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OS MUTANTES ‎– O "A" E O "Z"

La historia se repite una y otra vez. Las discográficas imponen su ley y sus criterios son los que marcan las modas musicales. Cuando los grupos se revelan pasa lo que les ocurrió a Os Mutantes con su disco O "A" E O "Z" grabado en 1973 pero que no se publicó hasta 1992.


En la familia Baptista se respiraba arte por los cuatro costados. El padre era poeta y cantante, la madre pianista y sus dos hijos Arnaldo (bajo,teclados, voz) y Sergio (guitarra, voz) forman Six Sided Rockers junto a la cantante Rita Lee en 1966. Esto sería el embrión de Os Mutantes. Entablan amistad con Giberto Gil y el movimiento musical Tropicália que aunaba la música tradicional brasileña con sonidos mas vanguardistas y lo acompañan en el Festival de Música Popular Brasileña de 1967. Al año siguiente editan su primer disco, "Os Mutantes", con la participación de Gilberto en las percusiones  y acompañan a otro histórico, Caetano Veloso, en el Festival Internacional de la Canción en Río. La mezcla de experimentación, psicodélia y tradición no fue muy bien acogida por el público. En 1969 llega su segundo trabajo, "Mutantes" y en 1970 el tercero, "A Divina Comédia o Ando Meio Desligado", donde van decantándose por el rock. Durante un periodo de tiempo se desplazan a Francia donde realizan diversas grabaciones que no se editarían hasta el 2000 bajo el título de "Tecnicolor". En 1971 se incorporan de forma oficial Arnolpho Lima Filho 8bajo) y Ronaldo Leme (batería). Su cuarto disco, "Jardim Eléctrico", llega en 1971 y "Mutantes y Seetas Cometas en el País de Baurets" en el 72. Este sería el último con Rita Lee que iniciaría su carrera en solitario. El rock progresivo se afianzaba en la banda y como consecuencia graban " O "A" E O "Z"" en total desacuerdo con la compañía discográfica que se niega a editarlo. Leme, Lima y Arnaldo dejan la banda, este último por problemas serios con las drogas. Su última producción llegaría en 1974, "Tudo Foi Feito Pelo Sol", Cuatro años después Sergio, único miembro fundador, disolvería la banda.


Este disco de Os Mutantes tenía que haber sido el sexto en su discografía. Un gran cambio en su estilo con respecto al que estaban desarrollando en sus anteriores trabajos. Conteniendo seis temas que navegan claramente por las aguas de los primeros discos de Yes. El bajo es claramente de inspiración Squire y el tratamiento de los teclados nos evocan a los sonidos de un primerizo Wakeman o incluso Tony Kaye. Como tema destacado sin duda  "Hey Joe" una suite progresiva de algo mas de doce minutos.
J.C.Miñana  


Temas

1.-"A" E O "Z" 8:39
2.- Rolling Stones 6:14
3.-Você Sabe 6:27
4.- Hey Joe 12:20
5.- Uma Pessoa Só 7:31
6.- Ainda Vou Transar Com Você 7:14






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PATRICK MORAZ - Patrick Moraz (1978 / CHARISMA)

Era 1978, y J. C. Miñana preparaba una incursión por el área de Andorra en cuanto reunía  una cantidad de pasta aceptable para pellizcar maravillas en Transbord o Commando. Ambos solíamos hacerlo. No sólo estaban los vinilos más baratos que aquí,  sino que tenías  acceso al mundo real, tal como era. Con sus carátulas sin censurar, prensajes auténticos,  insertos, contraportadas a color, pósters  (como el caso que nos ocupa)....Discos de importación a precios mucho más bajos que los nacionales. Aquí nos vendían mierda a precio de oro. En la línea de un país analfabeto y tercermundista. Luego estaba ésa sensación liberadora de "salir a Europa", aunque fuera viajar a la vuelta de la esquina. Recuerdo que en aquella ocasión, (nunca nos pediamos títulos concretos, nos fiabamos del buen gusto de cada uno, y así  la sorpresa también era mayor!), me trajo tres discos como tres soles. El "Live" de Jan Akkerman, "Listen Now!!" de Phil Manzanera / 801 y el homónimo,  realmente tercero, de Patrick Moraz. Aún los conservo como el primer día. Y ése último me marcó profundamente,  colocándose en mi particular galería VIP de discos preferidos.


Fue el año en que el suizo se alistó en las filas de The Moody Blues, tras la aventura Yes que daría como resultado mi álbum favorito de éstos,  "Relayer". Antes ya había estado en Mainhorse y Refugee, (una especie de The Nice puestos al día ). Su amor por el sonido autóctono brasileño ya se había dejado notar en su debut , "The Story Of I" (1976) y en "Out in The Sun" (1977). Unido al jazz y a su prodigiosa técnica pianistica adquirida en el Laussane Conservatory, hacen de Moraz un teclista tan descomunal como Wakeman, al que sustituyó y volvió a cederle el puesto. 

