CECIL LEUTER - Pop Electronique (1969 / Neuilly) (SERIE PIONEROS)

 "Les Sons Electroniques de Cecil Leuter", subtitulaban a éste álbum en plena euforia moogexploitation, en los finales 60. Nacido en Rouen, Normandía,  Roger Roger (1911-1995), adoptó el seudónimo de Cecil Leuter  (también Eric Swan), para sus proyectos electrónicos. 

Compositor francés de total entorno familiar clásico, su padre era director de orquesta y estudió al lado de Claude Debussy. A pesar de esto, o precisamente por ello, Leuter fue uno de los primeros junto a Pierre Henry y Jean-Jacques Perrey en experimentar con el modular Moog. Muy influido por Ravel, descubrió a Gershwin, Kern o Porter y comenzó su carrera discográfica en la década de los 50. "Pop Electronique" es otro de ésos maravillosos artefactos que se abrían al inmenso mundo electrónico que desperezaba intuiciones en esos finales 60. Constaba de 14 piezas numeradas, 7 por cara, de no más de 3 mts. En las que los sonidos del momento se mezclan con sorprendente naturalidad junto a la naciente electrónica,  que por entonces tendía a verse como algo exótico,  cuando no excéntrico, y altamente futurista. A éste respecto, su portada es una pequeña obra de arte.

"Pop Electronique #1" se rodea de instrumentación rock, fuerte apoyo percusivo y devaneos del Moog  para un envoltorio sixtie de fondo musical para boutiques de moda o night clubs lanzados. Un "proto-Hallogallo", si lo analizas fríamente.  De hecho "#2" podría ser Can con un Irmin Schmidt gamberro y el comienzo de una larga y delirante exposición jam. La corta duración de los temas sólo nos da pie a la hipótesis. La guitarra eléctrica sí que recuerda a Michael Karoli en "#3", mientras la sección de ritmo rockea  y los "disparos" sintetizados del modular le dan su toque avanzado. Suena deliciosamente naif, pero mola si te van éstos arcaicos artefactos. "#4" exhibe bajo dominante y casi de "estética Squire", en un tema muy melódico,  groovy y perfecto para alegrar un paseo callejero por Carnaby Street en esos mismos días. El sonido Swingin' London es absolutamente atrapado por éste músico clásico,  lo que no deja de tener su mérito. Y en "#5", ráfagas casi secuenciales (muy básicas), son añadidas a un entorno rock habitual en la época. Ahora se usa como guía melódica una flauta en "#6", para que la ambientación quede perfectamente ensamblada en su tiempo. Se diría que esto fuera obra de algún combo beat de la Londres de los 60, en vez de por un serio músico clásico francés.  "#7" continúa usando la travesera,  pero de alguna forma, adelanta maneras que se verán presentadas con más abstracción y perspectiva psicotrópica en el kraut rock de los próximos años.

La segunda cara nos presenta otro punto de vista diferente. Quizá más acorde con nuestros gustos e intereses. La rítmica computerizada de "#8" sugiere más ánimo experimental y podría pasar por un valiente ensayo berlinés,  de algún sintetista de élite. Muy interesante a éste respecto el estudio rítmico desplegado para "#9". Éste lado del álbum  tiende hacia un análisis experimental más acusado, quizá menos superficial y frívolo que la A. Como demuestra "#10", incidiendo en ésa nueva táctica de sólo - Moog piezas, con avanzados resultados. Muy por delante de 1969. Hasta el punto de que en "#11" podría pasar por ensayos de Schnitzler, Moebius/Roedelius, Fricke o cualquier producto de la Plank factory. "#12" añade ritmo bateristico  cercano al motorik, y  su afán investigador persiste sin disimulo y hasta atrevimiento. La más conseguida en éste aspecto me parece "#13", por su extrañeza rítmica y melodía gamelan. Mientras que la final "#14" está adelantando bases techno desde parámetros básicos,  pero de indudable premonición. 

Un disco esencial en una colección de proto-electrónica, y  del que un original no baja de los 200 pavos. Prueba de su demanda por las nuevas generaciones.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Pop Electronique No. 1

A2 Pop Electronique No. 2

A3 Pop Electronique No. 3

A4 Pop Electronique No. 4

A5 Pop Electronique No. 5

A6 Pop Electronique No. 6

A7 Pop Electronique No. 7

B1 Pop Electronique No. 8

B2 Pop Electronique No. 9

B3 Pop Electronique No. 10

B4 Pop Electronique No. 11

B5 Pop Electronique No. 12

B6 Pop Electronique No. 13

B7 Pop Electronique No. 14

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BLINDSIDE BLUES BAND - Live At Satr Blues (2019)

El festival de Satr Blues lleva celebrándose desde el 2000 en la localidad polaca de Tarnobrzeg, organizado por el artista gráfico Victor Czura. En este evento se pueden ver obras de destacados dibujantes polacos junto a grupos de blues y jazz.

