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VERSUS FIVE - The Paths Behind Music (2010, Autoeditado)

Escuchar a Versus Five me produce la misma sensación placentera que cuando descubrí a la formación asturiana Senogul. En 2010 había todavía sitios en los que pararse para sentir la emoción de algo que se crea con imaginación, con esa firma característica y poco vista en la nueva década de unos “progenitores” cuyo pensamiento musical logra plasmarse en desarrollos instrumentales con forma de laberinto.



The Paths Behind Music –o lo que es lo mismo, “los caminos tras la música”– es un título que dice mucho más de lo que pudiese parecer, un título que describe el viaje al encanto del instante en el que se abren los departamentos antes estancos y las catalogaciones estilísticas pierden su peso o rigor. Versus Five proponen al comprador algo que se sintió tangible en la década de los 70 pero que pasó a ser entelequia durante quinquenios: tomar la fusión como partida para retomar tradicionalismos progresivos bañados con jazz irreverente, aspecto de funk seguidor del pulso cardiaco de unos dejes aflamencados que pareciesen querer llamar a Cai o a la escena en pleno de la experimentación andaluza del ayer.



La nobleza de sentirse indómitos los crece en su arrojo cual instrumentistas realmente dotados para la pericia necesaria que requiere una obra totalmente grande y con sustancia como The Paths Behind Music. Todo lo que necesitaban decir con esta obra está grabado en cada uno de sus segundos, por lo que sus intenciones quedan bien expuestas y no se dejan nada en el plato que luego el oyente pudiese echar en falta. Jugosos.

por Sergio Guillén 

sguillenbarrantes.wordpress.com



Temas
1. New Way (00:03​ - 04:24​)
2. Funk Reunion (04:28​ - 11:37​)
3. Rage (11:41​ - 18:50​)
4. Left Behind (18:53​ - 21:22​)
5. 35 Hours Later (21:26​ - 27:51​)
6. Burst in Tears (27:54​ - 37:03​)
7. Madness & Fran (37:06​ - 42:16​)
8. Papillon Nights (42:19​ - 46:44​)
9. Assu (46:47​ - 54:18​)
10. Walk on a Handrail (54:21​ - 1:02:45​)
11. Strange Character (1:02:50​ - 1:09:52​)











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REMOTE SPACES - Silos (2004 / RS)

Poland. Qué gran álbum en vivo de Tangerine Dream! También tierra de excelente y fructífera electrónica de todo aspecto. Marek Bilinski, Augustyn Bloch, Electronic Division,  Omni, Boguslaw Schaeffer, SBB, Czeslaw Niemen.....Viene a unirse a ésta lista de grandes investigadores polacos, Remote Spaces. Dúo formado a mitad de los 90 por  Krzysztof Rzeznicki y Konrad  Jakrzewski, con cerca de una decena de álbumes en su haber. Temática berlinesa para su estrategia inspirativa, aunque con su propio punto de vista. Siempre tan personal como es el de los músicos del Euro-Este.



"Silos" es nuestro álbum a analizar hoy. Un placer su disección,  de verdad. Porque a poco que se adentra uno en "Infrared Part 1" (7'32), ya parece teletransportado a oníricos mundos que nos descubrieran Edgar Froese y sus somnolientos mandarinos,  en los mediados 70. Sólo el poseedor de un buen batiscafo investigador, será capaz de entender la inmensa influencia que Tangerine Dream ha aportado a la electrónica seria actual. No hay obra en que no los nombremos. Pero es que no queda otra. Y siempre como guía y consejo para describir/descubrir, nuevos sintetistas que han sabido absorber y entender su legado. Un legado que tampoco es necesario reinventarlo, o cambiarlo muy drásticamente.  Basta con explorarlo y aportar sentimiento, por parte de esos nuevos space-cadets que tan bien están manteniendo la herencia.

