Como anteponiéndose a un tiempo por venir, llega “Materia Oscura” como una premonición ante la estupenda vida que nos va a tocar contemplar. Una música hermosa la de IQ pero que siempre ha jugado su lado siniestro. El otro lado que ya se intuía en “The Wake” o en las partes más claustrofóbicas de “Subterránea”, se muestran aquí con mayor énfasis.
Esa “tristeza” siempre presente en su música. El rock sinfónico de IQ no es de cuento de hadas, ni de mensaje metafísico, ni de gloriosas gestas de caballería ni de amores novelescos ni de los tópicos absurdos que siempre han acompañado al estilo. Puede que, con su lado literario, su invención, incluso su humor o sus oscuras y atractivas historias imaginarias, la música de IQ sea esencialmente realista y no exenta de cachondeo propio e irreverencia. La hacen tan bien que ni siquiera se la toman en serio. Esto me encanta. Esto es genial porque además les entusiasma lo que hacen. Nada tan inteligente como no tomarse nada en serio. Pero dentro de un aparente desdén, es la música de la soledad del individuo. Del dolor sordo. Del pringao de siempre. Con su escucha me vienen imágenes. Es tan distinto este joven siglo a las antaño músicas idealistas… A aquella rimbombante trascendencia rozando lo ridículo….
A las historias de compromiso social y toda la sensibilización de una infantil revolución ya amortizada, ya olvidada, hasta tal punto, que hoy todo bien y toda gesta noble, parecen motivo de burla y engaño. Nadie se cree ya nada. Estamos en 2018 y no hay futuro porque nada es creíble. A la vista del panorama siniestro que disfrutamos con candor juvenil y que día a día nos mortificamos a placer, cotidianamente de horribles noticias, de cagadas políticas, de burradas y de miserias humanas espeluznantes, siempre está una música benefactora, porque raro será que mañana veamos alguna luz de inteligencia o algún comportamiento relevante. Ni lo espero. Diría que afortunadamente me da igual. Qué más da, si dentro de 10, 15 o 20 años de vida alargando como mucho, la mayoría de los de mi generación ya no estaremos aquí. Aunque aún tengamos por delante todavía un bonito panorama de denigración social in crescendo y también música progresiva como tratamiento a la perdida de neuronas. A día de hoy, no me gusta nada lo que veo ni lo que piensa la gente, si es que generalmente piensan. Incluso me pregunto cómo es posible que aun haya música decente en esta astracanada de vida. El agotamiento generalizado y la retorcidamente estudiada desaparición de todo humanismo, digamos del sentido de “humanidad” más concretamente, es malo para el negocio. Todo eso ya no existe. Y eso pasa a la música y a unas actitudes bien diferentes a los de los 70´s. Darwin fue listo y revelador: El malo es el único que sobrevive, se alza sobre los demás y triunfa. Tener al mundo cabreado suma royalties. Para colmo, toda revolución es estúpida en sí misma. Se celebró hace nada el 50 aniversario del 68. Una verbena del Inserso y residencia de ancianos Nunca sirvió para nada. Los mismos siempre han ganado la misma batalla porque nunca se han ido. Debería causarnos risa tal derroche de propósitos vacuos. A falta de cultura incluso aumentan y se perpetúan los rezos a seres imaginarios y al espagueti volador, que es el otro negocio a proteger, aunque martiricen vidas y generaciones. Que nos queda entonces para huir del ridículo y la vergüenza generalizada del mundo: la música ¿Qué es la música entonces…? El refugio del solitario. El elogio del individuo. Su exaltación y su mejor chiste. La música, es un ansiolítico natural. Analgésico potente y también laxante a veces. Pero solo para aquellos a los que ya nada puede engañar. Prefiero que no me quieran a ser uno de ellos…o de los otros… Huir a veces de nosotros mismos incluso, es el único camino que nos queda.
“Sacred Sound”… su densa escucha y la observación de la portada del disco, me motivó en parte a escribir este coñazo de texto preliminar. Que por supuesto podéis obviar como la pataleta de un cenizo sesentón. La música de IQ tiene eso, una amarga nostalgia que enfrenta belleza y realidad. Incluso intuye una doble lectura. Música de tormenta interna, como la que está cayendo ahora en mi ventana. De remover estómagos, de desacuerdos con uno mismo. Teclados con sonido analógico, órgano, mellotrón, viento gris que levanta el polvo como una jaculatoria catedralicia que implora al destino y la guitarra que desgarra sus lamentos. Génesis acertó en el desarrollo instrumental de “Cinema Show” esa rítmica peculiar caló fuerte en IQ.
“Red Dust Shadow” es un corte tristón, algo Floyd en sus últimas entregas. No dice gran cosa y podría acercarse incluso a los últimos y abúlicos Porcupine Tree y al interminable bostezo. “You Never Will” es más de lo mismo. Todavía no aparecen las melodías que enganchan y la música me suena muy a penumbra y a bodega con alto grado de humedad. Cuando aparece Holmes todo reluce de otra manera, pero hasta ahora está muy comedido. “Born brilliant” va corriendo debajo de una alcantarilla mientras las ratas entonan cánticos cistercienses y entre todas ellas logran levantar una mohosa loseta metálica y los vapores oscuros escapan. La música es algo pesada y corrosiva, pero te mantiene atento con su olor a cripta revenida.
Afortunadamente nos vamos a “Harvest Of Souls” y durante 24 minutos nos regalan otra hermosa suite como ya es costumbre en ellos. Vuelve la delicadeza y una luz que parecía perdida hasta el momento. Los diferentes planos y pasajes instrumentales vuelven a trasportarnos por ilustres veredas. Solo por esta pieza merece la pena este disco, a mi juicio no tan bueno como otros. Apunte personal sin duda, aunque el nivel de calidad de la música es el de siempre. Me encanta la portada porque no alberga ninguna esperanza.
