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SAMLA MAMMAS MAMNA - Snorungarnas Symfoni (1976)

Bueno la “sinfonía” esta, es obra de un tal Gregory Allan Fizpatrick, un estadounidense como aparece en los créditos del disco. Si alguien piensa en música de corte clásico que se quite la idea de la cabeza. 



Como siempre SMM parten de tres fuentes principales: Zappa en el tratamiento instrumental y jocoso, el folk escandinavo metamorfoseado en ritmos y melodías caprichosas y los elefantes bailando con tanga rosa en la pista del circo. La música de SMM es como si de repente todos los peñistas de una fiesta patronal (sin vaquillas, ni manadas, que los suecos son civilizados) hubiesen leído filosofía de repente y se hubiesen olvidado del tractor y las gallinas. Si en su música hasta ahora no pueden olvidar en ejercer ciertas payasadas, eso sí: licenciados en la real academia del cachondeo y en la tradición del payaso tristón pero feliz, que a veces bebe para olvidar y otras te da una patada en el culo con risitas según el día que tenga, por esta vez solo la música permanece. A diferencia de lo anterior ahora prescinden de voces hilarantes y absurdas y se centran en la música que por otra parte es bastante agradable y entretenida. 

Si esto lo clasifican como R.I.O no veo la opposition en toda regla en sonidos discordantes, porque a pesar de colocarlos en lo avantgarde no tiene nada de arduo este disco, al contrario, diría. El rock en oposición fue un invento de los músicos intelectuales ingleses en los 70´s, los Henry Cow en concreto, en una forma tanto de contrarrestar como de parecerse al kraut rock germánico y al free jazz, añadiendo vanguardia sonora a porrillo. En varias formas libres se expresaba una música de fuerte dosis contestataria, política y anti-convencional. Tiempos de arte y ensayo como se decía entonces. En él y en movimientos afines, hubo cosas tanto geniales e interesantes como pesadas e insoportables, dependiendo del estado mental tanto del creador como del receptor. Si ambos estaban lo suficientemente locos, todo valía.  En realidad, hacer música o cualquier otra actividad creativa en oposición a cualquier cosa establecida, es un sano ejercicio de molestar y llamar la atención y dejar claro que la vida es una broma que no debe tomarse muy en serio. Ese fue también un problema de las corrientes contraculturales y “concienciadas” que muchas veces de forma ridícula se tomaron demasiado en serio como se tomó la hippylandia sesentera. No puedo concebir nada más inteligente que no tomarse nada en serio y pensar que los que se enfadan en la vida o creen en dogmas, pierden el tiempo completamente y de forma absurda. Lo que no tiene remedio es inútil. La música ayuda mucho, así como la filosofía y viceversa: “gracias a la música no somos tan imbéciles” que cierto es realmente, pero para ello no debemos tomarnos en serio muchas veces, ni la propia música, ni el arte, ni la literatura y en realidad casi nada.  Pero digamos que es un entretenimiento inteligente. Ya sabemos que todo es una mierda, la vida una mentira y el amor y la solidaridad mayoritariamente falso. Solo lo malo es auténtico y está en todos sitios, pero que manía en recordarlo.



Resumiendo, el cuarto trabajo de SMM es una obra agradable, nada pretenciosa y de fácil escucha, de bonitos pasajes de piano, entretenidos momentos y melodías asequibles del mejor Zappa juguetón y nada retorcido. Los cuatro movimientos de este disco apenas llegan a los 34 mtos que pasan rápidos y no torturan en absoluto al oído mínimamente acostumbrado. Un álbum algo diferente a los anteriores pero siempre de buena factura. La portada es además bastante maja. No somos tan “opposition” como creemos y además nos gusta vivir bien, pero que ganas tiene la gente de mortificarse ¡oh my god!.
Alberto Torró





Temas
1. Första satsen (00:00) 
2. Andra satsen (11:50) 
3. Tredje satsen (17:42) 
4. Fjärde satsen (25:25)









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TRIGÉMINO - Trampas Para Engañar (2018 / VIAJERO INMOVIL)

Trigémino fue una banda argentina que tuvo su momento de actividad en plena explosión creativa del progresivo porteño, entre 1976 y 1981. Imagino que como pasa en todas partes, muchos de aquellos grupos se han quedado en el limbo por no tener un testimonio oficial grabado de la época. Que se lo pregunten a nuestro compañero Alberto Torro......cuánto daríamos por tener un vinilo de Zingermaz / Audrey, (pude verlos en vivo en los 70, y aseguro que el prog español se perdió un gran álbum).



Nuestros argentinos se dieron una segunda oportunidad en 2005. La formación original entraba al estudio para rescatar los temas de su etapa más memorable, con la instrumentación y sonido más  fidedigno de la época. Así pues, Carlos Garofalo (cantante solista, bajo, guitarras, sitar, percusión), Jorge Minissale (guitarras, percusión,  voz), Marco Tulio Pusineri (batería,  percusión,  voz), y Juan "Pollo" Raffo (teclados, percusión,  voz), reúnen Trigémino para plasmar aquellas inolvidables composiciones de juventud. Y los especialistas en el prog argentino, Viajero Inmóvil (su vasto catálogo es envidiable), se encargan de editarlo, al fin, en 2018.



