Seguidores

SUSCRIPCIÓN A ROCKLIQUIAS

SI QUIERES RECIBIR LAS NOVEDADES DE ROCKLIQUIAS POR EMAIL. SUSCRIBETE :

Delivered by FeedBurner

ROCKLIQUIAS RADIO

Rockliquias Radio

Free Shoutcast HostingRadio Stream Hosting

Bill Perry – Live In N.Y.c. (1999)

 Bill Perry nos dejó hace ya 14 años, en julio de 2007, de un ataque al corazón.  Richie Havens escribió lo siguiente: "Escribió canciones que podría jurar que fueron escritas por Muddy Waters. Creo que es el mejor músico de blues del mundo, pero es muy tímido cuando se trata de su música y creo que eso es lo que lo impulsa a hacerlo tan bien ... te dirá que es solo Bill Perry, pero cuando está en el escenario, es un monstruo ".


Perry nace en Chester, Nueva York, en 1957. Por influencia de su padre y abuela se inicia en la música a los cinco años. En la escuela secundaria participa en varias bandas. En una actuación en New York con su banda a mediados de los ochenta, Richie Havens se fija en él y lo ficha para realizar diversas giras durante casi cuatro años. Su primer disco, "Love Scars", lo publica en 1996 y posteriormente llegarían: "Greycourt Lighting " (1998), "High Octane "Live at Manny's Car Wash" (1999), "Fire It Up" (2001), "Crazy Kind of Life" (2002), "Raw Deal" (2004) y "Don't Know Nothing About Love" (2006).


La grabación nos presenta la actuación de Bill Perry en el Manny's Car Wash de New York en noviembre de 1998. Bill cuenta en su banda con Jeremy Baum (Hammond), Dean Scala (guitarra rítmica), Johnny B. Gayden (bajo) y Papa John Mole (batería) . La sección rítmica es realmente extraordinaria, sin olvidar el toque Hammond de Baum. El show comienza fuerte con "Lost In The Blues" donde la simbiosis entre Perry (guitarra) y Baum (Hammond) es perfecta. El tema se solapa con "Dust My Broom" (Elmore James), "slide guitar por todo lo alto. Continuamos con otro tema de Perry, "The Other Night", donde continua la fiesta slide. La versión que hace del "All Along The Watchtower" es una de las mejores que he escuchado. Seguimos con "How Blue Can You Get" (Jane Feather), blues pausado cargado de sentimiento blusero. "Boogie Blues", nos demuestra el virtuosismo de Perry con sus solos trepidantes. "About Me (Why I Got The Blues)" es una composición de su segundo disco "Greycourt Lightning". En "Johnny B. Goode" realiza una original versión del tema donde el protagonista es el bajista Johnny B. Gayden. "Fade To Blue" es una pieza de más de diez minutos de alto octanaje. Este disco "en vivo" también se publicó bajo el nombre de "High Octane". Finaliza con una épica e incendiaria versión del "Little Wing". Sin duda un disco lleno de grandes emociones que te pondrá los pelos como escarpias. Espero que sirva para reivindicar a este genial guitarrista.
J.C.Miñana


Temas
Lost In The Blues 00:00
Dust My Broom 05:45 
The Other Night 10:00 
All Along The Watchtower 13:43 
How Blue Can You Get 22:57 
Boogie Blues 30:35 
About Me (Why I Got The Blues) 34:38 
Johnny B. Goode 40:00 
Fade To Blue 49:01 
Little Wing 59:50








                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias













PSICONAUTES - Psiconautes" (1997/ La Liebre de Marzo)

 Llegué a conocer levemente a Psiconautes, o una representación de ellos, en un puesto que instalaron en una edición de aquellos maravillosos festivales prog de Tiana.....Bendiciones. Allí fue donde adquirí su homónimo álbum,  creo que único. 



Grupo catalán que abanderaba la psicodelia con orgullo, y la reivindicaba en tiempos difusos para ello. Hasta el punto que vivían en comuna en aquellos finales de siglo, lo que no deja de ser loable y claro ejercicio de su activismo bohemio. Formaban aquel combo de locos maravillosos, la cantante Dácil López, Jordi Álvarez  (guitarra solista), Johnny  (guitarra rítmica y voz), Igor Daniel (bajo), Raúl Romero (batería) y J. Carbó (saxo tenor). Con invitados al sintetizador, percusión y guitarra. "Músicos muy jóvenes junto a veteranos psicodélicos,  pintan con amor y destreza la banda sonora que nos permite nadar en el océano sin fondo de la consciencia". Decía un extracto de uno de sus flyers. 

