Uno de ésos combos perdidos en el limbo del olvido. USA prog en formato trío y con los datos justos para poder escribir esto. Pero es que bien merece la pena descubrirlos.
En 1991 la prog music seguía vetada a todo el mundo. Fue en ése tiempo cuando comencé mi pequeña cruzada de reivindicación hacia ella. Cuando no me miraban como un bicho raro, se me reían burlonamente, o directamente me decían que era un nostálgico patético. Claro está, yo tenía información privilegiada que a ellos se les escapaba. Como siempre en estos casos, el ignorante se rie del más informado. A qué me sonará a mí eso en la actualidad?.....
Xcranieum fue un descubrimiento del canal de YouTube, Prog Line, del que no me cansaré de alabar hasta el infinito y más allá. Eran Phil Williams (guitarras), Greg Gunthner (bajo, tapes) y John Wells (batería, teclados). Su propuesta era completamente instrumental, en un constante balance entre lo prog derivado, entre otros, de King Crimson, y lo psico-krautie.
"Moodgraft" (13'13) avanzaba complejidades algorítmicas que los escandinavos pronto darían a conocer al mundo. Si esto llevara Mellotron sobreactuado, sería Anglagard. Técnicos hasta la envidia, atrapan el feel crimsoniano de la era "Discipline" y lo llevan a otro nivel de la existencia. No había mucha gente haciendo esto en 1991, te lo aseguro. Amor al arte descarado. A mitad de tema cambia el perfil y se vuelve atmosférico, raruno y extraño. Parece que la Bruja Blair te va a salir en cualquier momento. Es su bipolaridad, que hace de las suyas, y el psych germano se apodera de sus almas torturadas. Aunque los ataques esquizoides de guitarra no se olvidan, predomina lo etéreo hasta el final.
Intro de suspense para "Dissarray" (4'16), con una sección de ritmo en conexión gemela y sonidos inetiquetables del más allá. Liquid Tensión Experiment inventados en los nacientes 90. Crescendo en repetición que gana intensidad hacia el lado oscuro. La respiración asmática de Darth Vader quedaría aquí perfecta. Peor, salen las noticias de la radio.....el mal en estado puro.
Mejor algo de "Isolation" (4'16) para desconectar con la ponzoñosa humanidad. Imagina a Adrian Belew en Can. Fondo teclistico de enigma, bajo en rítmica imposible, batería políglota en su percusiva Torre de Babel, y acústica final a la Ralph Towner. ....escape mental garantizado. Explorando químicas de fusión nuclear entre Ash Ra Tempel / Embryo en "Boundries" (9'04). Con las percusiones invitadas de Michael Moore y Bob Foisy en simbiosis con efectos guitar-keys más ciempies rítmico de variados pasos. Extraño y bello ejemplar de fauna desconocida.
Para la cara B un único monstruo: "Surfaces" (27'17) en el que se explayan a gusto entre sus dos grandes amores, la psicodelia germana y el progresivo laberintico. Espectacular el despliegue de ideas y facultades. Monumento absoluto a la creación por el simple hecho de hacerlo. Sin esperar nada a cambio. Sí, porque resulta que esto no llegó ni a disco privado.
Su original formato fue una cassette. Y que yo sepa, sigue siéndolo, sin que ni una triste reedición en cd-r se halla efectuado. Así que corre a YouTube, y sin el menor miramiento ni remordimiento, descárgate ésta joya con furia visigoda. Porque se merece una reedición que le haga justicia. Vaya que sí!
La conjunción de un teclista y vocal argentino que responde al nombre de Mariano Fugillo con tres involucrados instrumentistas, dos madrileños (Alberto Perantón y Miguel Morales) y un mexicano (Adrián Galicia), hacen que un sueño como Thaykhay, poco visto y escuchado en nuestro país, se haga realidad. En días de inmediatez pareciese vellocino dorado todo aquello ideado para durar. Este Tan Cerca Del Sol podría ser una de esas escasas excepciones.
Un trabajo que no reniega de las primeras influencias del grupo, que lista nombres como The Mars Volta o Incubus, pero que está dotado de una personalidad natural a fuerza de beber de diversos manantiales. Paseando por las diferentes pistas, Thaykhay nos va desvelando secretos que de primeras parecen obras sencillas pero que con el paso de los minutos se confiesan delicias de detallado engranaje. Estos relojes de música ofrecen desde visiones a la garganta de Dingo María o a la antigua voz de Sôber, con instrumentación dotando a las estructuras de ese grupo de una atmósfera más experimental (“Microcosmos”), hasta inicios con marcadas reminiscencia al trabajo new age de Will Ackerman (primeros acordes de “Paralelo”, que luego de manera minimalista se arropan con claves étnicas casi tribales en lo rítmico).
