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ZYTOSPACE - Wusteland (2019 / VERLAG SYSTEM)

Desde que comenzamos hace seis años con ésta sección,  "Ensayos para un Sonido", sólo había aparecido por aquí un nombre español (y no del todo), Neuronium. No será porque no haya sintenautas experimentados en nuestro panorama, precisamente. Así que para ponerle remedio comenzamos hoy con un nuevo nombre, Zytospace,  que no músicos primerizos. Éste dúo de Valencia está compuesto por Tomás F. Girón,  multiinstrumentista y compositor con su propio proyecto, Girón,  y tres cds + un dvd en su haber. También ocupa el puesto de bajista en la banda de rock progresivo, El Círculo de Willis.  Miguel A. Ruiz lleva desde mitad de los 80, que se dice pronto, con su proyecto Orfeón Gagarin. Publicó un vinilo en 1992 en Alemania, "Encuentros en la Tercera Edad".


Ahora se juntan para dar vida a Zytospace con su "Wusteland", de clara pretensión revisionista hacia la electrónica berlinesa. Su vasto equipo tecnológico puede que sea de última generación,  pero sus sonidos y texturas retrotraen con absoluta convicción a los 70. Así que se ponen sus mejores galas alemanas (hasta en los títulos) y nos invitan a conocerlos con dos largas piezas rebosantes de ensoñación teutona en la mejor tradición. 

"Das Totenamt / Sermon Des Feuers" (33'25), es una inicial maraña drónica con atrayente e inquietante dramatismo schulziano ideal para una peli tipo "Interstellar". No creo que tuvieran mucho problema en embarcarse en un proyecto cinematográfico,  de proponérselo. Poseen predisposición melódica suficiente, y saben cómo adornarla con un sinfín de enjambres electrónicos,  de hipnótico efectismo lleno de belleza surrealista plástica. Los combinados secuenciales se "suben a la cabeza" tal y como debieran, y sin darte cuenta, estás en un agujero negro sensorial en el que todo puede suceder, y lo saben. El despegue secuenciado sobre el minuto diez, nos propone un serio viaje por sus riachuelos de información digital, en analog disguise. Podríamos decir que como Tangerine Dream en la mitad de los 70, pero resulta que, felizmente, también cómo éstos mismos en su versión actual. 



Las espirales cíclicas secuenciales van mutando lentamente,  mientras que continúa el trip melódico con rico lirismo de casi índole progresiva. Para el minuto quince asistimos a una regresión de la gira de "Encore", reconstruida con vívidos y convincentes paisajes de naturaleza TD. Pero con una propia huella actual que hace de Zytospace unos recuperadores de emociones con algo que aportar de su propia experiencia,  como sintenautas veteranos y avezados cadetes espaciales en mil y una incursiones sideralmente musicadas. El trabajo secuencial es de manual, bien entremezclado con melódica cibernética de poesía cósmica elegante y muy digerible, agradable, pero no edulcorada ni empalagosa. Cuando faltan unos diez minutos para su final de trayecto, su aterrizaje se produce con los mayores momentos de experimentación, de sonoridad industrial, como en un hangar lleno de actividad laboral. De nuevo un acertado secuenciador presta la base resolutiva retro, a la Tim Blake, para un nuevo amanecer sentimentalmente robótico. Da la sensación de un final feliz, y desde luego es lo que parece dada su intrínseca calidad. 

La segunda y final, "Chroniken des Lichts / Was der Donner Sagte (30'27), se inicia con planteamientos de puro Schulze / Froese, en liderazgo secuencial cubista,  que lentamente va limando sus aristas rítmicas con la ayuda de sinuosas ondas de síntesis. Melancolía vangeliana toma protagonismo en otro momento inevitablemente fílmico,  que juega y teje bonitas telas de araña secuenciales donde caes ensimismado. Todo se torna más oscuro, algo está pasando. Los momentos felices dan miedo, porque tras ellos algo funesto va inequívocamente enlazado. Y la electrónica de negros nubarrones toma el relevo, con sabia medida de la temperatura emocional. Sin llegar al siniestrismo fácil.  Más bien rediseñando patrones negativos, con música re (tro)frescante, que nos hace una parada para visitar el "Museo Crystal Machine"...... Sumo placer en el enigma de arcaica raíz.  Hay cosas que mejor están sin resolver. Evitas decepciones.


La armonía de las máquinas te acoge con sus cálidos mantos analógicos y protege de peligros adversos, en la crueldad de la mal llamada "realidad". El sueño transcurre plácidamente,  sin sobresaltos, en un total nirvana neuronal. Sin embargo, hay algo ominoso en el ambiente, siempre lo hay, y se siente. Pero el placer de flotar ingrávido en el multiverso se hace más fuerte que nada. Se acercan drones rítmicos amigos, que avisan de posibles peligros materiales. Se encargan de alejarte de ésos pútridos manipuladores del alma, y te conducen hacia un oasis cósmico que impregna la consciencia con eterna libertad individual. No lo olvides, eres ÚNICO. Algunos, los pútridos e ignorantes, lo llaman "cielo", para comprender lo incomprensible. Es más "sagrado" que éso. La anárquica armonía de las esferas, el fractal caprichoso del cosmos, en su raíz más pura y limpia. De donde perteneces y adonde tienes obligación natural de volver.



