RUSH es uno de mis grupos favoritos y por eso es el cuarto disco que comento de ellos en este foro, espero que me perdonéis pero no lo puedo evitar.
La banda editó en Octubre del 78 su sexto disco en estudio, "Hemispheres", tras varios meses de grabación. El disco se presentaba como una continuación del anterior, "A Farewell to Kings"(1.977), de hecho el primer tema "Hemispheres", era una continuación del "Cygnus X-1". La gira de presentación la iniciaron el 14 de Octubre del 78 en el Kingston Memorial de Ontario y la finalizaron en el 4 de Junio de 1.979 en el Pink Pop Festival de Holanda. En la gira tuvieron como teloneros a gente como Max Webster, Ambrosia, April Wine, Golden Earring, The Good Rats, Head East, Molly Hatchet, Pat Travers, Starz, Saxon, Wild Horses, UFO, Streetheart.
El disco fue grabado el 28 de Mayo de 1.979 en el Stadthalle - Offenbach , Alemania durante la gira del "Hemispheres". La grabación de casi dos horas y con un buen sonido nos presenta casi por completo los temas de su sexto disco, a excepción de "Circumstances", junto con éxitos de sus discos anteriores tales como "Xanadu", "Cygnus X-1", "Closer to the Heart", "Working Man", "Bastille Day", etc. Rush en plena forma en su mejor etapa según mi criterio.
Temas
00h00m00s - Disco 1
-------------------------
Anthem
A Passage to Bangkok
Bytor and the Snow Dog
Xanadu
Something for Nothing
The Trees
Cygnus X-1
Hemispheres
Closer to the Heart
-------------------------
01h09m39s - Disco 2
-------------------------
A Farewell to Kings
La Villa Strangiato
2112 (Overture)
Working Man
Bastille Day
In The Mood
Drum Solo/In The Mood Finale.
Formación
Geddy Lee: voz, bajo, etc
Alex Lifeson: guitarras, etc
Neil Peart: batería, percusión
Y como extra fotos del concierto
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Un nuevo capítulo de "parecidos razonables" de la mano de nuestro amigo J.J. Iglesias. Esta vez los que se sientan en el banquillo son Mike Oldfield y los New Trolls.
Mike Oldfield - "Nuclear" (LP "Man of the Rocks" 2.014)
vs
King Crimson - "Epitaph" (LP "In the Court of the Crimson King" 1.969)
Ya perdonaran los die hards seguidores a ultranza del ser Oldfield, pero es un hecho evidenteq ue su decadencia creativa es arrastrada como una losa desde hace ya muchos años. Y su último trabajo, "Man of the Rocks", no es una excepción. Álbum insulso orientado a canciones irrelevantes, dirigidas por un buen cantante. Punto. En él incluye esta canción, "Nuclear", que no deja de ser correcta en su melodía vocal hasta el minuto 1:25. Ahí comienza la total plagiada deudora del eter no himno crimsoniano, "Epitaph". Llega a extremos sonrojantes y personalmente lo elevaría al título de sacrílego del año. Vamos, que hay que ser muy friki del Oldfielddefender este sablazo (como se entere el Fripp, con las malas pulgas que tiene!). Casi lo preferiría haciendo versiones techno de Tubular Bells, que tampoco.
Journey - "Open Arms" (LP "Escape" 1.981)
vs
New Trolls - "Accendere L'anima" (LP "America Ok" 1.983)
Los italianos New Trolls son el vivo ejemplo (de tantos que hubo), de descomposición musical prostituida típica de finales de los 70. De ser una de las más grandes bandas progresivas que haya dado Italia en los 70, ( la influencia de Ñu no eran Jethro Tull, sino New Trolls), a convertirse en paladines del horterismo discotequero travoltil mediterraneo. Tela. Como es "natural" por la imposición putrefacta de las manos de la discográfica de turno. Que no es excusa si se es integro en tus ideas y se tiene la ética (¿la qué?) que hay que tener. Pero esa es otra. La cuestión es que el último tema de su álbum, "America Ok", es el hermano gemelo pepperoni al "Open Arms" de Journey. Y mientras en manos de sus creadores era una de las más bellas baladas del AOR en su época más gloriosa, en las de los corrompidos New Trolls se convertía en una blanda y empalagosa cancioncilla para bailar "las lentas" en la pista de baile. De joya de la corona a instrumento para rozar la cebolleta. Patético, oiga.
