El sintetista y musicólogo húngaro (nacido en Budapest) Laszlo Hortobagyi, comenzó algo tarde en materias electrónicas. Pero todo se debía a una estrategia premeditada. En los 60 se embarca en una expedición a la India en donde pasará una larga estancia grabando música, estudiando filosofía y aprendiendo instrumentos tradicionales que influirán decisivamente en su próximo capítulo electrónico. Todo minuciosamente preparado. En el álbum que hoy presentamos, toca tabla y percusiones orientales (un gran técnico en la materia), sitar, sampler, vocoder y sintetizadores. Le acompaña un bajista llamado Toto (sin más), y algunos invitados que iremos presentando.
La entrada de "Intra Sutra" (3'27) es suficientemente descriptiva de lo dicho. Música mística de gran poder espiritual y muy ligada con "Affenstunde" y toda la ideología Popol Vuh. Se enlaza (como toda la obra), con "Culture of Bass" (6'56), donde un futurista vocoder adorna secuencias más actuales, como un brutal salto a nuestra civilización y su frenético / majareta ritmo de vida. Las cuatro cuerdas de Toto lideran los pasajes cibernéticos, casi con paralelismos con Pekka Pohjola.
El melodioso transcurrir sintetizado desemboca en "Organix" (2'01) con cánticos rituales sampleados y tratados casi bajo un prisma "enosificado". Continúa con "Cathedral of Reptiles" (7'22), en una brillante exposición sintetizada y rítmicamente acompañada por frenéticas tablas. Mientras un amenazador vocoder no deja de soltar avisos que se me antojan apocalípticos, en orgánico equilibrio entre primitivismo y electrónica. Realmente atractivo y muy agradable. Todo debido al Sygnus Modular Synth tocado por P. Radvanyi, que confiere un profundo sentimiento "de primera generación" (Terry Riley) a la composición. "Nono Bol" (2'28) se sucede sin interrupciones, y hace acto de presencia la tribal flauta de "Chipy" (sí, también a secas), en un étnico deambular cyber-selvático que incluso se acerca a unos Ozric Tentacles sin la caña eléctrica de Ed Wynne. "Mirage" (4'17) continúa el viaje de similar modo, usando el vocoder como un instrumento más ("spoken wordcoder"?...).
Sin soltar el hilo melódico, capas de sintes superpuestas traen "Kirana Boj-ki Baroque" (7'40), donde nuevamente las virtuosas percusiones hindúes de Hortobagyi se confunden con la maraña inteligente de sonidos cibernéticos y el cavernoso bajo de Toto. Cuatro cortas piezas más enlazadas de similar naturaleza, redondean una obra altamente original y de calado muy progresivo en su concepción electrónica. Un fascinante y altamente inventivo entramado musical que mezcla con eficacia, y como pocas veces se ha oído, étnica nada cargante con misteriosos elementos sintetizados.
Como un primer Vangelis, Laszlo Benko, Tibor Szemzo, Sven Grünberg o Reinhard Lakomy. A recomendar también su "Traditional Music of Amygdala" (1990 / Erdenklang). "Transreplica Meccano" se reeditó en vinilo en 2017 por Lullabies for Insomniacs, para que no falte de nada. Tuvieron buen gusto.
Billy Thorpe es uno de los referentes del rock australiano. Hace algún tiempo pasó por las páginas de Rockliquias de la mano de su amigo y colaborador Loyde Lobby, compañero de escuela, en el suburbio de Salisbury, Queensland, en Brisbane. En su día comentamos "Summer Jam" de Coloured Balls.