Alberto Torró
Temas
1. Sacred Sound (0:00)
2. Red Dust Shadow (11:40)
3. You Never Will (17:41)
4. Born Brilliant (22:29)
5. Harvest of Souls (27:48)
- I. First Of The Last
- II. The Wrong Host
- III. Nocturne
- IV. Frame And Form
- V. Mortal Procession
- VI. Ghosts Of Days
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Uno no deja de maravillarse ante el contínuo descubrimiento de bandas prog 70. Se diría que ésa década nunca terminó, o duró más de diez años.
A pesar de la continua labor investigadora de la comunidad progresiva internacional, nunca "terminamos la colección". Y que siga. La siguiente sería decir que "lo poco que quede por descubrir, será ya un truñaco pestilente". Primero, no sabemos si "queda poco por descubrir". Y truñacos, alguno habrá, pero desde luego no es lo habitual. Había muy buen gusto y respeto por la audiencia, en esos días.
Es el caso de los norteamericanos Satchitananda. De un único trabajo superlativo con potencial de maestros Jedi. Prensaje privado de 1978 desde Maryland, Washington DC, de fuerte inclinación progresiva con perspectiva jazz. Sí, de cabeza para nuestra sección "Canterbury Ways". La formación también colabora a ése característico sonido.
Ken White (cantante solista, flauta, saxo soprano), Kevin McGlennon (Grand piano Yamaha Electric, flauta, voz), Mark Janas (batería) y Dave Hoffman (Fender Rhodes, Yamaha Electric Grand, ARP Odyssey, ARP String Ensemble, flugelhorn, voz). Cuarteto que pronto emparentamos con However, Boud Deun, Happy the Man, Grits, Drama, Maelstrom y todos los sospechosos habituales del "Canterbury USA". Gloria bendita, en traducción simultánea. Grabado en los Deglman Studios por su dueño, Tom Deglman, y Ken White. El disco no parece para nada un prensaje privado si nos atenemos a su exquisito sonido.
"A Thought Away" (9'12) recrea en su comienzo al piano eléctrico una reflexión, una mirada perdida, un sentimiento de culpa.....como habrá podido comprobar el lector observador, aquí no hay guitarras ni bajo. Teclados galore a todo meter. Y conexiones con Hatfield and The North, National Health, Bruford o Matching Mole.
La voz de Ken White es casi equiparable a Jon Anderson, pero en un contexto jazzistico. El desarrollo de la pieza es delicioso, acariciante y renovador ( de cutis, también).
Greenslade a la vista por estribor.
"The Whisper Heard Above the Roar" (3'44) es una delicatessen andersoniana con fondo de Rhodes y sabor jazzificado y acaramelizado.
En "Alpha and Omega" (7'28) se añade un condimento de flauta a la Jimmy Hastings, sinte de cuerdas de fondo, fiscorno y un gusto imbatible. Los bajos se dejan oír aunque no haya, que las teclas se ocupan a las mil maravillas. Caravan, Soft Heap, Nucleus o Keith Tippet Group como alma inspirativa. Aquí no hay muchas diferencias estilísticas. Da igual que sean de EEUU, el sonido mira para Kent, sus verdes praderas, arcaicas construcciones y nublados parajes. La sensación de asombro e inmenso placer me invade como una aparición mariana (o algo así debe de ser, no?).
Volteamos la cera vinilica, (es un decir, ya me gustaría tenerlo!) y "Destiny" (4'23) es guiado por la melodía vocal extraordinaria de Ken White, unido a unas aplicadas corales, un batería cobhamiano, flugelhorn superlativo y teclados a plena inundación. Demasiado bueno para triunfar.
"Listen to me" (5'47), con una dolorosa entrada introspectiva, suelta a bocajarro referencias Gentle Giant que desembocan en algo parecido a Moraz / Bruford, pero en eléctrico. La flauta engrasa con eficacia, gracia, salero y alegría infecciosa.
Otro tema para oir desde la oficina de Philip Marlowe, con la luz nocturna del intermitente neón, es "Prelude" (3'19). Miles Davis hizo mucho por el prog rock, amigüitos.
Finalmente "Along Our Way" (4'27) nos devuelve la ilusión por vivir (bien), con un portento de exposición canterburyana feliz, técnica, inspirada, bien hecha, inteligente, audaz, lanzada y prog que te cagas.
Esto es pasarlo bien y olvidarse del mundo y sus miserias.
Una genuina masterpiece olvidada, que me da más fe para seguir escarbando en éstas vetustas ruinas arqueológicas de los 70, llenas de inacabables tesoros. Como éste.
J.J. IGLESIAS
Temas
A1 A Thought Away 9:12
A2 The Whisper Heard Above The Roar 3:44
A3 Alpha And Omega 7:28
B1 Destiny 4:23
B2 Listen To Me 5:47
B3 Prelude 3:19
B4 Along Our Way 4:27
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Internet ha supuesto una verdadera revolución en nuestras vidas y por supuesto también en la música. Para los que nos gusta investigar en la historia musical es una delicia encontrar joyas como Just For Kicks" de los Strawbridge, al alcance de unos pocos en los 70 y ahora lo pueden disfrutar hasta los esquimales.
Procedentes de Jackson, Mississippi la banda estaba compuesta por Mick Pogue (guitarra) , Bobby Furman (guitarra) , Mike Pollock (batería), Mike Hightower (bajo) y Dave Player (voz, teclados). Y punto pelota. Podemos escuchar su música pero para conocer su historia alguien debió transcribirla.
