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ESTAMOS DE VACACIONES. VOLVEMOS EL 17 DE AGOSTO. AMENIZA LA ESPERA ENTRANDO EN ROCKLIQUIAS RADIO


PULSAR - Pollen (1975)

Este quinteto francés se crea en Lyon en 1971 cuando las diferentes bandas prog galas empezaban a desarrollar las curiosas músicas y tendencias que arrasaban el panorama mundial de entonces. 


Lo extraño del caso es que casi fue una moda que logró penetrar en los oídos de los que entonces éramos muy jóvenes. La ventaja de haber vivido aquello al menos para mí, es poder hablarlo hoy sin los mitos y las excesivas emociones que se han vertido sobre este legendario estilo tanto positivas como negativas. Los que estuvimos allí no lo vivimos como nada especial y tampoco con el fanatismo posterior creado en los prog rockers de las generaciones que nos han sucedido. Para nosotros que se hiciese aquella música novedosa nos parecía normal. Era lo lógico, pues ya teníamos el oído acostumbrado a la década de los sesenta. La buena música era lo cotidiano y para nada extraño. Puede sorprender esto, pero en buena parte así fue. Incluso en los llamados singles de éxito comerciales podías encontrar mucha mejor música de la que en términos generales se hace ahora.

El desapasionamiento es un fenómeno que aparece con la edad. El hecho de llevar prácticamente toda la vida escuchando música acaba por completo con el “factor sorpresa”. Recuerdo abrir nervioso cualquier vinilo a mis 18 años y la rutina previsible de ahora. Dos mundos. Luego está la seguridad de que cualquier cosa de hoy o es repetición o es una mierda. Conforme envejeces valoras la importancia de lo esencial y lo importante que es deshacerse de lo inservible. Esto lo aplicas a todo naturalmente porque vivir cansa muchísimo tanto física como mentalmente.

Pulsar son bastante diferentes. Aunque se les suele catalogar como symphonic prog yo diría que hay otros elementos que cobran más importancia en su música como pueda ser el llamado space rock y la primigenia psicodelia floydiana acercándose incluso a veces al kraut germano en su lado más disciplinado y menos loco. Luego está la cuestión de que su música generalmente es tranquila y pausada. En sus discos no hay excesivas prisas ni carreras contra reloj. Una sensación de calma y placidez es la que encontramos en este su primer trabajo. Música para estar cómodo. La languidez se reparte en una fina interpretación entre los finos teclados de Jacques Roman, las acústicas de Gibert Gandil y la crimsoniana  casi algo caravanera flauta de Rolland Richard  más una tranquilona sección rítmica que apenas remonta en vuelos y mantiene un swing agradable todo el rato. El ambiente es entre hippioso y descriptivo y naturalmente suenan muchísimo a los mejores Floyd de 1969-1970 en su lado más melódico. Su música tiene una sensación nostálgica y placentera poco apta, nada diría, si te van los trallazos rock. 


En definitiva “Pollen” se escucha como escuchas un arroyo, con sus efectos space, su pausado tempo, su toque sych, sus detalles a veces algo experimentales como en “Le Cheval de Syllogie” o los sinfonismos retro y cadenciosos de la suite “Pollen” de 13 mtos. Un trabajo absolutamente agradable y encantador con el cual solo debes dejarte llevar.
Alberto Torró



Temas
1. Pulsar (3:00)
2. Apaisement (7:30)
3. Puzzle / Omen (8:00)
4. Le Cheval De Syllogie (7:00)
5. Pollen (13:05)

https://sites.google.com/view/rockliquiasradio/p%C3%A1gina-principal





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ZEUHL: Jean Philippe Goude - Drones (1980)

El compositor y teclista Jean Philippe Goude nacido en París en 1952 es un prestigioso músico dentro de la música contemporánea y avantgarde. Su andadura ha transcurrido de forma paralela tanto por la electrónica, el jazz fusión, la música de cámara y por supuesto el zeuhl por su colaboración con varios músicos de Magma. 


Veis que esta banda pivotal francesa aparece constantemente en nuestra historia como eje principal de la corriente y siempre como inspiración tanto en formas musicales como actitud contraria a todo convencionalismo. Escuchar músicas complejas y enrevesadas no es del gusto de la mayoría y nos puede recorrer una sensación de pereza absoluta a la hora de enfrentarnos a una grabación. Tampoco depende a veces de la formación y de la experiencia auditiva que se tenga. De hecho, tanto veteranos oyentes como músicos aborrecen de las formas caprichosas en la música. De cada 100 melómanos probablemente uno o dos escuchará cosas complejas y desafiantes el resto irá siempre hacia su zona de confort. Eso sí, el amante de las cosas raritas es intransigente con todo lo demás que tenga una melodía o una estructura amable. Estos son los “outsiders” musicales de difícil trato. En casi todos los aspectos de la vida hay un componente psiquiátrico y alguna “perturbación en la fuerza”. La mayoría de compositores vanguardistas y contemporáneos son individuos intratables. Alguno he conocido personalmente. Si uno hace un estudio detallado de todos los compositores famosos, instrumentistas de élite o directores de orquesta dentro de los cánones de la música de alto nivel comprobará que nada en ellos es normal, salvo alguna escasa excepción a la regla. Evidentemente también hay gente humilde, equilibrada y encantadora en el mundo artístico pero la mayoría son insoportables.


