THE BLUES FREAKS - I'll Take the Blame... (2017) (Entrevista) (Rockliquias Bandas)

The Blues Freaks nos llegan desde Toledo.  La banda se formó a finales de 2016 y está integrada por Buddy García (Guitarra, slide), Sépul Sepúlveda (batería) y John Duer (bajo, voz). Su primer concierto lo dieron dos meses después en la sala Pícaro (Toledo).

En Octubre de 2017 editan su primer trabajo, "Ill Take the Blame...".  Hablamos con ellos para conocer algo más sobre el grupo. 

Rockliquias.- Nos podéis contar vuestras trayectorias musicales antes de formar la banda.

John empezó a tocar en directo profesionalmente en el año 1979, siendo el guitarrista rítmico de un grupo de blues en Austin, Texas. Desde aquel entonces, ha tocado en más grupos que puede recordar, grupos de blues, rock, y country.

Jose Luis Sepúlveda “Sepul”, batería empezado a tocar en 1994, desde entonces ha estado en más de 20 grupos diferentes, siempre perteneciendo a más de uno, algunos ejemplos Gomatres, De Pinnic, The Lujamen Brothers, Los Flacos …

Jesús García “Buddy” guitarra y voz, lleva más de 20 años en el mundo de la música intercalando diferentes formaciones como Shulte, New Old Stocks, The Lujamen Brothers, De Pinnic…

Tanto Buddy como Sepul han compartido muchísimas formaciones juntos.

Rockliquias.-  Dos toledanos y un norteamericano se juntan para formar un grupo de blues ¿Cómo surge la idea?

Nos conocimos cuando Buddy y Sepul estaban grabando un disco para un cantautor toledano. Estaban buscando un sonido más Americano, más country, el sonido que el cantautor buscaba. Después de conocernos en un local, en un bolo de otro grupo de blues en Toledo, me invitaron a grabar en el disco, a ver cómo sonaría. Al final, grabé casi todos los temas. Pero entre tomas en el estudio, nos pusimos a hablar del blues, y pensar en juntarnos. Después de terminar y publicar el disco empezamos a tocar, a ver si saliera algo que nos gustara. Dos meses de ensayo, y estrenamos The Blues freaks en enero de 2017.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Las influencias que llevamos en este proyecto son del blues muy antiguo, de los años 1930-1940. Es un blues muy sencillo, muy country, del delta del río Misisipi, de Memphis, Tennessee. El blues antes de que llegara a Chicago, antes de “urbanizarse”. Artistas como Kokomo Arnold, Casey Bill Weldon, Walter Coleman, Tampa Red. 

Rockliquias.-  En 2017. el mismo año de la creación del grupo, editáis vuestro primer disco, "I'll Take the Blame​.​.​." . ¿Qué podéis comentar sobre este proceso?

En 2017, empezamos a grabar nuestro primer disco, pensando en producir algo para conseguir bolos, algo para enviar a clubes, festivales, y tal. Nos dimos cuenta que estábamos grabando música muy distinta a la que se escuchaba en España, y empezamos a pensar en un proyecto un poco más atrevido. Un día, Sepul dijo, “¿Qué tal, si grabamos algunos temas nuestros?”, los cuales, en aquel entonces, no teníamos. Pero John ya había compuesto algunas letras, que no había tenido tiempo para convertir en canciones. Trabajando juntos en el estudio, montamos los temas que saldrían en el disco, además de algunos otros que no elegimos para la publicación. 

Rockliquias.- Habéis elegido realizar blues de los años 30 - 40, algo realmente novedoso en España más dedicados a décadas posteriores. Nos podéis razonar esta elección

John nos ha mostrado temas y personajes del Blues del Mississippi, Memphis, Tennessee… y nos sorprendió gratamente, gente que nunca habíamos escuchado y nos alucinaba. Para él como norteamericano es su música, su cultura, nosotros habíamos escuchado mucho Blues, pero es cierto que mucho más moderno. Decidimos que eso era lo que queríamos hacer, tenemos una gran suerte de tener a John como guía en estos asuntos y nosotros absorber directamente de él. 

Tenemos como filosofía de la banda centrarnos en ese tipo de Blues más añejo, que como bien dices en España no hay mucha gente haciéndolo.

Me resulta muy curiosa las letras de estos Blues antiguos, donde había muchas cosas que no se podía decir y como lo camuflaban para contarlo, no? Y también unas letras muy agresivas, sobre todo a la figura de la mujer, afortunadamente eso ha cambiado, pero está bien que haya bandas que recuerden que hace 60 años estábamos realmente mal en este tema y que todavía hay muchas cosas que cambiar y por las que luchar.

Rockliquias.-  La portada del disco y la localización del videoclip promocional corresponde a la estación de Algodor. El tren siempre ha estado muy unido a la imagen del blues ¿ese es el motivo de su elección?

Si,si, tanto la portada del disco, realizada por un fotógrafo amigo nuestro llamado Vicente Hernández, como el vídeo promocional realizado por otro amigo nuestro llamado Salva Díaz, están hechas en una estación de tren cerca de Toledo, la de Algodor, la estación está abandonada y tiene un aspecto muy antiguo, nos transportaba a otra época, creíamos que iba bien con la imagen que queríamos transmitir, creo que ha quedado todo muy bien. Gracias a estos dos fenómenos.

El Tren, el viaje, el camino, en no estar en “ningún lado” son recursos que se han utilizado mucho en el Blues, esta música está llena de sentimientos, creo que muy relacionada con estar en perpetuo cambio, siempre claro con malas compañías, jeje, 

Rockliquias.-  Vuestro videoclip promocional corresponde al tema, ""Don't Be Looking For Me", ¿ Cómo ha resultado la experiencia?