“Tan Cerca Del Sol” o ese infeccioso mantra de guitarra que sublima su base de percutor y se siente emparentada con el art rock británico rompedor de nueva generación. El coro de féminas infantes logra fragmentar la estructura base y ofrece un ventilador que aún refresca más la idea primera. De ahí al infinito imaginable: sus iniciales influencias de A Perfect Circle crecidas hacia el nuevo progresivo (“Más Allá De La Meta”), arranque stoner rock para ser complementado por unos teclados de contrastado tempo (“Autoeyección”), atmósferas experimentales y juegos oníricos.
Disco de pensamientos encontrados, furioso a la par que medido y solemne por momentos. Una balanza correctamente utilizada para adentrarse en páramos por descubrir. Thaykhay pudo abrir una puerta en nuestro país que llevase a planteamientos casi desconocidos a la hora de referirnos a un rock progresivo independiente y contracultural. Experimentación al poder.
Otro exponente de la Francia experimental que tomó el relevo alemán en los finales 70. Luc Marianni había sido antes periodista, y como tal, comenzó en el grupo Rock Critics. Al igual que colaborando con los estupendos Pataphonie.
En 1980 editará su debut, "Souvenirs Du Futur", de alto nivel investigador. Armado con sus EMS, ARP Odyssey, Sequencer KS-EMS, Space Echo Roland, electronics, tape recorders, percusión, voz y guitarra eléctrica, pone en marcha un interesante álbum de krautrónica inquieta.
Con "Prelude" (1'16) da paso a la suite "Souvenirs Du Futur", que ocupa toda la primera cara. "Champs de Cristal" (3'41) describe muy bien su título, en frías capas superpuestas donde los sintetizadores cobran vida en un hábitat extrañamente bello, casi de ballet contemporáneo. Todo torna más cacofónico en "Lumieres de la Ville" (9'46), como en un pesadillesco pasaje del primer Tangerine Dream. Urgencia de efectos y desasosiego electrónico - futurista - industrial. Se desenvuelve hábil Marianni, entre sonidos abruptos y paisajes desolados como lienzo musical avanzado. Que busca la reacción del oyente, cuando no la sorpresa. Como buen ex-crítico, busca el cambio y la atención constante a su obra, y lo consigue. Obteniendo metamórficas situaciones rítmicas no alejadas de Conrad Schnitzler por esos días.
Un espectral pasaje, casi propio de película de terror, se aparece con la final "Voix dans les Brumes" (4'53). Efectivamente, son voces en las brumas que no se recomiendan para corazones impresionables, en una audición en la oscuridad. Pero a mí éstos experimentos psico - emocionales me apasionan.
Damos la vuelta, y "Dimension dans les Brumes" se nos ofrece en dos partes, con un total de 7 mts aproximados. La guitarra tiene su momento como herramienta investigadora, en un plano secuencial de fantasmagórico ambiente, lleno de ecos y delays. Tiene un final dulce y delicado, no habitual en Marianni. También "Un Reve Logique" viene en dos partes. Pero ésta vez, ignoro la razón, viene compuesta, grabada y tocada por Serge Delaubier. Son unos 10 mts muy avant, casi electroacústica, donde se nota que estamos ante otro autor incluido en la obra, no se sabe bien porqué. La sensación es la de una banda sonora sci-fi claustrofóbica, oscura y desesperante. Finalmente "Cristal Theme" (1'27) nos devuelve a Marianni y sus lamentos al synth, en depresiva factura melódica.
Hasta 1986, cuatro álbumes más se sumarían a la discografía de éste sintetista francés. Para reaparecer en 1996 de la mano de Musea, con el proyecto Seltae Beat. En una onda mainstream prog, tipo Pink Floyd / Alan Parsons, que sorprendió en todos los aspectos. Desde entonces, otro largo silencio hasta la aparición de "Unity in Diversity: (2009). Una box-set (100 copias numeradas), de 9 cds conteniendo nuevo material desde 1975 a 2005. Luc Marianni siempre ha entregado sus obras por oleadas, seguidas de un largo silencio. Da su tiempo al oyente, para que deguste con tranquilidad sus siempre interesantes propuestas.