Colaboracion de J.J. Iglesias
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Formados en Tampa en 1.971 donde muchos de los miembros salieron de los restos de una popular banda de finales de los '60 llamada The Tropics, donde estaban Ron Goedert, Charles Richardson, Hardin Pendergrass, Robert Shea y Loyall Fischer, White Witch giró durante bastante tiempo antes de firmar por el sello Capricorn Records, siendo compañeros de casa de los mismísimos Allman Brothers y siendo la única banda no sureña en entrar en esa discográfica. Acordaron formar parte de Capricorn sin contar con un manager o con alguien que los representara legalmente y realizaron en 1.972 su homónimo disco, luego llevando a cabo las consecuentes giras de presentación del mismo, donde teloneban a los, por entonces ya bastante famosos, Alice Cooper o Grand Funk Railroad.
White Witch es uno de esos grupos difíciles de catalogar, ya que su música, y sobre todo su debut, encierra numerosos estilos e inclinaciones. Si se pudiera acuñar el término " "glam/pop" "hard rock" psicodélico progresivo" sería, sin duda, para definir a este quinteto que empezaba sus conciertos siempre con una frase que rezaba "Para traer Bien donde antes había Mal, para traer amor donde antes había odio, para traer sabiduría donde antes había ignorancia...este es el poder de...¡White Witch!". En resumidas cuentas, esta formación fue la respuesta americana iluminada de luz a la cuestión inglesa "sabbathiana" inundada de oscuridad y sombras.
Es posible que se creyeran el mismísimo Platón y que sus conciertos fuesen como el Mito de la Caverna que el filósofo planteó, comparando a unos presos encadenados que residen en el interior de una cueva con la sociedad que vivía en la ignorancia y la consecuencia de que uno de ellos se librara, saliese al exterior y contemplara la luz con la virtud de alcanzar la verdadera sabiduría.
En cualquier caso, hasta la "prestigiosa" Rolling Stone dio una valoración pésima al esfuerzo que había hecho el grupo en su debut, comentando precisamente lo de antes, que White Witch era la cara blanca de la moneda en comparación con la oscura de Black Sabbath, pero que no era una cara que mereciera la pena descubrir.
Muchos no tomaron al grupo verdaderamente en serio (ya que, aunque practicaban un "rock" progresivo y ecléctico, en sus shows tendían a ser muy espectaculares y teatrales, emulando en cierto sentido a sus contemporáneos SLADE o Mott The Hoople procedentes del otro lado del charco), cosa que, cuando se escucha el álbum, es para tomárselo con más calma y pensar en qué se está escuchando. En el comienzo "Parabrahm/Greeting/Dwellers of the Threshold" se atisban unos sonidos psicodélicos, oníricos y un tanto tenebrosos que introducen un juguetón teclado para pasar a la siguiente "Help me, Lord!", una pieza donde sobre todo destacan esas melodías espaciales y de pura psicodelia, aunque también progresivas, en la onda de los primeros trabajos de Uriah Heep.
Una que no se olvida es la divertida "It's so Nice to be Stoned", más que nada porque no puedo evitar acordarme de The Beatles cada vez que la oigo. Melódica, con un ritmo que te contagia las ganas de mover los pies y todo el cuerpo y seguir el compás de su repetitivo estribillo. El sonido de los de Canterbury, Caravan, te viene, al menos yo lo sentí, cuando se escucha la larguísima "Don't Close your Mind". Será su ritmo o sus cristalinas melodías, no estoy muy seguro. La contundencia también se atisba y no poco en los temas "Home Grown Girl", creo que el más "hard rockero" del LP, y mi favorito, el acelerado "Illusion", un compendio de auténticas virtudes y todo el mundo sabrá apreciarlo cuando la oiga.
Estar en una compañía que, en ese año, también había apoyado a Captain Beyond con su debut, las malas críticas con las que se encontraron y la diferencia que había entre los mismos miembros de la banda provocó que el bajista Loyall Fischer fuese sustituido por Charlie Souza y el batería Robert Shea por Bill Peterson y que en su siguiente disco "A Spiritual Greeting" se notara la precipitación al vacío del grupo. Richardson se marchó y algunas canciones fueron grabadas para un tercer LP, pero esa idea nunca se materializó. Se separaron poco después y cada uno se fue con otras bandas alternativas para seguir sus correrías por el mundo de la música.