Y Zytospace cumple con su misión proyectándolo todo en tu mente, revelándote la verdadera realidad.
Uno de los discos del año.
J.J. IGLESIAS






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BUDGIE - Live in London Global Village (1974)

Budgie fue una banda nacida a finales de los 60 que supuso una referencia pra las nuevas bandas del NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal) en los 80. Algunas de sus canciones han sido versioneadas por grupos como Metallica, Iron Maiden, Soundgarden, Voivod, Van Halen y Judas Priest. Hoy los recordaremos en uno de sus conciertos del 74.



En 1974 Budgie ya tenía en el mercado cuatro discos: "Budgie"(1971), "Squawk" (1972), "Never Turn Your Back On a Friend" (1973) y "In For The Kill!" (1974). En este último se había producido el primer cambio en su formación desde su origen. Ray Phillips era sustituido por el batería Pete Boot que estaría en la banda hasta final de año siendo reemplazado por Steve Williams. El grupo en ese momento tenía una posición sólida en el panorama hard rockero.


La grabación corresponde a la actuación de Budgie en el Budgie - Live in London Global Village de Londres el 9 de marzo de 1974. El "setlist" está compuesto fundamentalmente por temas del "Never Turn Your Back On a Friend" (1973): "Breadfan" versioneado en 1988 por Metallica, "You're the Biggest Thing Since Powdered Milk" (curioso título) y "Parents". También tenemos un adelanto del disco que publicarían en mayo de ese mismo año, "In for the Kill!",: "Zoom Club" y "Hammer And Tongs". Finalizan con "Rocking Man" del "Squawk" (1972). En cuanto a su música Budgie nos ofrecen un gran hard rock con algún tinte blusero en "Hammer And Tongs" con muy buenos riffs a cargo de su guitarrista Tony Bourge  secundado por un potente bajista, Burke Shelley, con sonidos a lo Lemmy, y la participación de su nuevo batería, Pete Boot. El sonido es excelente con pequeñoas perdidas en algunos momentos.
J.C.Miñana



Temas
00:00 Breadfan
06:06 You're The Biggest Thing Since Powdered Milk
14:24 Hammer And Tongs
26:27 Zoom Club
35:25 Parents
44:03 Rocking Man





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GLOW - Dive Into the Sun (2006 / ALONE)

Conectando directamente con mi última reseña sobre Fooz, quizá deberíamos colocar a ésta serie de grupos en una nueva sección llamada "Rockliquias Bandas Semi-Classic". Porque llevan camino de serlo, pero todavía son recientes (si se permite como "reciente", hace 13 años).


Según mis investigaciones,  éste fue el último álbum de los madrileños Glow,  practicantes de un stoner - doom de proyección internacional. Formados en 2001 como The Tempter, y a cosecuencia de su veneración por Trouble, Pentagram, Black Sabbath o Spiritual Beggars, ponen en circulación en 2003 la demo "Living on Borrowed Time". Al año siguiente se autofinancian su primer álbum,  "Gone, But Never Forgotten". Y en 2006 Alone Records los acoge en su escudería con "Dive Into the Sun". Además participan en diversos tributos grabados fuera del país,  dedicados a Black Widow, Black Sabbath o Buffalo. También pasean su música por las tablas de Bélgica,  Holanda y Alemania, en conciertos y festivales del gremio, (Doom Shall Rise Fest 2006, junto a Solitude Aeternus o Debris Inc, entre otras). Glow son Miguel (bajo, coros), Charly y Juan Luis (guitarras), Ricky (batería) y Ralph (voz solista). Con la importante colaboración aquí de Txiki, teclista de The Soulbreaker Company (con los que comparten escenarios), al órgano Hammond.

Una ominosa intro rompe la paz con "Inside" (6'38), mostrando a una cualificada formación doom 70s, con muro decibélico protegiendo la fortificación retro, poderoso vocalista y acorazada rítmica. Los fogonazos Hammond ayudan en el viaje temporal, aunque mimetizados con las guitarras. "Doomdriver" (11'43) se plantea psicodélica,  para luego presentarsen como emisarios de las blasfemas escrituras del "Sabbath Bloody Sabbath". Si bien el órgano tiene un papel destacado en su sonido como aliado del tándem guitarrístico, ofreciendo picante habanero 60s. Riffs aplastantes de efecto Iommi, ritmos endiablados (y aquí vale mucho el adjetivo), y contundencia inmisericorde exquisitamente fabricada. Excesivos, sí,  pero éso es lo que necesita éste género
Otro muestrario de su (pestilente) esencia es "Wasted" (8'01), envuelta en psicodelismos a la Jane verbigracia al Hammond en atenta jugada, y explosión de Marshalls al 11 acercando posiciones con Trouble, Candlemass o Count Raven. En sus momentos más ácidos  son como si Phil Moog cantara con los Floyd de "Ummagumma", con Iommi dando un golpe de estado. Como no escatiman en sus propuestas,  en "Dead Angels" ( 11'49) aproximan ritmos sludge en su pesado deambular hipnótico -zombie. Hasta que se sacuden la modorra psych y vapulean al oyente con violencia sonora en sobreactuación guitarrera y drama vocal al uso. Inmenso. Su final aterriza en colchones psico-proggers de bella conclusión. Sin terminar las últimas notas del órgano, entra "Winter Pain" (6'48), con ése clásico proceder doom, que es como si el blues practicara satanismo ritualīstico, y no me estoy refiriendo a leyendas urbanas del tipo Robert Johnson. O puede que sí,  que sea su perfecta evolución hacia el mal...