Goude participó con el grupo Heldon y posteriormente con Weidorje de los que ya hablé. Su discografía es amplia, pero he elegido éste por ser el más afín al estilo que nos ocupa. Más que hablar de música progresiva su álbum “Drone” pertenecería a esa rara especie de discos de vanguardia a medio camino entre la electrónica y la música de cámara. Es un disco extraño pero a la vez agradable. Aquí tenemos de nuevo a Bernard Paganotti incluso al vetusto druida Klaus Blasquiz a las voces en tres temas. Las piezas son variadas. Desde el retorcido detalle nimio a la épica sonora en contrastes muy marcados. Muchas veces pasamos de la experimentación al jazz fusión de una pieza a otra, pero siempre en algo difícilmente clasificable en términos académicos cosa que sucede constantemente en la mayoría de trabajos que voy comentando en esta sección. Once cortas y entretenidas piezas componen este trabajo y la lista de músicos colaboradores ocupa bastante espacio. Me hace gracia la última titulada “Trio de mini moogs”. Tu escucha y decides. Como siempre.
Alberto Torró



Side A
1) Les saturnales (0:01)
2) Sicilienne (5:11)
3) Machine (6:07)
4) Drôle d'ère (10:00)
5) Coma (15:01)



Side B
1) Trépidanse (0:01)
2) Duo (3:15)
3) Dies Irae (4:24)
4) Tintinnabulum (7:50)
5) Cantilène (14:42)

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CHAMELEON - Rising (2013 / Shroom)

Otra iniciativa de los restauradores de arte sonoro, Shroom. Sello de imborrable recuerdo para el aficionado de buen morro, por el nivel de lo rescatado, y su imposible localización,  de no ser por ellos. En éste caso son una cosecha de cintas que van del 75 al 80. Aunque nadie lo diría por la cohesión y lógica que consiguen como "disco" real, al fin editado. Houston, TX, tiene un "problema". Que no saben qué hacer con Chameleon por ésas tierras. 


Banda que en sus raíces,  allá por 1969, puso las bases los hermanos Rick y Mike Huey  (bajo y batería), junto al guitarra-cantante Spencer Clark. Con la suma del imprescindible teclista Craig Gysler en 1970, se llamarán  Evolepoh. Abriendo conciertos para Captain Beefheart, Amboy Dukes y MC5. Para 1975 son ya Chameleon y supongo que la transición psicodélica al progresivo ha sido un hecho natural. En 1978 el kit percusivo de Mike Huey será tomado por Marty Naul (ex-Oz Knozz). Durarán hasta 1981, cuando ven claramente que los tiempos no son propicios para seguir adelante. Todo ése material grabado (y muy bien!) será descubierto por los tejanos Shroom, poniendo en circulación la joya titulada "Rising" en 2013. 

Fiesta proggy de alto calibre que comienza con "Texas Cyclone" (9'42), intro de Hammond y bajo dominante en euforia Squire......modelado Yes quizá,  pero que en formato prog USA tiene su energía propia indiscutible. Detallista percusión,  que no descansa en sorpresas. Cambios al piano con adorno global de todos, guitarras que pintan trazos Hackett, el cual canta con similitud a Mike Sadler (Saga). Y vuelta al "Yes Album sound" de la exposición inicial. Sensacional forma de abrir un (hipotético) album. Ahora la intro va a ser al moog, con golpes hard, para "Follow Your Heart" (3'56). Y efectivamente la equiparación a Saga persiste (no en todo el disco), mezclada con el empuje de los primeros Kansas. Casi más cerca del pomp de unos Alpha Centaury o Steeplechase, lo que me lleva a mi particular nirvana sensorial. 


"Pilots Thoughts" (7'24) proclama inicio teclistico muy sci-fi, roto por la eléctrica hard rock y ésa portentosa sección rítmica co-sanguínea. Calman el tema a tesituras West Coast, pero todo hace pensar en un inevitable crescendo prog de superlativa cosecha,  que inspira a Rush - "Hemispheres", sin parecido alguno. Slide espacial con ecos y acústicas,  teclados ingravidos y sensación de "Major Tom" en otro molde más adecuado. Vaya clase la de Chameleon. Que no cesa en "Brave New Way" (4'08), canción pomper con sonido líder del bajo y tratamiento hard en cuidada coral. Compactos pero sutiles. El moog retoza en el prado como un Wakeman desmelenado,  en ejercicio virtuoso espectacular. Aromas al Cañón Laurel para "Drool Away"; (4'36), en voz enérgica y teatral, que torna a Styx territorio y teclados esencia de Roger Boyd (HeadEast). Justo entre esos dos nombres andará el plasma inspirativo de Chameleon en ésta ocasión,  con mellotron protagonista como fondo imperante. 

