Las relaciones entre RUSH y Max Webster fueron muy estrechas. Durante la década de los 70 y principios de los 80 realizaron numerosas giras juntos, compartieron productor, Tery Brown, y compañía discográfica, Antem Records. Y por supuesto colaboraciones. En el tema "Battle Scar" del quinto álbum de Max Webster intervinieron Alex, Geddy y Neil. Como contrapartida el letrista de Max Webster, Pye Dubois, intervino en la creación del clásico de los RUSH, "Tom Sawyer".
La banda se forma en Toronto en 1973 teniendo una formación inicialmente integrada por Kim Mitchell (voz, guitarra), Terry Watkinson (teclados), Mike Tilka (bajo) y Paul Kersey (batería). Un amigo de Kim, Pye Dubois, era el encargado de gran parte de las letras del grupo. En 1976 editan su primer disco, "Max Webster". Kersey abandona la banda tras una fuerte discusión con Mitchell, en su lugar entra Gary McCracken. Firman con Anthem Records y al año siguiente llega "High Class in Zoes Zoro" teniendo como productor a Terry Brown. En plena gira de presentación Tilka es sustituido por Dave Myles. En 1978 llega su tercer LP, "Mutiny Up My Sleeve" y "A Million Vacations" en el 79. Realizan giras por Canada, Estados Unidos y Europa fruto de las cuales publican su primer directo, "Live Madnetic Air". Las tensiones y el cansancio se acumulan y Watkinson y Myles abandonan el barco antes de grabar "Universal Juveniles" producido por Jack Richarsdson (The Guess Who, Bob Seger, Alice Cooper entre otros). Ese año entran Greg Chad (teclados) y Mike Gungrich (bajo). En la gira con Rush de 1981 Mitchell decide dar por disuelta a la banda.
La grabación contiene dos conciertos de Max Webster de 1976. El primero de ellos en el Larry's Hide el 9 de octubre y el segundo en el Playhouse en Winnipeg el 17 de ese mismo mes. El "setlist" está compuesto por temas de sus dos primeros discos. En cuanto a su música tenemos ramalazos a lo Rush en la inicial "Oh War!", buen rock en "High Class in Borrowed Shoes", "America´s Veins" o "Let Your Man Fly". Sonidos Zapperos en "Toronto Tontos" y "Hangover" donde incluso nos podrían sonar a Hawkwind. La parte más acústica y tranquila la tenemos en "Words to Words", Diamonds Diamonds" y "On The Road". Buen sonido. La contraportada del CD no refleja los temas de la grabación.
J.C. Miñana
Temas
October 9th, 1976 - Larry's Hideaway, Toronto, Ontario
1 Oh War! 00:00
2 High Class In Borrowed Shoes 04:09
3 Words To Words 08:07
4 Diamonds Diamonds 11:57
5 On The Road 15:48
6 Let Your Man Fly (with Girl From Ipanema) 19:12
7 Hangover 24:48
8 Here Among The Cats 33:46
Disc 2:
October 17th, 1976 - The Playhouse, Winnipeg, Manitoba
1 Coming Off The Moon [partial] 37:10
2 America's Veins 39:04
3 Lily 44:06
4 Only Your Nose Knows 52:36
5 Toronto Tontos 57:40
6 Hangover 01:06:50
7 Here Among The Cats 01:13:08
Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
La verdad es que con poca info me he topado para saber algo más de éste grupo de Barcelona. Que comenzaron allá el 2004, y que cuatro años después editaban éste soberbio disco de classic hard rock blues. Habiendo editado un EP en el 2018, "The Tip".....Y qué ha sido de Bigday Breaker entre esos diez años? Misterio. Componen un cuarteto clásico, con Jas (voz), Pablo (bajo), Sergio (batería) y Carlos (guitarra). Su larga duración arranca con una ovación de estadio que define las intenciones del grupo. Hard rock arena 70s de alto calibre y nivel.
"As He Says He Does" tiene EL sonido. Ese carnoso y visceral, carne con patatas que eriza la piel por años y modas que pasen. Que transpira sentimiento como único camino de comunicación, sin pose alguna. Sólo un verdadero rocker sabrá de lo que hablo. Ese mismo sonido que fomentaron Jeff Beck Group, Led Zeppelin o Humble Pie. Por ahí van los tiros de éste pedazo de hard blues de voz sobrada, ritmos aritmeticos y guitarra ágil y nerviosa.
Así se muestra en "Farewell Kiss", más fruto de una ingesta en gula vikinga, de los cuatro elepes numerados de los Zep.....o Detective, Granicus, Wolfmother, Moby Dick, Kingdom Come, Michael White, Lone Star (UK)......