El grupo integrado por Col Baigent (batería), John "Bluey" Watson (bajo), Valentine Jones (guitarra) y Vince Maloney (guitarra) se formó en 1963. Al poco tiempo abandona Jones y entra Billy Thorpe como cantante. Al año siguiente obtienen su primer éxito con un tema de Leiber y Stoller, "Poison Ivy" que incluirían en su primer disco "Billy Thorpe and the Aztecs" (1964), convirtiendo en uno de los grupos de beat mas popular de Australia. En 1965 se reestructura la formación por completo quedando solo Thorpe como miembro original funcionando durante casi dos años y publicando su segundo disco "Don't You Dig This Kind of Beat", hasta que Thorpe decide tomarse un respiro y abandona la música para presentar un programa de televisión. En 1968 la banda reaparece con Thorpe asumiendo el papel de guitarra solista y con Paul Wheeler (bajo), Jimmy Thompson (batería) y Loyde Lobby (guitarra). El sonido del grupo ha cambiado notablemente mucho mas enfocado al rock blues. Se les une como teclista Warren Morgan . Realizan una extensa gira por Australia y en 1970 graban, "The Hoax is Over", teniendo como batería a Kevin Murphy. En el 71 Loyde deja la banda para formar Coloured Balls. Ese año llega su segundo larga duración, "The Dawn Song". Su mayor éxito "Most People I Know (Think Taht I'm Crazy", llega en 1972. Pero en 1973 deciden realizan su último concierto en un lugar emblemático, "Sydney Opera House". Antes de disolverse grabarían con Atlantic Records, "More Ass Than Class", iniciando Thorpe su carrera en solitario.
La grabación recoge la actuación de Billy Thorpe and the Aztecs en el festival de Sunbury de 1972 a finales de enero en el día de Australia. Dicho evento pretendía ser el Woodstock australiano y contó en esa edicción con la participación de The La De Das, Max Merrit & The Meteors, SCRA, Pirana entre otros muchos. La actuación comienza con dos temas clasicos, "C.C.Rider" y "Be Bop a Lula", rock'n'roll por todo lo alto. "Momma" nos muestra toda la fuerza rock blusera de Thorpe al estilo Mountain. Seguimos con otro clásico, "Rock Me Baby", una gran versión. Llegamos a lo que sería su mayor éxito, "Most People I Know Think That I'm Crazy", coros folky con buenos riffs de Billy y piano a lo Doors. "Time To Live" nos vuelve a recordar los riffs de Leslie West. Finalizan con dos versiones, "Jump Back " (Rufus Thomas) y ".Ooh Poo Pa Doo" (Jessie Hill), comunión perfecta con el publico asistente como hiciera Alvin Lee en Woodstock.
El pasado 21 de Junio (2019), la banda procedente de Barcelona Sonosyk, publicaron "SYK". Un disco instrumental cargado de buenas sonoridades. Nos pusimos en contacto con ellos para hablar sobre su proyecto.
Rockliquias.- ¿Por qué SONOSYK?
SONOSYK surge de nuestra inquietud por crear sonido desde lo más profundo de nuestras mentes, desde nuestro psique. Mezcla los dos conceptos que nos definen: el sonido y la mente.
Rockliquias.- ¿Quiénes son SONOSYK?
SONOSYK somos:
Carlos Ponce a la guitarra, Daniel Chumillas al bajo y yo, J. Joaquín Romero a la batería.
Carlos y yo hemos sido colegas musicales desde siempre, y ya en Sevilla pertenecíamos a la misma banda donde tocábamos covers de heavy metal en nuestros años mozos. Primero yo y luego Carlos unos años después nos mudamos a Barcelona y fue algo natural que volviéramos a juntarnos para tocar. Buscamos a otros músicos y terminamos formando la banda. Dani está con nosotros desde el principio, cuando éramos cuatro y grabamos Epicentro.
Desde 2014 siempre hemos tenido claro que queríamos forma un proyecto en el que no importara a donde llegáramos, primero teníamos que hacer lo que nos gustara a nosotros sin tener en cuenta las modas, los mercados, o el beneficio económico.
Ahora somos un trío y con nuestro reciente álbum queremos llevar el formato y nuestro sonido hasta donde lleguemos.
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?
Como hijos de los 90’s nos encanta ese sonido que mezcla la mejor tecnología analógica con el principio de lo digital. Discazos como los de Dream Theater en los 90’s y el sonido grunge/punk de Offspring o Foo Fighters, han sido y serán siempre una referencia para nosotros.
