Siempre me ha sorprendido el poco reconocimiento que Peter Banks tuvo en Yes. Es un caso similar a Anthony Phillps, pero éste ha sido siempre mucho más valorado en Genesis. Igual pasa con los dos álbumes primeros de Yes. Quizá eclipsados por lo que vino después, pero en mi opinión, tremendamente importantes. La impresión que me ha dado siempre "The Yes Album", es la de poseer el fuerte influjo de Banks, por encima de la labor de Steve Howe. Ésta pregunta pude hacérsela al propio Howe, que me aseguró que absolutamente todo en ése disco era obra suya, ciñéndonos lógicamente a su instrumento. Sin embargo, a día de hoy, ése álbum me sigue sonando a Peter Banks. Otra prueba de lo que digo es Flash. La banda que montó con posterioridad, (bien es cierto que junto a Tony Kaye), vuelve a sonar a "The Yes Album" como si éste disco fuera los cimientos de Flash.
Todo esto viene a cuento para un desconocido grupo descubierto no hace mucho por éste escriba, que me ha impactado de parecidas maneras. Los ingleses Time sólo grabaron éste homónimo debut, justo en mitad de la década de florecimiento progresivo. Tenía a dos miembros (hermanos?...) que provenían de los Spontaneous Combustion. Power trío con dos discos del 72 para Harvest, y algún single producido por Greg Lake. Ellos eran Tristran Margetts (bajo, voz) y Gary Margetts (guitarras y voz). Jode Leigh (batería, voz), Alex Johnson (guitarras , voz.....luego de Nightwing?) y Mike Udell (voz solista impresionante ) completaban la banda. No confundir con los Time pre-Steppenwolf, ni con los yugoslavos progresivos de mismo nombre.
"Shady Lady" (4'25) ya advierte ése parecido vocal entre Colín Carter (Flash), Dennis DeYoung (Styx) y hasta algo a Jon Anderson, por parte de Udell. Las guitarras despiden magia en éste grupo, aquí hay "dos Peter Banks". Sus constantes devaneos, efectos y conversaciones, hacen olvidar los teclados por completo. Increíble éste primer corte, con cambios dignos de Gentle Giant. A propósito, un flotante vibráfono nos trae "Turn Around" (6'50), en puro territorio Yes con unas corales (punto fuerte de Time), cercanas incluso a Queen. Pero esto es música afirmativa al 100 %. Ciertamente aquí hay una fuerte influencia de los Yes-Peter Banks / Flash y...."The Yes Album". De ahí mi introducción al artículo. Aunque no se acredita, en éste corte incluyen sintetizadores de preciosa factura, jugueteando con voces , guitarras, un poderoso bajo a la Squire y batería de técnica cuasi Bruford. Mucho nivel. De igual tesitura rítmica a la Gentle Giant viene ahora "Violence"; (3'20), otra preciosidad vocal de envoltorio yesmaniaco, como otro outtake más de "The Yes Album". Su técnica es abrumadora, encantadora y llena de ese genuino primer prog que me alucina. Aún a día de hoy y por mucho que lo escuche.
"Yesterday, Today, Tomorrow" (4'25) es más Yes, pero tirando del hilo, puedes emparejarlos con los primeros Starcastle o Styx. O ésa cosecha prog USA 70s de oscuridades con iguales influencias: Hands, Yezda Urfa, Pentwater, Mirthrandir, Surprise, Infinity, Pre, Atlantis Philarmonic o Netherworld, por decir unas pocas.
Vuelta al disco, , nos enfrentamos a la monstruosa "Dragonfly" (8'04), con todas las virtudes de Time desarrolladas al máximo, con todo lo que se podía pedir en 1975 en éstas materias, que es mucho. Maravillosa incandescencia guitarrera, ritmos de matemática científica apasionada y voces desde lo más profundo del alma. En las breves "Liar" (2'53) e "Hideout" (1'25) vuelvo a recordar al Queen de aquellos días, el tono de Mike Udell no se aleja de Mercury o Dicken (Mr. Big).
