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EDGAR BROUGHTON BAND - Live At Abbey Road 1969

Ya os he comentado en alguna ocasión que las cosas por Youtube se están poniendo complicadas. Por ello los domingos ademas de comentar "bootlegs" hablaremos también de grabaciones en directo poco conocidas.


Edgar Broughton (guitarra, voz) forma el grupo junto a su hermano Steve (batería) y el bajista Arthur Grant en 1968 en Warwick. Se trasladan a Londres  y fichan por Blackhill Enterprises. Su primer LP, "Wasa Wasa" llegaría en julio del 69. A menudo sus conciertos se veían envueltos en desordenes muchas veces provocados por ellos mismos. En 1970 publican su segunda producción, "Sing Brother Sing". Al año siguiente entra en la banda Victor Unitt (guitarra, teclados, voz) procedente de The Pretty Things. En mayo del 71 editan "Edgar Broughton Band con la participación de David Bedford y Mike Oldfield. Posteriormente verían la luz "InSide Out" (1972) y "Oora" (1973). Unitt abandona la banda siendo sustituido por John Thomas  con el que graban su sexta producción "Bandages" y posteriormente sería reemplazado por  Terry Cottam. En 1976 se disolvería la banda.


Estamos en el concierto de Edgar Broughton Band en los estudios Abbey Road en diciembre de 1969 ante un reducido número de personas. La grabación tenía que haber sido su primer directo pero finalmente solo se publico un single con el tema "Out Demos Out". El resto del show se perdió y no fue rescatado hasta 35 años después que lo publicaría EMI en 2004. En cuanto a la música lo que escuchamos en muy buen rock blues guitarrero mezclado con altas dosis psicodélicas y mucho desfase. La labor de Edgar como guitarrista es encomiable en temas como "Smockestack Lightnig", "Momma's Reward" o "Out Demos's Out". El desfase es más que evidente en "American Boy Soldier". Si te acostumbras a la peculiar voz de Edgar disfrutarás enormemente.
J.C.Miñana

Temas
Smockestack Lightning  10:43
What Is A Woman For?  11:02
Yason Blues  4:23
Refugee  9:06
Dropout Boogie  5:30
American Boy Soldier  14:52
Momma's Reward (Keep Them Freaks A Rollin')  6:56
Out Demon's Out  9:55








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PERVY PERKIN - Comedia: Inferno (2019) (Rockliquias Bandas) (Entrevista - Análisis)

La banda madrileña Pervy Perkin acaba de editar (abril 2019) un nuevo trabajo, "Comedia: Inferno". Un proyecto ambicioso basado en la obra  "La divina comedia " de Dante Alighieri. Nos pusimos en contacto con sus integrantes - Dante The Samurai (guitarras, voz), Alex Macho (teclados, voz), Carly Pajarón (batería, voz), Juan Tides (guitarras, voz) y Aks (bajo, voz) - para analizar a fondo su trabajo.


Rockliquias.- ¿Nos podéis indicar a qué hace referencia el nombre de la banda?

AKS - William Henry Perkin fue un químico británico que desarrolló los primeros tintes sintéticos. Sus experimentos le llevaron al descubrimiento de su primer tinte con solo 18 años. Es famoso por ser un pionero en la industria de la química, pero lo que no mucha gente sabe es que en un diario describe cómo una vez tuvo un sueño en el que Dios le susurraba al oído que estaba destinado a pervertir el orden de la naturaleza, pero no para mal, sino para bien y que sería un revolucionario en lo cotidiano. Al descubrir esta forma de teñir sintéticamente de manera accidental, tuvo claro que había sido una señal de Dios. Al conocer esta historia, los miembros originales de la banda no quisieron dejar pasar la oportunidad de hacer honor a este mote de origen divino: Pervy Perkin.

Rockliquias.- Hace ya casi dos años en Rockliquias comentamos vuestro segundo disco "ToTeM" ¿Qué ha sido de vuestra vida durante este tiempo?

ALEXPues, no hemos parado! (risas) Estuvimos de gira presentando el álbum por toda la península, hicimos apariciones en varios festivales como el Progstureo Fest, el Tótum Revolútum y el Prog Culture Fest, y entretanto también nos lanzamos a la composición del Comedìa y después a la grabación! Ahora mismo tenemos la gira preparada y ya hemos hecho las primeras fechas por el país, estamos muy contentos de la buena recepción que está teniendo este nuevo álbum y también de la acogida en los conciertos, aunque esto siempre ha sido así, nuestros fans nos han tratado siempre de forma inmejorable y estamos muy felices. Mucho viaje, mucha gestión, mucho estudiar canciones, mucha preparación aquí y allá, todo esto no se ve! Pero se traduce en poder ofrecerle al público algo de lo que sentirnos orgullosos, en todos los aspectos.

Rockliquias.- En Abril de 2019 habéis publicado  "Comedia: Inferno" ¿Cómo surge la idea de realizar este proyecto tan ambicioso?

CARLY - Puf! Ciertamente nos tendríamos que remontar a 2011-2012. En esa época aún estábamos componiendo las primeras canciones para nuestro debut ‘’INK’’. Ugo (antiguo teclista) y Dante (nuestro Dante) eran muy fans de la obra de Dante Alighieri, y estuvieron hablando de lo guay y ambicioso que sería traer la historia de La Divina Comedia a la vida, todo pasado  por nuestro filtro musical. La idea caló lo suficiente para que transpirara a los siete años, a parte, es una obra muy relacionada con el número 3, y estamos en nuestro tercer disco. Era el momento perfecto para hacerlo.

Rockliquias.- ¿Qué detalles de la grabación nos podéis aportar?

TIDES - Teníamos una idea bastante clara sobre cómo queríamos que sonara este álbum, y por eso mis compañeros confiaron en mí para que lo produjera y lo grabáramos en mis “Tidemath Studios”. De la mezcla y de la grabación de baterías se ha encargado (para su desasosiego) nuestro buen amigo Adrián Hidalgo de Lasting Noise Recording Studio, y el master nos lo ha hecho el gran Tony Lindgren de los míticos Fascination Street Studios de Suecia.

