Esta banda sudafricana tomó su nombre del libro "The Third Eye" de Tuesday Lobsang Rampa seudónimo de Cyril Henry Hoskin. En el escrito cuenta sus experiencias de su niñez en un monasterio tibetano. En realidad todo era mentira ya que el supuesto lama tibetano era realmente un fontanero en Devon, Inglaterra.
En 1967 la banda "It´s a secret" donde tocaban Ronnie Selby (guitarra), Mike Sauer (bajo) y Dawn Selby (teclados), estaba evolucionando hacia nuevos sonidos con la entrada de Maurice Saul (guitarra) y Robbie Pavid (batería), por ello después de algún tiempo deciden cambiar su denominación a la de "The Third Eye". Se hacen populares en Durban y Pietermaritzbug, y participan en diversos concursos. En el 68 graban "Fire" en los Troubadour Studios en Johannesburgo. Al año siguiente publican en Trutone, filial de Polydor, su primer disco "Awakening" y el segundo titulado "Searching". En 1970 son cabeza de cartel en el festival de Milner Park . También llegaría su tercera producción "Brother". La ruptura con la compañía discográfica ocasiona que poco a poco vayan desapareciendo como grupo.
Este segundo disco de The Third Eye, esta altamente valorado entre los coleccionistas, dado que existen pocas copias de su versión original. Se grabó en a penas dos días teniendo como productor a Billy Forrest. En sus cinco temas encontramos rock psicodélicos con ciertos toque soul y algún que otro detalle progresivo. Entre sus miembros destacan sobre todo su guitarrista Ronnie Selby y su hermana la teclista Dawn Selby de tan solo 15 años de edad cuando se realizaron las grabaciones. Como temas destacados la inicial "A Sad Tale" y la composición que da título al disco, "Awakening", casi 14 minutos de desfase psicodélico-lisérgico.
Banda relativamente reciente desde Extremadura, son Spin Offs. Pero que corren a velocidad turbo. Dos EP's en un año , el equivalente a un álbum a mi entender, y con un gran salto de evolución entre ambos. Entre los dos, una versión del clásico "Spoonful". Comprobará el astuto lector que con ésa versión, andamos por senderos blues rock de sabor 70s. Pero lleva añadidos en el tuneo.
Cuarteto con competente frontwoman , María Monterroso. La guitarra líder de David Andrino. Y la sección rítmica de Víctor Sánchez (bajo) y Fran J. Pérez (batería). Todos cantan coros. "Ain't Got No" nos lleva directamente a los 70, con el savoir faire necesario para que prestemos completa atención. Recuerdos de Stone The Crows y Maggie Bell me vienen a la mente, así que no hablamos de medias tintas. El factor cemento no es descuidado, y en "Prison" se combina sonido rocoso, con momentos blues muy paladeables. Dibujos hendrixianos y rítmicas cuasi stoner, sin llegar al granito. Volantazo estilístico de buen gusto es "Mr. Vane", retro-soul a la Amy Winehouse, con mobiliario ideal. Un rebaño de ovejas rurales nos adentra en el tema título. Acústicas sureñas en un muy bonito instrumental.
Vuelve la explosión grupal de "Looking for Trouble", acercando miradas al hard rock psych, en inteligente desarrollo y la guía vocal intachable de María. Guitarras en solos doblados y fuerza, mucha fuerza. La versión de Humble Pie, "Four Day Creep", muestra una de sus bandas favoritas. La abordan con perfecta visión y moldura acorde a su estilo. Y claro, la cosa funciona que no veas.
Lo siguiente lanzado fue ése tema referido al comienzo, "Spoonful", en acertada cover y participación del bluesman Gene García a dueto con María. Además del pianista David Carbonell. Un entremes entre EPs, que hace nexo de unión con "The Cry of the Mandrake", lo más reciente de la banda. Un cañonazo stone (r/s) es "Coming Through the Rye", como una continuación del disco anterior. Aunque su sonido es diferente, más recio y con un estupendo sólo psicodélico. Que encadena acústicas y el infeccioso ritmo de la canción. Efectos de los tiempos, dan un título como "Quarantine Song", más soul-blues, que me recuerda a Rosalie Cunningham en su sensualidad psych pronunciada. Lo hard parece que tiene más prioridad en ésta segunda entrega. Y "Woman's Hell" casi la veo en un disco de Iron Maiden de sus comienzos! Lo resuelven con nota, aviso.