Lo que está claro es que Glow también adoran a alumnos de la secta NWOBHM, sector Occult, como Witchfynde o Witchfinder General. Para "Evil Number" (6'34) vuelven a recordarme a una versión luciferina de los primeros UFO, y hasta con un solo de órgano  muy "purple-ish", incidiendo en la herida retro que tan bien nos gusta que duela. Siguen en la misma aptitud con "Wake Up" (9'09), con detonaciones wah wah y más "sucio blues del infierno", que es como denominaría yo a su stoner/doom de manual. Por último  "The Weatherman" (5'32) es como una versión fosilizada del "Doctor, Doctor" con pétreo recubrimiento doomer e inmunidad al aburrimiento. 

Un perfecto disco de estilo, extremadamente bien producido y que nos dejó con la miel (o hiel) en los labios....no sé si están separados, o lo suyo es un hiatus muy alargado. Pero sin Glow en la escena, todos perdemos.
J.J. IGLESIAS


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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IAMTHEMORNING - The Bell 2019

Existe en el imaginario popular una historia siniestra que fue sin embargo completamente cierta. En el siglo XIX la posibilidad de ser enterrado vivo era bastante real. El miedo a la catalepsia entre otras posibilidades naturales aterrorizaba conforme se acercaba uno a la vejez. La medicina, hasta bien entrado el siglo XX no certificaba con toda seguridad que uno había palmado. Se dejaba al finado velándose durante unos días con el consiguiente susto si el fiambre se levantaba y pedía agua. En caso contrario la peste a muerto invadía la estancia de las familias burguesas y ya era un signo de que había que tirar el pescado. Con los de clase baja que eran la gran mayoría, había menos consideración y con los muertos en guerra ninguna. Al hoyo y que dios te ampare. Cuantos habrán despertado en el hoyo o en la caja es incierto, pero me temo que muchos. Ningún tiempo pasado fue mejor para nadie a pesar de que ahora nos quejemos de todo. Mi abuelo materno que se fue con 100 años cumplidos y fue un cachondo, quería que lo enterrasen con pico y pala pero dentro del ataúd por si las moscas tenía que hacer un túnel. El caso de ser enterrado en nicho pidió un martillo que de poco le habría servido. En la Inglaterra victoriana se puso de moda colocar una campana exterior y una cadena que conectase con el ataúd para avisar al vigilante del cementerio. Como estos en la mayoría de las veces iban borrachos porque ese trabajo lo pide, el concierto de campana en el cementerio podía ser entretenido hasta que dejaba de sonar.


Esta es la temática del cuarto y último disco del dúo ruso. La morbosidad poética está servida. La portada como siempre es preciosa pero podían haber incluido la manita del finado dándole al tubular bells completamente cabreado cosa que me habría emocionado sobremanera por su profundidad estética.

“The Bell” efectivamente enlaza con esa estética victoriana y quizás con la moda espiritista que invadió esa época. Hace unos días vi la película Kardec en Netflix que habla de ese tema y como se tomó tan en serio la existencia de espíritus incluso en círculos próximos a la comunidad científica lo que hoy día resulta delirante. A los curas no les gustaba el tema espiritista al que asociaban con el diablo. Entre unos y otros la ridiculez humana estaba servida. El propio grupo cita al compositor Schubert como influencia en una especie de ciclo de canciones al modo romanticismo. La crueldad del mundo. Es de agradecer que algunos músicos contemporáneos se preocupen por temáticas cultas, por el pensamiento “antiguo” alejado de la mentalidad idiota de las “artes” actuales. Es esquizofrénico asistir a la vulgaridad choni de hoy día y encontrarte gente que realiza música fuera de tiempo y lugar. Iamthemorning es una excepción en todos los sentidos. A veces pienso en montar un grupo progresivo basado en el art nouveau o en el modernismo de Gaudí. Es tan decadente y tan fascinante que me produce una perversa alegría. Música modernista imaginaria creada con instrumentos actuales. Continuar con lo que se quedó en Poulenc, Ravel, Delius, Sibelius o Stravinsky…que maravilla!!!


De los cuatro discos en estudio de Iamthemorning este es el mejor, el más maduro, el más extraño, el más trabajado…el más bonito. Es un prog nuevo, fresco como la mañana que ellos mismos proclaman. Recuerdo el “Hounds of Love” de Kate Bush. Su mejor disco si tengo que hacer un balance. No es que me lo recuerde musicalmente, pero intuyo algo parecido en su estética. Es una percepción personal. Tan solo eso. Las diez canciones de “The Bell” tienen títulos delicados, sugestivos, líricos, poéticos. Para alguien que odia la poesía como yo, resulta chocante. Esa bipolaridad de amor-odio hacia cosas que queremos y a la vez odiamos. Recuerdo la reacción de un amigo mío con el adagietto de la quinta de Mahler: “…quítalo es horroroso!!!”… llevaba lágrimas en los ojos. Creo que se entiende lo que quiero decir. Cuando la música “duele” algo se remueve en nuestro interior. No es necesario ni siquiera que haga un comentario canción a canción. Solo os diré una cosa: precioso. La respuesta ante la música solo está en la mente de cada uno.
Alberto Torró






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IZZ - I Move (2002)

Si su primer disco fue una toma de contacto, en este hay cierta inclinación al riesgo de jugar con peligrosas modernidades como incluir ritmos de trip hot (¿?) que yo como ya soy muy antiguo no sé muy bien lo que es. Pero ocurre una cosa y son los excelentes arreglos y giros que imprimen a las composiciones. 