Sabéis qué? Ahora hablan de Greta Van Fleet como si fueran los inventores del "legado Zeppelin". Pero existe toda una escuela que ha dado excelentes combos y discos a lo largo de la historia. Con diferente suerte y reacción. A algunos los condenan sin miramientos al más abismal de los infiernos, por su parecido con la banda de Page / Plant. Sin embargo otros, tienen el beneplácito de crítica y público por las mismas virtudes. El caso de Greta Van Fleet es de éstos últimos, han caído bien. A casi todos. Y en ése "casi" meto a esos cerriles predecibles, que los acusan de copiones. Entre ellos el mismísimo Steven Wilson, como si él no comenzara su carrera copiando como un cabron a Pink Floyd. Ahora a "evolucionado" y copia a George Michael. Dejemos a los chavales que se expresen, que ya habrá tiempo de pedir explicaciones y sutilezas. Lo mismo digo para Bigday Breaker. O Imperial Jade. O White Coven. Tiempo al tiempo.
"New Hope Train" conoce bien el rhythm'n' blues de los "New Yardbirds", o los primeros Aerosmith, en estado crudo y neto, con nivel internacional y sin complejos. Su interludio oriental, con acústicas sonando a sitar y tablas, nos trasladan a Bron - y - Aur y Headley Grange, maravillense señores.
También puede haber un sano acercamiento a Black Crowes en "Mike Machinegun", donde la banda demuestra un engrase y puesta a punto del mejor de los boxes rockeros. En "Spring Blues"se diría tienen al añorado Andy Fraser al bajo, por su orientación Free, asimilada con prudencia. Grande Jas al micrófono, mientras las seis cuerdas se van más por Page-y vibrations que por Paul Kossoff (tampoco hubiera sido mala cosa).
Atacan "Butterfly" con originalidad hard blues, que deja a mucha estrellita del país con el culo al aire. Pero a Bigday Breaker nunca los verás en descafeinados programas televisivos tildados de "rockeros", de la mano de un Ariel Rot abandonado a su suerte, en un desierto indie.
"Sadman" juega muy bien con las acústicas y el ritmo, creando una base blues de original visión, destacable, entre sus ocho hermanas competidoras.
La acústica intro en "No Way" trae a la memoria al viejo Alexis Korner, seguido de electrificado hard prog al estilo Groundhogs o Stray. Otra maravilla, y van. ...pues eso, ocho.
Diez años después, el EP "The Tip" nos trae cuatro temas más. "Half Pier" es, curiosamente, como una continuación de aquel final "No Way". Pero ahora muestran interés en los coros, y todos salimos ganando. Instrumentalmente, están sensacionales. "Realize" aporta órgano Hammond, avivando su música hacia Allman Bros y elevandolos a las alturas.
En "I Am Mob" poseen la peligrosidad que atraía en el Alice Cooper de "Killer" o "Billion Dollar Babies". Terminando con "Gypsy Woman", en siete minutos densos en intro gitana, guitarras a la Mick Ralphs, voz abrasadora, elástica rítmica y superior factura. Bigday Breaker siguen en plena forma.
La historia de esta veterana banda de Perugia tiene sus peculiaridades. Resulta que su origen data de 1975. En plena eclosión internacional del RPI. Como uno ha vivido las vicisitudes y las sordideces de hacer un tipo de música que dentro de los cánones progresivos fuese lo más original posible, entiendo las complicaciones.
Los San Martino no estaban en una mala época en absoluto. 1975 fue el ecuador del estilo y probablemente su límite de creatividad. Hasta esa fecha la música creció sin límites de originalidad y calidad, pero también fue el comienzo de la curva de bajada. En ese año no éramos conscientes del hervidero progresivo que se gestaba en Italia. En Inglaterra los marcadores ya se ponían en rojo. Pero no olvidemos que a nuestros amados ELP y su Manticore Records les debemos que Italia fuese reconocida a nivel internacional y que su propuesta musical consiguiese el respeto que hoy merece. Las grandes epopeyas sinfónicas ya estaban grabadas. Si uno lo observa desde la perspectiva de la historia, el punto culminante de este estilo fue tan solo un quinquenio. En cinco años se escribió toda la antología progresiva. No estamos hablando de una evolución de décadas como ocurre en otros estilos como la música clásica, el jazz, el folk o la música popular donde están incluidos el rock y el pop. Todo fue muy rápido y casi no dio tiempo de asimilarlo. De ahí vienen muchos de estos problemas de asimilación con esta música. Se hizo muy deprisa. Fue una especie de Big Bang sonoro. Una perturbación en la fuerza si hablamos en términos frikis o de comic. Otra cosa es el eco que ha dejado esa explosión que ya lleva medio siglo de existencia. La historia musical de Europa es la más importante en términos culturales. Asia fue hasta bien avanzado el siglo XX un perfecto desconocido y EEUU sin tener una base musical tradicional fue el modernizador y el que técnicamente puso el jazz, el rock y el blues en nuestras vidas y también fue fundamental en la música moderna contemporánea. Sin embargo, la esencia cultural de todo estaba en Europa: música antigua medieval, música renacentista, barroco, clasicismo, romanticismo, modernismo y vanguardia. Luego vinieron los híbridos. El rock progresivo fue el más importante en términos culturales. Luego la llamada música popular que como el circo romano fue y es el opio del pueblo. Necesaria por otra parte porque el planeta debe estar equilibrado. Hay gente que me dice que el futbol debería estar erradicado. Error fatal. El futbol es un muro de contención. Un juguete fácil de entretenimiento que en caso de quitarlo tendría consecuencias peores que walking dead. En España tenemos algo incomprensible en una mente civilizada como la tauromaquia. No es fácil para una mente europeista ilustrada ya sea anglosajona o darwiniana entender a mi país y sus verguenzas. Pero como siempre me voy demasiado del tema.