Como cada tema tiene unas influencias diferentes y para no poner una larguísima lista de bandas o discos, en la época actual y para la composición de SYK hemos bebido mucho de bandazas como Catorce, Atavismo o Jardín de la Croix, de la escena nacional, y de grupazos como Toe, Tool o Steven Willson en la internacional.
Rockliquias.- En 2014 publicasteis vuestro primer trabajo, "Epicentro" ¿Cómo habéis evolucionado musicalmente?
Epicentro, como la propia palabra expresa fue el inicio de nuestra expansión sonora. Éramos una banda de cuatro miembros y yo cantaba y tocaba la guitarra. Cuando se quedó libre el puesto de baterista fuimos haciendo pruebas pero al tener unas inquietudes tan dispares no terminamos de encontrar a nadie que entendiésemos o que nos entendiese y finalmente terminé por comprarme una batería y coger yo el relevo.
La evolución podría ser una involución en el sentido en el que la banda pasó a tener un sonido más simple y sin partes vocales, pero yo lo considero una evolución hacia la libertad que queríamos tener componiendo y encontrando nuestro sonido base. La simpleza de ser un trío nos ha dado solidez y la posibilidad de seguir hacia delante para volver a evolucionar en lo siguiente que hagamos.
Rockliquias.- En Junio de 2019 llega , "SYK", ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación?
Para grabar este álbum teníamos claro que había que pasar al siguiente nivel y eso era tener una experiencia inmersiva en el estudio durante unos días para dejarlo todo listo y que el resultado tuviera uniformidad tanto en sonido como en contexto. Cal Pau estudios es una masía/estudio de grabación donde puedes hacer eso, te vas un fin de semana largo al campo, aislado, y grabas con un equipazo y una calidad muy decente por estos lares.
De la producción, grabación y mezcla se encargaron los chicos de Ultramarinos Costa Brava así como también de la masterización.
Para el cuarto corte (--KSY) contamos con la colaboración de Miquel González, teclista de Regna y Fireplace entre otros. Teníamos un tema que nos pedía melodías y pads de sintes y que mejor músico de la escena para ayudarnos que Miquel. Se grabó una melodía preciosa y le dio el toque maestro que necesitaba el tema.
Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?
Para la creación visual de todo lo que representa el disco volvimos a contar con German Reppeto (DobleT estudio), que ya había diseñado Epicentro. Tenemos la suerte de contar con un amigo y gran profesional, con el que hemos compartido muchas experiencias que nos da una química especial.
Con un diseño totalmente diferente a Epicentro, queríamos plasmar lo sencillo del formato y el sonido que habíamos creado esta vez.
El diseño minimalista de SYK está basado en la sencillez y el número tres y sus diferentes múltiplos: somos tres músicos, las últimas tres letras de nuestro nombre forman el titulo del álbum, son seis temas (múltiplo del 3), cada nombre del tema está compuesto por tres sílabas y las tres últimas letras de cada uno se van secuenciando hasta formar las 6 posibles combinaciones… y hay muchas más que nos gustaría que descubrierais.
Rockliquias.- Los títulos de los temas son bastante curiosos, ¿nos podéis comentar algo sobre su significado?
Como parte del concepto experimental del álbum, para los nombres decidimos alterar el orden de las tres letras del título en todas las combinaciones posibles y agregarles a cada uno una idea que aclarara o sugiriera el concepto o inspiración de cada tema.
Así, por ejemplo, en tema CRONOSYK, que empieza con el click de las agujas de un reloj, el título sugiere algo sobre el tiempo y añade una pieza al puzzle que representa el álbum. Dejamos que el oyente deduzca y se inspire por sí mismo a completar ese puzzle y el concepto del álbum bajo su propia interpretación.
Rockliquias.-¿Nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación?
Desgranando un poco más cada tema y para que el oyente tenga su propia interpretación de cada uno de ellos, sólo diré en que está inspirado cada uno:
CRONOSYK es el tema de nuestro gusto por el funk y los ritmos más “grooveados”.
STONEKYS es el tema más pesado y en el que más nos sale a relucir nuestra vena post-rockera y STONER ;)
ASTERYSK tiene el tempo más rápido del álbum e influencias math-rock y punk. Mezcla compases de 7/4 y 4/4 de forma muy alocada. El tema tiene el solo de guitarra más espectacular y sobrado de todo el disco a mi parecer.