Strawbridge nos ofrece ocho temas, tres de ellos propios y el resto versiones. Son de la zona del Mississippi por tanto es razonable que se muevan por los terrenos del rock sureño. El disco se inicia con "Take a ride", buenos riffs que nos trasladan a sonidos de grupos como Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd. La plena confirmación llega en "Something Going on" y en el instrumental "For Walter". En cuanto a las versiones tenemos "Aint Wasting Time No More " (Gregg Allman), "Chevrolet" (Billy Gibbons), "Stateboro Blues" (Blind Willie McTell), "Country Comfort" ( Elton John & Bernie Taupin) y "Here Comes The Sun" (George Harrison). Todas magníficamente interpretadas con el toque personal del grupo. El disco se grabó en 1973 de forma privada y su sonido es algo opaco. Podemos encontrar a Strawbridge en otra grabación que recopilaba bandas que habían actuado en el Zodiac ( 'Live At The Zodiac'). Su participación consistía en una versión de Jo Jo Gunne, "'Run Run Run".
J.C.Miñana
Temas
1 Take A Ride 00:00
2 Something Going On 03:37
3 For Walter 08:31
4 Aint Wasting Time No More 11:42
5 Chevrolet 15:47
6 Stateboro Blues 19:08
7 Country Comfort 23:13
8 Here Comes The Sun 28:33
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Un personaje que no podía faltar en nuestra "galería de monstruos" electrónica, es el británico Simón House. De educación musical clásica, su violín ha sido alquilado por visionarios, modernos, locos, marcianos y genios de la escena psych desde los 60.
Antes de unirse a Hawkwind en 1974 y revolucionar su ya de por sí revolucionado sonido, había estado con los inclasificables maestros surrealistas Third Ear Band, y los guerrilleros ácidos de High Tide. Su primer álbum dentro de la nave Halcón, "Hall of the Mountain Grill" (1974), es una obra maestra que mezcla el Downer Rock mellotronico con el singular estilo psicodélico de Hawkwind. El siguiente, "Warrior on the Edge of Time"; (1975), no le andaba lejos. Y entre escapes y vueltas, aún ha tenido tiempo de escribir una quincena de discos con una banda que, por sí sola, creó su propio género. En 1978 lo llama David Bowie, y contribuye a una de sus etapas mágicas con "Stage" (78) y "Lodger" (79). Su elegancia espacial al violín eléctrico y efectos ha sido reclamada en discos de Michael Moorcock, Robert Calvert, Nik Turner, Japan, David Sylvian, Thomas Dolby, Mike Oldfield, Magic Muscle, Adrián Shaw, Bedouin, Judy Dyble, Astralasia, Alan Davey, Nektar o Anubian Lights.
A mitad de los 90 estrena etapa solista como sintetista + violín supradimensional, con el ineludible "Yassasim" (1995) y ese mismo año, con "Crystal Jungles of Eos". Aquí ayudado por Len del Rio en los moogs, samples y synths. Damos a la manivela del tiempo hacia atrás con "Cysyrgy" (7'02), llevándonos al sonido EGG de Tim Blake o Françoise Breant. Mística opresiva de jungla, tema muy utilizado en la prog electrónica que surte efecto cuando además, el violín forma parte importante de lo expuesto. Recuerda en ocasiones a lo hecho por Edgar Froese cuando nos teletransportaba con su guitarra. House usa su violín en una suerte de electronic -exótica que casi lo hace único. "Rush Hour Betelgeuse" (4'08) no abandona la floating music, pero en su melodía nos recrea tiempos más directos de primeros 80, como Japan, Ultravox o Visage.......pero sin perder el norte.
"View from Ganymede" (7'26) incluye samples de batería, y esto alcanza niveles muy interesantes, casi "comerciales". Como unos Tangerine Dream o Schulze de los 80, donde la melodía es tan importante como el ciber-envoltorio. En "Sands of Mars" (8'05) la experimentación tonal es suave, cálida, una ensoñación agradable, una sensación narcotica de bienestar, como una modorra post-comilona. "SF67" (5'17) posee una columna vertebral rock, y de haber utilizado un combo al uso, sería una pieza muy Hawkwind. Tiene su alienígena ADN.
"Crystal Jungles of Eos" (5'48) parece la sintonía de una añeja serie TV del espacio, si bien sus esquizofrenias melódicas disimulan su naturaleza naive. Casi entramos en el sinfo-prog con "Solar Wind" (7'23). Y es que el estilo de Simon House, agregado en su instrumento estelar, da pie a ello con total naturalidad.
Pudo nuestro hombre influenciarse en "Parsecs" (8'10), de la música de "X - Files"? 1995 fue un gran año para la serie y su creador sonoro, Mark Snow. Realmente, Marty Fulterman era su nombre. Que junto a otro futuro VIP de los soundtracks hollywoodienses, Michael Kamen, provenían de la banda de rock psicodélico New York Rock Ensemble. Todo el drama atmosférico de la serie es perfectamente captado no sólo en éste tema, sino en todo el álbum. "Ice Riders of Charon" (4'25) también guarda su halo-soundtrack, sin perder cierto acento berlinés.
"Crystal Jungles of Eos" es un muy agradable bálsamo cósmico de sobremesa, para una digestión relajante y una evasiva escapada mental. Que buena falta hace.
Viene con un segundo disco de "remixes". Algo muy "in" en los 90 para "chill outs" y demás paridas de moda pijaitil. El resultado no está mal hecho, - para ésta ocasión -. Los temas son barajados en orden aleatorio, y pasados por el turmix de la mesa. Buen muzak para ascensores....tú mismo. La cosa real, o sea, el disco, enlaza directamente con otra maravilla a recomendar, como es el "Spiral Galaxy Revisited" del 2000. Otra sabrosa volada.