Tristemente, en el 2.000 el vocalista Ron Goedert falleció de cáncer y lo mismo ocurrió con el teclista Pendergrass en 2.003. Pero no hay que olvidar que este grupo, por muy maltratado que estuviese, tuvo su repercusión e influenció a bastantes en su momento.
Gentes como Roxy Music o Marc Bolan disfrutaban de su música y si les han colocado en la Pared de la Fama de la Música en Florida es porque al menos una oportunidad...una, sí que merecen para ser descubiertos y escuchados.
Dunbar es un reputado batería que ha trabajado con gente de la talla de John Mayall, Frank Zappa, Lou Reed, Jefferson Starship, Jeff Beck, David Bowie, Whitesnake, etc. Incluso se dice que estuvo a punto de entrar en el grupo de Jimi Hendrix.
Este grupo ingles se formó en el 67 después de que Dumbar abandonara a Jeff Beck. La banda estaba compuesta por Dumbar (batería), John Morshead (guitarra), Victor Brox (teclados, voz) y Keith Tillman (bajo), poco tiempo después Tillman abandonaría el grupo siendo sustituido por Alex Dmochowski. Ese mismo año editan su primer single que contenía el tema "Warning" posteriormente versioneado por Black Sabbath. En 1.969 editarían tres discos "The Aynsley Dunbar Relation" , "Doctor Dunbar´s Prescription" y "To Mun , From Aynsley & The Boys", en este último se incorporó el teclista Tommy Eyre. En el 70 la banda se separaría pero Brox editaría un disco póstumo titulado "Remains to be Herad".
Los sonidos de la grabación son netamente rock blues de alta calidad. El disco se realizó cuando la banda ya no existía, fue Victor Brox el encargado del proyecto tomando descartes del disco anterior y tomas descartadas. Este punto se nota ya que junto a grandes temas como "Blood your Wheels" o "Invitation to a Lady" encontramos otros que son algo flojos "Put Some Love on You" o "Toga". El blues rural también está presente en Whislitn´Blues" y "Bloody Souvenir. También destacable el tercer tema "Downhearted". En la reedición se incorporaron dos temas más "Warning" y el magnífico blues "Cobwebs".
Temas
1. Invitation To A Lady
2. Blood On Your Wheels
3. Downhearted
4. Whistlin' Blues
5. Keep Your Hands Out
6. Sleepy Town Sister
7. Fortune City
8. Put Some Love on You
9. Bloody Souvenir
10. Toga
Bonus Tracks:
11. Warning
12. Cobwebs
Formación
Alex Dmochowski: bajo
Aynsley Dunbar: batería
John Moorshead: guitarra
Victor Brox: teclados, voz
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Hola amigos os podéis descargar totalmente gratis la versión electrónica del libro de Rockliquias. Simplemente pulsar en descargar, si tenéis alguna duda en la descarga pulsar en instrucciones.
Camel representó en la década de los 70 la excelencia del rock progresivo, durante esos años editaron verdaderas obras maestras.
En abril de 1.976 Camel edita su cuarto disco de estudio, "Moonmadness" con la colaboración de Mel Collins(vientos). Para promocionar el disco realizan una extensa gira por Europa junto al saxofonista que finalizaría el 16 de Octubre en Bélgica. En mitad de la gira deciden realizar una actuación en Estados Unidos ya que llevaban más de un año sin actuar en ese país. Tras esa actuación no volvería a Estados Unidos hasta febrero del 79.
La grabación nos muestra la actuación de la banda el 26 de Junio de 1.976 en el Boarding House de San Francisco. El sonido está tomado de la radio y la calidad es bastante buena. Camel interpreta fundamentalmente temas de Moonmadness, "Aristillus", "Son Within a Song", "Air Born", "Chord Change", "Lunar Sea" y "Another Thing, combiandolos con temas de The Snow Goose, "The Great March", Rhayader", "Rhayader Goes To Town", "Preparation" y Dunkirk", y un tema del Mirage, "The White Rider". A pesar de que en los créditos figura Mel Collins según mi opinión no está presente en esta actuación. El documento nos muestra en plena forma al grupo durante la gira de su cuarto disco.
