CICONIA - Meraki (2019) (Rockliquias Bandas) (Entrevista-Análisis)

Ciconia es una banda vallisoletana que lleva desde 2013 dando caña. El 11 de Marzo de 2019 han editado "Meraki", su tercer LP. Nos pusimos en contacto con Jorge Fraguas (bajista) para comentar temas del grupo y de su nuevo trabajo.

Rockliquias.- ¿Cómo elegisteis el nombre de Ciconia? 

Donde vivimos en Valladolid hay gran cantidad de ellas (cigüeña blanca) y surgió sin más, nos pareció un nombre bonito, distinto.

Rockliquias.- El grupo se forma en 2013 ¿Cómo surgió el proyecto y cómo ha evolucionado en cuanto a su formación? 

El grupo lo monté yo (Jorge Fraguas) en 2013 y grabé el primer disco “The moon sessions” yo solo y con Aleix ayudándome a la batería. Después se incorporo Javier Altonaga y Luis Gomez, para aquella gira posterior, después estuvimos funcionando durante la etapa de “Winterize “ como trío puesto que Luis dejó la banda y después Javier también dejo la banda y entro nuestro guitarrista actual Dani Dean. Y continuamos como trío.

Rockliquias.- En 2014 se edita vuestro primer disco, "The Moon Sessions" y os embarcáis en una gira recorriendo trece países europeos ¿Cómo vivisteis esa etapa? ¿Qué tal el público fuera de España?

Bien, fue una etapa bonita pero dura, había que abrir el camino en España y fuera de ella y eso no fue fácil, pero con mucho trabajo y voluntad nos hemos ido haciendo un hueco. El público es difícil en todos los sitios, tienes que salir al escenario y darlo todo, pero si que es verdad que quizás en otros países se valora más este tipo de bandas, aunque de una época a esta parte ya se va normalizando el tema de las bandas instrumentales y tiene un gran número de seguidores a día de hoy y creciendo poco a poco.

Rockliquias.- En 2015 llega la colaboración con el productor Ray Z (Judas Priest, Bruce Dickinson, etc) que remezcla y remasteriza tres de vuestros temas. ¿Cómo surgió esa colaboración?

Fue algo que surgió de una agencia inglesa con la que trabajamos anteriormente, pero realmente creo que la producción no aporto gran cosa a la banda, fue una anécdota…un poco cara eso si.

Rockliquias. Vuestro segundo LP, "Winterize, ve la luz en marzo de 2016 cosechando muy buenas críticas y manteniendo e incluso superando el nivel de vuestro anterior trabajo ¿ Cuáles son vuestras principales influencias?

La fuerza compositora siempre he sido yo, aunque luego todo el mundo aporta al resultado final de las canciones, escucho bastante música distinta, desde Opeth hasta Ludovico Enaudi…no te puedo decir referencias claras porque no las tengo.

Rockliquias.-  En diciembre de 2016 se edita el EP, "Clean", una maravilloso experimento donde le dais un tratamiento diferente a alguno de vuestros temas grabados anteriormente ¿Nos podéis contar cómo se os ocurrió este proyecto?

Pues teníamos otro año por delante de gira(2017) y decidimos sacar algo nuevo pero que fuera distinto para mantener la atención sobre la banda discográficamente hablando. Simplemente adaptamos algunas canciones de los dos anteriores discos y las hicimos totalmente distintas al rock o metal que practicamos, quedo algo curioso y bonito,  a mi parecer.

Rockliquias.- Después de tres años desde vuestro anterior larga duración llega, "Meraki". ¿Cómo ha evolucionado vuestra música?

Bueno, pues quizás para este disco si que decidimos tomárnoslo con más calma porque desde el 2015 no habíamos parado de girar y prácticamente “Winterize” se compuso entre gira y gira. Esta vez nos íbamos a tomar el tiempo que hiciera falta y a excepción de dos festivales en 2018 , estuvimos trabajando en “Meraki” tranquilamente y disfrutando de fiestas, cumpleaños, salir  un fin de semana, vacaciones, parejas etc…cosas que durante casi tres años no habíamos podido hacer, y también trabajar con Dani el nuevo miembro que entró en Enero del 2018 al poco tiempo de acabar la gira en Diciembre del 2017 con Javier, nuestro anterior guitarra.

Rockliquias.-¿Nos podéis contar detalles de la grabación? 

Pues estuvimos en los Estudios Eldana en Dueñas (Palencia) es un sitio realmente chulo, con campo alrededor y sin muchas distracciones, estuvimos viviendo allí durante la grabación, así que básicamente te levantabas pronto, te podías dar un paseo tranquilamente por los alrededores, tomar un café sentado en la sombra y grabar. Fueron jornadas muy largas, había días que acabábamos a las tantas de la mañana, pero el ambiente era tan bueno y relajado que prácticamente no nos dábamos ni cuenta. Después ya estuvimos en Madrid en los Estudios Sadman donde Carlos Santos estuvo haciendo las mezclas y creemos que ha hecho un gran trabajo haciendo sonar a la banda mucho mejor, la masterización se hizo en Estados Unidos en Audiosiege por Brad Boatright que ya había trabajado antes con bandas como Corrosion of Conformity, Obituary, Posion Idea..dándole un toque al master muy crudo y potente. 

Rockliquias.-¿Quién se ha encargado del apartado gráfico?