Matemática rítmica cambiante en "Pass Through the Columbian Mountains" (6'43), con toda la desfachatez Gentle Giant / Happy the Man envolviendo el desarrollo. Excelentes mástiles posteriores, en jazz rock fuselaje, sobrados de técnica y engrase. Craig Gysler se pone a la altura de un Jan Hammer o Dave Greenslade en éste excelso instrumental. Los rhythm brothers se ponen al frente en "Everyday Everyway" (5'56) y volvemos al hard rock fino, con impactantes arreglos y la potencia arrasadarora de los más fogosos Kansas. Spencer Clark suena aqui a Kerry Livgren sin ningún disimulo, y queda perfecto en el contexto. "Mirkwood Forest" (6'53) no desentonarìa en un álbum de Starcastle, aunque ésos personales detalles percusivos marca de la casa recuerden a Happy the Man poderosamente.  El pomp/ prog vuelve a marcar el ritmo de la pieza, con inteligencia y elitista clase. Rush mid 70s marcan la pauta también. Aquí no hay desperdicio. La compenetración de todos los miembros es abrumadora, demoledora, agotadora. 


Quedan cinco temas más en la misma línea,  que pueden ser escuchados en orden aleatorio como todo "Rising". Sin temor al aburrimiento. Un disco nunca editado (doble de haberlo hecho), que debió de tener su oportunidad aunque fuera como prensaje privado. Pero ahora valdría un pastón y quizá sería más difícil su caza. Cuando pienso en la cantidad de basura que se edita y el dinero perdido en superficialidades, se me llevan los demonios. La (puta) vida y sus injusticias.
J.J. IGLESIAS






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DANIEL VEGA - La Noche Que Precede A La Batalla (1976, Movieplay/Gong)

Este larga duración es un disco atípico de un artista que, por maridaje con cierta corriente vocal, debería fluir diferente de la manera en que en 1976 lo hizo. Daniel Vega, cantautor rebelde y vivo en sus apreciaciones, se embarca en la grabación de una única obra que quedará para los restos como el tesoro maldito que jamás encontró un camino por el que seguir derramando sus zafiros y esmeraldas.



«Siempre he tenido un estilo o forma de hacer muy personal. Compongo canciones con “cuerpo”; es decir, que música y texto formen un todo sólido y puedan caminar por sí solas, que se adapten a una sola guitarra, a un grupo base de tres o cuatro instrumentos o a una grabación con medios y envergadura. La canción “es” y “está” por ella misma. Si ahora interpreto “Madre Asturias”, suena a canción incluso cantándola a pelo, y con una sola guitarra puedo trasmitir la fuerte intensidad de “Esperando Al Sol”, por lo que narra, cómo lo hace y el ritmo que imprime el instrumento: un obsesivo teletipo. Lo puede hacer cualquiera porque “existe” la canción».

La Noche Que Precede A La Batalla es un elepé ambicioso de un creador que al poco terminaría tragado por la tierra y desapareciendo de la escena como cabeza visible. Con Gonzalo García-Pelayo como director de producción, y ayudado en lo visual por una vistosa y sobrecogedora creación pictórica de Máximo Moreno (que también trabajó para las carpetas de Triana), Vega estructura su disco en dos partes bien delimitadas.

«Nada me fue impuesto, no lo hubiera permitido. Gonzalo García Pelayo, productor de todas las grabaciones, y Máximo eran amigos. Gonzalo lo contrató para hacer las fotos de portada, nos citamos en el estudio de grabación y él llevaba una carpeta con dos dibujos preciosos, de inmediato me quedé con el de los jinetes pues era perfecto hasta para el título de mi disco. El otro se lo llevó el grupo Triana, que también estaba grabando. Con el tiempo la portada se hizo famosa, pero fue una feliz casualidad».

La primera pieza, titulada como el propio álbum, pudiera querer buscar recreaciones inspiradas en los cuentos de caballerías, aunque en los rincones más inesperados guarda mensajes de mayor calado. Esa plegaria en “Alma Gemela” que ruega a la unión de los seres humanos (“¡Ay! Si pudiera ser / ¡Ay! Si se unieran / Todos los cuerpos / Vivos y muertos / Exiliados de mi tierra”), ¿acaso no guarda una súplica a la unión de las “dos Españas” y, por ende, a la paz definitiva? Por su parte, “Cantábrico”, el segundo capítulo compuesto por seis creaciones –una de ellas de igual nombre–, pareciese una concentrada y vistosa mini ópera de folk rock. Aquí el parentesco artístico con el otro gran asturiano de la canción costumbrista, Víctor Manuel, queda totalmente cristalino. Entre ellas, el relato en clave de teletipo –como explicaba Daniel– titulado “Esperando Al Sol” es de seguro mi canción favorita del vinilo.