La verdad que ha sido muy divertida, cargamos la furgoneta con todo lo necesario y estuvimos tres días de grabación. El entorno de la estación es muy bonito y estas en el campo, al final conocíamos a todos los vecinos que vivían por la zona, que se acercaban a ver la grabación, así nos enteramos que Almodóvar había estado grabando también allí.

Nuestro amigo Salva Díaz se encargó de la producción, grabación y montaje y el resultado creemos que ha sido muy bueno.

Rockliquias.- El disco contiene nueve temas entre ellas tres versiones

Si, el disco tiene 6 temas propios y 3 versiones Back Door Blues de W. Welson, He´s in the Jailhouse Now de A. Pink Anderson y Sold My Soul To The Devil W. Welson. Lo demás son temas nuestros. Cuando nos pusimos a grabar lo primero que hicimos fue hacer un disco entero de versiones, pero más tarde nos dimos cuenta que queríamos hacer temas nuestros y empezamos a  grabar nuestros temas, luego alguno de nuestros temas se quedaron fuera en la publicación y la mayoría de las versiones.

Antes del verano queremos meternos a grabar nuestro segundo disco, donde también seguro aparecerá alguna versión, pero la inmensa mayoría de las canciones serán nuestros. Ya tenemos unos 8 temas propios y algunos de esos temas los estamos tocando en directo.

Rockliquias.- ¿Algún tema con el que estéis más satisfechos?

La verdad es que estamos muy satisfechos con todos los temas, pero si hay alguno que nos guste especialmente es “Hurtin’ Blues”. Creemos que todos los temas han quedado muy redondos, ha sido una grabación que ha resultado muy fresca porque todo ha surgido de forma muy natural.

Rockliquias.- Nos podrías comentar algo sobre las notables colaboraciones que contiene la grabación

Hemos tenido el gran placer de contar con grandes amigos que viven en nuestra ciudad, como Julián Maeso al Hammond, Amable Rodríguez a la guitarra, Sergi Fecé al piano, Toño Llorente a la Pedal Steel, y Paco Cerezo al bajo. Todos han aportado algo a los temas para que sonaran más redondos, además del buen rollo y muchas risas en la grabación. Son amigos, hemos tocado y seguimos tocando en otras bandas, por lo que nos ha resultado muy fácil y gustoso contar con ellos.

Rockliquias.- ¿Cómo van los conciertos de presentación?

Bien, muy bien. Empezamos en febrero y tenemos hasta finales de junio, por lo que estamos en la mitad de la gira, en verano algunos, festivales. La respuesta del público está siendo muy buena, de gente de las salas también, lo que agradecemos muchísimo. Nos quedan ciudades como Valladolid, León, Zamora, Santander, Torrelavega, Lugo, Vigo, A Coruña, entre otras, donde tenemos muchas ganas de ir y ver la reacción del público. Para nosotros está siendo una gran experiencia y para John está conociendo España y su gastronomía.

Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Toledo?

Estos últimos años la ciudad alberga muy buenos músicos, por lo que hay proyectos muy interesantes, como hace años que no había. Como siempre, falta mucho por hacer por parte de todos, para que pueda haber más locales que puedan hacer música en directo ya que hay muchos grupos que no tienen las oportunidades para poder tocar. Por suerte en Toledo, a pesar de ser una ciudad pequeña, tenemos varios locales como “El Internacional”, “Pícaro”, “Los Clásicos” … donde se pueden ver conciertos habitualmente. Vivimos en una ciudad Patrimonio de la Humanidad, con mucho turismo y debería haber más música debería en la calle, y por desgracia eso no pasa.

La ciudad no alberga ningún festival de ningún tipo de música, ahora nosotros conociendo otras ciudades, vemos que hasta en pueblecitos pequeños hay unos festivales de música muy interesantes que te quedas muy sorprendido no?. Eso en esta ciudad o pasa.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Si les gusta el Blues, creemos que te gustará nuestro disco. Hemos intentado respetar lo máximo posible un Blues con raíz. Eso lo tienen que juzgar ustedes, si lo hemos conseguido.

 Respecto al directo, los tres amamos lo que hacemos, y creo que eso se nota a la hora de tocar. Además de los temas del disco, hacemos un recorrido por los temas clásicos de Blues de los años 30 y 40, hasta los años 60. En el concierto puedes disfrutar y escuchar Blues muy añejo y al mismo tiempo puedes bailar o no parar de mover el pie. Lo recomendamos 100 %. Espero que pronto nos podamos ver en alguna ciudad.

The Blues Freaks nos trasladan al delta del Misisipi con nueve temas cargados de buen blues. Para nada nos tenemos que desplazar al sur de los States,  los tenemos aquí y seguramente los podréis ver en cualquier festival de blues de nuestro país. Influencias claras de gente como Taj Mahal o Jimmy Reed.  En definitiva The Blues Freaks es blues y punto.  ¿Necesitamos algo más?. 
J. C. Miñana

Contacto:

Facebook https://www.facebook.com/toledoblues

Bandcamp: https://thebluesfreaks.bandcamp.com/

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCkwA50g--TKFckv1LZxw1Sg/featured

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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LE ORME: INTRODUCCIÓN (1969 – 1971) - Collage

Los orígenes de esta banda, una de las más antiguas de Italia, se remontan a 1966 en el área de Venecia, concretamente en una localidad próxima llamada Marghera.