Temas
00:00 Aristillus 1:28
01:28 Song within a song 7:27
08:55 The Great Marsh 1:48
10:43 Rhayader 3:18
14:02 Rhayader Goes to Town 5:39
19:41 Air born 5:00
24:41 Chord change 6:45
31:26 The White Rider 8:20
39:47 Lunar Sea 9:24
49:11 Preparation 3:25
52:36 DunKirk 5:57
58:31 Another Night 6:45
Formación Peter Bardens :teclados Andrew Latimer : guitarra, voz Doug Ferguson : Bajo Andy Ward : batería
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Formada en Tyneside en 1.971 con el mítico Brian Johnson a la cabeza, GEORDIE siguió el movimiento del "glam rock" que en aquel momento practicaban bandas como SLADE o Mott the Hoople, aunque, eso sí, aportando su propia visión, donde se mezclaba un divertido "boogie rock", "blues" y "pop" que hizo que su "Hope you Like It" ('73) cosechara un considerable éxito.
El cuarteto Johnson/Malcolm/Hill/Gibson tenía suficiente carisma y talento como para continuar acumulando fans en aquellos años. En 1.974 salió al mercado el disco que nos ocupa: "Don't be Fooled by the Name". Con él GEORDIE cambió de miras y quiso sumarse al esfuerzo que las bandas hacían para practicar el "rock" progresivo del momento. De hecho se nota, y bastante, que el grupo quería sonar más "serio" en comparación con el anterior LP.
La mejor demostración la tenemos en dos largas composiciones: "Mercenary Man" y "Ten Feet Tall", donde se puede disfrutar de un excelente "blues rock" en la línea de Nazareth o Wishbone Ash, por poner un ejemplo que se le asemeje. Lo que también destaca es esa retahíla de baladas que desfila por el disco, como las preciosas "Treat her Like a Lady" o "Little Boy", donde Johnson demuestra su enorme versatilidad como cantante, tal como hace en la canción estrella de este trabajo, la versión de aquella legendaria "House of the Rising Sun", que, si bien mantiene su misma grandilocuencia, aquí se torna más amenazante y "rockera"; un corte épico de cinco minutos que no tiene desperdicio ninguno.
Todo parecía estar en su sitio, pero, desgraciadamente, no salió ningún "single" del disco, ninguna canción fue considerada como tal. Únicamente en Francia y Japón se dignaron a sacarlos, algo que perjudicó seriamente al grupo. "Don't be Fooled by the Name" no llegó a alcanzar los "charts" ni tuvo el tirón de su predecesor, pero no cabe duda de que es el mejor trabajo de la banda, que, ya fuera por la competencia del momento o porque decidieron demasiado rápido cambiar de enfoque musical, no consiguieron el éxito que esperaban.
"Save the World" ('76) sería el último disco donde participaría Johnson (si no contamos la pequeña aportación que hizo en el "No Good Woman" ('78) ), cuando en 1.980 el vocalista resurgió como el hombre que reemplazaría la [irremplazable] voz de Bon Scott, introduciéndose en las filas de la enorme máquina de hacer dinero y fans que era AC/DC.
Posiblemente estemos ante una de las mejores bandas griegas de la década de los 70. A pesar de la dictadura y la falta de medios consiguió salir adelante y realizar un gran trabajo.
Esta banda griega se formó en 1.969 con una formación inicial integrada por Anthony Tourkogiorgis (bajo), John Sphatas (guitarra) y Elias Boukouvalas (batería). En el 70 editan su primer single cantado en griego, idioma que no volverían a utilizar en sus grabaciones pasándose al inglés. Dos años más tarde llegaría su primer larga duración "Socrates Drank The Conium", ese mismo año el batería Elias abandona la banda y es sustituido por George Tradalidis. También un segundo guitarrista entra en la banda, Kostas Doukakis. Con esta formación editan su segundo disco "Taste of Conium" (1.972), en esta grabación hacían una curiosa versión del "Satisfaction de los Rolling Stones de algo más de trece minutos. El tercer álbum llega en el 73 , "On The Wing" con el que consiguen cierto reconocimiento en los Estados Unidos Pasarían tres años hasta la grabación de su cuarto LP, " Phos" con la colaboración de Vangelis a los teclados y acortando su denominación a "Socrates". El disco fue lanzado en todo el mundo vendiéndose más de 300.000 copias. Numerosos cambios en su formación hasta editar en 1.980, "Waiting for Something", disco muy influenciado por el jazz rock. En el 81 llegaría "Breaking Through" y en el 83 "Plaza".
