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SURYA KRIS PETERS - O Jardim Sagrado (2020 / SKP)

 Christian Peters ha sido durante 13 años la cabeza visible de la heavy psych band alemana, Samsara Blues Experiment. "End of Forever" supuso su último álbum en 2020, para desolación de sus muchos fans. Una de las razones fue el cansancio creativo que acumulaba su líder. Pero también que le apetecía mucho más continuar por la senda ya iniciada con su proyecto, Surya Kris Peters.



Con varios álbumes ya en su haber, y una orientación psych-electronic kraut, quizá más en consonancia con su estado anímico actual. Únase a todo, su traslado de vida a Brasil  ése mismo año, y obtendremos "O Jardim Sagrado". Aquí Peters toca teclados de toda índole, de corte Berlín School, y tanto guitarras acústicas como enchufadas. Participa algún invitado puntual. 

Abriendo con "Gong Mystique" (4'32), y un recogimiento espiritual propio en la old Germán Rock Scene. Mucha influencia Popol Vuh, a base de guitarra dramática y coral electrónica de profundo misticismo religioso. No importa qué religión. Importa el sentimiento conseguido. Es ideal para una agónica secuencia de film made in  Werner Herzog. En cambio "Acid Skies" (2'53) se va por Berlín andurriales de intención Froese. Bonita secuenciación y línea de manual kosmische, con pinceladas maestras de sinte. Lástima,  es muy breve. El tratamiento acústico - medieval de "Endless Green" (4'03) es como una mezcla de Amazing Blondel y Richard Wahnfried (Klaus Schulze in disguise), por sus fraseos moog del medievo acompañando al ensamble acústico - camerístico. Muy interesante.

Sigue el tono fílmico en "Celestial Bolero" (4'45), donde la electrónica se equilibra con guitarra orientaloide, digna de los primeros Agitation Free. Algo siempre efectivo. Un curioso giro, con guitarra jazz, Rhodes y otras cuerdas al unísono,  son la intro de "Saudade" (3'49). Que redondea un inesperado mellotron de tradicional sonido al modo Bacillus label. Simple pero bonito. Con "O Jardim Sagrado" (11'42) llegamos al tema estrella del álbum.  Misterioso fondo de jungla tropical perdida en el tiempo, con teclados vangelinescos y etérea descriptiva. Arcana  sensación de enigma enterrado durante siglos. Voz de Monika Saint-Oktobre que aporta más fantasmagoría al momento. Golpe secuencial y batería de Jens Vogel en hipnótico trance tribal, de étnica psicotrópica densa y espesa. Emocionante lisergia sonora  retroactiva que nos lleva a Ash Ra Tempel en delicioso viaje astral. La síntesis secuencial levanta el vuelo en "Blue Nebula" (2'43), con contundencia rítmica y donde la eléctrica también tiene su sitio especial. De nuevo se nos queda corta. Finalmente "Southern Sunrise" (3'30) cambia levemente el registro, aportando dosis progresivas al combinado psych. Como una micro-jam entre un rítmico Fripp y un solista Gottsching. Mientras, órgano y moog dialogan entre los mástiles.  Y asistimos a una ofrenda blues-space-jazzy, a las musas del círculo vicioso de la suprema inspiración circunferica.  Porque todo vuelve, aunque no se haya ido.



Mi único reparo es su temporalidad vinílica, 38 mts. Perfecta en cualquier otro. Por una vez hubiera deseado más desarrollo en los temas cortos.  Y algún derroche desfasado de interminable jam improvisada. Es lo suyo, vaya. Existe solución. Unos cuantos discos más,   anteriores a éste, de Surya Kris Peters. En los que la total recomendación permanece.

J.J. IGLESIAS



Temas
1. Gong Mystique         00:00
2. Acid Skies                  04:32
3. Endless Green           07:25
4. Celestial Bolero        11:27
5. Saudade                     16:12
6. O Jardim Sagrado     20:10
7. Blue Nebula               31:44
8. Southern Sunrise      34:28

 







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Snake Head Ritual – Snake Head Ritual (2013)

 La banda comienza su andadura en 2012 en la localidad de Toledo (Ohio). Su primera formación estaba integrada por Kevin Chez (voz) ex miembro de Uncle Knucklefunk (ojo a esta banda), Bill McCullough (guitarra), Chris Graham (bajo), Matt Vogel (guitarra) y Bill Morelli (batería). Esta alineación fue bastante efímera ya que a finales de 2012 Matt Vogel y Bill Morelli deciden dejarlo siendo sustituidos por  Josh Laforge (batería) y John "Special K" Keller (guitarra).