Pusineri y Raffo habían estado en los finales 70 en otros históricos,  Redd. Con los que grabaron el segundo e inédito álbum de éstos,  "Cuentos del Subsuelo", luego reeditado en cd. Prueba clara de la alta calidad de Trigémino. Que persiste hasta nuestros días escuchando las primeras notas de "Ceremonia en el Parque Juglar"(8'37), con un sonido deudor del Yes más clásico. Si se podía albergar alguna duda sobre la fiabilidad sonora al tiempo en que se creó, es borrada de inmediato. Sobresale una fiel arquitectura teclistica de superlativa analogía. Voces altamente cuidadas apoyadas en armonías multitonales. Ritmo musculado y compacto, guitarras que cuidan el más mínimo detalle y piano / Hammond en constante homenaje a Tony Banks. Sinfonismo argentino en su más purista naturaleza. 

"Trampas Para Engañar"(31'52) es una macro-suite con seis partes divididas y tituladas, que podría ser un álbum en sí. Toda la densidad argumental y artística del grupo en un torrente contínuo de cambios, no alejados de Gentle Giant. Continúan en formato dadaista vocal casi Zappa, descansan en remansos acústico - hindúes con el sitar......Hasta que la agradable fluidez vocal de Carlos Garofalo introduce el tema con cadencias muy hippie - orientales. Realmente esto suena muy 70s. Vuelven los guiños a Yes y la pomposidad instrumental, que también entra en dominios de Kansas. Es una mezcla killer que funciona y magnetiza. Un no parar de exposición artística febril, llena de cambios y personal forma de asumirlos,  como argentinos que son. Una composición extenuante,  pero como todo lo que gusta en demasía,  si viene por aludes, bienvenido sea, (otros lo llaman "pecado" o "ilegal").


La solemnidad de "Flan"(9'04) toma influencias Tull para adaptarlas al rico patrimonio de ésta excelente banda resucitada. Otra fiesta de moogs efervescentes y sinfonismos sin complejos, como debe ser. Con letras muy interesantes, llenas de reflexión,  y de escucha muy atenta. 

"Desayunando con Pepe Rayo" (17'42) es un monstruoso final que no da tregua ni un segundo, en éste extenso y aprovechable álbum. Aconsejo escuchar la super - suite, y en otro momento el resto. Porque de verdad que hay mucha materia y de primer orden, para asimilar aquí. Trigémino estaba al nivel de Espíritu,  Crucis, Redd, Alas, La Máquina de Hacer Pájaros,  Mia, Tantor, Bubu, Ave Rock, Pablo El Enterrador y todos los grandes clásicos del progresivo argentino. Aunque tarde, al menos ahora pueden dar constancia de su grandeza. También los numerosos testimonios que se pueden leer en la red,  de los que pudieron verlos en los 70.



Un honor que la banda se pusiera en contacto con Rockliquias para hacernos saber de su existencia. Son los detalles que animan a seguir escribiendo sobre buena música. Y la de Trigémino es una obra de arte.
J.J.IGLESIAS



Temas
Track 1 - Ceremonia en el Parque Juglar - 00:00
Track 2 - Trampas para engañar - 08:36
I. Preludio en Blanco y Negro 
II. ¿A Quién le Sobra un Despertador? 
III. Donde Todo es Realidad 
IV. Donde las Ceremonias son Juegos 
V. Donde los Juegos son Ceremonias 
VI. Final - Trampas para Engañar 
Track 3 - Flan - 40:27
Track 4 - Desayunando con Pepe Rayo - 48:31






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CULPEPERS ORCHAD - Culpepers Orchad 1971

Para algunos críticos este disco de Culpepers Orchad es el mejor de los editados por una banda danesa durante la década de los 70. Yo no llegaría a tanto aunque naturalmente estaría en los primeros puestos de la lista. Para los lectores asiduos de  Rockliquias les resultará fácil adivinar el sonido de la banda simplemente viendo la portada.


El grupo se crea en Copenague en 1969 teniendo una formación inicial integrada por Nils Henriksen (guitarra, teclados), Michaels Friis (bajo, teclados), Rodger Barker (batería) y por el inglés Cy Nicklin (voz, guitarra). Durante un par de años se forjan una buena reputación dando conciertos por Dinamarca y Centroeuropa.  En 1971 editan con Polydor su primer disco obteniendo unas buenas críticas. Al año siguiente y con un cambio en su formación, entra Ken Gudman sustituyendo a Barker en la batería, publican "Second Sight".  Ese mismo año llega "Going for a Song" con mas cambios de personal: entran Niels Vangkilde (guitarra), Nils Tuxen (Steelguitar) y Tom McEwan (batería) reemplazando a Henriksen y Gudman. Ya en 1976 deciden acortar su nombre por el de Culpeper editando "All Dressed up and Nowhere to Go" ( 1977),  disco que significaría la disolución de la banda.