Mike Onesko nace en Fairview, Cleveland. A los 17 años se traslada a San Francisco donde forma sus primeras bandas Sundog y Steelwind. La casualidad o la fortuna hicieron que Mike Varney, presidente de Sharapnel Records, lo descubriera en un club de California. A principios de los 90 funda Blindside Blues Band junto a Scott Johnson (guitarra), Jeff Martin (batería) y Gregg Chaisson (bajo), aunque este último sería reemplazado por Kier Staeheli. También pasó por la banda el famoso batería, Aynsley Dunbar (Frank Zappa, Journey, Whitesnake, Eric Burdon, etc). El grupo ha editado hasta la fecha más de una docena de producciones.

La grabación corresponde a la actuación de Blindside Blues Band en el Satr Blues Festival el 13 de Septiembre de 2014. En ese momento la banda la integraban Mike Onesko (voz, guitarra), Jesse Johnson (guitarra), Jeff Martin (batería) y Mark Kingen (bajo). El disco está cargado de excelente hard rock blues con una perfecta sincronía entre sus dos guitarristas como podemos apreciar en "Let The Blues Do The Healing", tema que abre la grabación.  "Slide guitar", "boogie rock" y buen rollo guitarrero en todos sus temas. El "setlist" contiene nueve temas de Onesko y la versión del famoso "Crossroads" de Robert Johnson. En "Hot Shot", tenemos el solo de batería de Jell Martin con sonidos Led Zeppelin. El sonido es bastante mejorable.
J.C.Miñana

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ZA! - Pachinko Plex (2018 / Gandula) (Rockliquias Bandas)

 Tenía que haberme imaginado que aquello era una señal previa a algún apocalipsis zombie. A comienzos de éste año asistí por primera vez a un concierto de Za!. Y mi vida ya no fue lo mismo. Que te dejen boquiabierto tres tíos de Barcelona con la música más surrealista, irreverente e impredecible del planeta, no sucede todos los días. 

Por lo visto había vuelto un antiguo miembro que había estado recogiendo experiencias y músicas por todo el mundo. Poco importa el nombre. Cuando los dos habituales responden a Papa DuPau (guitarra, trompeta, voz, percusión) y Spazzfrica Ehd (bajo, percusión, teclados, clarinete). Su kraut de la Amazonía deja al zeuhl convertido en música infantil de recreo. Donde el free jazz de Albert Ayler, John Coltrane o Sun Ra se reconvierte en tribal music espacial, músicas del mundo interplanetario o étnicos sonidos del multiverso. "Pachinko Plex"es su séptimo álbum,  desde el 2007. No escatiman esfuerzos compositivos. Lo suyo nada tiene que ver con música aleatoria o un todo vale en modo random improvisativo. Za! analiza con microscopio todo lo que hace. Y luego está todo ése increíble sonido. Éste es uno de los cds editados en éste país con mayor hi-fi que haya escuchado nunca. Masterizado por Jeff Lipton en Peerless Mastering, Boston. Se nota y mucho. Por lo visto los Pachinko son unas discotecas salvajes donde no te dan tregua con el volumen y las luces para que la experiencia expansiva sea brutal. Ellos lo consiguen simplemente con que aprietes el play de tu equipo. 

"Ochate" (9'00) arrastra susurros lejanos que se acercan amenazantes. De repente estás ante un idioma desconocido (inventado? Birmano? Bosquimano?...). Y una miríada de efectos en enjambre que no asimilas a la primera ni de coña. Orgánicas percusiones bizarras se fusionan con otras electrónicas. Muérete de envidia, Gabriel & Fripp! Metronómicos polirritmos a granel, en salvaje eyaculación de ideas. Sus viajes por Japón y Mozambique han sido bien aprovechados. "Test D'Estrés" (5'08), -falta hace en éste año puto -, no creo que hiciera mucho bien a la psique del ciudadano medio. Buena señal. Batería parlante y teclados krauténticos, desarrollo evolutivo de Harmonia y La Dusseldorf para el 2020, perfectamente lógico. Dentro de la ilógica y el caos organiZA!do. "Pachinko : Las Monedas" (2'29) es como Mats / Morgan en una centrifugadora. Si eres batería, éste disco es un clínic. Si eres rarito, éste es tu hábitat natural. "Pachinko : Riff Madre" (6'16) induce a los electro-mundos de Conrad Schnitzler como máquina tricotosa (grabado en Fabra & Coats!), como instrumento percusivo anexo al natural. Con-secuencias a contratiempo y espasmodicos ataques rítmicos de instantáneo efecto psicotrópico. Ultra-técnica batería de jazzy feel se enreda en la maraña de hilos rítmicos ,  mientras rayos láser sintetizados fusionan el caparazón compositivo impenetrable, pero de fácil escucha. Nada agreste. Y con un final digno de ELP versión siglo XXI.