Una artista norteamericana que se llama Jill Colbert, nos gustaron cosas que habíamos visto suyas y decidimos contar con ella para el trabajo del artwork. Creemos que acertó de pleno

Rockliquias.-  El disco se inicia con "Litost" pegando fuerte directo al hígado para dejarnos noqueados con su intensidad y contundencia. Sin duda os movéis como pez en al agua por los terrenos del metal 

Evidentemente, somos una banda en la que el metal es lo más predominante, luego le añadimos cosas distintas o cambios más enfocados en el post-rock y nos gusta jugar con variaciones progresivas, sin ser una banda netamente  progresiva.

Rockliquias.- "Depaysement" se inicia con tranquilas texturas de guitarra para posteriormente cautivarnos con sus intrincados desarrollos sonoros que me  evocan a gente como Petrucci o Satriani.  Hablando de guitarristas ¿Cuáles son vuestras influencias en ese aspecto?

Pues sinceramente…ninguna, no queremos tener nada que ver con el mundo del “guitar hero” pero bueno siempre hay gente que lo puede ver así. O al menos nosotros no lo hacemos para que suene así, pero mira, al final todo depende del oído de quién los escucha.

Rockliquias.- El tercer tema es "Eonia", brutal la base rítmica, en su parte inicial y final que contrasta con su parte central muy cercano al progresivo. Por cierto ¿De dónde sacáis los títulos de los temas?

Pues si, es un tema muy simple de primeras, algo que nos sonaba raro incluso a nosotros, pero al final nos gusto como quedaba y decidimos incluirlo en el disco, si el tema es bueno es él quien te habla al final y nosotros lo seguimos, jajaja. Los títulos intentamos buscar cosas o palabras que nos gusten en este caso “Eunoia” significa pensamiento positivo y la canción es un poco así..”positiva”

Rockliquias.- "Lost in the Wadi", este tema lo definiría como "metal hipnótico, es como si metemos a Robert Frip y Metallica en una coctelera. ¿Qué música escucháis habitualmente?

Como te he dicho antes, no nos cerramos a nada, quizás nuestro batería Aleix escucha rock más clásico tipo Purple, Maiden, mucho jazz…Dani es el más joven y eso se nota, tira más para influencias de rock americano aunque también es un tipo muy ecléctico, y yo pues me gusta cualquier música que sea buena, me da igual el estilo.

Rockliquias.- "Katabatic", ritmos galopantes de guitarra nos trasladan a otros más etéreos mostrando la habilidad técnica de sus integrantes ¿Cómo estructuráis vuestro trabajo compositivo?

Pues yo compongo las ideas principales y después vamos intercambiando archivos, mp3, cada uno tiene en su casa un pequeño “home estudio” y así no tenemos que estar encerrados en un local tocando y probando, es algo que nunca hemos hecho, siempre trabajamos así, en el local de ensayo ya nos metemos a la hora de preparar el directo.

Rockliquias.-  "Duality", uno de mis temas preferidos sin duda.  La maquinaria de Ciconia funciona a la perfección. Por una parte la base que generan Jorge Fraguas (bajo) y Aleix Zoreda es extraordinariamente sólida para sostener la fuerza sonora de Dani Dean (guitarra). ¿Cómo veis el panorama musical en España?

Si, además es el primer tema que no escribo yo en Ciconia, lo hizo Dani  entero y se nota ese aire fresco y más desenfadado quizás. El panorama en España está difícil, siempre lo ha estado, sin embargo la cantidad y la calidad de las bandas que surgen es increíble, después unas funcionan y otras no, pero si te metes en esto tienes que ser consciente de que te vas a llevar muchos palos y te va a costar un montón destacar sobre los demás, y el público es el que hay, ni más ni menos y somos muchos a repartir, pero con las ideas claras, voluntad, sacrificio y mucha inversión de tiempo y de dinero también, que no se le olvide a nadie, puedes ir paso a paso labrando un nombre, esto es una carrera de fondo y no todo el mundo la aguanta.

Rockliquias.- El disco finaliza con "Starlight",  un gran epílogo a esta obra donde podemos encontrar fuerza, sentimiento, técnica y mucho trabajo bien hecho ¿Cómo tratáis los temas en directo? y ¿con qué se van a encontrar los asistentes a vuestros conciertos?

Pues en directo siempre nos gusta cambiar alguna cosa, detalles, tempos.etc…nosotros le damos vueltas cuando el disco ya está hecho y buscamos por donde pueden respirar mejor las canciones para el directo. Los asistentes se van a encontrar mucha fuerza y contundencia, pero después están esos detalles melódicos y de instrumentación que nos gusta darle a las canciones para que cojan otra dinámica más directa.

Rockliquias.- ¿Tenéis fechas de la gira de presentación?

Si ya tenemos casi 30 fechas por toda España y resto de Europa, en nuestras redes sociales se pueden consultar porque irán añadiéndose más a medida que se vayan cerrando y confirmando

Rockliquias.- ¿Algo más que aportar?

Pues un saludo para todos vuestros lectores y muchísimas gracias por la entrevista y el apoyo que brindáis.

Contacto

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Bandcamp:https://ciconia.bandcamp.com/album/meraki-new-album

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LA COSCIENZA DI ZENO - Una vita migliore (2018)

Su último trabajo por el momento nos es relativamente reciente y representa un pleno al cuatro rotundo e irreprochable. La Coscienza Di Zeno se encuentra ese escasísimo 1% del panorama progresivo actual con un historial intachable de calidad musical. En absoluto es fácil un currículum así. 