Finalizando con "Steal Away" (5'05), recuperando sonoridades Yes / Styx con el prog británico y el pomp americano en perfecto balance. Pero al final, lo dicho. ESE sonido se me antoja muy Peter Banks.
Así que aunque a priori no proceda, vaya mi homenaje a él porque estoy seguro que Time sí que lo tuvieron en consideración a la hora de fabricar ésta huérfana, secreta, y absoluta obra maestra. Ah, el sonido de los 70.....imbatible y sin discusión. Qué buen ejemplo en Time.....Tempus Fugit.
Shaw Davis es un valor al alza dentro de las nuevas corrientes del rock blues. Aunque criticado por los puristas representa una bocanada de aire fresco combinado sonidos de los 70 con su sello personal muy actual.
Shaw Davis nació el 4 de abril de 1995. En 2016 forma el grupo "Shaw Davis & The Black Ties" junto a Bobby Van Stone (bajo) y Patrick Stevenson (batería). En 2017 participan en el South Florida Blues Challengue y representan a Florida en el International Blues Challenge en Memphis en 2018. El 14 de junio de 2017 editan su primer disco, "Shaw Davis & The Black Ties". En enero de 2018 lanzan un EP, "Alive From Legacy", conteniendo tres temas en directo. En octubre de ese mismo año llega su segundo trabajo, "Tales from the west ", que está revolucionando a la crítica y al público en general. A lo largo de estos años han realizado más de trescientas actuaciones y han abierto conciertos para artistas como Samantha Fish, Chris Duarte, Mike Zito, Albert Castiglia, Matt Schofield, Popa Chubby entre otros.
"Tales from the west" es el segundo disco de Shaw Davis & The Black Ties. La grabación contiene siete temas propios y dos versiones donde el rock blues de nueva generación está presente. El disco se inicia con "Take My Hand", riff a lo Stevie Ray Vaughan con una parte central que rememora sonidos "hendrixianos" en el uso del "wah wah". "Willie the Pimp" es una gran versión de un tema de Frank Zappa con un poderoso riff de guitarra. El fantasma de Hendrix sigue presente. "Tales from the West" comienza como balada pero poco a poco se endurece rockeramente gracias al solo de Davis. "Mamma Told Me" contiene un solo que no pertenece a este mundo. A sus 24 años Shaw Davis demuestra un gran virtuosismo en su forma de tocar. "Fire Inside" continua la línea de riffs potentes con un atronador bajo a cargo de Bobby Van Stone y un excelente apoyo por parte de su batería, Patrick Stevenson. En "Know Where You Been" vuelven las influencias SRV. Con "Atomic Groove" nos damos cuenta que podría figurar en una reencarnación de Hendrix en este nuevo milenio. "I Gotta Try You Girl" es una versión del tema del "bluesman" Junior Kimbrough, rock blues con pelotas, sin paliativos. El disco finaliza con "My Friend" , mi tema destacado. Está claro que las nuevas generaciones vienen con la lección aprendida.
Ya traje al dúo neoyorquino Silver Apples en una de mis primeras colaboraciones para ésta casa, allá por el 2013. Pero en una serie donde estamos repasando a pioneros electrónicos de la etapa psicodélica americana, no podía faltar éste claro referente. Junto a Lothar & the Hand People, Fifty Foot Hose o Spoils of War, tenían que venir en el lote.