--KSY es llamada por nosotros “la cuarta”. Rompe queriendo los moldes del disco y es el tema en el que colabora Miquel. Es el cuarto tema y participan cuatro músicos esta vez. ¿Como de distinto suena? ¡Venga, a escucharlo!
SNEYKS es el último tema que compusimos y esta claramente influenciado por las melodías y acordes del flamenco. Un ¾ que desarrolla paisajes sureños con guitarras distorsionadas.
SONOSKY es nuestro alcance del cielo. El primer tema que compusimos y que nos llevó a decidir componer el resto del disco en este formato.
Todos forman un ciclo sin orden y nos gusta aconsejar de hecho que el disco se escuche con el “random” del reproductor encendido. En nuestros conciertos también seguimos el mismo criterio a la hora de presentar el orden de los temas aleatorio, decidido cinco minutos antes de empezar.
Rockiquias.-¿Cómo va los conciertos de presentación? ¿Nos podéis confirmar fechas?
De momento este año lo hemos tocado un par de veces en directo y la presentación oficial fue en la Sala Slow de Barcelona junto a Echoes in Silence este Julio pasado.
Ya estamos preparando todo para poder anunciar al menos un par de fechas más antes de que termine el año.
Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?
Pues… Somos una banda de directo y lo que encuentras en el disco lo verás representado con la misma fidelidad y una frescura más allá de la producción que te da un estudio de grabación.
Hemos creado una edición limitada en Cd que tiene una portada exclusiva y si eres de los que todavía compran discos te encantará descubrir todos su detalles.
Nuestros show están llenos de vida y la atmósfera que genera nuestro sonido es genial y potente, que más se puede pedir de un concierto.
Probablemente con este su tercer trabajo en estudio ya nos alejamos mucho del concepto de música rock que ejerce un porcentaje muy pequeño en este estilo prácticamente neoclásico de progresivo. La disciplina folk y lo clásico modernista acaparan un disco incluso superior a los dos anteriores. Solo le encuentro una pega: demasiado corto y temas que no exceden de seis mtos. En concreto solo hay uno con esa duración y el resto entra en lo que sería el formato tradicional de canción de cuatro mtos.
Confieso mi tendencia y mi predilección por los largos temas instrumentales siempre y cuando haya calidad naturalmente, pero si es una miniatura o temas breves mi exigencia aumenta. Un tema corto tiene que tener un atractivo, una buena melodía o en su defecto algo que enganche. Es penoso tener que preguntarte a mitad de canción cosas como: “¿…cuando empieza el tema?” y esto me ha pasado en multitud de ocasiones. Hacer una cosa simple y corta pero atractiva es jodidamente difícil os lo aseguro y pocos lo consiguen. Iamthemorning no hacen temas largos y su música es completamente limpia. Ciertamente los escuchas y no da la sensación de que haya cuarenta personas implicadas en la música. Un trabajo delicado como el de un relojero o un orfebre: precisión y limpieza. Efectivamente entre teclados, guitarras, sección rítmica, instrumentos de viento, instrumentos de cuerda y un nutrido coro con directora incluida, este dúo ruso se convierten en esta ocasión casi en una gran orquesta. Desde luego con este potencial yo echo de menos suites y largas escalas a tutti orchestra, pero vamos a conformarnos con lo que hay que es bastante jugoso, lírico e interesante.
Evidentemente siguen sonando a música de cámara. Están ahí dos Porcupine Tree como Colin Edwin al bajo y el habilidoso Gavin Harrison a los tambores pero siempre encauzados hacia lo elegante y puntilloso. Por supuesto el colectivo de músicos que aquí escuchamos es tan bueno que yo no debería sacar pegas encaminadas a una falta de desarrollo instrumental. Cada uno tenemos nuestras manías. La portada del disco es algo sombría: un faro, una tormenta, un mar revuelto. Una gota fría desastrosa como la que está azotando estos días el sureste de mi país. La cantante Marjana cada vez me recuerda más a Kate Bush de joven. El estilo musical tampoco anda muy alejado de la británica en la forma y en la composición, pero sin el ramalazo pop rock de la Kate. La Semkina posee una voz de timbre muy alto y preciosa que generalmente se dobla superpuesta. Como era de esperar hay muchos más arreglos que en discos anteriores. Lirismo, tristeza y sofisticación son la base de esta música no exenta a veces de pasajes oscuros y múltiples detalles minuciosos y claros como una luna llena brillante.
