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HECENIA: “Légendes” (1989) “La Coleur Du Feu” (1994)

La década de los 80´s llegaba a su fin y empezaba a librarse en parte de esos sonidos plastificados y artificiales y con esas baterías machaconas e insípidas. Aunque también se prodigó mucho el hecho de programar la percusión. Después de la experiencia de Elohim los hermanos Trutet se embarcan en una aventura mucho más sinfónica que la anterior. En el momento que hablamos de elementos “sinfonizantes” automáticamente lo relacionamos con un teclista superdotado (en los dedos se entiende). Tal es el caso de Hecenia que tuvieron la suerte de encontrar a Thierry Brandet. Una especie de Wakeman-Emerson-Banks a la francesa de técnica prodigiosa y muy influenciado por los compositores de principios del XX principalmente de su tierra y esto inevitablemente llamó mi atención de mi otro “yo” clásico modernista. Estos dos discos, los únicos de esta refinada banda, fue otro regalo de Musea Records en esos tiempos de sequía que yo agradecí mucho. Brandet pronto se hizo con el liderazgo y con la composición. Los teclados lo ocupan prácticamente todo.



“Legendes” aunque editado en 1996 se graba en 1989 en puro symphonic rock con algún solo de guitarra añadido de Daniel Trutet pero dentro de las ensoñadoras estructuras neoclásicas del teclista. Es cierto que la batería artificial resta lo que podría haber tocado uno real pero afortunadamente tampoco es una de esas horrendas drum-machine que podemos escuchar en otras obras lastradas por ese insoportable martilleo. El primer CD lo ocupan 4 piezas de más de 10 mtos, prácticamente instrumentales y muy orquestadas por Korg Polysix / Poly-61, Mini-Moog y Ensoniq Mirage. La melodía y las bellas armonizaciones le dan un aire muy fairy-tale. La suave voz de uno de los hermanos Trutet aparece ocasionalmente y la música me recuerda mucho a las bandas japonesas sinfónicas de ese periodo y a ese Genesis irrepetible del Selling England. Predominio de lo delicado y de la ensoñación con fantásticos solos de mini-moog y esas cosillas puntillosas y alegres que solo nos gustan a los sinfo-prog recalcitrantes. Cero estructuras rock y mucha influencia clásica. Los de deditos con cuernos abstenerse. Disco muy, pero que muy bonito y para gustos finos y delicados que causará sarpullido a los contrarios.



“La Coleur Du Feu” de 1994 ya completamente instrumental es un perfecto acompañante del anterior y ya en manos absolutas de Thierry Brandet. La sofisticación del estilo avanza incluso más. Los Trutet han desaparecido y ya tenemos otro bajista y batería real. Las composiciones plenamente “afrancesadas” de Brandet se complementan con la arpista Delphine Douillard que le va perfectamente a la temática. Desde la impresionante pianística de “Capricornio” La arpegiada y rítmica “L´empreinte D´uranus” con estupendos cortes y ciclos de acordes. La soñadora “La Roue Du Temps”. El “Diálogo H2o” y su primera parte de órganos - moogs clasicistas a lo Ekseption o Trace y su mitad debussysta – raveliana de arpa y musas de elegancia sublime. Esa miniatura: “La Course des Nuages” con sus olores impresionistas y para culminar la larga suite de 24 mts “Les Jardins Ethernels” que nos retrae a esa Francia de la Belle Epoque y el modernismo y su inigualable lirismo y ternura. Ravel, Poulenc, Tailleferre o el propio Satie aparecen como espectros amables. Este álbum es una delicia y como tal será odiado o menospreciado por gran parte de la audiencia que tomó los caminos equivocados del prog actual y es una verdadera pena. Pero así son las cosas y así os las he contado.

Alberto Torró 


Légendes


La Coleur Du Feu











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RETROSPECTIVA: Músicos del siglo XX: Terry Kath (1946-1978)

 Inauguro nueva sección con la idea de abrir la puerta a otras músicas y a sus protagonistas donde los estilos aun incluso radicalmente diferentes hayan tenido una importancia histórica. Hablaremos de músicos de rock evidentemente porque mayoritariamente somos un soporte que nacimos con ese espíritu, pero también tendrán cabida protagonistas y compositores de jazz, clásica, folk, vanguardia o incluso todo aquello que sea difícil de clasificar por cualquier motivo. Inevitablemente todos los que nos dedicamos a escribir de música o a cualquier otra actividad artística reflejamos conscientemente nuestros gustos personales. Siempre ha sido así. Porque escribir sobre algo que no te gusta es aberrante y esquizofrénico. Los comentaristas musicales de medios donde cobran por ello se ven obligados muchas veces a pasar por este mal trago por imposición de la empresa o la compañía discográfica de turno. Yo ya no sé cómo funciona hoy esto porque toda la música se ha convertido en un producto de marketing indigerible salvo el autosuficiente que se permite la autogestión discográfica. Yo me he quedado obsoleto en esto afortunadamente y tampoco me interesa lo más mínimo. La música actual corta-pega y sus revivals stoners y pseudo lo que sea me aburren mortalmente.