Su actividad real fue corta, del 67 al 69, y venían del grupo The Overland Stage Electric Band. Con los que seguramente, nunca hubiera pasado nada. Pero Simeon Oliver Coxe III,- conocido simplemente como Simeon -, apareció un buen día en un ensayo con un audio-oscilador vintage de los años 40. Al cual le incorporó nuevos cachivaches y trastos basuriles, (hoy los llamarían "gadgets"). Lo cual ahuyento al resto de la banda, quedándose tan sólo el batería (ya se sabe que están todos locos), Danny Taylor. Al extraño aparato resultante, con teclas de telégrafo y pedales de control de tono y cambios de acordes, también lo bautizaron "Simeon". Había nacido una leyenda. Hay que aclarar que su inventor nunca aprendió a tocar piano ni sintes. Sólo en una dulce anarquía de ése calibre se puede crear algo verdaderamente innovador. Por su parte el batería se preocupó de montarse un kit con trece tambores, cinco platos y otros artilugios percusivos. Completamente inusual para su tiempo. Además de crearse sus propias métricas pulsantes matemáticas. Otro pionero que seguramente influyó en gente por venir, como Terry Bozzio. Jimi Hendrix solía bajar a verlos ensayar en los bajos del Café Wah?, y siempre tuvo ojitos para estas cosas vanguardistas y rompedoras. Lo que se perdió el hombre, con el advenimiento del moog y el prog.....
Su debut en el pequeño sello Kapp Records, puede considerarse hoy histórico. En la contraportada ya se advertía : "Instructions : Play Twice Before Listening".
Y una vez pinchado, "Oscillations" adelantaba el mundo electrónico que se nos venía encima. Mientras su área de acción seguía siendo psicodélica, (el modo de cantar, por ejemplo), extraños y arcaicos sonidos cibernéticos del prototipo retro-futurista, creaban un universo nuevo apoyados en ritmos y poliritmos "motorik". Sin que Dan Taylor tuviera ni idea de lo que era eso, porque estaba por llegar. Como Can o Kraftwerk, a los que ya se les intuye escuchando a Silver Apples.
"Seagreen Serenades" ya conforma el maravilloso sonido de las Manzanas Plateadas. Pura psicodelia electrónica de apariencia naif, pero revolucionaria para 1967. Mientras en el verano del amor los hippies se ponían flores en el pelo, éstos dos alicates se ponían tuercas y tornillos.
Pequeños retazos de pre-kraut surrealista y ultradimensional como "Lovefingers", "Program" (adelantando el uso del sampler por medio de grabaciones de radio), o "Velvet Cave". No queda otro remedio que caer rendido a sus pretensiones, por su esquizofrenia sonora magnífica, entre infantil y amenazante. Cuánto aprendieron de ellos supuestos "innovadores punk" como Suicide, diez años después!
En la segunda cara ya se atrevían con un tema de seis minutos, "Dancing Gods", extraído de una danza ceremonial sanadora del pueblo Navajo. Así que hasta la supuesta World Music, adelantaron éstos visionarios.
Es éste un disco obligado para entender la (pre) historia de la música electrónica. Al año siguiente repetirán con el estupendo "Contact". De hecho, podrían haberlos sacado en un doble álbum, por similitudes estilísticas y de calidad.
Esto será el final provisional de ésta historia. Un tercer álbum se quedaría sin editar en aquel tiempo, y hasta mucho después no lo haría, "The Garden". Que fue el que comenté en mi anterior visita a Silver Apples (ver reseña).
Durante los 90, hubo constantes homenajes al dúo, que provocaron la vuelta del mismo, con los álbumes "Decatur" y "Beacon". "A Lake of Teardrops" fue una colaboración entre Silver Apples y Spectrum (comentados también aquí). Sangre veterana y joven unida en una misma causa. Danny Taylor fallecera en 2005. Sigue Simeon en sus constantes giras por UK, Europa y USA. En 2011 tocan Silver - Qluster, colaboración entre Simeon y Hans-Joachim Roedelius, (estaban condenados a encontrarse), en el ATP I'll Be Your Mirror Festival, en Asbury Park, NJ. En 2016 se edita "Clinging To A Dream", primer album de Silver Apples en 19 años. Una bella historia que sigue siendo, interminable. Y que dure.
El nombre de esta banda californiana hace referencia al libro de cocina más publicado en Estados Unidos cuya primera edición data de 1931. El grupo fue un referente dentro del movimiento hippie combinando rock, folk, blues y jazz.