La grabación nos muestra una banda que posiblemente se adelantó a su tiempo en el tratamiento de las dobles guitarras, mucho tiempo después este tipo de fórmula sería empleada por los grupos de la NWOBHM (Iron Maiden , etc). Su sonido es netamente hard rock con tintes psicodélicos y con carácter progresivo debido a la complejidad de los ritmos guitarreros. El disco se inicia con un impresionante "Who is to Blame" y le sigue "Distruction" con numerosos cambios de ritmo. A lo largo de todo el disco podemos escuchar la gran labor de Sphatas a la guitarra y su peculiar forma de tocar, el instrumental "Triping in a Crystal Forest" es una buena prueba de ello. Otros temas destacados podrían ser "Death is Gonna Die" o "Breakdown". En definitiva un gran disco, su único defecto es su corta duración.
Temas
1.- Who is to Blame 00:00
2.- Distruction 03:48
3.- Naked Trees 08:20
4.- Death is Gonna Die 13:20
5.- This is the Rats 16:54
6.- Lovesick Kid´s Blues 19:44
7.- On the Wings of Death 22:34
8.- Breakdown 25:59
9.- Triping in a Crystal Forest 29:04
10.- Regulations (If Were at President) 30:53
Formación
John Sphatas: guitarra
Anthony Tourkogiorgis: voz, bajo
Kostas Doukakis: guitarra
George Tradalidis: batería
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Nuevamente aparece en el blog el magnífico guitarrista japonés, Shinki Chen, líder de algunos de los mejores grupos de su país de la década de los 70.
Cuentan que "Food Brain" fue un proyecto pensado por la discográfica, Polydor Japón, a principios de los 70 y que el guitarrista Shinki Chen fue el encargado de materializarlo. Al principio se pensó en llamarlo "Brain Food" pero Chen se equivocó al registrarlo y el nombre definitivo fue Food Brain". En 1.970 editanron "Social Gathering".
La grabación cuenta con nueve temas totalmente instrumentales cuatro de los cuales a penas llegan a un minuto de duración. Los temas largos nos muestras un rock psicodélico progresivo basado fundamental en la maestría instrumental del teclista Hiro Yanagida. En el tema "Clock" el resto del grupo se une a la fiesta, el bajista Masayoshi Kabe realiza unas líneas de bajo muy contundentes y Shinki Chen demuestra su gran calidad con las seis cuerdas, desde luego un gran tema. "The Hole in a Sausage" es el tema más largo de la grabación y también el menos interesante, en realidad es solo para aquellos que les guste la anarquía sonora sin ningún tipo de sentido. Como curiosidad deciros que "The Conflict of the Hippo and the Pig" os puede sonar del anuncio televisivo de "Kit Kat" donde aparece un hipopótamo.
Temas
01 That Will Do
02 Naked Mountain
03 Waltz for M.P.B.
04 Liver Juice Vending Machine
05 The Conflict of the Hippo and the Pig
06 Clock
07 One-Sided Love
08 The Hole in a Sausage
09 Dedicated to Bach
Formación
Shinki Chen: guitarra
Hiro Yanagida: teclados
Masayoshi Kobe: bajo
Hito Tsunoda: batería
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Mark Doyle, el guitarrista de este grupo, ha estado a la sombra de grandes músicos, baste decir que ha colaborado con Daryl Hall & John Oates, Leo Sayer, Bryan Adams, Meat Loaf y muchos otros.
Esta banda neoyorquina se formó en 1.968 cuando el grupo "FreeWill" cambio su nombre por el de "Jukin` Bone". Fichan por la compañía discográfica RCA y en el 72 editan su primer disco "Whiskey Woman". Durante ese año actúan junto a gente de la talla de ZZ Top, Fredie King, Allman Brothers, John Mayall, etc. En el 73 ve la luz su segundo disco "Way Down East", ese mismo año deciden separarse. Posteriormente la compañía discográfica editaría "The Lost Third Album"con grabaciones que el grupo había realizado para un tercer LP.
La grabación se realizó en los estudios Electric Ladyland ante una pequeña audiencia con lo que la sensación de directo es más que evidente. Su música refleja un gran hard rock a la altura de gente como Led Zeppelin o Humble Pie, muy buenos riffs de guitarra y una gran voz a cargo de Joe Whiting. Temas como "Jungle Fever " o "Whiskey Woman" impresionan por su gran fuerza, incluso "Candy Man" nos puede recordar a Mountain. Muy destacables son las versiones que realizan "Going Down" (Fredie King) y "The Hunter" (Albert King).