"Blues Back" es efectivamente eso, un blues pesado con el arrastre lujurioso de un Robin Trower. Denso y espeso, que toma posterior vuelo proggy abriendo nuevas puertas al estilo de la banda. Muy bien. Remanso acústico para "The Cry of the Mandrake", que casi llega a los seis minutos, reafirmando nuevos horizontes. Psych rock brillante, en cualquier caso. Y una de las mejores. Cierran con el hard rock blues de "Exquisite Corpse", y dejan un rico sabor. Entre mentolado del blues, y fresa ácida del psych rock.
Éste segundo EP mantiene la llama, reafirma al grupo y amplía sus futuras alternativas. Y todo en un año aproximado. Spin Offs van lanzados. Es una buenísima banda que consolida su nombre en una segunda entrega que es un paso de gigante.
Para muchos entre los que me incluyo, este es el Bootleg favorito del Wind & Wuthering Tour 77, que recoge la segunda noche de los británicos en el Earls Court Arena de Londres el 24 de Junio de 1977.
Un documento procedente de la transmisión de un célebre espacio radiofónico de la FM londinense, que entre otros factores muestra el excelente estado de forma de la banda al completo, a lo que hay que sumar, que al repertorio con el que el quinteto defendió el Show se agregó el tema "The Knife", pieza no habían vuelto a interpretar en directo desde el año 1974 durante "The Lamb Tour" con Peter Gabriel, no habían vuelto a interpretar en directo. Por otro lado, esta grabación entre otras registradas durante la misma gira, muestra a un Steve Hackett que se debate entre la interpretación y la tensión alterna y continua, sobre su propio conflicto interior debido a que tenía más transparente que claro, que sería el segundo miembro oficial de Genesis que abandonaría el buque en un espacio de tiempo de dos años.
Actualmente Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks le dan vueltas (excesivas quizá) de tuerca al tour de reunión "The Last Domino" previsto para Abril del próximo 2021 por Reino Unido, para el que proponen a Nic Collins, hijo de Phil y Daryl Stuermer… Pero no es descabellado pensar que "The Last Domino" cambiará su nombre a The Second ‘’Confinamiento’’ y que a lo sumo, acaben ofreciendo algún concierto vía streaming, con sucesivas pausas y dificultades por razones físicas más que obvias. Y esto, contando que sus fans en todo el mundo antes de la llegada de Abril de 2021 no tengan que matar para no morir de hambre en esta más que anunciada tercera guerra mundial. No obstante, con fusil en mano o sin él, no seré yo quien los vía streaming o farafeling, y mucho menos en directo si la situación del planeta volviese a ser la anormal, la que la unanimidad concebía hace ocho meses como normal.
Les daría dos consejos, el primero que se confinen en sus mansiones porque es lamentable remover el pasado en la impropiedad del presente, aun existiendo una hipotética normalidad que lo permita, y que descansen disfrutando de esa segunda juventud de la que toda persona mayor es merecedora. La segunda sugerencia, se la hago a Phil, no hace mucho que lo hice textualmente a través de ubicación en la red social entre otros medios. Y es que está tardando en tomar medidas con la ‘’caza ñus’’ y el nuevo varón de la misma, que se han adueñado de la propiedad de su propiedad en Miami. Según el propio Phil, este culebrón ya está en manos de sus abogados… Pero lo cierto, es que su propiedad de Miami sigue en otras manos mientras que su legendario kit Pearl BLX Custom Birch sigue sin estar en las mías… Pero ante esto, Phil no puede hacer nada, dado que el propietario actual de esta batería, se niega a negociar su venta como es lógico.
Como estos músicos no están ni para coger un instrumento ni un fusil en la actualidad, y el hambre tardará en perforar sus estómagos, insisto en que la idea de que se refugien en un Bunker que cuente con un periscopio para divisar el mar y la montaña, disfrutando de esa maravillosa etapa septuagenaria, sería la mejor opción para ellos y esa amplia lista de fieles veteranos, extremadamente corta en noveles.
En los 70 se marcaron una trilogía de álbumes que a mí se me hacen inolvidables. El primero es una obra maestra en su simbiosis hard, prog, psych, blues & doom. Giraron abriendo para Streetwalkers, Cheap Trick, BOC o Bob Seger.