Desde luego que Brian Auger no necesita presentación. Este genial maestro del Hammond lleva dando caña desde mediados de los sesenta junto a John McLaughlin, Rod Stewart, Steampacket, The Trinity y por supuesto Oblivion Express. Últimamente está algo retirado pero de vez en cuando lo podemos encontrar en joyas como la que hoy rescatamos.
En cuanto a Rudy Rotta es un guitarrista (era, murió en 2017) italiano con un amplio historial. Más de una quincena de producciones y compartiendo trabajos y escenarios con BB. King, Allman Brothers,Maria Muldaur, Luther Allison, John Mayall, Double Trouble, Valerie Wellington, el campeón Jack Dupree, Clarence Brown, Joe Louis Walker. , Roomful of Blues, Zora Young, Carey Bell, Sugar Blue, Lowell Fulson, Coco Montoya, Karen Carroll y Kim Wilson. Incluso tiene su propia "Fender Stratocaster Signature." A partir de 2000 Brian Auger y Rudy Rotta han realizando cinco giras juntos.
"Capture Live" nos muestra la actuación de estos dos genios en Verona en 2002. La banda la completan Michele Papadia (piano), Andrea Tavarelli (bajo) y Carmine Bloisi (batería). La música nos lleva por los caminos del rock blues con marcado carácter jazzistico. En show comienza con "Steps", instrumental jazz rockero que puede recordante claramente a gente como Larry Carlton con toque funky. ""Tell Me Baby" nos encauza hacia el blues con Rudy cantando y haciendo diabluras con su guitarra. Los "duelos" guitarra-piano-Hammond son constantes. "Hold On" es otra composición de Rotta en la que es el principal protagonista. "I´m The Groove" me suena absurdamente al "Suzie Q", cosas mías. Brian está que se sale a sus 63 años en el momento de la grabación. "I don´t Pay No Money" es uno de los platos fuertes de la grabación, más de diez minutos de éxtasis blusero. "Freedom Jazz Dance" es un instrumental de Auger de la época de Oblivion Express ("Second Wind" 1972) en tono jazz. "Loner and Goner", tiene una introducción boogie-piano a cargo de Papadia para posteriormente conducirnos a un estado más relajado. Ambiente garito humeante en Paris. La grabación finaliza con tres versiones: "You Don´t Love Me" (Cobb), muy conocida en la versión de los Allman, "The Thrill is gone" (Hawkins/Darnell) muy fiel a la original y "Boom Boom" (J.L.Hooker), un gran broche final.
El pasado año (2020) Blacktown Band publicaron su primer disco, "I (ONE)". Composiciones propias y algunas versiones cargadas de sabor setentero. Hablamos con Alejandro (bajo) y Esteban (teclados) para conocerlos más a fondo.
¿Cómo surge Blacktown Band?
Alejandro:Como banda podríamos decir que nacemos en 2016 como trío instrumental y tocando algunos covers e improvisando. No es hasta que nos ofrecen aparecer en un tributo a Pink Floyd cuando empezamos a tomarnos en serio la banda. Yo tenía un buen contacto en una discográfica que sacaba este tipo de discos en USA, algunos artistas de repercusión internacional y otras bandas desconocidas. En ese momento convencimos a Nina de cantar este tema, Hey You, y quedamos tan impresionados que le ofrecimos unirse a la banda de forma fija. El año anterior la banda quedó en standby y a raíz del confinamiento tomé la decisión de grabar todas las canciones para que no quedasen en el olvido. Nina estuvo de acuerdo en grabarlas y propusimos subirse al barco a Esteban, que ya lo conocíamos de hace tiempo para unirse al grupo como teclista. Recientemente ha vuelto con nosotros nuestro batería de siempre Oscar Archilla que no pudo grabar todas las baterías del disco. Según se iban terminando las canciones y dando forma al álbum, vimos el potencial que había y empezamos a moverlo. Es ahí donde sale la figura de The Fish Factory que desde el inicio se mostraron encantados con trabajar con nosotros después de escucharnos. Para completar el disco saqué un par de canciones del baúl como son Living In My Room y The Box y de esta manera dar nuestro pistoletazo de salida con I (ONE).
¿Cuáles es vuestra formación actual y que trayectorias musicales tienen miembros?