J.J. IGLESIAS
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Jon Lord es uno de mis teclistas favoritos junto a Rick Wakeman y Keith Emerson. De estos tres grandes ya solo nos queda Rick. A Jon tuve la oportunidad de verlo junto a Deep Purple y Whitesnake, siempre genial, mezclando lo clásico con lo rockero.
En 1982 Jon Lord estaba en Whitesnake, formación en la que nunca se sintió lo suficientemente valorado. El 20 de Noviembre editaron "Saints & Sinners". Por su parte Lord sacaba al mercado "Before I Forget " en la que colaboraban gente como Tony Ashton, Bernie Marsden, Mick Ralphs, Neil Murray, Boz Burrell, Ian Paice, Simon Phillips ,Cozy Powell y Simon Kirke entre otros. También participó en el disco de George Harrison, "Gone Troppo".
"Olympic Rock & Blues Circus" fue un proyecto del batería alemán Charly Eichert que reunió a diversos músicos para realizar varias giras (1981-82-89) fundamentalmente por Alemania. Las formaciones cambiaban en cada concierto (Brian Auger, Tony Ashton, Miller Anderson, Zoot Money, etc) . La grabación que hoy presentamos pertenece al concierto celebrado en Berlin el 29 de Septiembre de 1982. En esta ocasión la banda estaba formada por: Chris Farlowe (voz, Colosseum, Atomic Rooster), Pete York (batería, Spencer Davis Group), Jon Lord (teclados, Deep Purple, Whitesnake), Colin Hodgkinson (bajo, Alexis Korner, Whitesnake), Jeff Reynolds, Jim Campagnela y Andre Pot (vientos), John Marshall (guitarra) y por supuesto Charly Eichert a la batería. El Show comienza con un tema del saxofonista Campagnela, "Motorboat", en clave de jazz y con Jon Lord calentando motores. En "Watch The River Flow" se incorpora Farlowe con su inconfundible voz. El momento tierno llega con la versión del " A Whiter Shade Of Pale" con Lord al piano. Solo del bajista Colin Hodgkinson en "Mississippi Delta Blues" y de los baterías en "Sincussion", no se quién de los dos, Eichert o York, es el encargado de hacer los "ruiditos". Volvemos al jazz funk con el instrumental " Compared To What". "Take Me On The Road" es un gran blues con Farlowe realizando florituras vocales. No relajamos un poco con "Never Loved A Woman" y llegamos a " It's Gonna Rain Today" cantado a capela por Farlowe. La hora de Lord llega en "Walk On The Wild Side", alucinante su solo que navega por terrenos clásicos y rockeros. El concierto se cierra con un clásico "Stormy Monday Blues". Una noche de ensueño, la pena el sonido de la grabación. Hay que sufrir un poco para disfrutar de semejante evento. J.C. Miñana
Temas
1. Intro - Motorboat 00:00
2. Watch The River Flow 14:08
3. A Whiter Shade Of Pale 19:20
4. Mississippi Delta Blues 25:53
5. Sincussion 32:26
6. Compared To What 40:40
7. Take Me On The Road 45:15
8. Never Loved A Woman 54:26
9. It's Gonna Rain Today 01:01:58
10. Walk On The Wild Side 01:03:21
11. Stormy Monday Blues 01:19:25
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Desde Madrid llegan Gatomojado una banda procedente de Vallecas integrada actualmente por Kike Orduña (Guitarra y voz ), Alberto Sánchez (Batería, percusión y coros) y Diego Marín (Bajo y coros). En febrero de este año (2018) han editado su primer larga duración, "La Moral del Perdedor".
Rockliquias se puso en contacto con Kike Orduña para que nos diera algunos detalles del proyecto.
Rockliquias.- Nos puedes comentar de donde viene lo de GatoMojado y cómo se escribe (junto o separado)
El Gato Mojado surge por la búsqueda de un sonido distinto al de la banda en la que me encontraba, ``La diligencia de los vaqueros zombies´´. Nace como proyecto en solitario y el nombre de Gato Mojado sería mi propio nombre de Bluesman, como si yo mismo fuese uno de aquellos célebres bluesmen del sur de los Estados Unidos, y como soy de madrid y trato de hacer Blues sin tener un bagaje musical demasiado extenso, tan solo la pasión que me despierta el espíritu del mismo, pues lo hago a trompazos y con cierto desorden característicos de un Gato mojado.
Cómo dijo el Bienve, el dueño del ``Blues Frontera´´ (Puente de Vallekas), un Gato Mojado es un japonés madrileño en crisis. Hasta la fecha no he escuchado una definición que describa mejor el nombre jajaj.
Antes lo escribía separado, ahora todo junto ya ves, tampoco influye en el resultado jeje. Puede que todo junto tenga un poco más de solidez quien sabe.
Rockliquias.- ¿Cómo fueron tus inicios y tu faceta de músico callejero ?
El comienzo del Gato fue emocionante y arriesgado, aun no deja de serlo para mi, coincidió que me hice con un equipillo sencillo para grabar maquetas con el cubase, y me puse a grabar canciones que no sabía muy bien donde iban a conducirme. Una guitarra acústica, una armónica amarrada al cuello y una panderetilla en el pinrel me acompañaban. Empecé a salir a la calle a tocar con mi amiga Rebeka (la perraseca) que toca el saxo. Buscábamos sacar dinero con ello así que tocábamos mis temas y algún que otro bolero friki, sospecho que esto último cuajaba más jajaj. A estas visitas callejeras se incorporaba el Verde con su violín, un poco más adelante ambos se unieron al proyecto musical del Blusman felino y algo torpe, el Gatomojado.
Rockliquias.- En 2015 llega tu primera grabación, "En el Nombre del Gato", tú con tu guitarra y poco más. ¿Cómo fue esa primera experiencia en el estudio?