Temas
1.- Jungle Fever 00:00
2.- Candy Man 05:00
3.- Spirit in the Dark 09:17
4.- Can`t Judge What Your Miss 13:42
5.- Whiskey Woman 17:50
6.- Going Down 21:57
7.- The Hunter 26:00
8.- Got the Need 29:56
9.- Let Loose 33:00
Formación
Joe Whiting: voz
Mark Doyle: guitarra, piano
George Egosarian: guitarra
John DeMaso: bajo
Tom Glaister: batería
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Gracias a Rockadelic, pequeña discográfica que se encargo durante algún tiempo de rescatar joyas musicales, hoy podemos disfrutar de esta magnífica banda.
Los datos sobre el grupo son prácticamente inexistentes. Parece ser que eran Rockville del área de Washington D. C. y que la grabación se hizo entre el 69 y el 70. De su formación lo único que se es que el bajista era Johnny Castle.
La grabación fue rescatada por Rockadelic Records y la editó en un disco titulado "A Night In The Cave", Crank ocupaban una cara del disco, la otra contenía temas del grupo Thump Theater. El grupo se mueve por los hard rock blues, su primer tema "Let Go" da buena prueba de ello. Su segundo tema "Give You My Love" nos muestra sus influencias claramente (Led Zeppelin). El resto de los temas siguen la misma linea mostrándonos un cantante que en algunas ocasiones nos puede recordar a Robert Plant.
Temas
Let Go 0:00
Give You My Love 04:24
Want You Back 08:35
Don't Push Me Away 12:40
N F T B 17:24
Nota: si te gusta el artículo compartelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
El cantante y armonicista de esta banda, Pat Ramsey, participó en el disco "White hot and blue" de Johnny Winter y estuvo en un proyecto con Butch Trucks, legendario batería de los Allman Brothers Band.
La fecha de formación de la banda es un poco confusa. Mientras en casi todos los medios fechan su único disco en 1.975, en las biografías de Pat Ramsey y Julien Kasper (guitarra) se habla que estos dos personajes se reunieron por primera vez en 1.978 en Tallahasse, Florida. Quizás la confusión venga de la contraportada de la reedición de 2.005 en donde aparece la mención de 1.975. En cualquier caso el grupo estuvo actuando durante cinco años abriendo conciertos para gente como B.B. King, Johnny Winter, Johnny Van Zant, 38 Special, etc. Solo editaron un disco "Mad, Bad And Dangerous To Know".
Los sonidos de esta grabación son netamente rock sureño mezclado con buen blues. Pat Ramsey tiene una voz perfecta para este género musical y en algunos matices nos puede recordar a Johnny Winter. Temas como "One´s Too Many" o "Hippie Song" tienen grandes riffs con una gran armónica que como poco nos moverá los pies. El blues lo podemos encontrar en "Love Her With A Feeling", "Allergic To Work" o en "Dead Shrimp Blues", incluso se marcan dos excelentes instrumentales "Vegetable Oil" y "Mud Bee". Gran disco que nos hará pasar un buen rato.
Formación
Pat Ramsey: voz, armónica
Julien Kasper: guitarra
Mike Howell: bajo
Steve Howell: batería
Nota: si te gusta el artículo compartelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Boston fue una banda que consiguió vender 16 millones de copias de su primer disco, "Boston", indudablemente esto les marcó para toda su carrera y posiblemente fue algo que siempre les pesó como una losa.
Fue en 1.969 cuando el genial Tom Scholz comenzó a escribir canciones durante su estancia en el MIT, durante esa época formó varios grupos (Freehold, Milk with Delp) en los que estaban futuros miembros de Boston: Barry Goudreau (guitarra), Brad Delp (voz), Jim Masdea (batería). Con esta formación Tom graba unas maquetas en el estudio que se había construido en el sótano de su casa, dichas grabaciones fueron rechazadas por todas las discográficas. Posteriormente entre el 73 y el 75, Tom decide grabar nuevos temas, esta vez decide tocar todos los instrumentos a excepción de la batería que corrió a cargo de Masdea, Estos temas fueron aceptados por Epic Records con la que firmó un contrato junto a Brad Delp. Su primer disco se editaría en 1.976 y a partir de ese momento el éxito les perseguiría. Posteriormente llegarían cinco discos más en diferentes épocas del grupo: "Do not Look Back" (1.978), "Third Stage" (1.986), "Walk On" (1.994), "Corporate America" (2.002) y "Life, Love & Hope" (2.013).
