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ROBERT RODRIGO BAND - Living For Louder" (2018) (Rockliquias Bandas)

Robert Rodrigo  Band es la banda liderada por el gran guitarrista vizcaíno Robert Rodrigo. En su nuevo proyecto participan dos de sus ex compañeros en Airless, Miguel Manjon (bajo) y Pako Martinez (batería), y también cuenta con la participación estelar de Johnny Gioeli (voz) vocalista en Hardline y Axe Rudi Pell. En Noviembre de 2018 han publicado su primer disco, "Living For Louder", pero antes de analizarlo demos un repaso a la biografía de Robert.


Robert Rodrigo comienza a tocar la guitarra española a los 7 años y a los 14 se pasa a la eléctrica. Comienza a tocar en diversas bandas y a los 18 graba su primera maqueta, "La Primera", quedando segundo en el concurso "Villa de Bilbao". Al año siguiente presenta su segunda maqueta, "Turn this radio on", en el Guitar Player Club de Barcelona actuando posteriormente en el Show Bike de Sestao. A los 24 años  consigue su primer contrato de grabación con Evolution Records publicando su primer disco, "Robert R. Rodrigo" (2000) .


En enero de 2002 forma Airless y firman por Vinny Records editando "Airless". El disco está producido por Carlos Creator y se distribuye a todo el mundo siendo publicado en Japón por Mellow Music. El tema "The Truth" fue incluido en el doble disco "Singing to the World", en memoria de los muertos de las Torres Gemelas.



En 2005 Robert firma con Ibanez Instruments como "endorser" de la marca. Al año siguiente llega la segunda producción de Airless, "2nd Round", con el sello finlandés Lion Music y realizan diversos conciertos junto a  bandas como Dare o Riot.


En 2006 Rodrigo graba el tema "Space Antz", junto al productor y guitarrista Carlos Creator, que entra a formar parte del recopilatorio "The Alchemists II - 15 Tracks Of Total Guitar Wizardry"


En 2007 participa en el  10º aniversario de la sala Bilborock, concierto que se publicarían posteriormente.

2008 está lleno de novedades. En Mayo edita "Half finger on the moon" y firma con Orange Amps y Dimarzio. A finales de año llega el tercer trabajo de Airless, "Fight". Al año siguiente ficharía por Ernie Ball



En 2012 participa en el EP "Help for Japan" que contenía cuatro versiones del conocido tema de The Beatles, "Help", y con la participación entre otros de Tommy Heart, Neil Murray y Don Airey


Ese mismo año y de la mano de Grooveyard Records llega su segundo disco instrumental, "Wrath", con la participación de Miguel Manjon al bajo. Al año siguiente llega el cuarto en estudio de Airless, "Changes" y realiza gira junto a Jeff Scott Soto, participando en numerosos festivales.


En 2014 Airless celebra su 15 aniversario publicando "Best & Rarities".  En 2015 Robert es invitado a participar en una trilogía de álbumes dedicada a compositores clásicos como Bach, Mozart y Vivaldi. 






En enero de 2016 Airless lanza el EP, "Make It Right" que a la postre sería su último trabajo ya que se disuelven en septiembre de ese año.  En febrero se queda finalista en el Guitar Gods Festival celebrado en Miami.


Por fin llegamos a su último trabajo "Living for Louder, publicado en Noviembre de 2018, grabado en los en los estudios RRR Guitar Studios en Bilbao y producido por Robert Rodrigo. La banda la completan Miguel Manjon (bajo) y Pako Martinez (batería), y cuenta con la colaboración de Gotxi Ibarra (teclados) y el vocalista Johnny Gioeli (Hardline, Axe Rudi Pell).

El disco nos ofrece diez temas  cargados de buen hard rock ochentero donde Robert se mueve como pez en el agua con su increíble destreza instrumental con la guitarra.

La grabación se inicia con "Living for Louder", toda una declaración de intenciones y sin duda uno de los mejores cortes del disco. El tema lo tiene todo fuerza vocal , buenos riffs y gran empuje de su base rítmica. 