Hay mucho tema musical en el siglo XX. Sería interminable La influencia de los compositores “revolucionarios” de su primera mitad es clave en muchísima de la música que nos gusta como lo es la influencia del jazz y las posteriores ramificaciones electrificadas. Todo hallazgo sonoro tuvo su influencia trasversal en cada una de las músicas que se crearon. Desde lo más ortodoxo y académico hasta lo más radical y avanzado. Ningún otro siglo ha sido más creativo que el XX. Es muy probable que muchos nombres que aparezcan sean para alguno algo desconcertante. Sin embargo, todo arte y la música el primero de ellos tiene siempre una base comparativa en todas las épocas. Porque se trata de una evolución constante. Un relevo creativo.

Cuando se habla de los héroes de la guitarra a todos nos vienen a la memoria los Clapton, Hendrix, Allman, Beck, Zappa, Page y un largo etc pero no suelen citar a Terry Cath que fue el líder de los Primeros Chicago. En palabras del propio Hendrix el mejor de todos. Terry Alan Kath nace un 31 de enero de 1946 en la ciudad que daría en nombre a su grupo. Como casi todos los llamados “genios” fue un músico autodidacta. De todos es sabido que la música es un “don” que se tiene y que en su ausencia por muchos estudios y mucha técnica de aprendizaje que se tenga jamás se llegará a ese misterioso punto de originalidad que destaca de los demás. Esto es extensible a todas las demás artes. Kath era un crío cuando empezó en diferentes bandas de blues, jazz, rock y pop. Tenía la habilidad de dominarlo todo. En esos primeros años 60 conoció al saxofonista Walter Parazaider y al batería Daniel Seraphine. Al poco tiempo se unirían James Pankow y Lee Loughnane formando la poderosa sección de viento y finalmente el teclista Robert Lamm y el bajista Peter Cetera completarían a Chicago Transit Authority que grabarían tres obras maestras en sus tres primeros dobles LP´s. En realidad la mejor amalgama de jazz-rock-clásica-pop que dio ese período irrepetible en la historia de la música de 1969 a 1971. Años tan locos como creativos. Las mejores composiciones de Chicago llevan su pluma y también toda la energía inicial que no duró más allá del volumen 7 en 1974 donde el grupo se pasa a la fórmula radio y a la música comercial en un lamentable giro del que ya no se recuperarían. Kath como guitarrista tenía un estilo enérgico inconfundible pero nunca fue un guitarra de insípidas y rápidas escalas. Su forma de tocar era irresistible y emocionante y dominaba como pocos la técnica. El empleo de fuzz y wah wah rubricaba y encendía la labor del resto de sus compañeros. Todos impresionantes músicos en cada uno de sus instrumentos. Pero Terry Kath le dio a Chicago su sello de identidad como banda única de jazz-rock.



 Su pérdida en 1978 fue irreparable y sumió a la banda en el desconcierto. Posiblemente la muerte más absurda de la historia del rock. Los zumbaos del Hendrix, la Joplin y el Morrison se fueron al otro barrio por gilipollas autodestructivos pero el caso de Terry Kath es más absurdamente lamentable porque en una de sus borracheras le dio por jugar con una 9 mmm a la ruleta rusa para hacer la gracieta con sus amigos y accidentalmente se voló la tapa de los sesos como un pardillo. Una pena ridícula es cierto y algo bastante habitual en el país de las armas sin control. No sabemos a donde habría llegado este músico. Lo cierto es que se dejó llevar por las canciones cursis de Peter Cetera en el resto de los álbumes de la banda y en caso de seguir vivo dudo que Chicago hubiese cambiado la dirección convencional que tantos dividendos y fama les dio a partir de 1975 y hasta nuestros días. Es cierto que en directo nunca se olvidan de su buena época y de las grandes composiciones lo cual es de agradecer.

Alberto Torró


Temas

0:00:00 - In The Country

0:06:51 - Free Form Piano

0:11:21 - Does Anybody Really Know What Time It Is?

0:15:14 - 25 or 6 to 4

0:22:17 - Poem for the People

0:27:56 - I Don't Want Your Money

0:33:02 - Mother

0:38:48 - It Better End Soon

0:53:27 - Beginnings

1:00:13 - Ballet For A Girl In Buchannon (Make Me Smile) / So Much To Say, So Much To Give

1:06:53 - Colour My World / Make Me Smile

1:13:05 - I'm a Man

1:21:33 - Bill Graham Closing Announcements













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RAY MANZAREK - The Golden Scarab (1974 / Mercury )

 Puede parecer chocante que un loco por la psicodelia como éste escriba, no sea un gran apasionado por The Doors. Habiendo sido el propietario de un bar llamado "Morrison Hotel", así podría parecerlo. Pero lo cierto es que mi aversión hacia Jim Morrison no ha hecho más que crecer con los años. Y sigue. Creo que fue el gran fraude del rock'n'roll. Con tanta suerte, que hasta el hecho de su muerte lo libró  de una irrefrenable decadencia paulatina, que probablemente lo hubiera llevado al olvido. Pero sentó las bases de lo que debe ser un frontman mesiánico de manual. 