 Como la mayoría de grupos italianos de los sesentas Le Orme, traducido como “Las Huellas” o “Los Pasos” (curiosamente había un grupo español con ese nombre en esa época) era un cándido combo de pop con pequeñas ínfulas psicodélicas y todavía muy lejos de adentrarse en la “moda” prog importada de Inglaterra. La formación inicial de la banda fue un quinteto con Aldo Tagliapietra (guitarra y voz). Nino Smeraldi (guitarra solista). Claudio Galietti (bajo) Toni Pagliuca (órgano y piano) y Michi Dei Rossi (batería). Sus primeros trabajos discográficos entre 1967 y 1969 fueron varios singles y canciones sueltas que en 1970 aparecerían en un LP llamado “L´aurora Delle Orme” pero su primer larga duración fue en realidad en 1969 con el nombre de “Ad Gloriam”. Estos discos nada tienen que ver con el progresivo como digo y son simples canciones agradables de su época, ya muy demodé como sucede con una música hecha para las tendencias de su época. Suenan muy hippiosos con vocecitas “lalala” y guitarras muy psych que no dudo encantará a muchos nostálgicos de los sesentas. El éxito fue discreto y no pasó de sus fronteras geográficas y esto lógicamente se repite en todas las bandas italianas de la época. 

A partir de 1970 se convierten en trío Con Tagliapietra/Pagliuca/Dei Rossi y esta sería su formación clásica durante toda la década. En 1971 comienzan a girar hacia formas más elaboradas con la fórmula teclado-bajo-batería muy a lo ELP que en Italia ya empezaban a causar furor. Aldo Tagliapietra que se doblaría como bajo y guitarra, poseía una voz muy lírica y hermosa que sería la marca registrada en la finura típica de las canciones de todos sus discos por venir. A diferencia de sus colegas Banco y la Premiata, su música no tendría la misma espectacularidad que aquellos, porque lógicamente un trío tiene sus limitaciones instrumentales, siendo en un principio el piano-órgano y el empleo de guitarras acústicas casi exclusivamente con alguna colaboración puntual y arreglos diversos. 

En 1971 graban “Collage” donde la influencia de los Nice de Emerson o los primeros Deep Purple son bastante evidentes. Pagliuca es un buen teclista y se las apaña bien con piezas que en principio no están demasiado pulidas en mi opinión, pero es un tipo de dedos hábiles y buena formación académica.  Estaban ya a mucha distancia de lo que hacían tan solo un año antes. Pura evolución que absorbía rápidamente los cambios trascendentales que a nivel internacional estaban cambiando la música. Hay contrastes entre las piezas más relajadas y las de corte más “experimental” como “Cemento Armato” o “Evasione Totale”. 

Ciertas asperezas de este disco las cambiarían por completo en adelante. “Collage” tiende ligeramente al hard rock un poco quizás a lo Atomic Rooster y a los grupos de proto-prog que ya invadían el mercado. Con todo hay que tener en cuenta que se adelantaron a grabar antes que otros pesos pesados progresivos italianos y también que su historia va a ir paralela a ellos como iremos viendo en las siguientes entregas.

Alberto Torró

Temas

1.Collage(0:00)

2.Era Inverno(4:42)

3.Cemento armato(9:43)

4.Sguardo verso il cielo(16:53)

5.Evasione totale(21:05)

6.Immagini(28:03)

7.Morte di un fiore(31:02)

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MAGMA - Emëhntëhtt – Ré (2009)

Me cuesta lo suyo escribir este vocablo que suena como a una deidad del antiguo Egypto y que debió de tener algún primo o cuñao rarito en Kobaïa. En realidad la mitología kobaiana es un poco una historia un tanto infantil, hippiosa e irreal, aunque bastante particular. Reconozcámoslo y espero que los fans acérrimos y abducidos del grupo más ilustrados no se la tomen muy en serio. Ya somos mayores y el ridículo nos sienta mal.  Me consta que algunos “eruditos” han intentado descifrar y traducir el “idioma” kobaiano (un cruce extraño entre vasco, catalán, klingon y aragonés de la franja y de la ribera del Ebro) que está bien como frikismo y adoración idealista, pero yo imagino hoy al señor Vander… que me recuerda a veces a personajes de aquellas sagas de ciencia ficción malotes de factoría Marvel, que tanto me gustaban de adolescente, descojonándose un poco del asunto

. Christian ya está mayor y debe esbozar una maliciosa sonrisa de aquellos años locos de juventud, bizarrismo y ocurrencias. Sin embargo sí comparamos, al margen del cachondeo sano en la antropología nacional real o inventada como habitualmente vemos en mi país, lugar imposible de tomarse en serio casi nada, Kobaia casi merece más respeto. 

Pero en lo musical, Magma se ha convertido realmente en una institución muy seria y respetada y lo que en un principio pareció una provocación de romper normas y conceptos que tenían más que ver con lo clásico que con el rock, hoy sin duda es ya música clásica que ha conseguido su lugar en la historia. Yo imagino A Igor Stravinsky y a Serguei Diaghilev emocionados y también descojonados de risa el día que estrenaron la “Consagración de la Primavera” en el Teatro los Campos Elíseos de Paris en 1913 (…la que hemos montao colega!!). La gresca y el follón que se organizó en la época, entre el incauto público con caras de desaprobación y hasta asco, que escuchó aquello por primera vez, fue memorable y hasta hubo violencia. Es histórico y radical, pero cambió la música para siempre. Hay muchas anécdotas al respecto. Vander pasará a la historia como un creador de música nueva, no tengo ninguna duda y de aquella imagen de batería loco, nihilista y excéntrico a la de hoy, serio compositor de música hermosa y diferente hay un trecho.