La banda se forma en la segunda mitad de la década de los 60 de la mano de la guitarrista Terry Garthwaite y la teclista Toni Brow. El resto de la banda eran el batería Fritz Kasten y el percusionista Ron Wilson. Firman por Capital Records y en 1971 editan su primer disco, "Joy of Cooking" con la participación del hermano de Garthwaite, David, tocando el bajo. Ese mismo año vuelve con una nueva producción, ""Closer to the Ground", en esta ocasión el bajista sería Jeff Neighbor. Su último trabajo llegaría al año siguiente, "Castles".
La grabación nos traslada al concierto de Joy of Cooking en el Fillmore West en 1971. El "setlist" está compuesto por temas de sus dos primeros discos. El show se inicia con "First Time Last Time" un tema con sonidos folk y un gran piano eléctrico. Con "A Thousand Miles" y "Humpty Dumpty" entramos de lleno en la psicodelia con voces a lo Janis y un órgano en plan "The Doors". "Dancing couple" es un instrumental con una excelente percución. Llegamos a uno de los temas estrella "Brownsville / Mockingbird", parece que estuviéramos escuchando a la "Big Brother and the Holding Company". "Too Late But Not Forgotten" camina por senderos country psico. "Only Time Will Tell Me" , me encantan las voces de estas dos mujeres, Terry Y Toni, llenas de sentimiento y fuerza. Otro de los temas destacados es "Did You Go Downtown" con sus 11:24 de jam psicodélica a lo Ray Mazarek. "Laugh Don't Laugh", impresionante la potencia del bajo de Jeff Neighbor secundado por la batería de Fritz Kasten. La grabación finaliza con "Closer to the Ground", título de su segundo disco. Excelente sonido de la FM.
El pasado mes de mayo (2019) el guitarrista Joaquín Sainz de la banda sevillana Malabriega, publicó su primer disco en solitario, "Zero". Diez temas cargados de buen progresivo, metal, rock y jazz. De la mano de su autor realizamos un exhaustiva entrevista-análisis.
Rockliquias.- Hola Joaquín , gracias por atendernos. Para que los lectores de Rockliquias te conozcan ¿Quién es Joaquín Sainz?
Comencé a tocar la guitarra con 14 años y desde entonces he ido aprendiendo lo que he podido, ya sea dando clases o preguntando a los músicos con los que me cruzaba. Además tuve la enorme suerte de estar becado unos años por la AIE para estudiar guitarra eléctrica con Bernd Voss.
He trabajado como guitarrista acústico y eléctrico, con bandas que van desde el pop y el rock más convencional hasta el jazz y la fusión. He trabajado para artistas de Sevilla como Emiliano Zapata o Javi Osorio, y formado parte de bandas como Ayca Donmez Quartet, N4, Nuclear Trio, Noctámbulos, Heredians, Bambulee o Cruce de Caminos entre otras. Actualmente formo parte de Malabriega, banda de prog-rock andaluz.
Durante estos años he tenido la suerte de compartir tablas en festivales y conciertos con grandes bandas y artistas tan diversos como Tabletom, On the Raw, Julie Slick, Fausto Taranto, Storm, Boikot, Def Con Dos, Porretas, A Palo Seko, Narco, Soziedad Alkoholika, El Cabrero, Mario Diaz y Aslánticos entre otros.
Rockliquias.- ¿Cuáles son tus influencias musicales?
Es una lista muy larga y heterogénea que se mueve entre el prog, el rock y el jazz principalmente. Algunos de los principales artistas son Steve Vai, Carlos Santana, Miles Davis, Wayne Shorter, Jaco Pastorius, Hiromi Uehara, Scott Henderson, John Coltrane, Charlie Parker, Joe Satriani, Steven Wilson, Guthrie Govan, Eric Clapton, Chuck Loeb, Frank Zappa y Jimi Hendrix. Algunas de las principales bandas que más me han influenciado han sido: Weather Report, Santana, Pink Floyd, Kansas, Rush, King Crimson, Pantera, Metro, Toto, Rush, Tribal Tech, AC/DC, Deep Purple…
Además de todo esto, mis compañeros de banda en Malabriega suponen una influencia y fuente de aprendizaje muy importante para mi.