El Estado de San Martino tiene una historia muy larga. Idas y venidas y dificultades para grabar un disco en su momento de juventud. Sus comienzos solo dieron un single en 1978. Siendo un caso raro su primer trabajo de larga duración es un live llamado “Alder” y según las referencias que tengo fue grabado en el teatro Zenith de su ciudad en diciembre de 1983 en plena eclosión del neoprog. Un disco olvidado y recuperado en 2006. San Martino es un sexteto. Un modelo de formación que encontramos frecuentemente en el RPI actual. Pero como digo desaparecían por muchos años y luego volvían al ruedo. Debemos considerarlos como una banda actual porque sus trabajos en estudio, así como su estabilidad como banda se encuentra entre 2006 y 2015 por el momento. Más vale tarde que nunca. Ya me gustaría formar una banda progresiva ahora a mis 65 años. Una ilusión que no creo que vea cumplida. Me tendré que exiliar a Italia antes de que los de la reconquista de Vox me pongan una mantilla para ir a misa, me vistan de torero o me manden a currar al valle de los caídos. Joder en Italia tienen a Salvini lo cual tampoco es un buen plan. En estos tiempos de ridículo y maldad sin límites lo mejor sería una nave donde escapar a algún planeta sensato. Hasta el alien me parece un buen chaval al lado de estos. Me cabrea mucho el mundo actual que veo y más ver mi país hacia el abismo. Ya no sirven para nada ni la educación ni los libros. Donde está toda esa buena gente que cantaba Jon Anderson. No deberían ganar los malos. Se lo digo a toda la buena gente.
Bueno en “Alder” encontramos música hermosa, de buenos genes clásicos. Tenemos 12 cuerdas, flauta, finos teclados y voces poéticas. Música lírica y conceptual grabada en una época que no le corresponde ni le hace justicia, pero cuantas veces ocurre esto. Estamos ante una especie de recordatorio entre Genesis via Anthony Phillips y lo mejor de la PFM. En el sonido y la instrumentación se nota que son los 80´s pero la esencia la mantienen lo mejor que pueden para la época en unas composiciones melódicas bien trabajadas. Me encantan las introducciones habladas en italiano gentile, así como el perfume de las canciones amables, delicadas sin un atisbo de bronca. Pero todavía falta que se metan en el estudio para rubricar definitivamente todo su potencial. Para la próxima semana.
Como era de esperar tras un par de discos entre el 80-81 y para despistar al personal, se separan, dado que debieron darse cuenta de que no eran tiempos de vino y rosas y no estaba el panorama para muchas lindezas.
Debieron esperar hasta el resurgimiento de los 90´s cuando don simpho ya enseñaba la patita por debajo de la puerta reivindicando los derechos raciales del progresivo y cuando la caza de brujas de la década prodigiosa ya había perdido fuelle. Desde luego que los críticos y las grandes compañías siguieron mentando a las madres de quién tenía la osadía de hacer música decente pero poco a poco en los primeros años 90 fueron apareciendo bandas y discos en diferentes puntos del planeta que volvían a recuperar parte del tiempo perdido. La discográfica francesa independiente Musea, que me ayudó bastante con información y ediciones en los tiempos del fanzine “Lunar Suite”, tuvo un papel muy importante en la recuperación de esos pequeños oasis progresivos y apostó fuerte por darlos a conocer. Su labor fue clave en esos tiempos de transición y de gente valiente que contra viento y marea grababan su propia música en stocks muy limitados pero suficientes para que no se apagase definitivamente la vela.
Con “A Journey to Inside” y con algunos cambios de formación, los noruegos Kerrs Pink se suben al carro de ese momento crucial. De hecho, la versión vinilo es un doble disco con 20 temas. 18 en el Cd. 80 mtos de música, la cual también mejora sustancialmente en sonido respecto a los dos trabajos de 12 años atrás. Siguen con la fórmula de cierto folk rock con tonadas escandinavas pero también la composición tiene posiblemente más cuerpo orquestal que antaño y un renovado diseño melódico. Ahora cantan en inglés con la evidente intención de ampliar fronteras lo cual no supone ningún problema y las voces cumplen bien su cometido. Tampoco olvidan su estilo calmoso y los bonitos fraseos descriptivos, a veces con esos ecos psicodélicos de inofensivas melodías hippiosas de antaño ya que su música carece casi por completo de agresividad y para algunos, los más aguerridos, me consta que será una invitación para dormir. Es cierto que a veces rozan la candidez de una plácida siesta de verano, pero si el pepino no amarga se come con placer y esto es lo que plantea el estilo ensoñador de esta banda. Mucha acústica de 12 cuerdas, flautas, tin whistle y la clara y límpida guitarra solista de Harald Lytomt más los teclados de colchones orquestales tienden a apaciguarlo todo dentro de una sencillez perfectamente equilibrada y transparente.