Continuamos con "Southern Skyes" una mezcla de hard rock con funk. Combina a los Living Colour con algo de AOR y desenfrenos a lo Yngwie Malmsteen. Sutil toque con el Hammond por parte de Gotxi.


"Lifeline" nos traslada a la mejor época de los Mr. Big de los señores Eric Martin y Paul Gilbert. Robert deja el pabellón muy alto nada que envidiar al guitarrista de Illinois. También muy destacable la labor vocal de Gioeli.

Llegamos al primer instrumental del disco "Anita's Boogle" con un gran labor de su bajista Miguel Manjon y Robert utilizando todo su arsenal para deleite de los que amamos la guitarra.

“Break It Out” es otro de los temas destacados de la grabación. Sonido pesado con ciertos aires a los Sabbath mezclado con hard americano.

“Worn out” con claras referencias  heavies y con una excelente respaldo de su base rítmica. Robert Rodrigo es un todoterreno que se mueve bien en todos los campos culminado el tema con un excelente solo.



Me encante "Blue", instrumental en el que nos demuestra estar a la altura de gente como Satriani, Gilbert o cualquiera de los "guitar-hero" de fuera de nuestras fronteras.

Tras la relajación del tema anterior llega otro gran tema de hard rock "Sweet Time". Sin duda John Gioeli está viviendo una segunda juventud (51 años).

El tercer instrumental lo tenemos en “The land of the seven Colours”, una exquisita balada donde Robert es todo sentimiento y finura guitarrera.



Finaliza el disco con "Hig Dose Rate" otro instrumental totalmente heavy con ritmos endiablados en la onda de unos Metallica y que pone el punto final a un excelente trabajo.

Este último proyecto, de uno de nuestros mejores guitarristas, es uno de sus mas logrados trabajos y esperamos que tenga la proyección internacional que se merece.

Robert Rodrigo Band presentaran su nuevo trabajo en dos actuaciones:

 31 DE MAYO, MADRID (Cool Stage) + Sinestress
02 DE JUNIO, BILBAO (Kafe Antzokia) + The Space Octopus





Contacto



P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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LA TORRE DELL´ALCHIMISTA - La Torre Dell'Alchemista (2001)

No podía dejar pasar por alto esta sensacional banda fundada en Alzano Lombardo en 1997. 


A finales de los 90´s se trataba de un grupo muy joven de músicos empapados en el clasicismo setentero y con un buen arsenal vintage analógico en los teclados Hammond, Fender, Mellotrón y Moog. De hecho, es una agrupación italiana muy volcada al teclado y al desbordamiento típico de técnicas emersonianas. El uso de la flauta y ocasionalmente el clarinete evita en parte equipararlos directamente con ELP, Triumvirat o Goblin pero indiscutiblemente su marca es la típica de esas bandas. Ritmos rápidos complejos y música vertiginosa emparentan directamente una parte importante de la escudería del RPI en las formas que ya emplearon Banco o PFM en sus primeros discos. Aunque como digo su instrumentación utiliza guitarras acústicas e instrumentos de cuerda y viento pero el peso de la composición recae en los teclados de Michelle Mutti un tipo con una interesante digitación. Con la edición de este primero de sus dos álbumes empezaron el siglo XXI como una promesa interesante, lástima que se quedaron en poco más de dos discos de estudio si añadimos un live en USA y alguna grabación pirata de festivales prog. Para los amantes del Hammond y su inconfundible sonido a vieja madera será una delicia escucharlos, lo mismo que los que disfrutan con densas capas de mellotrón.

 Rock sinfónico de primera clase bellamente cantado en italiano, con bonitas melodías y elegantes vuelos de moog synthesizer. Consecuentemente su sonido pertenece a ésa época y está dirigido rotundamente a los defensores de lo épico y si bien las piezas no van a grandes longitudes del tiempo sí que en temas de 6 a 8 mtos pueden desarrollar todo el argumentario sonoro con toda rotundidad. Las seis cuerdas tienen un protagonismo completamente acústico y al lado de los pasajes de flauta dan al disco momentos realmente pastorales muy afines a los grupos del país transalpino durante esa década querida por todos donde la música era verdadera y se utilizaba constantemente la fina orfebrería en la composición sin la necesidad de las saturaciones que caracterizan el prog moderno. 