Tras las bellísimas capas fractales vintage de la Parte 1, "Infrared Part 2" (6'53) presenta aportes rítmicos  de batería (simulada?) y secuenciación.  Agilizando con otra perspectiva la conclusión de la pieza. Sin inoportunos silencios, se encadena con "Arpematik Part 1" (11'58), con un curioso sonido de vetusto órgano manipulado por filtros o pedales. O quizá sea algún aparato fabricado por esas tierras, siempre con sonoridades ligeramente diferentes a lo que estamos acostumbrados.  La esencial mística kosmische, tan necesaria para una buena obra Berlín-oriented, nos trae ecos de Popol Vuh, Robert Schröder o Michael Höenig, de inmejorable esencia reflexiva. La suma de detalles crea una densidad pictórica,  un lienzo cósmico  que funciona como un kaleidoscopio sonoro inmenso. Por supuesto que enlazará con "Arpematik Part 2" (8'38), al igual que en la suite  anterior, ésta segunda parte torna en más rítmica,  con ricos adornos de pulsante y secuencial buen gusto. Puede asemejarse al Schulze de "Audentity", o similares grabaciones de esos años. 

Todavía cobra más fuerza la inspiración del dios teutón en "Silos" (16'41). Con su misma gracia entre trascendente, magnífica,  sacra y clásica, es aquí reproducida en un exquisito desarrollo kosmische que invita a vagar libre por el multiverso para toda la eternidad. Es la música que debiera mandarse para darnos a conocer a otras civilizaciones extraterrestres. Sin margen de quedar mal....incluso demasiado bien. Su incursión rítmico - secuencial no es espectacular,  pero sí importante para el devenir instrumental, y apoyo expresivo de la pieza. Parece claro que Remote Spaces tienen especial cuidado en comunicar sentimiento, ante todo. Y "Silos" me parece la culminación de todo lo expuesto hasta ahora. 



Una delicatessen a no perderse. Aunque todavía nos queda "Swit w Porze Deszczowej (Dawn in Rainy Season)" (7'44) con descriptiva y lluviosa intro, que nos llevará a algo más melodioso y diferente del resto del álbum.  Con cercanía estilística del TD de primeros 80, tal vez. Hecho con su misma aptitud. Incluso la guitarra eléctrica invitada de Karol Tejchman, invoca fidedignamente el aura psicodélica de Edgar Froese. Sincero y bello homenaje el de Remote Spaces. Otro nombre que refuerza la viva presencia actual de la sagrada Berlín School.

J.J. IGLESIAS 


Temas

01. Infrared Part 1 0:00​

02. Infrared Part 2 7:32​

03. Arpematik Part 1 14:25​

04. Arpematik Part 2 26:23​

05. Silos 35:01​

06. Świt w Porze Deszczowej (Dawn in Rainy Season) 51:42













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LACHY DOLEY - Doubles Figures (2020)

 El Whammy Clavinet fue originariamente diseñado por Buddy Castle. Se trata de un instrumento de teclado que emula el sonido de la guitarra. En su parte superior tiene una barra metálica que estira las cuerdas al modo de los "bending" que hacemos al tocar una guitarra eléctrica. Uno de los primeros en utilizar este artilugio fue George Duke. Si la señal de salida de este  aparato la pasamos por un pedal "Cry Baby", el sonido es espectacular como el que consigue nuestro invitado de hoy, Lachy Doley.


Lachy Doley nace en Adelaida, Australia, en 1978. A mediados de los 90 deja la universidad y se une al grupo de su hermano, "Bondi Cigars". En 2002 los dos hermanos forman "Hands" llegando a grabar dos discos: "Live and Breathe" (2004) y "Everything is Wonderful" (2008). Lachy también participa como músico de sesión en diversos proyectos como en el quinto disco de Powderfinger, "Vulture Street". Su carrera en solitario se inicia con "Typically Individual Conforming Ati-Social" (2011). En 2013 forma su propia banda, Lachy Doley Group, con la que graba: "Singer Organ Soul" (2013)", "Live at 303" (2014), Convition" (2015). "Lovelight"(2017), "Live at Blues on Broadbeach"(2016) y Make or Breat" (2019). En 2016 recibe el premio al "mejor instrumentista en vivo del año" en los National Live Music Awards.


