FABIO FRIZZI - Paura Nella Citta dei Morti Viventi (1980) (colaboración J.J. Iglesias) cosmic music

Estamos en días propicios, así que toca hablar de esos "otros" sintetistas. Ya han pasado por aquí "los de bata blanca", pioneros de los 60 y más allá. Hoy hablaremos de "los de alfombra roja". Compositores-teclistas que se han dedicado activamente a poner música en el séptimo arte.

El mismo Edward Artemiev de la semana pasada, Vangelis, Trevor Rabin, James Newton Howard, Dave Lawson (Greenslade), John Carpenter...e incluso Tangerine Dream o el mismo Keith Emerson.

Pero en Italia le echan algo especial al agua. Para empezar, tienen al más grande, Ennio Morricone. En los 70, con la fuerte irrupción del cine de terror italiano, el Giallo, (que copiarian vilmente en USA para sus Slashers, tipo "Halloween" o "Viernes 13"). Aparecen brillantes músicos que dotaran de importancia vital la tensión de sus filmes.

Entre el grueso del pelotón,  destacan tres directores: Mario Bava,  Darío Argento y Lucio Fulci. Para Argento, serán Goblin, con su teclista Claudio Simonetti al frente, los encargados de hacer temblar a los espectadores en sus butacas. Mientras que Fulci echará mano del compositor y teclista Fabio Frizzi para filmes tan encantadoramente casposos (eh, que me gustan!), como "Nueva York bajo el Terror de los Zombis" (1979), "El Más Allá " (1981) o  la que hoy traemos, " Miedo en la Ciudad de los Muertos  Vivientes" (1980).

Tanto Frizzi como Simonetti tienen fuertes conexiones estilísticas. Que se parecen un huevo, vamos. Ambos coinciden en tiempo y lugar, además de conocerse mutuamente. Quién imita a quién? Yo diría que es una alimentación artística mutua y recíproca. Simonetti quizá se llevó la fama. Fabio Frizzi gusta de usar en intervalos breves, arreglos orquestales. Pero la ayuda de una clásica formación de rock suele ser lo habitual en él también. A juzgar por su amistad, quizá hasta los propios Goblin. Esto es algo que no he podido descubrir. Por lo visto, otro teclista de Goblin, Maurizio Guarini, le descubrió a Frizzi los monstruosos CP80 y CS80 de Yamaha. Nuestro hombre se entusiasmó con los trastos, y empezó a coleccionarlos de manera compulsiva: Prophet 5, ARP 2600, Oberheims, Roland Júpiter 8, Vocoder, Mellotron (a mansalva), Solina, Fender Rhodes, Mini Moogs....

"Paura Nella Citta  Dei Morti Viventi" es una de las joyas del coleccionismo de bandas sonoras de terror italianas setenteras. Y hay unas cuántas. Excelentes pasajes de misteriosa flauta, profundos y graves sientes, guitarras floydianas por el lado eléctrico,  acústicas oldfieldescas, mellotron de ultratumba, grand piano de castillo encantado con fondo de cuerdas inquietantes.....Y hasta los bajos funk tan en moda en las space prog bands del momento. Esto último para subrayar persecuciones o escenas de acción,  intuyo. Como casi toda banda sonora, tenemos 10 cortes no extensos, con el hilo conductor de la película en sí. "Apoteosi del Mistero" fue versionada por Morte Macabre para su masterpiece "Symphonic Holocaust".

No tienes que ser un entendido en materias zombi, (ni hacer quedadas de mamarrachos disfrazados como tal), para disfrutar ésta increíble música. Muy superior a su soporte visual. Otra variante excepcional de la cosmic music. 

2017 verá la 50 Edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Y para comenzar las celebraciones lo harán con el gusto que les caracteriza. Éste 1 de Noviembre estará el mismísimo Fabio Frizzi a los teclados y con su orquesta, en el Cine Phenomena (apropiado!) de Barcelona.

Ésta música dotaba de una personalidad abrumadora a pelis de serie B, comiéndole las vísceras creativas a minundis tipo "Walking Dead"!!!

P. D. - "De hecho muchas veces un pasaje musical descriptivo te puede sugerir una escena. Con "Halloween" fue así " (JOHN CARPENTER).