Narración matemático - científica con secuenciador berlinés y flamigero kit anuncia "Avances 123" (4'11). Música para tragaperras de salón de juegos futurista. De hecho, la estética interior de cualquiera de esos recintos mata-neuronas, es lo que más se acerca a lo que en los 60-70 teníamos idealizado como..... "el futuro".....Ja! Éste sería su hilo musical de fondo. En "Maningue Nais" (10'10) les acompaña Alma Afrobeat Ensemble, y vuelvo a recordar a Peter Gabriel en ambiente kraut festivo y jolgorioso, con juerga electrónica por un pueblo en fiestas de la España profunda. Miles Davis etapa "Agharta" como charanga rural delirante. También admiten colaboración en "Solo Chezz" (3'25) con Morgan Caney, (imagino que al saxo), es el tema intimista, jazzistico y nocturno. De nuevo con Miles en mente, paseando bajo los rótulos de neón de cualquier desolada e inhóspita gran ciudad del mundo.

Finalmente "Pachinko : Tramuntana" (5'46) vuelve a la particular vanguardia festiva de Za!, compuesta por ritmos percusivos virtuosos y cibernética rítmica envuelta en tormentas de meteoritos electrónicos. Vuelvo a percibir épica emersoniana nada descabellada y muy acorde con el entorno. Los desasosegantes susurros del comienzo finalizan lentamente éste brainstorming desmesurado y desbordante. Un perfecto soundtrack para el 2020. Si te venden caos, ante todo, mucha calma.

J.J. IGLESIAS

Temas

01 - Ochate Zi Ô

02 - Ochate Kiè

03 - Test d'Estrès

04 - Pachinko: Las Monedas

05 - Pachinko: Riff Madre

06 - Avances 1 2 3

07 - Maningue Nais

08 - Maningue Nais: Maputo Plex

09 - Solo Chezz

10 - Pachinko: Tramuntana

                                            

Contacto:

Facebook: https://www.facebook.com/putosza/

bandcamp: https://losza.bandcamp.com/album/pachinko-plex

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PULSAR - Halloween (1977)

 Este álbum se editó en la curva de descenso del progresivo sinfónico y que mejor título que la víspera de todos los muertos para hacer referencia a los inminentes funerales sinfónicos en las postrimerías de los años 70´s. Es cierto que a nivel puntual aún se hicieron buenas cosas del 77 al 80, año de la inmolación definitiva y perfectamente representado en ese soporífero e insoportable álbum de los Floyd y su “The Wall” que fue la carta de defunción definitiva. En cuanto a ese año de 1977 la lucha por seguir manteniendo una música de calidad todavía tuvo agradables frutos que degustar. Una alegría que no duraría mucho más.

La temática del tercer trabajo de Pulsar se ve como una obra de romanticismo decadente. La conversación extraña entre una mujer y una presencia fantasmal se reparte en dos largas suites en ambas caras del vinilo. Como a la antigua usanza sinfónica y épica. La diferencia del grupo francés es que aquí la épica se traduce en languidez y tristeza. Su portada es oscura y su mensaje melancólico como anticipando en inevitable final. Este disco lo conseguí ya en años posteriores a través de Musea Records y me lo presentaron como una obra maestra del sinfónico francés. Fue a mediados los años 80´s. Los años de sequía y de escasa paciencia por mi parte.

 

Su escucha inicial me dejó frío porque me parecía la banda sonora de alguna película de terror gótico. Allí estaban esos mellotrones y esas guitarras acústicas, alguna voz infantil y una tristeza infinita para acompañar a las siempre recurrentes depresiones que durante años nos van acompañando casi siempre sin un motivo claro ni una razón. Allí empecé a escuchar oscuridades muy lejanas próximas a las paranoias Crimson y a otros retorcimientos. Solo con los años escuché este disco con la debida frialdad que procede. Se escucha mucho mejor con la mente fría y así evitas entusiasmos innecesarios. No es un disco espectacular. Tiene muchos recovecos, detalles y hasta hermosas melodías. Pero es un álbum que parte de las profundidades. No busques montañas, ni cascadas ni elevados vuelos de aves paradisíacas. Es música surgida de la tristeza y el dolor, pero es hermosa a su manera. El estilo de Pulsar y lo repito, es la calma, la languidez y cuando el ritmo coge algo de vida es siempre en el abandono y la evasión perezosa. Lo explico de esta manera, porque describir la música es siempre algo vago y tremendamente subjetivo. 

El olor a cripta y a humedades se pega en las paredes de piedra mientras lo escuchas. No busques alegría porque no la hay. Sin embargo, tampoco lo definiríamos como desesperación o ira más propio de unos Van Der Graaf. Melancolía es más propio insisto. Música que huye de la “vitalidad” del rock y de la euforia. Pero dicho esto la música es excelente y el lirismo tremendamente marcado. Tiene partes realmente preciosas. Con el paso del tiempo y los momentos inciertos que vivimos quizás no sea malo cierta dosis de desesperanza. Pero realmente que es la música en el fondo sino una parte de nuestras angustias y nuestras desesperanzas.