No soy en absoluto contrario a meter cosas chocantes dentro de la música, siempre y cuando digan algo y despierten la curiosidad. Lo que más aborrezco es el aburrimiento y la pesadez o la falta de ideas. No es el caso, vaya esto por delante. Izz realizan un progresivo de hoy pero utilizan bien las especias. En términos gastronómicos sería una cocina de fusión pero sabrosa. Hay guiños a casi todo lo prog en el sentido tradicional del término, pero dándole la vuelta y evitando lo previsible. Las voces masculinas siguen recordándome a la época psych de los sesenta a medio camino de los Beatles, Byrds o los primeros Floyd. Las primeras piezas de este disco van por esos derroteros incluso en el empleo de órgano añejo a lo farfisa y guitarras con eco muy vintage. Pero a veces los ritmos electrónicos nos traen al presente en esa especie de acid-house. Insisto que no soy partidario de esas músicas horribles, pero todo está en la manera de utilizarlas huyendo de la simpleza. 

“I Move” va ganando conforme avanza porque van desarrollando cosas muy agradables: “I Already Know” es un buen ejemplo. Hasta el tema 7 no se adentran en longitudes de tiempo. Hay una cosa que no se tiene a veces en cuenta y es la importancia en cualquier álbum de música de no empezar con lo más flojo del programa. Esto es relativo lo sé. Un músico puede pensar que su canción de apertura es cojonuda y a mi parecerme una mierda aunque en líneas generales los primeros temas de un álbum deben ser interesantes, porque meter lo mejor al final puede suponer que el oyente tire prematuramente la toalla. 

La instrumental “Star Evil Gnoma Su” ya no tiene nada que ver con las “ocurrencias” iniciales. Los teclados ya nos meten en complejidades prog y los sintes solistas toman protagonismo. Parece otro disco distinto de todo lo anterior. La batería ya empieza a meter ritmos cruzados y complicados para que la guitarra solista se luzca y las teclas entren en la conversación. Fusión jazz rock en esencia y fuerza expresiva llena de cambios. Podían haber empezado por aquí. La canción “Another Door” cambia por completo el estado anímico. Bonita estructura. En la breve  “Something true” aparecen tímidamente voces femeninas de apoyo. Han entrado en el grupo las cantantes Laura Meade y Anmarie Byrnes que colaboran de momento en tan solo tres piezas. 



Los 11 mtos de “Comming Like Light” nos llevan a los pianos emersonianos y las debilidades ELP en pasajes enrevesados también próximos a los Crimson con hermosas alternancias melódicas. En definitiva, es un disco que pisan terrenos variados y entretenidos y lo suficientemente atractivos para cualquier prog con pedigrí.
Alberto Torró










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EDDIE HARRIS - E. H. IN THE UK - LONDON SESSIONS (1974 / ATLANTIC)

En los 70 solía ser habitual la visita a Inglaterra de personalidades americanas, sobretodo del blues, para plasmar unas sesiones con músicos británicos. Ahí tenemos las de Howlin' Wolf con Clapton / Winwood / Wyman / Watts, como ejemplo clásico. No fue tan habitual en el ámbito del jazz, al menos no con músicos procedentes principalmente del rock. 


Eddie Harris nació en Chicago en 1934, así que éste álbum lo grabó ya con 40 años, rodeado de "jovenzanos" de relumbrón. Se especializó en saxo tenor, piano y vibráfono. Su debut profesional lo hizo con Gene Ammons, y de ahí a codearse con la élite,  fue todo uno : Lalo Schfrin, Cedar Walton, Kenny Burrell, Melvin Jackson, Joe Newman, Les McCann o King Curtis......yo lo asocio con éste último por su fusión de jazz, funk y rhytm'n'blues, en su mismo estilo y sello, Atlantic.

 Motivo de aparición en Rockliquias es la elección de músicos para éstas sesiones. Mientras Harris interpreta en las mismas al saxo, trompeta, piano y voz. La inicial "Baby" (6'45) nos lo presenta rodeado por el "rey del skiffle", Zoot Money (piano eléctrico), Neil Hubbard, guitarrista de Juicy Lucy y Albert Lee, guitarra de Heads, Hands and Feet, (el cual es el fijo de éste instrumento en todo el disco), Boz Burrell al bajo (King Crimson , Bad Company), y Alan White, batería recién estrenado en Yes. Todos se aplican en un nada ortodoxo blues, canturreado por Harris como un bebé, de ahí el título. Con un ritmo extraordinario y finísimas guitarras con apoyo del Rhodes y una resolución al saxo de brillante pulso jazz.