«En Asturias, en aquella época, fui una sorpresa, era uno de los primeros cantautores que llegaba con canciones propias. Me hice un hueco de inmediato. Tenía un estilo propio –venía de la influencia de Crosby, Stills, Nash & Young y The Doors, entre otros–, tocaba con guitarra acústica, algo que nadie hacía entonces. En fin, yo mismo estaba asombrado de aquel éxito a través de la radio, la incipiente televisión autonómica y los conciertos múltiples en los Centros Culturales de CajaAstur».

Daniel logra gracias a una delicada sublimación del art folk y las cadencias progresivas dotar a sus canciones de un peso rotundo e imborrable; de la misma manera, las piezas “Jinete”, “Cantábrico” y “Ciudad Luminosa”, poseen el arrojo de un visionario. No tiene nada que ver su experimentación con el folk con lo que patentasen The Incredible String Band, pero lo cierto es que resulta tan original como lo de aquellos.

«No hubo continuidad porque todo aquello se comercializó y sobre todo se industrializó de tal manera que ya no hubo cabida para músicas experimentales, por llamarlo de algún modo. Sobre los escenarios estuve hasta 1978. De repente se hizo dueña del espectáculo la generación de “La Movida”, imaginé lo que iba a suceder y no me apeteció retirarme a esperar mejores tiempos. Había acabado la carrera de periodismo y me apunté a cubrir la guerra de Nicaragua (1979) y a continuación la de El Salvador (1980). Sólo así conseguí puesto fijo en México como corresponsal y reportero. Después pasaron los años y me quedé en América hasta el final».

Pero regresaría a España, en este caso a Valencia, donde pasaría los últimos años de su vida. El 9 de mayo de 2010 fallecía este creativo imparable amante de las letras, de los significados de las palabras, de su pureza. Igualmente, este asturiano valiente fue melómano a la par que instrumentista. Experimentó como pocos en unos años y a través de terrenos musicales que parecían tener fronteras excesivamente delimitadas en nuestro país, y ante todo en su tierra. Y cual poeta, jamás renegó de las sensaciones, de los recuerdos, de las morriñas y el gusto en ese paladar que es el cerebro, ya fuese vía sinsabores como por el camino de las alegrías privadas. Poemarios como Emanaciones-Nude, Arderencia, El Sueño Insomne o La Caja De La Memoria, firmados como Daniel Astur Vega, así lo demuestran.
por Sergio Guillén


 







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KASHMIR - Alarme! (1978 / Bellaphon)

Recuerdo ver un artículo  en Popular 1 en los finales 70,  donde hablaban de Kashmir. Con foto, logo y todo, me dió que aquello debía ser de mi agrado. Pero por entonces, éste tipo de noticias se veían muy lejanas e inaccesibles. Como en realidad era. Hoy basta con acercarte al ordenador y a golpe de ratón solucionarte el enigma de cómo sonaría aquello.....Es realmente beneficiosa tanta satisfacción instantánea? A veces me lo cuestiono. Acostumbrado a sudar cada disco de mi colección,  ahora es como "hacer trampas" en el juego. Es bueno que no haya ni tan siquiera un poco de esfuerzo y búsqueda? Ahí lo dejo. 


El dúo suizo Kashmir lo componían Patrice Guenat (teclados,  voces) y Henry Dubelly (voz solista y mezclas). Éste fue su primer álbum grabado en los Mountain Studios de Montreaux, famosos por ser luego los favoritos de Queen. Se lanzó en dos versiones distintas, para Suiza y Europa. Lo suyo era rock electrónico con aspiraciones Art Rock, bastante fluido y accesible, pero con un exigente filtro de calidad. Así apreciamos nada más pinchar "Desert Bleu" (3'24), (juraría que oigo batería,  y no precisamente electrónica. Si lo es, está muy lograda para 1979). Sinfonismo ciber grandilocuente y espectacular. Como para inaugurar "Los Juegos del Hambre" (o sea, ahora).