Cometieron la hombrada de ser los únicos hard rockers en tocar en el CBGB, meca punk neoyorkina, ocupada además por una banda británica! Un récord. Pero a la separación tuvieron que buscarse la vida tan duramente como tocaban. Sin su cantante, los tres miembros restantes fueron el primer Blizzard of Oz de Ozzy Osbourne. Pero los utilizó sólo como sparring, el muy ladino, para ponerse en forma. Buscando luego sustitutos de más pedigrí. La NWOBHM los acogió en su seno. Terry Horbury (bajo) iría a Vardis. John Fraser-Binnie ( guitarra) a Rogue Male. Y Andy Beirne (batería), -que sustituyó en el último álbum al australiano John Lee (Dingoes, Blackfeather, Ariel)-, fue a Praying Mantis y Grand Prix. Kenny Stewart haría cosas en USA con Stuart Smith, como Informer. Con los años, bandazos. El más relevante (y difícil de asumir), ser una tribute band de su propia competencia : Stairway to Zeppelin reunió a Stewart, Binnie y Horbury. Cuando ellos mismos debieran ser una banda a homenajear. Cruel destino. Ya los daba por perdidos.
Pero en una de ésas inmersiones de internet, descubro que en el 2009 graban un nuevo álbum como....Dirty Tricks!!! Con la incomparable voz de Kenny Stewart y la clase magistral de John Fraser-Binnie a la guitarra. Completan Fingerthumbs al bajo y dos baterías, Richard Marcanjelo y Reuben O'Donoghue. Ni siquiera lo editan en formato físico alguno, qué tristeza. Ni sé si llegan a promocionar una cosa, que está colgada en "la nube" de la incomprensión de los tiempos. Hasta usan la portada de su tremendo primero......dirty trick! Con éstos pobres mimbres, lo normal hubiera sido que "Up and the Nine Count" fuera el típico truñaco nostálgico. Con un par de cortes recordando tiempos mejores y un montón de relleno. Pues no. 10 temas especiales y fantásticos. Dirty Tricks se resisten a arrastrar su nombre con grabaciones mediocres. Producción y planteamiento más actual, arreglos más recientes, inclusión de teclados y cercanías prog. Classic hard puesto al día. Como ellos. La voz de Stewart se mantiene intacta. Y la guitarra psicópata de John Fraser-Binnie es tan magnífica como siempre. Y se atreven con temas largos.
Tras la inicial "Wrecking Ball" en fogoso alarde Purple, desfila un classic hard rock de primera. "A Soldier and a Son" (6'02) se sitúa entre lo más prog de los Zep entre "Phisical / Presence". Con intro acústica, teclados de fondo y continuación a medio tiempo. Lleno de solidez y valor interpretativo. Sofisticación proggy impensable en otros tiempos. Madurez sin perder la visión. Más elegancia (si cabe) a sumar en sus virtudes. No está lejos del Ozzy sinfo de "The Ultimate Sin ". Siguen los teclados imprimiendo oscuros decorados en "Act of God" (6'17), y ahora los situaría entre la cosecha Sabbath 80s con Tony Martin. O entre los más filmicos de la NWOBHM. Pienso en Demon, Saracen o los mismos Diamond Head. Lo que está claro es que el estilo y la garra no se han perdido. Han evolucionado con cabeza. Y ésa voz de Stewart que no puede dejar impasible, no si tienes sangre en las venas. Su estado de forma es sensacional. Otra que juguetea con el hard prog es "Down Came The Dominoes" (5'58), con un gancho imparable. Yes mataría por un tema como "Bruised", lo juro! Esto suena a clásico. Como hecho en el puente entre los 70 y 80. Como el verdadero cuarto disco que debió de ser en su momento. Esto es brutal, familia. Arreglos inesperados y pensados, fuerza e ideas que salen a borbotones......rebosan creatividad. Van sobrados.
El resto del material acorta el minutaje, pero no la intensidad ni el estado de gracia mariana. Que esto éste flotando en la jodida nube no es destino para éste pedazo de álbum. Que alguien lo rescate y lo edite un poco dignamente, aunque sea en cd guarro. Porque es un vinilo obligatorio. Y un más que digno, disco de vuelta. Mucho más.