 En "Wait a Little Longer" (4'12) repite la misma formación con groove jazz & soul instrumental  de ágiles y elásticas texturas, entre Crusaders y Tom Scott. Para "He's Island Ma" (2'25) se sienta al Fender Rhodes, Steve Winwood, nada menos. Pero es que el que enchufa el ampli de la guitarra es Jeff Beck. Y en la sección de ritmo tenemos a Burrell e Ian Paice. Un Bad Co y un Deep Purple. Supera eso, John Mayall!!! Lástima de su brevedad, porque ahí había un amago de jam histórica.  La juerga en los Morgan Studios debió estar servida. Dónde están las cintas sobrantes de éstas sesiones? Una investigación en toda regla, procede.

"I've Tried Everything" (8'13) ve repetir a Beck y Paice, pero al bajo tenemos ahora a Rick Grech (Traffic, Blind Faith), que pasaba por allí. ...Eddie Harris acaricia el electric piano en contestación a la "charla"que le propone Beck, al que le deja "hablar" generosamente. Siendo zanjado el asunto con un bello fraseo jazzistico al saxo, cerca de Grover Washington JR por esas fechas, cuando todavía no había adulterado su estilo por el smooth y el mainstream jazz. CLASE es la palabra para definir la pieza en cuestión.  

Damos la vuelta al vinilo y ahora nos enfrentamos a la "cara prog" del mismo. Para empezar, "I Waited for You" (5'48)  cuenta con Tony Kaye al......moog (!!??), soleando una melodía que parece de peli española de J. L. López Vázquez. Le acompaña Chris Squire al Rickenbaker y Alan White en la batería. ...Yes en "yazz"! El saxo de Harris se complementa perfectamente a la melancólica tonada propuesta. Y esto ya adquiere nivel "momento palote", para bailar bien apretao en la boite.....Aquí "hay tema", pero seguro, vamos.

Finalmente,  "Conversations of Everything and Nothing" (15'54) nos repite la formación anterior, en la pieza más interesante del disco. Squire escupe bocanadas de profundas notas graves. Y el moog de Kaye es todo lujuria sinuosa, con curvilineas melodías analógicas. Albert Lee adorna, pero no influye, en una experimental jam que parece extraída de las sesiones del "Bitches Brew". Personalmente hubiera preferido todo el álbum en ésta onda (pero Atlantic Records, no). Y con el teclista de Yes de ése año, Patrick Moraz, la cosa se hubiera disparado a nivel jazz estratosférico, dadas sus habilidades al piano en ése género. Aunque en su lugar "sólo" tenemos a Steve Winwood. Pura improvisación jammer entre malos bichos del prog & psych,  dando lo que te esperas y de sobras.


Por una vez, estamos hablando de un álbum de 10 pavos, así que no hay excusa. Eddie Harris siguió con su carrera, en los 80 junto a Horace Silver, falleciendo en 1996. Le agradezco de corazón su amplitud de miras y el poco ego exhibido en éste álbum. Las enseñanzas de Miles Davis dejaron fuerte huella.....parece que hasta en los mismos Yes (escucha con atención su disco de ése año, "Relayer").

Indispensable para coleccionistas de la saga afirmativa.
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Baby
    02. Wait A Little Longer
    03. He`s Island Ma
    04. I`ve Tried Everything
    05. I Waited For You
    06. Conversations Of Everything And Nothing




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SACRI MONTI - Waiting Room For The Magic Hour (2019)

Cuenta Anthony Meier (bajo) que en su primer show actuaron sin un nombre definido. La tarea fue ardua y complicada pero por fin se decidió por Sacri Monti (Montañas sagradas) y tres meses después ya se subían al escenario con esa denominación.



La banda procede de Encinitas, condado de San Diego, California. Sus miembros se conocen desde la escuela secundaría. Brenden Dellar (guitarra, voz) y Thomas DiBenedetto (batería) comenzaron a tocar juntos en un grupo local llamado Green House en 2009. Posteriormente se les unió  Anthony Meier (bajo) y Dylan Donovan (guitarra). Ensayaban en el garaje de un amigo común y se hacían llamar Y@R. Su primer show como Sacri Monti llega en diciembre de 2012 donde se les une el teclista Evan Wenskay. En 2013 graban  con Brian Ellis en su estudio privado en Escondido, California,  una cinta de demostración. Su primer disco, "Sacri Monti", llega en 2015. Al año siguiente realizan algunas actuaciones en España


El segundo disco de Sacri Monti, "Waiting room for the Magic Hour",  se publicó el 5 de Julio (2019) distribuido por  Tee Pee Records. Durante este verano han estado realizando una gira por Europa que lamentablemente no ha recalado en España. El disco se compone de ocho temas cargados de una gran fuerza instrumental donde los sonidos setenteros campan a sus anchas con buen heavy psych y psicodelia con los matices stoner del momento. No hay que olvidar que algunos de sus miembros forman o han formado parte de otros proyectos como Radio Moscow, Joy, Earthless o Hasrh Toke. El disco se inicia con "Waiting room for the Magic Hour", grandes y poderosos riffs en todo momento respaldados por los teclados de Evan Wenskay. Un buen golpe que nos deja casi noqueados. Le sigue "Fear and Fire" con un inicio pausado pero que poco a poco se vuelve mas salvaje con intrincados riffs de sus guitarristas Brenden Dellar y Dylan Donovan, una versión stoner de lo que hacían las bandas sureñas en los setenta. Sin apenas descanso llega "Armistice" con ritmos  "crimsonianos" que se unen a "Starlight", con ambientes sonoros retro y casi progresivos. "Afirmation" nos confirma su vena progresiva. "Gone From Grace" combina hard psicodélico con buenas guitarras en una frenética carrera de solos. "Waiting in Malcesine" es un interludio "space" cósmico que nos da un respiro a tanta emoción musical. El último tema "You Beautiful Demon" está cargado de acordes acústicos que podrían trasladarnos a la costa oeste de los Estados Unidos. 
J.C.Miñana