En "Je Suis" (3'16) ya se escucha susurrar a Henry Dubelly en su idioma nativo, de forma teatral, - una constante tratándose del francés -, mientras la muralla teclistica construye apropiado ambiente al monólogo existencialista. Secuenciador clásico para el inicio de "Alarme!" (3'05), y todo el arsenal de Guenat, más sus realistas percusiones, en otro fílmico corte que de nuevo linda lo sympho estilo Nick Magnus o The Enid. Coral mellotronica a la "Aida" con un séquito de sintetizadores como escolta. Vuelve la voz en "Linear" (7'00), y no anda esto muy lejos de lo que harán Jon & Vangelis en sus momentos menos gays. Cuando se ponían en serio a hacer música para ellos y no para "ella" (la disquera). Así resulta que el desarrollo analógico  posterior al recitado cantado, tiene un solemne aire a pompa y boato, con imaginativas líneas solistas y "'creíbles" "platos y percusiones". Incluso con un sonido muy cercano a una guitarra solista, (Roland GR-500 tal vez?.....). Casi que suena "hard rock", en ésa búsqueda de colosal magnificencia. 

"Far Away" (4'44) cerrará la primera cara con delicadeza lírica, y  hasta emulando flauta. Vocalmente de dramático uso, y con un manto mellotronico escudado por ágiles sintes. El piano dirige subliminalmente, a golpes certeros y seguros. Plasman originalidad y reflejan claramente una reinvención del género, o por lo menos lo intentan. Damos la vuelta, y "Slowly " (3'32) trae accesibilidad bien compuesta y digerida. Al estilo del "Story of I" de Patrick Moraz, (piano + sintes en agilísimos trazos). La voz entra aquí como coral y un instrumento más. Todo en un bloque accesible, amable y esperanzador.

 "6H30" (4'20) podría ser el comienzo de un tema de Toto, Supertramp o Foreigner, con ése electric piano emulando el "Cold As Ice" de éstos últimos. Aunque pronto la desvían  hacia un ensayo  percusivo, (de nuevo tengo que decir que muy logrado) y voces de Dubelly, en abstracto pop electrónico de factura muy arty. La final "Go!" (10'15) vuelve a retomar fílmica con sonidos de tormenta, pasos y un plato inexistente que introduce la pieza, en una línea cercana a los próximos Ultravox o Magazine. De hecho Kashmir son unos adelantados, aunque procediendo de Suiza, naturalmente nada reconocidos. Que se expresáran en su lengua nativa les daba además, un plus de personalidad agregada. De nuevo se combina lo sympho con Art Rock,  en un atractivo cóctel que ha superado más que bien la barrera del tiempo. 


Aquí comenzó una carrera con discos quizá más oscuros, pero de indudable interés. "Alarme!" merece la pena por su individualismo y visión adelantada. Como si hubiera salido ayer.
J.J. IGLESIAS




Temas
01 Desert Bleu - 0:00
02 Je Suis... - 3:27
03 Alarme! - 6:43
04 Linear - 9:55
05 Far Away - 17:07
06 Slowly - 21:48
07 6 H 30 - 25:23
08 Go! - 29:47





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THE MOVE ‎– Live At The Fillmore 1969

Durante la década de los 60, el músico indio Ravi Shankar popularizo el sitar entre los músicos del rock. Como todos sabemos el sitar es un instrumento bastante aparatoso para su transporte y uso en concierto. Por ello Vincent Bell de la compañía  Danelectro diseño una especie de sitar eléctrico (Coral Electric Sitar) que reproducía de alguna manera el sonido original del sitar. El artefacto tenía seis cuerdas junto con otras 13 más en el lado bajo del cuerpo que respondían a las vibraciones de las cuerdas principales. A lo largo de la historia numerosos artistas han utilizado este instrumento, podemos nombrar a Buddy Guy, Steve Howe, Rory Gallagher, Pat Metheny, Van Halen y uno de nuestros invitados de hoy, Roy Wood, guitarrista de The Move.


En enero del 69, The Move, publica el single "Blackberry Way", llegando al número uno de las listas del Reino Unido. Un año antes había visto la luz su primer disco, "The Move". La banda estaba dando un giro a su sonido hacía terrenos más pop hecho que motivó la salida de Trevor Burton en febrero de ese año. En su lugar, y después de algunos rumores que situaban en el puesto a Hank Marvin (Shadows), el elegido fue Rick Price. En octubre realizan una gira por Estados Unidos actuando dos noches en Detroit junto a The Stooges, cinco en Los Angeles en 'Whisky A Go Go' y  dos más en el Fillmore West de San Francisco junto a Little Richard y Joe Cocker.