Hay una bonita pieza llamada “Il Volo” que asegura el buen uso de lo vintage y de lo natural. El daliniano título de “la persistencia de la memoria” nos trae recuerdos del Emerson con su gran piano y sus complejas escalas y su final “Aquario” presume de un vanidoso moog que en realidad es igualmente protagonista de esta grabación y que se eleva sobre nuestras cabezas mientras el hammond organ o el rhodes se entretienen a la vieja usanza fundiendo adecuadamente nuestros oídos.
Alberto Torró









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BROTHER APE - Shangri-La (2006)

El poder de la música está indefectiblemente ligado a las vivencias y a los recuerdos. Una música que no tenga capacidad de evocación no ejerce en nosotros ningún efecto. 


Existen principalmente dos maneras de escuchar música: una forma es mecánica, superficial y directa. Es el sonido inconsciente que como mucho nos hace movernos físicamente o llenar el vacío del silencio. La otra está en la parte cerebral, en el intelecto y ahí tenemos gran parte de la película de nuestra vida. Toda música que remueva nuestros recuerdos y nuestras imágenes es la que perdura en el tiempo. La otra es un efecto plano como un placebo temporal. Esto se traduce en que conforme envejeces las nuevas tendencias y las nuevas músicas nos son completamente ajenas salvo que una nueva banda ponga en funcionamiento tu archivo cerebral y te dé una patada emocional que te despierte del coma de la vida cotidiana. Normalmente la mayoría de las bandas que os comento en esta sección tienen ese poder de evocación ya sea por un aspecto o por otro. Evidentemente es algo subjetivo. No tengo por costumbre hablar de algo que no me diga absolutamente nada. Sería un comentario crítico completamente aséptico hecho con desgana como les ocurre a muchos críticos musicales que “oficialmente” tienen que vivir de ello o están sujetos a las presiones de las modas y tendencias como buenos snobs. No es nuestro caso y afortunadamente gozamos de plena libertad de movimientos.  
      

Brother Ape son una auténtica macedonia de influencias y sonidos, pero la manera tan correcta e inteligente de hacerlo les da una identidad propia. Durante la semana he ido avanzando en su escucha y no dejo de sorprenderme en dos aspectos: La facilidad para la melodía directa y atractiva y lo impredecible de la composición. No es nada fácil combinar tantos estilos que pueden ir del beat sesentero o el pop refinado pasando por la psicodelia y el clasicismo o el intimismo acústico, para llegar a la fusión rock prog y directamente al rock sinfónico. Pero no solo eso, incluso dentro de cada estilo hay detalles y ráfagas que pueden ser inclasificables y hasta inventadas. Es curioso como dentro de la “familiaridad” melódica de esta música hay terrenos curiosos de originalidad y pasajes altamente inventivos. Esto resulta sumamente atractivo para la escucha porque un oído acostumbrado al rock progresivo va adquiriendo con los años ciertas fórmulas que casi siempre se repiten y la mayoría de los cambios son más o menos previsibles. 

En Brother Ape surge muchas veces la sorpresa incluso para un oído muy acostumbrado a este tipo de música. La forma con la que tratan las voces, la construcción melódica y la estructura compositiva es fascinante porque a veces te descolocan: no te lo esperabas. Eso para mí es importante porque consiguen plenamente tu atención y no te aburren en absoluto.  Sin una alta técnica esto sería imposible de conseguir como puede deducirse. Otro aspecto es el absoluto positivismo de su música. Su alegría constante. Su invitación a la euforia. Son completamente antidepresivos y sensacionales. Cuanta falta hace esto en el momento histórico-histérico en que vivimos. 