 Aun con lo contentos que estamos con el salto de calidad que creemos que ha habido respecto a nuestros anteriores trabajos, a día de hoy hay muchas cosas que, de poder hacerlo, cambiaríamos, y es que grabar este álbum fue mucho más tedioso y complicado de lo que habíamos anticipado. Hemos aprendido mucho sobre cómo ser más productivos de cara al futuro y experimentar menos en el propio estudio, porque ello nos supuso un desgaste brutal que acabó pesando mucho, y personalmente tener que estar ahí en cada sesión de grabación además de encargarme de mis propias partes fue brutal. 

Pero bueno, también me encargué de grabar un “making of” de todo esto, ¡así que en un par de meses tendréis muchos más detalles sobre el proceso!


Rockliquias.- ¿Qué colaboradores han participado?

AKS - Tenemos tres voces invitadas en Inferno. Para The Tempest contamos con Kheryon de Eternal Storm para hacer del terrible Minos, el juez que guarda la entrada del segundo círculo del infierno. El antiguo rey de Creta aquí es medio hombre y medio bestia y tras escuchar los pecados de las almas en pena, indica a qué círculo deben ir. Dante Alighieri escribe que este personaje “ruge”, y los aterradores growls de Kheryon van a Minos como guante a mano. En este mismo tema sale el personaje de Francesca, junto con su amante Paolo, razón por la que se encuentran en este círculo donde se castiga la lujuria. Pedimos a Blue de Bones of Minerva que nos echara una mano, pues seguimos su grupo desde hace un tiempo y nos encanta la particularidad de su voz, pues tiene un timbre único y con unos dejes melódicos muy personales, y además hace unos growls maravillosos. El resultado de lo que hizo superó expectativas que ya eran muy altas. Ella también le pone coros a las arpías de Cult of Blood. Por último, y en esta misma canción, Endika Pikabea de Ànteros pone los gritos rasgados del Alma Suicida en forma de árbol que sufre la eternidad a mano de estas arpías. Escucharlo me eriza la piel.

Rockliquias.- La inquietante portada es de Mariusz Lewandowski ¿Cómo contactasteis con este artista polaco?

ALEXCuando estábamos decidiendo qué artista queríamos para la portada, queríamos algo enigmático, misterioso, pero también algo de lo que pudiésemos decir, “esto está guapísimo”. En particular yo soy muy fan de las portadas de discos y tenía unos cuantos artistas que sugerir a la banda, así que puse sobre la palestra una docena de ellos y discutimos los aspectos de cada uno de ellos. Había nombres como Dan Seagrave, Necrolord, Eliran Kantor, Truls Espedal, Denis Forkas, Néstor Ávalos, Mariusz Lewandowski! Entre otros. Todos ellos tienen siempre unas portadas increíbles, pero en particular nos decantamos por Mariusz tras ver su último trabajo con Bell Witch, la portada del Mirror Reaper. Contactamos con él via Facebook, y después hablamos de los detalles por email. Es un tipo muy majo y cercano, nos lo puso muy fácil. Le dimos libertad total para darnos su visión de Inferno de Dante, sólo le dijimos que tenía que ser algo desolado y que tuvieran importancia una serie de colores. ¿El resultado? Impresionante.

Rockliquias.- El disco se basa en la obra de Dante Alighieri "La divina comedia", en concreto en su primera parte dedicada al Infierno.  El protagonista se adentra en el Infierno que está estructurado como un cono invertido con nueve círculos. Vuestro disco tiene nueve temas ¿Tienen referencia con esos nueve círculos?

DANTE - Así es! La numerología era importante para Dante en su obra, especialmente en la Divina Comedia, y por lo tanto también lo es para nosotros en este disco. Hay muchas referencias al número 9, al número 3 (referencia a la Santa Trinidad), etc. Por ejemplo la obra está escrita en tercetos, es decir, estrofas de 3 versos y cada una de las 3 partes en las que se divide la Divina Comedia (Inferno, Purgatorio y Paradiso)  están compuestas por 33 cantos. Así que sí, como decías tenemos 9 canciones porque en cada canción se trata uno de los 9 círculos del infierno; el libro relata como Dante y Virgilio van viajando a través del infierno y van visitando cada uno de los nueve círculos y hablan con sus habitantes, en los cuales se castigan pecados diferentes ordenados de menor a mayor gravedad según la conciencia de Dante. La lujuria por ejemplo es el menor de los pecados para Dante mientras que el más imperdonable es la traición. Nosotros hemos honrando todos estos factores y esa estructura, por lo que teníamos claro que Inferno tendría 9 canciones, una por cada círculo.

Rockliquias.- El disco comienza con "Abandon All Hope"  inscripción que encuentra Dante a las puertas del Infierno. Una entrada brutal para un lugar de sufrimiento y dolor que poco a poco se va tornando más onírico 

AKS - Esta primera canción es de las primeras ideas que existen de toda Comedia. Esa melodía de órgano de Alex la cantaba él ya desde hace mucho y sabíamos que queríamos trabajar alrededor de eso para el Inferno. Respecto a la entrada brutal del disco (tras la narración y el contexto de los sonidos ambientales), el personaje de Dante se encuentra de repente en esa situación, perdido, desorientado y con miedo y solo acaba de empezar la cosa, pues se va a adentrar al mismísimo infierno a continuación. Una entrada explosiva en tu cara era la única manera lógica que veíamos para proceder. Respecto a la inscripción que le pone título al tema, es una frase legendaria que no podía faltar en nuestra adaptación y a parte de ser el título lo cantan tal cual Dante y Virgilio (Alex y nuestro Dante) en armonía.


Rockliquias.- "The Tempest", no estamos para tonterías si visitamos el infierno y por ello sus dos primeros minutos son de death metal que se funde con ritmos jazzísticos para finalizar con metal. Todo un cúmulo de sonoridades. 