Rockliquias.- En mayo de 2019 has editado "Zero" un disco casi totalmente instrumental ¿Cómo surgió este proyecto?
Este proyecto es la culminación de una inquietud a la que llevaba mucho tiempo queriendo dar salida. He trabajado para otros artistas y en bandas propias pero en paralelo he estado continuamente componiendo material propio y planteándome hacer un disco.
A lo largo de estos años he estado a punto de hacerlo varias veces pero siempre me decía a mi mismo que no era suficiente, que se podía hacer mejor, y terminaba desechando la idea. Finalmente el año pasado y tras una época muy prolífica compositívamente, en la que me sentaba cualquier tarde a componer y cuando me daba cuenta tenía un tema casi terminado, cambié el chip.
Pensé que aunque siempre estamos evolucionando y lo que haga en el futuro será probablemente mejor que lo que hago ahora, tiene que existir un punto de partida. De ahí el nombre del disco: “Zero”, dado que constituye un punto de partida para mi.
Para el contenido del disco hice una selección entre algunos temas que había compuesto en el pasado y que siempre me habían gustado, y todos esos temas que había compuesto en esta última etapa. Rearreglé los temas antiguos y cuando me dí cuenta tenía material de sobra para el disco.
Rockliquias.- ¿Nos puedes contar detalles de la grabación?
La grabación se ha desarrollado en los siguientes estudios:
Grabación de guitarras eléctricas, bajos de María de los Reyes, voz de Pedro Miño, vientos, maquetación y pre-edición en el estudio de Joaquín Sainz (Sevilla)
Grabación de bajos de Tony Sánchez en el estudio de Tony Sánchez (Barcelona)
Grabación de bajos de Sergio Carmona en el estudio White Tower(Sevilla)
Grabación de guitarras acústicas en el estudio Somartones (Sevilla)
Grabación de guitarras flamencas en el estudio de Manuel Soto Noly (Sevilla)
Grabación de voces en el estudio MrJam por Iñigo Corcuera (Bilbao)
Edición, reamplificación de guitarras, grabación de baterías, mezcla, coproducción y masterización por Jesús Chávez en Estudio Pelicano (Sevilla)
La producción la hemos realizado entre Jesús Chávez y yo. Jesús ha tenido un peso muy importante, mezclando, masterizando y aplicando diferentes técnicas para enriquecer el sonido y los arreglos orquestales, de sintentizadores y pianos, todo esto ha sumado bastante en el resultado final. Yo me he encargado de la composición de las distintas líneas, los arreglos, los sonidos de guitarra e ir comentando a Jesús en qué línea debía ir la mezcla y masterización. Trabajé con él por primera vez en la grabación del disco ‘Fiebre’ de Malabriega, y me impresionó por su profesionalidad, sus conocimientos y recursos, su capacidad de entender las ideas rápidamente y su sinceridad a la hora de evaluar los procesos. Cuando me decidí a plasmar el disco sabía que él sería el indicado para ayudar a hacer realidad esta locura.
Como curiosidades y anécdotas de la grabación te puedo destacar:
Durante la organización de la grabación hubo momentos de auténtica locura, llegando a coordinar y preparar material para 14 personas que grabarían en diferentes lugares. Hubo un momento en el que tuve que reducir el número de baterías de tres a uno. Inicialmente pensé en contar incluso con más baterías y músicos.
Para escoger estudio para grabar las voces en Bilbao se hizo una comparativa calidad/precio de hasta 10 estudios con ayuda de Miriam Otalora.
Manu Jiménez, grabó todas las baterías del disco en apenas 4 horas.
Se usaron 4 guitarras, dos amplificadores y un buen arsenal de efectos para intentar conseguir diversidad en la paleta de sonidos del disco.