Sería injusto dejar la cosa ahí. Porque el grupo era sensacional. Y Ray Manzarek, en mi opinión,  el alma del mismo. Así que al quedarse huérfanos del (engañoso) carisma de su cantante, el público les dio la espalda. Y la losa Doors pesaba demasiado. The Butts Band, (Krieger & Densmore), fue un intento desesperado, pero loable. Y excelente. Y Jess Roden pudo continuar perfectamente con la saga Doors. Que la gente se acostumbra a todo, créeme. The Butts Band hicieron dos majos discos que no conocen ni los "die-hards"  más pesadicos. Mientras, Ray Manzarek editaba en 1974 "The Golden Scarab". Producía,  no podía ser de otro modo, Bruce Botnick. Y reunía a un equipo impresionante. Tony Williams (batería), Jerry Scheff  (bajista de estudio de The Doors), Larry Carlton (guitarra) y una sección de percusión compuesta por Mailto Correa, Steve Forman y Milt Holland. Manzarek canta y toca (muchos) teclados,  sintetizador inclusive. 

La influencia brasileña ya sale en el inicial "He Can't Come Today", bajo una forma de samba-bossa-exótica,  recupera el alma de The Doors en su más pura esencia. No se las arregla mal con la voz, el líder. No puede (o no le dejan) olvidarse de Morrison, pero sale airoso. Y comprobamos que una influencia tan alejada de California, funcionó en el estilo de Las Puertas (de la Percepción). Larry Carlton está insuperable, y la maraña rítmica levanta el ánimo  más decaído. Ahora conecta con Steely Dan por las elegantes cuerdas del guitarrista, en "Solar Boat". Yacht rock que sigue contando con el reflejo subliminal de Doors. La única no firmada por Manzarek, "Downbound Train" (Chuck Berry), es una versión absolutamente doors-y, y en un "L.A. Woman" hubiera tenido perfecta cabida. Las teclas son una estampida de notas y la urgencia frenética del ritmo de la canción,  es apabullante. Un tren sin posibilidad de frenada, desbocado por los raíles del infierno. 

Cambiamos de onda. "The Golden Scarab" (6'42) nos acerca de nuevo al afro-jazz de unos Headhunters, Mandrill, Demon Fuzz u Osibisa. Vivo colorido percusivo no exento de psych vibes y continuadas referencias a la banda madre. El solo de kalimba lleva el tema a momentos progresivos no lejanos a un combo kraut, Can, por ejemplo. Fiesta alucinógena,  en cualquier caso. Damos la vuelta al vinilo y nos encontramos con "The Purpose of Existence Is?" (6'42). Jazz rock existencialista que no puede evitar al fantasma de Jim Morrison, (dicho con toda la mala leche del mundo, lo reconozco). Manzarek se mueve con total libertad, es su hábitat natural, y el corte resulta una sensacional exposición  de calidad doorsiana. Otra muestra más, de que pudo haber vida tras la muerte de ya sabes quién. Y más allá de sus dos discos sin él,  (que por cierto, siempre me han gustado). 

Para rematar, Carlton es un más que digno sustituto de Krieger, y sus punteos llevan la canción a niveles superlativos. La buena racha sigue con "The Moorish Idol"  (5'40), llena de moogs emersonianos.  Y que en manos de Ray, clama al dios Prog por un sitio en el Olimpo del género. Estamos en pleno 1974, así que es muy normal. De hecho esto es un instrumental de puro Emerson, Lake & Palmer feel. Y una pasada de bueno. Al Tarkus y el Manticore les salió un Escarabajo Dorado como amigo! Nueva invocación Doors con "Choose Up and Choose Off", a ritmo Steely Danesco y Cali-rock. Placer depravado escuchar a ésta banda, de verdad. Y Larry Carlton se hace con las riendas del asunto. El humorístico "Oh Thou Precious Néctar Filled Form (or) A Little Fart", con el saxo de Ernie Watts y la trompeta de Oscar Brashear, ponen el punto jolgorioso, casi propio de New Orleans, en un boogie made in Manzarek.



En la versión cd se incluyen tres piezas que se quedaron fuera en su día.  No temas, son excelentes y "Bicentennial Blues" (7'54) se sale. Para nada relleno. Ray Manzarek aprovechaba el tiempo sólo en calidad. Todo buen gusto.

J.J. IGLESIAS



Temas

A1  He Can't Come Today 00:00

A2  Solar Boat 04:41

A3  Downbound Train 10:41

A4  The Golden Scarab 16:14

B1  The Purpose Of Existence Is? 22:58

B2  The Moorish Idle 29:39

B3  Choose Up And Choose Off 35:18

B4  Oh Thou Precious Nectar Filled Form (Or) A Little Fart 40:02








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CAPHARNAÜM - Lesoleilestunebombeatomique (2007, Unicorn Digital)

Capharnaüm es uno de esos proyectos con los que rara vez te cruzas, y que, cuando lo haces, quedas prendado por su ilimitado conocimiento de las posturas estilísticas. La capacidad de mutar dentro de un mismo álbum sin que suene a forzado o fuera de lugar hace de un conjunto como el compuesto por Francois Blanchard, Maxime Brisebois, Philippe-Antoine Bernard y Marc-André Blanchard la necesaria esperanza de nuevas generaciones en comunión con cánones todavía por digerir para la masa de oyentes o compradores. 



En Lesoleilestunebombeatomique confluye todo lo aprendido en diez años de crecer como un núcleo de originalidad en busca de parámetros por los que generar sensaciones más allá de la simple escucha. La música pergeñada por estos canadienses evoca momentos e imágenes, al igual que colma la más simple de las escuchas. La sencillez con la que tornan del jazz fusión a las corrientes de metalizado heavy instrumental o al progresivo reconocido pero con lavado de cara, en fin, no suele ser harina de común costal.  

