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ANGEL - Sinful (1979, Casablanca Records/Mercury Records)

 El teclista Gregg Giuffria le debe mucho al bajista y cantante Gene Simmons, uno de los miembros del cuarteto Kiss, en lo que a oportunidades profesionales se refiere. Fue Simmons el que tras descubrir a la banda en la que tocaba Gregg, los Angel, se los llevó a Casablanca Records para que firmasen un contrato con el sello que precisamente editaba a la conocida como the hottest band in the world. Años después, una vez el Angel fuera de la banda, y tras cerrar también su posterior proyecto Giuffria, Gene ayudaría personalmente al instrumentista a formar la agrupación House Of Lords –e incluso los arroparía bajo su casa discográfica Simmons Records–.



Pero situémonos, pues ahora nos encontramos en 1979, un año difícil para Angel. A los que en su día se vistió de blanco para ser rivales de los siempre luciendo indumentaria negra Kiss –algo así como una contienda entre el bien y el mal; simplemente un ardid publicitario con el que vender a dos bandas amigas, como ya aclaraba unas líneas más arriba–, los ejecutantes de un hard rock expansivo y con miras incluso hacia horizontes progresivos, cerraban la década con un álbum diferente. 



Sinful, originalmente titulado Bad Publicity, vio la transición definitiva del quinteto hacia un rock melódico que se entremezclaba con los aires de canalla de bar del guitarrista Punky Meadows, siempre el más glam de los Angel. También este vinilo fue el principio del fin, pues en 1981 tanto Meadows como el magnífico cantante Frank DiMino salen de la banda, que aguanta temporalmente el chaparrón contratando a Ricky Phillips y a Fergie Frederiksen.



En cualquier caso, y aunque poco tenía Sinful que hacer ante anteriores gemas del grupo como Helluva Band (1976) u On Earth As It Is In Heaven (1977), es este disco una grabación muy interesante en el que Giuffria adelanta lo que está por venir en sus futuros proyectos musicales, gracias a canciones como “Don’t Take Your Love” o “I’ll Never Fall In Love Again”. Aunque para los buscadores de rock parrandero, “L.A. Lady” y “Wild And Hot” de seguro serán las botellas idóneas de las que echar uno y mil tragos. ¿Y entre medias? Pues buen rock melódico del de guitarra en ristre: “You Can’t Buy Love”, “I’ll Bring The World To Your Door”, “Lovers Live On”. Dale su merecida oportunidad, y no te arrepentirás.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com








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ZBYNÉK VOSTRAK, MIROSLAV ISTVAN & VACLAV KUCERA - From Czech Electronic Music Studios (1974 /Supraphon)

 "Música Nova Bohemica" fue una serie editada en el sello del régimen,  Supraphon, en la Checoslovaquia de los 70, dedicada a la música de vanguardia. No deja de ser chocante que con tan férreos modos de gobernabilidad, existiera un interés estatal por el avant-garde. Una forma de expresión que transmite inmediatas ganas de escapismo y libertad, tanto al que la crea, como al que la escucha. Y con una botella de buen vodka, todavía más. 



Supongo que su sólida tradición y formación cultural clásica les llevó a conectar éstas músicas con paralelismos contemporáneos. Éste álbum fue compartido por tres creadores de la abstracción electrónica de alto nivel,  y hoy está buscado por coleccionistas del gremio. Sólo con ver la portada ya atrae. Algunos de los diseñadores gráficos detrás del Telón de Acero hicieron luego una exitosa carrera en la decadente sociedad capitalista (Roslav Szaybo, por ejemplo). 

Zbynék Vostrak presenta su "Scales of Light" (13'55), en electrónica oscura que yo no dudaría en utilizar como score de un film serio de terror. Y cuando digo serio, me refiero a alejado de payasadas made in Hollywood. Sintetista altamente experimental,  que busca sorprender a cada embate sonoro que lanza al oyente en oleadas de profundidad ruidista de hábitat propio. Sus sonidos se mueven en una artificial naturaleza que vive y respira en el surrealista mundo creado por su autor. Juega con los silencios y las entradas inesperadas, moldea ambientes oscuros y desasosegantes, y su escucha lleva a un proclive estado de reflexión existencialista muy meritorio. Al menos a mí me lo parece. Que en éstas formas artísticas,  cada cual tiene su propia palabra. Podríamos acercarlo al radical cosmic kraut de unos primigenios Cluster, Tangerine Dream o Peter Michael Hamel, pero en su propio entorno geográfico. Ya sabes, esto es inequívocamente distinto y especial.