Es un disco qué al estar exento de vértigos y cambios bruscos, se haga quizás un poco largo. También ocurre a veces con Camel en los discos de esa época como “Dust & Dreams”. En música “no molestar demasiado” tiene sus ventajas y desventajas dependiendo del carácter tranquilo o no de las personas. Como todo es relativo. En general es un trabajo muy agradable en cortos pasajes y canciones que se van sucediendo unas a otras con interludios instrumentales. La bonita “Rubicon” llega a los 10 mtos siendo el corte más largo del programa. Haciendo un repaso hay en general en el disco bastante actitud folkie y cuando la rítmica se anima o se acelera es siempre dentro de unos cauces muy comedidos. Para amantes de la placidez sonora.
Alberto Torró
Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
Todavía ando bajo los efectos del reciente concierto monstruoso de Radio Moscow en mi ciudad. Así que instintivamente, mis manos se han ido a zona Blue Cheer, (ver Radio Moscow hoy es lo más parecido que voy a encontrar). Y concretamente a éste curioso disco de Leigh Stephens, su guitarrista fundador junto a Dickie Peterson y Paul Whaley. Con ellos grabaría sus dos históricos primeros discos, "Vincebus Eruptum" y "Outside Inside", ambos del 68. Lo sustituyó otro tremendo como fue Randy Holden.
Stephens siempre se ha querido desligar de ésa leyenda negra que une a la banda con las drogas duras. Difícil de creer, francamente, que él fuera el único que no se metía. Pero la verdad es que su música es bastante diferente a la del trío. Tanto con su siguiente proyecto, Silver Metre (con homónimo en 1968), donde recuerda en más de una ocasión a los Stones (una comparación que no lo aleja de las drogas, ciertamente ). Como con su debut en solitario, "Red Weather"(1969 / Philips), más psych west coast.
Pero el cambio de aires que supone trasladarse a UK en los comienzos de 1971, trae nuevas vibraciones a su segundo trabajo. "And a Cast of Thousands" sale editado en una primigenia Charisma Records. En él colaboran Micky Waller (batería) o Pete Sears (bajo). Pero también Ashton, Gardner & Dyke al completo. Los saxos de If, Dave Quincy y Dick Morrissey. El bajista de Jethro Tull, Glenn Cornick. O Dave Jackson, saxo de Van Der Graaf Generator, entre otros. Sabe rodearse bien el Stephens. Han pasado escasamente tres años desde el rock embrutecido de Blue Cheer, y éste músico demuestra que tenía otras aspiraciones.
"The World Famous Soul Transplant" lo emparenta con el progresivo británico de influencias USA, como Juicy Lucy , McGuiness Flint, Savoy Brown o Chicken Shack. R'n'B horneado para ir entrando en calor. El coro femenino de "Medicine Man" convierte Oxford Street en Bourbon Street, con sus pinceladas New Orleans a la Dr. John. Y el sólo de Stephens va en conexión con el Clapton de Derek and the Dominos. "Simple Song" se acopla a la tradición british de Alexis Korner, Clímax Blues Band o Fleetwood Mac, con un poderoso aparataje de viento. Mientras que la acústica "Handful of Friends" no olvida el terruño californiano.
Damos la vuelta y "Oh, Lord" cuenta con la voz solista de Charlene Collins, en una canción de southern soul que no anda lejos de Ruby Starr, Wet Willie o Delaney & Bonnie. Con finísima solista de Stephens, piano a la Billy Powell y torrida sección sopladora. Está grabado en Island Studios, pero se diría que no, que se hizo en Ardent, Capricorn o Criteria. Una acalorada sesión de la que seguro forma parte también éste "Jumping Jack Flash", de nuevo con la Collins a la voz. Caldeando la temperatura como cuando Tina Turner se ponía a hacer la Stone. El órgano y slide de Stephens hacen maravillas en ésta ocasión. No es para menos. "Sweet Love Of Mine" sigue con voz femenina (Aliki Ashman o Elizabeth Legworthy quizás. ...). Finalmente, "Chunk of Funk" tiene un símil con Man y sus querencias acid west coast.
Caliente album le salió a Leigh en tan frías tierras isleñas. O no miente con lo de las drogas, o se metía ya otras. Porque el cambio es espectacular, aunque "Red Weather" también es un gran trabajo. Más como Silver Metre sonará su próxima aventura, Pilot (no confundir con los futuros miembros de Alan Parsons Project). Aquí con más familia Blue Cheer, como Bruce Stephens, el inseparable Mick Waller o el ex-Steamhammer, Martin Quittenton. Con otro disco homónimo en el 72. Otro paso en falso será Foxtrot, con disco sin editar en el 74, para Motown, nada menos. Y así irá pasando el tiempo, en inacabados e infructuosos proyectos, hasta acabar en los 90 como artista gráfico.