Está claro que Neil Young es actualmente reconocido como uno de los creadores más prolíficos como solista, aunque en el periodo de tiempo comprendido entre 1966 y 1970 llegó a ser querido por el público gracias a sus contribuciones artísticas en dos bandas reconocidas como lo fueron Buffalo Springfield y Crosby, Stills, Nash And Young. Lo curioso de todo ello, y aunque su prolífica carrera bajo su nombre y junto a Crazy Horse hubiera salido a flote antes o después, es que Stephen Stills no es el verdadero culpable de que Neil entrase en la vorágine de la psicodelia adulta. De hecho, y casi como realizando una jugada de carambola involuntaria, fue el bajista y cantante Rick James el que terminó por encaminar a Young en la búsqueda de ese otro guitarrista apellidado Stills.
En 1965, y tras abandonar The Squires, Neil Young se encontraba militando para un conjunto liderado por Rick James que se hacía llamar Mynah Byrds. En aquella etapa consiguió centrarse en el rhythm and blues de tal forma que la mismísima casa Motown decidió que Mynah Byrds sería su nueva banda de cabecera. Pero James, que a finales de los 70 brillaría reconocido como el gran rey del funk sexual, es sorprendido por la Armada americana que le detiene por desertor. La discográfica se quita de escándalos y deja en la calle al resto de miembros del combo. Es en este momento en el que Young y su compañero de fatigas Bruce Palmer se marchan de Nueva York a Los Ángeles en busca de un Stephen Stills que ya empezaba a ser reconocido en la escena underground como genial compositor.
No tardarían en hallarle y en arrancar una vez más, aunque en este caso aunando fuerzas. Stills, Young, Palmer, Bruce Furay (amigo de Stills) y el añadido baterista Dewey Martin, se inician como unos The Herd que en poco tiempo mutarían a Buffalo Springfield. Es bajo este nombre definitivo con el que graban su primer álbum homónimo en 1967 para Atlantic. Ya se veían lejos los intentos de Stills por agradar en el casting para convertirse en uno de esos nuevos The Monkees de los que todo el mundo terminaría hablando, al igual que como ráfaga pasada quedaban las interminables noches de pasionales actuaciones en el Whiskey-A-Go-Go. Lo habían conseguido, el contrato discográfico era suyo y tenían un largo camino por recorrer para hacerse un hueco en la historia musical. Al final consiguieron quedar como banda de culto, aunque su carrera se paró rápido y sin previo aviso.
Antes de que las campanadas diesen entrada al año 1969 los Buffalo Springfield ya habían volado. Los siguientes escalones tras su presentación oficial fueron Again y Last Time Around (ambos de 1968), el segundo de ellos considerado como obra póstuma pues se sacó al mercado una vez roto el quinteto. El ego de Stephen Stills no pudo soportar que Young generase creaciones de tan alto nivel y que muchos le empezasen a ver como segundo cabecilla del conjunto (algo que, por otra parte, Neil nunca intento), por lo que los primeros tirones a la cuerda terminaron por deshacer un nudo que para muchos aparentaba indestructible en sus primeras noches de vida sobre las tablas californianas. Eso sí, el síndrome de Estocolmo es muy poderoso, sobre todo cuando no se puede evitar el admirar todo el talento de tu rival. La amistad y colaboración volvería a aflorar en la calma de unos Crosby, Stills And Nash (la siguiente baza de Stephen) ya aposentados en 1969.
Pero el que parecía desde el principio imagen visible de Buffalo Springfield no era el único en sentirse por encima de sus camaradas. El desmadrado David Crosby terminaría siguiendo un camino similar al de su compañero de fatigas en la llamada a ser la gran triada de la década. La cosa no venía de tan lejos como parece. En el 64 David se estrena a nivel maduro como The Jetset junto a Jim McGuinn y Gene Clark. Todos tenían un pasado enraizado en la escena folk (Crosby había formado parte de los Balladeers de Les Baxter). Grabaron por aquellos días un sencillo para Elektra bajo el sobrenombre de The Beefeaters. En mayo de 1965, y con Chris Hillman y Michael Clarke ampliando la plantilla, presentan su primer sencillo, la versión del reconocido himno de Bob Dylan "Mr. Tambourine Man".