La grabación nos traslada a las actuaciones de The Move en el Fillmore West el 17 y 18 de octubre de 1969.  Las cintas originales se tomaron directamente de la mesa y fueron restauradas para su posterior edición en 2012.  La banda se presentaba como cuarteto con  Roy Wood (guitarra,voz), Carl Wayne (voz), Rick Price (bajo, voz) y Bev Bevan (batería). El "setlist" sólo contiene tres temas originales de la banda : "Cherry Blossom Clinic Revisted",  " I Can Hear The Grass Grow" y "Hello Su". El resto son versiones de The Nazz, Ars Nova, Carole King, Tom Paxton, Barry Mann y Cynthia Weil. En cuanto a su música nos encontramos con un tratamiento sonoro más duro que en sus discos en estudio alargando los temas y con múltiples improvisaciones. Buena prueba de todo ello la tenemos en "Fields Of People", más de 17 minutos con Roy Wood en pleno éxtasis con su sitar eléctrico. Tranquilos, también tenemos armonías vocales en  'Last Thing On My Mind'  y 'Goin' Back '. En la última pista tenemos a Bev Bevan hablando sobre la gira americana.
J.C.Miñana








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ROCKLIQUIAS RADIO

En Rockliquias queremos seguir progresando en la divulgación musical y por ello nos embarcamos en un nuevo proyecto, Rockliquias Radio. Con la inestimable ayuda de nuestro amigo y colaborador Luis Arnaldo Álvarez nos lanzamos a la aventura de la radio por internet. Queremos desarrollar la idea en dos fases. En la primera, (hasta el 16 de agosto) se emitirá música agrupada por estilos en diferentes horarios. En la segunda fase se comenzarán a emitir programas de nuestros redactores.


Podéis conectaros a Rockliquias Radio de varias maneras:




O en nuestra propia web: https://rockliquias.com 



También podéis descargar la aplicación para móvil: listen2myradio  y buscar rockliquiasradio e incorporarla a favoritos.

Esperamos vuestras críticas, comentarios y sugerencias para seguir avanzando





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ATOLL - Tertio (1977)

La portada de su tercer disco me resulta sugestiva porque llevada a nuestros tiempos parece una flatulencia incontrolada de covid 19. Aquí en España vamos llevando el virus un pasito pa lante otro pa tras y contagiándonos como dios manda que para eso somos más chulos que nadie y listos a rabiar.


Llegamos a 1977 porque nuestras secciones en esta plataforma suelen viajar al pasado lejano constantemente y generalmente a la búsqueda anterior al año cero de la hecatombe musical progresiva que fue más o menos por esas fechas al que tampoco hicimos funeral de estado. Luego vino la zombificación de los 80´s y los antaño prog o bien se pasaron a sacar brillo a la franquicia AOR, o a la plastificación tecno neuronal plana o al Heavy de manicura, leotardos leggins y oxigenada peluquería. Música lo justito. Pero fundamental que se pudiese bailar hacer ruido de neón y sobre todo ventas. De como la gente cambió de chaqueta y de gustos casi de repente, es un misterio de las grandes epopeyas alejandrinas o, bien como yo intuyo, solo compraban progresivo porque fue una moda y las portadas eran guapas y fardabas con los snobs. Otra cosa era escuchar y entender. De eso ríen de ríen salvo los náufragos de siempre que hemos ido quedando en cada hundimiento musical y somos como una reserva india que solo nos conservan en museos como peculiaridad y curiosidad histórica. Tendría su gracia acabar en una vitrina y que los niños se nos descojonen en visitas guiadas del colegio.


La tercera entrega vinílica de Atoll contaría con las voces de Stella Vander y Lisa “DeLuxe” Bois, ambas por entonces de la nueva formación de Magma a las puertas de grabar su álbum “Attack”. Al parecer algunas bandas francesas progresivas de la época tenían más relación de lo que parece. “Tertio” cerraría la trilogía importante de la banda ya que lo que vendría después sería un descenso hacia la mediocridad absorbida por los tiempos por mucho John Wetton y otros colaboradores del siguiente “Rock Puzzle” del que no hablaré.

“Paris c´est fini” parts 1&2 (5.54) inicia el entretenido recorrido de este disco con melodías instrumentales que en algo recuerdan a un ligero Yes cruzado con Ange en las voces. La fina guitarra de Beya, estrella en este trabajo, es definitoria de lo que digo. “La Dieux Meme” (7.32) y sus cánticos de sirenas con su clásico tempo del sinfónico agonizante de una década lo dice todo: ruedas de acordes lentos de teclados y una hermosa melodía cantada casi como despedida de un estilo condenado a morir. Los cambios se alternan en arpegios de piano y ritmos a contratiempo mientras aparece un “aleluya” por ahí y el sinte hace su numerito a la Wakeman. La composición es maja al igual que previsible para los que estamos familiarizados con el estilo y naturalmente el guitarrista deja un emotivo solo para el final como debe ser en la tradición sinfónica con coda incluída. En “Gae Love (le due)” (4.51) entra el sintetizador animosamente y nuevamente nos acordamos de Yes pero ahora con las voces de Magma en una extraña amalgama. “El cerdo volador” (5.42) tiene una lenta introducción. No sé si es el mejor título ante una aparente balada, pero los franceses son así y la pieza es bonita harmónicamente. 