La grabación se realizó el 27 de Septiembre de 1.976, fue una emisión de la WMMS que radio el concierto desde el Agora Ballroom de Cleveland. El grupo había editado su primer disco en Agosto por lo tanto es una de sus primeras actuaciones presentando los temas de su primer LP. El disco nos presenta los éxitos que todos conocemos "Peace of Mind", "More Than a Feeling", "Rock & roll Band", "Something About You", "Smokin", "Foreplay/Long Time" y un adelanto de algunos temas de su segundo disco, "A Man I`ll Never Be"y "Don`t Be Afraid". También podemos escuchar "Help me" que se editaría en algunas versiones de su segundo disco, y un tema inédito "Television Politician".
Temas
1.- Rock & Roll Band
2.- Help Me
3.- Peace of Mind
4.- Someting About You
5.- A Man I`ll Never Be
6.- Smokin`
7.- Foreplay
8.- Long Time
9.- Don´t Be Afraid of Love
10.- More Tahn a Feeling
11.- Television Politician"
Formación
Brad Delp: voz, guitarra
Tom Scholz: guitarra, teclados
Barry Goudreau: guitarra
Fran Sheehan: bajo
Sib Hashian: batería
y por el mismo precio el vídeo del concierto de la banda en el Giants Stadium en 1.979
Nota: si te gusta el artículo compartelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Hoy os presento la primera colaboración de nuestro amigo Christian Jiménez que con su grupo de google +, "70`s Rock!", rescata grupos olvidados de la década de los 70. Hoy nos recuerda el segundo disco de TOAD.
En 1.970, los suizos Werner Fröhlich y Cosimo Lampis pertenecían a una banda de "rock" psicodélico que estaba empezando ser conocida por aquellos tiempos: Brainticket.
Tras realizar su primer álbum, se marcharon de ese grupo y decidieron unirse al enérgico guitarrista Vic Vergeat, procedente de las filas de la banda de "space rock" Hawkwind.
Este "power trío" de fuerte personalidad se conformaron como una máquina bien engrasada de "hard rock" llamada TOAD, y bien lo demostraron en su homónimo álbum.
Su principal influencia venía del "hard rock" que se practicaba en Inglaterra en aquel momento.
Muchos grupos tenían sus miras puestas en el oscuro y salvaje "heavy metal" que parían Black Sabbath, otros se fijaban en el "rock" sinfónico de Yes. TOAD se centraron en el puro "rock" de Led Zeppelin y Jimi Hendrix.
Lo suyo era caña sin descanso y trallazos de guitarra impasibles en la onda del "rock" y del mejor "blues" de la época; con acercarse a su "They Say I'm Mad", una de las mejores que he oído en mi vida, se aprecia más que suficiente.
El sonido tan poderoso y rudo que consiguieron se debe a que el productor Martin Birch se puso a los controles, un hombre que sería mundialmente conocido por haber producido a los legendarios Iron Maiden.
Cuando en 1.971 "Toad" fue realizado, la banda participó en el Festival de "Jazz" de Montreaux, lo que le hizo ganar una considerable popularidad. En los conciertos, Vergeat demostraba su fanatismo por Hendrix cuando se dedicaba a tocar las cuerdas con los dientes intentando emular a su ídolo.
Es decir, que parecía que no había quién los parase...y así llegamos a 1.972, y al álbum que nos ocupa, "Tomorrow Blue".
En general, se nota el cambio en este segundo esfuerzo, y es que en el primero, como en casi todo debut que se precie, no existía una concordancia de estilos. Todo era mucho "rock" y rabia, pero era puro afán de experimentar, de plasmar sus influencias y de mezclar puntos de vista; estaban la pesada "Cotton Wood Hill", la extensa y progresiva "Life Goes On", esa delicada "The One I Mean", la más comercial "Animals World", pero quedó un puzzle muy homogéneo y entretenido.
En el LP que siguió continuaron conservando su fuerza y contundencia, pero se enfocaron hacia un estilo más "blues" y progresivo. No haría falta decir que ese regustillo de Uriah Heep, Wishbone Ash y Black Sabbath se nota bastante en el sonido, pero sobre todo es el amor por el "rock" descarnado a lo Zeppelin lo que más se percibe.