Temas

A1 Introduzione-Paura-Liberazione 

A2 Fatti Misteriosi 

A3 Irrealtà Di Suoni 

A4 Occhi Di Brace 

A5 Verso L'Alba 

A6 Paura Vivente (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 

A7 Verso L'Alba (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 

A8 Apoteosi Del Mistero (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 

B1 Apoteosi Del Mistero 

B2 Suoni Dissonanti 

B3 Paura Vivente 

B4 Paura E Liberazione 

B5 Tenebre Viventi 

B6 Verso L'Alba (Alternative Version 2, Previously Unreleased Bonus Track) 

B7 Verso L'Alba (Alternative Version 3, Previously Unreleased Bonus Track) 

B8 Verso L'Alba (Alternative Version 4, Previously Unreleased Bonus Track) 

B9 Occhi Di Brace (Alternative Version, Previously Unreleased Bonus Track) 

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JAMES GANG - Live in Concert(1971)

James Gang fue una banda procedente de Cleveland que tuvo el honor de tener entre sus filas a dos magníficos guitarristas, Joe Walsh y Tommy Bolin. Hoy recordaremos uno de los conciertos del grupo con Joe en Septiembre del 71.

En 1971 James Gang ya tenía tres discos a sus espaldas ("Yer' Album", "James Gang Rides Again" y "Thirds"), el último editado en Abril de ese mismo año. Ese verano realizan una gira por Europa coincidiendo con grupos como Kinks, Humble Pie, Led Zeppelin,  Grand Funk Railroad, etc. Joe Walsh no se encontraba comodo en el  grupo por ello en Diciembre decide dejar la banda.

La grabación nos presenta la actuación de James Gang en el Carnegie Hall, New York , en Septiembre de 1971. Con una banda en formato de "trio" (Jim Fox, Dale Peters y Joe Walsh) donde Joe  llevaba las riendas guitarreras y vocales. El setlist está compuesto por "Stop", una versión publicada en su primer disco. El segundo corte, ""You're Gonna Need Me"", es un tema del bluesman Albert King,  pirotecnia blusera   a manos de  Walsh . Volvemos a sus orígenes con " "Take a Look Around" y Joe  tocando el Hammond. Su segundo disco está representado con "Tend My Garden" y  "Ashes, the Rain and I". El penúltimo corte, ""Walk Away"" pertenece a su tercer larga duración, "Third". La sesión finaliza con una extensa versión (18:20) del tema de los Yarbirds, "Lost Woman". por supuesto el corte más destacable de la grabación. Existe alguna otra versión del concierto con el setlist completo pero su sonido deja mucho que desear.

Temas

1. "Stop" (Jerry Ragovoy, Mort Shuman) 4:05

2. "You're Gonna Need Me" (Albert King) 7:30

3. "Take a Look Around" 3:50

4. "Tend My Garden" 3:45

5. "Ashes, the Rain and I" (Dale Peters. Walsh) 2:40

6. "Walk Away" 3:30

7. "Lost Woman" (Jeff Beck, Chris Dreja, Jim McCarty, Keith Relf, Paul Samwell-Smith) 18:20

Formación

Joe Walsh – guitarra, voz, teclados

Dale Peters –bajo, voz

Jim Fox – batería, voz

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ENRIC BARBAT - 4 (1983) (colaboración J.J. Iglesias) rock español

El barcelonés Enric Barbat perteneció al grupo Els Setze Jutges en los primeros 60. Allí se reunían cantautores catalanes con un par (en aquellos grises días ), para dar inicio a la canción protesta. O en el caso de Barbat, de orientación Brassens y canción francesa. No hay que ser muy perspicaz para ver allí la semilla de lo que sería  la Nova Canço. Máxime cuando entre sus integrantes, estaba un tal Joan Manuel Serrat. Tras ésta aventura y ya en los 70, Barbat haría equipo con Guillermina Mota, cantando tangos en catalán. Editaria un buen número de Eps. Formaría parte del elenco intelectual que supuso la llamada gauche divine, impulsada por el sin par Oriol Regas (recomiendo su autobiografía ) en el mítico garito Bocaccio. Que también sería sello discográfico y lanzaría a Iceberg. Barbat era un fijo de la noche bocacciana. Entra en La Rondalla de la Costa, donde estaba la creme del roc laieta. Y utiliza como banda de acompañamiento habitual para sus recitales nada menos que a Barcelona Traction.