En 2013 actúan en un programa de radio local, The Mancave,  presentado por Jeff Lamb. El tal Jeff decide subir varios temas a Youtube y por medio de un amigo de un amigo de un conocido de una discográfica reciben una oferta de  Grooveyard Records. En septiembre de ese mismo año se publica su primer disco, "Snake Head Ritual". La grabación se publica en Alemania, Reino Unido, Rusia y España consiguiendo más de 800.000 descargas. Los cambios en la formación continúan. Por una parte, Josh Laforge deja el grupo siendo reemplazado por  Brian Fedor. Al bajista, Chris Graham, le es diagnosticado cáncer y temporalmente ocupa su lugar Mahlon Orrin.  John "Special K" Keller, deja su puesto al regreso de Matt Vogel. En 2015 Brian Feldor decide marcharse entrando en la formación el batería Tim Swartz. Durante ese año su agenda de conciertos esta repleta de actuaciones. En 2016 publican su segunda producción, "Ceremonial Thunder", su último trabajo hasta la fecha.


La grabación corresponde al debut discográfico de Snake Head Ritual. Grabado en los estudios Loft Studios, en Saline, Michigan, y producido por Andy y Tim Patalan. La banda cuenta con la ruda voz de Kevin Chez, dos guitarristas muy "hendrixianos" (Bill McCullough y John "Special K" Keller) y una sólida sección rítmica (Chris Graham y Josh Laforge). También tenemos la colaboración de Eric Oblander (armónica) y Kelsy Borkdwski (piano). El grupo nos ofrece diez temas de buen hard rock con toques sureños. Una mezcla entre Blackfoot y Molly Hackett. Como temas destacados podemos citar "Train", "Whiskey Woman" y el homenaje a Robert Johnson, "Poor Robert's Lament".
J.C.Miñana


 







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SHURAKAY - Overseas Tales (2021 / Shurakay)

 Fue por casualidad. Estaba indagando nuevas bandas japonesas y aparecieron por allí. A ver si los algoritmos ya tienen una inteligencia artificial avanzada.....Lo cierto es que tanto el nombre como el estilo me engañaron completamente. Porque el espectáculo instrumental de éstos barceloneses nada tiene que envidiar a gloriosas leyendas niponas. 



Acaban de editar su debut, "Overseas Tales", y ellos son  Santi Bertrán  (batería,  percusión), Dani Payá (guitarra, teclados, productor), Antonio León  (bajo) y Biel Solsona (teclados). Cuarteto de soltura virtuosa y que son un puente nada artificial entre el classic prog y su renacer 90s. Vaya si lo consiguen. Es éste un doble cd lleno de guiños a la nobleza progresiva más celebrada.

"Akhenaton" (3'57) inicia ésta riada de ideas con el único tema corto. Clara orientación fílmico - egipcia en onda banda sonora de "The Mummy". Y Dream Theater o Symphony X como un posible patrón de influencia. Sin embargo ésta banda no es metal. Tendiendo quizá más a un power-sympho jazz rock, en línea Planet X o Liquid Tensión Experiment / Bozzio Levin Stevens. Bajo destacado, batería demoledora, teclados descriptivos y guitarra con nervios de acero. Resumen de lo que nos vamos a encontrar en ésta demostración colosal de música evolutiva. 

Que no te engañe el título,  "New Age" (8'56) posee tensión melódica de inclinación UK. Melodías que reinan con majestuosidad y elementos jazz rock en un entorno sinfónico sobresaliente. Los japoneses The Black Mages serían una buena orientación. Ritmos que hipnotizan, para que el kit estalle en monstruosidades percusivas imposibles. 

Aplastante intro para "The Book of Nises" (14'02). Toshio Egawa aplaudiría con todos los Gerard, ante éste portento compositivo. Shurakay no son virtuosismo gratuito. Aquí se cuidan los pasajes, la armonía y la melodía,  a niveles enfermizos. Puro barroco del siglo XXI con guitarras desmesuradas. 

Finaliza éste primer cd con "Prince Dagnarus + Suite" (17'28), en otra vuelta de tuerca llena de ardor progresivo contemporáneo.  Con un piano que lleva el peso melódico,  al que los demás van aportando detalles sin descanso. Lienzo hiper-realista de incalculable peso sinfónico.  Vuelvo a Japón y recuerdo a Outer Limits o Pale Acute Moon  por su decisivo tratamiento teclistico. Excesivos, enervantes, exquisitos, excepcionales. 