 La electrónica de Miroslav Istvan en "Isle of Toys" (9'25) se presenta más "percusiva" o automática. Representa muy bien ésa extraña y onírica "Isla de los Juguetes" que nos lleva sin querer a recordar la ensoñadora escena de la casa de los muñecos vivientes, o androides, de "Blade Runner". Otro corte con aspiraciones claramente filmicas y de clarividente descripción hacia algo inexplicable,  de imposible raciocinio humano. Aunque éste se empeñe en desentrañar enigmas universales que en éste plano, le vienen grandes. La grandeza de la música como portal dimensional, es poder crear sensaciones hacia esos enigmas jamás resueltos, formando a la vez su propio misterio. Las contradicciones del ser humano, que forman parte de su propia naturaleza. Y ésta pieza recrea lo dicho con asombroso acierto. Ni Conrad Schnitzler lo hubiera expresado mejor. La segunda cara pertenece íntegramente para Vaclav Kucera. 

En "The Labyrinth" (14'00) utiliza voz humana como un efecto más a insertar en su contexto electrónico. Y no deja de ser inquietante. Profetizando la inteligencia artificial? Todo lo relacionado con ése tema lo es. Como un terrorífico "Ummagumma" de otro nivel. Música para cementerios encantados y románticas leyendas del más allá. Ahora que viene el tiempo, se presta su escucha. Cuidado que no es un tópico Halloween style. Esto puede herir sensiblemente la psique del oyente. Hasta el sonido de animales de granja puede resultar particularmente inquietante en manos de éste sintetista de lo absurdo. 



En "The Spiral"; (7'35) su acercamiento a la música concreta lo relaciona con trabajos de Xenakis, Berio o Maderna. Siempre teniendo en cuenta que estamos ante un ingeniero electrónico checo. Lo que cambia completamente cualquier expectativa en un oyente convencional.

J.J. IGLESIAS



Temas

A1 Zbyněk Vostřák - Scales Of Light

A2 Miloslav Ištvan - Isle Of Toys

B1 Václav Kučera - The Labyrinth (The Kinetic Ballet)

B2 Václav Kučera - The Spiral (The Kinetic Ballet)








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Blindstone ‎– Live In Denmark (2015)

 Martin J. Andersen es considerado por muchos uno de los mejores guitarristas europeos en la actualidad. Su sonido nos traslada directamente a los 70 pero con toques sonoros del nuevo milenio. No solo participa en varias bandas (Blidstone, Meridian), también tiene tiempo para sus disco en solitario y realizar colaboraciones junto a George Clinton, Billy Preston, Bobby Womack, Snoop Dogg, Kurupt,  John Norum, Ty Tabor de King's X, entre otros.


Blindstone se forma en 2002 en la ciudad danesa de Thristed. La formación original estaba formada por Martin J. Andersen (voz, guitarra), Jesper Bunk (bajo) y Benjamin Hove (batería). Su debut discográfico llega en abril de 2013, "Manifiesto". En agosto de ese mismo año Hove deja la banda siendo sustituido por Anders Hvidtfieldt. Posteriormente, a principios de 2016, sería reemplazado por Sigurd Jøhnk-Jensen. Hasta la fecha han publicado siete discos en estudio, uno en directo y uno de rarezas.

 Manifesto (2003)

Freedom's Calling (2008)

Rise Above (2010)

Greetings From The Karma Factory (2012)

Rare Tracks (2012)

 Live in Denmark (2015)

The Seventh. Cycle Of Eternity (2016)

Blues-O-Delic Celebration - A Tribute To The Blues (2017)

 Deliverance at The Crossroads (2019)