Ya en los 80, aparece el album que da número cronológico a su título : "4". Y esta vez acompañando  por dos pesos pesados del progresivo hispano. Carlos Carcamo (ex-Granada), a los teclados y arreglos. Y Manuel Rodríguez  (ex-Imán Califato Independiente) en las guitarras. Enric Barbat pone letra y música. Produce Julio Palacios en los estudios Trak de Madrid, y edita Philips.

Se trata de cuatro largos temas, dos por cara, que navegan por aguas electrónicas,  aunque de sabor progresivo-sinfónico. "Matinada" (8'20) contiene bellos pasajes referenciales a Camel, Anthony Phillips, Nick Magnus o Nektar. La profunda y sentida voz en catalán de Barbat pone el definitivo sentimiento (oscuro), muy bien abrigado por la excelente música. No da la sensación de ser un álbum "de cantautor". La voz no lo inunda todo. Y hay espacio para tremendos pasajes instrumentales. En este sentido, un diez para el productor. Sólo un pequeño "pero". Las baterías artificiales serían lo más del momento, pero no han envejecido tan bien como el resto de música. 

"Midagia" (8'21) entra con épicos teclados de indumentaria alemana. Arropados por acústica,  en un bellísimo momento introspectivo. Las baterías están más conseguidas en ésta ocasión. Finísima la guitarra de Manuel  "Iman", cercana a las formas de Jean-Pascal Boffo, Alain Markusfeld o incluso Steve Hackett.

Volvemos la placa y pinchamos "Capvespre" (8'37), con excelentes pasajes sintetizados a cargo de Carlos Carcamo. Preciosa y purista composición kraut que podría estar en un vinilo con la galleta del sello Brain, Ohr  o Sky. 

La voz de Barbat resulta inquietante, y sugiere desesperación urbana. El ex-Granada se sale con los sintes. Finalmente "Nit" (7'26) continúa con la hegemonía sonora de Carcamo. Mientras Barbat canta-recita sus sombrías neuras metafísicas. Al fin la elegancia hecha guitarra de Rodriguez se hace notar. Y aquello se acerca a un paroxismo sinfo que encantaría a los viejos Kaipa ( o a su versión "tribute" actual, Kaipa da Capo ).

Lástima que el dúo Carcamo/Rodríguez no formara equipo para un grupo, porque su conjunción era brillante.

"4" es un incomprensible "long lost", escasamente mencionado en las sagradas escrituras del progresivo español, y de calificación media-alta. Casi comparable a los primeros trabajos de Peter Gabriel (en algunos momentos lo clavan) o a explosivo plástico detonado y firmado en su autoría por Peter Hammill.

Tal vez su tardana fecha ( los 80 no eran horas), le restó la importancia que debió merecerse. Enric Barbat murió en 2011, dejándonos éste curioso papiro vinílico,  más acorde con los progresivos 70.

Temas

1 Matinada 8:20

2 Migdia 8:21

3 Capvespre 8:37

4 Nit 7:26

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FRANK ZAPPA: THING FISH (1984) / FRANCESCO ZAPPA (1984) (colaboración Alberto Torró)

THING FISH (1984)

He dudado en comentar este triple álbum y en realidad casi no lo voy a hacer porque sinceramente no sé por dónde  cogerlo ni que decir de él. Una ópera…? Un musical de Broadway…? Una astracanada…? No tengo ni idea sinceramente. 

En los 80´s cuando cayó este disco en manos de los colegas zapperos  lo llamábamos “la patata”. Aquí hay de todo menos música. Pero diálogos, comentarios y narración hasta aburrir. Para los estadounidenses y el americano del día a día tendrá su gracia porque es la típica sátira al país de la Coca Cola y para los que vamos justitos con el inglés, ni te cuento.