Esa inclinación hacia lo progresivo es fácilmente palpable en piezas como la larguísima "Change in Time/Three O'Clock in the Morning" y "Thoughts", que abre el disco con un vertiginoso "riff" de guitarra.
"Tomorrow Blue" y su crudo desarrollo instrumental, "No Need" y "Vampires" siguen con ese buen "rock" vibrante que no te da ni un respiro, con ese con el que no puedes dejar de mover los pies. En estos temas también se deja ver la faceta más comercial que tenía el trío a la hora de componer.
Porque TOAD también eran muy célebres por sus "singles". De hecho, "Stay", el "Purple Haze" de Hendrix, "Green Ham" o la fantástica versión de The Beatles, "I Saw her Standing There", mostraban su lado más divertido y con ganas por alcanzar los primeros puestos en las listas de éxitos.
Sin duda y sin bromas, este "Tomorrow Blue" podría ser catalogado como uno de los mejores discos del año 1.972...pero es lo que tiene la competencia; también en ese momento salían obras maestras del calibre de "Vol. IV", "Machine Head", "Argus", "Close to the EdgeClose to the Edge" y, para mí, el mejor disco de la Historia del "rock", que se encaramó al primer puesto de los "charts", la joya de Tull "Thick as a Brick".
Había demasiado entonces, mucho como para que nadie volviese la mirada hacia Suiza y prestase atención a una pequeña banda de aquellos lejanos parajes.
Pero lo cierto es que sí merece atención. Influenciaron a grupos como Krokus y Celtic Frost y en su tierra natal aún se siguen recordando con cariño. Después la banda realizó "Dreams", que poco y menos tiene que ver con su predecesor, y un disco en directo y eso fue todo...hasta más o menos 1.993, cuando sacaron al mercado su "Stop this Crime".
Pero jamás sonarían de manera tan coherente, sólida y grandilocuente como en este maravilloso "Tomorrow Blue", sintiendo utilizar la repetición, uno de los más grandes de la década de los '70.
01 Cotton Wood Hill
02 A life that ain´t worth living
03 Tank
04 They say i´m mad
05 Life goes on
06 Pig´s walk
07 The on i mean
08 Stay [Bonus track]
09 Animals world [Bonus track]
Formación
Vic Vergeat: guitarra, piano ,voz
Cosimo Lampis: batería
Werner Froehlich: bajo, voz
Nota: si os gusta el artículo compartirlo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
Este grupo fue considerado por algunos como el Jethro Tull alemán, tal afirmación puede ser un poco excesiva pero no cabe duda de la gran calidad del grupo.
La banda procedía de Aquisgrán, Alemania y se formó en 1.969. En 1.970 actúan en el Festival de Jazz de Bilzen junto a grupos como Black Sabbath, Cat Stevens May Blitz, etc. Un año más tarde entran en el estudio para grabar su primer disco "Wieb Der Teufel" que se editó en el 71. Ese mismo año vuelve a grabar y editan su segundo disco "Phallabst" con dos nuevos miembros en sus filas, Thomas Kittel y Manfred Spangenberg.En 1.972 cuando estaban preparando su tercer disco decidieron separarse.
El disco se grabó en apenas una semana en los estudios Dieter Dierks, los ocho temas que contiene nos muestran sonidos progresivos mezclados con tintes psicodélicos y acústicos. El tratamiento vocal y el uso de la flauta nos pueden recordar en algunos momentos a los Jethro Tull. muestra de ello puede ser "Schnupfer". Temas destacados "Makrojel" y "Prickel Pit". La parte acústica la podemos escuchar en "Wasted Land" o en "I´m On My Way" recordándonos incluso a John Renbourn.
Temas
Closing Time 3:21
Wenn Schon, Denn Schon 3:35
Schnupfer 5:13
Waste Land 5:10
Makröjel 5:53
Prickel Pit 3:51
Partland Town 3:52
I'm On My Way 5:01
Formación
Manfred Spangenberg: bajo
Udo Dahmen: batería
Klaus Gülden: flauta
Günter Krause: guitarra, teclados ,voz
Thomas Kittel: guitarra, teclados
Nota: si te gusta el artículo compartelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias.
.jpg)