Segundo cd y "Pimaninicuit" (8'04) es otra exhibición de solidez grupal inaccesible para simples mortales. "Cignus Neck" (9'53) inicia ambiente reflexivo en modo fusión,  con bajo preponderante y situaciones tipo McGill / Manring / Stevens. Estoy hablando de niveles similares. Para nada paisajes heladores. Shurakay son como ése comic que comienzas a leer sin saber mucho de él,  y que te va atrapando a medida que profundizas en sus fantásticas historias. Como las de  "Andromeda" (12'28), "Shurakay" (11'36) o "Universe's Eye" (6'20). 

Un titánico trabajo de composición y ejecución que los hace valedores de respeto absoluto a partir de ya. "Overseas Tales" es un asombroso debut, que deberá ir obligadamente en el top 5 de la mejor cosecha nacional del año. Al menos en mi lista estarán seguro.

J.J. IGLESIAS



Temas
1.
01 Akhenaton 00:00
2.
02 New Age  03:56
3.
03 The Book of Nises  12:51
4.
04 Prince Dagnarus + Suite   26:53
5.
05 Pimaninicuit   44:21
6.
06 Cignus Neck    52:25
7.
07 Andromeda   01:02:18
8.
08 Shurakay (Theme)    01:14:46
9.
09 Universe's Eye   01:26:21



Contacto

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UChb1QvUyjKCC0tOwweiqRAw

Facebook: https://www.facebook.com/SHURAKAY-269185559880052/

Instagram: https://www.instagram.com/shurakay2021/?hl=es

Twitter: https://twitter.com/Shurakay2





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P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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Pulse Times TV – Primera edición (2021)

 El primer episodio del espacio televisivo Pulse Times TV que desde el pasado Viernes 8 de Octubre se halla expuesto en este canal de Youtube, muestra a lo largo de más de ochenta minutos de duración la iniciativa surgida desde la entidad Audio Visions Productions de la mano de Carmen Larralde y presentado por nuestro compañero de redacción en Rockliquias, el baterista Luis Arnaldo, se fundamenta en la férrea apuesta  de una perfecta combinación arte sonoro desde la batería como instrumento de recurso en combinación con el paisaje más vertical e impactante del concejo asturiano de Somiedo.



En este primer capítulo que hace un recorrido por diferentes parajes de esta localidad de ensueño, el punto de partida tiene lugar en el pueblo de Veigas, donde Luis Arnaldo se reencuentra con la joven gaitera Silvia Nieto, uno de los nuevos valores artísticos de Somiedo en su sólida apuesta por la esencia tradicional en las culturas folkloricas y populares, poco cuidadas en la actualidad en toda la región. Tras una interpretación moderada de la joven gaitera, Luis Arnaldo charla coloquialmente con la protagonista a cerca de su iniciación al instrumento, su aplicación y consecuente visión del espacio que ocupa la cultura popular en la localidad astur. 

Del pueblo de Veigas de pura arquitectura y esencia vaqueira, nos trasladamos a Las Morteras donde el protagonismo se centra en el prestigioso y reconocido baterista Antonio Pastora, quien interpreta dos magistrales piezas en clave de Jazz y un breve solo de batería con elementos que combinan Rock y variedades flamencas, para dar paso a una interesante charla en la que se aborda el pasado y la actualidad de este notable músico, cuya trayectoria profesional ha traido consigo numerosas producciones discográficas y un varios métodos didácticos que han tenido una gran respuesta en los aficionados y profesionales del instrumento. El paisaje sobre el que transcurre el encuentro con Antonio Pastora sobrepasa los limites de la hipnosis por numeras razones.

Tras Antonio Pastora es el turno de una amena y divertida charla ofrecida por el baterista pucelano Antolín Olea, conocido por su labor en la banda Neverness o proyectos como Odradrec Trío a merced de la práctica de un Jazz modal carente de complejos.  Antolín habla con total criterio y coherencia a cerca de la asimilación del lenguaje musical y su pertinente aplicación en el desarrollo de la batería como instrumento de acompañamiento. De esta forma, el primer programa se cierra con un análisis que el presentador del mismo hace a través de una sobresaliente locución del álbum Duke de los británicos Genesis a la que hay que sumar la interpretación en la batería que el mismo Luis Arnaldo realiza del tema Turn It On Again.