Alejandro:Desde el nacimiento de la banda han pasado diferentes integrantes, pero una vez que nos pusimos serios nos hemos mantenido fieles a nuestro cuarteto fuerte es decir Esteban a los teclados, Nina a las voces, Oscar a la batería y yo al bajo. Es cierto que Oscar no ha podido grabar el álbum pero es miembro de la banda desde su inicio. Para la guitarra como Markus vive en Alemania seguramente tocaremos en vivo con algún guitarrista invitado, ya veremos cómo lo hacemos.
¿Cómo elegisteis el nombre de la banda?
Alejandro:Buscábamos un nombre que evocase un poco a las bandas de rock de los setenta, quizá las más Prog. Al enterarnos que existe una ciudad en Australia con el mismo nombre, añadimos “band” para darle aún más color vintage y además para hacer más fácil la búsqueda en las redes (risas)
Vuestra música rezuma sonidos setenteros ¿Cuáles son vuestros referentes musicales?
Esteban:Pues aunque no lo creas, tenemos influencias bastante dispares. Desde Fleetwood Mac, pasando por los Doors o Deep Purple. En mi caso, tengo una trayectoria de piano clásico, pero siempre tirando a la improvisación, y desde niño, muy atraído por los teclados de Manzarek… de ahí sale una mezcla a la que hay que añadir una época de nu metal, o hardcore… me parece que siempre es un halago que te digan que “rezumas sonidos setenteros” así que me siento orgulloso de que así sea.
Vuestro primer trabajo, "I (ONE)”, ve la luz en diciembre del año pasado (2020), ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?
Alejandro:En este aspecto ha sido cosa mía. Al grabar el disco en confinamiento hemos tenido que tirar del estudio de casa, para lo que creo que hemos conseguido un sonido fantástico. Para las pistas de batería hemos contado con Emiliano Fiori, que cuenta con estudio de grabación y nos ha facilitado bastante el proceso. La parte buena de producir nosotros el álbum hace que no tengas las prisas del tiempo, por lo que hemos podido probar diferentes sonidos, grabar tantas tomas como sean necesarias o cambiar canciones. También quiero destacar que soy de la opinión de que las primeras tomas de grabación suelen ser las buenas. Cuando grabas cuarenta veces lo mismo, aunque suene perfecto, pierde la chispa y esto está plasmado en nuestro disco. Para las guitarras hemos contado con nuestro buen amigo Markus Tautz, que vive en Alemania y hemos tenido una estrecha relación para conseguir el sonido que estábamos buscando, una mezcla de rock setentero llevados a sonidos más modernos.
¿Con qué colaboraciones habéis contado?
Alejandro:Como te comentaba anteriormente Markus Tautz ha sido el encargado de las guitarras pero no se le puede contar como colaboración, es parte de la banda pero desde Alemania. En el segundo disco seguirá estando presente.
Quien si que ha colaborado es María Betania en el tema Living In My Room. Ha sido todo un placer trabajar con ella y su violín. ¡¡Ha grabado tantas pistas de violín que parecía que tocase la sinfónica de Londres!! Para más adelante podríamos sacar una versión del tema a violín, voz y piano, ¡veremos!
¿Quién ha diseñado la portada?
Alejandro:Contactamos con un diseñador llamado “DaveDesign” ya que su trabajo nos llamó mucho la atención. Al fin y al cabo, la portada sigue siendo una ventana muy importante ya que una mal portada puede hacer que la gente no le pique la curiosidad de escucharnos. Por eso después de hablar mucho sobre la temática de la portada, creemos que el resultado es justo lo que buscábamos. Toques Pink Floyd con el guiño del triángulo, colores vivos estilo rock de los setenta y un logo potente.
Entre los temas del disco podemos escuchar tres versiones, “Let´s Spend The Night Together”, “Dancing in the Moonlight” y “Hey You”. ¿No podéis comentar las motivaciones para elegir estos temas?
Alejandro:Ha sido la verdad una elección natural que no queríamos dejar pasar de que aparecieran en el álbum porque forman parte de los inicios como banda. La primera canción que tocamos como grupo fué Dancing in the moonlight y con el tiempo hemos ido llevándola a nuestro terreno y queríamos plasmarlo en el estudio, también como tributo a Phil Lynnot y si es una canción bellísima. Con respecto a Let’s Spend The Night Together nos propusieron de nuevo aparecer en un tributo a Bowie (que finalmente nunca vio la luz). Elegimos este tema porque no estamos muy familiarizados con la discografía de Bowie y por tanto hemos terminado haciendo un cover doble, versionamos a Bowie que a la vez versiona a los Stones, ¡¡dos pájaros de un tiro!!