El anonimato no le ha impedido ver editados discos - archivo como "Live & Unreleased VOLS. 1 y 2" (1996) o "The 67 Demos" (2018). Un grande en la reserva.
Seguimos por América del Sur de la mano de Som Nosso de Cada Dia , banda que en 1974 publicó uno de los mejores discos del progresivo brasileño.
La banda la forma Manito, multinstrumentista (teclados, violín, flauta, saxo) ex miembro de The Clevers y Os Incríveis, en 1972. Le acompañaban "Pedrao" Baldanza (guitarra, bajo) y Pedrinho Batera (batería, voz). Como letrista colabora el poeta Paulinho Mastrote Machado bajo el pseudónimo de "Capitán Fuguete". Su primera aparición pública se produce en el show televisivo "Bandeirantes" en 1973 y posteriormente participan en el Kohoutek Festival. Ese mismo año graban en tan solo siete días su primer disco, "Snegs" que sería publicado en el 74, año en el que abren los conciertos de Alice Cooper por Brasil. En 1975 Manito deja la banda para unirse por un breve espacio de tiempo a Os mutantes. Entran en la formación Earl Giles (guitarra) y Dino Vicente (teclados). Las presiones de la discográfica les obligan a cambiar su rumbo musical y en 1977 editan "Som Nosso", muy alejado del sonido progresivo de su primera producción. Ese año firmarían su defunción. Posteriormente se volverían a reunir en 1993.
En este primer disco de Som Nosso de Cada Dia podemos escuchar un gran rock progresivo con muchos matices que nos pueden trasladar a los grupos italianos del género. Sin lugar a dudas el protagonista absoluto es Manito encargado de un buen número de instrumentos y que con su toque "Hammond" nos puede evocar ligeramente a Keith Emerson. La producción no es muy buena supongo que por la carencia de medios y de tiempo. Su cantante y batería, Pedrinho Batera, es totalmente mejorable en mi opinión. Como temas destacados "Massavilha" y "Direccion De Aquarius". En una posterior reedición incluyeron el tema "O Guarani" composición de Antonio Carlos Gomes totalmente descartable.
En las catacumbas del hippismo más underground también encontramos visionarios y pioneros que, sin apenas material tecnológico, ya veían que el futuro estaría dominado por las máquinas.
El multiinstrumentista James Cuomo formaría el avant garde group, The Spoils of War en 1967, desde Urbana (Illinois). Un combo - comuna que incorporaría elementos del hippie rock, psych rural, música concreta o jazz a su estilo. Ayudado en un momento u otro por Al Lerardi, Anne Whitefish, Big City Frank, Bob Witmer, James Stroud, Larry Dwyer, Paul Chouinard, Ral Eardi o Rofran. La grabación que aquí tenemos fue efectuada entre 1969 y 1970, y no llegó a salir nunca oficialmente. Hasta que en 1999, "sólo" 30 años después, una pequeña disquera alemana llamada Normal Records lo pone en circulación. También los de Shadoks y Wah Wah se atrevieron con el artefacto en vinilo con posterioridad. Más tarde apareció material de algún olvidado desván de Urbana, que sirvió para un "Spoils of War 2".
"Walk in, Walk out" (7'57) comienza con una invasión de alienígenas sonidos cibernéticos que dudo sean sintetizadores, ni tan siquiera prototipos. Posiblemente inventos fabricados por ellos mismos, que son aplicados al hippie - psych sound del momento con inteligente fluidez. Bajo, batería y guitarra en perfecta convivencia con los weirdo - ruidos, en un profético adelanto a lo que harán en Inglaterra, Hawkwind. Un órgano de orientación jazz entra en el vortice con sincronía. Se diría que Spoils of War tenían las ideas muy claras, o su estilo ya estaba muy definido a base de horas en el granero de la comuna. Sea lo que fuere, esto es excelente y necesario para cualquier psiconauta versado en éste tipo de aventuras sonoras. Deliciosos aromas de la época floreada traen "First Love, Last Love" (3'58), de Doors-y ambientación y contaminación patchouliana. De nuevo se luce su organista, en un estilo que recuerda a freak-psych bands tipo Listening, The Masters of Deceit o Iron Butterfly.
El modulador de frecuencias (o algo....) nos trae "E-Thing" (7'54), como un tren del infierno al rojo vivo, que acto seguido se convierte en ácido rock sanfranciscano de glorioso pedigrí. Como si John Cipollina se hubiera aliado a Amon Duul II, en una ingesta de monguis en plena jam psicolitica, (dicese que libera el espíritu, Humphry Osmond dixit, psiquiatra que administró su primera dosis de mescalina a Aldous Huxley). El cosmodelico resultado no dejará indiferente a nadie. Para rebajar acidez, la campestre "You're the Girl" (3'19) incita a correr desnudo por el parque, mientras haces tu paseo diario con el perro, (si el perro puede correr desnudo, porqué no tú? ....).