Cualquiera de las canciones que componen este “Shangri-La” es un canto a la alegría natural. La tremenda guitarra solista es un chute de adrenalina positiva. Las partes de guitarra acústica son preciosas y las melodías emocionantes. Resulta encantador escucharlos. Tienen fuerza, vida y entusiasmo y esto aumenta conforme más los escuchas. Doce temas que oscilan entre los 2 a 7 mtos que son pequeños mundos en sí mismos. Me encantan.  
Alberto Torró                                                                                                                                                         
                                











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GARCIA PEOPLES - Natural Facts (2019 / BEYOND BEYOND)

Hay músicas que se resisten a morir. Porque alguien genial en el pasado las inventó,  las grabó en inmensos discos y las puso en la historia. Y nuevas generaciones de músicos conectan con ellas como en la época en que se hicieron por primera vez. Garcia Peoples son de New Jersey, pero su alma anda correteando por las playas de San Francisco, haciendo surf con Rick Griffin y leyendo comix under, como el Zap o los Freak Brothers de Gilbert Shelton.


 Sí,  su nombre deja claras intenciones hacia donde tiran sus amores musicales. El viejo Jerry se estará descojonando en la otra dimensión,  con un joint en la mano, de que unos jovenzanos hayan puesto su apellido a una banda. Esos nuevos deadheads locos por un tiempo de la Era de Acuario, son Danny Arakaki y Tom Malach (guitarras), Derek Spaldo (bajo) y César Arakaki (batería), con la ayuda teclistica de Pat Gubler. Ahora que veo los créditos,  ignoro quiénes cantan, pero es lo de menos. La labor grupal de García Peoples hay que percibirla  en un todo. Llevan dos discos en menos de un año, siendo el primero "Cosmic Cash" (2018). Hablan de una evolución,  pero francamente,  en menos de un año, yo apenas la aprecio. Quizá el debut era más mimetico con Grateful Dead o The Byrds, habiendo dejado la puerta abierta a nuevas influencias paralelas en éste segundo. A mí me parecen los dos maravillosos. 

"Natural Facts" comienza con "Feel So Great" y sí,  efectivamente,  esto podría estar en el debut de Grateful Dead como una más.  Pero también en el "Hollywood Town Hall" de The Jayhawks que alegró mi vida en los 90. No sólo de "los García " vive la inspiración de la banda. "Canvas" exhibe armonías vocales y wah wah arrebatados a Crosby, Stills, Nash & Young y Quicksilver Messenger Srrvice. Los arreglos son muy progresivos, a veces orientados a la niebla británica  de unos primeros Floyd, Wishbone Ash o Capability Brown. Incluso oigo a Man en "High Noon Violence", pero claro, con la acusada influencia West Coast que tenían  los galeses, cerramos el círculo y volvemos a los creadores de "Dark Star". La entretejida eléctrica  de las dos guitarras finisimas es una de las grandes virtudes en García Peoples. Espirales arabigas hipnoticas a dos bandas, con fuerte y seguro ritmo, y unas voces expertas en la materia. Desarrollado en directo, puede ser alumnado sobresaliente de un "Live Dead" o "Europe 72".

"Wheatered Mountains"demuestra sus pinceladas brit folk prog que no estorban al estilo afín de la Costa Oeste. Insisto en que sus arreglos proggy pueden recordar desde al tándem Andy Powell - Ted Turner, al propio Steve Howe.


Asombra la "ambientación bien documentada" que trae "Rolling Tides", esa manera de componer y adornar las canciones, es de haber escuchado mucha esencia de finales 60. Ahí tienen ahora una directa competencia con los tremendos Cordovas,  (tocan al lado de mi casa y ni me entero,  para darme de cabezazos.....).

"Break Me Down" no olvida a otros como ellos, que se encargaron de mantener viva la "llama García" en los 90, los ya clásicos Phish. Como ves, van pasando el testigo a medida que pasan los años. No, estás músicas no mueren, eso está seguro. Las acústicas de "Total Yang" vienen a resucitar efluvios del "American Beauty". Pero marcados a mitad del tema por guitarras Neil Young. Y los teclados hacen un trabajo subliminal excelente, con unas voces que emocionan. La resolución de esta canción es espectacular, casi ya legendaria. Psicodelia floydiana para "Patient World"....como una psicofonia en calidad premium flotando donde una vez estuvo el UFO club, (qué habrá sido de ése sitio ahora?....). "Spiraling" es como una alegre y despreocupada jam entre Bob Weir y John Cipollina en un soundcheck en el Fillmore. Superiores melodías y feeling trabajado, conservado en formol directamente traído del almacén de Bill Graham.