“Pastillas para dormir” es casi una canción de cuna de regusto amargo y gris. Casi lo mejor de la vida es cuando dormimos. Las mañanas son siempre una desilusión impregnada de realidad como el día de la marmota: ¿otra vez?…piensas, con lo tranquilo que estaba durmiendo. Incluso son preferibles las pesadillas al coñazo de la vida real. El piano romanticón y hasta burlesque de Gleb Kolyadin no ayuda a la alegría pero si a la introversión. “Lighthouse” es una preciosidad y un encantamiento hasta la fragilidad, pero es música amarga de pena y despedida, como suelo definir este tipo de canciones muy próximas al folk más refinado. La belleza tiene dos vertientes: la alegría o la tristeza. Generalmente hay más tristeza que alegría en la belleza. La muerte mental que heredamos ya desde el nacimiento es su marca y nuestra tendencia al sufrimiento como buenos masoquistas y morbosos que somos. No está la felicidad en el programa de fiestas de la existencia. De ser conscientes antes de nuestro nacimiento nadie en su sano juicio firmaría por venir aquí teniendo la magnífica posibilidad de la nada. La música nos recuerda estas cosas, consciente o inconscientemente muchas veces cuando profundiza en nuestra mente.
La dulce “Harmony” nos muestra claramente la calidad técnica del pianista y me acuerdo de los Renaissance y de sus oberturas y pasajes instrumentales. Nuevos sonidos célticos de harpa acompañan a la cantante en la ensoñadora, cristalina y sinfónica “Belighted” que es de lo mejor del asunto pero muy corta. “I Can Before The Water” se inicia con la voz a pelo y llega a estremecer en su acentuada tristeza. Se nota que son eslavos. “Post Scriptum” está basada en una melodía popular rusa y cierra este disco tan exquisito como triste y desesperanzado. Solo para almas sensibles y melancólicas.
No es una banda muy conocida a pesar de su ya generosa discografía, pero sin embargo probablemente sea uno de los principales exponentes USA del actual rock sinfónico. Vamos a ayudar un poco a conocerlos porque realmente merecen la pena. Relacionados en parte con el estilo de esos otros gigantes del género como son Glass Hammer, Izz abren bastante más el abanico y realizan un progresivo muy variado.
Se forman en New York en 1996 de la mano de los hermanos Tom y John Galgano: teclados, guitarra, bajo y voces. Dos vocalistas: Michele Salustri y Danielle Altieri que solo participarían en el álbum debut. Los baterías Greg di Miceli y Brian Coralian, el bajista Phil Gaita y Paul Bremner en guitarras. Por los apellidos de casi todos ellos parecen de origen italo-estadounidense. Como suele ocurrir en muchos de los casos, todos ellos se conocen en la universidad y al parecer con gustos muy proclives a las bandas tradicionales del rock progresivo clásico de toda la vida.
Se compenetran durante dos años y graban su primer CD “Sliver of a Sun” en 1998. Una discretita portada que parece más una naranja que el sol pero que contiene una prometedora música. A pesar de que generalmente se utilicen unas plantillas similares en la composición de éste estilo, estos músicos no parecen muy interesados en copiar a los de siempre, pero tengo que apuntar que emplean fórmulas complejas que los acercarían en parte a los Gentle Giant en lo musical pero en absoluto en las voces que son, si me lo permitís, mucho más beatlemaníacas. Bueno es una impresión. Aunque también hay influencias psicodélicas atemporales. En la forma de cantar no parecen en absoluto americanos. Pero claro yo no distingo el acento cuando cantan. Musicalmente me parecen muy interesantes así como imprevisibles y eso me gusta. Hay variedad entre canciones muy bien armadas y pasajes relajados bastante folkies y hasta festivos (Lornadoom) de flauta y guitarras acústicas rasgadas con bastante perfume a happy flower lejano y agradable. Hay una intención entre lo más simple y más complejo que puede dirimirse por la duración de los temas. Bastante diferentes en uno y otro caso.