Y así iniciaban su viaje con "Incomunicació Virtual" (6'01).....cuánta verdad. Expresado en catalán,  su pretensión completamente adecuada, era llevarnos a un sitio indeterminado entre el rock ácido de Jefferson Airplane y la proto-electrónica de Lothar and The Hand People, The United States of America o Fifty Foot Hose. Lo consiguen sin esfuerzo. Como unos dignos sucesores de Pau Riba,  aquello funcionaba. En "L'Oest" (2'12) destaca la estupenda y apropiada voz de Dácil,  contrastada con la acidez de una guitarra made in San Francisco. Se hace corta. Seguimos por la senda californiana de "Trista Llum" (5'14), y aquí entra en acción el saxo muy bien insertado en su contexto hippie. 30 años después del Verano del Amor, alguien en Cataluña seguía sus premisas fielmente. Ágiles diálogos saxo-guitarra conformaban un núcleo instrumental hipnótico,  bien llevado por el dúo rítmico. 

Analogía vintage se suma en "Minarete" (3'44), mientras la letra ahora es en castellano. Excepcional corte muy inspirado y de sonoridad no alejada de las UK neo-psych free festivals 90s.  La Jefferson es de nuevo invocada, quizá por la bonita voz de Dácil, de clara similitud a Grace Slick. Con arreglos improv/prog se presenta "Zipolite" (6'06), de crisol crimsoniano, cuasi-Zeuhl,  sin perder su característica lírica y aura campestre. De nota alta en su original balance psych & prog. Otra en castellano, que puede recordar algo a Agamenon, es "El Jardín de las Herpérides" (5'06), con trabajo guitarrero sinuoso y sobresaliente. La más extensa es "No Temps" (12'50), una declaración de principios hacia su filosofía,  en la que se siente que la viven con intensidad.  Siempre con la West Coast en mente, sueltan su fantasía improvisativa en una excelente mini-jam free que expresa clara liberación. Seguro que en directo la alargaban sin tiempo fijo.....Y bien que harían. Terminan con "Psicodelic Só" (4'16) con la misma convicción que como empezaron. Aunque su producción sea espartana, es un magnifico álbum hecho fuera de su tiempo, que ya va a cumplir 25 años en el limbo.

Una reedición actualizada en vinilo sería más que deseable. Y les haría justicia.

J.J. IGLESIAS



Temas
Incomunicacio Virtual
L'Oest
Trista Llum
Minarete
Cipolite
El Jardin De Las Esperides
No Temps
Psicodelic So

P.D.: Nuestro agradecimiento a Félix Jota por su colaboración









                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias














If - British Radio Sessions 1970 - 1972

 Tras el nombre de If siempre ha estado una de las bandas de jazz-rock con mayor relación calidad-éxito dentro del  panorama musical inglés. Formados en el año 1969 en Inglaterra con la firme intención de desarrollarse musicalmente en directo. Así, hicieron largas giras por Europa y EE. UU. a principios de los setenta actuando en algunos de los mejores festivales y salas de la época como Reading, Filmore East, The Marquee, llegando a compartir cartel con otros grandes músicos  y bandas de la época como Miles Davis, Yes, Ten Years After... La banda fue producida por Lew Futterman y publicó sus discos a través de los sellos  Island (Reino Unido) y Capitol (EE. UU.)



Su primer álbum, IF del año 1970, entró inmediatamente en las listas de los más vendidos, y su portada ganó un premio por su diseño. Ese mismo año publicaron un segundo trabajo titulado IF2. El tercero y cuarto IF 3  e IF 4 o Waterfall, 1971 y 1972 respectivamente fueron acompañados en sus publicaciones por largas giras hasta que en el verano de 1972 se vieron obligados a cancelarlas por la hospitalización de Dick Morrissey. Como resultado de este parón, el resto de los miembros continuó con otros proyectos y se puso fin a una carrera tan corta como productiva.