Completan la grabación seis composiciones propias ¿Podéis describirlas brevemente?
“I Really Need You”:Es el tema cañero del disco, creo que hemos conseguido juntar ritmo y potencia con estribillos pegadizos. La parte instrumental para mi es uno de los momentos álgidos de todo el disco.
“One, Two and Three Men”:Esta es la primera canción que Blacktown compuso, rock directo y con fuerza. La letra halaga y homenajea a los tres pedazos de músicos que dan cuerpo, vida y alma a este disco. Y de nuevo son tres ya que tenemos la suerte de volver a contar con Oscar Archilla, batería de los inicios de la formación.
“Dangerours Sorrow”:Es una canción larga con muchísimos detalles que se van sumando al tema. ¡El final bien arriba con las guitarras apoyando las voces y con mucha intensidad, nos encanta! La letra trata sobre el lado oscuro y la luz que cada uno tiene en su interior y de cómo sacamos un lado u otro según nuestras vivencias.
“The Box”:Es el tema Uriah Heep del disco. ¡La parte instrumental es otro momento genial! ¡Perfecto para single! La letra en este tema nos lleva a un salón de una casa en los años 70, donde se celebra un guateque y hay invitados variopintos bailando, bebiendo e ignorando los paquetes de regalo que completan, como atrezo la escena.
“Living in my Room”: Fue nuestro primer single. Creo que resume en una canción todos nuestros estilos. Comienzo muy melodioso con piano y guitarra, se suman las cuerdas de María Betania y poco a poco el tema va sacando la garra para acabar en un estribillo lleno de fuerza, pero muy contenido. La letra habla sobre los diferentes estados emocionales a los que se puede llegar en la más profunda soledad y cómo uno aprende a mirarse y escucharse.
“I Want to Find Out”:Canción de medio tiempo que eleva la voz de Nina. El solo de guitarra ha quedado sublime! La letra en esta canción desarrolla un cuento en un bosque, un escenario muy accesible pero en el cual podemos sentirnos perdidos en algo tan inmenso y desconocido. Algo tan agradable e inhóspito al mismo tiempo.
¿Cómo va el tema de las actuaciones?
Esteban:tenemos claro que queremos tocar en directo, tenemos muchísimas ganas, pero también tenemos igual de claro, o más, que queremos un concierto con todo, con cerveza y mucha fiesta. ¡¡Por ahora esperaremos a que todo vaya un poco mejor, y posiblemente aprovechemos para presentar el primer disco y quien sabe… quizás el segundo!!
Este año habéis publicado un nuevo tema, “Green Dress”. ¿Cuáles son los planes de futuro de la formación?
Esteban:Estamos inmersos en el proceso de composición de un segundo disco. Para mí es la parte más divertida de todo el proceso, ya que es donde te dejas volar, y te “peleas” con tus compañeros para que hagan suyas tus ideas, y te apoyen en ellas. Cambiamos muchas veces de ideas, en cosas muy pequeñas, pero esos pequeños detalles son los que hacen la diferencia.
Alejandro: Queremos sacar el próximo álbum antes de que acabe el año. ¡¡¡Tenéis ya un pequeño adelanto en FB. Va a ser muy potente y esta vez no habrá versiones!!!
¿Podéis dirigiros a nuestros lectores para animarles a escuchar vuestra música?
Alejandro:Si te gusta el rock de los setenta, aderezado con una pizca de sonido de los noventa y con una voz que recuerda a las mejores voces femeninas de los ochenta, no dejes de pasarte por Blacktown Band. De las cosas que más nos gusta es que el oyente irá descubriendo detalles y pasajes nuevos a cada escucha. ¡Es a propósito! La verdad es que estamos muy contentos de como ha quedado nuestro primer álbum. En el territorio nacional hay calidad de sobra equiparable a lo que hay fuera. Hemos cuidado la producción y el diseño, vamos a por todas! ¡Para finales de año tendremos en la calle la continuación, que no se llamará II (seria lo fácil) así que la banda a pesar de los tiempos que corren está vivita y coleando y saldremos con fuerza de este momento para presentar a la vez dos discos!