La saga de “Kohntarkosz” y las alucinaciones cosmológicas se cierran con “Emëhntëhtt – Ré”, un álbum tan fascinante como las otras épicas y sinfonías magmáticas, pero más crudo y dramático que el estado de gracia melódico conseguido en “K.A”. Las constantes del Zeuhl están aquí con toda su mala leche en cinco movimientos. Muchos de sus pasajes son viejas composiciones, como sucede generalmente en la historia de estos franceses. “hhaï”, “Zombies”, “Zess” etc.. se diluyen en la composición renovadas y reestructuradas para la ocasión. Va a ser su penúltimo álbum en estudio hasta la fecha, si exceptuamos algún EP posterior como “Slag Tanz” de 2015. 

El solemne inicio del primer tramo ya se anunciaba mediados los 70´s en sus conciertos en vivo. Los 22 mtos del segundo es un torbellino paranoico y deslumbrante con Vander y coros cantando completamente desatados y una instrumentación pulsante y mágica casi en trance. El tercer corte es dramático y tenso como si las fuerzas del mal acechasen por doquier en un ritmo obsesivo en el que se vuelven a invocar a las sombras innombrables. Me suena al funeral de algún faraón y a sus incondicionales que van a ser enterrados en vida, mientras esclavos y jóvenes muchachas bailan desnudos hasta la extenuación o la maldición de Osiris. El tren rítmico de bajo, teclados, batería es antológico en ritmos de difícil encuadre de jazz futurista o milenario…ya no se sabe. Ya estas enganchado en la espiral magmática del encantamiento ancestral de una ópera psiquiátrica. Las estructuras vocales son complicadísimas en zeuhl de marca registrada inconfundible. De una bajada a los infiernos hacia el final de estos 13 mtos no te salva ni dios, ni Orus, ni Emëhntéhtt ni su madre paranoica bruja loca de los avernos. La preciosa cuarta parte quiere darte un bálsamo de caricias y dulzura, pero ya estás jodido de antemano porque la tumba de Ré te espera jubilosa para pudrirte en la eternidad con él y con su cuñao: el sacerdote Amon, un calvo de ojos pintados con ramalazo y túnica provocativa y con gusto por adolescentes “nubios” bien dotados. El ritual funerario termina con olor a templo mariano y vasijas con tus entrañas arrancadas. Encerrado en piedra entre escarabajos negros sagrados. Ni de momia te dejan. Eternamente polvo. Magma en estado puro.

Alberto Torró

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VICTOR PERAINO'S KINGDOM COME WITH ARTHUR BROWN - Journey in Time (2014 / BLACK WIDOW)

Qué grata sorpresa en la última feria del disco! Desconocía ésta vuelta a la vida discográfica de Víctor Peraino. Teclista procedente de Detroit, que vivió los buenos viejos tiempos psicodélicos con su banda Up. La cual tenia el mismo mánager que MC5, el gran John Sinclair. Activista que se merece un bio-pic ya mismo, en vez de la cantidad de basura  que sale de Hollywood. Up tocaron con Stooges, Cream, Amboy Dukes, Janis Joplin o Soft Machine, entre otros.

En los nacientes 70, Peraino se va a Inglaterra y conoce al tipo indicado, Mr. "Fire" Arthur Brown. Víctor es un teclista notable, lo suficientemente profesional para colaborar con Génesis, Brian Eno, Bob Calvert, Hawkwind o Edgar Broughton Band. Con Arthur Brown graba como Kingdom Come el album "Journey" (1972), el cual fue el primero en contar con batería  (patatera) electrónica. Las ventas fueron flojas, y se deshacen, tomando caminos separados. Peraino regresa a Detroit, conservando el nombre. Ahora como Víctor Peraino's Kingdom Come, edita el soberbio "No Man's Land" (1975), obligado en cualquier colección sería de Prog USA 70s.

Casi 40 años después, la inesperada vuelta en 2014 con "Journey in Time", y la aparición estelar de Arthur Brown en cinco canciones del disco. Se recuperan un par del disco setentero, con nuevos arreglos y óptica,  "Empires of Steel" y "Sunset Sail". Así como "Time Captives" del "Journey". Víctor Peraino canta también,  y toca teclados, Andrómeda,  Moog, VCS3 y Mellotron. El resto son Jeff Faust (guitarra), Joe Bass y Ric Vukmirovich (bajistas), Joey Fava y James Pryor (baterias), y Nick Pynn (violín). Además del PERSONAJE por antonomasia, el incombustible (nunca mejor dicho), Arthur Brown a la voz. Algún día tendría que contaros cómo ésta LEYENDA del rock, me estuvo buscando por los garitos de Zaragoza con una amiga común,  para presentármelo. No pudo ser. Vaya putada. Bien, a lo nuestro. 

El disco comienza con "We Only Come to Help" (5'45), en donde ya podemos apreciar ese balance tan del gusto de Peraino por lo sinfo-psych. Por momentos se acerca a Wakeman, (hasta físicamente y en su forma de actuar en directo, mira YouTube). Y otras a un Tim Blake o cualquier sintetista más krautie. Prog y Psych en perfecta armonía gracias a los omnipresentes teclados vintage. Ésta pieza en particular conlleva, además,  fuertes dosis Pomp que la acercan a Kansas. También en la inclusión de violín o el fuerte parecido del artwork con el "Monolith" de éstos.

 "Future" (6'16) lleva más al lado teatral de Brown, y hasta al Bowie de los 70. El cual también hizo uso del violín de Simón House, miembro de Hawkwind.

La versión de "I Put a Spell on You" (4'34), literalmente, "He puesto un Hechizo en ti", es una elección perfecta para las dramatizaciones demoniacas de Arthur Brown. Y los sinfonismos grandilocuentes de Victor Peraino. Super!