Este quinto disco de Blindstone nos presenta la actuación que realizaron en 2013 en Plantagehuset, Thisted, Dinamarca. Su música se mueve por los caminos de hard rock con  toques más stoner que bluseros. Los primeros temas nos pueden dejar un poco fríos pero poco a poco vamos entrando en calor cuando llegamos a "Rock Your Mojo" y la explosión llega en la versión que hacen del "Land of 1000 Nights" de los Mahogany Rush. Curiosamente la forma de cantar de me recuerda a la de Frank Marino. Tampoco está nada mal la cover de "Karma" de los Journey, por supuesto llevándola a su terreno. En "Keep the Rock Alive", encontramos un pequeño espacio para el lucimiento de su bajista, Jesper Bunk. La traca final llega con los tres temas que cierran el disco. Dos versiones de Hendrix ("Stone Free" y "Are You Experience") y "Gm1 Jam", una jam donde su guitarrista saca a relucir todas su influencias (Hendrix, Frank Marino, Robin Tower). El único "pero" que puedo poner es la nula interacción con el público. En un disco en directo me parece algo básico.

J.C.Miñana










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EKZILO - Ekzilo (2020) (rockliquias Bandas)

 Nos llega, recién salido del horno, el debut discográfico de Ekzilo. Sin duda, uno de los discos más interesantes de lo que llevamos de año. Rock progresivo de alta calidad con ciertos toques personales. Hablamos con su guitarrista José Ruiz.



Hola José, empecemos por las presentaciones ¿Cómo se formó la banda?

En realidad el proyecto empieza antes que la banda, como muchos otros grupos, empiezo a componer y a buscar músicos que compartan mi idea y que estén dispuestos a embarcarse en esta aventura. Además muy importante es la conexión entre nosotros y sentirte bien con lo que haces. 

Algunos de nosotros nos conocemos ya mucho tiempo, por ejemplo, a Michel lo conozco desde hace 20 años. Ángel y yo hemos estado juntos en otros proyectos recientes. Así en la banda terminamos: Joaquín (Michel), que es el batería,  ha estado con infinidad de bandas de rock, con influencias también de jazz, blues… Ángel en el bajo, que además es músico de sesión y componente de bandas de metal y Pablo al piano, teclados, sintetizador y voz, que además de tocar es profesor de piano. Yo soy el guitarrista del grupo y siempre he estado con una guitarra en la mano tocando  o componiendo. He estado metido en la música siempre.


¿Cuáles son vuestras referencias musicales?

Las referencias son muy variadas pues cada uno aportamos estilos diferentes a la vez que coincidimos en gustos. También podemos deciros que oímos mucha música, quizás eso hace que seamos abiertos y nos entendamos.



¿Cómo definirías vuestra música?

Esta pregunta creo que te la pude contestar mejor la gente que escucha el disco. Pues nos llegan comentarios muy diferentes: hay quien algún tema le recuerda el rock andaluz, y a otros clásicos del rock, hay quien menciona el folk mediterráneo oriental, otros más sonidos Floyd, Olfield… Pero creemos que sobre todo nos buscamos a nosotros mismos, por ello también componemos nuestros temas.


¿Por qué Ekzilo?

Ekzilo, significa destierro en esperanto, pero también nos lleva a algo nuevo que empieza.


¿Cómo se gestó vuestro primer trabajo, "Ekzilo"?

Empezamos a trabajar con las primeras composiciones en 2018, hemos ido trabajando sobre las primeras maquetas buscando las diferentes aportaciones de cada uno.


¿Nos puedes dar detalles de la grabación? 

La grabación sobre todo ha sido larga. Empezamos a finales del 2019 y hemos tenido muchos contratiempos, tanto para ensayar como para grabar. En este tiempo que nos ha tocado vivir, hemos tenido que tirar de ingenio, con otros modos de trabajar, utilizando más internet. Y hemos tenido muchas anécdotas: hemos mandado archivos a otros músicos por equivocación, hemos olvidado recoger a algún músico el día de la grabación, nos hemos presentado en el estudio el día que no era y locuras de ese estilo.

El disco se ha grabado y mezclado en La Sala de Máquinas a los mandos de Manuel Torroglosa, nos sentimos muy a gusto con él, ya nos conoce de mucho tiempo y es pieza importante en nuestro sonido.


¿Con qué colaboraciones habéis contado?

Hemos tenido la suerte de tener grandes músicos con nosotros y esperamos que sigamos trabajando juntos. Abelix, batería y percusionista, participó en el tema Diciembre, dejando su sello de enorme percusionista. Y también hemos contado no solo como músico, también como diseñador gráfico al artista húngaro Miklos Nagy, sus fotos han encajado en el disco.