Nueve pedazos resultantes de múltiples escuchas jipiosas con los colegas, entre humos enteogenos y caldos etílicos de fino paladar, (o tetrabrick, dependiendo la economía del día). Garcia Peoples tienen pinta de jam band tremenda para directo. Pero hasta que eso llegue,  (un triple vinilo como diox manda), resulta que en el terreno del disco de estudio, son unos sabios druidas con la secreta alquimia en su poder. Estoy hablando de un probable disco del año. Porque saben hacer canciones para soñar y liberarse. Que es lo que ésta triste humanidad necesita con urgencia.
J.J. IGLESIAS











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THE SPACELORDS - On Stage (2019)

Nos metemos de lleno en la actualidad musical con esta banda alemana, The Spacelords. El pasado y el presente se dan la mano en el círculo continuo de la música.  Sonidos del pasado con el toque de los nuevos tiempos.


La banda se forma en abril de 2008 con Marcus Schitzler (batería), Matthias Wettstein (guitarra) y Klaus Werz (bajo). En mayo se les uniría el flautista Reinhold Page. Sus tres primeros discos los tienen que autoeditar, "Spacelords" (2010), "Dimension 7" (2011) en este último ya no aparece Reinhold, y "Live @ Psychedelic Network Festival 2012". En 2014 firman por Sulatron Records editando "Synapse". Klaus Werz es sustituido por Akee Kazmaier y vuelven a cambiar de discográfica,  Tonzonen Records, publicando en 2016 "Liquid Sun" con la participación de Didi Holzner en los teclados. Su último disco en estudio hasta la fecha es "Walter Planet" (2017), con tan sólo tres temas de larga duración recibió muy buenas críticas.


La grabación nos traslada a la actuación de The Spacelords en la fiesta privada "Space Party" organizada por Dennis Gocket, batería de Knall. El "setlist" esta compuesto por los tres temas del "Water Planet" ("Plasma Thruster", Metamorphosis" y "Nag Kanya"), un tema, "Black Hole", del "Liquid Sun", composición que solo aparece en la versión del doble LP y no en el CD. Y por último dos temas nuevos "Spaceflowers" y "Frau Kuhnkes Kosmos". Esta banda hace honor a su nombre, Los caballeros del espacio. Música donde mezclan psicodelia, space-rock, krautrock y stoner. Se puede decir que "Warrior on the Edge of Time" (Hawkwind) vuelve a cabalgar. Incluso podríamos encuadrar su música en la sección de nuestro colega J.J.Iglesias (Ensayos sobre un sonido). Reminiscencias étnicas hindúes las podemos encontrar en temas como "Nag Kanya" o "Frau Kuhnkes Kosmos" debidas a los viajes de su guitarrista Matthias Wettstein por la India. Excelente música para escucharla con la luz apagada o mejor con luces estroboscópicas y sumergirnos en un viaje lisérgico.
J.C.Miñana 



Temas
1. Spaceflowers / Metamorphosis
2. Nag Kanya
3. Plasma Thruster / Frau Kuhnkes Kosmos
4. Black Hole






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MELODIC ENERGY COMMISSION - Stranger in Mystery (1979 / ENERGY)

Si eres fan de Hawkwind y alguna vez te preguntaste donde diablos se metió Del Dettmar tras su marcha, aquí tienes la respuesta.  En las montañas de British Columbia, Canadá,  fue a parar tan ilustre personaje donde sería  recibido con los brazos abiertos por éste combo de maravillosos majaras. 