La vieja "Empires of Steel" (9'16) rezuma nueva vida. Suena a clásica de Uriah Heep, casi imagino la voz de David Byron de un momento a otro. Mellotron y vetustos sonidos de teclado marcan ésta tremenda canción - interpretación. Imagina "Jesuchrist Superstar" encuentra a Alice Cooper (hey, qué buen Jesucristo!), encuentra a "Salisbury".......Una pausa para tomar aliento y dar la vuelta al disco, por favor.

"Journey in Time" (5'19) es un épico instrumental en la línea de Erik Norlander o Mastermind. "Walk with Angels" (4'40) es un space-crooner entre Elvis y Scott Walker sobre celestiales fondos corales y de violín,  algo weirdo que no falte en la ecuación,  sí señor. Raphael también hubiera valido, pero ese está "muy ocupado" preparando todos los años el mismo rollo navideño desde hace 60 años, redios!

Los Hawkwind más recientes (y muy cambiados) se ven reflejados en "Time Captives" (7'39), space prog con interesantes recovecos bowieranos. Otro tema del pasado. Como "Sunset Sail" (6'20), que cierra el círculo que se abrió,  con ése mismo tema en 1975, hace 40 años.

Un prodigioso álbum éste "Journey in Time", que no tiene fecha de creación ni de caducidad, realmente. Podría haber salido al año siguiente del primero, y no habría diferencia temporal ni estilística alguna. Lo que me parece un mérito grande. O que el Peraino ha estado hibernando en una de ésas cápsulas de la contraportada (y portada de "No Man's Land), esperando el momento adecuado para darnos otra alegría. El momento ha llegado.

J.J. IGLESIAS

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SIGLO CERO - Latinoamérica 1970

He de reconocer que tenemos una gran deuda pendiente con nuestros amigos latinoamericanos. Por las páginas han pasado multitud de grupos anglosajones y españoles pero muy pocos del otro lado del charco. Poco a poco intentaremos enmendar ese error. Hoy recordaremos a los colombianos Siglo Cero.

Humberto Monroy forma la banda en 1969 junto a Roberto Fiorilli, Fernando Córdoba y Ferby Fernandez. Los cambios de formación se producen de forma continua pasando por sus filas Jaime Rodriguez, Edgar Restrego, Manuel Galindo, Mario Rene, Margalida Castro, etc. Sus conciertos consistían en largas jams donde sus miembros desarrollaban sus improvisaciones. La banda llega a su fin en 1970.

La grabación corresponde a la única producción de Siglo Cero y tiene una historia que contar. El 27 de Junio de 1970 el grupo participa en el Festival de la Vida en el Parque Nacional. La idea era grabar la actuación para editar el disco correspondiente pero debido a problemas técnicos no pueden hacerlo. Los miembros de la banda deciden grabarlo en estudio pero algún lumbreras incluye los gritos grabados del publico del festival. Resultado, una imperdonable merma en la calidad sonora del documento. Aún así podemos apreciar de lo que era capaz Siglo Cero. Una larga jam psicodélica donde sus miembros desarrollan todo su potencial. 

J.C. Miñana

Temas

01. Viaje I y Viaje II - 33:25

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HOENIG / GÖTTSCHING - Early Water (1976 - 1995 / SPALAX)

Es 1970, una lluviosa tarde cualquiera. Un melenudo sube a la línea del bus urbano # 4 en Berlín,  y se encuentra en  la parte de atrás del vehículo con otro de su mismo aspecto hippie. Éste lleva sobre sus rodillas un destartalado estuche negro. Dentro lleva un EMS Synth A, (el mismo sinte "de maletín" con el que juegan los Floyd en la peli de Pompeya, en las escenas de estudio). 

El primero es Manuel Göttsching, que daba sus primeros pasos con Ash Ra Tempel. El de la caja mágica  es Michael Hoenig,  que iba a una sesión al estudio de Thomas Kessler, con su nuevo grupo, Agitation Free. Dos leyendas que se conocen en un autobús guarro.

Además de con Agitation Free, Hoenig tocará brevemente con Klaus Schulze Timewind. Y sustituirá a Peter Bauman en su primera escapada de Tangerine Dream. Tocando con éstos  en Abril del 75 en el por entonces elitista, Royal Albert Hall. Al año siguiente inicia su carrera en solitario con el extraordinario "Departure from the Northern Wasteland" (1976). Ese mismo año, Manuel Göttsching prepara otra joya, "New Age of Earth". En composiciones muy orientadas a teclados y sintetizadores, en las que Hoenig echa una importante mano en las mezclas finales. Una cosa llevó a la otra, y Göttsching le propone que le acompañe en una gira por Francia, (búnker electrónico después de Alemania), que al final será suspendida. Antes de que ocurra, se han estado preparando concienzudamente durante tres semanas en el AURA Studio de Hoenig. El ensayo de la última noche queda plasmado para la eternidad. En un "tema" de casi 50 minutos bautizado como "Early Water". Me pregunto lo que tendrán guardado éstos dos......

Éste disco no verá la luz hasta casi 20 años después,  siendo restaurada la cinta en los actuales estudios de Michael Hoenig, en Los Angeles. Lo editaron los especialistas franceses (era de justicia), SPALAX, y parece que no ha vuelto a tener una nueva edición desde su fecha de lanzamiento. Así pues, si consultamos el oráculo  (ejem!) Discogs, veremos que una copia original del 95 en cd, (no existe vinilo), empieza a contar el taxímetro a partir de los 50 machacantes.....hasta los 100 en un estado impecable. Señal inequívoca de que pronto  los posavasos plateados también verán un nuevo amanecer (de los muertos) coleccionista. Repito, es un cd. Merece la pena? Yo diría que es una de las masterpieces olvidadas de la Berlín School, por los inusuales motivos comentados. Si éste disco hubiera salido en su fecha real de edición, en vinilo, hoy estaría al lado de los "Moondawn", "Cyborg", "Rubicon" o "Ricochet" de la historia. Pero inició su vida en otro formato, y dos décadas después. 