Con motivo del decimo aniversario de su carrera en solitario Lachy Doley edita este recopilatorio con ocho de sus composiciones más representativas. Para los que no lo conozcan Doley es un músico que pone el alma en lo que hace. Su música se mueve por los terrenos del soul, blues y rock, apoyado en su banda (bajo y batería) y en la excelente técnica instrumental que demuestra en el uso del Hammond y del Whammy Clavinet. Como guinda a este discos podemos escuchar dos excelentes covers. La primera es el "Gimme Some Lovin'" de la Spencer Davis Group y la segunda, nada menos que el "Voodoo Child (Slight Return)", por algo llaman a Doley, el "Hendrix de los teclados", doy fe que lo demuestra. Sin duda una buena forma de conocer a este peculiar y genial teclista.
J.C.Miñana








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KABBALAH - The Omen (2021 / Ripple Music) (Rockliquias Bandas)

 Desde el 2017 que comentamos su primer álbum, (antes tres EP desde el 2013), "Spectral Ascent", nada sabíamos del trío de Pamplona. Pero éste Enero nos ha traído buenas noticias de la mano nada menos que del sello californiano, Ripple Music. Especializado en Heavy Psych, Doom y Stoner.  Un sitio ideal para éstas brujas del aquelarre eléctrico, que tan bien lo están haciendo desde su ruptura como Las Culebras. Carmen Espejo (batería,  voz), Marga Malaria (bajo, voz) y Alba Ddu (guitarra, voz), nos traen ahora "The Omen". Presagio de la mejor música para tiempos oscuros. Occult Rock confeccionado artesanalmente en una época propicia para ello. Y hasta en edición cassette, que ha salido. El vinilo es una limitada edición de 150 copias, así que a espabilarse.



Sus primeras notas en "Stigmatized" avisan de oscuridad garage fuzz, The Twilight Zone, Creepy o películas de la Hammer. No importa mucho que la melodía tenga devoción por el primer y mejor Ghost. También ellos lo tenían de Blue Oyster Cult, y se les fueron perdonados los pecados. Lo que importa es que está construido con perfecta matemática compositiva. Es inusualmente extraordinaria. Súmese que las voces femeninas añaden un plus de inquietud a éste sonido, o al menos así me lo parece. También se incluyen teclas fúnebres al final de tan excelsa canción. "Ceibas" es un vídeo clip de ambiente insano y denso contenido aflamencado. Con olor profundo a humedad irrespirable. Inevitable no acordarse de la psicodelia satánica pionera de Coven. Y eso es muy bueno. 




Una intro tan bien diseñada como el comienzo de "Night Comes Near" debía de seguir a su misma altura. Y en ello se meten de lleno a base de sensuales y fantasmagóricas voces que forman un punto muy importante en el estilo de Kabbalah. Con instrumentación inteligente, sección rítmica casi jazz, en un contexto oscuro conseguido al máximo.  Aplastante Doom trae "The Ritual", pero lo que otros solucionan con clichés de manual, y violencia sonora al 11, aquí las señoras de negro lo hacen más natural, sin sobreactuar. Efectividad que sus enigmáticas voces solventan, junto a desarrollo cuasi-progresivo. Da gusto cuando la gente piensa. Y Kabbalah se esmeran, para que lo ofrecido no sea una sucesión de tópicos archi-sobados. Original es poco.



Otra introducción fílmica con olor a maldad nauseabunda (lo que vienen a ser los telediarios), se palpa en "Lamentations". Poseen la fórmula de la alquimia perfecta. Usan dosis contenidas de todos los estilos posibles alrededor del Occult, y adornan barrocamente canciones de cripta espeluznantemente insuperables. Etéreos y sensuales cánticos de ultratumba para "Labyrinth", con algunos cambios levemente sabbathicos que suman credibilidad y respeto por su propio sonido, que lo tienen, y muy definido. Aquí la parte instrumental orientaloide es insanamente cinemática, descriptiva al detalle y sólida como una estatua de arte funerario. 



Psicodelia sixtie enrarecida trae "Duna", con riffs  aplastantes que retienen levitaciones corales bajo tierra, en una pugna 60/70 de equilibrio calculado. Finaliza el culto por hoy con "Liturgy", en otro oscuro arrebato Dark hard de tétriica marcha funeraria. Música para La Santa Compaña en uno de sus garbeos nocturnos, en busca de nuevos feligreses para el otro lado. Rock brumoso y malsano, tan divertido como un buen comic de Wrightson. 