Alberto Torró

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SCHERZOO VOL 2 (2012)

 Entre estos días de calor agobiante, noches próximas a una sesión de sauna, el virus galopando libremente entre multitud de idiotas agolpándose y la mascarilla que ya forma parte de nuestra lencería íntima y gayumbera (slip para los de fuera) lo cotidiano está más cercano a una pesadilla que a un plácido verano. El aire acondicionado y los ventiladores a toda pastilla y los estornudos también. Ya para colmo de masoquismo escuchando zeuhl para acentuar el martirio. Si al menos me hubiese dado por una inofensiva sinfonía o una inocente banda acústica de folk, pero no: Scherzoo sin vaselina para que no resbale. Para colmo son fechas donde la madre de todas las vagancias se apodera de uno sin esfuerzo y la abulia ilumina los puntos álgidos del día donde casi lo más interesante es una ducha fría o una sentada en el trono tocando las narices por wassap o facewook. 

Puesto en la tarea, no sin esfuerzo titánico que conste, me he escuchado el siguiente volumen de esta banda francesa, sin tantos analgésicos como el primero, todo hay que decirlo. Ellos mismos se definen con el paquete completo como “nuevos movimientos musicales del jazz, la fusión, jazz-rock, zeuhl, rock en oposición y rock progresivo”. En todo de acuerdo.

 La primera “Ying/Yang” (7.37) me ha parecido un atractivo ejercicio sonoro buscando diferentes sonidos entre la interacción instrumental en general bastante compleja y principalmente los originales y agudos sonidos de teclado. “02” (8.04) se abre con esa pesadez martilleante en la forma que tanto gusta al señor Fripp y su obsesiva guitarra. Todo en la vanguardia prog y en aquellos caminos que Frank Zappa marcó a finales de los años 60 con sus M.O.I en lo que en realidad no pertenecía a ningún estilo concreto. La “genialidad” de la oposición rock vino después. La cacofonía de metales y resto de solistas sacudiendo está perfectamente estructurada aunque no lo parezca y acompaña a la sesión de latigazos y a la inmolación del oyente con ardor guerrero. “M.A.Suite” (7.52) se compone nuevamente de enrevesada construcción y complejas tonalidades. Otra vez los Mothers vienen a mi memoria, naturalmente sin aquel sonido casposo de la época, pero la base musical tiene muchas similitudes. 

“Six feet Under” (7.01) es más de lo mismo, acordes raros y cortantes, ritmos obsesivos a la King Crimson intermedia y para utilizar abanico, aunque estés con el aire acondicionado. “Invasión” (4.47) no llega a tanto pero naturalmente no encontramos ni un solo atisbo melódico para hacer más cómoda la digestión sino todo lo contrario. Un monje de clausura disfrutaría con esto hasta hacerse la espalda un reguero de llagas sanguinolientas. 

“Breaking Bad” (6.06) pues ya veo que se vieron la famosa serie y que mejor música que la suya como inspiración. Entretenida pieza que gana en actividad y dispersión de sonoridades. “Vingt – Trois” (4.20) dale que te pego Robert fripp. “18H9” (5.24) cierra esta amarga experiencia sonora que volverá locos a los que ya estén jodidos de la cabeza. En general por ahí están el fantasma de Elton Dean, el perillas de Baltimote y parte del jodido cerebro de Fripp, más la cosecha francesa que siempre tienen algo que decir. Si has aguantado el primero este mejor que narices. A ver si van a ser más raritos que yo. De eso nada.

Alberto Torró

 

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NECROMANDUS - Necromandus (2017 / Mandus)

 Ya se trajo por aquí el caso flagrante de mala suerte de Necromandus. Una banda que lo tuvo todo a su favor, y que a punto estuvo de tocar el estrellato con la punta de sus dedos. Hoy traemos su particular vendetta a tan injusto destino. 

Formados en 1968, como Heaven abrirán conciertos para unos tales Earth (obsérvese la afinidad de nombres). Curiosa formación que combinaba rock blues progresivo con jazz casi free, y que pronto serían conocidos en el planeta como Black Sabbath. La vida de Necromandus irá unida irremisiblemente a ellos. Tony Iommi se hace cargo de su management y les consigue un contrato en su mismo sello, nada menos que Vertigo. Es 1972 y el oscuro caballero del dedo artificial no sólo producirá "Orexis of Death", sino que tocará con ellos en algún corte de aquellas sesiones en los legendarios Morgan Studios. Barry Dunnery (guitarrista extraordinario y hermano mayor de Francis, luego conocido frontman de It Bites), Bill Branch (voz solista), Dennis McCarten (bajo) y Frank Hall (batería) están pletoricos,  abriendo conciertos para Black Sabbath (como no!) o Badger (banda del ex-Yes, Tony Kaye y Brian Parrish). De hecho, la prensa los describe no sin motivos como una mezcla de Sabbath o Captain Beyond y Yes. Hard rock oscuro y progresivo del momento. Pero Barry "Baz" Dunnery abandona el barco incomprensiblemente, (una constante en su irregular carrera), y pierden el contrato con Vertigo. Ése disco maldito no será editado hasta 25 años después. Fin de trayecto para Necromandus. 