Éste tercer disco fue el primero que escuché y sigue siendo mi favorito. La historia conceptual de un planeta remoto ,(o el mismo Brasil? ....), en el que conviven un mundo tribal y primitivo, que está tan ricamente y a su bola. Representado por las percusiones étnicas de Djalma Correia y los percusionistas de Río de Janeiro. Y otro tecnificado, que simboliza la "evolución" y el "mundo civilizado", que representan los sintetizadores de todo pelaje (casi una veintena, incluidos Mellotron, Hammond, MiniMoog o el monstruoso y novedoso Yamaha CS80 Polyphonic) del señor Moraz. La cosa no pinta bien y entran en conflicto, con batalla incluida y posterior fin de las hostilidades, con ambos mundos condenados a entenderse. Puedes verle hasta un sentido "Gates of Delirium" al asunto, pero más desarrollado y al modo Moraz. 



La cara A, con "Jungles Of The World", "Temples of Joy" y "The Conflict" describen el paraje de jungla virgen, naturaleza salvaje y libertad en su más amplio sentido. Las percusiones brasileñas desempeñan un papel "teclistico" increíble,  sonando tan melodiosos como los sintetizadores. Aquí Moraz interpreta a la marimba y vibrafono, dando ése fino toque jazzistico a todo lo que toca, que recuerda a unos Modern Jazz Quartet rebozados en harina bossa o samba. Su piano acústico no envidia a Chick Corea en una linea similar latin - jazzy. Con un sentimiento descriptivo espectacular. Se me eriza la piel ahora que lo vuelvo a escuchar. En "Temples Of Joy"  entra un magnifico Hammond y sintes presentando ése mundo moderno e industrial tan odiado y temido, en gozoso baile con las salvajes percusiones. Una maravilla absoluta. Sus viajes por Colombia, Bolivia, Chile, Argentina y Brasil dieron unos exóticos frutos dignos de éste paradisíaco edén musical. Flashback : A los 16 años es el músico más joven en recibir el Best Soloist Award en el Zúrich Jazz Festival. Sumese todo al mejor prog rock 70s y obtendrás un talento único y superdotado. La juerga percu - tronica  entra en mal rollito en "The Conflict". Con subdivisiones temáticas como "Fuerzas Opuestas", "La Batalla", "Disolución" y "Victoria". Pura peli imaginaria al estilo "Avatar", que le vendrá muy bien como entrenamiento a sus futuras bandas sonoras. Incluso para la productora de filmes de su hermana, Patricia Moraz (sus padres no le dieron mucho a la cabeza). La batalla entre electrónica y el "sambodromo mutante" es un highlight que incluye marcha militaresca cuasi - napoleónica. Todo éste follon transcurre en tu cerebro a toda claridad y visión,  y a un mismo nivel que el rifirrafe del Manticore con tío Tarkus. Y no exagero. De hecho aquí Moraz está más cerca de Emerson que de Wakeman, a pesar de que fue el único tío capaz de sustituir a los dos.

La segunda cara nos trae ésa convivencia forzosa entre ambos bandos con "Primitivisation". Sonidos electrónicos que hasta hoy suenan novedosos. Y una especie de canto-vocoder-funk a la Stanley Clarke que nos cuenta la obligada asociación.  El disco sigue sonando extraordinario , porque la producción del propio Moraz junto a Neil Slaven (overdubs y remezclas) me parece una obra maestra en modulación de sonido.
Joy Yates canta la bellísima "Keep The Children Alive", cargada con un peso emocional fuera de éste mundo.



En "Intentions" saca el jazzmen reflexivo que lleva Moraz dentro, y que no anda lejos de un Keith Jarrett, en un tema a piano solo absolutamente divino, (éste hombre tomó lecciones con Stephane Grappelli, ojito). Finalizamos como empezamos. "Realization" es el triunfo de la paz, la tolerancia y la convivencia entre pueblos de distinta procedencia. Vamos, que me sé de unos cuantos impresentables líderes de partidos políticos que lo tirarían a la basura sin dudarlo. Samba electrónica para un final feliz con moraleja y que se me antoja un álbum inmenso, redondo, atemporal y que utilizaría de forma didáctica para los niños en la escuela.


Como Edgar Froese, Patrick Moraz también conoció a Salvador Dalí en Cadaques, en 1964. Algo de su locura maravillosa impregno a teclistas tan excepcionales. Tenía poderes, el bigotes locuelo, no me cabe duda.
J.J. IGLESIAS


Temas
 Jungles Of The World
A1a Green Sun 
A1b Tribal Call 
A1c Communion 
Temples Of Joy
A2a Opening Of The Gates 
A2b Overture 
A2c The Feast (A Festa) 
The Conflict
A3a Chamada (Argument) 
A3b Opposing Forces 
A3c The Battlefield 
A3d Dissolution 
A3e Victory 
B1 Primitivisation 
B2 Keep The Children Alive
Lead Vocals – Joy Yates
B3 Intentions 
B4 Realization




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LEGION OF MARY - Bottom Line New York 10/04/1975

El legado dejado por Jerry Garcia es realmente abrumador. Con su banda de toda la vida, Grateful Dead, publicó mas de una veintena de discos, pero si contamos los en directo oficiales y bootlegs la cifra puede superar fácilmente las doscientas grabaciones. Por otro lado el inquieto Garcia tuvo diversos proyectos paralelos a Dead (Jerry Garcia Band, Old & In The Way, Legion of Mary, New Riders of the Purple Sage, García/Grisman, etc), con los que grabó una gran número de discos y en las red podemos encontrar multitud de conciertos de todas esas bandas. Hoy nos centraremos en su asociación con su amigo Merl Saunders (teclados), Legion of Mary.