Cualquiera de sus cuatro trabajos en estudio se pueden escoger a ciegas sin ningún problema. Es un pequeño privilegio de que en nuestra época se graben discos de rock sinfónico de este calibre y esto puede resultar anecdótico. Si tenemos en cuenta que la práctica totalidad de grandes compositores clásicos han desaparecido en la bruma de los tiempos, no hay música nueva que pueda trascendernos y no me vale eso de que: “la música de hoy son los clásicos del futuro”. Si los clásicos del futuro es lo que escuchamos hoy deberíamos pensar en términos de vergüenza y de hacérnoslo mirar por algún especialista. Es curioso que se renieguen de las hermosas creaciones artísticas del pasado y en los aspectos políticos y sociales se quiera volver a un renacimiento de lo casposo y cutre. Un antagonismo contradictorio que personalmente no me sorprende porque la educación y el humanismo han sido vetados a las nuevas generaciones.

“Una vida mejor” reza el título del último disco de los Zeno. Ya me gustaría que así fuese, pero no creo en absoluto en ello. Sin ánimo de crear polémica las últimas décadas han sido un ejercicio de desmantelamiento cultural creando tan solo reductos mínimos de lo poco válido que tiene la vida. Desde el nacimiento del Rock & Roll la música solo pretende un grito de protesta, de rabia, de desesperación, de negatividad, de realismo y por supuesto de decadencia. ¿Que ha habido signos de brillo e imaginación?  Por supuesto que sí. El rock progresivo es un ejemplo de ello y otras formas de música novedosa al menos nos han brindado diversión. Pero la emoción en la música es otra cosa y para mí solo es válida aquella que nos haga más inteligentes y mejores personas. Hay una magnífica entrevista en la página de The Tangent con Andy Tillison, que habla de estas cuestiones y de la importancia de hacer música imaginativa en los tiempos que corren. Habla de la falta de humanidad hacia el que es diferente y por supuesto hacia la castración de la individualidad y del pensamiento libre. La crueldad de los que lo tienen todo hacia los que no tienen nada. Está muy bien que se denuncie porque es asqueroso. Sin embargo, lejos de que se pueda considerar antagónico, siempre he dicho que la música debe representar lo contrario a lo que somos los seres humanos. No tiene ningún sentido en el arte airear nuestras miserias y mezquindades pero si ofrecer alternativas. Tchaikosky fue un ser depresivo amargado y atormentado y sin embargo su música es maravillosa. Ahí tenéis el ejemplo de lo que os quería decir. 

“Una vita migliore” representa ese lado humano a veces sorprendentemente bueno y generoso que llevamos: nuestro “alter ego”. Que un género animal tan despreciable como el nuestro sea capaz de hacer música es un misterio en los insondables caminos de la evolución, pero así es.  La música de este disco habla de todo lo que os estoy relatando, con lo cual ya estaría la crítica hecha, pero para certificar lo que os digo debéis escuchar como los instrumentos y las melodías de esta maravilla reflejan y miman nuestros sentidos de principio a fin. La riqueza de medios empleados como siempre ocurre en estos italianos es desbordante: diecisiete instrumentistas en su gestación se ofrecen como una pequeña orquesta que pasan de lo barroco y lo renacentista al jazz, de lo clásico romántico al rock inteligente rubricando todas las líneas sonoras con una exquisitez suprema, con un sentimiento de bondad positiva. Anti-negatividad musical solo para tu placer personal. Si la poesía escrita me aburre, la poesía sonora me eleva hacia mundos de posibilidades cuánticas. ¡Jajajajaja…! ¡soy un moñas sexagenario sinfónico y me encanta!.

Alberto Torró

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KERRS PINK - Mellom Oss (1981)

A pesar de que la Europa del tecno pop, el punk y la new wave ya se habían adueñado del panorama discográfico, pequeños reductos progresivos aparecían tímidamente en pequeños países muy alejados de las corrientes mainstream de los grandes feudos que intentaban “corregir” el aburrimiento pretencioso de la década anterior en las mentes de los más jóvenes con la excusa de que el rock más directo era enemigo acérrimo de aquellos que supiesen más de tres acordes en la guitarra. 

La cruzada anti-música culta se puso en marcha abanderada por los más prestigiosos comentaristas y críticos musicales del momento cuyo slogan y ofuscación era erradicar por completo del planeta aquel maldito rock sinfónico que había pervertido la esencia natural de la música rock popular y tabernaria. Casi lo consiguen, pero no del todo. Porque de ser así el que aquí escribe no os estaría dando la murga cada semana con mellotrones y cánticos celestiales. De hecho, soy un superviviente de aquella época y puestos a relatar teorías conspiranoides (que no lo son), no solamente la música a partir de esa década de 1980 estaba en el punto de mira del ultra-liberalismo capitalista de los países ricos sin escrúpulos en tiempos del Reagan y la Thatcher. En realidad todo lo que estuviese relacionado con la cultura y el librepensamiento ha sido “progresivamente” controlado hasta nuestros días. La consigna es el desmantelamiento absoluto de todo lo que pueda enriquecer mentalmente a las masas y ya no hablemos del individuo. El único fin de quienes nos gobiernan es de que seas tonto del culo e ignorante. Esto lo sabemos casi todos. Les está saliendo bien porque cada vez hay más neardentales y cromañones en la política dirigiendo el mundo. Naturalmente les votan. Panem e Circenses         

                                                                                                        En lo que nos concierne a nosotros en estas páginas: música es igual a educación y aunque la balanza no está de nuestro lado en los tiempos que corren, es bueno poner a disposición del que quiera información de discos y grupos que aminoren y equilibren el desastre que se avecina. 