La banda original tenía mucha influencia del  Jazz y estuvo formada por Dick Morrissey al saxo tenor y la flauta junto con Terry Smith a las guitarras, con la participación de Dave Quincy en los saxos tenor y alto, Spike Wells  batería, Lionel Grigson en los teclados y Daryl Runswick al bajo, aunque estos tres últimos músicos no llegaron a participar en ningún disco. El septeto definitivo, que es el que aparece en los primeros cuatro discos de estudio y en un directo, estuvo integrado por el vocalista J.W. Hodkinson , John Mealing en los teclados, Jim Richardson al bajo, Dennis Eliott batería, con los mencionados Smith, Morrissey y Quincy. Esta fue su formación más conocida aunque sufrió alguna modificación a lo largo de su corta carrera que llegó tras el parón por problemas de salud de Morrissey. Cuando se disolvieron  Hodkinson se unió a Darryl Way's Wolf, Terry Smith y Dave Quincy para crear Zzebra y John Mealing se incorporó a The Strawbs, Morrissey y Richardson se convirtieron en músicos de estudio y Elliott pasó a formar parte de Foreigner.

Luis Arnaldo Álvarez (Baterista  y Locutor profesional independiente)



Temas
1Your City Is Falling 3:57
2I Couldn't Write And Tell You 7:07
3Sunday Sad 6:55
4Tarmac T. Pirate And The Lonesome Nymphomaniac 3:10
5Upstairs 3:49
6Sweet January 5:31
7Forgotten Roads 3:58
8Fibonacci's Number 7:52
9Seldom Seen Sam 4:33
10Far Beyond 4:57
11The Light Still Shines (Live) 6:36
12What Did I Say About The Box, Jack? (Live) 8:18
13Waterfall (Live) 5:39
14Seldom Seen Sam (Live) 7:19

 Rockliquias Radio






                Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

ANGEL - White Hot (Casablanca, 1977)

Advertiré a partir de ya, que cualquiera de sus álbumes de estudio grabados en los 70, podría haber sido el elegido. Pero en mi personal decisión, lógico era que escogiese el primero que escuché de ellos, y que suele ser el que más te marca. 



Cuando apareció nuestro doble homenajeado, SFK, además de algunos artículos en Kerrang! y otras publicaciones paralelas, se daba una idea distorsionada de Angel. Se les describía como un grupo sin suerte, que lo pudieron tener todo y estaban en la nada....Queda muy romántico y siempre es una golosina periodística, pero es erróneo y no ajustado a la realidad. Tanto Mickey Jones (bajo) como Punky Meadows (guitarra), ya venían de Bux, banda fichada por Capitol y con disco editado en 1976, "We Come To Play". Claro que ése disco se había grabado en 1973 como Daddy Warbucks, y no había sido editado, hasta que los vendetuercas vieron la salida fulgurante de Angel en 1974. Daddy Warbucks tocaban con asiduidad en Bogie's, garito importante en el circuito de clubes de Washington DC. Su productor fue Jack Douglas, y su cantante solista, Ralph Morman, luego en Savoy Brown y en Joe Perry Project. Así que no eran unos don nadie. Por entonces conocen a un rubio teclista llamado Gregg Giuffria, y deciden otra intentona. Ahora completada con Barry Brandt (batería) y Frank DiMino  (cantante único). Comienzan a ensayar en el loft que había encima del Bogie's (todo les va rodado). Y enloquecen a los primeros afortunados que los ven en ése club. Meadows ama a Hendrix, bautiza a su Stratocaster blanca como "Angel", por la canción del de Seattle, y ya tenemos nombre. 

Siguió la racha. Gene, Paul y Ace entran en un live club y allí que están los angelitos dejando patidifusa a la peña, ellos incluidos. Los golpes de suerte son un no parar. Toby Organisation y Krebs & Leber (managers de Aerosmith, Ted Nugent y AC/DC), se disputan su management. A su vez, Jones y Meadows son requeridos para ingresar en New York Dolls (¿no fueron éstos y Angel los creadores de la estética Hair Metal 80s?...). Al final se deciden por la agencia equivocada, Toby (error garrafal). Éstos los ponen en manos de Neil Bogart, capo de la disco music vía Casablanca Records. Que los ficha sin oírlos cuando Gene Simmons se niega en rotundo a que sean teloneros de Kiss, (banda del mismo sello). A pesar de esto, las dos bandas siempre estarán en las fiestas de backstage de sus respectivos shows. Comparten discográfica, drogas, groupies y el Studio 54. Unos representan lo diabólico y los otros lo celestial.....Aunque la estética de Angel, inmaculadamente blanca, se haya fusilado de Queen. Una fuerte influencia en la coctelera de gustos, además del sinfonismo de Yes y la contundencia de Led Zeppelin. Las presentaciones en vivo son dignas del Gran Houdini. Con los miembros apareciendo "de la nada", mientras los presenta el Angel - holograma uno a uno, junto a su vistoso logo-ambigrama (se lee igual aunque lo vuelvas), mientras suena música de fondo de "Ben - Hur". Indescriptible. Una intro que se cargaron en el doble live oficial, pero que puedes escuchar en toda su pompa en el magnífico bootleg, "Blowing Great Guns".