Muchos vaivenes darán los restos de ése naufragio. Desde ser el primer Blizzard of Oz de Ozzy Osbourne en 1977, (obviamente sin el vocalista Bill Branch), hasta formar juntos Dunnery y Hall en Hammerhead, banda típica de la NWOBHM. A día de hoy, tan sólo Frank Hall sobrevive tras su bunker percusivo. Todos los demás se han ido al otro plano. Se diría que la leyenda negra persigue a una banda que flirteó con las artes oscuras de aquel olvidado "Orexis of Death". Pero algo queda. El hijo de Bill, John Branch, posee una voz increíblemente similar a la de su padre. Completan Dean Newton (guitarras), Banjo Cunanan (bajo) y John Marcangelo (teclados). Y en 2017 lanzan su venganza homónima conocida como "Necromandus". Épico. Me recuerda a otro caso parecido. El "Unleashed" (2007) de los legendarios Leaf Hound. Si bien ésta vuelta de Necromandus me parece todavía superior. 

Como una estampida de bisontes se lanzan en "Don't Look Down Frank". Clásica que abría "Orexis of Death" con otro título.  Con una ozzyesca voz, melódica y sensacional, que debe influencias evidentes pero lógicas,  a sus eternos amigos, Black Sabbath. Podría ser un outtake del debut de Blizzard of Oz con toda justicia. El guitarrista se muestra imaginativo, y la banda en verdad da miedo. Son estupendos. "Aluana" es puro feel 70s y pega una solemne patada en el culo a mucho aprendiz stoner de pacotilla. Hammond de apoyo que embellece el granito y lo convierte en mármol de cripta. Dean Newton es sensacional, tengo que insistir en esto. De ésos hachas sorprendentes y en extinción,  que te levantan del asiento.

Frank Hall no ha perdido forma, y en su intro de "Limpet Man" cocea como una bestia. Los Sabbath más sofisticados de "Sabotage" / "Technical Ectasy" vienen a la mente, por arreglos llenos de finura y clase. Joder qué buenos! Los teclados van tomando más parte activa.  Así,  en "Hymn to Her" entran de lleno en territorios proggy, algo que forma parte fundamental de los antiguos Necromandus. Lo siguen combinando como nadie con el hard rock de sombras oscuras. Como unos Purple de los últimos tiempos, con un joven Ozzy al micro. Sus cambios acústicos, vocoder (!?) y demás sorpresas los hace realmente fascinantes. "I've Been Evil" (6'23) es el tema más extenso y otro de los clásicos de la anterior etapa. Y se diría que el anterior fuera el prólogo a éste bello medio tiempo lleno de matices, que acaba reventando en hard rock clásico de factura impecable. Los sintetizadores se integran inteligentemente, y es cierto que ahora podrían ser Badger o Flash en su estructura, aunque riffs y power chords suban la temperatura al rojo. Puro Blue Oyster Cult de la mejor cosecha, te informo,  fiel feligres de la infame secta demoníaca. Tormenta nocturna, campanas mortuorias, cánticos rituales y un piano que anuncia "Gargoyles Awake" con órgano de iglesia......Hammer films soundtrack perfecto. Kistch, pero convincente. Continúa como si fuera parte de un repertorio de Bram Stoker  (la banda) o Brian Auger & The Trinity. Sorprendente. Inesperado. Alucinante instrumental que te deja perplejo. No tienen límites ni tabúes,  éstos nuevos Necromandus. La recta final lo demuestra.  "Scream" es la mezcla definitiva de classic Sabbath con actual Purple. "Borderlands" recoge los rurales Jethro Tull de "Heavy Horses". "The Warriors" es un maravilloso ejemplo de melodic NWOBHM a la Praying Mantis / Saracen / Demon.

"Hardknott", una delicia, (quizá mi favorita), entre "La Dama de Shanghai" y King Crimson del debut. Finalmente "And She Smiles", es otra maravillosa canción DISTINTA. Con Lifeson acordes, voces armonizadas,  sobrenaturales teclados, guiños a Stevie Ray Vaughan, dual guitar a la Thin Lizzy y sólo incandescente que es puro Gary Moore.