Aunque sin duda lo mejor del programa son los 14 mtos de “Tunnel” en dos partes para finalizar. Bonita estructura. Buena melodía. Variedad temática. Buenas voces. Cierta tendencia a la fusión y un impresionante Chris Beya haciendo virgerías por el mástil en una exuberante segunda parte que se aproxima ligeramente al obsesivo y adictivo estilo zeuhl más fusión de ese momento. Pena penita que no siguiesen por este camino. Pero los recordaremos.
Alberto Torró




Temas
01 Paris, C'est Fini
02 Les Dieux Même
03 Gae Lowe (Le Duel)
04 Le Cerf-Volant
05 Tunnel Part I
06 Tunnel Part II





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ZEUHL: UNIVERIA ZEKT - The Unnamables (1971)

En realidad se trata de un proyecto de Magma que no suena para nada a Magma y fue más por iniciativa de Laurent Thibault primer bajista de la formación y posteriormente productor discográfico que incluso llegó a grabar un excelente álbum en solitario en 1979.


En esencia la personalidad del sonido zeuhl residía prácticamente en la mente de Christian Vander y sus composiciones, pero al margen de esto la mayoría de los componentes de esta “versión” única llamada Univeria Zekt, forman parte del mundo del jazz-rock y la fusión y a tal efecto la música aquí contenida es como un mundo paralelo completamente, o casi, desviado del estilo magmático. Está bien desdoblarse musicalmente siempre que la música no sea un choque antagónico en términos de calidad y si me permitís desviarme un poco del tema que nos ocupa, a mí personalmente se me hace difícil entender posturas antagónicas dentro del mundo de la música. Si es como diversión y para descojonarte entiendo que en un momento dado pases de hacer cosas con cierto calado y profundidad musical a desbarrar haciendo el chorras en un conjunto pop. Vale. No pasa nada. Leí recientemente en estas propias páginas como teclistas sinfónicos de los 70´s luego se pasaron a la movida madrileña o a acompañar a algún cantautor. No es el único caso en España. Hay ejemplos para dar y vender en todo el mundo. Si tenían que vivir de ello lo entiendo, pero yo eso del arte y el negocio lo he llevado siempre muy mal. En definitiva quiero decir que si la música que se hace está dentro del mismo nivel independientemente del estilo, bienvenida sea. Lo otro es aberrante. No se me olvidará nunca ver en directo a Thijs Van Leer teclista de Focus acompañando a Miguel Ríos en la plaza de toros de Zaragoza mi ciudad, o a Peter Hammill  participando en un disco de Miguel Bose en 1984. Aún no he hecho la digestión de aquello. Bueno no viene al caso.


“The Unnamables” se grabó en 1971 cuando el brass jazz rock estaba en plena cúspide con grupos como Chicago, Blood Sweat & Tears o el funk-fusión latino del propio Santana. El álbum suena así en parte, pero a la “francesa”, con ese toque bohemio más intelectual. Más europeo y sin tanto colorismo allende mares. El equipo francés ya había grabado dos álbumes y este fue un relax momentáneo antes de meterse en los comandos mecánicos kobaianos y en comparación con lo que vendría este oasis será agradable y fácil de escuchar pero eso sí con un nutrido y generoso despliegue instrumental entre metales, teclados, guitarras y percusiones. 


Es un álbum que exceptuando la pieza “Africa Anteria” (11mtos) es muy corto no sobrepasando los 34 mtos del total. Es decir se escucha en un plis plas y sin complicaciones. Sonido típico de la época y buenos solos inter-conexionados en múltiples diálogos de música muy cambiante y activa. En poco tiempo se puede decir mucho si la música no se estanca ni se duerme y aquí es el caso. Aunque los fans acérrimos de Magma menosprecian en parte este disco yo lo encuentro absolutamente entretenido porque como decía al principio se pueden hacer músicas distintas siempre y cuando la calidad de la música esté bien definida y naturalmente aquí es el caso y no se deben hacer comparaciones con la banda madre porque son formas diferentes, pero igualmente válidas.
Alberto Torró





Temas
1.- You Speak and Speak Colegram: 00:00
2.- Altcheringa: 02:08
3.- Clementine: 05:37
4.- Something's Cast a Spell: 08:37
5.- Ourania: 12:57
6.- Africa Anteria: 17:22
7.- Undia: 28:49




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SCHWARZARBEIT - Schwarzarbeit (1979 / Private Press)

En la Alemania de 1979, todo el pescado kraut estaba ya vendido. Subsistía el sonido Múnich,  pero la disco music era otro mundo. De repente apareció de la nada un disco pagado del bolsillo de sus creadores, con el nombre de Schwarzarbeit. Dispuestos a preservar como fuera todo lo construido hasta ése momento, y que peligraba por culpa de nuevas tendencias fatuas y superficiales.