Michael Hoenig toca Yamaha, EMS,  Moog y Oberheim. Manuel Göttsching, órgano Farfisa, ARP, y su inseparable Gibson con Tape Echoes + Revox A77. Lo que viene a ser los "Göttschingtronics", muy al estilo de lo que populizara unos años después el tío Fripp. Aunque no sea exactamente eso, ahí está la semilla. Puntualizando, que si no luego vienen los Frippheads dando por saco.

"Early Water" (48'28) es una salvajada electrónico - berlinesa al más alto nivel. Creada por dos freaks del asunto, una fresca noche otoñal de 1976. Esto es, sin todavía aditamentos modernos ni "nuevas tendencias" soplagaitas que jodieran el cotarro. El temario místico que ésta música requiere,  y la inspiración "otherwordly" que sus intérpretes desprendían. Los secuenciadores arden en hipnóticas ideas, y las pocas pistas se utilizan como si hubiera cientos. Una máxima del estilo. Música abierta y expansiva con recursos minimalistas. Así se fraguó éste sonido. Me hace gracia cuando oigo algún trabajo actual de supuesto "rollo berlinés", con ilimitados medios del siglo XXI. Noooo. Erroooooor. La verdadera pureza de ésta música esta en sonar grande con pocos medios, dicho resumido. Lo del "Lo-fi" vino después,  como pretexto de mediocres meapilas. Ésta raza de músicos de los 70, te hacían la Sábana Santa con un chicle y un esparadrapo. Eran los "Mcgiver" de la electrónica. Y éste disco es un testimonio infaltable de lo dicho. Hoenig levita con sus fraseos siderales de extraña ensoñación melódica. Y Göttsching adorna misticismos al órgano,  además de fusionar su Gibson SG con el todo cibernético en un hábitat natural y orgánico,  de verdes praderas de plástico y riachuelos de mercurio. Mientras las ardillas juegan al strip-poker y los drones se aparean con las águilas.......

Así eran los "ensayos" de unos grandes en los dorados 70.

Todo lo que diga va a estar de más.....Escucha.

J.J. IGLESIAS

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Black Oak Arkansas - Live 1974 1975

Black Oak es un pueblo de tan solo 286 habitantes situado en el condado de Craigheah en el estado estadounidense de Arkansas. También es el nombre de uno de las bandas más representativas del rock sureño. Algunos de de los miembros originales del grupo vivían cerca de la zona.

En 1974 Black Oak Arkansas  edita dos discos: "Early Times" y "Street Party". Harvey Jeff (guitarra) deja la banda y es sustituido por Jimmy Henderson. El el 75 editan su última producción, "Is not Life Grand", para la discográfica Atco Records. Ese mismo año publican con la MCA, "X-Rated". 

La grabación contiene parte de dos conciertos. El primero de ellos corresponde al celebrado en el Selland Arena, Fresno, en 1974. Seis temas de los que destacan "Dixie" y "Jim Dandy". La triada guitarrera está formada por Rick Reynolds, Stanley Knight y Harvey Jeff. El resto de la banda la componen Jim Dandy Mangrum (Voz), Pat Daugherty (bajo) y Tommy Aldridge (batería).

La segunda grabación corresponde a la actuación en  Los Angeles en Diciembre de 1975. Cuatro temas destacando "Rebel". En cuanto a la formación la única diferencia es la incorporación de Jimmy Henderson en lugar de Harvey Jeff. Aires sureños con un aceptable sonido.

J.C. Miñana

Temas

1974 Selland Arena, Fresno, California

1. Hey Y'all

2. Hot And Nasty

3. Lord Have Mercy On My Soul

4. When Electricity Came To Arkansas

5. Dixie

6. Jim Dandy

1975-12-05 Los Angeles, California

7. Fancy Nancy

8. Cryin' Shame

9. Rebel

10. Up

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PARTICULA - El Pasado No ha Servido Para Nada (2017 / PARTICULA) (Rockliquias Bandas)

Qué razón tienen los alicantinos con lo de que el pasado no ha servido para nada. Aquí estamos, con niveles represivos dignos de los años 70. Y un mundo a nuestro alrededor tan gris, siniestro, agobiante, corrupto y esclavizador,  como en la peli de Terry Gilliam, "Brazil". Menos mal que están Particula,  porque casi oigo la dichosa tonada insistente del film. Ya lo dice la revista, vivimos en Mongolia.

Formados en el 2014 por Raúl Pardo (batería), sustituido ahora por Lover Lion (ex Kaiser Soze), Iván (guitarras, sintetizadores, coros) y David García  (bajo, voces y fx). En el 2015 lanzan el single "Insólita Inquietud" y en 2016, "Decadencia", también a 45 rpm. 

Su primer "medio-larga duración" es un EP de 23 mts espesos y sin desperdicio. Citan como influencias a MC5, The Stooges o Hawkwind,  y no van desencaminados.  Porque su manera de entender la psicodelia va por el lado turbo-espiral, de correoso fuzz y salvajes vibraciones.

El tema-título abre éste más que bien decorado vinilo, con space rock de notable competencia y oscuras letras que le hubieran ido al pelo a la referida película del ex- Monty Python. Sí que tiene su punto Hawkwind, pero con fuerte dosis de mala hostia. Añadase motorik ritmo de hipnotismo Can y tenemos un pedazo de canción. 