El punto de partida oficial de Synkopy se halla en el año1960 en Brno, Moravia. La iniciativa corrió a cargo de Jiri Rybar (batería, voz), Pavel Pokorny (violín, voz), Petr Smeja (guitarra, voz), Milos Orsag (acordeón) y Petr Fischer (clarinete), a quienes poco tiempo después se les unió Jiri Rybar al contrabajo y voz.
Esta primera encarnación acústica estaba orientada a los salones de baile, pero en 1963 Smeja y Carvas comenzaron a tocar instrumentos eléctricos rockerizando una idea en progresión. Cambiaban de nombre cada año, es decir. Synkopy 63, 64 ... Hasta que finalmente se decidieron por SYNKOPY 61. La banda aprovechó el hecho de que todos los miembros eran cantantes y se convirtió en un atuendo de estilo de la costa oeste, similar a los Beach Boys, para quienes abrirían en 1969. En 1966, el vocalista principal Michal Polak de Shakers se unió a ellos. y con su voz aguda de falsete los acercó aún más a la estética de la costa oeste. También por esa misma época comenzaron a colaborar con un talentoso teclista, cantante y compositor, Oldrich Vesely, aunque no se convirtió en miembro oficial hasta 1974. La recta final de la década de los sesenta fue especialmente fructífera para la banda, era la génesis creativa y el cenit del big beat checoslovaco.
En 1968 lanzaron sus primeros singles en Panton, de los cuales "Valka je vul" (La guerra es un toro) fue el más memorable,. A principios de los años setenta, la era de las voces de armonía exuberante llegaba a su punto final para abordar una era de normalización profunda.
Synkopy 61 estaba entrando en su segunda fase. En esa distinta dimensión en la que perseguían la inspiración en Uriah Heep, grabando versiones en checo de algunas de sus canciones, es decir. "Park" , "Bily Vrany" (Easy Livin ') y "Hrej se mnou fair" y numerosas composiciones originales. Publicaron tres epes durante durante aquellos primeros años setenta; Festival (1972), Xantipa (1973) y Formule 1 (1975), cada uno con un carácter más avanzado y progreista que el anterior, culminando con la épica "Touhy" de 13 minutos.
En 1975, Oldrich Vesely, el compositor principal, se fue para unirse a Modry Efekt, y el combo paseo durante el final del decenio paseando por salones de baile haciendo versiones. Vesely regresó en 1980 y después de su experiencia con Modry Efetk decidió transformar al grupo en un torbellino de rock progresivo, y así comienza la tercera fase.
La mayoría de los miembros veteranos que habían guiado la nave desde sus inicios fueron pasto de la deserción, y Vesely se convirtió en el testaferro y líder. Colaboró con el reconocido letrista Pavel Vrba y se adentro en la aventura de publicar otra trilogía de álbumes: Slunecni hodiny (1981), Kridleni (1983) y Zrcadla (1986), cada uno con una formación ldiferente. De estos, especialmente el primero es considerado por muchos como un clásico del rock progresivo checo.
Luis Arnaldo Álvarez (Baterista y Locutor profesional independiente)
En los (no tan) felices 90, parecía que el fenómeno stoner, que comenzó como un sucedáneo del grunge en realidad, iba a ser flor de un día. Y es que su autolimitación hacia Black Sabbath así lo hacía prever. Pero ya llevamos cerca de 30 años de sub-género (habría que quitarle el "sub" ya), y la cosa ha evolucionado a extremos increíbles. Stoner kraut, stoner psych.....stoner prog? Stoner jazz?
Éstos dos últimos pueden ser perfectos epítetos para los franceses A Better Tomorrow. A priori puede parecer que se den de puñetazos estilos tan contrapuestos : stoner, doom, jazz y prog. Pero si hacemos memoria, una banda británica llamada Earth estaba haciendo lo mismo en largas jams, en los finales 60. Ésa banda se convertiría en Black Sabbath. Así que no me parece tan descabellada la propuesta.