Pues fue la oportunidad de continuar seriamente con el proyecto, la prueba de fuego que me hizo ver que Gatomojado puede coger una forma guapa y cierto filin verbenero.
Yo me dedico a la ilustración y a las artes gráficas asique mi colega DJ Maos, que lleva el MMR Estudio, me ofreció grabarme unos temas a cambio de un trabajo de ilustración y diseño gráfico para uno de sus discos de Hip Hop. Ya me había metido en un estudio anteriormente a grabar voces cuando cantaba en la banda de Hardcore-Punk ``Spidikflotes´´ pero esto fue un tanto más extraño. Enfrentarme a la claqueta con la guitarra, con la voz y con la armónica con ritmos más lentos de lo que estaba acostumbrado a hacer fue como llevar una chincheta en el culo cuando estaba en la pecera aquella. Una puta tortura y creo que es por eso que aquella maqueta pierde un poco de frescura comparada con la fuerza del directo, donde las imperfecciones generan un ruido más auténtico y propio de la personalidad de gatomojado. En todo caso ``En el nombre del gato´´ fue una declaración de intenciones, oye aquí estoy y voy a hacerme oir aunque sea a gritos.
Decir tambien que en esa grabación conté con la colaboración de algunos amigos, Stiky Sánchez al saxo en ``Mi nombre´´, Mario Boville a la guitarra en ``Gatomojado´´, Verde y Harry a la guitarra eléctrica y al teclado en ``Karmela´´.
Rockliquias.- Luego se unen a la fiesta la Blues Farm Band...
Eso es, después de estar tocando en la calle un tiempo con Rebeka y Verde aparece el Alberto, un colega cantante de metal que me sugiere aprender a tocar la batería con nosotros. Así sin comerlo ni beberlo al gatomojado le salen amigos de debajo de las piedras… Aparece el Robertez (Motociclón) tocando la armónica, luego le coge el relevo el Manolo de los ``Meadow sinners´´ y finalmente con motivo de unos conciertos programados en el BlackBird Rock bar (Madrid) se incorpora Diego al bajo. Parece que Gatomojado cuenta con la Bluesfarm Band, y como aquello es un nombre demasiado largo decidimos seguir usando el nombre ``Gatomojado´´ el bluesman y sus compinches, de esta forma Gatomojado podría actuar en diversos formatos, en solitario, en dúo, power trío y banda completa.
Rockliquias.- Unos meses más tarde junto a la saxofonista Perra Seca, publicáis tres temas. ¿Cómo fue esa colaboración?
Pues en realidad esta maqueta es anterior a la ``Bluesfarm band´´ digamos fue el elemento precursor. Esta maqueta tenia unos 12 temas pero finalmente solo publico 3, ``Síndrome de estocolmo´´, ``Negra flor´´ y ``Los pelos del gato´´. Alguna que otra canción fruto de las típicas tonterías que sufren los seres humanos con los desengaños y traiciones de sus semejantes con cierto humor y acidez.
Convencí a la Rebe para tocar juntos y ella me dijo, tio… si tu eres el Gato mojado yo soy la Perra Seca. Jajaja asi en plan antagonista
Total que de esa gracia surgió la idea de ponerles nombres de animales a los integrantes de la banda, de esa forma, Verde (violin y guitarra) sería la rata limpia. Robertez (armónica) era el Reverendo Hormiguero. Manolo (armonica) fue el Oso blanco de Wisconsin, Alberto (Bateria) la Gamba Roja y Diego (Bajo) el Mapache Nihilista.
Rockliquias.- A finales de 2017 llega vuestro homenaje a los chunguitos con la cover "ME QUEDO CONTIGO"
Un amiguete que estaba estudiando para técnico de sonido nos ofreció el estudio de su escuela para grabar un tema, como ya teníamos previsto grabar los 9 temas del disco ``la moral del perdedor´´ decidimos hacer un tema homenaje a una de las bandas más influyentes de los parques de todo Madrid, los chunguitos. Para ello tratamos de meterle un rollo ``Hoochie coochie man´´ a lo Muddy Waters versión gitano, toda una experiencia Jander Blues con la que el proyecto, ya con banda, empieza a funcionar en eléctrico con mayor soltura.
Rockliquias.- Por fin en febrero de 2018 llega vuestro primer álbum con nueve temas grabados en los estudios de Santiago Campillo en Murcia. Nos podéis contar como surgió está colaboración
Que os voy a decir que no sepáis de Santiago Campillo… un Monstruo, un figura de la guitarra y un apasionado de la música afroamericana con un gran respeto y soltura a la hora de trabajar sobre ella. Muchos le conocen como el fundador de M-Clan, y los aficionados a la banda suelen coincidir en que fueron sus primeros discos, los de campillo, los más rockeros e influyentes. Yo si te soy sincero nunca escuché M-Clan y no tenía ni puta idea de quién era este tal campillo hasta que le escuché tocar blues, tengo el orgullo de decir que yo conocí a Santi Campillo como Santi Campillo y no como parte de un grupo que a día de hoy cosecha éxitos sin él, eso me la resbala completamente… a veces en la música parece que no seas nadie sin un apellido potente, en este caso os puedo asegurar que es una tremenda patraña, escuchen al murciano y agárrense donde puedan.
Coincidí con Santi en una Master class que daba en Madrid, al terminar, entre risas y algún que otro canuto me acercó al barrio con el compadreo y el buen rollo de un amigo. Me comentó que estaba montando su estudio, Niculina Records, en su casa en Murcia. Así que cuando decidimos grabar no dudamos en llamarle.