Parece que le gustó la experiencia y corrió la voz entre sus colegas ingleses. Porque en algún momento, Paul Rudolph (Pink Fairies, Hawkwind) también colaboró con los canadienses. Incluso hubo conversaciones con Bridgett Wishart (cantante de Hawkwind en la época de "Space Bandits"). 

La Comisión de Energía Melódica eran aquí,  además de Del Dettmar (synths,  electronics, y guitarra eléctrica como sorpresa), Don Xaliman ( voz, guitarras, teclados, gong,  vibrafonos,  kalimba y otras percusiones), Mark Franklin (bajo, percusión), Paul Franklin (sintes, órgano,  percusión), Randy Raine-Reusch (dulcimer,  khaen , gong, flauta) y George McDonald (guitarras,  theremin, electronics). Con invitados al doble bajo, voz femenina, tabla, congas.....un grupo sin batería,  pero que prestaban mucha atención a la percusión de toda índole. "Stranger in Mystery" fue su primer album, una rodaja psicodélica al más alto nivel, que ahora se cotiza a partir de los 100 pavos. Imagino que también su continuación,  "Migration of the Snails" (1980), recientemente reeditado en vinilo. Aunque los dos fueron lanzados en un sólo cd, felizmente para el bolsillo. En realidad, ésta fue toda discografía de MEC en sus tiempos jóvenes y bellos. Aún a pesar de que nunca se disolvieron, y que continúan tocando hasta el presente.

La "First Side", como reza el vinilo, se inaugura con "Silver Spider" (4'18), en una especie de conexión canterburyana sección cósmica - fumeta.  Con voz femenina como un instrumento más,  y bellos fondos de graves sonidos similares a un cello electrónico. Gong con Steve Hillage vienen a la mente en su continuación,  o la "Crystal Machine" de Tim Blake, para ser más exactos. "Scientific" (5'50) goza de la "stoned voice" de Xaliman, en un delicioso entorno acústico - percusivo de totales intenciones jipilondias. The Incredible String Band con juguetones teclados y órgano a la Ratledge. Lo siguiente es que se van por orientación krautie, en Emtidi - Mythos - Yatha Sidhra onda. Continúan los narcotizantes efectos en "Stranger in Mystery" (8'56), con recuerdos Gong que incluyen guitarra planeadora y cuidadosa improvisación. MEC son muy sensibles en sus arriesgadas aventuras siderales, y ahora se inclinan por la música tradicional japonesa, o una especie de teatro kabuki greñudo extremadamente fino y delicado. La inspiración los ahoga en ideas. El final recuerda a unos alucinados Embryo en simbiosis con los primeros Tangerine Dream. Un onírico sueño grabado para la posteridad. "Day in Gate Street" (4'14) iría por pautas similares a lo anteriormente dicho. Y uno se imagina que esto es una pequeña porción de extensos mantras nocturnos en éxtasis creativo. Otra maravilla más. 



En la "Next Side" aparece "No Familiar Planets Tonight" (4'18), en otra delicada jam de acústicas y pellizcos percusivos,  junto a pequeños amagos eléctricos que inspiran una inquietante aventura extraída de un libro de Stanislaw Lem. Sin parecido, Shakti sería un simil que se acerca en sensaciones. Otro relajante pasote es "Song of the Delatron" (7'47), que es como una drogada jam  entre el órgano microbiano de Terry Riley, la colgada voz de Damo Suzuki, las acústicas elficas de Jimmy Page y el libertinaje electrónico de Conrad Schnitzler. Una ensalada cerebral bien condimentada con mucha cebolla y demás hierbas aromáticas. Termina la odisea en el espacio con "Revise the Scene" (5'37), otra visita turística al "bosque animado" donde todo es posible. Y el kraut llegó a Canadá con la más auténtica de las propuestas. Hasta el Captain Beefheart gozó de sus alucines como apertura a alguno de sus conciertos. Buen sarao.