Vuelven los ambientes rarunos de música sacra venusiana, en "Now Is Made In America" (5'27). Foto color sepia del momento con cánticos alucinados en reverb, órgano en espiral y jazz rhythm section que casi te lleva al proto-Canterbury de los primeros Soft Machine / Caravan. Delicioso cuelgue. Vuelvo a percibir la semilla creciendo de unos Hawkwind (y hasta de The Cramps!) en "Rit Yellow of the Sun"; (5'02). El desarrollo instrumental llega aquí con claridad al término progresivo, con guitarra a la Steve Howe etapa Tomorrow y todo tipo de electrónica casera artesanal. Espasmos neuronales hechos sonido. Masa orquestal anarquistoide presenta "The Crimson Uniform" / "Jena's Score" (4'45), mientras unas pituferas voces nos llevan al país del absurdo (éste? ) y vocales femeninas en delicado y enteogeno modo nos acercan al primer Renaissance, (ése que no conoce nadie, sin Annie Haslam, y que resulta que es el original). El resto del álbum transcurre en idénticos propósitos, que en ocasiones puede llegar al surrealismo barrettiano, con toda candidez psicoforica (dicese que anima el espíritu, otra palabreja del Osmond). Situelos junto a fauna tal como Fifty Foot Hose, Silver Apples, Lothar & the Hand People, Red Krayola, The United States of America o Joseph Byrd & the Field Hippies. Menuda peña.
Un consejo ahora que viene tiempo de elecciones : encierrese en su casa bajo siete llaves y con los Spoils of War a todo meter y como única conexión terrestre. Puestos a vivir en el absurdo total, hágalo con clase y que sea con ésta banda. Porque como decía el slogan de la película "Alien VS Predator", "gane quien gane, nosotros perdemos". Vota DADA.
J.J. IGLESIAS
Temas
1Walk In, Walk Out 7:57
2First Love, Last Love 3:58
3E-Thing 7:57
4You're The Girl 3:19
5Now Is Made In America 5:27
6Rit Yellow Of The Sun 5:00
7The Crimson Uniform / Jena's Score 4:46
8The Record Rejects / After The Party / Lonesome Is A Truer Word / The End 4:43
9What Happens Now / Now Is Made In America / Henry T. Joseph 8:58
10Void Of Mystery / The Greyness Moves In Quietly 9:01
11Susan Never Smiles - Remembering 3:52
12Ring, Magic Telephone, Ring 3:06
13Victoria Falls 0:40
Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
Vinegar Joe fue una banda inglesa que contaba con dos grandes voces Elkie Brooks y Robert Palmer, A Elkie se la ha denominado "la reina británica del blues". Obtuvo un notable éxito con su disco "Pearls" (1981). Por Su parte Palmer tuvo una notoria carrera en solitario recibiendo varios premios Grammy con un bombazo en 1986 con el tema "Addicted to Love".
El origen de la banda lo encontramos en el grupo Dada donde coincidieron Peter Gage (guitarra), Elkie Brooks (voz) y Robert Palmer (voz, guitarra). En 1971 se consolidad como Vinegar Joe con la entrada de Dave Thompson (teclados), Steve York (Bajo) y sin un batería fijo. Rechazaron a Phil Collins y en su primer disco en 1972 , "Vinegar Joe", ocuparon ese puesto Conrad Isidore y Rob Tailt. También estuvo presente el teclista Tim Hinkley. Ese mismo año publican su segundo LP, "Rock'n Roll Gypsies", con cambios en la formación. Nuevo teclista, Mike Deacon, un guitarrista mas, Jim Mullen, y con el puesto de batería compartido por John Woods y Keef Hartley Su última producción llegaría al año siguiente, "Six Star General". En la primavera del 74 se separan.
La grabación pertenece a parte del concierto de Vinegar Joe en el centro de operaciones de la BBC, Golders Green Hippodrome, en 1972 ( ¿1973?). En ese momento la banda estaba integrada por Elkie Brooks (voz), Robert Palmer (guitarra, voz), Pete Gage guitarra), Mike Deacon (teclados), Steve York (bajo) y Pete Gavin (batería). El "setlist" consta de tan solo seis temas pertenecientes a su tercer disco "Six Star General". En cuanto a la música buen soul, rock y algo de funk. Como temas destacados "Black Smoke Rising From The Calumet" y "Proud To Be A Honky Woman". Buen sonido.
J.C.Miñana
Temas
01 Let Me Down Easy
02 Food for Thought
03 Talkin'About My Baby
04 Introduction
05 Giving Yourself Away
06 Introduction
07 Black Smoke From The Calumet
08 Introduction
09 Proud To Be A Honky Woman
Nota: si te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias
Ciconia es una banda vallisoletana que lleva desde 2013 dando caña. El 11 de Marzo de 2019 han editado "Meraki", su tercer LP. Nos pusimos en contacto con Jorge Fraguas (bajista) para comentar temas del grupo y de su nuevo trabajo.