Tras la publicación del séptimo disco en estudio de los Grateful Dead, "From the Mars Hotel", la banda decidió darse un respiro. Desde finales de octubre del 74 hasta principios de junio del 76 el grupo sólo realizó cuatro conciertos en 1975. En Diciembre de 1974 García junto a Merl Saunders forman Legion of Mary. El resto de la banda la integraban John Kahn (bajo), Martin Fierro (saxofón y flauta) y Ron Tutt (batería). Realizaron poco mas de 60 conciertos y finalizaron su actividad cuando Grateful Dead volvió a las carreteras.

En abril de 1975 Legion of Mary realizaron veinticinco conciertos  en diversos clubs y salas de Nueva York, Boston, Filadelfia, Washington, Atlanta, Chicago, Milwaukee y Madison. En la sala Botton Line de Nueva York actuaron del 8 al 10. La grabación pertenece a los dos shows del último día. En alguna ocasión García declaró lo a gusto que se sentía con este proyecto: "“Legión of Mary es un grupo diferente para mí. No escribo material para ello. Tocamos canciones de otras personas que nos gustan y nos lo pasamos muy bien. Es como un perfil bajo es más deseable para mí. Los Dead y este grupo son dos viajes diferentes. Y este tiene mucha menos presión asociada porque no hemos hecho un esfuerzo por hacernos famosos. Esa es una de las cosas que lo hace posible. No podía soportar la presión de ser una doble celebridad. Es una carga solo ser una vez ". Por lo tanto tenemos un "setlist" pleno de versiones donde podemos encontrar, blues, country, mucho jazz, algo de funk y por supuesto rock todo ello en largas improvisaciones instrumentales. El sonido es bastante bueno.
J.C.Miñana.


Temas
Early Show
01. Crowd & Tuning [1:05]
02. It's No Use [12:19]
03. Creepin'[13:30] 
04. My Problems Got Problems [14:37] 
05. Crowd & Tuning [1:55]
06. Every Word You Say [7:20] 
07. Wicked Messenger [10:07] 
08. Boogie on Reggae Woman (15:39)

Late Show
09. Let it Rock [12:59]
10. Roadrunner [11:30]
11. It's Too Late [11:08]
12. I'll Take a Melody [10:10]
13. Mystery Train [15:58]




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ELDORADO - Babylonia Haze (2015 / ELDORADO) (Rockliquias Bandas)

Una a título póstumo. El año pasado anunciaban su separación los madrileños Eldorado,  sin que apenas tuviéramos eco de su pérdida.  Ingrato país,  que encumbra porquerías y deja pasar nombres admirados fuera de nuestras fronteras. Lo de siempre. Debió de tener mucha más relevancia ésta banda mientras estuvo en activo. 


Consiguieron logros internacionales  imposibles para mucho ídolo de barro de éste país. Y eso levanta envidias. Deporte nacional. Formados en 2007 en Madrid por el bajista César Sánchez y el guitarra Nano Paramio, inmediatamente comienzan a mover una demo a nivel interplanetario.  Increíblemente,  una copia cae en manos del productor Richard Chycki (Aerosmith,  Dream Theater, Gotthard, Rush). Además, éste  fue el guitarrista de Winter Rose, banda de donde saldría un tal James LaBrie, allá por 1989. No extraña pues, la conexión DT. Junto a Alex Rada (batería), lanzan "En Busca De Eldorado" (2008). Con Ignacio Vicente Torrecillas como cantante y teclista invitado. Otros colaboradores serán Jaume Pla o el mismo Richard Chycki, (produce y mezcla la cosa),  ya amigo inseparable del grupo. El disco venía cantado en castellano, salvo la versión de "Mistreated" de Deep Purple. Apuntando alto. 

Jesús Trujillo será el cantante para el segundo álbum,  grabado en Toronto de nuevo por Chycki. Nano Paramio deja la banda y César Sánchez  queda como único  miembro original. "Dorado" contaba con otra versión en inglés, el clásico "I Don't Need No Doctor" que popularizara en los 70, Humble Pie. Comienza  una tradición en Eldorado que no creo tenga comparación con ninguna otra banda española en la historia del rock. La edición simultánea en ambos idiomas de cada álbum. En inglés,  éste sería "Golden" (2010). Comienza una larga cosecha de reconocimientos y premios internacionales desde Australia a Canadá. Mientras que aquí son tímidamente conocidos. 

Para el tercer álbum,  "Paranormal Radio" / "Antigravity Sound Machine" (2012), tendrán que esperar seis meses hasta que Richard Chycki termine "Clockwork Angels", el canto de cisne en estudio de Rush. Eldorado gira con Alter Bridge y Thin Lizzy, y exhiben su calidad por toda Europa. 