No tengo palabras. El disco definitivo de Necromandus. Al fin se ha hecho justicia.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Don't Look Down Frank 00:00

2. Aluana 3:43

3. Limpet Man 7:07

4. Hymn to Her 10:39

5. I've Been Evil 16:17

6. Gargoyles Awake 22:41

7. Scream 27:22

8. Borderlands 30:44

9. The Warriors 34:06

10. Hardknott 38:06

11. And She Smiles 43:05

Este domingo (30/08/2020) en Rockliquias Radio primer programa de Rockliquias Bandas Radio, a las 21:00

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JOHN MILES - Rebel (1976, Decca Records/London Records)

 En 1976 el británico John Miles edita Rebel, primer trabajo discográfico bajo su nombre y el que le daría la fama mundial, aunque su posterior Stranger In The City (1977) quedase en un mejor puesto dentro del Billboard Album 200. El bajista Bob Marshall solía ser pieza clave a la hora de afrontar las nuevas composiciones de este vocal, teclista y guitarrista, pero para “Music”, el imponente sencillo del vinilo Rebel, Miles busca su propio camino.  

 

Así queda la definitiva canción, una epopeya musical de seis minutos. Una creación que casi lo convierte en un one-hit wonder. No sería así, pero cerca estuvo. Melody Maker lo pondría por las nubes aquel año, pero pronto el público se olvidaría de su talento. Tan es así que para mediados de la década de los 80 no tenía mayores seguidores de sus nuevas obras que su parroquia fija en la escena inglesa. 

Rebel, un elepé excepcional que produjo Alan Parsons –Decca propició el encuentro entre John y Alan–, resultó un long play trufado tanto de pomp rock a la inglesa (“Music”, “You Have It All”) como de rock melódico abierto al art rock (“Highfly”, “Rebel”). Por su parte, “Everybody Wants Some More” es el acercamiento del tándem Miles/Marshall a la grandilocuencia pop de la Electric Light Orchestra.  

Un disco de sonido expansivo pero interpretado por un pequeño elenco de músicos; a excepción de las partes de bajo de Bob y de las baterías grabadas por Barry Black, es el firmante de esta obra el que registra las secciones de sintetizadores, guitarras y pianos –y no son pocas, precisamente–. Eso sí, cuando se busca inyectar cierto neoclasicismo en cuanto a arreglos orquestales se refiere, se contrata al reputado compositor de Surrey Andrew Powell.  

Entre aquel 1976 y 1985, John Miles publicó ocho elepés –no regresaría hasta 1993–, no dejando que decayese su ímpetu creativo. Una vez comenzada la época de las vacas flacas, pronto supo enrolarse como colaborador en otros proyectos. Giró con Tina Turner en esa segunda juventud que fueron para ella los años ochenta, cuando el reconocimiento a su estilo y a la forma en la que orientaba su pop de ínfulas rock era incuestionable.  

Se enroló en The Alan Parsons Project en más de una ocasión, al igual que participó en una de las obras de rock más interesantes de 1988: Outrider. Este lanzamiento, firmado en solitario por Jimmy Page, no sólo contó con el tacto musical de John Miles, pues el bajista Tony Franklin, el vocal Chris Farlowe o el mismísimo compañero de Page en Led Zeppelin, Robert Plant, fueron algunos de los que se pasaron por las sesiones de grabación. En los noventa Joe Cocker también contó con sus servicios, en esta ocasión al órgano Hammond. Además, y como miembro de una larga lista de estrellas, este artista participaría en alguna de las ediciones del Night Of The Proms, gran evento rutilante que mezcla la escena pop-rock con la música clásica.  

por Sergio Guillén 

sguillenbarrantes.wordpress.com

Temas

A1 Music 5:58

A2 Everybody Wants Some More 3:38

A3 Highfly 3:53

A4 You Have It All 7:01

B1 Rebel

Strings – The Maggini Quartet

3:19

B2 When You Lose Someone So Young 4:35

B3 Lady Of My Life

Saxophone [Sax Solo] – Phil Kenzie

4:08

B4 Pull The Damn Thing Down 7:18

B5 Music (Reprise) 2:11

Este domingo (30/08/2020) en Rockliquias Radio primer programa de Rockliquias Bandas Radio, a las 21:00

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THE MELLOTRON ALBUM - The Rime of Ancient Mariner (1993 / Voiceprint)

 Un homenaje al sagrado armatoste, traemos hoy. Qué hubiera sido del prog rock e incluso de la electrónica,  sin nuestro querido Mellotron. El primer sampler. Vale, igual algún antecesor como el Chamberlin o el Orchestron se le adelantó. Pero su popularidad se debe a nuestro trasto favorito. 