¿Habéis publicado una edición especial de 150 copias? ¿Nos puedes hablar sobre el aspecto grafico de esta edición?

La edición del disco es un formato digipack de tres cuerpos más libreto donde hemos intentado reflejar con textos y fotos el concepto de Ekzilo y de cada uno de los temas, pues la mayoría de ellos son instrumentales, para nosotros era muy importante la imagen y el contenido del disco, hemos intentado cuidar todos los detalles. Siempre hemos tenido en cuenta que era nuestra presentación, debía ser un disco conceptual. Estas 150 copias las distribuimos directamente nosotros a nuestros seguidores, también las firmamos si lo desean, a modo de prelanzamiento y para estar en contacto con la peña, pues el disco sale en noviembre junto a la edición digital. La idea es, como he dicho antes, que nos conozcan y hablar directamente con ellos.


El disco contiene seis temas cargados de sensibilidad, buen gusto y maestría instrumental, donde contrasta el intimismo de guitarra y teclados con la fuerza de la sección rítmica. ¿Nos puedes describir brevemente los temas?

Stargazers, es el tema que abre el disco una intro donde buscamos crear una idea de alguien que observa un mundo nuevo, que mira hacia las estrellas buscando respuestas. En el libreto este tema lleva una peculiar foto tomada por Pablo.

Diciembre, este tema es muy especial, dividido en cuatro partes, buscamos sonidos orientales utilizando afinaciones no usuales. Todas las partes están unidas por el sonido del mar mediterráneo grabado directamente en Puntas de Calnegre, que es una zona natural protegida.

Ekzilo, el único que incluimos voz, tema con dos partes muy distintas y reflejo de cada uno de nosotros.

Salaryman, este tema habla de esta realidad social impactante, como puede llevar el trabajo o situaciones de presión similares a una persona a acabar con su vida. En el libreto hemos incluido un poema referente. 

Cleavage, el tema más Zen del disco. Con sonidos muy limpios y equilibrados, es un tema pensado más lírico quizás.

La buhonera (Ruvira, 15) es un tema homenaje al primer garito donde poder escuchar buena música en los 70 en nuestra ciudad. Es un tema donde buscamos el sonido del rock andaluz que cierra el disco y cierra el círculo de nuestra manera de entender y vivir la música.



El sonido de la guitarra me recuerda a Larry Coryell con toques andaluces. ¿Nos puedes hablar sobre el aspecto técnico de tu sonido?

Sobre mi sonido lo más importante es que no utilizo púa, todo lo toco con los dedos. Utilizo una técnica parecida a la que suelo utilizar en la guitarra flamenca, pero adaptada a la eléctrica. Me baso en una técnica de pulgar e índice para las escalas y utilizo diferentes arpegios con los dedos de la mano derecha. Mis influencias son muy variadas, Olfield, Santana, Django, Gilmour, etc., A veces, suelo utilizar escalas por decirlo de alguna manera exóticas buscando sonidos, que a lo mejor contrastan con el resto, que a lo mejor de otro modo no entrarían. No me pongo un fin, solo toco.


Estamos en tiempos difíciles ¿Cómo os planteáis la presentación del disco? ¿Hay ya alguna fecha programada?

Tenemos la fecha de mediados de noviembre para el lanzamiento completo, pero debido a la situación que vivimos hay que esperar para las presentaciones en directo, no descartamos alguna presentación en streaming si las condiciones son favorables para reunirnos y grabarlo, ahora mismo tenemos que esperar y creemos que va a ser una promoción a largo plazo, por eso creemos importante que el disco llegue a cuanto más gente mejor, nos conozcan, que nos escuchen, y estar en contacto a través de nuestras webs:

https://www.facebook.com/ekzilo.rock/ 

 https://ekzilo.blogspot.com/


¿Cómo se presenta el futuro de Ekzilo y de la música en general, con todo lo que se está viviendo?