De nuevo, "el Chiqui" se encargará de su cuarto álbum,  Pero ésta vez grabado en Madrid en 2014 y editado al año siguiente. Es el que hoy hemos elegido y con el que tuve el placer de verlos en su gira promocional.  Aquí eran Jesús Trujillo (voz solista), César Sánchez (bajo), Andrés Duende (guitarras) y Javier Planelles (batería). Elijo su versión inglesa, "Babylonia Haze", frente a la de habla hispana,  "Karma Generator", por una cuestión de gusto personal. Eldorado creo que se gestó desde un principio con miras internacionales.  De hecho, en mi opinión ganan mucho más en el idioma anglosajón. También amplían para éste disco el abanico de influencias, con acercamientos progresivos y psicodélicos.  Algo a añadir a su classic hard rock ya perfectamente asentado.


"Mad Woman" entra como una bomba de carga purpleana, a toda máquina en producción espectacular (no podía ser de otro modo), y solidez instrumental apabullante. Hard rock cinco estrellas con ritmo de apisonadora, flamigeras guitarras y soberbio órgano de apoyo. La voz solista, intachable.

"You Don't Wanna Need Her" compite seriamente con los actuales Uriah Heep. Órgano prominente en un tema-lapa, de esos que no se despegan fácilmente.  Con un desarrollo bajo - guitarra que flirtea con el hard psych en tremendo aplomo percusivo. 

Cambio de estrategia para "Resurrection Song", con acústicas,  flauta y Hammond, confirmando ésa apertura estilística hacia añejas vibraciones hippies, (acaso el hard rock no proviene de la misma fuente?), con un total acierto. El vozarron de Jesús Trujillo atrona en la casi stoner,  "Goodbye & Carry On", que en nada envidia a los mejores Monster Magnet. Su intermezzo a base de Rhodes y tensa calma, enriquece otro tema lleno de ideas y momentos cruciales.


Créeme si digo que escucho influencias de los primeros King Crimson en la bella "Moon Girl". Su magia flota en el ambiente como incienso embriagador. 

Vuelta al vinilo y "Karma Generator" trae una intro progresiva tipo "Phisical Graffitti", de misteriosos teclados y grandilocuente naturaleza. Que trae el huracán eléctrico de Andrés Duende en molde Page y mutación Gilmour. Hard rock prog de irreprochable factura e irresistible fuerza. Es una pieza épica feroz, de zeppelinas consecuencias  y un órgano  a la Jon Lord que redondea una canción de diez. 

"Evil People" evoca con fidelidad los tiempos de Paladín, Atomic Rooster, Beggars Opera o Warhose. "I'll Be Satisfied" captura la chulería barriobajera (y a mucha honra), de los Purple de "Fireball". 



Y por último,  "Breathe The Night" es puro Jethro Tull de "Heavy Horses", en otro cambio de timón tan sorprendente como bien realizado. La versión cd lleva un tema más,  e imagino que los créditos,  porque mi vinilo viene justito, con tan sólo los títulos de las canciones. Que digo yo que una banda que cuida tanto el detalle podían haber hecho algo al respecto.....Tampoco Internet me ha ayudado mucho (quién toca los abundantes teclados? !!!....). A pesar de éstas inexcusables carencias, "Babylonia Haze " es un monstruoso álbum que algún día se reconocerá en su justa medida. Fue importante, porque dio paso a nuevas influencias  musicales de perfecto ensamblaje a su 70s hard rock. Aún saldría al año siguiente su final "Mundo Aereo" / "Riding The Sun" (2016), para poco después, separarse inesperadamente. 



Cada vez que Eldorado sacaba un disco, lo estaba haciendo a pares,  lo que supone un tremendo esfuerzo. Quizá el agotamiento hiciera acto de presencia. Autoeditarse ellos mismos, es un desgaste físico y mental de aupa,  por partida doble, y a nivel internacional. Nulo radar demostraron las disqueras de éste país para que Eldorado tuviera que hacérselo todo ellos. Sólo espero que su "adios", se convierta algún día en un "hemos vuelto", con energías renovadas. Algunos necesitamos encontrar Eldorado.
J.J. IGLESIAS



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LA COSCIENZA DI ZENO - La Notte Anche Di Giorno (2015)

Bueno, bueno…parece que les hubiera leído el pensamiento. CDZ es de esas pocas bandas sinfónicas que antes que grabar se piensan muy bien el siguiente paso a dar. Dos discos estupendos en mentes mínimamente inteligentes no son para tomar las cosas a la ligera y estos buenos músicos italianos son conscientes como muy bien su nombre indica de qué llegados a un nivel de bajarlo nada de nada.