Todas las guitarras y bajos se grabaron con la técnica de reamping, grabando la señal limpia del instrumento aparte para después poder volver a regrabar la pista cambiando el sonido.
El tema "Journey" tiene aproximadamente seis pistas de saxofón, dos de flauta, 4 de guitarra acústica, 2 de guitarra flamenca, 8 de guitarra eléctrica, 1 de piano, y tres de sintetizador.
Para la grabación de vientos, Luis utilizó tres saxofones de distinta tesitura y una flauta.
La grabación de las guitarras acústicas de “A place called home” se hizo con guitarras de Bernd encordadas con un 012. Debido a que tuve un accidente y perdí media falange del dedo meñique, tengo menos fuerza en la mano y suelo tocar con 011 bastante ligero. Me costó mucho grabar con el calibre 012 y terminé la grabación de ese tema con la mano reventada.
Uno de los momentos de mayor dificultad fue la adaptación del arreglo de voces a las tesituras reales de las cantantes.
Rockliquias.- ¿Con qué colaboraciones has contado?
He contado con las siguientes colaboraciones:
Manu Jiménez: Batería
Sergio Carmona: Bajo eléctrico en Journey, Living with Demons y There isn’t song for nothing
María de los Reyes Prieto: Bajo eléctrico en Dalex, Overture (Scary Tragicomedy) y A place called home
Tony Sánchez: Bajo eléctrico en Gravity, Screwed y bajo fretless en Happiness
Bernd Voss: Guitarra acústica rítmica en A place called home
Jesús Chávez: Arreglos orquestales en Overture (Scary Tragicomedy)
Luis Oria González: Saxofones y flautas en The journey
Manuel Soto Noly: guitarra flamenca en The journey
Enrique Diaz Berdonce: Guitarra eléctrica 2nd en There isn’t song for nothing
Pedro Miño: Poema y recitado en There isn’t song for nothing
Miriam Otalora, Zaloa Mendikute y Ziortza Mendikute: Coro en A place called home
Alex Bocanegra y Pablo García: Colaboración baterías en premaquetación
Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada?
La portada la ha diseñado Ana Moreno Cubero. Cuando le comenté la idea le dije “Ana, quiero un león con llamas”. Ella hizo algunos bocetos, entre ellos este. Me costó mucho decidirme porque Ana es muy creativa y tiene muy buenas ideas, pero finalmente decidí que quizás este era el que mejor podría definir el contenido del disco.
Rockliquias.- El disco se inicia con "Overture (Scary tragicomedy)". No podía empezar de mejor manera, sonidos progresivos como si estuviésemos escuchando una épica banda sonora. Es increíble lo bien que has sintetizado en los títulos lo que posteriormente podemos escuchar.
Gracias. Este tema, junto a “The Journey” son los más orquestales. Surgió como una progresión y se fue enriqueciendo poco a poco. Añadí piano y una base de vientos sencilla y una melodía que iba creciendo en intensidad hasta romper arriba del todo. Cuando llegué al estudio Jesús Chávez se implicó al máximo, y añadió más líneas a la base orquestal para crear el arreglo final que se puede escuchar en el disco.
Rockliquias.- "Screwed" tiene sonoridades metal combinadas con un gran virtuosismo guitarrero. El disco combina muchos géneros pero ¿en cuál te sientes más cómodo?
En todos, ¿por qué elegir? Todos tienen sus cosas buenas y sus cosas malas. Hay muchos estados de ánimo y vivencias y sería imposible reflejarlas todas con un único género. Me encanta la energía del rock y el metal, pero también me gusta la complejidad y la gran amalgama de colores que se pueden conseguir con las armonías de jazz. Disfruto de las composiciones orquestales y de cómo las diferentes voces varían pero también disfruto de un buen riff de rock sencillo pero directo. Es cierto que el disco tiene bastante marcadas mis tendencias progresivas. porque es un género que aúna muy bien los demás géneros, pero me encanta ir sacando lo que más me gusta de cada género en cada momento.