FRANCESCO ZAPPA (1984)

Según reza esta historieta, Frank encontró información en una biblioteca de Los Angeles sobre un desconocido compositor italiano del barroco, que curiosamente tenía su nombre. No sé qué hay de cierto en esta historia o se trata de otra de sus bromitas para llamar la atención. Lo cierto es que a mí me sorprendió que de repente se interesase por la música del 1700. Zappa ya se había agenciado el famoso Synclavier, que es, digámoslo de alguna forma, el padre original de los que hacemos música a través de programas de ordenador. El synclavier en origen era una especie de sampler de muestreo de sonidos analógicos pasados a sistema digital. Para entendernos una especie de teclado master con sonidos externos pregrabados en cintas digitales o parecido. El caso es que el sonido del synclavier podéis apreciarlo en este disco. El sonido es completamente híbrido y metalizado aunque intente imitar bien los instrumentos del barroco como el clave o clavecín o las violas de gamba. 

Este álbum no va más allá del capricho anecdótico de nuestro querido Frank, que por entonces debía estar algo aburrido. Zappa empleó el modelo más moderno de Synclavier Digital System, lo último para la época. La obra consta en breves movimientos entrelazados a modo de suites en el estilo añejo nervioso y cantarín típico de finales del siglo XVIII. Para curiosos o irredentos juramentados del bigotes.

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PAIKAPPU (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

Pieza muy rara grabada en 1983 y la única de la que hay constancia en el mercado. Paikappu son un extraño grupo instrumental de cinco miembros que practican una música instrumental que podríamos encuadrar entre lo psicodélico, el space rock o la head music. Con lo dicho podría parecer que es música de corte atmosférico e improvisado. Pues en absoluto. Las composiciones están perfectamente estructuradas y resultan bastante dulces y melódicas. 

Destacar un excitante empleo del sintetizador moog, pasajes que rozan lo orquestal y sinfónico con una guitarra muy etérea a lo Hackett vo Gilmour y un curioso empleo de la percusión e instrumentos autóctonos como el koto. A pesar de que a veces pueden parecer como una antigua versión de los Ozric Tentacles o Steve Hillage, su música está mucho más controlada a nivel composición y no es tan alocada como la de los británicos. Muy originales.

Temas

1 A Glimpse Of Time 00:00

2 The World With No Rule 06:05

3 Previous Life 12:40

4 Dance On Ice In The Night 21:00

5 In The Subconsciousness 25:50

6 Dark Night 30:30

7 Bulk Mischief From The Beginning Of Man 36:15

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SPINETTA - JADE - Bajo Belgrano (1983) (colaboración J.J. Iglesias)

Ya tocaba. Al menos para mí. Tenía que enfrentarme a mis demonios y recordar al más GRANDE que dio Argentina. Piazzolla,  Tanguito, Nebbia, Abuelo, Pappo,  García , Gabis,  Porchetto...Si,  grandes genios. Pero ninguno a la altura de El Flaco. El fue poesía. El fue música y genialidad en su propia naturaleza.

 Y tuve la inmensa fortuna de conocerlo personalmente. En el rato que estuve con él me transmitió muchísimo. Era como si nos conociéramos de siempre. Tremendamente modesto. "Ojalá hubiera shegado sho en la música donde llegó Guillermo (Vilas) en tenis". A mi pregunta sobre la amistad que les unió durante un tiempo. Y que fructifico en su único disco en inglés,  "Only you can Sustain", para el mercado USA (fuertemente influenciado por Gino Vanelli), y con el apoyo y management de Vilas. 

"Vos tenes los discos mejor conservados que sho! ". Y me escribió una preciosa dedicatoria distinta en cada uno de ellos. Uno de mis mayores tesoros. Era 2002. Quien iba a decir que le quedaban diez años de vida. Ante no más de 50 personas, en Zaragoza, estaba a un metro de mí un tío que te llenaba el Estadio de Obras en un suspiro. Qué lujo. Y qué conciertazo, sublime,, como siempre.

En los finales 60 fundó en plena psicodelia, Almendra. Acostumbrado a las dictaduras y golpes, siguió impertérrito  y con dos cojones luchando con su mejor arma, la inteligencia de sus letras y evocadoras músicas. Hard rock blues con Pescado Rabioso. Rock progresivo con Invisible. Pero en el 77 edita a su nombre la masterpice "A 18* del Sol", inmerso en el jazz rock. Estilo que ya no abandonará. 