 Más de una hora y media de duración comulgando con arte y naturaleza sobre una propuesta audiovisual elaborada magistralmente por todo el equipo que le ha dado forma a este formato innovador en nuestro país, cuya repercusión está siendo tan óptima como positiva.

Pulse Times TV se emitirá una vez al mes, y quedará albergado en el canal de Youtube que lleva el mismo nombre, al cual puedes suscribirte para disfrutar en toda regla de un espacio divulgativo que rompe esquemas convencionales y que exhibe una forma diferente de comunicar y dialogar con el arte sonoro.

José Alberto Álavarez González.



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TRILLION - Clear Approach (Epic, 1980)

 En la hoja promo que lleva mi copia del primer álbum de Trillion, los describen como "progressive rock'n'roll"......eso de pomp no era todavía muy utilizado. Pero fíjense en lo acertado de la descripción. Citaban como influencias a la corriente británica de Queen, Genesis,  Yes y Supertramp, combinada con el contrapunto americano de Kansas, Styx o Journey. Touché. 



Fundados en Chicago por Patrick Leonard (teclados) y Bill Wilkins (batería), pronto reúnen al resto de monstruitos que va a facilitarles un contrato relámpago con Epic.  Ron Anaman (bajo, voz), Frank Barbalace (guitarras, voz) y Dennis Frederiksen (cantante solista y futura mega-star del gremio). Como ya dije en el caso de Zon,  tanto monta con cualquiera de sus dos primeros álbumes. Con Trillion me sucede lo mismo. Son dos piedras Rosetta de la pomp history. Algo incuestionable. Ocurre que el primero lo habré reseñado por lo menos dos veces, si no más,  creo que hasta en el búnker del metal extremo 80s, Metali-KO.....Anatema!!!. Así que hoy me estreno hablando del grandísimo "Clear Approach", y de paso lo pincho, que nunca viene mal. 

La gira promocional de "Trillion" (1979) no pudo ser en mejor compañía, junto a Heart, Styx o Aerosmith. Pero el resultado comercial no dejó de ser, tímido. Inconcebible. Frederiksen se va a LeRoux, y a Angel, y a Toto.....Impresionante. No menos "impresionante" es que aparezca en "Can't Stop The Music" OST (1980), peli a la mayor gloria de Village People, con dos temas como David London. El otro día me la vi, por cierto. Ya sabes, esos momentos en los que disfrutas viendo un bodrio encantador. "Clear Approach" aparece en 1980, y siguen en Epic. Se rumorea que el motor que activó el montar Trillion fue el primer álbum de Boston. Más que probable. A menudo se olvida el hecho de que ése disco viene acreditado en producción no sólo a Tom Scholz. También está ahí John Boylan. Elemento que fichan Trillion sin pensárselo mucho, (tengamos en cuenta que Gary Lyons había dejado un listón muy alto con el debut). El otro fichaje estrella es el sustituto de Frederiksen, un desconocido Thom Griffin, que se adapta al vuelo y compone con el resto como un campeón. Y et voilà, la magia pomp midwest surgió en uno de los grandes santos griales de la historia.

 "Make Time For Love", efectivamente, tiene subliminal Boston flavour con sus armonías vocales, Hammond galore y melodía dispuesta para engullir kilómetros por esas ilimitadas carreteras que tan bien refleja la portada del disco. "Love Me Anytime" nos demuestra la tesitura vocal insuperable de Griffin que, aunque parezca increíble,  no nos hace extrañar a Frederiksen (aunque en la actualidad sí. ...). Leves arreglos prog y una explosión de puro Brian May nos recuerda cuánto le debemos los pomp die-hard fans al Queen 70s, (ojo, sólo en ésa década! ). El comienzo de "I Know The Feeling" también tiene su aire prog, pero los americanos sabían cómo reciclar influencias como nadie. Aquí en un contexto American Tears, (coming soon!), Toto,  Maxus  (esos jazz-soft toques...) o un dual Peter Frampton... Thom Griffin es también un excelente guitarra! Destacar aquí un tema se hace muy difícil,  pero "Make It Last Forever" lo hace con "cercana claridad". Una absoluta maravilla de composición,  entre Starcastle,  Zon, Styx y la policromía sonora de Kansas, sin perder un deje soul  en la línea vocal. Podría escucharla un millón de veces.