Su tercer trabajo continúa en esa línea de calidad a la que ya nos han acostumbrado. Hay que valorar estas cosas porque los pinchazos históricos dentro del mundo del rock progresivo y más en el llamado subgénero sinfónico son numerosos. En un porcentaje alto los grupos jamás han mantenido el mismo nivel creciente en sus obras. Generalmente hasta el más cojonudo, tarde o temprano acaba defraudando. Es una condición humana dada la irregularidad y contradicción de nuestra especie.  Hay más malo que bueno en la mayoría de las discografías. Podemos ser amantes impertérritos de nuestras bandas favoritas pero rara vez nos llevaríamos más del 25 % de toda su producción a una isla desierta en caso de catástrofe. Esta es la realidad y se tiende a generalizar en términos como “que buenos son fulano o mengano” cuando muchas veces solo nos gustan uno o dos discos de ellos. Ya sea por una razón u otra todas las discografías de la mayoría de las bandas del planeta son irregulares. Recuerdo en los últimos años de los 70´s una frase de alguno de los miembros de Pink Floyd que dijo en una ocasión: “la gente responde igual ante un buen concierto o uno malo” ... “si el siguiente álbum que grabemos es una mierda, da igual (lo fue). Casi seguro que llegará al número uno de ventas”. Qué razón. La ceguera en el colectivo de fans pertenece más a un trastorno imaginario de idealización que de razonamiento. Todo es una cuestión objetiva. Si entramos en manías esa es otra historia. Antaño coleccionábamos todo de nuestro artista favorito hoy es una estupidez megalómana de pérdida de tiempo y espacio.

Yo iba a deciros que este disco es mejor que bueno y que mientras tengamos la fortuna de que salgan cosas como esta, nuestra discografía gana y se asegura en calidad. A día de hoy es tan difícil escuchar algo que te emocione que es como la búsqueda del oro en la época del western. En realidad, la música es un bien preciado escaso si buscamos la excelencia. Seguramente con la auto exigencia pagarás el precio de la soledad, porque cuando pasas una línea dada la edad, pocos te siguen. 


“La Notte Anche Di Giorno” se compone de dos largas composiciones: “Giovane Figlia” de 23.59 mtos y “Madre Antiqua de 20.08 mtos. Ambas suites subdivididas en seis y cuatro partes respectivamente y sin interrupción. Como es habitual un gran despliegue de instrumentos rubrican una obra sinfónica bien compuesta y bien cantada. La riqueza melódica está asegurada y los momentos instrumentales de altos vuelos también. A la música hay que pedirle que nos toque la fibra de la que estamos hechos. Si nos produce bienestar ya es un logro, pero si además logra electrizarnos y consigue el hechizo de las maravillas entramos en otro mundo que solo entiende el que verdaderamente pertenece al mundo misterioso de la música. Cuando comento un disco a veces entro en comentarios técnicos o descriptivos otras veces no lo veo ni tan siquiera necesario y solo recomiendo la escucha. Si lo que oyes es bueno pocas palabras bastan.
Alberto Torró




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KERRS PINK (Noruega) (1980)

Pues bien pasamos de la complejidad caprichosa y original de los SMM a la sencillez melódica y agradable de los Kerrs Pink, porque en la terapia musical progresiva hay que ir alternando tratamientos para que los pacientes se equilibren y no terminen ingresados con trastornos de la personalidad o bipolaridades extrañas.


 La mayoría de melómanos discográficos estamos locos de remate, sin embargo, al margen de que aquí hablemos generalmente de rock, yo aconsejaría al que esté metido en la música de verdad escuchar al menos una sinfonía clásica diaria. Los beneficios son tremendos os lo aseguro. Nos hace mejores personas, aminora la ansiedad cotidiana y entendemos mucho mejor el mundo que nos rodea librándonos de odios, intolerancias y manías innecesarias. Mezclar estilos antagónicos es un perfecto ejercicio de intelectualidad y rico conocimiento, pero para otros la convicción de una patología incompatible y antagónica de consecuencias imprevisibles. Todo depende de la formación, sentido del equilibrio y educación musical que se tenga al respecto. Sin embargo, de vez en cuando hay que hacer limpieza de armario. Es sano y necesario. Yo hace años que muchas cosas ya solo forman parte de la memoria y de experiencias sonoras perdidas en el tiempo y aunque mi labor aquí sea principalmente informativa, en lo personal el concepto de coleccionismo y de ciertas músicas van perdiendo cada vez más fuerza llegando incluso en algunos momentos, salvo en la clásica por supuesto que para mí es imprescindible, a limpiezas radicales. Nunca en lo que queda de vida escucharemos todo lo amontonado. Lógica racional. Llegados a cierta edad nuestra memoria se acuerda de aquellos discos que nos han aportado sentimientos de alegría y buenos momentos porque cada disco está asociado a un momento de nuestras vidas y a unas vivencias. Pueden ser recuerdos tristes o agradables, positivos o negativos, pero ahí están para recordarnos lo que somos y lo que fuimos y sobre todo lo que antaño vivimos. 