CARLY - The Tempest es la canción a la que creo que más cariño le cogí en el proceso de composición de ‘’Inferno’’. Me sorprendía mucho al escuchar la demo de este tema, es brutal. Me decía por aquellos momentos de 2017 mientras la componíamos ‘’nuestra nueva música puede molar muchísimo’’. Una estructura que me parecía rarísima, death metal con riffs super vertiginosos, la psicodelia de la parte central, heavy metal clásico, y cerrar otra vez con death metal. Sin ninguna duda sentí que era fresco y que nunca habíamos compuesto algo así, añadir que a parte fue la primera canción completa que compusimos para ‘’Inferno’’, hasta el momento solo estábamos situando ideas dentro del disco, pero esa canción a pesar del riff principal de Tides que lo trajo a la mesa algo antes, la compusimos en una tarde y se mantiene como mi favorita en este disco, quien lo diría!.



Rockliquias.-"Three Throats", guitarras afiladas a lo Judas con ritmos funk con sonoridades a lo Red Hot Chilli Peppers.   ¿Nos podéis comentar algunas de vuestras influencias musicales?

TIDES - En este tema el riff principal es lo que tira del resto de la canción (al menos hasta ese final con el solo de Dante y el outro techno), y supongo que cuando se me ocurrió en el local y empezamos a darle vueltas estaríamos canalizando mucho ese crossover rock y metal alternativo/post-grunge de los 90 y principios del 2000, lo que hizo que a Dante le inspirara la línea vocal del estribillo y esas estrofas en clave de rap. 

 Todos tenemos muchas influencias en común, y especialmente dentro del prog (por ejemplo Devin Townsend, Mastodon, Pink Floyd, Dream Theater, Opeth, Leprous…) pero luego cada uno tiene cosas que no necesariamente comparte con el resto: a alguno le pueden gustar más las bandas sonoras y la música culta, pero en cambio no le hacen tanta gracia el rock alternativo, el punk, el hard rock ochentero, el black metal, el blues rock, el djent, el rap, el avant garde… que sí son muy importantes para otros.

Rockliquias.- "All for Gold" , un tema realmente complejo con multitud de cambios, arpegios y endiablados riffs. Rebautizando a Zappa. Sin duda el más arriesgado del disco. 

ALEX - All for Gold nació de una forma muy natural: improvisé la melodía de teclado del principio y de ahí fueron surgiendo riffs, después vimos que podíamos meterle cosas muy interesantes y terminó siendo bastante experimental! Tiene toques neoclásicos con clavicémbalo, un instrumento que siempre me ha encantado, muchos odd times, partes totalmente sludge bien densas, funk, blues... Me encanta que digas que te recuerda a Zappa! Es muy interesante ver qué cosas le recuerda una canción a cada persona en función de sus vivencias, las cosas que ha escuchado… De esta canción en particular ya me han dicho “Ah! Pues esta canción es super -tal” y nunca lo hubiese pensado! Pero al final, ¿por qué no?

Rockliquias.- "Row", mezclando progresivo con doom. La mezcla de estilos es una constante en este disco. ¿Cómo ha sido vuestra evolución como músicos a lo largo de todos estos años?

DANTE - Es una buena pregunta! Pues a mejor, espero! (risas) La verdad es que nuestro acercamiento a la música sigue siendo el mismo: tocamos y componemos lo que nos gustaría oír, lo que nos hace sentir bien en el momento y lo que sentimos que nos emociona. La mezcla de estilos siempre ha sido marca de la casa, pero porque nos gusta toda la música y nosotros no vemos raro juntar esos estilos, es que ni lo pensamos, suele surgir. Supongo que con el tiempo también aprendes a ser más sobrio, a buscar más detalles de calidad y dejar respirar las canciones. Los silencios son tan importantes como las partes con sonido y eso es algo que se aprende con la experiencia. También se aprende el hecho de que no porque seamos 5 músicos tengamos que estar tocando todos todo el rato. Hay partes que quedan genial con solo bajo y batería, o solo teclado y una guitarra o solo voz a capella. También por supuesto hemos mejorado técnicamente, tanto en nuestros instrumentos como en el control de nuestra voz, lo cual nos permite hacer cosas que antes no podíamos o que antes no salían como debían. Al final la técnica es simplemente una herramienta para expresarte y teniendo más técnica pues puedes llegar a expresarte mejor o decir más cosas. De todas maneras no somos un grupo que valore la técnica por encima de todo, todas estas herramientas deben estar siempre al servicio de la canción, de lo que queramos transmitir.

Rockliquias.- "Open Casket" tiene ritmos crimsonianos con toques jazz que vuelven a fundirse con guitarras metal,  una gran labor vocal y lucimiento teclistico. Todo ello formando un conjunto sonoro magistral. 

AKS - Esta canción, también conocida en el grupo como “la seis”, era la más etérea para componer. En la historia no pasa mucho más que los protas se encuentran con unas tumbas abiertas que arden, hablan con un par de tíos y van tirando para el siguiente círculo. De modo que quisimos expresar musicalmente lo que nos haría sentir estar en el sexto círculo: la entrada de la ciudad de Dite.  Hay una gran énfasis en la sección rítmica de esta canción, pues Carly y yo, batería y bajo respectivamente, estuvimos jugando con un par de ideas que luego en su casa en murcia estuvimos amoldando, sobre todo el primer tercio de la canción. Las guitarras y el teclado toman un papel más atmosférico durante gran parte, para luego volver poderosamente en el “theme” principal de la canción. Narrativamente, se representa con la voz los diálogos que tienen lugar y cuando acaba el coro polirrítmico y entra la parte instrumental, ahí estamos expresando lo que vemos y sentimos de camino al siguiente círculo, al cual llegamos de seguido en un fundido sonoro...

Rockliquias.- Casi sin respiro llega "Cult Of Blood", no te dejes engañar por su inicio jazz, la excitante locura sonora llega, no olvidemos que estamos en el infierno. Sonido thrash con clase
 ¿ Qué aceptación está teniendo el disco entre vuestros más fieles seguidores?