 Su debut de 1975 es un sueño hecho realidad. Una de las principales masterpieces del pomp rock, sector sinfo-prog. Alli aparece "The Tower", elegida con buen ojo para el SFK. Simboliza el sonido señorial de una gran banda. Le seguirá "Helluva Band" (76) en parecidas tesituras. Pero para "On Earth As It Is In Heaven" (77) algo ha cambiado. Produce Eddie Kramer y predomina el hard rock junto a melodías infecciosas. La banda va para arriba, y llena lo que les echen. Viven a tope el sueño rock star destrozando hoteles en compañía de conejitas Playboy. Dónde están esos perdedores que nos vendían en los 80?! En Japón los que se comen todo son Kiss, Aerosmith, Queen, Cheap Trick y Angel. Dónde está esa banda "sin suerte"?! Hasta Frank Zappa, considerado un dios en USA, le dedica una canción, "Punky's Whips", al guitarra de Angel, en tono satírico. ....y le invita a que la toque en vivo con él! Cosa que la banda no le deja (otro estúpido error infantil). 

Llega "White Hot" en el mismo año que "On Earth..." (debería haber sido un doble!), y con la baja de Mickey Jones, sustituido al bajo por Félix Robinson. Con sólo la emersoniana intro de "Don't Leave me Lonely", te derrites. Eddie Leonetti les saca lo mejor de sí mismos. Un temazo que se deja querer en las ondas. La versión de The Rascals, "Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore", es insuperable, en un impecable traslado a su territorio. A pesar del comienzo casi jazz rock de "Hold Me, Squeeze Me", tenemos hard power pop de la mejor factura. Un estilo que también dominan con soltura. El "cowbell" de "Over and Over" nos recuerda que Angel es una tremenda máquina de hard rock sofisticado. Como en "Under Suspicion" , donde afloran las Zep influencias claramente. 

En la cara B, otra introducción Sci -Fi a cargo de Giuffria para "Get Love If You Want It", nos lleva a puros sinfonismos con tono "James Bond". Y ésa voz de DiMino, arma infalible de una banda que sabe poseer un vocalista sin parecidos con nadie. Sus amigos Kiss tienen su homenaje en "Stick Like Glue". "Flying With Broken Wings (Without You)" es como la antesala al "Home Sweet Home" de Mötley Çrüe, uhmmm......"You Could Lose Me" vuelve al redil zeppelinesco, con latigazos de sinte y eléctricas reunidas de tío Punky. Y "The Winter Song" es un tema invernal que seguramente coincidió con las fechas de aparición del disco (con dos en un año, saldría a finales del 77). "White Hot" fue un álbum redondo y completo, que lució su bonita portada hasta en estanterías españolas (creo que el único). 

En 1979 saldría "Bad Publicity", con cubierta gamberra y macarra aptitud. Rehusado por el sello, tuvieron que cambiar la portada, tirando las originales a la basura (si encuentras una, eres afortunado). También el título cambiará a "Sinful", (a pesar de que los originales vinilos conservaron "Bad Publicity" en la galleta). Es otra proeza power pop / AOR / pomp de inigualable carisma. Despidiendo la década,  "Live Without A Net" fue el obligado doble en vivo que cerraba etapa y ciclo. Juego, set y partido. Aún flirtearon con Hollywood para las pelis "Foxes" (1980) y "Flashdance" (1983), - Frank DiMino canta "Seduce Me Tonight". Casablanca es vendida y se desploma. Como el grupo. Un último intento de continuación (que no estuvo mal pensado), incluía a Fergie Frederiksen a la voz y Ricky Phillips al bajo (también Rudy Sarzo). Pero el barco angelical se hunde. DESIDIA. Felix Robinson aparece en el debut de White Lion. DiMino y Brandt ofrecen conciertos nostálgicos de segunda. El cantante estará cinco minutos en la Paul Raymond Project....Giuffria con banda propia y House of Lords, (nuevamente Gene Simmons echando un cable), es el mejor parado en los 80. Hoy es un hombre de negocios con participación en algún casino Hard Rock Cafe, y el chollo de las tragaperras. Fuera de servicio.