Para la segunda parte se inicia "Promises" con delicado tratamiento vocal/guitar en línea Delp/Scholz, aunque más comedido, no tan bombastico, pura elegancia en su sobriedad. Dueto de piano y voz nos trae "Cities", que nos acerca al West Coast-eden de Ambrosia a Christopher Cross. La construcción es gaudiana y perfecta. "What Can You Do?" maneja pomp - prog con la maestría de Hush, Steeplechase, Kerry Livgren AD, Petra o Supertramp. Pat Leonard es uno de los claros factores dominantes en el sonido Trillion, pero no es un abusón de las teclas. Son omnipresentes,  pero a la vez discretas. Lo que es un arte en sí mismo."Clear Approach" es el ejemplo de cómo liderar sin atosigar, con clase y sin imposiciones forzadas.  El piano / sinte enlaza con la final "Wishing I Knew It All", otra fantástica exhibición de pomposidad chic bien entendida y sin histrionismos. Que no envidia a Kansas o Shooting Star. Ha acabado y te jode. Así que vuelta y vuelta, es lo que a mí me pasa siempre que lo pongo. Me cuesta separarlo del plato. 

No es de recibo que éste disco fuera absolutamente ignorado. Así fue.  Y sabes qué... tiene su "venganza en plato frío". Frank Barbalace monta el grupo Jinx. Pero será Pat Leonard el que demostrará lo que el mundo se había perdido. Es requerido como productor, teclista o compositor, por Madonna, Evelyn "Champagne" King, Elton John, Rod Stewart, Michael Jackson, Bryan Adams, Kenny Loggins, Ted Nugent o Peter Cetera. Hay más. ....Roger Waters o los mismos Pink Floyd de David Gilmour, contarán con sus servicios. Ahí lo tienes en "A Momentary Lapse of Reason", a los sintetizadores junto a Rick Wright, y componiendo un tema. Palabras mayores. Eso dice lo que pudo llegar a ser, Trillion. En el nuevo siglo, un "Trillion III" se va cocinando lentamente, (ríanse ustedes de Tom Scholz). En el 2010 aparecen en la red los temas "Golden Sun Beyond" e "In My Blood". En 2011, "She Hates Sunday". Y en 2014, "Ray of Light"  e "Innocence". Al menos tenemos ya "una cara" de otra maravilla a tener en cuenta, aunque sea un virtual EP. Orientense si les digo que suena un mucho a los mejores Todd Rundgren's Utopia. Lo bueno, en frasco pequeño. Como la carrera de Trillion, el más exquisito de los perfumes.

J.J. IGLESIAS


Tenas
Make Time For Love 3:22
Love Me Anytime 3:38
I Know The Feeling 4:46
Make It Last Forever 5:11
Promises 3:54
Cities 4:26
What Can You Do? 4:05
Clear Approach 3:46
Wishing I Knew It All 4:34








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OAKSENHAM - Conquest of the Pacific (2006/ Musea)

 Por su historia política,  Armenia no parece el lugar apropiado para ver florecer bandas de rock progresivo. Aunque haberlas, las hubo : Zartong, Tigran Hamasyan, Bambir o Artsruni. Y no parece que se viniera a perder la tradición,  con ensambles tan afortunados como Oaksenham. Fundados en 2001 como un sexteto dedicado a la plena conservación del progresivo instrumental 70s, desde todos sus ángulos. 



Vahagn Papayan (bajo, productor), Ashot Korganyan (batería), Vardan Gasparyan (guitarras), Anna Adamyan (teclados), Valeri Tolstov (flauta) y Koryun Bubikyan (violín). Además de invitados al cello, bassoon, corno ingles, french horn, arpa, clarinete u oboe. Surtido de sonidos Cuétara para mayor paladar de los sentidos. Tras graduarse todos en Yerevan State Komitas Conservatory, llegan a grabarse en 2002 un live, "Woden's Eve Live". Que circula como un pequeño secreto entre los círculos progresivos mundiales. De tal modo que para el 2006, los franceses Musea les editan su único álbum  (que sepamos) hasta la fecha, "Conquest of the Pacific". 