Tan solo un año tardaron Kerrs Pink en editar un segundo LP. No está mal teniendo en cuenta las mínimas ventas que suponía tal hazaña al inclinarse por un estilo musical completamente denostado en ese momento. “Mellom Oss” de 1981 se componía de seis piezas relativamente cortas y una séptima a modo de suite de 17 mtos. Continúa el estilo calmoso y agradable diseñado en el primer trabajo, pero naturalmente sin las piruetas y laberintos sonoros que se prodigaron en otros grupos tan solo unos años atrás. Ya os dije que el prog de los 80´s sería mucho más tímido y discreto que antaño lo cual es en parte comprensible. El neo prog, hoy bastante más olvidado por su falta de profundidad y que nació a la par de esto, sería un buen ejemplo de ello: un híbrido más sencillo que enmascaraba y en parte recuperaba la pretendida calidad ausente en las músicas en boga del momento. No es el caso de los noruegos porque su sencillez no está reñida con la calidad y a día de hoy esta música contiene el mismo encanto con el que se grabó en su momento y es de agradecer. Melodías como la contenida en “Osterfor Ord” tienen su punto de finura con ese bonito violín y esa guitarra camelera siempre gloriosa. 

“Mens Tiden Forgar” es la suite de la que os hablaba. La construcción es verdaderamente delicada y muy melodiosa: acústicas, flauta, suaves teclados y ritmo balanceante más su toque folk con una vaporosa voz femenina. No pretende nada salvo agradar con un ligero perfume Floyd en la guitarra y el órgano que va desarrollándose plácidamente sin exabruptos sonoros. Al final de la escucha de este álbum te queda una notable sensación de paz y confort. Al parecer volvieron a editarlo y regrabarlo en CD y con nuevas pistas en 1992.

Alberto Torró

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HEMLOCK - Hemlock (1973 / DERAM)

En los grandes árboles genealógicos  del rock, siempre acaba perdiéndose entre la vorágine de ediciones alguna joya que no tuvo el adecuado reconocimiento, o que simplemente fue ensombrecida por nombres más famosos de ése mismo árbol. El único álbum de Hemlock salió en la subsidiaria progresiva de Decca, Deram. Como todo artefacto raro de ésta factoría,  su valor es ya considerable, estimándose ahora en unos 200 pavos.

Lo lideraba su cantante y guitarrista, Miller Anderson, que venía junto a Michael Weaver (teclados, percusión), Peter Dines  (teclados, guitarra, voces) y el invitado Chris Mercer  (saxo), de la Keef Hartley Band. Un frondoso árbol que procedía de un bosque todavía  mayor, el de la saga de John Mayall. James Leverton (bajo) y Eric Dillon  (batería) era la sección rítmica que completaban ésta planta venenosa llamada Hemlock. Miller Anderson se formó en la citada banda de Keef Hartley, apareciendo con él en Woodstock y grabando cinco álbumes como frontman de la misma. Luego editaría en solitario "Bright City" (1971 / Deram) con producción de Neil Slaven, justo igual que éste de Hemlock. El estilo del disco es un conglomerado de blues rock, soul y jazz, que englobaría un primer progresivo británico muy al modo de su jefe Hartley.

Un preponderante Clavinet / Hammond (hay dos teclistas), introduce "Just an Old Friend" (5'44) con la magnífica voz de Miller Anderson, en la liga de Patto, Rodgers o Miller (Frankie). Apoya el saxo de Chris Mercer y los teclados se erigen reyes de un sonido carnoso y visceral.  "A Lover's Not A Thief" (4'11) es blues rock con blue eyed soul flavour, como el Joe Cocker de "Mad Dogs and Englishmen", pero sin tanta popularidad. A mí me suenan a unos The Band británicos,  claro que la banda de Levon Helm influyó  por aquellos días a todo el mundo. Casi hard rock encontramos en "Mister Horizontal"(3'27), acercando a Hemlock con Patto, Boxer o incluso los Purple de Coverdale / Hughes. La calma relalajada jazz - psych de "Ship To Nowhere" (6'35) tiene un simil con otra rama de éste gran árbol,  los finisimos Mark-Almond. La misma elegancia y saber sentir una canción sin urgencias, casi en floydiana atmósfera,  que pasa a un climax teclístico completado por soberbia guitarra. Maravilla sonora.

Vuelta al vinilo y "Monopoly" (4'07)  (si, ése pernicioso juego no tan infantil), inaugura la B con rhythm'n' blues stoniano,  (no cuesta mucho imaginarse ahí a Mick Jagger), una caliente sección rítmica y enormes teclados. "Broken Dreams" (3'51) vuelve al soul blanco en sintonía con Rare Bird / Procol Harum, ya sabes, Hammond de fondo y mucho sentimiento vocal llenando el ambiente. Otra en la onda de The Band, con instrumentación superlativa y guitarras haciendo solos con cabeza.