Fue una experiencia brutal, nos ayudó con la producción y conseguimos un sonido bastante bueno para la edad que tenemos (entre risas, una de las frases que nos soltaba el Campillo) aparte colaboró con su guitarra slide en ``siempre se van los mejores´´ y con el pedal steel en ``largo tiempo´´ dandole al disco una calidez y una frescura cojonuda.
Gatomojado es una mezcla de Elmore James con Pastor Belga me decía jajaja, no podía tener más razón el tío.
Rockliquias.- ¿Cómo ha evolucionado la banda hasta esta última producción?
La banda fue cambiando, Rebeca nos dejó para seguir su camino como intérprete de jazz antes de la grabación del disco, Manolo (armónica) grabó como músico colaborador igual que Violeta del Río (teclados) que quiso echarnos sus manos de pianista para enriquecer el disco.
A día de hoy la banda tiene su formación fija de guitarra, bajo y batería con la idea de ir contando con músicos eventuales, armónicas, sección de vientos, teclados, etc…
Rockliquias.- Blues en español, parece en principio una apuesta arriesgada que pocos afrontan.
Pues vuelvo al guiño de antes ``japonés madrileño en crisis´´. Hay quien dice que cantar Blues en un idioma que no es propio del estilo es como si un japonés se pusiera a cantar flamenco… oye y por qué no. Al final se trata de expresarte como a ti te sale, yo no sé inglés aunque a veces me gusta cantar las canciones que me encantan y están en inglés, pero bueno quien dice qué es o qué no es blues. ¿Quién dice que no me crea lo que canto, y que la gente que me escucha en los bares o en las calles no entienda mis letras? Al final pienso que para mí, para Gatomojado, cantar Blues en castellano es hacerlo más compadre y cercano a la gente del barrio. ¡Oye y si tocas fuera de España no te van a entender tío! Yo tampoco entiendo de primeras las canciones que no están en mi idioma y aún así me llegan al alma, y luego hago el esfuerzo de traducir la letra. ¡Coño, no hay tanto misterio! Canta con el corazón y al que no le parezca bien que escuche otras bandas, que las hay a puñados y muy buenas. Hace unos días coincidí con Alex Caporuscio en un bar, yo pedí una caña y él una copa de anís. Con la caña me ponen una tapilla de queso y él me dice, kike hay mucha gente que dice el blues es esto y no esto otro, que Gary Moore no mola y que Jimmy Hendrix no era guitarrista de blues y bla bla... tronco, (coge un trozo de queso y su copa de anís) ¿si te apetece mojar el puto queso en el anís que pasa? Es que acaso no puedes hacer lo que te apetezca? Pues eso es para mí la música, eso es para mí el blues. No quedarte con los supuestos ni con lo establecido, y construir tu propio lenguaje.
A mí me pareció una buena reflexión (desde la barra de un bar, cómo no…)
Está claro que pretender sonar a Blues cantando en castellano es difícil, las palabras no tienen la misma sonoridad y es fácil acabar sonando a rock pop, pero aquí estamos intentándolo, con respeto hacia el género y hacia los músicos que se ganan la vida tocando Blues y con pasión por contar historias al personal.
Rockliquias.-Nos podéis comentar las colaboraciones con las que cuenta la grabación
La grabación cuenta con el teclado de Violeta del Río (La Caimana de Louisiana). Violeta andaba peleándose con los yankis para que la sellaran un visado y poder vivir y trabajar en Nueva Orleans como en otras temporadas había hecho. Ya que la cosa se hacía esperar se animó desinteresadamente a colaborar en nuestro disco. Una artista que se dedica profesionalmente a la música, que lo mismo toca clásico como que toca jazz, todo un lujo contar con ella y su experiencia con la música. Mira ayer mismo me contaba que, allí en Nueva Orleans, había estado tocando en JazzFest compartiendo cartel con Buddy Guy entre otros, te cagas…
Tambien y como comentaba antes, el propio Campillo se marca sus fraseos con el slide y el pedal steel dándole un rollito Country Blues muy guapo.
Rockliquias.- ¿ Cómo va la promoción del disco?. Conciertos previstos.
Pues muy acorde con el título del mismo, ``la moral del perdedor´´ preparamos una gira nosotros mismos por la península tratando de pillar fines de semana y festivo para compatibilizar con nuestros curros. A una semana de comenzar se fueron cayendo fechas… y de 12 o 14 conciertos programados casi se quedaron a la mitad jaja. Pero vamos muy contentos y los conciertos que hemos ido dando parece que han sido plato de buen gusto para el público, y eso es lo más importante para nosotros, disfrutar con lo que hacemos y transmitir ese "filin" a los parroquianos.
Tenemos previsto Zaragoza ( Sala Z - 25 de mayo) y Bilbao (Plaza Beltza - 26 de mayo). Más adelante bajamos a Granada en noviembre y Valencia y Galicia caerán ya en diciembre.
Rockliquias.- Habéis realizado diversos vídeos para promocionarlo...
Un colega, el Félix, grabó algunos planos en un directo y nos hizo un pequeño montaje muy resultón para ``la ruina´´, siguiendo la temática animación y directo montamos otro para ``huellas dispares´´ Ahora pensando en invertir en un buen vídeo, parece que a día de hoy un buen vídeo es la clave para que la gente pueda interesarse por tu banda.
Rockliquias.- ¿Qué opináis del panorama musical madrileño actual. realmente ¿hay oportunidades para las nuevas bandas?
Pues creo que el panorama musical en Madrid es difícil, hay músicos muy buenos que están puteados haciendo bolos de mierda para poder vivir. El problema de Madrid, y creo que es en general en el país, es que el circuito parece estar vetado a unos pocos. La música es un autentico negocio abrasivo por tanto hay bandas que funcionan muy bien y generan dinero por lo que son rentables para los festivales y promotores de conciertos, y otras que no tanto. Para estas últimas es muy prohibitivo tocar por los alquileres que piden las salas de conciertos y demás cuestiones de pasta bastante desagradables.