Dieter Exter (bajo, voz), Gerd Bracht (batería), Klaus Schröeder (guitarra, bajo), Jo Post (teclados)y Nina Schulte (violín) eran la banda que se atrevió a tal desafío,  contra viento y marea. Poner el autofinanciado disco era toparse con un dealer que te ofrece todo tipo de mandanga, hasta que el cliente le dice que lo que quiere es Schwarzarbeit. Buena droga. 

Y ahí entra "Danke" (6'30), cantando en alemán, con un hard boogie a la Foghat / Status Quo,  que nunca viene mal para abrir un álbum con energía. .....pero no lo entiendo. Porque el resto del disco nada tiene que ver con esto. Y presiones comerciales, ninguna, puesto que se lo pagaron ellos. Creo que fue un error incluir éste tema, y además como inicio. El caso es que aquí me recuerdan mucho a los franceses Ganafoul.

Tras la incomprensible caña, cambian de registro en "Verheiszung" (7'15), hacia prog de calidad Premium. Sonido Sky label, con poderosos sintes a la Ramses o Straight Shooter. Estupendos músicos,  con la entrada por primera vez del violín de Nina Schulte, que me trae fuertes recuerdos de Solstice. Junto a una acústica de bellos arpegios y ruido blanco de fondo. Poesía teclistica a la Novalis / Hoelderlin y excelente resolución de la guitarra, con fina mano solista. Es un instrumental a considerar seriamente. Pero es que a partir de aquí,  va a ser todo el álbum así. Para "Ich Bin Anders" (4'24) prosigue el prog de corte sympho, versión teutona de Camel, de imaginativa batería y teclados dominantes. Otra maravilla, siempre instrumental, llena de golpes de efecto inesperados y sonidazo analógico  espectacular. Fender Rhodes delicioso abre "Missvers Tandnis" (6'23) en la misma línea cameliana (o escandinava, según se mire), con Latimer referencias y Kaipa / Kerrs Pink similitudes. Cada intervención de ambos mástiles requieren atención extra para instantáneo placer asegurado. Éstos tíos son una pasada. Nada que ver con el comienzo. Siguen sin mencionar palabra, como en el resto de la grabación. 

Vuelta al vinilo y una sección rítmica experta nos adentra en "Geschandet" (2'20), con un clavinet incorporado que parecen Greenslade en sus mejores momentos. También el mellotron hace acto de presencia, y el tema se convierte en un efusivo diálogo entre ritmo y teclados, algo excepcional. Vibraciones progresivas de alto calibre continúan en "Zeche Frauenglück" (5'04). No es la primera vez que me recuerdan a Bloque, pero ahora es muy fuerte ésa sensación.  Nada mal, por otra parte. Por supuesto, el ingenio influido por Camel de la primera época persiste en acertados desarrollos donde la banda se entrega a un festín prog instrumental de altos vuelos. Jo Post emula a Peter Bardens con fino gusto ante sus aparatos. Algo que va a continuar en "Mein Spielplatz" (3'28), a base de Rhodes y acústica casi en tono clásico, y donde vuelve el violín  a ofrecer el punto camerístico que requiere la pieza. Estaría cómodamente en uno de los primeros en solitario de Jan Akkerman. 

De igual modo se presenta "Leben Nach Dem Leben" (4'18), de introspección acústica a la Anthony Phillips, con sólo guitarra desenchufada de excelente factura técnica y sentimental. Finalmente "Vertreibung Aus Dem Paradies" (5'14) sigue con acústica dominante, hasta que una linea de sintetizador se le añade, y van sumándose capas de gloriosa analogía en melodía casi Froesiana. Los teclados brillan a lo largo de todo el disco especialmente.

Lo normal hubiera sido que después de éste arriesgado álbum para un 1979, la banda desapareciera. Pero en 1982 reaparece con Bracht, Post y Schröeder, (o batería,  teclista y guitarra originales), junto a dos nuevos miembros, editando "Traum Oder Wirklichkeit". Nada se volverá a saber de ellos  hasta 1993, en que Musea les edita un tercer álbum. ....con miembros de Mekong Delta!!!


El debut de Schwarzarbeit es de comienzo errático y confuso. Pero superado ése primer corte, encontramos un bellísimo trabajo de classic sinfo-prog instrumental comparable a lo más granado de la cosecha norteña 70s. Nunca juzguen un libro por la portada.  En éste caso, por su primer capítulo. Impresionante.
J.J. IGLESIAS 




Temas

A1 Danke 6:29
A2 Verheiszung 6:27
A3 Ich Bin Anders 4:20
A4 Missverständnis 5:40
B1 Geschändet 2:12
B2 Zeche Frauenglück 5:00
B3 Mein Spielplatz 2:43
B4 Leben Nach Dem Leben 4:15
B5 Vertreibung Aus Dem Paradies 3:25





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