En “Assurance” llegamos a los 9 mtos con una melodía bien declamada y ritmo balanceante a la Floyd que no te desagradará en absoluto entre buenos arreglos sinfo y bastante puntillismo. La guitarra rasgueada nuevamente permite detalles de sinte y tempos irregulares y complejos en la generosa parte instrumental que se desarrolla a continuación. Prog de alta factura. La segunda voz femenina todavía es puntual y tímida. La fórmula se repite con temas más ligeros de más flower power que entran bien como un aperitivo suave y un Martini frío. No obstante, hay que prestar atención a los arreglos y detalles que están sumamente bien colocados y partes breves (Double Bass) para demostrar el buen estado técnico de los ejecutantes. Hay alguna pequeña canción de relleno, pero no molesta. En general son muy entretenidos en ritmos y cambios.
Las tres últimas piezas así lo atestiguan por su variedad de propuestas sonoras a veces jugosas y sorprendentes. Se les nota que van sobrados y conocen los secretos musicales de bastantes estilos que combinan con eficacia y precisión. “Where I Belong” es la última. Diez mtos de bonito sinfonismo y donde por fin las chicas aparecen en las voces solistas de forma definitiva. Bonitos pasajes sintetizados y sonidos angelicales en la larga coda final. Un disco apetecible y agradable, pero vendrán más.
Ya aparecieron por aquí los Deja-Vu japoneses, un clásico del progresivo nipón. Así que hoy traemos a los noruegos, que como los otros, tan sólo grabaron un álbum. En realidad, un proyecto de álbum. No sólo fue autofinanciado por ellos, sino que se hicieron micro-cantidades como test - pressing promocional con portada blanca genérica. Hablan de 100 unidades, pero otras fuentes aún rebajan más la cifra. Y la leyenda urbana dice que la mayoría fueron destruidos. Así que probablemente estamos hablando del disco más raro de Noruega. Afortunadamente fue rescatado en cd en 1996, y en 2015 Pan Records lo editó como doble LP con tres bonus. Lo que en su día sus creadores verían como un fracaso rotundo, hoy es recuperado como la obra de arte que es, sin alejarnos mucho de las restauraciones pictóricas.
Nada hacía suponer que ésta banda no despegaría el vuelo, pues dos de sus miembros procedían de los populares (y excelentes) Høst : Svein Ronning (guitarras) y Knut Lie (batería, coros). El resto se completaba con Kai Gronlie (voz solista), Harald Otter Stad (teclados) y Per Admundsen (bajo).
Si se quiere disfrutar con una buena sesión de scandi-prog 70s al más alto nivel, "Between the Leaves" guarda todos los requisitos necesarios. "Burning Bridges" (10'04) deja constancia del predominio "Squire sound", con un bajo dictatorial y fantástico, que no para de meter baza en los enfrascados diálogos de soleados moogs y guitarras. Nos llevan directamente al período Camel del "Moonmadness", o lo que es lo mismo, el estilo característico de aquellas tierras. En éste primer corte no necesitan de cantante hasta bien entrado el tema. Pero vaya por delante que es un magnífico vocalista. Por supuesto, Ronning recuerda a Andy Latimer con su misma frescura solista, feeling rockero y sonido similar en las seis cuerdas. Con la primera pieza ya nos tienen comiendo de su mano!
"Between the Leaves" (5'49) entra con clavinet al estilo Greenslade, y acto seguido toda la banda expone su magnífica forma. El sólo de mini moog lleva la marca Wakeman bien definida, y es un sabroso bocado prog, incluso algo hard rock. Una hendrixiana guitarra disfrazada con pedales nos introduce en "Free Man" (7'15), y ahora se respira un cierto aire Floyd - "Wish You. ..", a causa de un sospechoso Fender Rhodes y la guitarra "gilmoureando" picaramente. El teclista gusta mucho de usar el sinte de cuerdas (Solina, Logan, Elka. ...), que en su planeante instrumental nos lleva nuevamente a Camel, pero tambiéna Grobschnitt o Eloy. Extraordinario sólo de Svein Ronning, bien apuntalado por una sección de ritmo espléndida. Los teclados, para variar, se salen de parámetros.