Temas
1.  Waiting Room for the Magic Hour - 0:00
2.  Fear and Fire - 5:00
3.  Armistice - 13:55
4.  Starlight - 16:09
5.  Affirmation - 23:27
6.  Gone from Grace - 29:29
7.  Wading in Malcesine - 36:55
8.  You Beautiful Demon - 39:33







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LASZLO HORTOBAGYI - Transreplica Meccano (1986 / Staalplaat) (Serie Pioneros)

El sintetista y musicólogo húngaro  (nacido en Budapest) Laszlo Hortobagyi, comenzó algo tarde en materias electrónicas.  Pero todo se debía a una estrategia premeditada.  En los 60 se embarca en una expedición a la India en donde pasará una larga estancia grabando música,  estudiando filosofía y aprendiendo instrumentos tradicionales que influirán decisivamente en su próximo capítulo electrónico. Todo minuciosamente preparado. En el álbum que hoy presentamos, toca tabla y percusiones orientales (un gran técnico en la materia), sitar, sampler,  vocoder y sintetizadores. Le acompaña un bajista llamado Toto  (sin más), y algunos invitados que iremos presentando.


La entrada de "Intra Sutra" (3'27) es suficientemente descriptiva de lo dicho. Música mística de gran poder espiritual y muy ligada con "Affenstunde" y toda la ideología Popol Vuh. Se enlaza (como toda la obra), con "Culture of Bass" (6'56), donde un futurista vocoder adorna secuencias más actuales, como un brutal salto a nuestra civilización y su frenético / majareta ritmo de vida. Las cuatro cuerdas de Toto lideran los pasajes cibernéticos,  casi con paralelismos con Pekka Pohjola.

El melodioso transcurrir sintetizado desemboca en "Organix" (2'01) con cánticos rituales sampleados y tratados casi bajo un prisma "enosificado". Continúa con "Cathedral of Reptiles" (7'22), en una brillante exposición sintetizada y rítmicamente acompañada por frenéticas  tablas. Mientras un amenazador vocoder no deja de soltar avisos que se me antojan apocalípticos,  en orgánico equilibrio entre primitivismo y electrónica. Realmente atractivo y muy agradable. Todo debido al Sygnus Modular Synth tocado por P. Radvanyi, que confiere un profundo sentimiento "de primera generación" (Terry Riley) a la composición. "Nono Bol" (2'28) se sucede sin interrupciones, y hace acto de presencia la tribal flauta de "Chipy" (sí,  también a secas), en un étnico deambular cyber-selvático que incluso se acerca a unos Ozric Tentacles sin la caña eléctrica de Ed Wynne. "Mirage" (4'17) continúa el viaje de similar modo, usando el vocoder  como un instrumento más  ("spoken wordcoder"?...).

Sin soltar el hilo melódico,  capas de sintes superpuestas traen "Kirana Boj-ki Baroque" (7'40), donde nuevamente las virtuosas percusiones hindúes de Hortobagyi se confunden con la maraña inteligente de sonidos cibernéticos y el cavernoso bajo de Toto. Cuatro cortas piezas más enlazadas de similar naturaleza, redondean una obra altamente original y de calado muy progresivo en su concepción electrónica. Un fascinante y altamente inventivo entramado musical que mezcla con eficacia, y como pocas veces se ha oído,  étnica nada cargante con misteriosos elementos sintetizados. 


Como un primer Vangelis, Laszlo Benko, Tibor Szemzo, Sven Grünberg o Reinhard Lakomy. A recomendar también su "Traditional Music of Amygdala" (1990 / Erdenklang). "Transreplica Meccano" se reeditó en vinilo en 2017 por Lullabies for Insomniacs, para que no falte de nada. Tuvieron buen gusto.
J.J. IGLESIAS






Temas
A1 Intra Sutra
A2 Culture Of Bass
A3 Organix
A4 Cathedral Of Reptiles
A5 Nono-Bol
A6 Mirage
B1 Kirana Baj Ki Baroque
B2 Balinese Gat
B3 Harmological
B4 Vocabla Raj
B5 Ite Missae
B6 Pravonix Est





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AZTECS - Live! at Sunbury 1972

Billy Thorpe  es uno de los referentes del rock australiano. Hace algún tiempo pasó por las páginas de Rockliquias de la mano de su amigo y colaborador Loyde Lobby,  compañero de escuela, en el suburbio de Salisbury, Queensland, en Brisbane. En su día comentamos "Summer Jam" de Coloured Balls.