Bueno después del coñazo habitual os hablaré de los noruegos Kerrs Pink que se formaron en 1973 pero tuvieron la osadía de editar en 1980 su primer trabajo. El mejor año posible para que una discográfica te editase un álbum progresivo. Con dos cojones. No fueron los únicos desde luego. Naturales de la localidad de Tromborg la banda era un sexteto que giraba en torno a Harald Lytomt principal guitarrista y flauta. El combo contaba con dos teclistas un guitarra más y sección rítmica con ocasionales colaboradores. Después de la fuerza creativa de las bandas de los años 70´s el progresivo de los 80´s es como más light. Recordad a los Camel por aquella época del “Nude” o “Single Factor” y os haréis una idea. Kerrs Pink cogieron parte del folklore melódico escandinavo y añadieron otra parte del sonido Camel más cómodo y agradable. Pero los Kerrs no estaban para nada por las modas e hicieron su propia música para deleite exclusivo de sus seguidores. Si a principios de aquella época encontrabas algo que no te hiciese vomitar ya era un logro importante.


El primer LP Kerrs Pink (1980) tenía una portada fea tirando a mala pero la producción de sonido era bastante decente y el hecho de encontrar guitarras acústicas, flauta, melodías sencillas y una solista a la Latimer, se tornaba como una balsa de aceite o como paños calientes en una época de sarpullidos. Cantaban en noruego con lo que además demostraban que los tiempos que corrían se la “traían floja”. Desconozco por completo el folklore escandinavo, pero debo entender que las canciones tenían bastante base tradicional. A la aparente sencillez de su música se añade la limpieza de interpretación y la escasa intencionalidad de molestar al oyente ya que su música es completamente dulzona como para estar sentado en un porche en un balancín una tarde de verano con alguna bebida agradable entre tus manos exento de cualquier tipo de pretensiones o prisas. A veces la música no pide nada más que tranquilidad siempre y cuando claro está no se caiga en la abulia y el sueño que aquí no es el caso. Todo fluye como un riachuelo y un camino de hierba fresca y de vez en cuando se agradece la ausencia de bronca, gritos y gañanadas fuera de tiesto. Una docena de temas más bien cortos que acarician y no raspan en absoluto.
Alberto Torró



Temas
1.Velkomst 
2.Sett dem bare ned
3.Barkbillens flukt 
4.Sang fra skogen
5.Pimpernelle  
6.Parringsstevet
7.Bamse Brakar
8.Sirrus
9.Hvis jeg er der neste år


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THE GOURISHANKAR - Close Grip (2007 / MALS)

Explorar y rebuscar buenas bandas progresivas en la red puede ser una tarea trabajosa,  pero fascinante. Es un bosque lleno de setas, todas de atractiva apariencia, aunque en más de una ocasión,  mortalmente venenosas.


Así que cuidado. Otras veces requieren de una segunda escucha, porque lo que parecía negro, puede convertirse en multicolor después de un atento análisis. Es lo que me pasó con los rusos The Gourishankar. Que en un principio los metí en el saco metal-prog, pero algo había en la ecuación que se me escapaba. Para definirlos luego con más tranquilidad, dentro de un sólido y actual prog, muy atrayente en arreglos y con su deuda al patrimonio histórico progresivo. Antes de "Close Grip" (o más bien a la vez), habían lanzado "2nd Hands" en el mismo año. Dos obras de golpe para darse a conocer, y luego un largo silencio hasta 2016 con "The World Unreal".

En "Close Grip" firmaban créditos Vlad MJ Whiner (cantante solista), Alexandr "Nomy" Agranson (guitarra, coros), Doran Usher (teclados y programación) y Lat Heady (electronics y loops). La batería corrió a cargo de dos invitados, Alexander Vethkov y Nail Maksonov.

En el comienzo, "Gripped by Fear" (2'04) presenta un soundscape cinematico que podría ser el inicio de una película con temática fantástica. "Insomnia" (7'28) nos da a conocer a su estupendo cantante Vlad Whiner, que recuerda bastante al Geddy Lee más moderado de los 80 en adelante. El estilo tiende al prog - espectáculo USA de bombastica naturaleza y flirteo metal prog, que nunca llega a materializarse. Gente como Tiles, Magellan, Shadow Gallery, Enchant, Presto Ballet o Spock's Beard, por citar algunos, dentro de aquel renacimiento progresivo americano de los 90. La guitarra de "Nomi" Agranson despista por su orientación metálica, (aunque a veces se arranca por Holdsworth). Por eso los encuadre en una primera toma de contacto en el metal - prog. Pero la suma de otros ingredientes, principalmente hard rock, neo y prog / pomp,  hacen ampliar horizontes a una banda que hasta apuesta fuerte por la electrónica. Todo con una salvaje profesionalidad y excéntricos arreglos teclisticos no alejados de los últimos Fates Warning u OSI.

"Sweet Earth" (8'07) no abandona el sinfonismo duro del trío canadiense,  muy bien ornamentado por sintes analógicos en mezcla con otros de más reciente factura. El cantante sobresale con pasión y credibilidad, la guitarra aporta tensión y nervio y el tándem rítmico atrapa con cuidada pulsación matemática. Un excelente tema que de preguntarme a ciegas, lo situaría sin dudarlo en USA. 