La modernidad de su visión les pone en pura velocidad de crucero creando las ondas que separarán a todos aquellos que no anden igual de bien provistos en cuanto a motores creativos se refiere. El punto base del que parte y sobre el que se apoya el sonido de este cuarteto es el trabajo frente a las seis cuerdas de los hermanos Blanchard, unos instrumentistas que pueden llegar a incluir instantáneas de Steve Hackett, Steve Vai o Johnny 5 en un mismo corte de audio. 



Su impronta es tal que no han tardaron en ser requeridos para aparecer en la brillante compilación de corrientes experimentales Lezarder, edición promovida desde Francia y Quebec. Todo un honor para unos músicos que están lejos de ser catalogados con una simplona palabra. Agarrarse a un término como el que preconiza la libertad únicamente valdría para dar pistas a aquel que quiera escuchar, el resto son conjeturas absurdas que desaparecen frente al colorido magnificente de este bullicioso mundo en miniatura condensado en cincuenta minutos. 

por Sergio Guillén 

sguillenbarrantes.wordpress.com


Para oír su música de forma gratuita entrar en: https://www.capharnaum.biz/fr/musique








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TANGENT DREAMS - Second Earth (2019 / TD)

Descubrí la existencia de Tangent Dreams el verano pasado. Y mi intención fue escribir sobre ello. Pero se me ocultaba, o no miraba en el sitio adecuado, los supuestos integrantes del "grupo". Una tribute-band de Tangerine Dream, con material propio. Loable. No veo diferencia entre éso,  y los actuales Tangerine Dream, la verdad.



Ahora por fín, descubro que detrás de Tangent Dreams está el británico James Miller. Juraría que eran más,  tal es el sentimiento de grupo que me transmitía. Miller lleva generando electrónica de calidad desde 1994, y cuenta con unos 25 discos grabados (incluidas remixers). Un reciente doble cd, "Edgar's Journeys", dedicado a Edgar Froese, clarifica intenciones. Dice tocar la guitarra eléctrica y el saxo, pero se considera, ante todo, un sintetista. Y bien que lo demuestra. En éste "Second Earth" dedicado a Marte, (toma del frasco, Rick!), hace un verdadero ejercicio de amor por la Berlín School.

"Approaching The Red Planet" (8'22) emociona desde el primer segundo, y uno se ve trasladado, o zarandeado en el tiempo, por los insondables sonidos ejercidos por el trío alemán en su Virgin 70s era. Mellotron omnipresente y ambiente de enigma arcano, que da paso a un salvaje trote secuencial de original melodía. Éste tipo sabe como tratar la síntesis. Modela a la vieja usanza, porque resulta que es más nueva e inexplorada de lo que creemos. "Sólo" hace falta un cerebro lúcido,  que sepa abrir portales con total dedicación y frescura. Se puede. Sigue la fiesta berlinesa (jarra de cerveza optativa), en "Oblivion" (4'51) y sus secuencias rítmicas made in Baumann adornando una pieza más orientada a comienzos 80, en la historia de la Mandarina. Una pequeña maravilla: "Mars Orbiter" (4'25), deslumbra con su facilidad para la dinámica fluida y el transcurso natural en su composición. Una constante en Tangent Dreams. 

El sentimiento retro se regocija en "Transformation" (2'41). No, no es "Rubicon" ni "Ricochet", pero podría. La introspección froesiana es fotografiada fidedignamente en "Cloudburst Flight" (7'52) (cover TD del "Force Majeure). Hasta que alcanza el vuelo al cosmos, con propulsión turbo de superior contenido ciber-informativo. Poderosas líneas de sinte y rítmica "en asteroides", como hipnótica fiebre cosmic-kraut. Obsesión por lo bien hecho y mano de orfebre de siglo XXI. Lo estoy disfrutando como si lo tocara yo mismo! Las inmensas planicies rojas cobran vida mental en "Arabia & Deuteronilus" (10'01), majestuosas dunas electrónicas llenas de vida inteligente en sus continuos cambios, efectos, sonidos, arreglos y momentos sensoriales de estudiada estrategia. Alan Parsons Project de los mejores tiempos podrían ser una buena referencia aquí,  aunque Miller lo tonifica todo con masajes electrónicos de precisa mano cirujana. La musa melódica está de su parte, y eso vale puntos extra.

En "Canyon Voices" (3'49) recrea paisajes desolados al estilo pictórico-sonoro de un Eddie Jobson berlinés. Al fin llega ése tema-suite que no puede faltar en una obra de éste tipo: "Deep Blue Dream" (17'08) tiene más de Miller que de los alemanes homenajeados. Pero eso no es malo. Creo que merece expresar su propio potencial, porque ya se intuye a lo largo de todo el disco. Se permite licencias más actuales, que sin embargo no chocan con el entramado global de la obra. Merece todos mis respetos. Sabe cómo acoplar nuevos aires, sin caer en una verbena chunda-chunda. Y eso es difícil. Lo sé por experiencia. Digamos que es como un "Trans-Europe Express", en tren de alta velocidad japonés.  Una proeza.