"Flying" (8'06) podría ser parte del repertorio de Kaipa, los de verdad, los setenteros con Roine Stolt. Es uno de los más sobresalientes por su delicadeza instrumental y aplastante naturalidad melódica. Y eso que esto es virtud habitual a lo largo de toda la grabación. Con unos simples pero cuidados coros, y perfecta sincronización armónica.
"Somebody Cares" (10'46) y su larga intro, nos trae a la mente a grandes del gremio teutón como Hoelderlin, Novalis o Jane. A pesar de su triste presentación vinilica del original, la música contenida no advierte amateurismo por ningún lado. Lucen una construcción compositiva exquisitamente estudiada, y son esclavos del perfeccionismo, esto se ve a la legua. Otro destacable título que casi puede sonar a Kansas en algún momento por su querencia pomp.
Por último "Visions of Nirvana" (6'27) conserva el romanticismo hippie del progresivo 70s más sensible y emocionante. Porque en aquellos días, los sentimientos contaban. E inspiraban, cara al proceder del solista, la melodía vocal o el arreglo delicado....que no débil, ni blando. Así como sensibilidad no era sensibleria. Y eso sólo se consigue con sincera honestidad. Algo que choca de frente con estrategias actuales de "gustar a cuánta más gente mejor", y al precio que sea. Y así nos va. Por fortuna sigue habiendo "locos" que prefieren hacer buena música, a hacer buena pasta con la música. Éstos últimos aguantan lo que les dura la moda. Los primeros, trascienden en el tiempo como toda obra de arte. Y con "Between the Lines" tenemos un buen ejemplo de triunfo artístico, pasadas las décadas. El secreto de lo eterno.
Son nuestros vecinos en la Península Ibérica y prácticamente desconocemos casi todo de su cultura y de su música. Hoy intentaremos remediar un poco ese vacío con una banda emergente portuguesa. Se trata de Jesus The Snake.
Jesus The Snake nace en Vizela, Braga, en 2016 con una formación inicial integrada por Jorge Lopes (guitarra), João Alves (teclados), Rui Silva (bajo) y João Costa (batería). En 2017 son invitados por la productora audiovisual Lizard & Flaming Acid a grabar algunos de sus temas, al modo que lo hicieron en los 70 Pink Floyd en el "Live at Pompeii", en las ruinas romanas de Conimbriga. El resultado espectacular.
Durante ese verano realizan diversos conciertos entre los que destacan el Sonicblast Moledo y el Festival Ecos de Lima. En Noviembre editan un EP con cuatro temas. Ese año João Alves (teclados) es sustituido por Gonçalo Palmas. Por fin en julio de 2019 llega su primer larga duración, "Black Acid, Pink Rain"
"Black Acid, Pink Rain" fue grabado en vivo en una sola sesión en los estudios Hertzcontrol ( (Seixas, Portugal). La grabación contiene cinco temas instrumentales, tres de los cuales son versiones de los ya publicados en un EP anterior. La música de Jesus The Snake es una mezcla de psicodelia y stoner con toques progresivos todo ello envuelto en un ambiente setentero. Su mayor influencia sin duda es Pink Floy. El tratamiento de los teclados nos indica claramente que su teclista Gonçalo Palmas se ha empapado de la esencia del genial Richard Wright. Su forma de tocar el piano eléctrico y el órgano es modélica. Por su parte la guitarra de Jorge Lopes fluctúa entre una maraña de arpegios y riffs a lo Gilmour. La sección rítmica formada por Rui Silva (bajo) y João Costa (batería) crean una base perfecta donde se apoyan con comodidad sus dos compañeros de viaje. Jesus The Snake es una montaña rusa de sonoridades. Vamos pasando de momentos de relajación a otros mucho más trepidante ( o casi, tampoco hay que exagerar). Desde luego los ambientes sonoros que van creando te rebajaran el estrés a niveles de paz interior. Un grupo al que hay que seguir con atención, sin dudarlo.