Ya en julio aparece otro sencillo más, y por fin su álbum oficial Mr. Tambourine Man que escala sin demasiados problemas al puesto número 6 de las listas norteamericanas. Su mánager Jim Dickson, junto con una recomendación personal del maestro del jazz Miles Davis, hizo posible su fichaje por un sello Columbia que les metía con su obra de estreno como The Byrds en las grandes ligas. En el último mes de ese mismo año aparece en Estados Unidos Turn! Turn! Turn!, tres meses antes de lo que lo haría en el Reino Unido, tierra en la que desde sus inicios recibieron también una respuesta más que positiva. El tema que daba título al álbum, y que no era otra cosa que una revisión de la adaptación musical que Pete Seeger había hecho del Libro de Eclesiastés, resultó ser el golpe necesario para secundar con tino su anterior trabajo.
Aun así, y aunque con la nombrada composición acertarían sin problemas, The Byrds se guardaban más tonadas de Dylan en los bolsillos. "The Times They Are A-changin’", que no salió como sencillo, ni siquiera como cara B, aportaba una red de seguridad inspirada en el beneplácito logrado con su "Mr. Tambourine Man". El quinteto hacía magia con los aires folk de Robert Zimmerman transformando lo acústico en eléctrico y pop, aunque necesitaban sumergirse en la psicodelia para no quedar rezagados del movimiento. Su disco Fifth Dimension (1966) les metió de lleno en la onda, algo que agradó pero no llegó a calar de igual manera en las listas, que les guardaron un puesto bastante más bajo que con sus dos grabaciones anteriores. Sí alzaron el vuelo con el sencillo "So You Want To Be A Rock And Roll Star", pero el álbum en el que se incluyó (Younger Than Yesterday, de 1967) no pasó de las cotas de popularidad de su antecesor.
Singles y una obra compilatoria cierran la primera y mejor valorada etapa de The Byrds, capítulo tras el que Crosby se despide de sus compañeros y decide meter la cabeza en una propuesta de supergrupo en el que colaboraría con el americano Stephen Stills y el inglés Graham Nash, un vocal y guitarrista con historia similar a la de David y Stephen, aunque este último en su militancia para unos The Hollies que ayudó a fundar.
Así arranca la carrera de una agrupación en la que se sentía reunirse algunos de los compositores más notables de finales de la década dentro del mundo del rock y el pop. Crosby, Stills And Nash se ponen en las manos de la casa Atlantic que tan correctamente supo guiar las publicaciones de los anteriores Buffalo Springfield. En 1968 se centran en la labor de preparar en el estudio su primer larga duración, álbum que golpeará el mercado en el verano del año siguiente. Las listas estadounidenses se rinden sin titubeos ante el disco homónimo de estos tres talentos, aunque Inglaterra no les trata con tanta amabilidad.
Durante sus presentaciones en directo se hacen acompañar del viejo compañero de rencillas y fatigas de Stills en los Springfield, un Neil Young que vuelve a escena para ayudar en los pasajes eléctricos de sus espectáculos en directo. Con él tocan en el festival de Woodstock y en el trágico concierto de Altamont, en el que casualmente Crosby, Stills, Nash And Young participaban como teloneros de las Satánicas Majestades británicas (The Rolling Stones). Young estaba completamente satisfecho con su carrera como solista por lo que su paso por el combo de Stephen y sus nuevos amigos era una cosa temporal. Graban como cuarteto, y con la colaboración de Greg Reeves, Dallas Taylor (presente en su etapa de trío), Jerry Garcia y John Sebastian, un glorioso Déjà Vu (1970) que no tardaría en toparse con la huida de Young en pocos meses.
Para abril de 1971 y su Four-Way Street el supergrupo ya era polvo en el viento. Cada uno tira por su lado, quedando el nombrado álbum en directo como obra póstuma de su verdadera y fiel etapa como banda con generosas querencias vocales. En poco menos de tres años marcan a toda una nueva generación de artistas, empezando por los jóvenes miembros de América, reconocidos por la gran mayoría como la nueva hornada tras Crosby, Stills And Nash. En 1974 el cuarteto volvería a reunirse para girar por Estados Unidos, aunque su siguiente grabación recordando los días dorados no se editaría hasta 1977 con CSN (sin Young, como bien aclara el título del disco). En las siguientes décadas han seguido compartiendo estudio en más de una ocasión, aunque sin los niveles de calidad exigidos a un nombre como el que abanderaban. Todos consiguieron abrirse camino por su cuenta, aunque ninguno se planteó regresar a su banda madre. Ahora estaban a otro nivel. Buffalo Springfield ya no existían, The Hollies perdieron la chispa para gran parte de sus files en el final de los 60 y, ¿The Byrds?