Vivimos tiempos difíciles, hay mucha gente pasándolo mal debido a la pandemia, creemos que la música es parte de la vida de las personas y tenemos que cuidarla, hay que sacar lo positivo de los malos momentos y puede ser que nos demos cuenta de lo que se hizo mal. Desde hace años, el sector musical ha sido tratado como algo sin importancia, sin protección salarial ni social adecuada a sus características.  Exceptuando a unos pocos, el resto se enfrentaban a un trabajo muy temporal, precario, nunca se han atendido nuestras demandas.

Respecto al futuro de Ekzilo, no podemos estar de otra forma que ilusionados, con ganas de presentar el disco en directo. Como creo que están el resto de los músicos, con anhelo de subirse a un escenario y estar con su gente, con su público.


¿Qué diríais a nuestros lectores para que compren el Cd y vayan a vuestros conciertos?

Pues que en este disco encontraran el esfuerzo de unos músicos y que volver a un escenario y  tocar para ellos en directo es lo que más echamos de menos.






Contacto:



P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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MINIMUM VITAL - La Source (1993)

 Cuando una banda progresiva se plantea que aportación va a dar al estilo puede tirar por caminos de diferente dificultad. Están los juramentados fans de un grupo concreto que lo que van a hacer es seguir el camino de sus ídolos y por consiguiente no los saques de su amor incondicional. Luego están los de un poco de fulano y otro de mengano y así hacemos un “crossover” y finalmente los que tienen el papel en blanco con ideas propias y diferentes a la media. Generalmente la gente que monta una banda debe tener un líder. Normalmente es el que compone y el que organiza hasta los ensayos. Marca la línea a seguir. Cuando se consigue tocar una música original la mayoría de las veces hay una sola cabeza pensante y si tiene la suerte de encontrar gente que se adapte perfectamente a su idea, ese grupo va a funcionar. Haced un repaso de todos los grupos que os gustan y os daréis cuenta de lo que digo.



Pero que ocurre cuando dos gemelos casi idénticos hacen una música original. Una perfecta simbiosis. Entraríamos en el terreno de la biología genética. Imaginad si uno tuviese cuatro hermanos gemelos (pobre madre) y todos músicos, pues según su formación musical sería la banda perfecta o el desastre completo. La simbiosis y compenetración de ideas entre los hermanos Payssan consiguen lo dicho. Lo primero es un concepto. Una música basada en una argumentación cultural con el rico legado del pasado y a través de ese mundo imaginario o de leyenda construir un discurso sonoro. Si tenemos en cuenta que el hecho de “hacer música” entra dentro del mundo de la ocurrencia podemos entender claramente lo complicado del asunto. Efectivamente un invento es una ocurrencia. Pero al componer música no estamos inventando, estamos desarrollando una cosa ya “ocurrida”. Yo empleo casi siempre el símil de la gastronomía, la cual siempre evoluciona sobre una basa ya conocida. 



La música es una “lenta evolución” que cambia sus sabores dependiendo de la técnica o mejor dicho de la tecnología del momento. Pero resulta que las notas siempre son las mismas. Los 12 semi tonos de una octava son la base de la ilusión sonora que solo depende de la imaginación matemática en ordenarlos en sus casi infinitas combinaciones que dependen de los armónicos y la altura de las notas. No complico más la cosa. Luego está la interpretación que hace el oído. Cuando entendemos que una música es buena o interesante es porque hemos hecho buen uso de esa práctica. La base para que esa magia funcione. Los que ejecutan música determinada como rock progresivo conocen perfectamente el cromatismo del asunto. En esencia la técnica de la composición.



Al escuchar la “Source” las consideraciones de lo que os he hablado se ponen en práctica: arreglos, armonía, organización, ritmo, timbre, contrapuntos, acentos, brillos, intensidades. No es solo rock and roll naturalmente. Es música bien articulada y muy bien hecha. Elegante. Alejada de lo fácil pero siempre en el camino de lo emotivo y sugerente. Este no será un disco para todo el mundo. Suena a veces como algo atemporal e incluso chocante pero ahí estás tú para poner la clave del asunto.

Alberto Torró









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RETROSPECTIVA: Colosseum (1968- 1971 y 1997-2015)

 Cuando a finales de los años 60´s comenzó a crearse el germen de la “música compuesta” que no simple, el concepto amplió horizontes impensables hasta el momento. La simpleza del rock & roll no dio más de sí. Si ese género aspiraba a tener un reconocimiento fuera de ser un juguete entretenido de adolescentes y jóvenes malotes y a ganarse un respeto e interés en el mundo de las artes sonoras, debía articular un proyecto diferente. 