La acústica "Fool's Gold" (6'33) toma otra vía de fuerte influencia por entonces, como era la West Coast y Crosby,  Stills & Nash en particular, todo muy hippie y con feel rural y campestre. El perezoso sonido de la pedal steel guitar del invitado Pete Willsher, adorna "Garden of Life" (3'18) con líneas country rock de las que gustaban por las islas con bandas como Cochise, Bronco, Starry Eyed & Laughing o Heads, Hands & Feet.  Y una gran canción que se deja para el final, "Young Man's Prayer" (6'27), con toda la carga emotiva del eclectic prog de Hemlock. Imagina Derek & the Dominos, Joe Cocker, Leon Russell, Delaney & Bonnie, Terry Reid y por supuesto, The Band. Esto es lo que dio de sí Hemlock. 

Aunque al año siguiente Anderson, Dillon y Leverton serían los acompañantes de los blues guitar másters, Kim Simmonds y Stan Webb, en el mitico álbum "Boogie Brothers" de Savoy Brown. Y en 1975 Miller Anderson volverá a juntarse con su antiguo jefe Keef Hartley en el efímero supergrupo,  Dog Soldier. Con un único y brillante álbum en United Artists, y en cierto modo un caso similar a Hemlock. Y es que la vieja escuela requiere de un minucioso seguimiento. 

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 Just An Old Friend 

A2 A Lover's Not A Thief 

A3 Mister Horizontal 

A4 Ship To Nowhere 

B1 Monopoly 

B2 Broken Dreams 

B3 Fool's Gold 

B4 Garden Of Life 

B5 Young Man's Prayer

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OS MUTANTES ‎– O "A" E O "Z"

La historia se repite una y otra vez. Las discográficas imponen su ley y sus criterios son los que marcan las modas musicales. Cuando los grupos se revelan pasa lo que les ocurrió a Os Mutantes con su disco O "A" E O "Z" grabado en 1973 pero que no se publicó hasta 1992.

En la familia Baptista se respiraba arte por los cuatro costados. El padre era poeta y cantante, la madre pianista y sus dos hijos Arnaldo (bajo,teclados, voz) y Sergio (guitarra, voz) forman Six Sided Rockers junto a la cantante Rita Lee en 1966. Esto sería el embrión de Os Mutantes. Entablan amistad con Giberto Gil y el movimiento musical Tropicália que aunaba la música tradicional brasileña con sonidos mas vanguardistas y lo acompañan en el Festival de Música Popular Brasileña de 1967. Al año siguiente editan su primer disco, "Os Mutantes", con la participación de Gilberto en las percusiones  y acompañan a otro histórico, Caetano Veloso, en el Festival Internacional de la Canción en Río. La mezcla de experimentación, psicodélia y tradición no fue muy bien acogida por el público. En 1969 llega su segundo trabajo, "Mutantes" y en 1970 el tercero, "A Divina Comédia o Ando Meio Desligado", donde van decantándose por el rock. Durante un periodo de tiempo se desplazan a Francia donde realizan diversas grabaciones que no se editarían hasta el 2000 bajo el título de "Tecnicolor". En 1971 se incorporan de forma oficial Arnolpho Lima Filho 8bajo) y Ronaldo Leme (batería). Su cuarto disco, "Jardim Eléctrico", llega en 1971 y "Mutantes y Seetas Cometas en el País de Baurets" en el 72. Este sería el último con Rita Lee que iniciaría su carrera en solitario. El rock progresivo se afianzaba en la banda y como consecuencia graban " O "A" E O "Z"" en total desacuerdo con la compañía discográfica que se niega a editarlo. Leme, Lima y Arnaldo dejan la banda, este último por problemas serios con las drogas. Su última producción llegaría en 1974, "Tudo Foi Feito Pelo Sol", Cuatro años después Sergio, único miembro fundador, disolvería la banda.

Este disco de Os Mutantes tenía que haber sido el sexto en su discografía. Un gran cambio en su estilo con respecto al que estaban desarrollando en sus anteriores trabajos. Conteniendo seis temas que navegan claramente por las aguas de los primeros discos de Yes. El bajo es claramente de inspiración Squire y el tratamiento de los teclados nos evocan a los sonidos de un primerizo Wakeman o incluso Tony Kaye. Como tema destacado sin duda  "Hey Joe" una suite progresiva de algo mas de doce minutos.

J.C.Miñana  

Temas

1.-"A" E O "Z" 8:39

2.- Rolling Stones 6:14

3.-Você Sabe 6:27

4.- Hey Joe 12:20

5.- Uma Pessoa Só 7:31

6.- Ainda Vou Transar Com Você 7:14

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PATRICK MORAZ - Patrick Moraz (1978 / CHARISMA)

Era 1978, y J. C. Miñana preparaba una incursión por el área de Andorra en cuanto reunía  una cantidad de pasta aceptable para pellizcar maravillas en Transbord o Commando. Ambos solíamos hacerlo. No sólo estaban los vinilos más baratos que aquí,  sino que tenías  acceso al mundo real, tal como era. Con sus carátulas sin censurar, prensajes auténticos,  insertos, contraportadas a color, pósters  (como el caso que nos ocupa)....Discos de importación a precios mucho más bajos que los nacionales. Aquí nos vendían mierda a precio de oro. En la línea de un país analfabeto y tercermundista. Luego estaba ésa sensación liberadora de "salir a Europa", aunque fuera viajar a la vuelta de la esquina. Recuerdo que en aquella ocasión, (nunca nos pediamos títulos concretos, nos fiabamos del buen gusto de cada uno, y así  la sorpresa también era mayor!), me trajo tres discos como tres soles. El "Live" de Jan Akkerman, "Listen Now!!" de Phil Manzanera / 801 y el homónimo,  realmente tercero, de Patrick Moraz. Aún los conservo como el primer día. Y ése último me marcó profundamente,  colocándose en mi particular galería VIP de discos preferidos.