 Todavía nos quedan tres piezas cortas, - los 70 mts no se los quita nadie-,  para ratificar que Tangent Dreams, como los actuales Tangerine Dream, tienen mucho que ofrecer a día de hoy. Representan a la New Berlín School, en su imagen más pública. Es hasta necesario.

J.J. IGLESIAS




Temas

1. Approaching The Red Planet 08'22 00:00

2. Oblivion 04'51 08:29

3. Mars Orbiter 04'25 13:28

4. Terraformation 02'41 17:56

5. Cloudburst Flight (remix) 07'52 20:41

6. Arabia & Deuteronilus 10'01 28:36

7. Canyon Voices (Ocean Laser Mix) 03'44 38:42

8. Deep Blue Dream 17'08 42:30

9. Olympus Mons Evening Train 02'54 59:36

10. Valles Marineris Park 03'57  01:02:32

11. A New Destiny 03'15 01:06:32







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KING MO ‎– Live In Holland (2010)

Sin duda, Phil Bee, es uno de los mejores vocalistas de rock blues del continente europeo, En 2015 fue galardonado con el premio Dutch Blues, siendo nominado cuatro veces más en 2012, 2013, 2016 y 2017. Ha compartido escenario con músicos de la talla de Noel Redding, Steve Lukather y Jan Akkerman, entre otros muchos.


En 2008, Phil Bee, junto al guitarrista Sjors Nederlof (ex-The Strikes) forman el grupo. En esa primera formación también contaron con Colly Franssen (Hammond), Eric Fox (bajo, coros) y Remco van der Sluis (batería). Ese mismo año grabarían su actuación en La Bonbonnière que se editaría al año siguiente como su primer disco. Su segunda producción, "Sweet Devil", obtuvo gran reconocimiento por parte de la crítica consiguiendo diversos premios sus integrantes.


Esta grabación corresponde, en realidad, al primer disco de King Mo grabado en directo en La Bonbonnière, en Maastricht en 2008. La música del grupo camina con soltura por el mejor rock blues. Gran cantante, Phil Bee. Un guitarrista, Sjors Nederlof, alumno aventajado del gran SRV. Acompañados por los toques sutiles del Hammond de Colly Franssen. Y por último una efectiva y finísima sección rítmica, Eric Fox (bajo) y Remco van der Sluis (batería). Por otra parte en tres cortes tenemos como guitarrista invitado a Charly Verbinnen. El "setlist" lo componen nueve temas, sólo uno de ellos propio, "Down the line", compuesto por su vocalista, Bee. El resto son excelentes versiones entre las que podemos destacar "Jesus Just Left Chicago" (ZZ Top), "Little Wing" (Hendrix) y por supuesto la traca final, "All Along The Watchtower " (Dylan), donde se unen a la fiesta  Jan Akkerman y dos miembros de su banda, Coen Molenaar (teclados)  y Wilbrand Meischke (bajo). Hay que reconocer que los Países Bajos, siempre nos han dado buenas alegrías, al menos en el terreno musical.
J.C.Miñana






 





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QUERCUNIAN CAMERATA (Rockliquias Bandas)

 Quercunian Camerata realizan un tipo de música muy alejada de lo que cabría esperar por sus orígenes (Sevilla). Se me ocurren tres palabras para definirla, Pura Belleza Musical. Hablamos con uno de sus miembros, Juan Sulis, para adentrarnos en su mundo.


Rockliquias.- Hola amigos ¿Quiénes son QUERCUNIAN CAMERATA? 

Muy buenas, amigos de Rockliquias. Quercunian Camerata surge hace unos 15 años. Surge en Sevilla como un proyecto entre dos amigos: Alejandro Suárez y Juan Sulis que ya llevaban tocando muchos años juntos en otros proyectos previos. Desde la adolescencia tocábamos juntos en diferentes bandas (Estibba, Dharma, Eliphas Levi, …) en las que, fundamentalmente, casi a modo de preparación para el futuro, hacíamos versiones de nuestras grandes referencias del Rock Progresivo: Gentle Giant, Yes, Jethro Tull, Génesis, King Crimson, …

Lo cierto es que fue un proceso largo y en el que, como imaginaréis, las salas no se llenaban mucho pues, en definitiva, ¿quién conoce, por ejemplo, a Gentle Giant? En Sevilla, en esos años (principio de los años 90), hubo una explosión de grupos de Rithm&Blues y de versiones de Led Zeppelin, Jimmy Hendrix, Deep Purple, etc… Nosotros también participamos de aquel movimiento, pero pronto nos cansamos y, cuando adquirimos cierta pericia necesaria, dimos el salto hacia lugares que nos eran más cómodos y naturales en los que poder desarrollar nuestras influencias progresivas.

En la génesis de Q.C. han participado muchos otros amigos: Cristian Suárez (batería), Eduardo Camacho (teclista), Juanjo López (teclista), Ana Fernández (bajo), Kiaran Gutiérrez (flautas), … pero lo cierto es que, finalmente, Quercunian Camerata somos Alejandro y yo (Juan).

Tal y como os adelantábamos, Q.C. nació hará como unos 15 años. Alejandro, Belén (mi entonces novia) y yo charlábamos mientras dábamos un paseo por un tranquilo bosque cercano a Sevilla. Allí mismo, en aquel sugerente ambiente, decidimos que teníamos que crear un proyecto basado en la idea de narrar historias que pudieran ser tocadas en directo en entornos como aquél.