Los músicos de jazz y los clásicos más atrevidos miraban con desdén ese estilo superficial creado en los años 50. Es el caso de Colosseum la banda que nos ocupa. El rock nació con los de mi generación, pero lejos de ser esa pretendida leyenda de rebeldía antisistema y otras chorradas similares, su única y real función fue la de divertirse, beber y follar. Fue la excusa de aporrear una guitarra y una batería. Nada más. Su pretensión no fue otra. El jazz de los años 20 partía del mismo concepto. Había que evadirse y a ser posible olvidar las miserias del pasado siglo que fueron muchas y variadas. La historia tiende a dar a las tendencias artísticas un valor del que carecen. La mayoría de las cosas que a los historiadores y aspirantes a periodismo antropológico les parecen “gran cosa” o algo profundo y significativo tienen su origen en algo mucho más simple y frívolo. La gilipollez de la modernidad. Si lo pensamos fríamente todo arte a partir del siglo XX es una astracanada donde la vulgaridad es el motor principal. La “seriedad” entendida como base social desaparece en el siglo de los avances. Esto afecta a todo. Al arte, a la música, a la literatura, a la arquitectura y al cine y la tv como último disparadero de la verbena pseudo-intelectual argumental. Pero somos hijos de los tiempos estúpido-modernos y quizás alguno en profunda reflexión filosófica deberíamos haber nacido en otras épocas, no mejores desde luego, pero sí más reflexivas y sin los móviles y sin los vómitos y cagadas de la red social. El rock nace de la superficialidad como un moderno circo romano como tantas artes de las últimas décadas y ello sirve para olvidarnos de nuestra condición del absurdo de la vida y de que en realidad nada es importante.


Afortunadamente llegado a un punto, se pensó que el rock sería más interesante si se mezclaba con el jazz, la clásica, el blues, el folk tradicional y algún aditamento más que fuese al menos algo inteligente y por consiguiente entretenido. Lo entretenido sería el leitmotiv de los tiempos actuales, pero siempre con irregulares resultados. El rock progresivo sería a posteriori una inexacta etiqueta para determinar que el oyente utilizase algo la cabeza en la escucha. Pero había que llamarlo de alguna manera. Colosseum fueron músicos forjados en esos tiempos de probatinas y estilos. En la mayoría de los casos los aficionados a la música o “diletantes” gustan de cosas que lo de menos es “entenderlas”. Lo jocoso de la llamada música moderna y por supuesto lo más divertido es la distancia entre ser músico y ser melómano. El que crea y el que lo oye. Antiguamente la música no se hacía para el pueblo sino para entretener a reyes y señoritos que por supuesto no tenían ni idea, pero pagaban. El siglo XX cambió las reglas y la música llegó hasta a los más tontos y los más limitados. Buena noticia. Ya en el siglo XXI actual ni siquiera hace falta saber tocar un instrumento ni saber cantar. Ni saber pintar. Ni saber escribir. Ni saber leer. Eso es irrelevante. Pero lo mejor de todo es que un pedo hecho con un sintetizador se considera obra maestra.


Bromas aparte, no es el caso que nos ocupa. Colosseum fueron músicos cultivados en plena encrucijada de creatividad. Nombres como Dave Greenslade, Jon Hiseman, Dick Heckstall-Smith, Tony Reeves, Dave Clempson, James Litherland, Mark Clarke o Chris Farlowe marcarían buena parte de la música británica durante los inicios de la década setentera. Todos formaron parte de bandas pivotales en esos años de locura creativa. En realidad, fueron la primera banda de jazz rock europea con un fuerte acento de blues rock, género importado de los USA que ellos supieron darle la peculiaridad británica y con un potentísimo solista a los vientos y metales como Dick Heckstall-Smith. Fueron una banda fugaz, pues si prescindimos de las habituales reuniones y reencuentros ya canosetes y talluditos con algunos lives sueltos su andadura no llegó a tres años de existencia y tres vinilos editados más un live doble del 71. Suficiente para la leyenda. “Those Who Are About To Die Salute You” (1969). “Valentyne Suite” (1969). “Daughter Of Time” (1970) fue el legado en estudio. Todo muy rápido. Con posteriores remezclas y recopilaciones o ediciones diferentes según fuesen en USA o UK. Tan como salían los discos en esa encrucijada entre las dos décadas sagradas. Fueron una máquina de hacer música y sus formidables composiciones estaban llenas de solos de saxo, de órgano y la tremenda guitarra wah wah de Clempson. Breve andadura la de esta banda pero intensa. 