Creado como solución barata para "sustituir orquestas"en los estudios de grabación,  aportando su característico sonido que hoy es ya un clásico. Objeto de culto y olvidado instrumento durante décadas  (alguno se ha encontrado en la basura!), fue desempolvado de nuevo en los 90. Cuando el underground revisionó y dejó probado, que el prog rock no era tan nocivo ni pernicioso como la prensa "especializada" había dispuesto. Era cierto. No se necesitaban mascarillas ni distancias de seguridad para acercarse a aquél género. Y el Mellotron volvió a fabricarse (nada barato, por cierto). Bandas ya eternas como Anglagard, Anekdoten o Landberk fueron sus orgullosas portadoras. Y hasta Oasis comenzó a usarlo. El mainstream se rendía a su sonido. "The Mellotron Álbum" se edita en un año lógico,  1993. Cuando todo esto florece de nuevo, bien es cierto que como algo muy marginal todavía. Ibas a presentar tu fanzine a un bar o tienda de discos y te miraban como si pertenecieras a una secta. Éramos los "negacionistas y conspiranoicos" de la música...... También los que teníamos razón. 

Muy lógico comenzar éste homenaje con el audio demostrativo de 1964 que se adjuntaba cuando comprabas un Mellotron. Pruebas de vals, exótica, lounge y demás estilos del momento son utilizadas en la demo. Poco se imaginaban los fabricantes que el aparato casi crearía uno propio por sí mismo. Hay que decir que todas las aportaciones para éste álbum fueron nuevas grabaciones. Así,  Matt Clifford entregaba un "Then & Now" de disposición muy proggy, donde el ensoñador artefacto entraba con todo su arsenal de efectos sonoros. El esencial Bill Nelson nos traía "Mellotronix", aplicando los vetustos sonidos a nueva ingeniería compositiva de resultado actual. En su línea siempre sorprendente.

"Waters Beneath the Bridge" era la aportación de Mike Pinder. Imprescindible personaje para entender el desarrollo del Mellotron. The Moody Blues fueron sus mayores representantes,  igual hasta cobraban comisión! De hecho las planchas grabadas en la panza de la blanca bestia fueron cosa suya. Patrick Moraz puede que no lo usara demasiado en Yes, pero sí que por obligación,  lo hizo sustituyendo a Pinder. "Owners Guide" es su apuesta. Moderna y puesta al día. Sheila Maloney escoge sonidos clásicos de mello para "Berlín Boys", acompañada por el violín de David Cross. De algún modo, King Crimson tenía que estar aquí representado. Lástima que no lo haga el propio Robert Fripp. Otro veterano, Blue Weaver, hace un estupendo trabajo de reconstrucción sonora con "Mello Blues Blues", en ése mismo estilo que titula."Resurrection" de Derek Holt , encuentra más acomodo en un formato casi cinematográfico,  perfecto para créditos finales de película y con un tratamiento algo floydiano (con guiño beatle final). Otro imprescindible es Nick Magnus. Su "Night of the Condor" se expresa en sinfo-envoltorio a su usual modo, con la pomposidad recuperada para el "día del orgullo prog". Era el momento de salir del armario. Aunque todavía costó unos años la aceptación general del estilo. Ahora, cualquier día se ponen de moda entre los pijos  las camisetas de Gentle Giant y Yes, como ha pasado con el heavy & punk. No podía faltar en éste homenaje (los tributos para Hacienda), el espléndido Woolly Wolstenholme. No porque se pagara vermuts, que igual también. En "Deceivers All" capturaba el espíritu del old Barclay James Harvest, a la perfección. Inolvidable teclista. El sintetista Ken Freeman en su "Attack of the Azimuths" combina digitalismos con corales mellotrónicas inequívocas. Otra muy fílmica y descriptiva.

Martin Smith (junto a Nick Magnus) presenta "Engulfed", de sabor muy Steve Hackett, con inclusión de guitarra clásica y espectacular Mellotron coral. Genesis como invocación de la ouija estilística.  Ahora es David Cross de nuevo el protagonista en "Not So". Pieza emocional, oscura, intrigante y con el inconfundible violín crimsoniano de su autor. Todavía nos quedan Chris Taylor, David Kean, Julian Colbeck y David Etheridge. Éste último se marca un "Mighty Tron" plagado de guiños hacia temas inmortales dominados por el bicho homenajeado.

Un punto de vista que a veces sufría del "síndrome new age", quizá por el "qué dirán"...... Era pronto todavía,  en 1993, como para hacer un manifiesto progresivo-mellotrónico en toda regla. Algunos no se atrevían. Ahora sería distinto. Una segunda parte con escandinavos expertos sería lo apropiado. De todos modos, hizo su función éste recopilatorio. Fue otro escalón más en la larga escalera hacia el reconocimiento y aceptación popular de un género,  de por sí minoritario por lo (contra)-cultural de su idiosincrasia. 