Rockliquias.- ¿ Cuáles son vuestros grupos de referencia musical?

Son influencias que cualquier aficionado al Rock Progresivo “sentirá” rápidamente escuchando nuestra música. Desarrollando un poco más lo que ya hemos comentado, nuestras innegables fuentes son Gentle Giant, Genesis (Gabriel age), Jethro Tull, Yes, King Crimson, Magma, Premiata Forneria Marconi, Anthony Phillips, Van der Graff Generator, Amazing Blondel, Camel, … bufff… hay tantos maestros que nos han influenciado. Pero esta influencia no se limita únicamente al Rock Sinfónico/Progresivo, sino que somos grandes amantes de la música de épocas y estilos tan diversos como la música renacentista, la música sinfónica del siglos XIX y XX, el Jazz, etc…


Rockliquias.- Vuestra música está llena de sensibilidad y belleza. En mi opinión mezcla conceptos músicales del tipo Gentle Giant,  Anthony Phillips,  Premiata Forneria Marconi o incluso los primeros Genesis. ¿Cómo la definiríais vosotros?

Pues francamente, creo que la has definido muy, muy bien. Podríamos decir que somos una mezcla de Jethro Tull, Gentle Giant, Genesis y Magma. Si los metes a todos en una coctelera creo que sale Quercunian Camerata. Sí, Q.C. es un cocktail, fundamentalmente, de eso.


Rockliquias.- ¿Qué significa Quercunian Camerata?

Tal y como os comentábamos, la idea surgió charlando por un bosque: rodeados de alcornoques, encinas y pinos. Nosotros nos sentimos fundamentalmente eso: bosque, madera, barricas de vino… En dicho sentido en un principio nos autodenominamos “Quercus” que es el nombre que da a la familia de árboles que producen bellotas. Vimos que era un nombre muy usado ya por otras bandas, así que le añadimos lo de Camerata (que es un tipo de agrupación musical surgida en el barroco) y con el paso del tiempo el Quercus acabó derivando en Quercunian. Creo recordar que fue casi una cuestión caligráfica, por lo bonito que quedaba el nombre escrito. Poco más.

La cosa es eso, que nos suena, casi que nos huele, a bosque, a madera, a tierra recién mojada por la lluvia, a romero, a lavanda, … 

Como anécdota os comentaré que Alejandro en cada concierto explica de una manera diferente la procedencia del nombre, lo que hace que la raiz del mismo permanezca siempre difusa. 


Rockliquias.-  Vuestro primer trabajo, "Prometeia", ve la luz en 2015. Una obra conceptual. ¿Nos podéis comentar detalles del mismo? 

“Prometeia” fue, efectivamente, nuestro pistoletazo de salida. Ahora con el tiempo, yo particularmente, lo veo como el inicio de un camino hacia la búsqueda de nuestra esencia. Basándonos en el mito de Prometeo fuimos explorando melodías y sonidos. Si uno se fija en la producción del disco puede observar una clara evolución en la que se refleja cómo poco a poco íbamos asentando nuestra esencia. En un principio hubiéramos querido que el disco tuviera un perfil más “acústico”, más seco, más sobrio, pero, bueno, el proceso de composición nos fue guiando por sí mismo hacia los lugares comunes del rock progresivo que se recogen en el disco.

Fue grabado a distancia casi exclusivamente por Alejandro y Yo, intercambiando ficheros de audio en jornadas muy intensas de creatividad, esfuerzo, amistad y pasión por la música.

Posteriormente con la activa colaboración de Cristian (batería), Ana (bajo), Rafo (teclados), Mónica (narración), David Snyder (narración en inglés), Kiaran (flautas), pudimos llevar el proyecto al directo y dar varios conciertos representándolo. Fue muy satisfactorio (algún que otro vídeo hay por ahí por youtube con los directos).

Rockliqias.-  La portada me encanta, me recuerda lejánamente a las de Magma. ¿Cual es su significado y quién es su autor?

Es cierto que la portada de Prometeia tiene un aire similar a las portadas de Magma y aunque no fue buscado a posta, estoy seguro que rondó la cabeza del autor del mismo Paco Serrano, diseñador Gráfico sevillano, gran quercuniano, amigo y melómano. El diseño es una mezcla de la letra “Q” de la palabra Quercunian y la “C” de Camerata, tratadas de manera magistral por Paco. 


Rockliquias.- Pasan dos años hasta la publicación de vuestro segundo trabajo, "Ponce". ¿Cómo ha evolucionado vuestra música en ese tiempo?

Realmente ha pasado más tiempo desde Prometeia, ya que Ponce se inició en 2017 pero aún no está acabado. 

Ponce, está más cercano a las sonoridades del renacimiento, con un tratamiento o envoltura sinfónico-progresiva. En Ponce se percibe más la madera, la sobriedad. El álbum tiene un carácter conceptual más marcado, más continuo. Se perciben más claramente nuestras influencias de la música modal renacentista.


Rockliquias.- El EP gira entorno a la figura de Juan Ponce de Léon. ¿Por qué esa elección?

Pues más o menos ya lo hemos dibujado anteriormente: es un intento de traer al presente la épica de la vida de un hidalgo español de principios del XVI, Juan Ponce de León y Figueroa, con sus luces y sombres, aprovechando el mito de la búsqueda de la fuente de la eterna juventud con el que se le vincula.