En fin, es posible que no fueran la esperanza americana del folk-pop eléctrico que parecían en sus comienzos pero el combo lograba sobrevivir honradamente sin Crosby. Una vez perdida el ala derecha, el pájaro sufrió el segundo golpe que significó la perdida de parte del plumaje restante. Gene Clark, que regreso por unos meses al hogar tras su salida una vez editado Turn! Turn! Turn!, sigue el camino de David, aunque él en la ruta de las carreras solistas. Jim McGuinn, que ya había cambiado su nombre por el de Roger, se carga la casa al hombro con la ayuda de los aún fieles Hillman y Clarke. The Notorious Byrd Brothers (1968) es la respuesta a los desplantes de sus antiguos cómplices de fechorías sonoras. Curiosamente, y aunque no les ponía por delante de anteriores grabaciones, este LP sí les encumbraba algunos puestos en las tierras británicas, algo que no volvería a suceder con su siguiente Sweetheart Of The Rodeo pues desaparecía a cualquier tipo de nivel en el Reino Unido en cuanto a notoriedad se refiere.
Una catástrofe creada por unas filas la mar de llamativas: Kevin Kelley a la batería, Gram Parsons a las guitarras, voces y teclados, Roger McGuinn a la guitarra y voz, y Chris Hillman al bajo. Un paso al frente y vuelve a pasar lo mismo. Dr. Byrds And Mr. Hyde (1969) demuestra un hecho que casi se podría tratar como de teoría. El álbum no se gana al público de las hamburguesas pero sí al del rosbif con patatas y salsa, o lo que es lo mismo, cuando no gusta en América sí cala en las islas británicas, y viceversa. El conjunto continúa sin pena ni gloria hasta 1973, aunque en octubre del 69 dejan la última pincelada remarcable con "The Ballad Of Easy Rider", tema que daría título dos meses después a un interesante redondo, al igual que se convertía en parte de la banda sonora de uno de los largometrajes más queridos de los 60, un Easy Rider dirigido por el controvertido actor Dennis Hopper.
Uno se pregunta si no habrá acaso cientos de sintetistas excelentes, en la antigua Unión Soviética. Tal es la tradición electrónica que conservan, y de la que poco se conoce. Desde Zagreb, Croacia, K. Markov lanza material por todos ellos! Sólo en 2020 editó 7 trabajos situables en la más pura Berlín School!!! "Asteroid Field" o "Visitors" son algunos muy recomendables. Aunque todo lo que escucho del artista antes conocido como Phrulex, me parece más que interesante. A ése ritmo de trabajo, no me extraña haber contabilizado una discografía cercana a los 50 álbumes.
Comienza "Visitors" (8'54) como un fidedigno retrato raypunk, una foto sonora en sepia, de una llegada extraterrestre. Ahora que se comprueba que una nave fantasma a la deriva estuvo surcando nuestra galaxia, la cosa tiene su momento. Enseguida advertimos uno de los puntos característicos de K. Markov, la secuenciación 70s. Y más concretamente, la que corresponde al período Virgin de Tangerine Dream. Curioso que una Cadena de Markov sea un proceso estocástico, un modelo matemático por el cual una probabilidad ocurre solo inmediatamente y a consecuencia de la anterior. O algo así creí entender, porque hasta me metí en tutoriales matemáticos para intentar entenderlo. Lo cierto es que eso mismo se podría describir en la música secuenciada de nuestro Markov sintetista. Fino tejedor de secuencias cósmicas con un hilo conductor lógico.