Creo que el trío han hecho su disco más acertado y de melodías más completas. Un clásico instantáneo al que sólo le falta tiempo. Que como siempre,  acabará dándoles la razón. 

J.J. IGLESIAS


Temas
01. Stigmatized 00:00​
02. Ceibas 03:56​ 
03. Night Comes Near 07:12​ 
04. The Ritual 11:03​
05. Lamentations 14:22​
06. Labyrinth 17:46​
07. Duna 21:33​ 
08. Liturgy 24:52




Contacto:





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P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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Coomans, Vinck, Denhaene ‎- Eight Intimate Poses (1978)

 Eight Intimate Poses fueron una de las soberbias propuestas del Free Jazz e improvisación surgidas en Bélgica, cuya cimentación, parte de un trío flamenco formado por Leo Coomans (cañas), Kris Vinck (trombones) y Marc Denhaene (guitarras, acordeón).




Esta propuesta fue grabado en King Kong en Amberes el 11 y 12 de diciembre de 1977. King Kong fue un centro cultural independiente para la música, el teatro y el cine, fundado a principios de los setenta. Estaba situado en Keizerstraat 38 en Amberes. Joy Division incluso tocó en el recinto de King Kong en 1980 .

Los tres músicos de Eight Intimate Poses solían formar parte de otras formaciones de Jazz e improvisación (WIM Fanfare, Madou, etc) en Bélgica y a su vez, tocaban con músicos de Jazz ajenos al circuito belga. Existió un importante intercambio de material grabado con otros sellos de Free Jazz. Esta copia de Eight Intimate Poses, por ejemplo, se distribuyó a través del sello BVHaast de Ámsterdam, uno de los sellos de Jazz contemporáneo más importantes de Holanda, fundado por el saxofonista y compositor Willem Breuker .



Eight Intimate Poses, es otro lanzamiento interesante de la escena improvisada independiente belga. La música consiste en improvisación libre en algunas de sus formas más minimalistas con un estallido frenético ocasional. Delirios de claro aroma añejo por donde se filtra la esencia de LaDonna Smith y Davey Williams en su sello Trans Museq.  El sello belga Ultra Eczema publico un gran álbum de archivo de Leo Coomans en 2009 altamente recomendable.

Luis Arnaldo

ArnalsoStudio



Temas
01 - 00:00​ - Intimate Pose Nr. 1
02 - 07:50​ - To Each His Own
03 - 12:55​ - Trompe-Saxe
04 - 19:53​ - Intimate Pose Nr. 2
05 - 23:54​ - Zondagmiddag In Viersel
06 - 27:48​ - Intimate Pose Nr. 3
07 - 34:12​ - Zonder Centen
08 - 38:56​ - Plakband


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DESMOND CHILD - Discipline (1991, Elektra Records) (JUEVES AOR)

 Hoy se inauguran en Rockliquias los JUEVES AOR, un encuentro semanal con el rock melódico en todas sus variantes, desde el soft rock al hard rock melódico, pasando por el pomp rock o el hi-tech AOR. Comienza así una colaboración entre mi canal de Youtube AOR World y Rockliquias. Esto no quiere decir que abandone mis artículos de los martes; es más bien la posibilidad de focalizar las publicaciones de contenido dedicado al rock melódico en un día concreto. Ya con anterioridad presenté algún que otro texto relacionado con el AOR en este portal, pero ahora la cosa irá más allá. Cada jueves, y tras una breve introducción escrita, podréis disfrutar de una vídeo reseña, a la que cual extra se le añadirá –como viene siendo norma en Rockliquias– su audio correspondiente.  



Iniciamos, por tanto, estos JUEVES AOR de Rockliquias con el elepé de 1991 Discipline de Desmond Child. Aquel vinilo, editado por Elektra Records, es una reunión de músicos amigos, todos agradecidos al hombre que los ha hecho alcanzar el estrellato y ampliar sus cuentas bancarias. Child, en un bello gesto revivalista, vuelve a reunir a las tres Rouge: María Vidal, Myriam Valle y Diana Grasselli. En el siguiente vídeo análisis al álbum en cuestión podréis descubrir los inicios de Desmond en el rock melódico, sus colaboraciones y cómo se llegó a dar forma al disco Discipline. 



por Sergio Guillén 

https://aorworld.wixsite.com/aorworld 

Si quieres comprar mi libro AOR WORLD. UN VIAJE POR LA HISTORIA DEL ROCK MELÓDICO EN 200 DISCOS de la Editorial Milenio, entra aquí: https://www.edmilenio.com/esp/aor-world.html (también lo puedes pedir en tu librería preferida o en websites como Amazon). 