Rockliquias.- ¿Nos podríais desarrollar el concepto del disco asociándolo a los diversos temas que lo componen?

El disco se divide en tres actos entre los que se verá un marcado desarrollo (aunque no estrictamente). En primer acto veremos música más modal, con mayores influencias de Jethro Tull y del renacimiento. En el segundo acto notaremos una evolución del carácter de los personajes en los que empezaremos a observar elementos más en la línea de Gentle Giant y Génesis. En tercer acto los españoles harán su particular descenso a los infiernos y esto se verá reflejado en una música más “temible y caótica”, más cercana a Magna. Los españoles se ven abrumados por las rarezas del nuevo mundo. Verán que sus esquemas, sus ideas, carecen de significado en esa tierra desconocida y poco a poco modificarán sus esquemas mentales. Aun así, en este acto aún habrá momentos en los que Ponce sea capaz de retrotraerse a sus orígenes en lances en los que se podrá percibir influencias del Genesis de la era Gabriel en la que Ponce muestra una madurez producto de la síntesis de culturas. 

Overture:

Se nos hace un dibujo general de la aventura que se aproxima. Una nota pedal nos guía a través de melodías atónicas hacia un mundo en el que se rompen todos los esquemas occidentales conocidos.

Nobleman:

Se trazan las líneas biográficas de un noble español caído en desgracia que busca fortuna en el Nuevo Mundo.

La Taberna:

Ponce, entre vinos, comparte con sus amigos las maravillas que les esperan al otro lado del océano atlántico.

Mr Gold:

Ponce ya navega hacia el Nuevo Mundo, hacia su nueva vida plagada de sugerentes incertidumbres.

First time:

Refleja el amanecer de un nuevo mundo de posibilidades. El despertar a una nueva vida.

Hidden treasure:

Comienzan, entusiasmados, la búsqueda de la mítica Fuente de la Eterna Juventud.

Interlude I:

Un entreacto. Una pieza de Juan de la Encina interpretada bajo nuestra óptica.

The Old man’s tale:

Un anciano narra a Ponce las maravillas que le esperan en lo profundo de los bosques pero, a la vez, le muestra que la búsqueda de por alcanzar todo sueño puede implicar el pago de un alto precio.

The battle of the 42:

Se producen enfrentamientos entre españoles e indígenas.

Interlude II:

Una pieza de Pierre de Attaignant interpretada bajo nuestra perspectiva.

The mothers of creation:

Ponce asiste a ritos y liturgias indígenas que le dejan maravillado.

….

Continuará

Rockliquias-. Estamos en 2020, ¿Qué ha sido de la banda durante estos tres años?

Han sido años en que hemos estado sumergidos en proyectos de otra índole. Alejandro es profesor de percusión en el Conservatorio Profesional de Música de Cádiz y ha estado desarrollando multitud de actividades de innovación que acerquen la música que se hace en los conservatorios al público externo.

Yo por mi parte he estado inmerso en un proyecto de publicación de un manual que me ha tenido bastante absorto, la verdad.

No nos dedicamos profesional y exclusivamente a Q.C. y, por ello, a veces nuestros discos sufren retrasos y dilaciones. De cualquier manera, ahora estamos en plena fase productiva y de dedicación a Ponce que en pocos meses (semanas) debe estar terminado.


Rockliquias.- ¿Para cuando la publicación de un nuevo proyecto ?

Bueno…. Francamente, ahora mismo todas nuestras energías están en Ponce. Soy incapaz de imaginar un escenario, una historia más sugerente… pero seguro que a las pocas semanas de que Ponce esté terminado, nos surge alguna chispa.


Rockliquias.- Sois de Sevilla, demostrando que se puede hacer una música diferente a la típica de los grupos de la zona .

Nos encanta este aspecto. Ciertamente, estamos un poco cansados de la visión del sur como un lugar de pandereta y “flamenquito”. Sevilla es una ciudad con casi 700.000 habitantes (superando el millón si tomamos todo el área metropolitana). Aquí, como se dice, “ya hay de todo”. Nos rebelamos con que se nos encasille como una tierra de toreros y fandangueros. No tenemos problema con el flamenco, por supuesto, pero nosotros bebemos de una tradición diferente. Sevilla, precisamente en los tiempos de Ponce de León, era la Nueva York del mundo. El lugar desde el que se daba el salto al Nuevo Mundo (ahí es nada). Una ciudad cosmopolita, hervidero de culturas, puramente renacentista (no hay más que pasear por sus calles para sentir aquellos tiempos). Nuestros referentes no son Camarón de la Isla o el Lebrijano, sino algo mucho más cercano a nuestras raíces: Tomás Luis de la Victoria, Francisco Guerrero, Juan de la Encina, … pero también John Dowland, William Bird, … hombres del renacimiento. No en vano, en nuestras letras mezclamos a antojo letras en inglés o en español. El mundo renacentista empieza a ser sólo uno.


Rockliquias.- ¿Qué pensáis de la" nueva normalidad" y de que forma puede afectar a la música?

Obviamente hay (y hasta que no se dé con la ansiada vacuna que se busca hoy cual Ponce buscaba en su época la fuente de la eterna juventud, habrá) un serio problema con la música en directo.