Un vetusto órgano nos trae "Close Encounter" (8'06), con más melodía secuenciada en influencia fluida de AshRa, realmente expresiva y original. La línea siguiente es amor eterno por Edgar Froese del "Epsilon/Aqua", con un fuerte componente descriptivo en lo enigmático. "Fluid Emotions" (7'15) parte de una nebulosa en ingravidas capas de misteriosos drones. Tiene su lírica, delicadeza sentimental que manifiesta que las máquinas son el reflejo del que las maneja. Bellos delays crean crucetas ciberneticas de admirable composición pictórica. Vuelve la sensación de lo inexplicable en "Gone Too Far" (8'37). Podría usarse a la perfección para alguna secuencia de "Forbidden Planet" o "Invasion of the Saucer-Men". Continúa nuestra particular "Cadena de Markov", que nos lleva a un pulsante pasaje secuenciado digno de "Phaedra". Y a su nivel. Apasionante profundidad de síntesis y experta creación de apropiadas melodías.
El título de "Exotic Landscapes" (7'55) lo dice todo. Nuestro hombre no deja la palpitación secuencial ni por un segundo, aquí hasta con reminiscencias Dusseldorf. Su precisa línea melódica de corte Ralf & Florian resulta fascinante. Experimental modulación aparece con "Alien Plant" (8'21), donde incide en su gusto por un atrayente entorno melódico. No se perciben muchas dificultades para conseguir extraer cualquier situación o pasaje. Y siempre sale victorioso de sus jardines. Finaliza el viaje "Dream Creatures" (9'07), de nuevo con clara fascinación Froese, que no desentonaría en un "Sorcerer", dada su perfecta naturaleza fílmica.
K. Markov se erige como un cualificado tradicionalista berlinés, que atrapa al oyente en todo momento. No es casualidad, "Visitors". Cuanto más profundizo en su obra menos baja el listón de calidad. Abrumadoramente bueno.
Johnny Fontane es uno de los personajes que aparecen en la novela de Mario Puzo "El Padrino". Cantante esclavizado por un contrato con su productor, ¿os suena?, tiene que pedir ayuda a Don Vito Corleone que con sus dotes de persuasión logra liberarlo.
Esta banda suiza se formó de una forma un tanto curiosa. En 2011, Tom Marcozzi (voz, guitarra), recibió la llamada de Phipu Gerber para unirse a una banda y tocar blues con artistas invitados en los "Blue Monday", conciertos que se celebran el tercer lunes de cada mes en Kulturfabrik Kofmehl en Solothurn (Suiza). El resto de la banda la integran Lukas Zücher 8batería), Philipp (teclados) y Christian Spahni (bajo). A raíz del éxito obtenido en esos conciertos fueron invitados a eventos como el Openair Etziken, Solothurner Märetfescht, Rock am Weier Openair Wil, 3 Seen Blues Cruise, Mahogany Hall Bern, Estri.ch Blueshead Festival y muchos más. En 2014 editan su único legado, "Lemme Tell Ya!
En el debut discográfico de Johnny Fontane And The Rivals nos muestra doce composiciones exquisitas que se pasean por la senda del blues, rock y un poquito del soul. El disco fue mezclado por Adam Hawkins (Gary Clark Jr., Keith Urban, Maroon 5, Pink), ganador de un Grammy. También cuenta con invitados muy especiales como Vinnie Moore en "Tell Me", Justina Lee Brown en This Ain't Mississippi" y Marco Panthera (armónica). La grabación se inicia con "Black Cadillac", poderoso riff rockero. Continuamos con un gran blues con sección de viento, "Hands on You". "Help me", sensuales coros nos cautivaran. Sin duda la voz de Tom Marcozzi me engancha. Llegamos a la tierna balada "I & Aposm Gonna Die". "Tell me" es un medio tiempo con la participación de Vinnie Moore, no digo mas. En "Like a real man" vuelven los riffs poderosos y los coros de Justine que toma protagonismo en el siguiente corte "This Ain & apost Mississippi", BLUES con mayúsculas. Toques "hendrixianos" podemos escuchar en "Not Close Enough", siempre con elegancia, la que tiene Johnny Fontane. "Garymental", es un instrumental homenaje a Gary Moore. Aires rockeros al estilo SRV llegan en "Too Big to Fail". La segunda balada la tenemos en "Life is beautiful". Finalizamos por todo lo alto con "Steam Train", con la colaboración de Marco Panthera. Un disco REDONDO cargado de buenos momentos.
En 1991 el pequeño sello El Cocodrilo, dirigido por José Luis Álvarez, publicaba en su serie, "Historia de la música pop española", las grabaciones de dos míticos grupos de finales de la década de los 60, "Los Buenos" y "Simun". Veinte años después conviene volver a recordarlos.