Pero el principal problema creo que es la ausencia de una escena. Antes parecía que dentro de cada estilo, la gente se movía en manada para ver los conciertos, indiferentemente de si les conocían o no, les movía o mejor dicho, nos movía la música. Hoy nos mueve Netflix y la comida a domicilio, para que vaya la gente a los conciertos hay que freírles a publicidad y casi apuntarles con un arma… tío eso no es rock and roll (como decía mi colega sebas de Electric Belt) De verdad que más nos vale espabilar y apostar por la música que nos gusta, o esta se desangrará en un puto callejón sin que nadie la vea.
Pero dramas aparte, hay bandas que con mucho sudor y esfuerzo están floreciendo en Madrid y son un verdadero ejemplo para los que se dedican a la música. A ver si entre todos, músicos, salas de conciertos y público conseguimos dar con la fórmula para que esto no pare y disfrutemos de proyectos creativos e innovadores que nos saquen de este abismo de mierdas light y regaeton de los cojones.
Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?
Pues que después de leer toda esta parrafada que he escrito mandaría huevos que no lo hicieran jajaja. Diría que Gatomojado es una banda con muchas ganas de tocar, de aprender, de innovar y de estar al servicio de la gente, porque todo el mundo quiere escuchar una buena historia y el Gato ha venido a la ciudad para contárosla queridos amigos.
``La moral del perdedor´´es un disco lleno de historias y referencias, sobre personajes que sobreviven, sobre héroes ocultos en la noche, en los bares, en los callejones. Es un disco que convierte el dolor en humor y el desengaño en chiste, que tiene presente el pasado pero mira hacia el futuro y, tropezando una vez tras otra, se enfrenta a la crudeza de la vida y eso le hace jodidamente hermoso y auténtico.
Muchas gracias a todos por la atención y os recuerdo que pueden seguirnos a través de Facebook y bandcamp (gatomojado.bandcamp.com) descárguense el disco y vengan a los conciertos para llevárselo a casa en formato físico que es como mola tenerlo jeje.
Un zarpazo grande del Gatomojado!!
El Gatomojado, la Gamba Roja, El Mapache Nihilista y la Rata Limpia se lanzan a la piscina del blues en español realizando un doble tirabuzón invertido y lo cierto es que lo clavan. El Blues se ha convertido en un lenguaje musical universal y Gatomojado lo borda en español. La forma de cantar de Kike me recuerda a un joven Sabina, antes de que el tabaco o que se yo le maltratara su voz, buena prueba de ello lo tenemos en "Manos Sucias". Letras con ingenio y desenfadadas aderezadas con la instrumentación justa pero no por ello escasa. No podemos olvidar las colaboraciones de La Caimana de Louisiana en los teclados, El Oso Blanco de Wisconsin en la armónica y la sutil guitarra de Santiago Campillo.
Permitidme un salto en el tiempo de 16 años, tiempo éste en el que tan solo grabaron 3 discos muy mediocres, a saber: “Piccola Rapsodia dell´ Ape” (1980), “Venerdi” (1982) y “Orme” (1990) Incluso se dice que incomprensiblemente participaron en el trasnochado Festival de San Remo, quintaesencia de la canción italiana retro más comercial y primo hermano del hortera deluxe repulsivo y politizado Festival de Eurovisión. De las tres bandas principales del RPI que llevamos, ninguna se salvó de hacer el ridículo popero y vulgar y de cambiar de look en los 80´s. Los tres intentaron colar el mensaje de “esos tiempos modernos” y justificarse ante lo injustificable. De la misma forma que con las orejas gachas y el rabo entre las piernas intentaron tímidamente al principio de los 90´s volver al redil después de haber gestado la “alta traición” a sus viejos fans. En el caso de Le Orme, estos al menos volvieron y grabaron nueva música tan buena o más como la de sus inicios setenteros.
Absueltos pues de pecado regresan al estudio en 1996. Ya no está Tony Pagliuca a los teclados. Siguen Tagliapietra y Dei Rossi y se incorporan dos teclistas: Francesco Sartori y Michele Bon. Esta formación grabaría “Il Fiume” el primero de una serie de discos bastante buenos y agradables.
En este regreso el sonido ha cambiado sustancialmente. El armazón sonoro ya no es tan débil y ha ganado cuerpo. Estamos en otra época y si había cierta “debilidad” en el sonido antiguo, las nuevas tecnologías permiten más empaque y claridad. Tagliapietra sigue cantando con la delicadeza que le caracteriza y nuevamente vamos a encontrar sencillas y bellas melodías, pero con unos arreglos mucho más consistentes que antaño. Sea como fuere Le Orme siempre han sido una banda de fácil escucha, independientemente si un álbum era más prog que otro. Como iremos viendo en la segunda temporada dedicada al RPI con otras bandas italianas de la época, no serán los únicos que adopten esa característica del país mediterráneo por excelencia. En realidad, nos encontramos con un álbum-concepto en toda regla que debe escucharse como tal. Lo primero que nos viene a la mente es una música amable, delicada. Como siempre probablemente, pero encuentro incluso una elegancia más acentuada que antaño. La guitarra (sintetizada en este caso) es absolutamente determinante y mucho más activa que antaño. El añadido del sitar le da una magia especial al disco.