DANTE - Pues parece que muy buena la verdad. Y eso que teníamos serias dudas. Aún es pronto para decirlo realmente, acaba de salir el disco, pero las opiniones que nos llegan son muy buenas. Pero como te decía nos sorprende, porque pensábamos que este disco podría ser muy duro de escuchar para ciertos fans, porque es un cambio de sonido bastante grande respecto a ToTeM, y hemos endurecido mucho el sonido, mucho más que cualquier cosa que hubiéramos hecho antes. Es un cambio puntual en cualquier caso, por el concepto del disco, porque es necesario en el contexto lírico de esta parte de la Divina Comedia (Las  siguientes partes serán radicalmente distintas en género y estilo). Al final estamos haciendo la banda sonora del INFIERNO!!  Y bueno el sonido Pervy Perkin sigue estando ahí, seguimos siendo nosotros, pero pensábamos que muchos fans podían no entenderlo. El tiempo dirá, aún es pronto. Pero lo cierto es que a la gente le está gustando mucho, lo cual nos hace muy felices. Si cambiando de esta forma los seguidores siguen disfrutando de nuestra música, es que están tan locos como nosotros y no hay nada más maravilloso. 

Rockliquias.- "Malebolge" es el tema más largo del disco (15:08). Nunca he sido muy amante del Black metal pero esta composición combina ese género con otras muchas sonoridades (progresivo, funk, electrónica, etc) que la hacen sumamente atractiva para el oído y demuestran el gran virtuosismo de la banda.  

CARLY - ‘’Malebolge’’ fue la canción más difícil de parir. En el libro, el octavo círculo ocupa gran porcentaje de los infiernos de Dante, y llevar a la vida un mastodonte como ‘’Malebolge’’ y acotarlos en 15 minutos fue una ardua tarea. No obstante también es la canción más completa y rica, además de muy fidedigna respecto al libro. Pudimos recrearnos en revisitar motivos del disco con soltura y frescura, de experimentar con rap, con electrónica y de representar las 10 diferentes bolsas de maneras peculiares e incluso opuestas musicalmente entre ellas. Una canción super oscura en la que cantamos los cinco miembros de Pervy Perkin con voces principales, eso hasta ahora nunca había ocurrido. También creo que tiene mucha fuerza el riff con el que empieza y los guturales del principio, aún situándose en el puesto 8 en el disco, para abrir un concierto sería brutal.

Rockliquias.- La obra finaliza con "Worm Angel", otro tema potente que combina ritmos meteóricos con pasajes vocales celestiales, perdón infernales, finalizando con órgano a lo Claudio Simonetti (Goblin). ¿Pensáis continuar con la segunda, Purgatorio", y la tercera, Paraíso, de la obra de Dante?

TIDES - Pues sí, esa es la idea. Tenemos la música para otros dos discos en los que adaptaremos las siguientes dos partes ya mapeada, y pretendemos que la segunda no se haga esperar demasiado. Antes de empezar a grabar “Comedìa : Inferno” teníamos un calendario para coordinar cómo íbamos a ir trabajando en estos tres discos, pero después de grabar este último preferimos no tener una fecha exacta para lanzar el siguiente y trabajar sin tener esa presión. De cualquier manera, seguimos queriendo que salga el año que viene.

Rockliquias.- ¿Cómo están funcionando las presentaciones? ¿Tenéis fechas de próximos conciertos?

DANTE - Pues acabamos de empezar la gira así que quizás es pronto para decirlo pero a la gente parece gustarle mucho el nuevo disco en un escenario! De hecho una de las cosas que más esperábamos con este nuevo disco es poder tocar en las canciones, estábamos deseándolo, porque son canciones muy directas, muy bestias, muy enérgicas, y que son desde luego muy intensas de llevar al directos. Aún nos quedan muchas fechas para este Inferno Tour, las ya confirmadas son: 7 junio en Málaga, 8 Junio en Sevilla, 14 Junio en Murcia, 27 Julio en Santa Pola,  5 de Octubre en Cádiz, 13 de Octubre en Madrid, 26 Octubre en Granada, 23 Noviembre en Santander, y más por confirmar. La verdad es que nos lo estamos pasando genial en estos conciertos la energía es arrolladora, y nos encanta vivirlo con la gente. 

Rockliquias- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

ALEX  - Les diría que creemos que está muy guapo, que a ver si les mola, que lo hemos dado todo y que cuando saltemos al escenario vamos a liarla entre todos! Es muy gebi y muy Methul, pero hasta a mi madre le ha encantado porque coño! Es el Infierno, ha de haber guturales porque eso está lleno de demonios, qué cojones, si no, ¿qué? (risas) Va en serio, se lo puso de principio a fin y eso que ya cosas como Rammstein están lejos de su umbral.  Pero también tiene cosillas tasty intrincadas, y cosas muy Pervy Perkin… ¿Ya existe eso? ¿Tenemos etiqueta propia? (risas)
Muchas gracias por el apoyo gente, nos vemos on the road! Peace and love.








Contacto:




P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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AVTOGRAF: Discografía (1986-2005)

Como os comentaba la semana pasada esta banda moscovita tuvo una importancia vital en lo que podríamos denominar “albores” progresivos en la antigua unión soviética. 