Con arcano sonido de órgano y violín se abre la intro "Anthem the Unseed Land". Y una guitarra a la John Renbourn seguida de una deliciosa flauta campestre, nos trae "Water Spark" (6'25). Entra un huracán de sonidos perfectamente audibles y bien producidos. Que igual suena a Fairport Convention que a Dream Theater (pero poco). Pasando por Jethro Tull, Solaris, Yes, Popol Ace/Vuh (Noruega), Mini, Jiri Stivin, Pär Lindh Project, Trace o ELP. Hala, todo de golpe, al mogollón. Aunque todo goza de una organización matemática perfecta en la composición.  Asombran, empequeñecen al oyente con tal derroche de habilidades en caída libre. Un remanso de calma con la bella "Elfy" (1'30), folk rock de vintage sabor. 

"The Way Back Home" (9'26) vuelve al vórtice de estilos combinados. Ahora es Gryphon los señalados, bajo un manto hard rock que apuntala maneras Martín Barre. Y que a veces, con Hammond predominante, entra en territorio Kansas. Así que hazte un croquis. Por si no es suficiente, (y lo es, de sobra), las dos siguientes, "Talybont" (2'46) y "On Reflection" (4'40), son versiones instrumentales del repertorio sagrado de Gentle Giant. Otros dioses a los que Oaksenham veneran con fe de mártires. Maestros orfebres  medievales, tañendo acero progresivo de nivel 70s. "Time Out" (3'59) continúa por allí.  Tiempos de Camel, Curved Air o Darryl Way's Wolf.

Para el final dejan los 27 mts del tema-título dividido en 5 partes magníficas. Una mutación grotescamente buena de Gryphon y After Crying. Borbotones de lava cerebral que arrasan el espacio con ideas llenas de ingenio y sabiduría. 



Un serio desafío a los clásicos de los 70. Se pueden hacer obras a la altura de aquella década, y éste atemporal álbum es una prueba irrefutable de ello. Posiblemente tan bueno, que no tuvo más continuación. Ying y Yang.

J.J. IGLESIAS



Temas
Anthem The Unseen Land- 00:00
Water Spark- 00:46
Elfy- 07:11
The Way Back Home- 08:39
Talybont- 18:25
On Reflection- 20:50
Time Out- 25:27
Jester's Pipe- 29:21
Merlin's Jig- 32:29
Across The Atlantic- 35:16
Ocean's Web- 41:30
Golden Hind- 47:34

 








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BLUE ÖYSTER CULT - Blue Öyster Cult (1971, Columbia)

 La historia musical que une a las dos piedras base de los Blue Öyster Cult, Donald Roeser y Albert Bouchard, se remonta a su etapa en el colegio cuando sólo eran unos adolescentes. Juntos dieron vida a unos primerizos The Disciples y a los posteriores Travesty, al igual que también decidieron abandonar sus estudios para dedicarse de lleno a la música a la vez. Durante un tiempo, en plena década de los 60, sus caminos se distanciaron y cada uno estuvo picando de aquí y de allí sin concretar ningún proyecto claro o que tuviera una relevancia capital para su futuro.



Pero será en 1969 el momento crucial para estos músicos ya que, tras la unión de Eric Bloom, los nuevos Stalk Forrest Group parecían empezar a labrarse un camino algo florido en la escena. Tanto fue la cosa, que los mismísimos jefes de Elektra confiaron en el sonido que presentaba la agrupación y les dieron una oportunidad en sus estudios. Poco tiempo después nacerían Blue Öyster Cult con su formación definitiva, es decir, un quinteto rockero completado por Allen Lanier y Joe Bouchard. Una propuesta sonora que había decidido variar en cierta forma las directrices a seguir, pasando así de una psicodelia acentuada a los ritmos más directos de un rock con fuerza y desparpajo que desentonaba en gran medida con los ritmos soft playeros.

En aquellos años los miembros del conjunto cambiaron de indumentaria, buscaron nuevos horizontes y empezaron a dejarse ver por los bares de moteros, visitados muchos ellos por los mismísimos Hells Angels. Aunque para entender las miras visionarias que parecía tener el grupo hay que hablar de una figura esencial, un personaje misterioso llamado Sandy Pearlman. Su nombre es actualmente reconocido gracias a sus labores de producción con gente como The Dictators, The Clash o Dream Syndicate, pero en aquellos principios de los 70 Sandy se centró en ser la mano oculta y salvadora de una banda que, sin saberlo todavía, terminarían marcando sus iniciales en la historia del movimiento. Pearlman ejerció tanto de productor como de manager, al igual que aportó su creatividad para dar vida algunas de las canciones más emblemáticas del combo. De hecho, dos de las composiciones más destacadas del álbum, “Transmaniacon MC” y “Cities On Flame With Rock & Roll”, las escribió él junto a Donald y a Albert.