Siete recopilatorios y un box-set en 2018, claman sobre el hambre que Angel genera todavía. En 1999 sale a nombre de Angel, "In the Beginning", con DiMino y Brandt como supervivientes (y cameos de Meadows / Robinson). Un disco que nada tiene que ver con la gloria de otros tiempos, y un sonido hard rock blues de vieja cosecha poco coincidente con la banda. Decepción. En 2009 fallece Mickey Jones, su primer bajista. Pero en 2016 resucita Punky Meadows con su first ever solo album, "Fallen Angel" (titulo y portada perfectos). Un excelente album con el factor carisma-glamour que NECESITA ésta banda. Se alía con un DiMino que conserva su milagrosa voz. A 20 años de "In the Beginning" y a 40 de "Sinful", está al caer "Risen"....Chùpate esa, Tom Scholz. El último intento por cerrar el círculo con la dignidad que ése nombre se merece. Angel fue la banda más exitosa e importante que apareció en SFK, en su texto hablaban de tres millones de copias vendidas sólo en USA.......por aquellos días!



De "perdedores", nada. La desidia hizo no despegar a ésta banda, que con la MTV recién nacida, y las nuevas tendencias del rock, podían haber arrasado el mundo en los 80. Ahora queda una oportunidad para "quedar bien" con sus fans.... Y por muy Angel que seas, "el cielo puede esperar", ya no es una opción. Es la definitiva.

J. J. IGLESIAS










                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias














QŪASSI - Mareas (2020 / Qūassi)

 La tradición de fusionar rock progresivo con jazz rock en Argentina tiene una gloriosa galería de antepasados: Spinetta Jade, Rayuela, Madre Atómica,  Bubu, Pedro Aznar, Síntesis,  Alas, Quinteplus......Y en la localidad de Mendoza, Qūassi se ha propuesto seguirla con todo el ánimo, respeto y calidad posibles. Modernizando el concepto y poniéndolo al molde de nuestros días. 



Matías Restom (bajo), Leandro Pascual (batería), Mariano Fliri (piano eléctrico,  sintes) y Axel Mattis (guitarra) son los responsables de "Mareas", primer álbum de Qūassi. Banda que desde su inicio en 2017, ha conseguido desde el underground un nutrido grupo de seguidores. Además de poder presentar su debut en vivo en tiempos tan difíciles. 

 Su "Intro" (2'30) revela dominio y aptitud para lo que nos espera. Clase. Y eso sin hacerse esperar trae "Vortice" (4'33), con capaz sección rítmica que llama la atención de inmediato. Teclistica al modo clásico,  que incluye órgano y mini-moog. Y solista ingenioso y sensible con las seis cuerdas. Tienen una gran facilidad para la melodía flexible y fluida, como en "Solitario Spider" (7'19), donde consiguen ése efecto urbanita con dosis de guitarra hard comedida. Aunque lo prog domina con amplitud en imaginativas líneas aportadas por todos. No desaprovechan un sabor mediterraneo  en ellas, que puede recordar a veces a nuestras legendarias bandas laietanas, Iceberg / Pegasus en cabeza. Teclados muy apreciados en sonoridad vintage nos trae "Trashilvania" (5'54), con efectivos juegos crimsonianos bajo jazz rock influencias de un Rhodes "coreano". No porque sea barato, sino porque trae esencias del gran Chick. Es otro pedazo de fantasía heroica proggy, con una fuerza que proviene de su exacta métrica compositiva. El órgano se permite algún guiño Emerson, y su aspecto ambiental siniestro ayuda mucho. Sin pausa, una ventisca en un mar agitado presenta "Marea" (5'05). Que es como una mezcla de nuestros Bloque instrumentales y Barcelona Traction. Precioso piano eléctrico que guía a una banda que se deja querer. Otro tema esencial. Finaliza con un volcánico moog soleando con la elasticidad del gran Kitflus.



"Reverbi" (7'14) posee un bonito tratamiento sympho, sin perder su alma jazz rock tan bien resuelta por el Fender Rhodes y el arpegiado de la guitarra. Un tema que no hubiera desentonado en un repertorio de Tasavallan Presidentti. Mención destacada al sobrehumano trabajo percusivo. Curioso título es "Matemático Frustrado" (4'50), -quizá extensible a casi todos los músicos! -. Otra gozada "quasi" canterburyana en su contexto, que incluso trae ramalazos de los Camel mid-70s. La maravillosa "Amapolas" (8'20) pone fin a éste irreprochable álbum de presentación.  Con el sitar invitado de Jona Seuferheld ofreciendo la exposición del tema. Luego el phaser eleva la guitarra a niveles poéticos incuestionables.  Rubricado por teclas llenas de sentimiento y belleza. Un tema que se me antoja nocturno,  bohemio y piazzollesco. Encantadoramente pleno. La conclusión extraída es que esto es un proyecto sólido,  un debut extraordinario y una banda consolidada y dispuesta a darnos muchas alegrías. 