Rockliquias.- "Gravity" es un cúmulo de sonoridades con una marcada base rítmica que te recuerda que vivimos en un mundo con gravedad .
Es un tema con un riff que es sencillo pero complejo a la vez, tiene muchos detalles y pequeños cromatismos. El nombre lo escogí porque me evoca dos cosas, por un lado, la gravedad como fuerza inamovible y a la que todos estamos sujetos y la máxima de que todo lo que sube tiene que bajar, y por otro lado, la falta de gravedad, cuando no se está sujeto a esa fuerza y los objetos, las personas y las situaciones parecen dejar de tener peso.
Rockliquias.- En "Journey" nos adentramos en el metal progresivo a lo Dream Theater en una frenética carrera que se ve interrumpida por las notas de un piano que nos devuelve la serenidad. Tus composiciones no tienen una estructura lineal. A la hora de componer ¿te gusta los cambios rítmicos para dinamizar el tema?
En general voy componiendo lo que me pide el cuerpo, y a veces me pide cambios rítmicos pronunciados para contrarrestar la parte anterior.
A la hora de componer me encantan los contrastes, las progresiones de intensidad, jugar con el número de instrumentos, las sonoridades, el peso de las notas y los acordes con colores “exóticos”. Intento dejar de lado la composición de canciones con esquemas clásicos definidos e intento hacer lo que tengo en la cabeza. Muchas veces los temas se componen solos en mi cabeza a lo largo del día, en situaciones cotidianas como dándome una ducha o volviendo del trabajo en coche y sólo tengo que coger la guitarra y grabarlos.
Rockliquias.- "Dalex" es sin duda la más "crimsoniana", ritmos laberínticos que te enganchan. ¿Cómo han influido los clásicos de los 70 en tu música?
Han influido principalmente de dos maneras:
- De manera directa: Tuve una época muy setentera en mi vida en la que tuve un grupo de versiones de Santana y me centré mucho en la música de la época. En los 70 se hacían grandes composiciones, no tenían tantos medios como ahora pero sí muchos más que en décadas anteriores, muchísima libertad y ganas de hacer música. Además, la música de esa época me resulta mucho más orgánica, a partir de los 80 el uso de efectos y la evolución en los medios hizo que se perdiera parte de ese componente orgánico. No obstante cuando grabo soy consciente de la época en la que estoy y uso los medios y sonidos a mi alcance sin intentar emular lo antiguo, pero es cierto que me han influenciado bastante.
- De manera indirecta: Por artistas modernos que escucho y a la vez se han influenciado de grupos de la época para realizar sus composiciones. Un buen ejemplo de ello es Steven Wilson. escuchando su música puedes encontrar una amalgama de influencias bastante interesante.
Rockliquias.- "Interlude (Afterwar)" es lo que su nombre indica. Etéreos sonidos electrónicos que te llevan hasta "There isn´t song for nothing", uno de mis temas favoritos. Tras unas bellas palabras de introducción se abre paso la guitarra emulado lo más onírico de Satriani o Vai. Belleza sonora.
“After War” surge de mi gusto por las armonías y por los efectos electrónicos aplicados a la guitarra. Es un tema que estuvo a punto de no entrar. Dentro de lo heterogéneo del contenido del disco quizás era el más alejado del resto. Fue compuesto como un outro de Dalex basándose en la progresión de acordes inicial.
"There isn´t song for nothing" es un tema que compuse con Steven Wilson en la mente aunque he de reconocer que Vai es una influencia muy importante para mi. La introducción es un poema propio de Pedro Miño, un gran amigo y manager con el que trabajo. La posibilidad de introducirlo surgió un día tomando unas cervezas con él y comentando la maqueta que realice previa a la grabación del disco.
El broche lo puso Enrique Diaz Berdoncé, rematando el tema con un juego de preguntas y respuestas después del sólo, en el que yo mantengo una línea melódica como pregunta y él va respondiendo con distintas frases.
