:33
4-Digital Madness 22:44
5-Alussa Infinity 32:27



Contacto:




P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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SYNDONE - La bella e la bestia (2012)

El título de este disco es muy inspirador. Bellas hay muchas, pero hay muchas más bestias. El carácter apasionado de los que hablamos castellano tanto de los autóctonos como los del resto de países de habla hispana tenemos esa “peculiaridad” y llevamos colgado ese sanbenito de macho latino o latin lover. No es nada de lo que estar orgullosos os lo aseguro y si no mirad las estadísticas de violencia pasional y de las barbaridades cometidas en nombre del amor. 

Recuerdo una entrevista a Salvador Dalí ya en los últimos años de su vida y cercano a la demencia donde le preguntaban si era un hombre feliz y él contestó que la verdadera felicidad del hombre viejo era levantarse por la mañana y ver que ya no se le ponía dura. Jamás escuchareis un pensamiento filosófico tan profundo. Que ya no se te ponga dura significa que ya has trascendido más allá de los falsos deslumbramientos de la vida. La eliminación de las emociones y de las pasiones solo pertenece al mundo del absoluto conocimiento. De la absoluta sabiduría. Hay que ser consciente de que el amor es una enfermedad de difícil cura. Es un motor de desgracias más que de alegrías. Otra cosa es el afecto y el aprecio. La obra del monstruito y la chica guapa pertenece a una escritora francesa del siglo 18 llamada Gabrielle Suzzane Barbot y luego hubo otras versiones en siglos posteriores. Es una obra de una maldad sofisticada: el desgraciado monstruo tiene que conseguir el amor verdadero de la protagonista femenina para convertirse en un bello príncipe porque la belleza está en el interior de las personas y ella tiene que descubrirlo. A ver quién narices en la realidad se lía con un tío feo de cojones o viceversa por muy buena persona que sea. Repugnante mentira. Pero hay trampa: la bestia es inmensamente rico y un educado aristócrata. El significado de la obra es terrible: Es horrendo pero tiene pasta y poder. Un monstruo con pasta puede follarse todo lo que se mueva. Un chaval guapo sin oficio ni beneficio lo tiene claro. Por otra parte existe un tremendo trasfondo de misoginia encubierta en esa obra completamente adaptable a los tiempos que corren. Realmente las personas nos fijamos en la belleza interior…? No lo creo.

El caso es que el nuevo trabajo de Syndone se centra en este “cuento de hadas” y lo lleva al sinfonismo porque el tema pega completamente. El hammond ruge ya de entrada para dar una introducción entre el jazz y la obertura. Una entrada brass jazz band sigue en la brecha con empleo de vibes y vocales muy teatrales y dramáticos que pronto se funden entre la fusión y la música clásica en un estilo altamente profesional y académico. Partes elegantes y muy sofisticadas de piano y órgano se rubrican con pinceladas de moog. El canto es oscuro y amargo (la bestia supongo) casi cercano a la narrativa y la música es expresiva y violenta cuando se requiere. Las intervenciones camerísticas de cuerda se mezclan con elementos totalmente dramáticos, pero la composición está muy elaborada de elementos sinfónicos con lo cual los estilos se funden entre lo académico con desgarradas líneas de rock, lo operístico y lo contemporáneo en una original alquimia que puede no gustar a todos. Hay más drama que lirismo pero quizá la temática lo requiera así. Los cambios son constantes y las emociones variadas. Impresionante empleo de teclados como es de esperar ya en esta banda. Hay un breve interludio que me hace gracia por su título llamado “piano prog impromptu”.



 Las partes cantadas como ya he adelantado son más pasajes operísticos o arias que canciones propiamente dichas. La influencia de la lírica italiana es inconfundible en cada segmento que escuchamos, pero no por eso nos olvidamos que es rock progresivo complejo casi avandgarde y altamente elaborado con variada instrumentación con flauta, cello, percusiones etc. Hay recursos zappa por doquier incluso . Lo que no hay son baladas o concesiones melódicas fáciles por lo que no va a entrar con vaselina precisamente. Exige atención por su complejidad armónica y es mucho más fácil que este disco lo aprecie más quien está metido en la música seria contemporánea que en el rock. La portada es excelente y desgarradora a la vez. Música elegante de altos vuelos.
Alberto Torró





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BROTHER APE - Karma (2017)

Ponemos fin a estos señores suecos con su último trabajo de 2017 y también pensando en los diabéticos y en la repostería industrial con exceso de grasas saturadas.



 Los seres humanos salvo los políticos, los neoliberales, los estados patrioteros o los ideólogos y demás maldades, tenemos sentimientos y algunos hasta sensibilidad y diferentes fases en la vida que a veces duran minutos y otras, años. Las contradicciones en los individuos son habituales y hasta necesarias. Una cabeza inamovible es insoportable y yo he tenido épocas más jóvenes con rasgos de intolerancia musical y odios patológicos hacia otras expresiones artísticas que me resultaban repelentes. Afortunadamente con los años te haces “sabio” y ves que el mundo no termina en la punta de tus narices. Te haces fiel hacia esa actitud mágica que se llama “indiferencia” y no injerencia en asuntos que te son ajenos. No entrometerse, en una palabra. Pero esto también lleva una importante actitud de respeto hacia lo que no compartes. No hay nada más estúpido en la mente del ser humano que creerse la verdad absoluta de las cosas y la generalización negativa de las mismas. No hablo de empatizar porque eso es casi siempre una actitud de falsedad, sino de dejar en paz al mundo y a cada uno de nosotros. El mundo es lo que es y nadie puede hacer nada por cambiarlo. Pero sí que puede uno cambiarse a sí mismo. El amor-odio con ciertas músicas es algo más habitual de lo que la gente cree. Suele ocurrir conforme más música escuchas. Lo que en un momento resulta maravilloso en otras puede ser agotador dependiendo casi siempre del estado anímico en el que te encuentres. La bipolaridad musical es algo completamente normal afín a la inconsistencia del ser humano.

Brother Ape es un grupo para momentos de escasa profundidad que es habitualmente donde reside la alegría natural. La alegría natural es un don preciado que ocupa escasísimos momentos en nuestras vidas. Diría más, incluso rarísimos. Casi siempre nuestra actitud hacia la gente es de una felicidad forzada y antinatural que se mide por el grado de educación y cinismo de cada uno. Pero hay músicas que te liberan de eso: lo que yo denomino encantador que es precisamente esa alegría natural. Es como una bebida agradable una sabrosa comida, un  buen polvo sin prejuicios o una situación desternillante y absurda que te provoca la risa hasta llorar. Todo lo que nos hace reír es bueno salvo los que se ríen por crueldad que son demasiados desgraciadamente. 



“Karma” tiene momentos para que la música sea una digestión ligera. Aun en sus temas más cañeros hay espacio para el bienestar gracias a su forma de cantar y de acertar “ese punto” en la guitarra solista y en esa “decoración” sonora del resto de la instrumentación. Como casi siempre las ocho canciones que lo componen están perfectamente estructuradas en no alargarse demasiado. Buscan el efecto directo. No existe la introspección, sino tener el sonido que llene la habitación y que el ambiente sea agradable a la vez que dinámico. No te exigen una profunda atención. No es una música para “investigar” detalles. El efecto es global. Habrá momentos que no te apetezca escucharlos porque pertenecen al mundo prog de la superficialidad y en otros, y si en ese día te has levantado con buen humor, cumplirán su función sencilla de alegrarte y dependerá de la personalidad que nos haya poseído esa mañana. Que no siempre es la misma.
Alberto Torró 





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