Crea Spinetta -Jade  en los primeros 80 y editan cuatro discos, hasta su disolución en el 84. Pero esa particular fusión spinettiana se mantiene en sus discos en solitario. Aún en los 90, los compatibiliza con una vuelta al hard psych de Los Socios del Desierto, power trío de orientación lisergica, como claman sus iniciales.

"Bajo Belgrano" vino en el 83, tras dos joyas como "Alma de Diamante" y "Los Niños que Escriben en el Cielo", maravillas absolutas. Simultáneamente había editado en solitario "Mondo Di Cromo", y presentaba ambos discos en vivo a la vez. Spinetta se encargaba de guitarras, voz y producción.  Leo Sujatovich al piano acústico y eléctrico  Yamaha, Rhodes, Prophet V y Synergy. Pomo (ex-Invisible) estaba en la batería.  Y César Franov al bajo con y sin trastes. Osvaldo Fattorusso era invitado a la percusión. 

"Canción del Bajo Belgrano " (su barrio de siempre), nos mete en su universo costumbrista, pero observador implacable. Los teclados son un bálsamo a sus melodías,   y la sección de ritmo se te come a besos. Así durante todo el disco. Decadente nostalgia. "Vas a Iluminar la Casa", con sabor a Return to Forever, pronto pasa a propiedad de Luis Alberto. La voz es poesía. Su poesía es alma. Y su alma nos la ofreció a todos. Infinita generosidad. Curioso que el comienzo de "Every Breath you Take" policíaco,  se convierta en una hermosa dedicatoria a las Madres de Plaza de Mayo en "Maribel se durmio". El disco entero es un reflejo en carne viva de su momento, allá en una Argentina dominada por militares, y la guerra de Las Malvinas.

"Vida Siempre" es el momento intimista  y descarnado que tan bien manejaba El Capitán.  El instrumental "Ping Pong" nos recuerda los prodigiosos músicos  que siempre han acompañado su carrera. Gusto para todo.  "Mapa de tu Amor" demuestra su admiración a otro Maestro, el gran Gino Vanelli. Más escrutinio social adornado de música aterciopelada es "Resumen Porteño". "Era de Uranio" hoy es ya un clásico spinettiano. "Cola de Mono", inteligencia hecha sonido. Y "Viaje y Epílogo " te deja en el país de ninguna parte, lleno de sensaciones agridulces , pero también maravillosas.

"Madre en Años Luz" será el cuarto y último de Spinetta-Jade. Pero la racha seguirá. En TODA su obra.

Tras mamoneos de la prensa nazi-on al, ofrecía un comunicado a través del teléfono de su hijo Dante:

"No tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno. No tengo ninguna red social, ni Twitter, ni Facebook....Por lo tanto todo lo que lean al respecto es falso. Pertenezco a Conduciendo a Conciencia, y les recuerdo que ahora en fiestas, si van a conducir no deben beber. Gracias. Los quiero mucho. Felices Fiestas. Luis."

Murió un maldito 8 de febrero de 2012 , a los 62 años. A consecuencia de un cáncer derivado de su pasión por el tabaco. Como el tío Frank, otro genio.

Descubrir su música fue una epifanía para mí,  en los 90.

Me cambió. Su muerte, la que más he sentido de un músico, hizo que me alejara de sus discos. Hasta hoy. Por culpa de Rockliquias y sus lectores. Gracias, cabrones. Me hacía falta. Sí , tuve la inmensa suerte de conocerlo.....así cómo puedo esperar que me toque ya nunca la primitiva?!!!!!

Temas

Canción de Bajo Belgrano 0:00

Vas a iluminar la casa 3:34

Maribel se durmió 6:47

Vida siempre 9:25

Ping pong 15:20

Mapa de tu amor 20:09

Resumen porteño 24:53

Era de uranio 28:52

Cola de mono 32:14

Viaje y epílogo 36:35

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Vytas Brenner (Ofrenda) ‎– Jayeche 1975

Vytas Brenner tuvo que abandonar a los 3 años de edad su Alemania natal debido a la persecución nazí  en la segunda guerra mundial. El destino depararía que su carrera musical la desarrollase en Venezuela.