Hubo otra banda importante llamada Dialog incluso más antigua que Avtograf de la que intentaré conseguir más información. A pesar de ser un mundo cerrado a occidente y de que cualquier manifestación de tipo música rock era poco menos que perseguida y mal vista, no se pudo evitar que algunos grupos desafiando la férrea disciplina socialista en lo que a cultura se refiere, hiciesen la música que querían y se juntasen en pequeños reductos para tocar una música de corte europeo que como podéis suponer no hacía ninguna gracia a las autoridades y encargados de que el veneno occidental no contaminase las ansias de expresión artística. Estos músicos profesionales se buscaban la vida tocando principalmente en bailes populares y en otras ocasiones puntuales en bolos de las universidades tocando música mucho más interesante. Comenté que el primer festival de rock de la unión soviética se celebró en 1980 y Avtograf participaron al lado de otras bandas de rock. Su popularidad comenzó a crecer hasta tal punto que fue la primera banda progresiva rusa que tocó en el extranjero llegando a participar el Live Aid de Wembley  en 1985 con gira europea incluida y llegando a actuar también en los EEUU junto a Chicago. Todo un reto para unos soviéticos que tímidamente veían como su país caía en picado después de 70 años de dictadura y despertaba en la llamada perestroika de Gorbachov. El terrible accidente nuclear de Chernobyl en 1986 fue la puntilla que aceleró esa caída inevitable y definitiva en 1989 con la caída del muro y por consiguiente del viejo sistema comunista. 




Temas
1. S.O.S. 00:00
2. Реквием (Памяти Джона Леннона) 04:28
3. Истина 12:54
4. Монолог 17:52
5. Нам нужен мир 22:47


El primer autodenominado álbum de Avtograf fue precisamente en ese fatídico 1986. Sus portadas frías y oscuras delataban sus orígenes en ese mundo orwelliano aséptico e insensible, pero la música de su primer disco es una verdadera joyita encuadrada curiosamente en la “mala época” ochentera. Nada que ver con el neo prog y mucho con el pasado 70´s. Si percibes las composiciones hay un trasfondo neoclásico muy distinto a las bandas al uso y quizás a la memoria te vengan Focus, Trace, Ekseption o incluso Camel pero la melancolía clásica tradicional del pueblo eslavo se percibe en la voz solista de Arthur Berkut y por supuesto que canta en ruso. Los teclados de Leonid Makarevich y la guitarra solista de Alexander Sitkovetsky son hijos directos del conservatorio y se nota claramente en la utilización de elementos clásico-barrocos. A algunos les resultará algo peculiar esta forma melódica de cantar con ciertos ribetes de tristeza y melancolía que encontraremos en otras bandas con un sentido de la melodía alejado de alegrías. Es el rasgo diferenciador con las bandas de occidente. En sus declamaciones se percibe miedo y desesperación: “baladas rusas” probablemente. El sino del destino que tan a pecho llevan esas gentes del este. El sinfonismo épico-dramático está servido. 

Este “pequeño” LP tan solo tiene 28 mtos de música. Desgraciadamente el mejor de los tres. Todo es significativo si lo piensas. Un pequeño paso dentro de un mundo gris y oscuro como fue la URSS. Recomendaría leer la biografía de Dmitri Shostakovich para que entendáis lo que era ser músico, escritor o poeta en un régimen comunista. Ver para creer. 



Temas
1. Город 00:00
2. О, мой мальчик 04:24
3. Я люблю 08:34
4. Странник 13:40
5. Казенный демон 19:06
6. Колокол 23:47
7. Мастер 28:11
8. Каменный край 33:30
9. Амур 37:53
10. Мир в себе 42:50

En 1989 aparece su segundo trabajo “Kamenniy Kray” completamente diferente al anterior y con claro acercamiento a la música jazz-fusión del momento con claros visos comerciales cara al mundo exterior. Hoy suena como algo kisch pero debemos entender que 1989 significó la caída de un imperio y los músicos tenían hambre de libertades y de salir al mundo que les había sido negado. Su segundo trabajo es un disco agradable y muy de su época. Hoy podría pasar por un disco de AOR sin problemas y que los entendidos en esa cosa llamada “rock melódico” me lo confirmen. Querían darse a conocer de una forma más sencilla y comercial pero aún tiene atractivas piezas como “ja ljublju” “Strannik” o la que da título al disco. No se puede ser duro ni exigente con este disco desde la perspectiva occidental porque hay que entender muchas cosas que nosotros ahora consideraríamos horteras desde un prisma diferente. No hay que olvidar que los años 80´s fueron la mayor expresión de vulgaridad, superficialidad y macarrismo de la historia de la música. 


Temas
1. Coming Back To Find You 00:00
2. One Step Away 04:21
3. Tear Down The Border 08:44
4. How Can I Call It Love 12:54
5. Why Is This Goodbye 17:10
6. Judgement Day 21:29
7. My Brother 25:11
8. Going Home 29:03
9. Play With Fire 32:41
10. Why Can't You Stay 35:40

En “Tea Down The Border” ya estamos en 1991 y ya cantan en inglés. Yo que soy un friki hubiese preferido su lengua madre, pero entiendo que ya estaban en el mercado internacional. Es un disco majete con alguna baladita y tal pero no creo que tenga mucho que ver con el progresivo en absoluto. A los amantes del AOR puede que les guste. Rusia despertaba. Lo hizo lo mejor que pudo en aquella época. Fueron valientes y por supuesto la historia del prog ruso ya será imparable hasta nuestros días.
Alberto Torró





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THE FLOWER KINGS - Space Revolver (2000)

Bueno pues con este disco se va el siglo XX y los Flower de alguna manera ya se han apoderado del sinfónico escandinavo del momento. Ni los ordenadores se colapsaron, ni el mundo se fue a la mierda, ni vino el espíritu santo proclamando el fin de los tiempos como siempre vaticinaban los iluminados. 


El mundo siguió con sus mismas idioteces hacia la absoluta mediocridad y el negocio universal siguió planeando crisis, guerras y problemas en las sociedades de todos los países con el fin de como joder más y mejor a la gente. Nada nuevo bajo el sol. También recuerdo que en esa época yo había perdido el interés por el panorama progresivo y por ende con todo lo relacionado con la música rock. Estaba agotado y con un empacho de música “ruidosa” hasta el hartazgo. Durante esos años solo escuchaba sinfonías clásicas o electrónica cósmica berlinesa. Necesitaba soltar lastre. Ya no presté atención ni a este disco ni a ningún otro durante bastante tiempo. Poco a poco las aguas volvieron a su cauce y no terminé de prender fuego al barco, pero casi.