La mala baba no cesa en "Conspiranoia", trallazo cuasi hard-punk con un mucho del sonido Detroit, corrosiva wah wah incluida en el lote, que recuerda felizmente al eterno Eddie "Fast" Clarke. "El Hombre Menguante" es un surrealismo hard psych al estilo de Nebula, Sundial, Spacehead, Strobe o Magic Muscle. Si existiera la independiente Delerium los ficha de cabeza. Echo de menos aquella escudería. ....

"Motocultor"  es "punk influenced space rock" al estilo de Sons of Selina, otra de las recordadas bandas de aquella disquera. En "Despertar" exhiben melodías progresivas, órgano de fondo y hendrixiana guitarra. Con un sorprendente break psico a mitad, de eficacia comprobada. Los Módulos en la marmita del LSD , sonando a siglo XXI. Intuyo que Partícula en directo tienden a reventar cráneos sin misericordia. 

En "El Visionario" tienen un buen arma homicida para no dejar prisioneros. Demoledor catálogo de riffs psico-metálicos que enerva al más pasmao. 

La cosa termina con "Villamexico", un instrumental stoner con la metralla necesaria para satisfacer exigentes gustos de similar índole. Es corto, pero se hace más, porque uno se queda con ganas de más caneo. 

Partícula se llevan la psicodelia por el lado agresivo de la vida, y le dan un sentido tan salvaje y fresco como cuando escuchaste  "Overkill" de Motorhead, por primera vez. Espero impaciente el álbum para saciarme bien de ésta banda. Aunque algo me dice que pueden sorprender por muchos y diversos flancos, oído lo oído. Aquí hay algo más que watios silvestres. Estruendosos y convincentes.

J.J. IGLESIAS

Temas

1. El pasado no ha servido para nada 00:00

2. Conspiranoia 05:04

3. El hombre menguante 07:14

4. Motocultor 10:49

5. Despertar 13:27

6. El visionario  16:13

7. Villamexico  20:22

Contacto:

Facebook https://www.facebook.com/Part%C3%ADcula-386899228135764/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - Canto Di Primavera (1979)

Banco cerrarían la década de los 70´s ya muy forzados y alejados de sus tiempos de gloria. Los coletazos mediocres del prog sinfónico no harían sino empeorar la cosa y dar más munición y argumentos a los enemigos del estilo que ya eran una legión desbordante de pelo pinchos y adictos a la ferretería. Por el otro lado, también marcaban buen paquete: rockers de patilla y gafa negra y nuevaoleros de plástico, charol y terciopelo (pijos maqueados) que lucían palmito orgullosos y modernos. El buen hard-rock de toda la vida pasaba a ser heavy metal bronco y ruidoso y, para complicar aún más las cosas, la new age con su sopor de aburrimiento sonoro hasta el hastío y encefalograma plano, empezaba a copar el mercado. 

En España como somos diferentes al resto del planeta absolutamente en todo y sin un atisbo de vergüenza, tuvimos la famosa “movida” es decir, la quintaesencia del arte cañí nacional al que llamaron la “edad de oro del pop español”. No sé describirlo. Aquello fue inenarrable y supongo que en el resto del mundo también lo disfrutaron a gusto. En Italia ya hacía furor algo llamado “italo-disco” que empezó a unirse con el “tecno”. Por toda Europa el sonido zumba – disco y el pop deluxe arrasaban y también los cantantes con voz de estreñimiento crónico. Esta conjunción planetaria dio al traste con todo. Si en aquella época, a alguien o a algún incauto, se le ocurría hacer algún tipo de música inteligente, las discográficas lo mandaban a la puta calle, o directamente a la marginación freak señalados con el dedo. No exagero. Y los que tenéis más de 50 años lo sabéis de sobra. Hubo excepciones como en todo y hoy día son vistos como verdaderos héroes que le echaron “güevos”. 

En lo que respecta a Banco languidecieron en éste disco de “primaveras” entre lo lindo y ñoño. Francesco Di Giacomo pone su hermosa voz en algo imposible ya de levantar, ni con grúa. Por una parte, las baladitas tipo canto primaveral me suenan mucho al bueno de Angelo Branduardi, bellas e inofensivas, y por el otro el calibre instrumental de la banda se desinfla en música apocada, blanda, sin brillo. Como cumpliendo un expediente de empleo que va al paro irremisiblemente. Me produce tristeza este disco, y conste que aún tiene algún pasaje decente, pero solo eso. Con alguna estandarización facilona al easy- jazz de consumo y ya muy cerca del pop, Banco prefiguran un infame futuro. 

Dejaré aquí la historia de este grupo por no ensombrecer su rico, aunque exiguo legado de antaño y por respeto a los que amamos la música. A partir de 1980 y casi hasta finalizar los noventa, Banco se transformaron en un simple grupo de pop-rock con ínfulas tecno ultra comerciales. Repiten pues la misma historia de la Premiata superándose de un disco malo a otro aún peor. Incomprensible y a lo mejor un poco, si con este travestismo musical, ganaron algo de pasta en el mundillo comercial. Pero no podemos evitar el sentimiento de vergüenza. Banco siguen activos a día de hoy, un poco en recuerdo de sus tiempos de gloria y de su tristemente fallecido Francesco en accidente de tráfico en 2014. A día de hoy, han remasterizado y hasta regrabado algunas de sus antiguas joyas y algunos lives más recientes retoman aquel camino perdido de sus viejos temas. Arrepentimiento tardío…?... es muy probable. Y cuando quieren siguen tocando de maravilla.

La próxima semana le toca el turno a Le Orme. La tercera banda emblemática del RPI.