Qūassi es mucho. Es Todo. Y lo es, ya.

J.J. IGLESIAS



Temas
1.
Intro 00:00
2.
Vórtice        02:30
3.
Solitario Spider    07:03
4.
Trashilvania   14:22
5.
Marea     20:16
6.
Reverbi  25:21
7.
Matemáticofrustrado    32:35
8.
Amapolas   37:25

 








                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias















Musicalizando de The War Of The Worlds. Cuando Jeff Wayne miró a los ojos de H.G. Wells

 “Una onda de histeria masiva se apoderó anoche de miles de oyentes radiofónicos entre las 8:15 y las 9:30 cuando la dramatización de la obra de fantasía de H.G. Wells, La Guerra De Los Mundos, hizo que esos miles creyesen que un conflicto interplanetario había comenzado con la destructiva y mortal invasión por parte de los marcianos de localizaciones como Nueva Jersey y Nueva York. El programa estaba producido por el Sr. Welles y el Mercury Theatre en la estación WABC y la red de costas de la Columbia Broadcasting System”. Con estas frases y otras similares se despertaban los tabloides americanos un frío 31 de octubre de 1938. Algunas horas antes Orson Welles aterrorizaba a los radioyentes norteamericanos con su adaptación del libro The War Of The Worlds al hacerla pasar como una noticia oficial de última hora. En 1978 otro visionario, Jeff Wayne, se apoyaría en la adaptación del cineasta para las ondas hercianas, al igual que en la versión cinematográfica de 1953, para conformar con una seudo ópera rock experimental y sinfónica la que sería considerada por muchos como mejor representación en audio de la novela de H.G. Wells. 



Pero qué hay tras la figura de aquel novelista nacido en el pequeño pueblo de Bromley (Kent), el visionario Herbert George Wells cuya obra ayudó a definir, al igual que harían los mayores exponentes editados por el francés Julio Verne, lo que en la actualidad conocemos como literatura de ciencia-ficción. Este escritor destacó a lo largo de su vida profesional como diestro ensayista y periodista avispado, base que le fue esencial para enfrentarse a sus retos novelados con un peso esencial para llevar a puerto conocido tan dispares historias. Sus obras en este campo siguen tres caminos claramente diferenciados: libros científicos, libros de la vida y novelas ideológicas. En este artículo abordo la primera de las clasificaciones, ya que en ella se enmarcan trabajos como La Máquina Del Tiempo y La Guerra De Los Mundos. Este segundo sueño futurista y que pretende figurar el posible Apocalipsis llegado de la mano de seres de otros planetas, se edita en 1989 en Inglaterra. Dice la leyenda que fue el hermano de Herbert George, Frank Wells, el que planteó un acertijo sobre las oportunidades que podrían encontrar habitantes extraterrestres de conquistar el planeta Tierra. Asiéndose a tal cuestión, el autor plasma a lo largo de su obra un mañana en el ahora inmediato, al mismo tiempo que no duda en marcar una tupida crítica a la sociedad imperante. 



Utilizando inteligentemente dos técnicas de escritura, Wells zigzaguea por los textos en primera persona y los que están tratados desde la visión de una tercera. A ello hay que sumarle un milimétrico rigor científico que procura dar sentido y explicación a todo lo desconocido por el hombre de a pie. No hay que olvidar que una de sus etapas de mayor crecimiento cultural fue durante sus estudios en la Escuela Normal De Ciencias londinense, clases que en muchas ocasiones recibió del imperturbable defensor de Darwin T.H. Huxley. Su valor histórico, más allá de su carácter como docente y eminente fisiólogo, radica en ser el abuelo de Aldous Huxley, autor de uno de los libros con mayor valor dentro del estudio de la masa oprimida por un gran ojo manipulador, la indispensable novela Un Mundo Feliz (Brave New World). Todo esto hace que Wells imagine futuribles no tan descabellados (o al menos eso ha seguido pensando el Séptimo Arte) y, como decía en 1982 Constatino Bértolo Cadenas, conocer mejor la condición humana mirando a las estrellas. Esto tiene bastante sentido si repasamos los pensamientos de Isaac Asimov sobre la obra. Pareciese que Herbert George luchara por alzar un pendón de crítica a ese colonialismo que durante años abanderó Inglaterra. Su mirada inquisitiva pudiera estar recordando el daño inflingido a otros pueblos a base de una política de constantes conquistas y expansiones.