Este primer disco de Culpepers Orchad nos muestra un gran abanico de sonoridades que van desde el country en la inicial "Banjocul", pasando por la psicodelia en "Mountain Music Part 1 y 2" con una guitarra típica de la Costa Oeste Americana. Siguiendo con "'Hey You People'" o "Blue Day's Morning" muy en la onda de unos Crosby, Stills, Nash y Young. Continuando con "Teaparty For An Orchard" con cierta onda progresiva. Y finalizando con  Gildeon's Trap" o "Ode To Resistance" a lo Jethro Tull. Un disco variadito con el que to te aburrirás.
J.C.Miñana 



Temas

Banjocul 00:00 
Mountain Music Part 1 00:46 
Hey You People 07:13 
Teaparty For An Orchard 08:42 
Ode To Resistance 14:56 
Your Song And Mine 20:45 
Gideon's Trap 26:20 
Blue Day's Morning 32:05 
Mountain Music Part 2 34:17



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JEAN GUILLOU - Visions Cosmiques Improvisations dediees a l'equipage d' Apollo 8 (196? / PHILIPS) SERIE PIONEROS

Viniendo absolutamente de la música clásica,  Jean Guillou  (18- 4 - 1930), fue siempre un músico nada ortodoxo, rompedor, teórico musical revolucionario y un aperturista de los que siempre, en cada época,  son necesarios. Organista titular de la iglesia de Saint - Eustache en Paris desde 1963, destacó por sus obras imbuidas de lleno en la improvisación. 


Autor de más de 80 obras, siendo su debut "Fantaisie, Op 1" (1952). Nada habitual lo suyo, en músicos de formación académica clásica. Decía en la muy interesante contraportada de éste disco : "La improvisación es una creación  inmediata, ejecutada sobre un instrumento al filo del pensamiento. Hoy, la grabación permite guardar ese momento a la vez que se crea". También se veía comprometido con el tiempo que le tocó vivir : "Es raro que un creador no viva a la vez que su época y no participe de sus aventuras, descubriendo con entusiasmo su propio tiempo". De ahí que subtitule éste disco como "Improvisaciones dedicadas al equipo del Apolo 8". En confrontación con el músico clásico,  siempre recreando partituras de tiempos pasados. Éste album corresponde a una legendaria serie de Philips titulada "Prospective 21 Siecle". Que disfrutaba de un avanzado art-work para aquellos años 60, y que ya se pueden ver en ferias de coleccionismo a precios muy respetables.  Yo tengo éste y otro de Pierre Henry, pero toda la serie es altamente recomendable.  Guillou extrae del órgano sonoridades increíbles para un aparato de éstas características. Más cercano a la electrónica en su concepción y perspectiva, demuestra un virtuosismo y dominio acústico fuera de lo común. 

Al comienzo de "Leonardo" (6'22) diríase estar escuchando un mellotron con moogs en las partes más  agudas. Hasta que entra la apocalíptica,  (en ésta caso lo es), sonoridad del órgano de tubos. Utilizado de forma absolutamente novedosa y como si de un Hammond se tratara. Música sombría, siniestra y oscura, con predominio de enigmáticos pasajes casi kosmische. 

"Réquiem pour les morts  de l'espace" (6'38) deja poco a la imaginación. Es música elegiaca y de entierro, volviendo al oscurantismo del eterno espacio exterior. No se me ocurre mejor fin que descansar eternamente vagando por los insondables abismos cósmicos, como parte integrante del universo. Más coherente con la (in) existencia, que no acabar archivado en un nicho como un paquete postal, o reducido a lo que cabe en un cenicero. Siento tan macabras reflexiones, pero la música de Guillou no es para un party de Nochevieja,  precisamente.  La tremenda acústica de la Iglesia de Saint - Eustache ayuda a ésa majestuosidad que infunde.

 "Láser" (5'37) es kraut "electrónico" al oído curtido en éstas músicas. Sus efectos son sorprendentes y avanzados para los años 60. Un fascinante viaje sin electricidad de por medio.....el futuro?..."Icare" (3'44) pasaría por el soundtrack de una cinta sci-fi llena de acción y suspense dentro de una nave maldita ("Event Horizon"?...). Estupefacto me deja Guillou con su nivel improvisativo, recordando aquí al mismo Keith Emerson, pues esto parece perfectamente compuesto a priori. 


En la segunda parte o "flipside", que dicen los british, "Nova" (7'14) nos mantiene en la impenetrable negrura espacial, con la enigmática propia de unos Tangerine Dream, y la violenta ruptura modal de unos Anglagard. Os recuerdo que está hecho en los 60, y con el órgano de una iglesia. Así yo también voy a misa.