“Madre Mia” es una melodía preciosa completamente italiana en el sentido más natural y poético del término que se quedará en tu cabeza de forma deliciosa. Como siempre todo es breve, preciso, pero engancha a la primera por su claridad y elegancia. No hay que tener prejuicios con lo sencillamente bonito. Las partes de sinte y piano son hermosas y no pretenden otra cosa como en “Prima Acqua”. Hay cosas más rock desenfadadas como “Chiesa d´asfalto” pero que tampoco desfiguran la línea de escucha y están bien ensambladas como la “Danza dell´aqua”. Todo es agradable: “Lungo il Fiume” con su bonito estribillo. “Dove l´acqua si ripossa” con sus ribetes clásicos de piano que desembocan en nuevas melodías y canciones: “Il Vechio” o la “Grande Acqua”. Todo huele a flores frescas, limpio, hermoso y sin malicias, con coros incluidos. “Il Fiume, parte seconda” cierra un disco brevísimo como siempre que pasa sin casi darte cuenta. Pero repito, es sencillamente bonito como el olor a flores y fresas, pero sin llegar a lo cursi, aunque a veces la línea sea muy fina y muchos lo confundan.
Alberto Torró
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Bien, pues fieles a su costumbre de no sacar discos a voleo y no tener presiones de ninguna compañía, ya que con su sello “Giant Electric Pea” ellos se lo guisan y se lo comen, se meten de nuevo en el estudio en los albores del nuevo siglo que nos ocupa. Con una determinación de hacer siempre un buen disco es siempre preferible esperar con ellos el momento preciso. Como ya comenté, cada disco de IQ es un acontecimiento que los amantes de este estilo tan estupendo de música, agradecemos infinitamente. Todo un privilegio ser un “prog lover” por lo de exclusivo y afortunado que supone, aunque dentro del estilo “estemos diferentes familias” no siempre bien avenidas es cierto, algo así como los “Hatfields y los McCoys” (ver western en Netflix).
“La séptima casa” puede enlazar perfectamente con “Ever”. Las composiciones de IQ mantienen un halo familiar con una personalidad perfectamente definida. Las melodías son claras y siempre adictivas. La cadencia rítmica, tan descriptiva, tan viajera, es inconfundible. Las progresiones de acordes tan bien puestas, tan efectivas, tan emocionales. En realidad, es una estructura clásica típicamente británica, tan alejada de otras culturas musicales como la norteamericana por ejemplo. Es tan radicalmente distinto el concepto, que resulta en una valoración cultural muy distinta. Escuchando a IQ ves completamente alejados otros subgéneros progresivos que al fin y al cabo pueden ser más convencionales. Nada de “rock” ni de “blues” ni de “jazz” ni de fusión. La base es clásica al 100% pero la melodía exquisita es el ingrediente principal. Genesis fueron el mismo concepto, pero estos tipos los han superado. IQ ensombrecen a Marilliones, Pendragones, Arenas y a la legión de imitadores que se fijaron en Génesis y en Camel. Este disco suena ya tan perfeccionista en su estilo que ningún neoprog advenedizo puede hacerles sombra. Hay una “potencia” sonora mayor en este disco. La grabación es tan perfecta que cada instrumento está perfectamente equilibrado.
“The Wrong Side Of Weird” es el típico IQ de siempre. Su música parece una composición continua que se perpetua de un disco a otro de manera inconfundible y curiosamente sin repetirse, como si las estructuras y la melodía se subdividiesen en múltiples formas, en inagotables maneras de un mismo “todo”. Explicarlo con palabras no le hace verdadera justicia.
Tras la densidad algo dramática de “Erosion” nos vamos al ultra-sinfonismo british por excelencia en ese complicado y variado tapiz sonoro que son los 14 mtos de “The Seventh House” desde el precioso comienzo cierras los ojos para imaginar lo que quieras. La melodía es fantástica, la voz de Nicholls tremenda, la estructura musical maravillosa y por adjetivos que no sea. Momentos de potencia y tensión van construyendo una montaña sinfónica hasta que la guitarra de Holmes se alza en las alturas y como Icaro intentas que no se quemen tus alas por aproximación al sol. Los cambios rítmicos se suceden en medidas siempre extrañas y contratiempos. Un estribillo melódico distinto se sucede a otro, mientras el piano recorre plácido y animado. Composición elaborada hasta el detalle donde la emoción no decae nunca. La conclusión final nos recuerda a aquel memorable “Afterglow” de Banks y el calor y lágrimas recorren tus venas.
“Zero Hour” tiene un pulso de bajo memorable y adictivo. Nicholls vuelve al formato canción con una delicada guitarra clásica decorando los trasfondos. Aparece un saxo, algo poco habitual en este estilo de música, yo personalmente no lo emplearía para sinfonismos, aunque reconozco que no desmerece la pieza en sí.
En la misma línea pondríamos a “Shooting Angels” que aun siendo una buena canción, es algo más anodina que el resto, quizá porque pasa más desapercibida y al lado de las otras, tira algo al pop lineal con saxo deluxe incluido.
Para el final han dejado “Guiding Light” otra barbaridad sinfónica que como en el caso de las piezas de “Ever” estremece emocionalmente. Esta es una de las grandes de IQ. La que trasciende las épocas y los tiempos. Preciosa de principio a fin y con ese trasfondo de hermosa tristeza que impregna casi todas las grandes composiciones del grupo. La parte central eriza la piel y el largo solo de Holmes al lado de los barroquismos teclísticos, desbordan el jardín de las delicias prog para que te empaches a gusto. Abiertas las puertas del paraíso, las ciudades luminosas de bondad imaginarias y los valles eternos se rendirán a tus pies. Y vale ya, que me estoy poniendo moñas pero es que me encanta este disco.
Alberto Torró
Temas
1.The Wrong Side of Weird 00:00
2.Erosion 12:24
3.The Seventh House 18:07
4.Zero Hour 32:36
5.Shooting Angels 39:47
6.Guiding Light 47:08
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