Siguiendo la pista de migas de pan que han dejado tantos y tantos creadores inspirados por la narración de Wells, pienso que vale la pena pararnos en el escritor Garret P. Serviss. Con La Conquista De Marte De Edison navega por la idea de la furiosa revancha humana. Editada para el New York Journal American, la historia nos transporta a una situación de sublevación terráquea en la somos nosotros los que contraatacamos en una misión dirigida por el mismísimo Thomas Alva Edison. Ahí es nada. En fin, una de tantas, ya que hasta Sherlock Holmes y el doctor Watson tendrán la oportunidad de enfrentarse a los marcianos (Sherlock Holmes’ War Of The Worlds, 1975).



Para cuando Jeff Wayne se introduce en el proyecto de una versión musical apoyada en la novela The War Of The Worlds de H.G. Wells, el audaz creativo había estado ofreciéndose de productor en las más variopintas grabaciones. Jeff colaboró en el álbum de David Essex Rock On, chispa que posteriormente hizo que Wayne reclutase a Essex para su proyecto ofreciéndole el papel de The Artilleryman. La idea del compositor era pergeñar algo así como una ópera rock de cadencias futuristas pero que no se separase de la idea original del autor literario. Dotó a su obra sonora de un deliberado deje progresivo en lo estilístico, aunque frente a las voces dio cita a lo más florido del rock y el pop de aquella década. Los papeles se repartieron de la siguiente manera: Julie Covington haría de Beth, David Essex de The Artilleryman, Philip Lynott de Parson Nathaniel, Jo Partridge de The Heat Ray, Chris Thompson de The Voice Of Humanity y Justin Hayward quedó como The Sung Thoughts Of The Journalist. Y en efecto así era, el reconocible componente de The Moody Blues terminó representando en canciones los pensamientos de The Journalist, el narrador periodístico que lleva al oyente a lo largo de toda la historia. Un papel que recaería sobre el galardonado actor cinematográfico y teatral Richard Burton. Otros miembros del equipo, aunque en este caso en el lado creativo, fueron Dorren Wayne, Gary Osborne y Paul Vigrass; este trío se repartiría las labores de guionista (la primera) y de letristas (los dos restantes). En 1978 se presenta al gran público, no tardando en recibir el mayor de los éxitos. Se extraen dos sencillos que marcaran las listas, “The Eve Of War” y la dulce “Forever Autumn”, destacando de esta manera un valor más allá del simple invento experimental para minorías. En poco tiempo Jeff Wayne recibe por su trabajo musical dos premios Ivor Novello junto con otro a la Mejor Grabación En Ciencia Ficción Y Fantasía (este último galardón se lo otorgó un jurado en el que se encontraban cineastas de la talla de George Lucas o Steven Spielberg). 

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com

 







                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias




THE CIRCULAR RUINS & MYSTIFIED - Fantastic Journey (2013/DataObscura)

 Dos seudónimos de dos canadienses sintetistas con carreras separadas, que se unieron en 2013 para homenajear a escritores pioneros de la fantasía científica,  en los primeros días del siglo XX.



 Por una parte Anthony Paul Kerby (The Circular Ruins). Por otra Thomas Park (Mystified). Armados con sintetizadores reales y ficticios, samples y grabaciones de campo, ponen en marcha su proyecto conjunto único. Se trata de ambientar (nunca mejor dicho), literatura muy avanzada para la época en que se escribió. Que inspire escenas y situaciones salidas de la mente de un Julio Verne, H. G. Wells o Edgar Rice Burroughs. 

Y en "Twenty Thousand Leagues" (13'08) las brumas del misterio drónico se convierten en arte.  Como en un comic steampunk musicado a base de estudiados sonidos, filtros reprocesados e intangibles melodías siderales que ofrecen al oyente la oportunidad de fantasear, sin la tiranía de una historia escrita. Densidades kosmische old school para un dark wave ambient intenso, melancólico,  simbolizando otro tiempo. Sin pausas, se entrelaza con "The World Beneath" (12'46), en una experimentación tonal que crea la propia melodía.  Bella fantasmagoría de etéreas líneas místicas, que conforman un espectro ciber-electroacústico alejado de éste plano. Un cruce entre el primer Florian Fricke y el segundo Brian Eno. La ensoñación casi naif e inocente  choca con su oscura tensión retro. Julio Verne con Morton Subotnick. Isaac Asimov con Luciano Berio. Tiene su lógica. Captas la idea?  Ellos sí.  Y la ofrecen en todo su comedido esplendor con "Forbidden Planet" (4'53), sombras indeterminadas, quizá un homenaje a Louis and Bebe Barron, de profesión pioneros electrónicos. 