Esto, junto con la gran aportación de otro fundamental como era Richard Meltzer, transformaron el debut de los B.Ö.C. en una auténtica revelación para todos los fervientes seguidores del iniciático hard rock setentas. El mismo Donald “Buck Dharma” Roeser diría años después que Blue Öyster Cult, el elepé, siempre se mantendría frente al paso de los años como muestra de lo que la banda podría llegar a ser –y llegó, sin lugar a dudas–. Y es que las diez canciones que contiene dicho pistoletazo de salida discográfico no tienen desperdicio, una unión perfecta de todo lo que el amante de la música de aquellos días puede desear. Una ruta por lo más duro y agresivo de la América salvaje, una banda sonora que hubiera pegado igual de bien al largometraje Easy Rider como el “Born To Be Wild” de los Steppenwolf. Las canciones con gancho y cierta rabia que salían de la boca de Eric Bloom, eran adornadas con descaro por unos riffs heroicos y exultantes de un “Buck Dharma” en estado de gracia.



De esta forma llegamos a encontrarnos con distintas instantáneas que retratan a la perfección la evolución que estaban intentando conseguir los miembros del grupo. Desde su principio escalofriante con ese relato sobre los sucesos acaecidos en Altamont llamado “Trasmaniacon MC” (“Pure nectar of antipathy / Behind that stage at dawn / To those who would resing their souls / To Trasmaniacon MC”) hasta un “Redeemed” que se acercaba sin miedo al sonido del pantano, pasando por un seudo blues titulado “Then Came The Last Days Of May” con grandes influencias del sonido británico, la emocionante “Stairway To The Stars” o el himno rockero “Cities On Flame With Rock & Roll”. En resumidas cuentas, la huella dactilar en formato vinilo que les identificaría desde ese mismo momento hasta nuestros días. Y es que los B.Ö.C. jamás renegarán de apoyar su arte en diferentes influencias... Y así les siguen saliendo esas maravillas discográficas.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com



Temas
A1Transmaniacon MC 3:20
A2I'm On The Lamb But I Ain't No Sheep 3:09
A3Then Came The Last Days Of May 3:29
A4Stairway To The Stars 3:42
A5Before The Kiss, A Redcap 4:57
B1Screams 3:09
B2She's As Beautiful As A Foot 2:56
B3Cities On Flame With Rock And Roll 4:04
B4Workshop Of The Telescopes 3:50
B5Redeemed 4:01


 







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EMILIO MOLINA - Aldebaran (2021 / EM)

 El multiinstrumentista chileno Emilio Molina presenta éste año su segundo trabajo, "Aldebaran". Y lo hace a la vieja usanza, en dos partes de 25 mts. Como una única composición llena de situaciones inesperadas y rincones donde perderse. O quedarse. Como un laberinto maravilloso de sensaciones al margen de modas y tendencias fashion. Se agradece. 



Molina toca guitarras eléctricas y acústicas,  bajo, voces de fondo "instrumentales" y controlador midi de batería. Con selección de plug-ins de diversos teclados. Lo que se dice un álbum salido de un home-studio,  dirás.  Vale. Pero otros con un estudio en toda regla no llegan tan lejos. Ni se atreven. Ni lo intentan. Ni saben. Así que poco importa ya ése tipo de detalles en éstos tiempos confusos. Donde se le da importancia de cartón piedra a tanta superficialidad de todo tipo. Como invitados, Pablo Fernández aporta bajo en la Parte 2. Y Ger Bratz voces de fondo en la 1. Lo tópico sería orientar al lector con un "hacia Mike Oldfield" de rigor, por la esencia musical expuesta. Y lo haré sólo como eso, una orientación necesaria. "Aldebaran" no tiene una inspiración profunda en el británico. Se maneja con comodidad a las guitarras, y concretamente en las acústicas,  lleva intenciones no alejadas de Gordon Giltrap o Paul Brett. Sus percusiones son elaboradas, creíbles, a veces de raíz étnica.  Si bien usa todo lo que está a su alcance para convertirlo en sonido rítmico : bolas, anillos de cuaderno o el simple caer del agua. Filosofía inventiva 70s. Sus cambios y progresiones resultan frescas, inspiradas, fluyendo con naturalidad y una lógica clara en su discurso. Los teclados apoyan, colorean y construyen en un contexto de efecto sorprendentemente grupal. Recordemos que es un sólo músico. 