En el siglo XXI, MEC se animaron a lanzar algún capítulo más  de su saga "folkosmische" : "Time Is a Slippery Concept" (2005) y "Wave Packet" (2013), como complementos más recientes a sus clásicos discos. Material insuficiente, teniendo en cuenta que sus archivos guardan cientos de posibles discos no editados a lo largo de los años. Deberían rescatar ése tesoro, y quizá algún día lo hagan, porque el grupo continúa en activo. Estupenda guía del autoestopista galáctico. 
J.J. IGLESIAS




Temas
01. Silver Spider 00:00
02. Scientific 4:22
03. Stranger In Mystery 10:13 
04. Day On Gate Street 19:10
05. No Familiar Planets Tonight 23:24 
06. Song Of The Delatron 27:44
07. Revise The Scene 35:31






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NBRQ - Live The Red Pantry 1974

NRBQ es la abreviatura de New Rhythm and Blues Quartet. Esta banda de Shively, Kentucky, ha sido admirada por gente como Bob Dylan, Elvis Costello, Keith Richards entre otros. Sus canciones  las han  interpretado Dave Edmunds, Bonnie Ratt, Los Lobos y un largo etcétera. Incluso algunos de sus composiciones han aparecido en episodios de los Simpsons. 


La banda se forma  en 1967, a pesar de realizar diversas actuaciones no llegan a consolidar una formación estable hasta mayo del 68. En ese momento el grupo estaba integrado por Terry Adams (teclados), Steve Ferguson (guitarra), Joey Spampinato (bajo), Frank Gadler (voz) y Tom Staley (batería). A final de año entran en los estudios  Record Plant de la mano de Eddie Kramer y firman con la Columbia Records. Al año siguiente llega su debut discográfico, "NBRQ". En 1970  y con la colaboración de Carl Perkins llega "Boppin 'the blues". Debido a unas ventas decepcionantes cambian de compañía, Kama Sutra Records, grabando dos discos "Scraps" (1972) y "Workshop" (1973).  Los cambios de formación son constantes, Ferguson se marcha siendo reemplazado por algún tiempo por Ken Sheehan llegando posteriormente el guitarrista Al Anderson (The Wildweeds) y el batería Tom Ardolino. En el 77 deciden grabar para su propio sello discográfico, Red Rooster, editando "All Hopped Up". El disco contenía el tema   "Riding in My Car" que les abrió las puertas de Mercury para la publicación de "Yankee Stadium" (1978). A menudo completaban la formación con una sección de viento, The Whole Wheat Horns. La banda se ha mantenido activa hasta el presente publicando más de una docena de discos.


La grabación pertenece al concierto de NBRQ en The Red Party de Belchertown en 1974. En ese momento la banda estaba integrada por Terry Adams (teclados), Al Anderson (guitarra), Joey Spampinatto (bajo), Tom Staley (batería), Donn Adams (vientos) y Keith Spring (vientos). Con un "setlist" de 28 temas donde podemos encontrar rock, blues, country, jazz e incluso rockabilly. Buen Sonido.
J.C.Miñana


Temas
1 NRBQ - Chicken Hearted
02 NRBQ - Do You Feel It
03 NRBQ - You Can't Hide
04 NRBQ - We'll Make Love
05 NRBQ - Hey Doll Baby
06 NRBQ - That's Neat, That's Nice, That's Good
07 NRBQ - I Love You Only.
08 NRBQ - Cecilia
10 NRBQ - Dr Howard, Dr Fine, Dr Howard.
11 NRBQ - Be My Woman
12 NRBQ - Talk To Me
13 NRBQ - Blues Stay Away
14 NRBQ - That's All
15 NRBQ - Hey! Baby (end cuts off).
16 NRBQ - New Tune (beginning cut off).
17 NRBQ - Mona.
18 NRBQ - Rocket in My Pocket.
19 NRBQ - And When She Smiles.
20 NRBQ - Midnight Bus to Worcester
21 NRBQ - I Feel Good.
22 NRBQ - Get A Grip.
23 NRBQ - It's Not So Hard
24 NRBQ - Rockin' in Rhythm.
25 NRBQ - Howard Johnson's Got His HoJo Workin'.
26 NRBQ - Help Me Somebody.
27 NRBQ - There Should Be A Book.
28 NRBQ - Call Him Off Rogers.