Se estrenan los de Lyon con un álbum lleno de rincones atractivos. Empezando por su tema-enseña "A Better Tomorrow" (8'46). Un título y nombre que parece el lema de una secta. Y algo hay de eso. El saxo invitado de Lionel Martin se deshace en desesperación free coltraniana. Una inesperada intro, que trae ahora sí, doom de manual con el tonelaje rítmico de Gregory Ogier (batería) y Thomas Jullien (bajo). Entra la voz de Vanessa Ghisolfi, una voz agridulce e inquietante, con tics psicodélicos en un contexto hard rock, brutal. Piensa en frontwomans como la de Blood Ceremony o Purson. Cierra el cuarteto la destripante guitarra de Benjamín Lousky, en pugna con los desquicios agudos del maníaco saxo. Y encontramos en sus seis cuerdas al rojo, una de las más admiradas tributaciones hacia Tommy Iommi que jamás se hayan hecho. Su dominio del wah wah como venenosa arma emocional es superior a la media. Crimson Sabbath funciona. Hasta Fripp hace ahora alocadas versiones.
Vapuleo classic en la intro de "Spread" (6'07), parón tenso y psicodelia reinante con pulso firme de hard rock. El atrezzo occult tampoco escapa al oyente observador. El bajo no para de contar cosas, es un excelente musical storyteller de las cuatro cuerdas, bien fusionado a un batería bruto y preciso como los de antes. Y ahi tenemos el hirviente y volcánico mástil de Lousky otra vez, lanzando notas magmåticas convertidas en pétrea lava sonora. La híbrida jazzy - doom va tomando cada vez más forma, con "Blow by Blow" (6'40). Estos tíos han conseguido su estilo en tres canciones. Lo que a otros les cuesta carreras de 20 álbumes y no consiguen. Y es que la Ghisolfi se muestra cómoda y segura en éste nicho (nunca mejor dicho), de diseño único e inesperado. A mitad de tema dejamos el doom, por un paisaje nocturno perfecto de jazz parisino de los 60. Iommi por Joe Pass. Ozzy por Carmen McRae. Y vuelta al rocoso reino de las sombras. Inédito intercambio de estilos perfectamente ensamblados.
Aplastante martillo pilón en "Black Cats" (6'00), con ése bajo que enamora. Los primeros Judas Priest en una humeante cava de jazz. "Victim of Changes" en un disco Blue Note label. Desarrollo natural, nada impuesto. Extraordinario éxito grupal.
"Ghost of Rememberance" (7'47) es como si pusieran a Sade al frente de Candlemass. Vuelve el saxo en acalorada discusión con la guitarra, y los dos tienen razón. El jazz doom funciona. El término "progresivo" surgió como herramienta de innovación, fusión y evolución. Aquí está. A Better Tomorrow cumple las tres reglas. Convence. Y además , vence.
En 1991 nadie habría sido capaz de pensar que un disco como Streets pudiese tener rival a la vista. Durante muchos años el metal progresivo, tan proceloso como se destapó desde el primer momento, alcanzó notables metas sin jamás calcar el álbum de los norteamericanos Savatage. Cosas mejores o peores, pero sin fotocopias. El paso de la década trajo guiños o pequeños tributos en retazos de otras canciones, en rincones de algún que otro CD que lo utilizaba como anécdota. Con Exodus: Slaves For Life esto se termina. El reto finalmente está sobre el tapete.
Amaseffer, posiblemente en la inconsciencia de sus actos –aunque permitirás que lo dude–, carga en 2008 con un disco compacto de núcleo fundamentado en la obra conceptual. El éxodo, como ya avisa su título, del pueblo hebreo en huida del poder dictatorial egipcio es lo que mueve esta rueda de molino. Bien, te preguntarás dónde está el tan jaleado lazo con las correrías de ese Mesías sin trono adicto al rock y al underground que tan efectivamente sacaba cual semblanza Savatage. En ninguna parte, pues no me he referido a copias en los guiones de esta narración musical.
Lo que Exodus: Slaves For Life significa es un renacimiento de los planes estilísticos sobre los que construir el metal progresivo. De alguna manera, que sinceramente pareciese labor de alquimista loco, el proyecto Amaseffer recoge el testigo instrumental –con el añadido de percusiones y arreglos del folclore egipcio– y ofrece una concomitancia, ese efecto de cabalgar parejo, que a cualquier persona que sienta familiar el elepé Streets se le erizará el vello de la nuca al terminar de escuchar este lanzamiento.
No hay inventivas mayores ni fusiones a la carta. Si te gustó la obra ya nombrada de los hermanos Oliva, Exodus: Slaves For Life es tu disco. Si eres neófito y quieres disfrutar de ese secreto para entendidos que vivieron los amantes del metal experimental al entrar en el 91, tampoco deberías perderte una buena nueva que Erez Yohanan ha producido como si fuese Paul O’Neill.