J.J. IGLESIAS

Temas

1) Original 1964 Mellotron Demonstration Disc (0:00)

2) Matt Clifford "Then And Now" (3:41)

3) Bill Nelson "Mellotronix" (7:30)

4) Mike Pinder "Waters Beneath The Bridge" (10:05)

5) Patrick Moraz "Owners Guide" (13:22)

6) Gordon Reed "Julia" (17:13) w/ Clive Osborn: Electric & Acoustic Guitars

7) Sheila Maloney "Berlin Boys" (21:40) w/David Cross: Midi Violin

8) Blue Weaver "Mello Blues Blues" (25:37)

9) Derek Holt "Resurrection" (28:51)

10) Nick Magnus "Night Of The Condor" (34:49)

11) Woolly Wolstenholme "Deceivers All" (38:49)

12) Ken Freeman "Attack Of The Azimuths" (44:50)

13) Martin Smith "Engulfed" (49:48) w/ Nick Magnus: additional Keyboards

14) David Cross "Not So" (53:44) w/ Sheila Maloney: additional Keyboards

15) Chris Taylor "Bradmatic" (58:39)

16) David Kean "Lift" (1:02:38)

17) Julian Colbeck "Heartfelt" (1:06:44)

18) David Etheridge "Mighty Tron" (1:11:55)

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SNAFU - Live Nottingham (1976)

Snafu es un acrónimo que usaban los soldados americanos en la segunda guerra mundial para indicar sarcásticamente "Situación Normal", o dicho de otro modo, "todos jodidos" ( all funked up). 

En 1972 Bobby Harrison (Procol Harum, Freedom), batería y voz, estaba grabando su primer disco en solitario, con la participación entre otros de Micky Moody, guitarrista en ese momento de Juicy Lucy. Posiblemente en esas sesiones de grabación se fraguó Snafu. La banda se completó con el batería Terry Popple (Tramline, Van Morrison), el bajista Colin Gibson ( Ginger Baker's Airforce) y el teclista Pete Solley (Paladin, Whitesnake) Al año siguiente publican su primer LP, "Snafu", con gira promocional por Europa teloneando a The Doobie Brothers, y por América con The Eagles. En años sucesivos llegarían "Situation Normal" (1974) y "All Funked Up" (1975), este último con un nuevo teclista, Tim Hinkley. En una gira por Alemania, David Coverdale invita a Moody a unirse a Whitesnake. Fue sustituido por Clem Clempson pero la banda ya estaba herida de muerte.

La grabación nos traslada al concierto de Snafu en el Trent Polytechnic de Nottingham el 23 de enero de 1976. El "setlist" está compuesto por seis temas, tres de ellos covers: "Don't Keep Me Wondering" (Allman Brothers), "Big Legged Woman"(Freddie King) y "Every Little Bit Hurts" (Ed Cobb). Y tres temas propios:  "Long Gone", "Unsettled Dust" y "Highway". La música que nos ofrecen fluctúa entre los ritmos funky de su bajista, Colin Gibson, y del teclista, Tim Hinkley, los sonidos rock bluseros de Micky Moody y un cantante, Bobby Harrison, que podría estar entre Gregg Allman y Chris Farlowe. Como temas destacados "Big Legged Woman" y "Highway". En algunas ediciones posteriores se incluyó material de Niagara, banda  de Bobby Harrison, grabado en el programa de radio de Tommy Vance.
J.C.Miñana

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ROCKLIQUIAS RADIO: primeras conclusiones y recomendaciones

 Hola amigos de Rockliquias, llevamos casi un mes con nuestro nuevo proyecto, Rockliquias Radio, y ya podemos sacar unas primeras conclusiones.

La primera conclusión es que los servidores (gratuitos) no dan la talla. Zeno Radio tiene múltiples micro cortes y listen2myradio, aunque en menor media, también se desconecta de vez en cuando. D momento no podemos afrontar la inversión de contratar servidores de pago por lo tanto seguideros intentando optimizar los gratuitos.

Por otra parte, otro punto que nos preocupa más que el anterior, es el escaso interés del proyecto entre los lectores de Rockliquias. Bien es cierto que las estadísticas que nos proporcionan los servidores son muy pocas. Por ello necesitamos vuestros comentarios, sugerencias, críticas. Necesitamos saber que hay alguien al otro lado. Sabemos que Zamora no se conquisto en una hora pero queremos saber que estáis ahí. Queremos mejorar y proporcionar el mejor servicio.

Por último en la página de Rockliquias Radio el servidor listen2myradio no identifica los temas emitidos.

Nuestras recomendaciones son las siguientes:

- La mejor forma de oír Rockliquias Radio es entrando en https://rockliquiasradio.radio12345.com/ o entrando en su aplicación móvil escaneando el código QR

una vez dentro de la aplicación hay que buscar Rockliquias Radio e incorporarla a favoritos

- La segunda opción más recomendable es la aplicación para móvil de Zeno Radio https://zenoplay.zenomedia.com/s/m8rLKi

-Si quereis conocer la programación de Rockliquias Radio lo mejor es entrar en https://sites.google.com/view/rockliquiasradio/p%C3%A1gina-principal

Por cierto os recuerdo que mañana (23/0872020) a las 21:00 emitimos el primer programa de "Discos Para Inquietos" presentado por Sergio Guillén.

Lo dicho, sin vuestros comentarios, sugerencias y críticas no podemos avanzar.

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