La trayectoria discográfica de Vytas Brenner comenzó en 1966 con la grabación en España de un EP junto a Toti Soler y Jeanette. Su primer disco, " La Ofrenda de Vytas Brenner", llegaría en el 73 y un año más tarde el segundo, "Hermanos". En ambos mezclaba la música progresiva con las raíces folk venezolanas.  Consolida su banda musical bajo el nombre de "Ofrenda" y editan en el 75, "Jayeche". La gira de promoción se vería plasmada en un doble Lp, "Ofrenda en vivo con Vytas BRENNER" (1977).  Ese mismo año se disolvería la banda. Vytas vuelve con otro disco en solitario,"Ofrenda" ( para liarla más, podía haber escogido otro título). A partir de ese momento Brenner iría dando tumbos editando discos de diversas corriente musicales y con una calidad más que dudosa. Lamentablemente muere de un ataque al corazón en 2004 a los 57 años de edad.

 Vytas Brenner con su Banda, Ofrenda, nos ofrecen sonoridades jazz - rock mezcladas con aíres venezolanos y con un poco de experimentación electrónica. Los dos primeros temas , "Cariaco" y " Sancocho De Medula", son un buen exponente de lo mencionado. Vytas al más puro estilo Chik Corea.  La relajación llega con " La Restinga Playa De Agua" y "Canchunchu Florido".  Un gran tema jazz-rock, "Por Electrón", aunque le sobre algún elemento electrónico.  La parte experimental la tenemos en "Jayeche", que podría entrar perfectamente en la sección "Ensayos sobre un sonido" de nuestro amigo J.J.  Los aires folclóricos los tenemos en "Catacumbo". El penúltimo tema fue un verdadero éxito en Venezuela, "Caracas Para Locos", por su carácter reivindicativo. El disco finaliza con "Avila", nuevamente influencias jazz-rock con elementos electrónicos.

Temas

A1 Cariaco 00:00

A2 Sancocho De Medula 04:23

A3 La Restinga Playa De Agua 06:28

B1 Canchunchu Florido 19:17

B2 6 Por Electron 20:59

B3 Jayeche 24:18

B4 Catatumbo 26:42

B5 Caracas Para Locos 29:00

B6 Avila 34:00

Formación

Ivan (El Terrible) Velasques: batería

Carlos Acosta: bajo

Pablo (Zenith) Manavello: guitarra

Vytas Brenner: teclados

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EDWARD ARTEMIEV - Moods - Pictures (1983) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Este verano lo he invertido en adentrarme en la jungla electrónica prog avant Soviética de los 70. Tuve que parar a tiempo porque ya se me estaba poniendo cara de hijoputin!!! Aunque a Edward Artemiev ya lo conocía desde hace años....y él a mí!!!! En los 90 estuve en contacto con su hijo, Artemiy Artemiev, también un excelente sintetista que ha hecho álbumes conjuntos con Peter Frohmader. Guardo como oro en paño sus cartas escritas a mano, contándome "la otra" política social rusa. No seguiré. No quisiera poner en aprietos a nadie.Artemiy tuvo el detallazo de mandarme los cds de su padre, firmados y dedicados a mi persona!!!

Este grandísimo compositor, formado en las mejores academias de música clásica de su país,  es una autoridad en contemporánea,  vanguardia, bandas sonoras y electrónica.  Comenzó su interés por ésta última en los lejanos 60. En 1967 compuso su primera pieza con el sintetizador soviético ANS. Algún día de éstos hablaremos de él por su particular naturaleza. En los 70 puso música irreal a famosas películas de Andrei Tarkovsky: "Solaris", "Zerkalo" y "Stalker". Además de a otras muchas producciones de su país. En el 2014 inauguró y cerró  los Juegos Olímpicos de Invierno con su música.  Con una cosecha de premios innumerable, Artemiev es una leyenda. Este año ha editado "The Heritage of Love", demostrando su plena actividad a sus 79 años.

"Moods-Pictures" se compone de 18 pequeños trazos musicales extraídos de varias colaboraciones audiovisuales. Acostumbrados a largas suites electrónicas,  he preferido en ésta ocasión elegir uno de sus muchos álbums,  en que la inmediatez del corto espacio de tiempo diga mucho, en crono limitado.

Los primeros tres cortes pertenecen a "Siberiada", con corpulento aporte de solos de guitarra. Muy progresivo, entre Froese/Floyd anda el juego.