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NEIL MERRYWEATHER, JOHN RICHARDSON & BOERS (1970 / Kent)

 Hace pocos días nos dejaba una figura clave del rock canadiense y psych californiano, el bajista, cantante y compositor, Neil Merryweather. Importante músico, aún cuando nunca traspasó la barrera del mega-stardom. La rozó,  eso sí. Y contribuyó al éxito de algunos. 



Desde Toronto, su carrera ya es frenética en los 60 con infinidad de bandas : Gary Muir & The Reflections, The Sikusis, The Group Therapy (que abren para The Byrds), The Tripp, The Mynah Birds  (telonean a Wilson Pickett) o The Flying Circus. En los finales 60 abrirá para Chicago Transit Authority, como Heather Merryweather, que pronto acortará a Merryweather. Suele hacer jams con Stephen Stills en su casa de Topanga Canyon, y éste le ofrece el puesto de bajista en Crosby, Stills, Nash & Young, a lo que se niega.....Oportunidad perdida. Teniendo en cuenta su amistad con su paisano Neil Young, pudo perfectamente incluir su inicial entre las cuatro famosas. En 1970 vuelve a Canadá y se une con el guitarrista John Richardson,  de los sensacionales Nucleus. Y Robin Boers en la batería  (procedente de The Ugly Ducklings). Como invitado está J. J. Velker al órgano  (de 49th Parallel). El pequeño sello especializado en blues, Kent, les lanza el disco. Psico blues alérgico al aburrimiento y lleno de sensibilidad triposa. 

"Aren't you Glad that you know" abre ésta pequeña joya con exquisitos vocales y Hammond seductor. La tremenda guitarra de John Richardson, que tan buen resultado había dado en Nucleus (y en Lords of London), es pura cuchilla lisérgica. Recuerda al debut de The Nice, llevado al blues killer rock. Hendrixiana wah wah como intro de "City Boy", con un bajo que envidiaria el propio Lemmy. Es un tema muy Cream, y Merryweather recuerda a Jack Bruce tato en voz como en las cuatro cuerdas. Ídem para una guitarra claptoniana exquisita. "Dust my Blues" arrastra a éste género hasta el abismo hard rock, con tremendo empuje tejano. Como unos primeros ZZ Top, Point Blank o Johnny Winter. Richardson estira la acidez a extremos embriagantes. Vozarròn negroide y ritmo salvaje. 

Bella coral nos trae la muy psico "Flat Black", de aroma a sucio ghetto de la época,  con todo el feeling "Black Panther". Nadie diría que son blancos y canadienses. Esto parece obra de Black Merda (con perdón), y hasta de Band of Gypsys. Explosiva dinamita hard soul blues. La muy flower power "You Must Live it" cierra la cara con efluvios mucho más Laurel Canyon. Descoloca algo su inclusión,  más cercana a John Sebastian o incluso The Band (otros canadienses).  Pero es una gran canción dylaniana, con harmonica incluida. Un esbozo de lo que pudo ser CSNY con Merryweather.



Damos la vuelta y aparece el órgano de Velker para la gospeliana "Your Real Good Thing". De cercanías con el "Super Session" de su amigo Stephen Stills. Y guitarra al mismo nivel. La extensa y final "Local 149 / Are You Ready" (10'57), foguea con Hammond en ebullición, de majareta psico en enloquecida jam  con ritmos bombeantes y guitarra en estampida. Demuestra la faceta jammer de ésta banda, y cómo podían resultar de excitantes sus directos. Aplastantes. Robin Boers se luce en su kit a la manera salvaje de un Buddy Rich poseído por el demonio del ritmo. Un acribillante solo a bocajarro. Que retoma a las maníacas teclas, con harmónica y bajo bulldozer a la Felix Pappalardi. Añade voz soul-Mark Farner style, por parte de Merryweather....... Si Grand Funk Railroad del comienzo te pone berraco,  esto está hecho para ti, pequeño depravado. Richardson sella el temarraco con acidez gástrico - eléctrica,  poniendo fin a un disco tan oscuro, raro y escaso,  como ENORME. 