En la Parte 2 puede intuirse algún ramalazo oldfieldesco de su más celebrada etapa. También elementos introspectivos del más suave kraut, tipo Deuter, Blonker, Bröselmaschine, Novalis u Hoelderlin. Los sintetizadores toman más protagonismo solista, en amistosos duelos con la eléctrica. Decidiendo un sinfonismo de climax intensos y emocionados. Como majestuosos oleajes de sentimiento perfectamente transmitido. Doblaje de guitarras excepcional, con preciosos pasajes que recuerdan a nuestro Santi Picó. En general, ésta segunda parte me parece todavía más acertada y espectacular. Aunque todo el álbum derrocha sensatez compositiva. Una maravilla hecha contra corriente, en estos zafios tiempos que corren. Y que dignifica el prog de facción más electronic-sympho.

Simplemente extraordinario.

J.J. IGLESIAS



Temas
01. Aldebaran, Parte 1 00:00
02. Aldebaran, Parte 2 25:56


 







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Eat A Peach – Turbulence & Thunder (1999)

Eat a Peach es el título  del tercer álbum en estudio de la banda de rock sureño, The Allman Brothers Band. El último en el que participó el gran Duane Allman. Hay varias bandas tributo con esa misma denominación pero hoy nos centraremos en un grupo de  Illinois.


Cut Sanders forma el grupo en 1995. Durante algunos años realizan conciertos por Illinois e Indiana como banda tributo a The Allman Brothers Band. En 1999 deciden editar su propio material publicando "Turbulence & Thunder". En ese momento la banda estaba compuesta por: Cut Sanders (guitarra, voz), John Voyak (guitarra, slide). Greg Scheitwiter (teclados, voz), Mike Severence (batería) y Glenn Schultz (bajo, armónica). Tiene la oportunidad de abrir conciertos para Carlos Santana, The Marshall Tucker Band, Roger Waters y Blue Oyster Cult. Su segundo disco, "Bound to Shine", llega en 2001 con cambios en su formación. Andy Ross reemplaza a John Voyak en la guitarra y Roger Anders reemplaza a Glen Schultz en el bajo.

"Turbulence & Thunder" es el primer disco de Eat a Peach. Grabado en los Star Trax Recording y producido por ellos mismos. Su música nos lleva por los caminos de sonoridades a lo The Allman Brothers Band, The Outlaws, Point Black e incluso Lynyrd Skynyrd y Molly Hacket. Excelentes guitarra con un sutil Hammond y una voz que te recordará a otros cantantes del género. Temas destacados "
Long Time Comin'", la excelente balada sureña "Lookin´for a rider" y la contundente "SurRealty". Excelente rock sureño.
J.C.Miñana


 







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KERMIT - Litoral (2014, Itaca Records) (Rockliquias Bandas)

 Desde su fundación en 1992 hasta su defunción (al menos como proyecto activo), el combo británico Ship Of Fools llevó más allá eso de experimentar con la psicodelia y el space rock. Kermit me recuerdan gratamente a aquellos inglesitos bravos y aventureros. Litoral es una de las muestras fehacientes de que el rock experimental está más que vivo en este nuevo milenio.

 


Por medio de siete cortes, siete pistas de audio –una de ellas rondando los doce minutos de duración–, Kermit pone sus velas en favor del viento del cambio, un viento revolucionario que sopló de maravilla al final de los años 60 y la primera mitad de los 70. Lo que pasa aquí es que esta banda tiene iguales ganas de desconcertar con pasajes agresivos a la par que hipnóticos como de trabajar atmósferas calmadas que profundicen y crezcan por misteriosos caminos. Y aunque parezca increíble, en ocasiones me han rememorado las hazañas de los ingeniosos y avant-garde Silver Apples, duéto tótem del Nueva York sesentero.

 


No aptos para oídos inexpertos o aún en pañales, Kermit reúne en Litoral las bases de su particular agrupación sónica, representante como pocas de la imaginación cual arma destructora de tabúes estilísticos o llave con la que acceder al cuarto oscuro de nuestros miedos, terrores que no son tales al sacarlos a la luz del día; únicamente eran dudas, incógnitas resueltas por medio de una música facturada con meticulosidad, virtuosismo y cálculo.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com



 

Contacto

Facebook: https://www.facebook.com/kermit.band

Bandcamp: https://kermit-band.bandcamp.com/

Twitter: https://twitter.com/Kermitband


Rockliquias Radio








P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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