Otros momentos de altura son "Fox Hunting", sinfonica pieza a la Schulze. "Credo" añade a The State Orchestra of Cinematography. También tenemos tres cortes del film "The End of Eternity", puro space electronic rock. Los soundscapes son  otro de sus fuertes,  y en "Dialog With a Computer" tenemos un bello ejemplo.

En general se trata de un trabajo electrónico  que báscula entre  lo progresivo y sinfónico, , y la Escuela de Berlín. En ésta ocasión. Porque Edward Artemiev es el Presidente de la Asociación de Música Electroacustica en Rusia.

Un todoterreno que se adapta a las superficies más rocosas. "Moods-Pictures" camina por la senda de los Dream años 80, Vangelis 70s, The Enid, Tomita, Schulze o hasta el Jarre más académico. Pero con el indeleble sello soviético de un sintetista con su propio estilo. Un grande.

P.D. - " Me gusta dar conciertos. Tal vez sea como un futbolista. Jugar en un partido real frente a miles de personas es verdaderamente mucho más emocionante que el entrenamiento diario" (KLAUS SCHULZE)

EDWARD ARTEMIEV - Moods 1984

Temas

A1-Огонь

A2-Созвездие ушедших времен

A3-Полигон

A4-Родные берега

A5-Колыбельная

A6-Воспоминания

A7-Город

B1-Поход

B2-Сон

B3-Жаркое лето

B4-Медитация

B5-Охота

B6-Крыша мира

Versión 2010

Temas

1 Siberiada 6:16

2 Swing 3:02

3 Fire 3:47

4 Looking After The Victim 3:02

5 Kamchatka - Grand Voyage 3:37

6 Fox Hunting 3:53

7 Premonition 2:26

8 Polygon 4:32

9 Credo 2:29

10 Aria 4:51

11 A Road To Nowhere 4:37

12 The Well Of Eternity 3:58

13 Lullaby 3:22

14 Serenade 4:58

15 Dialog With Computer 4:06

16 Vocalize 3:34

17 Top Of The World 3:14

18 Peregrini 6:37

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DIO - Live San José 1983

Ronnie James Dio ( Ronald James Padavona) fue uno de los cantantes más emblemáticos del hard rock.Su paso por formaciones tan importantes como Rainbow y Black Sabbath marcaron época. Hoy recordaremos uno de los conciertos de su primer disco, "Holy Diver".

En mayo de 1.983 Ronnie lanza su primer disco, "Holy Diver", con un grupo formado por Vivian Campbell (Guitarra), Jimmy Bain (bajo) y Vinny Appice (Batería). La banda se embarca en una gira  de varios meses por todo el mundo. "Holy Diver" se convertiría en disco de oro y en uno de los referentes del heavy metal.

Dio nos  presenta uno de los conciertos de la gira de su disco "Holy diver, en concreto el celebrado en San José (USA) el 5 de octubre de 1983 Ese día tuvieron que actuar dos veces debido a que en su primer show (4 p.m.) se vendieron todas las entradas. Actuaron junto a Queensryche. El grueso del setlist lo componen temas del "Holy Diver" completadas con dos temas de su etapa Sabbath, ""Children of the Sea" y "Heaven and Hell", y dos temas de Rainbow, "Stargazer" y "Man on the Silver Mountain". Dio está acompañado por una banda de auténtico lujo: Vivian Campbell ( Sweet Savage, , Trinity, Thin Lizzy, Whitesnake, Riverdogs , Shadow King, Def Leppard) Jimmy Bain (Rainbow, Phil Lynott, Wild Horses), Carmine Appice (Vanilla Fudge, Cactus, BBA, etc) y el teclista Claude Schnell. El sonido es excelente.

Temas

1. Intro 00:00 

2. Stand Up And Shout 02:26

3. Straight Through The Heart 05:48

4. Shame On The Night 11:00

5. Children Of The Sea 16:13

6. Holy Diver 23:18

7. Vinnie's Solo 28:50

8. Stargazer 32:00

9. Vivian's Solo 33:52

10. Heaven And Hell 36:43

11. Rainbow In The Dark 51:35

12. Man In The Silver Mountain 57:10

Formación

Ronnie James Dio: voz

Vivian Campell: guitarra

Jimmy Bain: bajo

Vinnie Appice: batería

Claude Schnell : teclados

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AGAMENON - Todos ríen de mi(1975) rock español

Agamenon fue un grupo madrileño formado a principios de los 70  por Carlos García (bajo voz), Javier Moreno (guitarra, voz), Arturo Terriza (batería, voz), Vicente Andújar (teclados, voz), Dulce Ayala y Carmen García (voces).