Una pequeña ensoñación surrealista supone "In The Hope" (2'17), perfecta para la casa de los juguetes en la escena de "Blade Runner". Nos lleva a "Wind of Night" (8'59), que es como si Coheed and Cambria tuviera su base en los teclados más que en las guitarras. Los dos teclistas en The Gourishankar se diría que tienen repartidos los bancos de sonidos. Uno más novedoso, y otro más tradicional y vintage. En su desarrollo descubrimos su perfecta adaptación  al hábitat pomp cuando se requiere. Otra baza a favor de ésta banda son sus inesperados arreglos, producto seguramente de su procedencia. Suenan americanos, pero los giros y quiebros musicales aquí expuestos no son nada comunes en el prog USA. Además de que tocan como animales. 

"Autumn Frost" (10'57) comienza con eclesiástica coral del medievo, para dar volantazo y parecer una power metal band al estilo Sabaton. Que no cunda el pánico,  es sólo un efímero  susto pasajero. Para centrarse en su marca registrada con los Rush de "Test For Echo" o "Clockwork Angels", en sintonía con algún guiño Petrucci, melodías étnicas  que vielven al oscuro medievo, y reflexiones al piano bajo ondas electrónicas de modulador......y sintes emersonianos con un bajo a la Jaco Pastorious. Todo de golpe y sin avisar. Éstos hechan las viandas a la bandeja como en un buffet libre, sin talento alguno. Pero no se empachan ni se les corta la digestión.  Porque hay una férrea  organización compositiva de alto coeficiente.

"Close To  Death" (3'13) es otro de esos momentos cinéfilos  que gustan recrear instrumentalmente, y de modo raruno. Así termina éste desconcertante (por asombroso) álbum. Pero no se vayan, que aún hay más! 

Como bonus final, (éstos son 90s hasta en eso), nos regalan una versión del "For Nobody" (4'39) de Gentle Giant, llevada a su terreno con habilidad, sobrada pericia, vumetros en rojo y convincente resolución hard rock.


Extraordinario final y oye, qué buenos son los rusos éstos. Su primero es igualmente recomendable, (lo escucho mientras escribo esto), y me obligo a prestar atención al más reciente "The World Unreal", porque éstos tíos son cosa fina, fina, filipina.
J.J. IGLESIAS






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BRUCE AND VLADY - The Reality (1970)

Hace algunas semanas nuestro colega y amigo J.J. Iglesias estuvo hablando sobre un proyecto entre un teclista y un batería, en concreto, TRUMMOR & ORGEL, Esta "unión-simbiosis" entre músicos no suele ser muy habitual aunque en Rockliquias ya hemos hablado de algún otro caso (LEE MICHAELS- Keith Knudsen).  Hoy nos centraremos en un dúo formado en Suecia y que posiblemente sean pioneros junto a Bo Hansson & Karlsson en este tipo de bandas.


Bruce Powell nació en 1946 en Waukegan, Illinois. A los cuatro años ya se defendía con los bongos y a los ocho su padre le compra un piano y lo inscribe en el Conservatorio de Música de Zion. Su debut profesional llegaría cuando tenía 16 años. Durante algún tiempo estuvo dando conciertos por todo el mundo. A finales de los 60 el trompetista Ernie Englund lo contrata para actuar en el Gran Hotel de Estocolmo junto a su big band. En el traslado a Suecia su Hammond B-3 se estropea y Ernie decide pagarle el pasaje de vuelta a Bruce pero este prefiere quedarse junto a su mujer hasta que le arreglen el teclado. Durante esos días conoce en un club al batería polaco Wladyslaw Jagiello y se plantean realizar varias actuaciones. En una de esas noches el copropietario de Svensk American Records, Rune Wallebom,   los ve y se queda tan encantado que les ofrece la posibilidad de grabar un disco, "The Reality". En septiembre de 1970 tras la muerte de su abuela, Bruce decide volver a Estados Unidos. En la actualidad es pastor y director musical de una iglesia en Milwaukee.


Este único y buscado disco del teclista estadounidense Bruce Powell y el batería polaco Wladyslaw Jagiello se grabó en tan solo cuatro tomas. Contiene diez temas que tienen como nexo de unión la voz de Powell. La música se mueve por los senderos del jazz, la experimentación, la improvisación, el swing y algo de Rhythm and blues. Jagiello se va adaptando como un guante a los dedos de Bruce en sus interpretaciones. Disco recomendado para los amantes del  Hammond.
J.C.Miñana


Temas

Reality (Part I) 00:00
Blue Variations 03:26
Reality (Part II) 09:00
Wild Enough 13:10
Reality's Monologue 18:00
No Nuthin' At All 23:14
Prince Vlady (Part I) 27:00
I Need You Now 39:10
Prince Vlady (Part II) 43:46
The Master 47:23





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TALK TALK - Spirit of Eden (1988 / EMI PARLOPHONE)

Hacía tiempo que no nos tocaba un obituario. La buena racha se ha roto con el fallecimiento del cantante de Talk Talk, Mark Hollis, el 25 de febrero,  a los 64 años. El hombre andaba alejado de esa jungla llena de fieras voraces que supone la industria de la música. En 1998 había dado la última señal de vida creativa, con un homónimo álbum en la línea  que le había costado su carrera. Y a la que le fue fiel hasta el final. Busca mayor valentía y alma rebelde que la de éste grupo británico. En los peores tiempos para hacerlo. 