"Meteorites" (5'05) vuelve a disparar la imaginación del oyente, dentro de una descriptiva y misteriosa música para film imaginario. Guillou juega con nuestras emociones y sabe cómo atenuar un clímax sonoro, (sin caer en recursos fáciles), para hacerlo más extraño que explosivo. "Orbite" (5'45) finaliza con sublime pulso inventivo. La de sonidos nunca escuchados que pueden extraerse de ése grandioso instrumento. Y que Guillou utiliza con pericia maestra para alcanzar el paroxismo sonoro. Abandonado en el cosmos para toda la eternidad. Busca algo más romántico. 

Una obra maestra que acojona los sentidos. Referirse a la música improvisada peyorativamente solo puede ser debido a la ignorancia, o a la envidia. Éste álbum calla bocas.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Leonardo : [00:00]
A2 Requiem pour les morts de l'espace : [06:31]
A3 Laser : [13:08]
A4 Icare : [18:47]



Temas
B1 Nova : [00:00]
B2 Météorites : [07:14]
B3 Orbite : [12:21]




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Carmine Appice and Friends - Live at Savoy Theater 1982

Carmine Appice en uno de los más emblemáticos e influyentes baterías del rock. Con más de 50 años de carrera musical ha formado parte de formaciones de la talla de Vanilla Fudge, Cactus, Beck-Bogert-Appice, King Kobra, Rod Stewart entre otras.  Por supuesto ha colaborado con multitud de músicos incluyendo su participación en el proyecto de Javier Vargas junto a Tim Bogert y Paul Shortino en 2011.


El 23 de Mayo de 1981 Tom Bradley, alcalde de Los Angeles, proclamó ese día como Carmine Appice Day en reconocimiento por sus obras de caridad y su contribución musical. Al año siguiente Appice decide reunirse con unos amigos (Duane Hitchings, Eric Carmen, Rick Derringer y Tom Peterson) y realizar una serie de conciertos que alcanzarían su mayor éxito en tierras niponas.

    
La grabación nos traslada al concierto benéfico de Carmine Appice en favor de UNICEF  en el teatro Savoy de New York celebrado el 14 de Marzo de 1982. La banda estaba formada por buenos amigos de Appice: Rick Derringer (guitarra, voz), Tom Petersson (bajo, voz), Duane Hitchings (teclados, voz) y Kasin Sulton (bajo, voz). Como invitados especiales tenemos a Charlie Daniels (Voz, guitarra), Phil Lynott (voz, que no llego a localizarlo en la grabación) y Frank Sheehan (percusión). La sorpresa fue la reunión después de doce años de la formación original de los Vanilla Fudge (Carmine Appice, Mark Stein, Tim Bogert y Vinnie Martell). En cuanto al  "setlist" el show comienza con un potente "Rock ‘N Roll Hoochie Koo " con un impresionante Derringer finalizando a lo Van Halen. Continúan con el clásico popularizado por The Ronettes, "Be My Baby". Sigue el espectáculo con "Drum City Rocker Ballad Of Drum City" de su primer disco en solitario editado en 1981. Se incorpora Charlie Daniels participando en dos temas "C.C. Rider", aires sureños, y el himno cristiano "Amazing Grace". La reunión de los Vanilla nos deletita con tres temas: "Take me for Little While", "People Get Ready", en mi memoria la versión que hicieron años mas tarde Rod Stewart y Jeff Beck, y "Keep Me Hanging On". El fin de fiesta llega con "Bo Diddley" con todos los músicos sobre el escenario. El concierto fue transmitido por el programa de radio King Biscuit Flower Hour. Buen sonido.
J.C.Miñana



Temas
1 K.B.F.H Intro 00:00 
2 Rock ‘N Roll Hoochie Koo 00:38
3 Be My Baby  06:00
4 Drum City Rocker Ballad Of Drum City 10:19
5 C.C. Rider  13:31
6 Amazing Grace 21:35
7 Vanilla Fudge Intro 25:40
8 Take Me For A Little While 26:29
9 People Get Ready  31:30
10 Keep Me Hanging On  37:00
11 Bo Diddley 43:46
12 K.B.F.H./KZAM Outro 49:32




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LE TEMPS DU LOUP - Cardinal 2018 (Rockliquias Bandas)

Le Temps Du Loup es un grupo madrileño integrado por Hannibal (guitarras), Nacho (bajo) y Álvaro (batería). En 2014 editan su primer disco, "Jauría", y cuatro años más tarde llega su esperado segundo álbum, "Cardinal". Su música navega por las aguas del "post metal" o como ellos comentan bromeando el "post nada". Para conocerlos un poco mejor os recomiendo leer la entrevista que les hicimos.