Hará ya casi seis años que saqué por aquí a los Cybotron australianos. Un dúo que comenzó sobre 1975 y que editaria dos destacables trabajos de space-electrónica, "Cybotron" y "Colossus". Uno de aquellos dos integrantes fue el excéntrico Steve Maxwell Von Braund, que grabó en 1973 éste único "Monster Planet" que hoy rescatamos.
Un pre-Cybotron artefacto pues, con diferencias notables a ése proyecto. Todo sonido audible va a ser cosa de Maxwell, excepto la voz del primer tema-titulo, "Monster Planet" (9'00), que corresponde a Jim Keays, cantante de los famosos Master Apprentice's. Ipso facto me llevan sus planteamientos al Arthur Brown's Kingdom Come o su otro spin-off, Victor Peraino's Kingdom Come. Máxime cuando irrumpe la batería (de verdad) y un saxo de olfato free jazz muy similar a Nik Turner. La teclistica domina el paisaje, pero el misterio melódico lo aporta el viento con solvencia.
Como se puede deducir por la circense portada, Steve Maxwell, - lo de Von Braund es una coña para hacerse el interesante krautie, seguro -, era otro de ésos frikis maravillosos que pululaban por la escena underground mundial. Al estilo de los referidos Arthur Brown y Nik Turner, Twink, Mickie D's Unicorn, Maní Neumeier, Eroc, Damo Suzuki, Pau Riba o Daevid Allen.....gente que hacía que el panorama fuera algo más colorista y tan marciano como su propia música. Algo que se echa en falta en la actualidad. No veo fuertes personalidades hoy día, y sí mucho con pinta de funcionario o neoliberal, metido a músico en sus ratos libres. No hay humor , ni sarcasmo, ni socarrona ironía (papá Zappa, te extraño! )......demasiada seriedad encubre carencias y mediocridades. Si eres bueno, todo lo demás no importa. Puedes vestir con un disfraz de orangután, si luego haces una obra maestra.
Para "Shadowfax"; (10'12) las incursiones son puramente electrónicas, en burbujeantes válvulas al vapor, sinuosos gamberrismos resultones y tétricos ambientes no alejados de John Carpenter. Como el que no quiere la cosa nos ponemos en la segunda cara con "Spirit" (14'14) y su ambientación siniestra deudora de "Alpha Centaury" / "Atem"......reconozco que me fascinan éste tipo de discos, con toda su carga pretendidamente "malévola". Que en 1973 cuando fue creado, tendría su aquel. Pero en éstos tiempos tan jodidamente duros, no asustaría ni a un crío de cinco años. Si por ejemplo lo comparamos con "Mandy" de Johann Johannsson, de hace dos semanas, no tiene nada que hacer......Queda extrañamente naif y puede que simplista. Aún así es altamente disfrutable, y hay que saber situar cada música en su contexto temporal. No puedes comparar la "técnica" a la guitarra de Chuck Berry, con la de un chaval recién salido de la academia tocando prog metal.....pero, quien ha pasado a la historia? La lógica de esta pieza, la más extensa, ha hecho que Von Braund se "ponga serio" y trascendente, y eso le sienta muy bien a su estrategia electrónica. Que no será un Edgar Froese, pero lo intenta con resultado óptimo. Para finalizar, "Crystal Forest" (8'19) describe muy bien su concepto, con sonidos realmente originales e inspirados. De feel cuasi barroco en su inicial exposición, el cosmic kraut campa a sus anchas y hasta con pretensiones sinfonicas en una guía melódica simple pero efectiva, que me recuerda a los primeros Neuronium.
Como se puede intuir, el disquito no sale barato (150 pavos aproximados), pero existe reedición de los samaritanos electrónicos Light in the Attic. Una bonita rareza que te quedará muy cuca al lado de Peter Frohmader, John Carpenter, Rüdiger Lorenz, Carlos Guirao o Wolfgang Düren. A disfrutarlo.