A nosotros, ahora mismo no nos afecta, pues estamos en fase compositiva… sin embargo a la hora de llevarlo al directo, habrá que buscar alternativas como, por ejemplo, emisiones en directo online. No tenemos problemas con la “no-presencialidad”. Estamos acostumbrados a trabajar a distancia y las nuevas tecnologías conforman una plataforma de difusión cuyo único límite es la imaginación.


Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descarguen vuestra música y vayan a vuestros conciertos?

Sencilla y honestamente que lo disfruten, que se dejen llevar. Que se sumerjan en un mundo extraño en que folklore, rock progresivo y fantasía se aúnan a un periodo tan sugerente como la era de los descubrimientos en la que la capacidad de sorpresa del hombre estaba aún intacta. Que se sumerjan en selvas y bosques desconocidos, plagada de seres imposibles y situaciones límite. Que sientan cómo, paulatinamente, un hombre occidental desciende a la locura recorriendo tierras aún ignotas.





Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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ALCO FRISBASS: “Alco Frisbass” (2015) y “Le Bateleur” (2018)

 Mientras las crónicas de septiembre andan revueltas vamos buscando entretenimientos que nos aíslen en parte del mono-tema pandémico ya convertido en culebrón y dando trabajo a sanitarios y funerarias. Mientras escribo estas líneas las noticias dicen que literalmente el virus “ha estallado en Europa” por segunda vez y se expande sin freno como el regetón. Más nos vale que la vacuna llegue pronto o apañaos estamos. Pero mientras esperamos que nos apañen del temido contagio vamos realizando nuestras dependencias y hábitos melómanos para seguir manteniendo nuestras particulares patologías musicales. Todo es patológico en la vida: el amor, la amistad, las costumbres, las manías y la selección natural. De alguna forma hemos confeccionado las aficiones y las pasiones artísticas para escapar de la realidad. Lo inventamos todo para no tener que pensar en el problema de haber nacido. 



Pero el hecho de que de vez en cuando la música pase el listón de la mediocridad es una alegría a celebrar. Alco Frisbass es el nombre de un dúo francés: Fabrice Chouette y Patrick Dufour ambos teclistas habilidosos, multi-instrumentistas en realidad y con buenos argumentos de composición. Son franceses pero en este primer trabajo al menos hijos adoptivos del sonido Canterbury sin ningún complejo y ampliando lo que los vagos y disolutos músicos del condado de Kent dejaban siempre a medias concentrando siempre lo bueno en un par de discos a lo sumo y moviendo el culo hacia otros caprichos sonoros. La siempre irregular historia de esa etiqueta de leyenda incapaz de desarrollar una discografía en una línea que potenciase los buenos descubrimientos y hablo en concreto de la tríada de teclistas que lo confeccionaron: Sinclair-Ratledge-Stewart que siempre fueron un coitus interruptus. Para ser exactos solo hay un “Nine Feet Underground”, un “Out Bloody Rageous” o un “Mumps” para los que nos gusta ese órgano melódico-imaginativo-distorsionado y abrasivo y sí claro alguna cosa más. Pero encontrar un filón como ese y no desarrollarlo a través de los años es una verdadera lástima. Ese es mi amor odio con el Canterbury: se quedaron demasiado cortos y para colmo algunos renunciaron a su pasado. Muchas veces los músicos crean cosas que otros continúan con irregulares resultados normalmente, pero en el caso que nos ocupa lo han sabido hacer muy bien y con originalidad. El sonido de los Alco Frisbass es algo exquisito, melódico muy bien construido y mejor interpretado. Los fanáticos de Canterbury sabrán apreciar esto con naturalidad. Aquí tenemos esos sonidos de teclado y esos ritmos de prog-jazzy de alta calidad. Hay que añadir a todo esto buenos solos de violín y guitarra de algunos músicos invitados para la ocasión. 



El primer trabajo de 2015 es un hermoso paseo instrumental lleno de detalles, cambios y entretenidos pasajes. Todo lo que un prog pata negra necesita y nada de neo ni paja sonora. Los bonitos sonidos de las diferentes teclas te van a saciar pero a base de bien. Lo tienes todo: pianos eléctricos, órganos, sintes, melotrones, strings con el sonido clásico analógico o al menos muy bien conseguido. La batería está programada pero los no muy perspicaces apenas lo notarán y lo más importante las composiciones tienen un sentido y un desarrollo algo que no se aprecia en el prog moderno. Un primer paso con seis temas largos a escuchar de tirón. 



La siguiente grabación “The Bateleur” de 2018 se convierten en trío con Frederic Chaput al bajo las guitarras y más teclados. Aparecen también los hermanos Payssan y el bajista de Minimum Vital otra banda imprescindible del prog galo. Cinco largos temas y otra apuesta de disco elaborado aunque la música cambia ligeramente con algún detalle más de perfume avantgarde que tampoco viene mal. La guitarra es muy Phil Miller y el mellotrón inquieta el ambiente.  Las elaboradas piezas transcurren en esa fina línea entre la fusión, la vanguardia prog y el rock sinfónico. No es tan “canterburiano” como el anterior y se nota la firma de los Minimun Vital en muchos momentos y a nivel de calidad en la misma línea. Esperaremos el siguiente paso.

 Alberto Torró


Alco Frisbass


Le Bateleur







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