Rockliquias - Nos podéis explicar el motivo de llamaros "Le Temps Du Loup"

El nombre parte de una película de Michael Haneke. En el momento que montamos el proyecto, viviendo los efectos de una crisis criminal y provocada, parecía que el mundo se dirigía a ese fin de la sociedad y sus estructuras tal y como la conocemos y que queda bien reflejada en la película. 
Es un concepto de la cultura gala que alude al momento siguiente al hundimiento de una civilización y la desaparición de las normas y convenciones, de ahí que el nombre nos encajase muy bien en ese momento.

Rockliquias - Para que nuestros lectores os conozcan  ¿podéis presentaros brevemente ?

El grupo empezó a fraguarse a finales de 2011. En 2013 autoeditamos nuestro primer EP, grabado y mezclado por Andreu Bozada, nuestro anterior batería. En 2014 salió Jauría, nuestro primer LP, coeditado a través de Nooirax, La Choza y Sacramento Records. Con Jauría empezamos a tocar por toda la península y a participar en festivales como AMFest, La Choza Fest o Post Iberian Fest en Portugal. En 2015 se incorpora Álvaro al grupo. Justo su primer concierto fue el AMFest de ese año. Y desde entonces continuamos presentando Jauría y empezamos a componer Cardinal a mediados de 2016.

Rockliquias - ¿En qué otros proyectos habéis participado?

Todos hemos estado en proyectos anteriores, por ejemplo Álvaro proviene de Sonnöv y Nacho actualmente está también en Jardín de la Croix.


Rockliquias - ¿Qué músicos os han influido en vuestra música?

La lista es bastante amplia. De muchas formas, no solo lo que escuchas, sino también lo que ves y lo que vives deja una huella en lo que creas. Los tres tenemos muchos gustos similares, pero a su vez hay bastante eclecticismo en el seno de la banda. Nuestros gustos van desde Brian Cook, Nils Frahm, Anna Von Hausswolff o Chelsea Wolfe entre muchos otros. Como te decimos, la lista es amplia. Crece, varía y se moldea con el tiempo.

Rockliquias - Sabemos que a los músicos no les gustan para nada las etiquetas pero para el aficionado es una referencia muy válida. ¿Se os podría definir como post-metal?

Puede encajar dentro de esa etiqueta. No es algo que nos obsesione o nos moleste. Es normal que la gente tienda a etiquetar lo que escucha. Para unos será post-metal, para otros post-rock o para otros instrumental. Bromeamos muchas veces con la idea del post-nada, por ejemplo. Muchas veces vemos etiquetas un poco locas, pero bueno, suponemos que son la-nueva-cosa-que-mola.

Rockliquias - En 2014 publicasteis vuestro primer disco, "Jauría", ¿Cómo habéis evolucionado musicalmente?

La forma de componer y aproximarnos a los temas cambió con la entrada de Álvaro. Con Cardinal hemos logrado el balance entre dinámicas que buscábamos y también desarrollamos un poco más todo el aspecto melódico, además de los planos de cada instrumento dentro del grupo.

Rockliquias - En Septiembre de 2018 llega "Cardinal" ¿Nos podéis contar detalles de la grabación? 

Fue un proceso de búsqueda bastante intenso. De encontrarnos en lo que estábamos creando. Quizás el principal problema fue arrancar con las composiciones, ya que con Álvaro teníamos que encontrar ese espacio de conocimiento para afrontar las composiciones. Por suerte, creemos que el resultado habla por sí mismo. Eulerian fue el primer tema que acabamos y nos costó un año de darle muchas vueltas. El resto fue en cuestión de meses. Nos vino bien marcarnos un “deadline” para entrar a grabar, ya que con el tiempo cerca, trabajamos de forma efectiva. Lidiamos muy bien bajo esa presión. Pudimos ir al estudio con todo bastante cerrado, aunque Carlos Santos nos ayudó mucho a perfilar lo que teníamos en mente.


Rockliquias - ¿A qué hace referencia el título?

A la búsqueda de una dirección. Todos tenemos que trazar un camino de entre todos los posibles que el tiempo de vida te permite. Encontrar uno que te haga sentir tú y te permita materializar tus instintos e ilusiones es realmente complicado. A esa búsqueda se refiere Cardinal.

Rockliquias - Vuestra música es un fluir continuo de sonoridades que poco a poco va cambiando sin apenas darnos cuenta donde prima más el conjunto que las individualidades.

Vemos los temas como pequeñas historias, con sus desarrollos y sus hilos. Efectivamente prima el conjunto sobre las individualidades. No nos consideramos unos virtuosos, quizás por eso nos choca un poco cuando nos encajan dentro de la etiqueta de progresivo, porque es algo que asociamos más a ese virtuosismo. Cuando vemos prog, pensamos en Tosin Abasi o en John Petrucci. Está claro que no tenemos nada que ver, jajaja. 

Nos importa más el bloque y los esfuerzos se centran en crear dinámicas y un gran muro sónico cuando se requiere.

Rockliquias - Todos vuestros temas tienen un nombre que tiene un significado concreto. Los podrías explicar brevemente.