En 1975 editan su único disco, " Todos  ríen de mi" con el sello Explosión y  la ayuda del productor Alain Milhaud ( Los Bravos) La promoción es nula y el grupo se separa.

Agamenon nos ofrecen diez temas de pura psicodelia, armonías vocales y Sunshine pop . Ocho de las composiciones están cantadas en inglés y dos en español, estos últimas por presiones de la discográfica. El resultado es sorprendente una guitarra fuzz psicodélica a cargo de Javier Moreno, realmente increíble, seguro que en otro país hubiera triunfado. Sonidos de la costa oeste americana , Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, etc. Todo los temas están compuestos por Carlos García.

Temas

Todos Rien De Mi 3:40

Al Salir El Sol 3:04

Please Little Man 2:44

Happy Marriage, Eleanor 4:05

Send Me 3:21

Blow Up The Candle (Apaga La Vela) 3:26

Cuco Go Fly (Cuco Te Vas) 4:45

Happy Tuesday 3:50

Wooden Tears 3:23

I Need Money 3:25

Formación

Carlos García: Bajo, voces

Javier Moreno: guitarra, voces.

Arturo Terriza: Bateria, voces.

Vicente Andújar: teclados, voces.

Dulce Ayala: Voces.

Carmen García: voces.

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FRANK ZAPPA: THEM OR US (1984) (colaboración Alberto Torró)

La salida de este disco coincidió con su gira española de 1984. Fue la única vez en la vida que vi a Zappa  en directo, junto con Julio Murillo de la revista Vibraciones  y fue en un estadio o recinto deportivo que ya no recuerdo.

 Pensaba que Steve Vai nos devastaría con su afilada guitarra, pero para chasco mío, ya había abandonado a la banda. En su lugar estaban Ray White y Ike Willis en guitarras y voces respectivamente. El polémico bajista Scott Thunes (no lo soportaban mucho). El percusionista Ed Mann, Allan Zhavov a los teclados y un elegante y fino batería llamado Chad Wackerman. El concierto duró unos 80 mtos como máximo, algo corto y sin interrupción entre piezas. Sonaban perfectos. Todo muy profesional.

 Me llamó mucho la atención un tipo calvo enorme, con pinta de chulo putas que era el macarra de seguridad contratado. (Zappa los llevaba desde que lo tiraron del escenario en 1971). Se hacía notar en el escenario con mirada desafiante al público y ya tengo dudas si de paso formaba parte del show o estaba ahí para arrancarle la cabeza a alguien. El caso es que aquel elemento daba muy mal rollo y desmerecía la fiesta.

 A Zappa le encasquetaron una barretina catalana en la presentación que no le hizo ninguna gracia y acabó tirándola. No hizo ningún bis y desapareció raudo del escenario sin apenas saludar. Al finar la gente gritando, otra!... otra…! otra…! muy cabreada y como era de esperar la cosa terminó a hostias con la policía. Yo me largué antes de la verbena porque me olía el fregao.

El doble LP “Them Or Us” sigue una tónica parecida y una línea a todos sus trabajos editados en los 80. Sonido más duro, simplificación rockera y música batallera. Mucha tendencia hard, topicazos habituales de canciones duduá, algún solo de guitarra llamativo, como los de Vai haciendo diabluras en el mástil con su rápida digitación y bastante coñazo general. Por poner un ejemplo la pieza “el divorcio del camionero” es insoportable. Se salvan eso sí, Versiones como Sharleena y una musculosa adaptación del clásico Whipping Post de los Allman Brothers. El sonido del disco impecable pero el programa musical más que discutible aunque a estas alturas a Zappa como leyenda viva, se le perdonaba todo. La cosa como veremos empeoraría en algunos discos más. La portada está bien, es graciosa y absurda como siempre.

Temas

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