Alberto Torró

Temas

01 Ciclo 0:00

02 Canto di primavera 4:22

03 Sono la bestia 10:01

04 Niente 14:34

05 E mi viene da pensare 18:39

06 Interno città 21:59

07 Lungo il margine 28:44

08 Circobanda 33:56

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MAGMA - K.A (2004)

Que una banda de los 70´s grabe un disco como este en el siglo XXI es un desafío a todas las leyes de la gravedad, pero si además incluso supera a sus tiempos de gloria, nos encontramos con un caso poco frecuente o probablemente único. Ya de entrada voy a confesar que este es sin duda alguna mi disco favorito de Magma en dura pugna, eso sí, con el extraordinario “Mekanik”. 

La espera en estudio de tantos años mereció la pena. Cuando algo me gusta no puedo reprimirlo y éste es uno de esos discos que tras muchos años de esperar algo singular, concepto éste exclusivo del tiempo que con mayor o menor acierto denominamos obras maestras, aparecen con cuentagotas, como perlas de una singularidad matemática poco frecuente como diría Stephen Hawking y que el universo que descubrió lo tenga en su seno eterno. “K.A” (Kohntarkosz Anteria” fue una obra de maduración lenta entre 1973 y 1974, algunos de sus movimientos aparecían en la primaria partitura de “Kohntarkosz” el álbum de estudio de 1974. La saga épica terminaría formando parte de la segunda gran trilogía magmática denominada “EMëhntëhtt Ré” “K.A” terminaría siendo el primer movimiento en el futuro. Y permitidme la ironía, pero describir este disco, como diría el gran estadista Mariano Rajoy en una de sus gloriosas frases: “no es cosa menor es cosa mayor” y no apta para imbéciles que es “muy español y mucho español”. Esta música es el mejor ejemplo de superioridad por encima del mundo de idiotas que nos toca sufrir al menos en mi país. Si no fuese por esta música una persona de 64 años como yo dejaría por completo de creer en este maldito mundo del que por experiencia apenas creo. La música con mayúsculas. Ella barre con todo: la mezquindad, la injusticia, las ideologías, la religión, la derecha, la izquierda y el centro, el hedor repugnante de la política y sus negocios, es decir el mal en todas sus expresiones y formas, la ignorancia y el abotargamiento del hombre en una sociedad futura que se me antoja horrible, estúpida y retrógrada. Mis hijos lo saben, pero están suficientemente preparados. Albergo una pequeña esperanza y me siento orgulloso por ello. Los 50 minutos de esta obra maestra se dirige al individuo de espíritu libre, al ser inteligente y maduro que ha oído mucha música y que comprende que la música grande, como en este caso, es eterna, fabulosa y a años luz de lo mediocre que todo lo invade.

“K.A” lo grabaron una de las mejores formaciones de músicos de Christian Vander. El sonido del álbum es el mejor de su historia. Las nuevas tecnologías logran captar la complejidad armónica de voces y ritmos características del zeuhl y nos permiten una escucha y experiencia únicas. Pocas veces un disco logra ponerme la carne de gallina (expresión nuestra) y aquí encuentro lo que mi experiencia musical pide y mi corazón desea: “una perturbación en la fuerza” al modo Jedi. Lo que empieza debe acabar…pero lo desearía eterno. K.A es eso. Podría durar eternamente, pero debe acabar para evitar el colapso coronario o la excesiva alegría. 

K.A I. (11 mtos) El ritmo son las voces, el latido de vida plena. La perfección vocal en la repetición que lleva al clímax. La delicadeza y la matemática es ciencia musical. No puedo compararlo con nada conocido. ¡Cuanto sonido Canterbury perfeccionado hay en mi cabeza en este momento!. Pero son franceses, no ingleses, donde esta antes el huevo o la gallina…?. La candencia jazz, las fabulosas melodías.. y entramos casi en el nirvana. La música es perfecta, maravillosa. ¡Estoy eufórico!. 

K.A II (15.53) tiende al encantamiento y a la fantasía propia de un relato de danzas eslavas, muy cercano a lo que oímos en Wurdah Itah con su influencia stravinskyana y sus sombras de Coltrane clásicas. La música es energía y pulso exultante. Pronto la ternura de cuento de niños aparece en un desarrollo natural y nada forzado. La música muestra una delicadeza asombrosa en el concepto de Magma. Me recuerda casi a las obras rusas de música religiosa del siglo XIX cantadas por niños. Las melodías son preciosas muy próximas a Borodin o Rimsky. Una delicia. 

K.A III (21.43) tiene los primeros 10 mtos instrumentales progresivos más excitantes y raros de Magma. Este pasaje musical es una de las cosas más maravillosas que he escuchado en música. En un principio esta pieza se llamaba “Om Zanka” y la han tocado en directo muchas veces previas y de diferentes maneras antes de esta versión definitiva en estudio. Es algo indescriptible entre Coltrane y Soft Machine con un sinte solo que se mete en las venas en un clímax de felicidad absoluta con unos coros celestiales inenarrables. Estas en otro mundo imposible, magnífico. Uno de los pasajes instrumentales más exquisitos que oído en mi vida y del que ya no podrás desprenderte en toda tu vida. Te lo aseguro. La excelencia se resume en los restantes 11 mtos de música compleja en cuadraturas rítmicas bajo cánticos de aleluya lejos de este mundo. Zeuhl puro y duro de jazz inventado y personal de casi zappa radical donde Vander canta feliz en una especie de soul cósmico que nos recuerda a piezas como Hhai. Todo es enrevesado, perfecto, sublime. 

Desarma al oído más exigente y maniático que puedas imaginarte. K.A es una obra maestra fuera de tiempo, modas y crítica. Date por feliz si lo aceptas en tu discografía.

Alberto Torró

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