Rockliquias.- ¿Cómo elegisteis el nombre de Ciconia?
Donde vivimos en Valladolid hay gran cantidad de ellas (cigüeña blanca) y surgió sin más, nos pareció un nombre bonito, distinto.
Rockliquias.- El grupo se forma en 2013 ¿Cómo surgió el proyecto y cómo ha evolucionado en cuanto a su formación?
El grupo lo monté yo (Jorge Fraguas) en 2013 y grabé el primer disco “The moon sessions” yo solo y con Aleix ayudándome a la batería. Después se incorporo Javier Altonaga y Luis Gomez, para aquella gira posterior, después estuvimos funcionando durante la etapa de “Winterize “ como trío puesto que Luis dejó la banda y después Javier también dejo la banda y entro nuestro guitarrista actual Dani Dean. Y continuamos como trío.
Rockliquias.- En 2014 se edita vuestro primer disco, "The Moon Sessions" y os embarcáis en una gira recorriendo trece países europeos ¿Cómo vivisteis esa etapa? ¿Qué tal el público fuera de España?
Bien, fue una etapa bonita pero dura, había que abrir el camino en España y fuera de ella y eso no fue fácil, pero con mucho trabajo y voluntad nos hemos ido haciendo un hueco. El público es difícil en todos los sitios, tienes que salir al escenario y darlo todo, pero si que es verdad que quizás en otros países se valora más este tipo de bandas, aunque de una época a esta parte ya se va normalizando el tema de las bandas instrumentales y tiene un gran número de seguidores a día de hoy y creciendo poco a poco.
Rockliquias.- En 2015 llega la colaboración con el productor Ray Z (Judas Priest, Bruce Dickinson, etc) que remezcla y remasteriza tres de vuestros temas. ¿Cómo surgió esa colaboración?
Fue algo que surgió de una agencia inglesa con la que trabajamos anteriormente, pero realmente creo que la producción no aporto gran cosa a la banda, fue una anécdota…un poco cara eso si.
Rockliquias. Vuestro segundo LP, "Winterize, ve la luz en marzo de 2016 cosechando muy buenas críticas y manteniendo e incluso superando el nivel de vuestro anterior trabajo ¿ Cuáles son vuestras principales influencias?
La fuerza compositora siempre he sido yo, aunque luego todo el mundo aporta al resultado final de las canciones, escucho bastante música distinta, desde Opeth hasta Ludovico Enaudi…no te puedo decir referencias claras porque no las tengo.
Rockliquias.- En diciembre de 2016 se edita el EP, "Clean", una maravilloso experimento donde le dais un tratamiento diferente a alguno de vuestros temas grabados anteriormente ¿Nos podéis contar cómo se os ocurrió este proyecto?
Pues teníamos otro año por delante de gira(2017) y decidimos sacar algo nuevo pero que fuera distinto para mantener la atención sobre la banda discográficamente hablando. Simplemente adaptamos algunas canciones de los dos anteriores discos y las hicimos totalmente distintas al rock o metal que practicamos, quedo algo curioso y bonito, a mi parecer.
Rockliquias.- Después de tres años desde vuestro anterior larga duración llega, "Meraki". ¿Cómo ha evolucionado vuestra música?
Bueno, pues quizás para este disco si que decidimos tomárnoslo con más calma porque desde el 2015 no habíamos parado de girar y prácticamente “Winterize” se compuso entre gira y gira. Esta vez nos íbamos a tomar el tiempo que hiciera falta y a excepción de dos festivales en 2018 , estuvimos trabajando en “Meraki” tranquilamente y disfrutando de fiestas, cumpleaños, salir un fin de semana, vacaciones, parejas etc…cosas que durante casi tres años no habíamos podido hacer, y también trabajar con Dani el nuevo miembro que entró en Enero del 2018 al poco tiempo de acabar la gira en Diciembre del 2017 con Javier, nuestro anterior guitarra.
Rockliquias.-¿Nos podéis contar detalles de la grabación?
Pues estuvimos en los Estudios Eldana en Dueñas (Palencia) es un sitio realmente chulo, con campo alrededor y sin muchas distracciones, estuvimos viviendo allí durante la grabación, así que básicamente te levantabas pronto, te podías dar un paseo tranquilamente por los alrededores, tomar un café sentado en la sombra y grabar. Fueron jornadas muy largas, había días que acabábamos a las tantas de la mañana, pero el ambiente era tan bueno y relajado que prácticamente no nos dábamos ni cuenta. Después ya estuvimos en Madrid en los Estudios Sadman donde Carlos Santos estuvo haciendo las mezclas y creemos que ha hecho un gran trabajo haciendo sonar a la banda mucho mejor, la masterización se hizo en Estados Unidos en Audiosiege por Brad Boatright que ya había trabajado antes con bandas como Corrosion of Conformity, Obituary, Posion Idea..dándole un toque al master muy crudo y potente.
Rockliquias.-¿Quién se ha encargado del apartado gráfico?