En “Space Revolver” hay un ligero cambio en la formación: se marchan el batería Jaime Salazar y Michael Stolt y entra el bajista Jonas Reingold que a partir de entonces ya quedará como miembro fijo de la banda. En esta ocasión se trata de un solo CD con 10 temas pero como siempre apurando al límite en 76 mtos de música. En esencia su estilo “que todo lo abarca” no ha cambiado, pero hay más contención que en la locura anterior. Por supuesto los temas son largos pero ahora nos movemos entre un arco de piezas de 15 mtos máximo. “Soy el sol” abre y cierra el disco en dos partes y la banda transita como siempre por diversos caminos de cocktelería que van de Zappa a Genesis sin despeinarse y pasando por todos los demás. No te aburres en absoluto porque si tiras de todos los géneros y de todos los estados anímicos musicales es como ver una película de Marvel superhéroes o una costosa superproducción de Hollywood con muchos efectos especiales. No lo digo en tono irónico, lo digo como es. 


Flower Kings tienen la virtud o el defecto, nunca se sabe, de que es imposible recordar entera una canción. Hay alguna excepción claro, pero por norma siempre son puzles que empiezan y no sabes como terminan. Por una parte no está mal porque te obliga constantemente a prestarles atención pero por otra se meten en atascos urbanos con frecuencia y en acaloradas tertulias entendiendo esto en sentido figurado y vuelvo a citar aquí ese sinfónico caótico que realizaron los supergroup Transatlantic. Reingold le da un toque más fusión a la banda con su bajo sin trastes y Bodin está en todos sitios: mellotrón aquí y sinte allá metiendo teclado por doquier. 

“Monster Whitin” es una densa composición que se escapa del sinfónico y agita a crimson, al funk y a las madres de la invención y del cordero por igual para de paso meter un minueto barroco o un pasaje cinematográfico. La guitarra stoltiana termina por definirse con brío, pero al final, no sabes si estas en una casa de locos, en un bar, un parque de atracciones o en una capilla anglicana. Agítese antes de usar y consulte a su farmacéutico. En la canción de la granja de pollitos se encuentran de repente con los Beatles o los Beach Boys y no entiendes el porqué, pero queda gracioso. Luego todo vuelve a cambiar como si vivieses en absurdos universos paralelos. No me disgusta, pero es algo esquizofrénico seguirlos. Suena una gaita escocesa y hipiosos acordes sesenteros y ya estamos en otro lugar por arte de magia. Tiovivos y los del Epping Forest por ahí rondando configuran la bonita “Slave To Money” con Hasse Froberg a la voz, más fina que la de Roine que entra después recordando un poco a los Gentle Giant, Focus o a Gary Moore a partes iguales. Ya he tomado una tila, pero ahora necesito un relajante muscular. 


“A King Player” es una balada que me recuerda algo al “Stardust we Are” y aquí al menos la música está más centrada sin extravagancias dalinianas. Gilmour huele por algún sitio en manos de Roine pero es un magnífico solo de guitarra. La segunda parte de “soy el sol” cierra este paranoico álbum con pajaritos y acústicas iniciales. Muy bonito francamente. Que majos y buenas personas somos, parece decir la canción y yo, que soy un alma sensible me dejo querer. Se queda un agradable sabor de boca, pero por si acaso ya me he tomado un ansiolítico y media hora de meditación en posición de yoga para evitar tics y efectos secundarios y no tener después de la escucha de “Space Revolver” que abrazar una farola en media calle en calzoncillos y con un periódico de sombrero en la cabeza. La semana que viene más.
Alberto Torró



 Temas

1. "I Am the Sun - Part One" 00:00
2. "Dream on Dreamer" (Tomas Bodin, Stolt) 15:04
3. "Rumble Fish Twist" (Bodin) 17:45
4. "Monster Within" 25:50
5. "Chicken Farmer Song" 38:45
6. "Underdog" 43:58
7. "You Don't Know what You've Got" (Hasse Fröberg) 49:29
8. "Slave to Money" 52:03
9. "A King's Prayer"59:33
10. "I Am the Sun - Part Two" 01:05:35







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EXCUBUS - Memoires Incubussiennes (1974 - 2008 / PROGQUEBEC)

Esta semana visitamos Quebec por partida doble, con los electrónicos oscuros Dionne-Bregent, y hoy con otros que tampoco son la alegría de la fiesta, precisamente. Una de ésas bandas sin suerte en su momento, que sólo el tiempo ( o su actual trabajo) puede poner en su justo lugar.


Actualmente son conocidos como Excubus,  pero del 70 al 74 fueron Incubus. Grabando en 1974 cuatro temas en el famoso estudio Chateau d'Herouville en Francia. Donde Jethro Tull desecharia todo un álbum un año antes, (que saldrá como "Nightcap" en 1993). Un material éste de los todavía Incubus, que nunca se editó, injustamente. Hay que decir que antes de esto, ya se habían separado una vez a finales del 71, así que lo de esta banda era turbulento. Para la grabación referida eran Leo England (batería), Michel Phaneuf (teclados) y Marc Delage (guitarras, bajo, voz). Previamente habían sido un cuarteto, y volverán a serlo con Pierre Poulet (guitarras) a partir del 73, bajo otros nombres como Sad, Igor o Polygone.

En el 2008 se reúnen y rescatan el material grabado en Francia hacía 35 años. Además de regrabar ahora otros cuatro temas más procedentes de la antigua cosecha del grupo. El resultado será "Memoires Incubussiennes", ahora como Excubus, al existir registrada una famosa banda (a la que odio), de mismo nombre.


Las cuatro primeras composiciones pertenecen a la grabación del 74. "Bleatis" (4'20) me deja boquiabierto por su sonido adelantado a lo que harán en los 90 bandas escandinavas, en el renacer del progresivo. Esto suena a Anglagard y toda su cohorte con increíble fidelidad. Con ése omnipresente siniestrismo dominado por amenazador Hammond y Mellotron. Y secundado por implacable sección de ritmo, cómplice guitarra a los teclados, y cánticos casi religiosos o de secta (para el caso. ...). Ofreciendo ése envoltorio enigmático de prog en estado puro que lograra como fórmula,  obras maestras como "Hybris". 