Luego sus ramificaciones serían Atomic Rooster, Humble Pie, los propios Greenslade o la segunda parte llamada Colosseum II montada por Jon Hiseman pero hacia un jazz-rock más frío y convencional como marcaba la tendencia del momento histórico. Vale la pena que los más jóvenes o los que con los años os habéis ido integrando a esta secta nuestra de destalentados y cabralocas del mundillo musiquero le echéis un vistazo al asunto. Si no tampoco pasa nada. La cría del caracol filipino también puede ser interesante y con menos estrés.

Alberto Torró










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BLUE ÖYSTER CULT - The Symbol Remains (2020 / Frontiers)

 "Zapatos raros". Decía el niño autista de "Mimic" y con toda la razón. Menudo bicho raro......como Blue Öyster Cult. "Los del heavy raro" los llamábamos, para definir su indefinible rock duro. Que después mutaría en rock melódico extraordinario. Con la naturalidad que ofrece el no haberse despegado nunca totalmente de su inicial estilo, la psicodelia. 



Desde los tiempos de Soft White Underbelly, Oaxaca o Stalk-Forrest Group, siempre estuvo ahí de manera subliminal. Disfrazada según tendencias del momento. "Curse of the Hidden Mirror" (2001) fue su última aportación de estudio. A priori, 19 años, pesan. Aunque su actividad de directo nunca ha parado. Una hora de material inédito en 14 canciones de diversa naturaleza ecléctica. Fruto de diversas etapas en su historia. 

Pero antes, presentemos a los BOC-2020. Por la parte veterana, Eric Bloom (voz solista, guitarras y teclados) y Donald "Buck Dharma" Roeser (guitarras, teclados, voz). Sólo en el primer tema, se les une Albert Bouchard a las voces, percusión y....cowbell !!! El humor que no falte. Por el lado más "joven", unos apellidos que podrían ser de una banda de Albacete. Richie Castellano  (guitarras, teclados, voz), Danny Miranda (bajo, voz) y Jules Radino (batería,  voz). Entre los invitados también Kasim Sulton (Utopía) a las voces. Sabes lo importante que es el orden de las canciones en un disco? Simplemente te puede cambiar la percepción completamente del mismo. Con idéntico material, puede parecerte sensacional o un aburrimiento. Aquí no llegamos a lo último, pero no es mi orden preferido el expuesto. 

Si querían comenzar con una (falsa) sensación de dureza, lo consiguen con"That Was Me" y su riff a la Metallica. Ya veo a Ghost tomando notas de los maestros, su auténtica devoción.  Tres guitarras en acción dan de sí,  aunque los tres correspondientes teclados sólo sean como fondo de producción. De finales 70 parece "Box in my Head", rock melódico con querencia power pop, y un punto fuerte en la banda, que no pierde forma. Es un pedazo de canción,  sin reservas. Otra maravilla es "Tainted Blood", digna de un "Fire of Unknown Origin". Eso es componer, insertar voces y amueblar instrumentalmente con cabeza. Tocando la fibra sensible donde más duele. Y Ghost muertos de envidia. Otra tonada ecléctica, casi psycobilly, es "Nightmare Epiphany", que cuenta con un leve feel Thin Lizzy mezclado en pura sangre BOC. 

"Edge of the World" es "heavy metal soft", si es que ésa etiqueta puede llegar a existir. La hubiera dejado para el final. Aunque termina pareciendo a la Steve Miller Band! Una señal de un odiado móvil abre "The Machine", en más hard rock average de relleno. Que un relleno de BOC es bueno, vale. Pero éstos tíos saben subir el listón bastante más. "Train True (Lennie's Song)" lleva acento southern. Como un hard boogie de Foghat o ZZ Top de factura setentera. Desconcertante, pero parece que van a eso, a sorprender. Otra que hubiera puesto al final. Ahora sí,  "The Return of St. Cecilia" reúne los mejores momentos de ésta banda, con su estilo clásico puesto al día y abrillantado para la ocasión. El Hammond debería haber tenido más preponderancia, pero hace su papel. 