Una artista norteamericana que se llama Jill Colbert, nos gustaron cosas que habíamos visto suyas y decidimos contar con ella para el trabajo del artwork. Creemos que acertó de pleno
Rockliquias.- El disco se inicia con "Litost" pegando fuerte directo al hígado para dejarnos noqueados con su intensidad y contundencia. Sin duda os movéis como pez en al agua por los terrenos del metal
Evidentemente, somos una banda en la que el metal es lo más predominante, luego le añadimos cosas distintas o cambios más enfocados en el post-rock y nos gusta jugar con variaciones progresivas, sin ser una banda netamente progresiva.
Rockliquias.- "Depaysement" se inicia con tranquilas texturas de guitarra para posteriormente cautivarnos con sus intrincados desarrollos sonoros que me evocan a gente como Petrucci o Satriani. Hablando de guitarristas ¿Cuáles son vuestras influencias en ese aspecto?
Pues sinceramente…ninguna, no queremos tener nada que ver con el mundo del “guitar hero” pero bueno siempre hay gente que lo puede ver así. O al menos nosotros no lo hacemos para que suene así, pero mira, al final todo depende del oído de quién los escucha.
Rockliquias.- El tercer tema es "Eonia", brutal la base rítmica, en su parte inicial y final que contrasta con su parte central muy cercano al progresivo. Por cierto ¿De dónde sacáis los títulos de los temas?
Pues si, es un tema muy simple de primeras, algo que nos sonaba raro incluso a nosotros, pero al final nos gusto como quedaba y decidimos incluirlo en el disco, si el tema es bueno es él quien te habla al final y nosotros lo seguimos, jajaja. Los títulos intentamos buscar cosas o palabras que nos gusten en este caso “Eunoia” significa pensamiento positivo y la canción es un poco así..”positiva”
Rockliquias.- "Lost in the Wadi", este tema lo definiría como "metal hipnótico, es como si metemos a Robert Frip y Metallica en una coctelera. ¿Qué música escucháis habitualmente?
Como te he dicho antes, no nos cerramos a nada, quizás nuestro batería Aleix escucha rock más clásico tipo Purple, Maiden, mucho jazz…Dani es el más joven y eso se nota, tira más para influencias de rock americano aunque también es un tipo muy ecléctico, y yo pues me gusta cualquier música que sea buena, me da igual el estilo.
Rockliquias.- "Katabatic", ritmos galopantes de guitarra nos trasladan a otros más etéreos mostrando la habilidad técnica de sus integrantes ¿Cómo estructuráis vuestro trabajo compositivo?
Pues yo compongo las ideas principales y después vamos intercambiando archivos, mp3, cada uno tiene en su casa un pequeño “home estudio” y así no tenemos que estar encerrados en un local tocando y probando, es algo que nunca hemos hecho, siempre trabajamos así, en el local de ensayo ya nos metemos a la hora de preparar el directo.
Rockliquias.- "Duality", uno de mis temas preferidos sin duda. La maquinaria de Ciconia funciona a la perfección. Por una parte la base que generan Jorge Fraguas (bajo) y Aleix Zoreda es extraordinariamente sólida para sostener la fuerza sonora de Dani Dean (guitarra). ¿Cómo veis el panorama musical en España?
Si, además es el primer tema que no escribo yo en Ciconia, lo hizo Dani entero y se nota ese aire fresco y más desenfadado quizás. El panorama en España está difícil, siempre lo ha estado, sin embargo la cantidad y la calidad de las bandas que surgen es increíble, después unas funcionan y otras no, pero si te metes en esto tienes que ser consciente de que te vas a llevar muchos palos y te va a costar un montón destacar sobre los demás, y el público es el que hay, ni más ni menos y somos muchos a repartir, pero con las ideas claras, voluntad, sacrificio y mucha inversión de tiempo y de dinero también, que no se le olvide a nadie, puedes ir paso a paso labrando un nombre, esto es una carrera de fondo y no todo el mundo la aguanta.
Rockliquias.- El disco finaliza con "Starlight", un gran epílogo a esta obra donde podemos encontrar fuerza, sentimiento, técnica y mucho trabajo bien hecho ¿Cómo tratáis los temas en directo? y ¿con qué se van a encontrar los asistentes a vuestros conciertos?
Pues en directo siempre nos gusta cambiar alguna cosa, detalles, tempos.etc…nosotros le damos vueltas cuando el disco ya está hecho y buscamos por donde pueden respirar mejor las canciones para el directo. Los asistentes se van a encontrar mucha fuerza y contundencia, pero después están esos detalles melódicos y de instrumentación que nos gusta darle a las canciones para que cojan otra dinámica más directa.
Rockliquias.- ¿Tenéis fechas de la gira de presentación?
Si ya tenemos casi 30 fechas por toda España y resto de Europa, en nuestras redes sociales se pueden consultar porque irán añadiéndose más a medida que se vayan cerrando y confirmando
Rockliquias.- ¿Algo más que aportar?
Pues un saludo para todos vuestros lectores y muchísimas gracias por la entrevista y el apoyo que brindáis.