Los títulos de los temas hacen clara referencia al libro de Arthur C. Clarke “El Fin de la Infancia”. Otros tienen su nexo con la idea de la búsqueda del camino. Con esas pistas creemos que damos bastantes datos. Es más interesante cuando cada uno busca su propio sentido. Dejamos libertad de interpretación total.



Claro, tiene también su sentido. La base conceptual nos la proporcionó Mario C. Vaises de Khmer, con quien hemos trabajado anteriormente. El diseño final corrió a cargo de Álvaro. Buscábamos reflejar esa angustia de quien está en plena búsqueda. Quizás nos fuimos a un terreno más oscuro, pero el resultado nos encanta.
Rockliquias - ¿Cuál ha sido la acogida del público en las presentaciones del disco?

Está siendo mejor de lo que esperábamos. Cuando acabó la grabación y escuchamos las mezclas, estábamos muy encantados del resultado. Todas las bandas desean que su trabajo tenga buena acogida. En nuestro caso no esperábamos que fuera a gustar tanto aquí como en Europa. Somos muy pequeñitos, pero vemos progresos significativos en muchos aspectos, en comparación con Jauría.


Rockliquias - ¿Tenéis fechas cerradas para 2019?

Hay cositas cerradas que esperamos poder ir contando en las próximas semanas. Hemos terminado las primeras fechas que teníamos cerradas para presentar Cardinal y ahora toca cargar pilas y salir a por más.

Rockliquias - ¿Qué opináis del panorama musical en España y la controversia con las bandas tributo?

Hay muchas bandas interesantes haciendo cosas muy variadas y con personalidad propia, y también vemos mucha gente interesada en lo que se hace por aquí, así que genial. Sobre las bandas tributo, pues son bandas haciendo versiones. Punto. No creemos que sea necesario abrir un debate al respecto. Si te gustan, pues disfrútalas mucho. Si es algo que no te interesa, pues a otra cosa. Por suerte tenemos una gran oferta y mucha calidad para elegir.

Rockliquias - ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el CD y fueran a vuestros conciertos?

Tanto si te gusta la música instrumental como otros géneros afines, creemos que Cardinal es un disco que puede encajar a un público muy variado. Si vienes a los conciertos, no olvides traer tapones, coger una cerveza y dejarte llevar :-)








Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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Arti & Mestieri ‎– Universi Paralleli (2015)

Terminamos la andadura de esta super banda italiana con cuatro décadas de vida intermitente y con sus altibajos, pero lo cierto es que ninguno de sus discos de estudio en estos cuarenta años puede definirse como mediocre o malo. 


Es verdad que la distancia entre uno y otro es muy larga. “Universi Paralleli” se grabó diez años después del anterior y teniendo en cuenta que desde 1974 tan solo hay 8 álbumes en estudio y cuatro en directo, podemos decir que se lo han tomado con calma desde aquella ya muy lejana década de los 70´s. Pero como generalmente se suele decir mejor poco y bueno que mucho y malo y este es el caso de Arti e Mestieri. 

Tan solo dos de los componentes originales quedan en la banda: Venegoni y Chirico. Siendo el batería el único que nunca faltó en la formación. En esta ocasión tienen incluso una colaboración de lujo con el saxofonista crimsoniano Mell Collins en un par de temas (saxo soprano en la 2 y flauta y saxo en la 3) El resto de la banda es nueva y vuelven a incluir un cantante de nombre Iano Nicolo en los temas 3-7-9 que lo hace bastante bien. 

El estilo de este último trabajo por ahora es similar a sus últimas producciones con temas bastante melódicos y refinados, aunque no haya tanta inclinación a la fusión jazz como antaño y suenen mucho más adaptados a los nuevos tiempos con un sonido como más aterciopelado y menos salvaje. Rozar el confort en detrimento de la energía instrumental es una inclinación que no satisface tanto a los amantes de la chicha y la enjundia y los puede abocar al bostezo y la pachorra de un sofá, pero bueno, se puede perdonar por la eficacia el gusto y la perfección que imprimen en cada una de sus composiciones. Yo personalmente prefiero la música que me levanta del sillón y no me hace dormir, pero entiendo que a ciertas edades se cambie el copazo whisky y el café por la manzanilla o el té con un reposa pies. Hay que reconocer no obstante que la vagancia cuando llegan las canas es un bien común que no hay que desaprovechar y está muy bien eso de que bonito es no hacer nada y después descansar, aunque advierto que no es nada bueno para la artrosis y los problemas reumáticos que a todos nos llegan en algún momento de la vida. Hay que moverse sin duda.