Lo mismo se puede decir de "Abomination d'une Quarte de Triton" (3'52), con la eléctrica en más primer plano que antes, y el órgano dando miedito como es de rigor, bajo ritmos percusivos palmerianos. Puede que tuvieran a ELP en mente, pero el resultado obtenido no es ninguna clonación ni mucho menos. 


"Parade de L'Armee de Verre (Au Matin)" (5'31) posee una intro al órgano  de similar sonoridad al Emerson de The Nice.Hasta que entra todo el poder magnífico de la banda, en otro arrebato espectacular de estandarte, (Standarte! Ummm....) progresivo, con mellotronada y organada presidiendo la soberbia exposición instrumental. 

Cierra ésta vintage sesión  (que más parece de los 90), Teeth" (5'03), en otro formidable despliegue teclistico de dramáticas maneras. Una imaginaria banda sonora para una novela de Tolstoi, Dickens......O hasta Anne Rice! Música vampirica de elegante color rojo sangre y terciopelo negro, en la ópera de París, llena de tíos "repeinaos"  con glamour y colmillos.

La parte grabada en el 2008, (aunque supone material antiguo también), se inicia con "Apple Tree Paradise" (6'02), puede que los instrumentos hayan sido conservados y sean los mismos del siglo pasado, pero la grabación no me suena tan deliciosamente lúgubre. Y es que la tecnología le ha hecho un flaco favor al clásico prog sound, eso es evidente. Aquí también cantan por primera vez, incluyen vistoso bajo a la Squire y el órgano predomina bajo percusión de timbales y buenas pretensiones sinfo. La guitarra me recuerda a texturas parecidas a Kerry Livgren, pero se nota que esto es ya, Excubus. No los originales Incubus. "Tales of the Tree" (4'48) es otra "crónica vampirica" instrumental,  que tal vez (y sin que sirva de precedente), hubiera ganado enteros con una guitarra shreed a la Malmsteen o similares. Aunque no está nada mal, en la vieja linea de la banda.

El tema más extenso es "Pendergast" (8'52), que vuelve a situarse en la onda anglagardiana siniestra, gótica y de película de la Hammer. Mención especial para un bajista sobresaliente, que con pocas notas bien metidas destaca en sus fantásticas intervenciones. Descriptiva oscura de victoriano relato  a la Poe.  El final con "A Child's Funeral" (3'41) posee su drama emersoniano, con voz estilo Greg Lake e intachable tratamiento teclistico, tanto en solos, arreglos y melodías. La acústica agrega tristeza al elegiaco tema, y en su final espectacular,  resume las grandiosas virtudes que todavía posee hoy, Excubus. Los cuales volvieron al estudio en 2011 para grabar "Lagau che Tiere". Nunca es tarde para crear buena música. Y Excubus lo están demostrando en ésta segunda juventud.
J.J. IGLESIAS




 Temas
1) Blèatis - 4.23
2) Abomination D'une Quarte De Triton - 3.34
3) Parade De L'armèe De Verre (Au Matin) - 5.33
4) Teeth - 5.04
5) Apple Tree Paradise - 6.03
6) Tales Of The Tree - 4.52
7) Pendergast - 8.53
8) A Child's Funeral - 3.42








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RICK VITO - Soulshaker (2019)

El "slide" es una forma de tocar la guitarra en la que se utiliza un tubo de metal ,antiguamente era un cuello de botella, deslizándolo sobre las cuerdas para producir un sonido muy característico. Rick Vito utiliza esta técnica no como un recurso mas, en realidad, es su forma de tocar la guitarra. Para este genial guitarrista el "slide" es su vida.


Rick Vito nace el 13 de octubre de 1949 en Darby, Pensilvania. A los 10 años su madre lo lleva a su primer concierto de rock'n'roll en el Steer Per de Atlantic City. Desde ese mismo momento su vida cambia. En 1963 da su primer concierto junto a unos amigos en un baile local. Su amor por el blues va en aumento llegando a ver a los Fleetwood Mac en el Electric Factory de Filadelfia en 1968. En su etapa universitaria siguió tocando en diversas formaciones por el este de Pensilvania. Junto con su amigo y armonicista Rick Valenti se trasladan a New York donde graban un tema junto a James Cotton bajo la producción de Todd Rundgren. En 1971 se traslada a Los Angeles y realiza una gira con Delaney y Bonnie Bramlett. Aparece en el disco  "Something/Anything?" de Todd Rundgren, y colabora con gente como  LITTLE RICHARD, BOBBY WHITLOCK, JOHN PRINE y DOBIE GRAY, entre  otros. 


En 1974 recibe la invitación para unirse a la banda de John Mayall con el que graba: " New Year, New Band, New Company " (1975), "Notice To Appear" (1976)  y "A Banquet in Blues"(1976). Posteriormente entra a formar parte de Byrd Roger McGuinn, Thunderbyrd y Angek City Rhythm Band. Con estos últimos respalda a Albert Collins, Big Joe Turner y muchos más en el club Topanga Canyon Corral. En 1980 comienza a colaborar con Bonnie Ratt e incluso forma parte de su banda durante la gira del 82-83. En ese momento  Rick era un reputado músico de sesión para artistas como Rita Coolidge, Dolly Parton y por supuesto Bob Seger con el que graba el tema "Like a Rock". En el 86 forma parte de la banda de Seger en la gira "American Storm". 


En 1987 entra en Fleetwood Mac tras la salida de Lindsey Buckingham y en 1990 graban "Behind the Mask". Al año siguiente abandonaría la banda para iniciar su carrera en solitario viendo la luz su primer trabajo "Street Angel" en 1992. Por temas familiares su segundo trabajo se retrasó hasta 1997, "Pink and Black". Hasta la fecha de hoy ha editado siete trabajos más.  En 2007 junto a Mick Flletwood trabaja en dos nuevos proyectos Esand Rumors Band y Mick Fleetwood Blues Band editando "Blue again" (2008) y " Live At The Belly Up Tavern" (2016).