El grupo integrado por Col Baigent (batería),  John "Bluey" Watson (bajo),  Valentine Jones (guitarra) y Vince Maloney (guitarra) se formó en 1963. Al poco tiempo abandona Jones y entra Billy Thorpe como cantante. Al año siguiente obtienen su primer éxito con un tema de Leiber y Stoller, "Poison Ivy" que incluirían en  su primer disco "Billy Thorpe and the Aztecs" (1964), convirtiendo en uno de los grupos de beat mas popular de Australia. En 1965 se reestructura la formación por completo quedando solo Thorpe como miembro original funcionando durante casi dos años  y publicando su segundo disco "Don't You Dig This Kind of Beat", hasta que Thorpe decide tomarse un respiro y abandona la música para presentar un programa de televisión. En 1968  la banda reaparece con Thorpe asumiendo el papel de guitarra solista y con Paul Wheeler (bajo), Jimmy Thompson (batería) y Loyde Lobby (guitarra). El sonido del grupo ha cambiado notablemente mucho mas enfocado al rock blues. Se les une como teclista Warren Morgan . Realizan una extensa gira por Australia  y en 1970 graban,  "The Hoax is Over", teniendo como batería a Kevin Murphy. En el 71 Loyde deja la banda para formar Coloured Balls. Ese año llega su segundo larga duración, "The Dawn Song". Su mayor éxito "Most People I Know (Think Taht I'm Crazy", llega en 1972. Pero en 1973 deciden realizan su último concierto  en un lugar emblemático, "Sydney Opera House". Antes de disolverse grabarían con Atlantic Records, "More Ass Than Class", iniciando Thorpe su carrera en solitario.



La grabación recoge la actuación de Billy Thorpe and the Aztecs en el festival de Sunbury de 1972 a finales de enero en el día de Australia. Dicho evento pretendía ser el Woodstock australiano y contó en esa edicción con la participación de The La De Das, Max Merrit & The Meteors, SCRA, Pirana entre otros muchos. La actuación comienza con dos temas clasicos, "C.C.Rider" y "Be Bop a Lula", rock'n'roll por todo lo alto. "Momma" nos muestra toda la fuerza rock blusera de Thorpe al estilo Mountain. Seguimos con otro clásico, "Rock Me Baby", una gran versión.  Llegamos a lo que sería su mayor éxito, "Most People I Know Think That I'm Crazy", coros folky con buenos riffs de Billy y piano a lo Doors. "Time To Live" nos vuelve a recordar los riffs de Leslie West. Finalizan con dos versiones, "Jump Back " (Rufus Thomas) y ".Ooh Poo Pa Doo" (Jessie Hill),  comunión perfecta con el publico asistente como hiciera Alvin Lee en Woodstock.
J.C.Miñana





Temas
01.C C Rider 
02.Be Bop a Lula 
03.Momma 
04.Rock Me Baby 
05.Most People I Know Think That I'm Crazy 
06.Time to Live 
07.Jump Back 
08.Ooh Poo Pa Doo






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SONOSYK - Syk (2019) (Rockliquias Bandas)

El pasado 21 de Junio (2019), la banda procedente de Barcelona Sonosyk, publicaron "SYK". Un disco instrumental cargado de buenas sonoridades. Nos pusimos en contacto con ellos para hablar sobre su proyecto.

Rockliquias.- ¿Por qué SONOSYK? 

SONOSYK surge de nuestra inquietud por crear sonido desde lo más profundo de nuestras mentes, desde nuestro psique. Mezcla los dos conceptos que nos definen: el sonido y la mente.

Rockliquias.-  ¿Quiénes son SONOSYK? 

SONOSYK somos:

Carlos Ponce a la guitarra, Daniel Chumillas al bajo y yo, J. Joaquín Romero a la batería. 

Carlos y yo hemos sido colegas musicales desde siempre, y ya en Sevilla pertenecíamos a la misma banda donde tocábamos covers de heavy metal en nuestros años mozos. Primero yo y luego Carlos unos años después nos mudamos a Barcelona y fue algo natural que volviéramos a juntarnos para tocar. Buscamos a otros músicos y terminamos formando la banda. Dani está con nosotros desde el principio, cuando éramos cuatro y grabamos Epicentro.

Desde 2014 siempre hemos tenido claro que queríamos forma un proyecto en el que no importara a donde llegáramos, primero teníamos que hacer lo que nos gustara a nosotros sin tener en cuenta las modas, los mercados, o el beneficio económico.
Ahora somos un trío y con nuestro reciente álbum queremos llevar el formato y nuestro sonido hasta donde lleguemos. 

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Como hijos de los 90’s nos encanta ese sonido que mezcla la mejor tecnología analógica con el principio de lo digital. Discazos como los de Dream Theater en los 90’s y el sonido grunge/punk de Offspring o Foo Fighters, han sido y serán siempre una referencia para nosotros.

Como cada tema tiene unas influencias diferentes y para no poner una larguísima lista de bandas o discos, en la época actual y para la composición de SYK hemos bebido mucho de bandazas como Catorce, Atavismo o Jardín de la Croix, de la escena nacional, y de grupazos como Toe, Tool o Steven Willson en la internacional.


Rockliquias.- En 2014 publicasteis vuestro primer trabajo, "Epicentro" ¿Cómo habéis evolucionado musicalmente?

Epicentro, como la propia palabra expresa fue el inicio de nuestra expansión sonora. Éramos una banda de cuatro miembros y yo cantaba y tocaba la guitarra. Cuando se quedó libre el puesto de baterista fuimos haciendo pruebas pero al tener unas inquietudes tan dispares no terminamos de encontrar a nadie que entendiésemos o que nos entendiese y finalmente terminé por comprarme una batería y coger yo el relevo.