Dicho esto, hay músicas para cada momento evidentemente, pero no aconsejo perder por completo el sentido de locura musical por el peligro inminente de abulia y cansancio por aburrimiento. El disco tiene mucho violín solista, guitarra acústica y teclados que acarician en línea con ese jazz deluxe elegante perfectamente empaquetado a lo caja de bombones y copa reluciente de cava en salón con perfume a lo aloe vera y si eres un maniático de la limpieza y lo impecable el sonido del disco es perfecto. Claro que los músicos de jazz de hoy ya no están tan rodeados de humo, polvo, sudor, olor fuerte, insomnio, risas y lágrimas como antaño. En el tintero he dejado sus discos en directo dos de ellos en Japón y nada desdeñables por cierto porque tocan música de sus mejores tiempos.
Alberto Torró




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SAMLA MAMMAS MANNA - Klossa Knapitatet (1974)

El traductor simultáneo de google del sueco al español me dice que el título de este disco es “rascar el botón”. Ellos sabrán que narices quiere decir en realidad, pero a juzgar por la música que aquí nos encontramos puede ser cualquier cosa.


 Poner títulos raros, crear canciones con letras absurdas en inglés inventado es algo divertido que se hacía mucho por estas tierras cuando cantabas en directo porque sabías que nadie entendía nada y tu tampoco claro. Escribir letras de canciones con tal de que cuadre la métrica con la música, pero sin ningún significado literario, tiene el mismo efecto... que más da. Para mí los textos no tienen la menor importancia. En los 70´s todo el mundo se rasgaba las vestiduras con los “profundos” significados de las letras de Genesis, Yes, Pink Floyd, Jethro Tull, ELP o King Crimson o Van der graaf entre muchos otros, cuando en realidad se trataba de vacuidades literarias absurdas sin sentido. La traducción no ayudaba evidentemente, pero muchas ya en su origen parecían gilipolleces profundas de adolescentes que se habían fumado un porro o ingerido un LSD.  Todos éramos muy jóvenes entonces. En realidad lo que interesa es la voz y por supuesto las maravillosas masas corales: es decir el sonido en concreto, las notas, el color, el timbre, los arreglos y el efecto emocional y esto último es fundamental. El texto es un ingrediente más, pero… si además por el contrario no hay un cantante competente la experiencia es todavía peor. Naturalmente no tenían malos cantantes los grupos mencionados lástima que su poesía era generalmente incomprensible y la mayoría de las veces terriblemente cursi y snob. Un texto literario jamás puede competir con la música instrumental. Años luz entre ambas cosas. Por resumirlo de alguna manera: me encantan algunas canciones, pero me es completamente indiferente lo que digan. 


Samla Mammas Manna no es el único grupo en el que el significado de los textos no tiene ninguna importancia. Zappa no hizo ni una letra en su sano juicio, (guarrerías muchas) ya que solo pretendía el efecto, al igual que las tonterías absurdas escritas por todos los grupos de Canterbury y prácticamente por igual toda música libre de ataduras. Recordemos el idioma inventado por Vander y sus Magma. La voz es un instrumento más. Debe serlo y la literatura no tiene por qué inmiscuirse. Curiosamente como ejemplo la gente que va a la ópera (teatro cantado) es incapaz luego de escuchar una sinfonía y viceversa porque a muchos que nos gusta la música clásica no soportamos más de 10 mtos de gritos y espasmos dramáticos. No soy el único que lo piensa y no pretendo estar de acuerdo con la mayoría, pero tras muchos años así lo veo.                                                                                                                Y bueno que tenemos aquí… pues música irreverente y divertida que pasa de la polka (iba a decir la polla) al rock circense con melodías folklóricas del bar más próximo donde por casualidad se ha extraviado un músico de jazz complejo al que le ha hecho gracia la cuadrilla de mangurrianes (palabra aragonesa que no necesita explicación) y se ha unido a la fiesta. Que fino es el hilo que une la vanguardia intelectual con el gañán cachondo. Pero ojo que la música es compleja y el tonto del pueblo es un actor más. La guitarra de Apetrea, el piano de Hollmer, el bajo de Krantz y los drums de Bruniusson hacen lo que les da la gana porque saben lo que se traen entre manos. Las piezas como siempre pasan de breves pasajes a complejos diálogos que se suceden a capricho entre ocurrencias graciosas, frívolas, jocosas y surrealistas, con música sumamente elaborada que a veces en su conjunto pasa desapercibida por las ganas de juerga de los músicos. 


Un tercer álbum inclasificable que solo los amantes de las madres de la invención sabrán valorarlo en su justa medida y por supuesto también todos aquellos que ya hayan pasado la frontera de ciertas músicas más convencionales. Como todo lo particular lleva su tiempo de dedicación y perded otro tiempo en escucharlo que a fin de cuentas la mayoría ya lleváis mucha música en la cabeza. No obstante, si os parece horrible lo entenderé también of course.
Alberto Torró





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ENGLAND - Box of Circles (2018 / NEW MUSIC - GREEN TREE)

Éste fue el clásico caso de banda que edita una joya demasiado tarde. O cuando la moda del rock progresivo, (porque en los 70 lo fue, y se apuntó hasta la portera ), ya había pasado. 