"Soulshaker" es el último trabajo de Rick Vito En esta ocasión le acompañan Charles "Mojo" Johnson y Rick Reed (batería), Charles Harrison (bajo) y Kevin McKendree y Mark Horwitz (teclados). Su música esta llena de buen "slide guitar" caminando por los senderos del rock y del blues. La grabación se inicia con "She's Just Too Fine" , blues con su toque característico. Sonidos exóticos llegan con "I've Got a Secret", me recuerda un poco a Chris Rea. "I Do Believe" casi casi rockabilly. "World on Fire", vuelve el blues con el omnipresente "slide". "Doggin 'Around" es un instrumental con aires hawaianos. "Dancin' Little Sister", ideal para mover el esqueleto. "The Ball and Chain" contiene ritmos a lo Bo Diddley. "I'm Going to Heaven", blues  con guitarra "slide" y palmas, no necesita nada mas. "Soul Shadows" es otro instrumental para disfrutar.  "Walking Shoes", no solo toca bien la guitarra, su voz es perfecta para este tipo de música. "Promise Land", "rural song blues" con aspectos religiosos. El disco se cierra con una versión instrumental del clásico de Sam Cooke, "A Change is Gonna Come". Como curiosidad podemos decir que la fabrica de guitarras Reverend a diseñado la Rick Vito Signature Soulshaker.
J.C.Miñana










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DIONNE - BREGENT - Et Le Troisieme Jour (1976 / CAPITOL)

Hoy nos acercamos a ése fecundo huerto en materias prog/electrónicas que fue la zona canadiense de Quebec, con un dúo brillante. Vincent Dionne  (percusionista) y Michel Georges Bregent  (teclados). Dos discos fueron todo su legado, siendo éste el primero de ellos. 


Un título muy apreciado en círculos coleccionistas, como uno de los mejores álbumes electrónicos hechos fuera de Alemania, en la década de los 70. Consta de dos lados muy distintos pero igual de magníficos,  aunque yo me quedo con el segundo. 

En la cara A, "Et Le Troisieme Jour" (20'25) viene dividida en tres partes. "L'Incarnation" (4'55) y su oleaje inicial, nos trae mística reverberacion secuencial, acompañada de extraños sonidos posiblemente percusivos. A éste respecto, Dionne toca el Madriphone, instrumento de percusión de su propia invención. 


En "Chant D'Espoir" (9'21) puede que sea lo que se oye al unísono  con toda la electrónica analógica desplegada, mellotron y la soprano invitada Pauline Vaillancourt. Líneas melódicas de moog recrean un ambiente parecido a los franceses Ose, con aquel celebrado "Adonia", comentado en ésta misma sección. Música muy descriptiva y casi sinfónica,  que igual debe al "Zeit" de Tangerine Dream, que a los Popol Vuh de "Affenstunde". E incluso a algún reposado momento cuasi espacial de los primeros Magma. La percusión es tan protagonista en ésta música como los teclados, creando sonoridades igual de especiales e introspectivas.

"Resurrection" (6'09) describe una especie de "Santa Compaña cósmica", de orgánico hipnotismo. Mellotron froesiano proyecta ambientes de misterio en una jungla percusiva de étnica relevancia y majestuosidad sinfónica. No puedo evitar recordar en ésta parte, alguno de los momentos más "planantes"  de nuestros Azahar.


Cambiamos de lado y de proyección astral. En la B, "L'Ereil Du Lien" (23'00) también se presenta subdividida en cinco partes. Pero la escucha relajada de antes, va a dar paso ahora a un avant electrónico  de arriesgados planteamientos. "Possession" / "Destination" (10'05) alberga un aura oscura y se diría que tratan de reflejar el mal en su más pura esencia. Cacofonicamente tétrico y cercano a un Peter Frohmader. De trágica y negra pretensión,  con enloquecidas campanas de catedral y un insano ambiente (que adoro). No es para ponerlo en la ingesta de uvas de Nochevieja,  a no ser que quieras agriar el año a alguien con una buena maldición de por medio.

"Choc" (0'25) y "Temple Du Silence" (1'26) son ejercicios atmosféricos de percusiones cuasi tibetanas de meditativa interior.... O un probable leve descanso mental para otra embestida tenebrosa como es ".....Des Cycles et des Passions (Jeur des Tensions / Convergence des Jeux/ Retour du Mythe" (6'41). Excéntricas percusiones y electrónica del momento, en perfecta simbiosis para crear un mal viaje al incauto hippie de aquellos días. Si pensaba utilizar el disco para transportarse a edenes sonoros y paradisiacos paisajes mentales.


Estos tíos gastan mala hostia para regalar, y la exteriorizan con sombríos pasajes del inframundo, y chunguez vitalicia con alevosía. Y eso les sale muy bien. El experimento de éstos "Mengeles electrónicos" es un éxito,  a la hora de perturbar y desquiciar mentes débiles. Los prefiero en ésta esquizo-forma. La final "Transcendance Du Lieu / Delivrance" (3'57) es como si te hubieras perdido dentro de la pirámide de Keops, y estuvieras rodeado de momias o nuevos concejales, (lo que viene a ser lo mismo), mientras se arrastran hacia ti pidiendote tu apoyo con la mano extendida. Aaaargh! Que ominosa visión lovecraftiana, propiciada por la delirante música de Dionne-Bregent. Un oscuro, en todos los sentidos, clásico perdido.
J.J. IGLESIAS



Temas
..Et Le Troisième Jour
01 Incarnation 
02 Chant d'espoir
03 Chant d'espoir
04 Résurrection 

L' Exil Du Jour
05 Possession/Destination 
06 Choc d'or 
07 Temple du silence 
08 Des cycles et des passions 
09 Transcendance du lieu/Délivrance





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