La evolución podría ser una involución en el sentido en el que la banda pasó a tener un sonido más simple y sin partes vocales, pero yo lo considero una evolución hacia la libertad que queríamos tener componiendo y encontrando nuestro sonido base. La simpleza de ser un trío nos ha dado solidez y la posibilidad de seguir hacia delante para volver a evolucionar en lo siguiente que hagamos.

Rockliquias.- En Junio de 2019 llega , "SYK",  ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? 

Para grabar este álbum teníamos claro que había que pasar al siguiente nivel y eso era tener una experiencia inmersiva en el estudio durante unos días para dejarlo todo listo y que el resultado tuviera uniformidad tanto en sonido como en contexto. Cal Pau estudios es una masía/estudio de grabación donde puedes hacer eso, te vas un fin de semana largo al campo, aislado, y grabas con un equipazo y una calidad muy decente por estos lares. 

De la producción, grabación y mezcla se encargaron los chicos de Ultramarinos Costa Brava así como también de la masterización.

Rockliquias.-¿Con qué colaboraciones habéis contado?

Para el cuarto corte (--KSY) contamos con la colaboración de Miquel González, teclista de Regna y Fireplace entre otros. Teníamos un tema que nos pedía melodías y pads de sintes y que mejor músico de la escena para ayudarnos que Miquel. Se grabó una melodía preciosa y le dio el toque maestro que necesitaba el tema.


Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?

Para la creación visual de todo lo que representa el disco volvimos a contar con German Reppeto (DobleT estudio), que ya había diseñado Epicentro. Tenemos la suerte de contar con un amigo y gran profesional, con el que hemos compartido muchas experiencias que nos da una química especial.

Con un diseño totalmente diferente a Epicentro, queríamos plasmar lo sencillo del formato y el sonido que habíamos creado esta vez. 
El diseño minimalista de SYK está basado en la sencillez y el número tres y sus diferentes múltiplos:  somos tres músicos, las últimas tres letras de nuestro nombre forman el titulo del álbum, son seis temas (múltiplo del 3), cada nombre del tema está compuesto por tres sílabas y las tres últimas letras de cada uno se van secuenciando hasta formar las 6 posibles combinaciones… y hay muchas más que nos gustaría que descubrierais.

Rockliquias.- Los títulos de los temas son bastante curiosos, ¿nos podéis comentar algo sobre su significado?

Como parte del concepto experimental del álbum, para los nombres decidimos alterar el orden de las tres letras del título en todas las combinaciones posibles y agregarles a cada uno una idea que aclarara o sugiriera el concepto o inspiración de cada tema.

Así, por ejemplo, en tema CRONOSYK, que empieza con el click de las agujas de un reloj, el título sugiere algo sobre el tiempo y añade una pieza al puzzle que representa el álbum. Dejamos que el oyente deduzca y se inspire por sí mismo a completar ese puzzle y el concepto del álbum bajo su propia interpretación.



Rockliquias.-¿Nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación?

Desgranando un poco más cada tema y para que el oyente tenga su propia interpretación de cada uno de ellos, sólo diré en que está inspirado cada uno:

CRONOSYK es el tema de nuestro gusto por el funk y los ritmos más “grooveados”.

STONEKYS es el tema más pesado y en el que más nos sale a relucir nuestra vena post-rockera y STONER ;)

ASTERYSK tiene el tempo más rápido del álbum e influencias math-rock y punk. Mezcla compases de 7/4 y 4/4 de forma muy alocada. El tema tiene el solo de guitarra más espectacular y sobrado de todo el disco a mi parecer. 

--KSY es llamada por nosotros “la cuarta”. Rompe queriendo los moldes del disco y es el tema en el que colabora Miquel. Es el cuarto tema y participan cuatro músicos esta vez. ¿Como de distinto suena? ¡Venga, a escucharlo!

SNEYKS es el último tema que compusimos y esta claramente influenciado por las melodías y acordes del flamenco. Un ¾  que desarrolla paisajes sureños con guitarras distorsionadas.

SONOSKY es nuestro alcance del cielo. El primer tema que compusimos y que nos llevó a decidir componer el resto del disco en este formato. 

Todos forman un ciclo sin orden y nos gusta aconsejar de hecho que el disco se escuche con el “random” del reproductor encendido. En nuestros conciertos también seguimos el mismo criterio a la hora de presentar el orden de los temas aleatorio, decidido cinco minutos antes de empezar.


Rockiquias.-¿Cómo va los conciertos de presentación? ¿Nos podéis confirmar fechas?

De momento este año lo hemos tocado un par de veces en directo y la presentación oficial fue en la Sala Slow de Barcelona junto a Echoes in Silence este Julio pasado. 

Ya estamos preparando todo para poder anunciar al menos un par de fechas más antes de que termine el año.

Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Pues… Somos una banda de directo y lo que encuentras en el disco lo verás representado con la misma fidelidad y una frescura más allá de la producción que te da un estudio de grabación.

Hemos creado una edición limitada en Cd que tiene una portada exclusiva y si eres de los que todavía compran discos te encantará descubrir todos su detalles.

Nuestros show están llenos de vida y la atmósfera que genera nuestro sonido es genial y potente, que más se puede pedir de un concierto.






Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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