Con sus apenas 30 minutos te deja saciado. Y fue la llave para las oficinas de RCA, donde editan con la misma formación,  pero con el nombre de Ivar Avenue Reunion.  Con invitados tan deslumbrantes como Lynn Carey (voz solista y pareja por entonces de Merryweather), Barry Goldberg (teclados, guitarra, voz) o Charlie Musselwhite (harmonica, voz), entre otros. El sello se fija en la pareja Merryweather / Carey y ve en ellos a unos nuevos Delaney & Bonnie. Les edita el excelente "Vacuum Cleaner" (71/ RCA). Que les lleva a la formación de Mama Lion, con dos explosivos álbumes de hard rock blues. A la vez, con la misma formación pero sin la Carey, formará Heavy Cruiser (otros dos discos). Le compra un Chamberlin a Sonny & Cher,  que será el sonido característico para su nuevo proyecto, Space Rangers. Un paso adelante evolucionando psych music con prog rock. Graba una demo a un desconocido Billy Joel, que le abrirá las puertas de Columbia. Lo demás,  es historia. 



Una temporada en Holanda lo hará ingeniero de sonido para el sello Dureco. Grabando entre otros a Carlsberg y al ex-Caravan, Dave Sinclair. También creará la banda Eyes, con miembros de Herman Brood Band. En los primeros 80, impulsa la carrera de la ex-Runaways, Lita Ford (fijación por las rubias, la de éste inquieto músico! ). Y en las siguientes décadas,  no paró  de hacer todo tipo de proyectos. Ha estado activo hasta el 2020. Todo un trabajador de la música,  al que pareciese más importante el crear, que buscar cualquier tipo de fama o notoriedad.

La verdad es que se le echará de menos.

J.J. IGLESIAS


Temas

A1 Aren't You Glad That You Know 0:00​

A2 City Boy 3:07​

A3 Dust My Blues 6:08​

A4 Flat Black 8:47​

B1 You Must Live It 13:03​

B2 Your Real Good Thing Is About To End 15:51​

B3 Local 149 19:25​









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MICHAEL LEE FIRKINS - Decomposition (1999, Provogue)

Es curiosa la reacción de la gente al enterarse de que un músico tan reputado como el guitarrista Michael Lee Firkins saca álbumes con cuenta gotas. Pero no, no nos confundamos, ya que desde que en 1990 se pusiera a la labor, no sólo ha buscado un camino en solitario, ya que su participación como mercenario de estudio es realmente extensa y digna de alabar. Sus seis cuerdas han compartido minutos de gloria junto a destacados músicos de la talla de Pat Traves, Jason Becker, Neil Zaza o Little John Chrisley; sin olvidarnos de que también se ha dejado caer por más de un álbum tributo.



En la despedida de la década noventas, y como si de uno de estos últimos trabajos se tratase, Michael Lee Firkins decidía compilar en un mismo CD algunas de las tonadas que más le atraen de la historia de la música. Dichas canciones, pasadas por la trituradora de la casa, encuentran su sitio en una obra que encandilará hasta al más sibarita. De Duke Ellington a Rick Derringer, de Hendrix a Henry Mancini, todo tiene una razón de ser, sobre todo si es este artista el que vuelve a dar tan singular vida a cada composición. Un acertado puñado de versiones que endulza con una composición propia, la impagable “The Window”, soberbia demostración de lo que es sentimiento y emoción aplicados a una creación musical.