"Mysterious Island" (10'24) es como un inmenso hojaldre de síntesis lleno de capas, todas con sabores distintos, pero que crean un hermoso pastel ambient. Vuelvo a recordar al Eno más investigador de los 70, aunque su resultado casi suene cameristico. Como es norma, la línea sonora continuadora nos lleva a "Beyond the Farthest Star" (9'26), en una abstracción cósmica  pura. Casi te sientes flotando en la inmensidad del espacio. Su parte final guarda estrategia similar a Cluster o Roedelius family. Y excita neuronas con intensidad. Cierra este Viaje Fantástico la final "The Voyage Home" (9'10), adornando su retro-homenaje con esencias del Vangelis early 70s de "Earth" o "L'apocalypse des Animaux". También retomando referencias kosmische claras. Y conformando un álbum sin sobresaltos, pero de escucha interior cálida,  cuando no entusiasmante.



El sello Cold Spring acaba de reeditarlo con el bonus track "Centre of the Earth" (10'18). Otra golosina para endulzar una sesión realmente inspirada. 

J.J. IGLESIAS



Temas
1.Twenty Thousand Leagues 00:00
2.The World Beneath 13:08
3.Forbidden Planet 25:55
4.Mysterious Island 30:48
5.Beyond The Farthest Star 41:13
6.The Voyage Home 50:40









                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias




Scotty Bratcher – That Album (2016)

 Una característica común a todos los guitarristas que pasan por esta sección es el amor por la música en el seno familiar. En el caso de Scotty Bratcher comienza a aporrear la guitarra con tan solo dos años, guitarras de su padre naturalmente. A los 11 años toda la familia peregrinaba por los garitos de Cincinnati para presentar a su vástago.


Con una de sus primeras bandas tiene la oportunidad de telonear a Lonnie Mack. El intrépido Scotty, con 13 años, se presenta al concurso Nacional Jam, donde tenía que componer el solo central para el último single de Kenny Wayne Shepherd, llegando a la fase final. En 2004 llega su primer disco, "The Scotty Bratcher Band". Realiza giras por todo el mundo abriendo conciertos para Ted Nugent, Little Texas, Blue Oyster Cult, Buddy Guy, Joe Bonamassa, Chris Duarte, Anthony Gomes, Foghat, Lonnie Brooks, entre otros muchos grupos de renombre. También colabora como músico de estudio en numerosas grabaciones. En 2007 se une a Noah Hunt, cantante principal de la banda de Kenny Wayne Shepherd, como guitarrista y segundo vocalista del grupo The 420 Allstars . En 2010 publica "Put My Mind At Ease" y tres años mas tarde "All and Nothing More". Este último disco llama la atención del armonicista Jimmy Hall que le invita a girar con el. Su cuarto disco, "That Album", se edita en 2016. Actualmente forma parte de la banda de country rock sureño, The Desert City Ramblers.


Este cuarto disco de Scotty Bratcher nos presenta a un músico en plena madurez compositiva e interpretativa aunque solo tenga 29 años. Su forma de tocar la guitarra combina la pirotecnia de un "Hendrix" ,y el sentimiento de un SRV con algún toque a lo Page. Si a eso le unimos una excelente y cautivadora voz, el cóctel es perfecto. Bratcher esta respaldado por "Rotten" Dan Connaughton (bajo) y Shawn Wells (batería), y las colaboraciones de Greg Martin (Slide guitar), Jimmy Hall (armónica, voz) en "That's Alright Mama" y  "As The Years Go Passing By" y Noah Hunt en "Let Your Soul Give Way". En total trece temas donde podemos escuchar verdaderas bombas explosivas como "Ain't No Way I'm Coming Home", "Disappointing Ourselves"o "Hard to Feel". Medios tiempos como "Without Hope", uno de mis temas favoritos, o "All and Nothing More", que poco a poco va subiendo en intensidad. Para culminar el la versión acústica del "Whipping Post". Sin duda trece gemas que todo buen aficionado a la música está obligado a descubrir.
J.C.Miñana

 







                     Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en                                                                                      
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias













Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...