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ANTONIO SMASH - No Soltaré el Timón (2019 / AS) (Rockliquias Bandas)

Palabras mayores. Acostumbrados a reseñar nuevas bandas jóvenes  (más que nunca), que aparezca un disco de alguien de la vieja guardia con el orgullo de seguir todavía en la brecha, - y en el buen camino, lo que es todavía más insólito -, es motivo de eufórica celebración.  Yo ya me acabo de echar el vermú después de escucharlo.



"No Soltaré  el Timón" supone el cuarto álbum en solitario del hoy multiinstrumentista, Antonio Smash. Con el grupo que le da su apellido artístico,  fue su jovencísimo batería,  en los primeros 70. Cuando Sevilla y Barcelona se conectaban por un hilo imaginario de ilusión,  esperanza, libertad y buen rollo. Y con los que volvió a rememorar buenos momentos en 2003. "Jardín Secreto" (2002), "Balas de Amor" (2012) e "Intronauta" (2016) son sus anteriores trabajos. Pero su carrera está plagada de nombres que ya forman parte de la música eterna de aquí. Goma, Granada, Pata Negra, Silvio y Luzbel, Kiko Veneno, Lole y Manuel, Alba Molina, Coz, Gas, Flamenco, Barra Libre o Luis Auseron han contado con sus servicios. Ahora se expresa a su modo y a su aire desde  El Tardon, su barrio sevillano de siempre.



Desde la psicodelia al flamenco, y todo lo que puede encontrarse por en medio, forman el núcleo creativo de Antonio Rodríguez Smash. No suena del 2019, éste disco.  Por fortuna."Buscando en un Papel" y su equilibrio acústico - psicodélico,  con un extraordinario sólo de eléctrica,  nos lleva a otro tiempo donde las sensaciones y emociones mandaban totalmente en la música.  



"Luces de Fuego" toma ciertos aires jazzisticos, con perfecta instrumentación y esa rítmica percusiva inherente a su estilo. Original planteamiento tiene "Caminando", todavía con aires rebeldes ya vitalicios y sabor a classic rock añejo de buen reserva. Desde Steve Miller Band a J. Geils Band, buen blues bohemio andaluz mimando letra y voces.



 "No Soltaré el Timón" y su filigrana rítmica cuasi-reggae, incluye saxo y elegante lisergia sonora. Con un mensaje que expresa su actual decisión ante todo. Como ayer. Como siempre. Y se me hace corta la canción. 



Bella intro acústica que trae una enchufada en estado de gracia, así comienza "Nubes de Cartón". Una corta instrumental llena de sensibilidad......y poco tiempo, maldición. 



El rock clásico vuelve para "Cerca de tus Huesos", sonidos que en inglés sonarian más West Coast. A Little Feat o los primeros Steely Dan. Música soleada, con calor y calentura suficiente para sentirte más que bien. 



Psicodelia perezosa de sobremesa andaluza, eso es "En el Laberinto", y sus recuerdos surreales,  como un Lewis Carroll sureño, y una exquisita guitarra que igual me suena a Larry Carlton que a Jerry García. 



"En el Aire" toca la fibra al primer segundo. Es otro de esos breves interludios reflexivos para saborear la vida en calma, con la paz necesaria para disfrutarla. Antonio Smash tiene a Sevilla como su San Francisco particular. Y transpira sonidos de aquellos días donde Steve Miller, Mike Bloomfield o Santana disparaban "balas de amor" impregnando las paredes del Fillmore o el Winterland. Antonio lo hacía desde el Club Don Gonzalo, que para el caso es lo mismo. 






La final "Mellow High" viene cantada en inglés, y ahí se nota más ésa esencia hippie imperecedera, que se puede paladear en todo el disco. 





Con la honestidad de un músico sincero,  biógrafo de su propia creación,  y sobresaliente en todo momento.  Nos siguen haciendo mucha falta, Don Antonio, Hombres de las Praderas.
J.J. IGLESIAS





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