En definitiva, otro larga duración en su excelsa línea para este auténtico virtuoso, siempre lejano de la imagen de ese “guitar hero” que se pierde por los laberintos de su mástil sin decir nada al oyente. Una figura siempre a considerar que brilla con luz propia, tanto en sus personalísimos trabajos como en las recopilaciones de su sello. Si no me creéis, sólo tenéis que echar una escucha a la quinta entrega de Where Blues Meets Rock, álbum en el que Micheal Lee Firkins se bate el cobre con maestros en la materia como Paul Gilbert, Michael Katon, Carl Verheyen o Dave Hole.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com










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Moon Satellite - Strange Music (2018/MS)

 En alguna ocasión ya lo hemos recordado. En la segunda mitad de los 70, el prog electrónico decreció poco a poco en su zona caliente, Alemania, para trasladarse a Francia. Allí se creó un pequeño gran búnker de músicos que sostuvieron el género con una nueva escena. Hasta la respuesta al Múnich Sound de los teutones, (con gran parte de músicos  kraut en sus filas), tuvo reflejo galo.



Space, Droïds, Cerrone, Space Art, Arpadys o Voyage.....Pero sería Jean-Michel Jarre con su single "Oxygene IV" el que pegaría el pepinazo mundial en las discos de todo el mundo. Aún a pesar de que lo suyo estaba más cerca de la Berlin School. Marc Perbal procede de Narcy, Francia. Supera ya la veintena de trabajos y su base musical es heredera del primer Jarre. Gusta de recitar auténtica poesía sonora con sus Mini Moogs Voyager, Yamaha AN1X, Roland SH201 o Korg R3. Bajo su alias Moon Satellite,  expresa romanticismo berlinés,  con intrínseca melodía de los contemporáneos franceses. Ahí pondríamos a Eliane Radigue, Gerard Grisey o Jean-Pierre Leguay. "Strange Music" es una obra de poco más de una hora, dividida en 7 partes ininterrumpidas. La calma noble de las primeras notas ya nos lleva al J. M. Jarre más majestuoso y "planante". Retro-síntesis armónica de total dominio melódico orquestal, sólo fracturado por elegantes desarrollos secuenciales de innegable procedencia kosmische. 

En su hábil conjunción encontramos belleza y romanticismo desbordante, aunque sea considerada por el autor, "Strange Music #1" (13'42). Una aproximación schulziana desde perspectiva francesa, sin duda. Ésa es su gran baza, como en su día fue para Jarre."#2" (7'32) entra en inevitable territorio Tangerine Dream de primera mitad de los 80. El tejido secuencial es indiscutiblemente soberbio, seda para oídos curtidos. Y sus adornos y arreglos flotantes llevan a "Equinoxe" o "Magnetic Fields" como espíritu inspirador. Un mar de secuencias de fantasiosa y futurista atracción nos depara "#3" (9'36), que rivaliza en recreación clásica con Synth Replicants. Sueño húmedo real para berlineses musical lovers. Conste que no anda alejada de los actuales Tangerine Dream, otros esforzados restauradores de sonidos arcanos. Sin silencios, entra "#4" (13'17) con suaves cadencias y capas acolchonadas de cierta seriedad y dramatismo. Que se aligeran con la entrada de hilo secuencial bien diseñado, un fuerte de Marc Perbal. Tonos muy equilibrados en sucesión melódica,  mientras corretean traviesos chorros de síntesis llenando el ambiente y reencontrando a las capas iniciales en total conjunción armónica. Su parte final resulta un highlight en el álbum. 

Como lo es también "#5" (5'48) y su particular homenaje a "Stratosfear". No desentonaria en tan inolvidable álbum.  Sin embargo, en sus raíces melódicas no puede (o no quiere) deshacerse de la sombra del primer Jean-Michel Jarre. La verdad es que Perbal me gusta mucho más que el actual autor de "Oxygene 3"! Así que nada que objetar. Para "#6" (8'50) se utiliza voz de soprano (sampler? Sinte emulador?), que recuerda la etapa de Klaus Schulze con Lisa Gerrard. Aunque Moon Satellite decide envolverlo en retro-secuencias de cremosa densidad.  Que llevan a un crescendo kosmische espectacular. Y otro de esos momentos grandes, en un álbum que entusiasma. Casi divino. Calma serena pero a la vez tensa inquietud. Que no cesa en ningún momento. Eso expresa la final "#7" (7'04) como broche de una verdadera joya del actual Berlín School.



 Nada que envidiar a los grandes, y un disco que recomiendo sin reservas. La "Extraña Música " de Moon Satellite, es lo que necesita la electrónica actual.

J.J. IGLESIAS













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