Estos ingleses se forman en 1975, algo tarde para éstas músicas. Y como si supieran que no les queda mucho tiempo, lanzan rápidamente el espléndido EP "The Imperial Hotel". Allí estaban Robert Webb (teclados), Jode Leigh (batería,  voz), Martín Henderson (bajo) y Frank Holland (guitarras, voz). Para el fatídico 1977 editan su puesta de largo,  "Garden Shed". Uno de los mejores exponentes del prog sinfónico británico, al nivel de Fantasy, Spring o Fruupp. Y uno de los más ninguneados,  por culpa de las nuevas modas imperantes. De nada sirvió que fuera una auténtica obra maestra. Llegan los lumbreras del Melody Maker, y sueltan en su reseña que England eran "Yes in Toyland". Si no eras de la secta del imperdible oxidao,  se acabó tu carrera, miserable progger. La prensa, a nivel mundial, sí que vivía en su "paradisíaco Shitland" particular. Desmoralizados y sin ver futuro, England se separan como otros muchos y por las mismas razones, en 1978. Sin olvidarse de su amistad y buenos gustos, con breves y esporádicas reuniones. La primera entre el 83 - 84 (tampoco es que fuera una época muy apropiada), editando dos singles.

En 1997, Vinyl Tap Records edita "The Last of the Jubblies", con material inédito grabado inmediatamente después de "Garden Shed", en el invierno de 1977. Así que es tan recomendable como el disco oficial. Otra reunión se produce en 2006, donde llegan a tocar en el Baja Prog de Mexicali, y hacen una pequeña gira. De la que saldrá "Live in Japan : Kikimimi" (2006).

Pero lo que ha supuesto una sorpresa es la edición de material nuevo para el 2018, y con la formación original, (más muchos invitados). Ésta vez son 10 temas no muy extensos, que paso a analizar. 


Sorprende que comiencen con su particular visión de "Carmina Burana" (4'00), en una versión casi funk en la onda de The Alan Parsons Project. Henderson destaca al bajo, algo que hasta Jeff Beck advirtió en su día, pues fue reclutado para girar con él. 



"Destiny" (6'00) es el tema más extenso de la obra. Tiene un aire similar a los últimos The Enid con Joe Payne, muy británico y con voces operísticas por momentos. El sagrado Mellotron MK II se deja oír generosamente.  Una vez propiedad de Brian Jones, y posteriormente cortado por la mitad, (como lo oyes), por el propio Robert Webb,  un experto en la materia, para un más cómodo transporte.


La voz femenina de "Hymn" (3'50) suena a Annie Haslam o Sally Oldfield, en un bonito corte, muy sinfo,  con conexiones muy 70s y sensacionales corales a la Gentle Giant. 



"Másters of War" (4'18) es un blues calcado al clásico "Summertime", imagino que es algo premeditado....el sólo de sinte sinfoniza el planteamiento bluesero. 


El humor no falta en "God Must Be a Boogieman" (4'23), tiene algo ésta canción. Con Henderson destacando y de nuevo parecidos a The Enid de los últimos años.



Un sinfonismo de corte dramático invade "Timelessness" (5'15), con un tratamiento omnipresente de teclados, piano y cuerdas,  similar a un Wakeman en solitario. Junto a un recitado de voz femenina lleno de sentimiento y profundidad. 


Para equilibrar tanta seriedad,  "Fags, Booze & Lottery" (4'47) es una positiva tonada, (con guiño al "Hombre Esquizoide" de King Crimson), y que me recuerda a aquellos temas ligeros que gustaba incluir ELP para rebajar densidad. Una mezcla de los Queen cabareteros y Manhattan Transfer, a golpe de moogs! Buen sólo de guitarra de Frank Holland, (llegó a estar en The Pretty Things, así que no me extraña).


La campiña de, errrrr, England, se refleja en la acústica "It Couldn' t Be You" (4'08), con pastoralismos y fondo mellotronico que casi parecen Strawbs. 



Dice la banda que "Wheel of Fortune" (4'17) es lo más parecido a lo que hacían en los 70. En realidad, cualquier tema de éste álbum,  desarrollado con la instrumentación barroca genesiana de entonces, podría pasar por material próximo a "Garden Shed". Pero su corto minutaje impide una mayor expresión progresiva, y ésa es mi única crítica al disco.


Porque la final "Fine Alley" (5'52) reitera la buena disposición instrumental de los actuales England. Que presentarán "Box of Circles", junto al obligado "Garden Shed", en el Fusion Festival de Stourport, en Marzo de éste año. Webb, Holland y Henderson estarán presentes, del line-up 70s. Ayudados por Mike Morton (voz), Dave Lloyd (guitarra) y Gabriele Baldocci (teclista de The Gift), - pues me falta un batería. ...-.

"Box of Circles" es un válido álbum de vuelta, distinto y a años luz de su masterpiece, pero todavía interesante y disfrutable. Que no es poco.
J.J. IGLESIAS





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