Otra que sufre del "síndrome Metallica" es "Stand and Fight". La equilibran con orientación Alice Cooper, (carreras paralelas), pero a mí me sobra (ésos "eh, eh" a lo Manowar pa tú!). Las guitarras están soberbias, debo reconocer. Por fortuna vuelve la sensatez en "Florida Man". Precioso West Coast que ellos han dominado siempre con experta mano. "The Alchemist" (6'00) es la épica y dedicada a H. P . Lovecraft. Puro BOC en su mejor materia fanta-ciencia y poder 70s. De ésas que de verdad esperas en ellos, y que felizmente llegan. Buck Dharma en su máxima expresión. 10. También circula por buen carril melódico "Secret Road", un bonito single para sinfonolas. .....en otro tiempo.

La punkarrada de "There's a Crime" está muy buen puesta en la cola. No es mala, más bien del tipo " vamos a divertirnos haciendo lo que nos salga de las pelotas". Tal que eso. Lo que no entiendo es qué hace "Fight", la mejor del álbum,  en último lugar. Una joya de puro Culto a la Ostra Azul, un clásico instantáneo que pasará inadvertido entre los nerviosicos que no dejen el disco hasta el final.



Quitando algunas y cambiando el orden de otras, me sale un excelente álbum de 40 mts de notable alto. Hazte tu propia selección y te encantará. 

J.J. IGLESIAS








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LANA LANE - Project Shangri-La (2002, Limb Music / SPV)

 La californiana Lana Lane publica su primer CD en 1995, bajo el título de Love Is An Illusion. Desde ese momento, grabar hermosas e intrincadas obras sonoras de hard sinfónico-progresivo, coloreadas por medio de intensas pinceladas rock melódicas, se ha convertido en una constante en su carrera profesional. Los desarrollos instrumentales, dirigidos por su pareja Erik Norlander –uno de los máximos talentos de las teclas en los años noventa y líder del combo progresivo Rocket Scientists–, están detallados de tal manera que la citada mixtura de géneros queda simplificada en un característico estilo que sirve al proyecto de firma reconocible. 


Para cuando este Project Shangri-La sale a la venta, Lana Lane ya tiene un más que respetable número de discos compactos –entre trabajos de larga duración, EP y directos– en el haber de su discografía. Con el paso de los años y el cambio de década, la vocalista ha conseguido mantener ese ambiente orquestal tan aplaudido de su propuesta, esa atmósfera que tan bien recrean los teclados de Norlander. 


En su elepé de 2002 dota a cada tema de una carga pasional mayor, más inspirada en sentimientos y momentos de relajación espiritual. Sus composiciones nos transportan por catalogaciones como el hard progresivo (“Project Shangri-La”) o por una suerte de rock melódico sinfónico (esa “The Nightingale” rebosante de matices que dan sabor suficiente a unas bases simples pero directas); mientras las eternas baladas, como es el caso de “Before You Go”, se ven invadidas por un novedoso sentido. 


Entre la lista de músicos que participan en Project Shangri-La, el oyente podrá reconocer la voz de Mark Boals en “(Life Is) Only A Dream” o en el dueto que junto a Lana realiza para la pieza “Time To Say Goodbye”, versión de la composición operística “Con Te Partirò” original de Francesco Sartori y Lucio Quarantotto –popularizada en 1995 por Andrea Bocelli en solitario, y posteriormente a dúo con la soprano británica Sarah Brightman–; a las guitarras, entre otros, se encuentran virtuosos como Helge Engelke (Dreamtide, Fair Warning, Zeno) o Arjen Anthony Lucassen (Ayreon, Ambeon, The Gentle Storm); y no puedo terminar este análisis sin subrayar la labor a la batería de la leyenda Vinny Appice (Black Sabbath, Dio, Rick Derringer, etcétera), que se ocupa de casi la totalidad del elepé con su característico tempo de pegada rotunda a la par que rítmica. 

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com










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