Fue el año en que el suizo se alistó en las filas de The Moody Blues, tras la aventura Yes que daría como resultado mi álbum favorito de éstos,  "Relayer". Antes ya había estado en Mainhorse y Refugee, (una especie de The Nice puestos al día ). Su amor por el sonido autóctono brasileño ya se había dejado notar en su debut , "The Story Of I" (1976) y en "Out in The Sun" (1977). Unido al jazz y a su prodigiosa técnica pianistica adquirida en el Laussane Conservatory, hacen de Moraz un teclista tan descomunal como Wakeman, al que sustituyó y volvió a cederle el puesto. 

Éste tercer disco fue el primero que escuché y sigue siendo mi favorito. La historia conceptual de un planeta remoto ,(o el mismo Brasil? ....), en el que conviven un mundo tribal y primitivo, que está tan ricamente y a su bola. Representado por las percusiones étnicas de Djalma Correia y los percusionistas de Río de Janeiro. Y otro tecnificado, que simboliza la "evolución" y el "mundo civilizado", que representan los sintetizadores de todo pelaje (casi una veintena, incluidos Mellotron, Hammond, MiniMoog o el monstruoso y novedoso Yamaha CS80 Polyphonic) del señor Moraz. La cosa no pinta bien y entran en conflicto, con batalla incluida y posterior fin de las hostilidades, con ambos mundos condenados a entenderse. Puedes verle hasta un sentido "Gates of Delirium" al asunto, pero más desarrollado y al modo Moraz. 

La cara A, con "Jungles Of The World", "Temples of Joy" y "The Conflict" describen el paraje de jungla virgen, naturaleza salvaje y libertad en su más amplio sentido. Las percusiones brasileñas desempeñan un papel "teclistico" increíble,  sonando tan melodiosos como los sintetizadores. Aquí Moraz interpreta a la marimba y vibrafono, dando ése fino toque jazzistico a todo lo que toca, que recuerda a unos Modern Jazz Quartet rebozados en harina bossa o samba. Su piano acústico no envidia a Chick Corea en una linea similar latin - jazzy. Con un sentimiento descriptivo espectacular. Se me eriza la piel ahora que lo vuelvo a escuchar. En "Temples Of Joy"  entra un magnifico Hammond y sintes presentando ése mundo moderno e industrial tan odiado y temido, en gozoso baile con las salvajes percusiones. Una maravilla absoluta. Sus viajes por Colombia, Bolivia, Chile, Argentina y Brasil dieron unos exóticos frutos dignos de éste paradisíaco edén musical. Flashback : A los 16 años es el músico más joven en recibir el Best Soloist Award en el Zúrich Jazz Festival. Sumese todo al mejor prog rock 70s y obtendrás un talento único y superdotado. La juerga percu - tronica  entra en mal rollito en "The Conflict". Con subdivisiones temáticas como "Fuerzas Opuestas", "La Batalla", "Disolución" y "Victoria". Pura peli imaginaria al estilo "Avatar", que le vendrá muy bien como entrenamiento a sus futuras bandas sonoras. Incluso para la productora de filmes de su hermana, Patricia Moraz (sus padres no le dieron mucho a la cabeza). La batalla entre electrónica y el "sambodromo mutante" es un highlight que incluye marcha militaresca cuasi - napoleónica. Todo éste follon transcurre en tu cerebro a toda claridad y visión,  y a un mismo nivel que el rifirrafe del Manticore con tío Tarkus. Y no exagero. De hecho aquí Moraz está más cerca de Emerson que de Wakeman, a pesar de que fue el único tío capaz de sustituir a los dos.

La segunda cara nos trae ésa convivencia forzosa entre ambos bandos con "Primitivisation". Sonidos electrónicos que hasta hoy suenan novedosos. Y una especie de canto-vocoder-funk a la Stanley Clarke que nos cuenta la obligada asociación.  El disco sigue sonando extraordinario , porque la producción del propio Moraz junto a Neil Slaven (overdubs y remezclas) me parece una obra maestra en modulación de sonido.

Joy Yates canta la bellísima "Keep The Children Alive", cargada con un peso emocional fuera de éste mundo.

En "Intentions" saca el jazzmen reflexivo que lleva Moraz dentro, y que no anda lejos de un Keith Jarrett, en un tema a piano solo absolutamente divino, (éste hombre tomó lecciones con Stephane Grappelli, ojito). Finalizamos como empezamos. "Realization" es el triunfo de la paz, la tolerancia y la convivencia entre pueblos de distinta procedencia. Vamos, que me sé de unos cuantos impresentables líderes de partidos políticos que lo tirarían a la basura sin dudarlo. Samba electrónica para un final feliz con moraleja y que se me antoja un álbum inmenso, redondo, atemporal y que utilizaría de forma didáctica para los niños en la escuela.