Los Buenos se forman en Madrid en 1968 de la mano del vocalista Julián Granados junto a Iñaki Egaña (bajo), Jorge Moreno (batería), Johnny Galcao (guitarra) y Rod Mayall (órgano), el hermano pequeño del gran John Mayall. Al principio se hacen llamar Los Snobs. Fichan con el sello discográfico Acción, perteneciente a la Cadena Ser, y son obligados a cambiar su nombre por el de Los Buenos. En febrero del 69 presentan su primer sencillo en Madrid. El single contenía en su cara A, "Canción", y en la B, "Oh Pretty Woman" (Albert King).
Su segundo single llega a pocos meses del anterior conteniendo "Looking Back" ( Johnny Guitar Watson) y "De mi niña".
A pesar del apoyo incondicional de la poderosa Cadena Ser no consiguen los resultados esperados y en plena grabación de su tercer sencillo Julián Granados abandona el grupo. Curiosamente tras su publicación consiguen llegar a los primeros puestos de las listas. "Hola, hi, hello" y "Groovy woovy", eran los temas que presentaron en ese trabajo.
En 1969 editarían su último trabajo con sonidos netamente bluseros: "My Baby" y "Summer Talk". Tras su publicación Rod Mayall deja la banda precipitando la disolución del grupo.
Por su parte Simun Se forman en Cádiz en 1970 teniendo en su formación a Nono Ávalo (batería), Antonio Reguera (guitarra), Manolo Martínez y Nolo Sevilla (bajo). Una de sus primeras actuaciones la realizan en el Cortijo de los Rosales. Johnny Galvao (Los Buenos) se fija en ellos y les invita a Madrid. También les produce su primer sencillo editado por Movieplay. El single contenía en su cara "A" "My Good Time" y en la "B" "Hideaway" (Freddie King". La banda realiza numerosos conciertos en la capital recorriendo todos los colegios mayores pero sus dos guitarras no lo ven claro y se vuelven a Cádiz. Son sustituidos por Pedro Talavera y José Vicente Losa. Continúan triunfando en Madrid e incluso se oyen rumores de la grabación de un nuevo single pero la realidad es que se disuelven a finales de 1971.
Posiblemente el debut discográfico de Fern The Fact, o lo que es igual, de Marcos Sánchez publicado en el año 2018, siga siendo uno los discos más originales cosechados en los últimos veinte años, ya no solo en Ferrol, sino a modo nacional.
Hace dos décadas Marcos Sánchez dejaba constancia de su extraordinario gusto musical y su sobresaliente faceta como baterista en formaciones como Labyrinthus y Mapa, al servicio de un elaborado Rock Progresivo, con predominio del riesgo.
Tras la desaparición de ambos grupos, nadie llegaría a pensar en que alguno de sus ex componentes optarían por editar trabajos en solitario o con nuevos e imprevisibles proyectos.
Si a cualquier conocedor y poseedor de la obra lamentablemente escasa de ambos grupos gallegos le dicen que uno de sus ex miembros emerge del silencio, y más aún con un trabajo perfecto en todos los aspectos, pone fé ciega en el mismo.
Este es el caso de Fern The Fact, los prácticamente 190 grados de un giro musical que sirve como esperanzadora resurrección de un baterista, que quince años después de huir de todo tipo de "ferrores", retorna a la actualidad como compositor, multi- instrumentista y productor del disco perfecto para quienes huyen de la lamentable perfección.
Un trabajo que cuenta con siete piezas en las que Sánchez muestra su propia visión y concepto en la práctica de un Metal lleno de originalidad, al servicio de la humildad más comedida y ante todo, muy fresco. Una dosis de placer esquizoide, que trae consigo cuerdos y añejos aromas de un descolgado pasado que a lomos del dislocado presente, se ha conexionado a la medida de las grandes minorías y su incombustible apuesta por ejecuciones exquisitas que vienen avaladas por el indomable buen gusto de un factor denominado sorpresa.
Para esta primera carta de presentación de Farn The Fact, Mr. Sanchez ha estimado oportuno contar con los servicios del vocalista Suso Lago en el tema "Satiria", única pieza con línea vocal del cd, al que hay que sumar la aportación de Víctor Lago en la masterización del mismo.