En 1981 y como una synth-pop band, forman Talk Talk, Mark Hollis (voz, guitarra, piano), Lee Harris (batería) y Paul Webb (bajo). Estamos en los glamurosos 80, el techno y la lentejuela superficial domina los charts. Y ellos no iban a ser menos con discos como "The Party's Over" (1982), "It's My Life" (1984) y "The Colour of Spring" (1986). Que tiene a los de EMI todo contentos, en su rol de chicos buenos a la Duran Duran / Roxy Music y sucedáneos.  Pero llega "Spirit of Eden" (1988) y los ratones se revolucionan. Muchas horas de improvisación junto al colaborador - miembro Tim Friese-Greene, (aquí harmonium, piano, órgano,  guitarra, producción y compositor de todo junto a Mark Hollis), da como resultado algo nuevo y excitante. Queda constancia por el amor hacia la obra de Davis y Coltrane, el rock experimental,  clásica,  ambient, minimalista, chamber music, folk o contemporánea. En las antípodas de la sosez pop 80s. Música arriesgada,  supone problemas instantáneos. EMI los demanda porque lo suyo no era "comercialmente satisfactorio". Procesos judiciales y chungueces mil les da la razón al grupo contra todo pronóstico. Sentando un precedente  que obliga a partir de entonces a especificar en contrato ese tipo de cláusula "agrada - inútiles". A pesar de todo, "Spirit of Eden" es una gloriosa patada en la boca a la industria. Un triunfo del buen gusto sobre los  farloperos mercachifles. 

Además del grupo y Friese - Greene, hay una decena de colaboradores old school que decoran la capilla sixtina sonora. Mark Feltham, Danny Thompson, Henry Lowther, Nigel Kennedy.....y oboes,  bassoon,  clarinetes, corno inglés o el Coro de la Catedral de Chelmsford. Los iluminaos del presente afirman que éste fue el disco con que nació el "post-rock". Palabreja que en 1988 ni existía  ni puta falta que hacía. Pos fale,  pos malegro. ....lo mismo podría ser kraut por la senda de Popol Vuh o Deuter, por ejemplo. Pero hay que inventar collares para el mismo perro. Ciertamente, "Spirit of Eden" es un oasis en la mundana y vacía escena de colorines ochenteros. 

"The Rainbow" advierte admiración por Miles Davis. Pero si alguien es protagonista en ésta obra,  es el silencio. Talk Talk eran unos virtuosos  y verdaderos "héroes" del silencio, utilizado como un instrumento más. Parece un fraude, pero es el mejor de los elogios que se me ocurre. La armónica de Feltham hace las veces de un teclado más,  junto al harmonium y órgano. No hay sintetizadores. Y la orgánica de los otros instrumentos balancea un sonido carnoso, vibrante,  palpitante, reflexivo, inteligente, romántico e intelectual. Esto debió de ser el kraut rock en los 80. La voz de Hollis crea escuela. Y Steve Hogarth es su mejor y más dedicado alumno. Las explosiones de sonido no vienen forzadas como en el llamado post rock. Es un ente vivo que serpentea  tu psique con total libertad pausada. Ante todo,  mucha calma. "Eden" y "Desire" se suceden sin que te enteres cuando comienzan o terminan. Tampoco importa mucho. Es el estado somnoliento y relajado lo que pretenden y consiguen. Toda la cara es una "jam compuesta" que desborda magia y sentimientos agridulces. 



Otros tres temas susurran la cara B. "Inheritance", "I Believe in You" y "Wealth". El canto de Hollis es una plegaria, puro "cante jondo" del alma. Algunos momentos instrumentales rozan el Canterbury más experimental,  sin resultar nunca chocante ni inaccesible a un profano. Musica de cámara para la capilla ardiente de un faraón sideral.




Cuánto han aprendido los actuales (y no tan actuales) Marillion, de éste álbum. No sólo ellos. Steven Wilson / Porcupine Tree / Tim Bowness / No Man......Mikael Akerfeldt (Storm Corrosion), Anathema, Ulver, Sigur Ros, Richard Barbieri o todos los "illuminati" de la Kscope factory. El disco vendió 60.000 copias, que para el momento fue una hostia comercial guapa. Añadase que no se acompañó con el obligado video-clip, ni single, ni hubo gira promocional (se negaban a tocarlo tal cual, con un par). Fueron rescatados por Polydor para dos álbumes. Se quedó en uno. "Laughing Stock" (1991), con la misma pretensión al recogimiento espiritual, (o a reírse de los ejecutivos), igualmente recomendable. Poco después se disuelven. Ahí queda eso. Quemando los barcos con genio y figura. "Spirit of Eden" es el disco perfecto para fundar una secta. Plena santidad a través de música libre. Ahora Mark Hollis la disfruta en alguna parte.
J.J. IGLESIAS







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