Como Edgar Froese, Patrick Moraz también conoció a Salvador Dalí en Cadaques, en 1964. Algo de su locura maravillosa impregno a teclistas tan excepcionales. Tenía poderes, el bigotes locuelo, no me cabe duda.

J.J. IGLESIAS

Temas

 Jungles Of The World

A1a Green Sun 

A1b Tribal Call 

A1c Communion 

Temples Of Joy

A2a Opening Of The Gates 

A2b Overture 

A2c The Feast (A Festa) 

The Conflict

A3a Chamada (Argument) 

A3b Opposing Forces 

A3c The Battlefield 

A3d Dissolution 

A3e Victory 

B1 Primitivisation 

B2 Keep The Children Alive

Lead Vocals – Joy Yates

B3 Intentions 

B4 Realization

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LEGION OF MARY - Bottom Line New York 10/04/1975

El legado dejado por Jerry Garcia es realmente abrumador. Con su banda de toda la vida, Grateful Dead, publicó mas de una veintena de discos, pero si contamos los en directo oficiales y bootlegs la cifra puede superar fácilmente las doscientas grabaciones. Por otro lado el inquieto Garcia tuvo diversos proyectos paralelos a Dead (Jerry Garcia Band, Old & In The Way, Legion of Mary, New Riders of the Purple Sage, García/Grisman, etc), con los que grabó una gran número de discos y en las red podemos encontrar multitud de conciertos de todas esas bandas. Hoy nos centraremos en su asociación con su amigo Merl Saunders (teclados), Legion of Mary.

Tras la publicación del séptimo disco en estudio de los Grateful Dead, "From the Mars Hotel", la banda decidió darse un respiro. Desde finales de octubre del 74 hasta principios de junio del 76 el grupo sólo realizó cuatro conciertos en 1975. En Diciembre de 1974 García junto a Merl Saunders forman Legion of Mary. El resto de la banda la integraban John Kahn (bajo), Martin Fierro (saxofón y flauta) y Ron Tutt (batería). Realizaron poco mas de 60 conciertos y finalizaron su actividad cuando Grateful Dead volvió a las carreteras.

En abril de 1975 Legion of Mary realizaron veinticinco conciertos  en diversos clubs y salas de Nueva York, Boston, Filadelfia, Washington, Atlanta, Chicago, Milwaukee y Madison. En la sala Botton Line de Nueva York actuaron del 8 al 10. La grabación pertenece a los dos shows del último día. En alguna ocasión García declaró lo a gusto que se sentía con este proyecto: "“Legión of Mary es un grupo diferente para mí. No escribo material para ello. Tocamos canciones de otras personas que nos gustan y nos lo pasamos muy bien. Es como un perfil bajo es más deseable para mí. Los Dead y este grupo son dos viajes diferentes. Y este tiene mucha menos presión asociada porque no hemos hecho un esfuerzo por hacernos famosos. Esa es una de las cosas que lo hace posible. No podía soportar la presión de ser una doble celebridad. Es una carga solo ser una vez ". Por lo tanto tenemos un "setlist" pleno de versiones donde podemos encontrar, blues, country, mucho jazz, algo de funk y por supuesto rock todo ello en largas improvisaciones instrumentales. El sonido es bastante bueno.

J.C.Miñana.

Temas

Early Show

01. Crowd & Tuning [1:05]

02. It's No Use [12:19]

03. Creepin'[13:30] 

04. My Problems Got Problems [14:37] 

05. Crowd & Tuning [1:55]

06. Every Word You Say [7:20] 

07. Wicked Messenger [10:07] 

08. Boogie on Reggae Woman (15:39)

Late Show

09. Let it Rock [12:59]

10. Roadrunner [11:30]

11. It's Too Late [11:08]

12. I'll Take a Melody [10:10]

13. Mystery Train [15:58]

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ELDORADO - Babylonia Haze (2015 / ELDORADO) (Rockliquias Bandas)

Una a título póstumo. El año pasado anunciaban su separación los madrileños Eldorado,  sin que apenas tuviéramos eco de su pérdida.  Ingrato país,  que encumbra porquerías y deja pasar nombres admirados fuera de nuestras fronteras. Lo de siempre. Debió de tener mucha más relevancia ésta banda mientras estuvo en activo. 

Consiguieron logros internacionales  imposibles para mucho ídolo de barro de éste país. Y eso levanta envidias. Deporte nacional. Formados en 2007 en Madrid por el bajista César Sánchez y el guitarra Nano Paramio, inmediatamente comienzan a mover una demo a nivel interplanetario.  Increíblemente,  una copia cae en manos del productor Richard Chycki (Aerosmith,  Dream Theater, Gotthard, Rush). Además, éste  fue el guitarrista de Winter Rose, banda de donde saldría un tal James LaBrie, allá por 1989. No extraña pues, la conexión DT. Junto a Alex Rada (batería), lanzan "En Busca De Eldorado" (2008). Con Ignacio Vicente Torrecillas como cantante y teclista invitado. Otros colaboradores serán Jaume Pla o el mismo Richard Chycki, (produce y mezcla la cosa),  ya amigo inseparable del grupo. El disco venía cantado en castellano, salvo la versión de "Mistreated" de Deep Purple. Apuntando alto. 

Jesús Trujillo será el cantante para el segundo álbum,  grabado en Toronto de nuevo por Chycki. Nano Paramio deja la banda y César Sánchez  queda como único  miembro original. "Dorado" contaba con otra versión en inglés, el clásico "I Don't Need No Doctor" que popularizara en los 70, Humble Pie. Comienza  una tradición en Eldorado que no creo tenga comparación con ninguna otra banda española en la historia del rock. La edición simultánea en ambos idiomas de cada álbum. En inglés,  éste sería "Golden" (2010). Comienza una larga cosecha de reconocimientos y premios internacionales desde Australia a Canadá. Mientras que aquí son tímidamente conocidos. 

Para el tercer álbum,  "Paranormal Radio" / "Antigravity Sound Machine" (2012), tendrán que esperar seis meses hasta que Richard Chycki termine "Clockwork Angels", el canto de cisne en estudio de Rush. Eldorado gira con Alter Bridge y Thin Lizzy, y exhiben su calidad por toda Europa. 

De nuevo, "el Chiqui" se encargará de su cuarto álbum,  Pero ésta vez grabado en Madrid en 2014 y editado al año siguiente. Es el que hoy hemos elegido y con el que tuve el placer de verlos en su gira promocional.  Aquí eran Jesús Trujillo (voz solista), César Sánchez (bajo), Andrés Duende (guitarras) y Javier Planelles (batería). Elijo su versión inglesa, "Babylonia Haze", frente a la de habla hispana,  "Karma Generator", por una cuestión de gusto personal. Eldorado creo que se gestó desde un principio con miras internacionales.  De hecho, en mi opinión ganan mucho más en el idioma anglosajón. También amplían para éste disco el abanico de influencias, con acercamientos progresivos y psicodélicos.  Algo a añadir a su classic hard rock ya perfectamente asentado.

"Mad Woman" entra como una bomba de carga purpleana, a toda máquina en producción espectacular (no podía ser de otro modo), y solidez instrumental apabullante. Hard rock cinco estrellas con ritmo de apisonadora, flamigeras guitarras y soberbio órgano de apoyo. La voz solista, intachable.

"You Don't Wanna Need Her" compite seriamente con los actuales Uriah Heep. Órgano prominente en un tema-lapa, de esos que no se despegan fácilmente.  Con un desarrollo bajo - guitarra que flirtea con el hard psych en tremendo aplomo percusivo. 

Cambio de estrategia para "Resurrection Song", con acústicas,  flauta y Hammond, confirmando ésa apertura estilística hacia añejas vibraciones hippies, (acaso el hard rock no proviene de la misma fuente?), con un total acierto. El vozarron de Jesús Trujillo atrona en la casi stoner,  "Goodbye & Carry On", que en nada envidia a los mejores Monster Magnet. Su intermezzo a base de Rhodes y tensa calma, enriquece otro tema lleno de ideas y momentos cruciales.

Créeme si digo que escucho influencias de los primeros King Crimson en la bella "Moon Girl". Su magia flota en el ambiente como incienso embriagador. 

Vuelta al vinilo y "Karma Generator" trae una intro progresiva tipo "Phisical Graffitti", de misteriosos teclados y grandilocuente naturaleza. Que trae el huracán eléctrico de Andrés Duende en molde Page y mutación Gilmour. Hard rock prog de irreprochable factura e irresistible fuerza. Es una pieza épica feroz, de zeppelinas consecuencias  y un órgano  a la Jon Lord que redondea una canción de diez. 

"Evil People" evoca con fidelidad los tiempos de Paladín, Atomic Rooster, Beggars Opera o Warhose. "I'll Be Satisfied" captura la chulería barriobajera (y a mucha honra), de los Purple de "Fireball". 

Y por último,  "Breathe The Night" es puro Jethro Tull de "Heavy Horses", en otro cambio de timón tan sorprendente como bien realizado. La versión cd lleva un tema más,  e imagino que los créditos,  porque mi vinilo viene justito, con tan sólo los títulos de las canciones. Que digo yo que una banda que cuida tanto el detalle podían haber hecho algo al respecto.....Tampoco Internet me ha ayudado mucho (quién toca los abundantes teclados? !!!....). A pesar de éstas inexcusables carencias, "Babylonia Haze " es un monstruoso álbum que algún día se reconocerá en su justa medida. Fue importante, porque dio paso a nuevas influencias  musicales de perfecto ensamblaje a su 70s hard rock. Aún saldría al año siguiente su final "Mundo Aereo" / "Riding The Sun" (2016), para poco después, separarse inesperadamente. 

Cada vez que Eldorado sacaba un disco, lo estaba haciendo a pares,  lo que supone un tremendo esfuerzo. Quizá el agotamiento hiciera acto de presencia. Autoeditarse ellos mismos, es un desgaste físico y mental de aupa,  por partida doble, y a nivel internacional. Nulo radar demostraron las disqueras de éste país para que Eldorado tuviera que hacérselo todo ellos. Sólo espero que su "adios", se convierta algún día en un "hemos vuelto", con energías renovadas. Algunos necesitamos encontrar Eldorado.

J.J. IGLESIAS

Contacto

Facebook : https://www.facebook.com/eldoradorock

Bandcamp:https://eldoradorockband.bandcamp.com/album/babylonia-haze

youtube; https://www.youtube.com/user/eldoradorockband

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