Rockliquias.- Estamos en el porche de casa sentado en nuestra mecedora. Un vaso de buen Bourbon en la mano contemplando el atardecer. Felicidad o lo que es lo mismo "Happiness". Lo has clavado, tu música refleja fielmente el momento.
Cuando lo compuse me evocaba a esas tardes de lluvia que paso junto a Ana, tirados en el sofá, de ahí que empiece con un sample de lluvia al principio. Es la felicidad y la tranquilidad de lo simple. Muchas veces nos complicamos la vida buscando la felicidad en cosas complejas e inalcanzables cuando la tenemos ahí mismo.
Respecto al tema, es una balada de jazz en ritmo ternario y con una armonía muy modal basada sobre todo en acordes mayores. Contrasta bastante con el resto de temas. Como curiosidad decirte que Toni Sánchez grabó el tema con un bajo Fretless, me propuso probarlo y quedé encantado cuando me envió una prueba de como quedaría.
Rockliquias.- "Living with demons" nos lleva por los senderos del genial Zappa y de su alumno aventajado Vai.
“Living with demons” es uno de los temas más oscuros del disco. Cuando lo compuse pensaba en todas aquellas personas con máscara de ser humano pero que si rascas la superficie encuentras a un demonio en su interior. Son gente con los que convives a diario, te dedican una sonrisa pero si pudieran te arrancarían la piel a tiras.
Dalex también tiene una argumentación parecida. Una de mis series preferidas es ‘Dr. Who’. El Doctor tiene unos enemigos llamados Daleks, que son seres vivos que redujeron a la mínima expresión, un amasijo de carne. Les quitaron cualquier tipo de sentimiento y los introdujeron en armaduras de combate. Van por toda la galaxia intentando aniquilar al resto de especies. Al final todo esto no dejan de ser metáforas del mal que reside en el interior del hombre.
Rockliquias.- El disco se cierra con "A place called home". Acústicas que lo único que buscan es el placer sonoro que me recuerdan a los tiempos de José Milan y Joan Bibiloni.
Este tema lo compuse hace muchos años. En aquella época había conseguido una beca de la AIE para estudiar guitarra eléctrica y Bernd Voss me daba clase de guitarra. Bernd tenía una gran experiencia, había rodado con gente importante e incluso llegó a ser músico de sesión en Los Ángeles. Me enseñó muchas técnicas tanto de ejecución de instrumento como compositivas, tantas que a día de hoy sigo procesando y sacando jugo a sus enseñanzas. Entre ellas hacíamos a veces duetos acústicos, en los que el objetivo era que en lugar de acompañar una guitarra y la otra hacer la melodía, ambas guitarras hicieran melodías diferentes pero complementarias y que la suma de ambas enriqueciera la composición.
Respecto al nombre, he de decir que cuando compuse el tema me había independizado de mis padres y vivía en una habitación de alquiler. Una vez superado la euforia de la libertad absoluta comencé a plantearme muchas cosas, entre ellas que ya no estaba donde había vivido toda la vida, y que no tenía ningún lugar al que realmente pudiera llamar hogar. En esa época me plantee muchas cosas.
Para la grabación del tema he tenido el lujo y el placer de contar con Bernd, era algo que me hacía mucha ilusión y que finalmente se ha hecho realidad.
Rockliquias.- ¿Tienes fechas para la presentación? y ¿Qué músicos te van a acompañar?
Cuando compuse el disco no tenía claro a donde llegaría. No pensaba ni lanzar una edición física, ni siquiera grabarlo con un batería de verdad. Conforme ha ido evolucionando el proyecto me he ido adaptando a los cambios de dimensión. Primero lancé un crowdfunding a ver si conseguía algo de dinero extra para afrontar los gastos y me encontré con un apoyo inesperado, llegando a recaudar el 33% más de lo que esperaba recibir en el mejor de los casos. Esto ha posibilitado una grabación más cómoda y que haya podido sacar una edición física del disco.
Varias personas me han preguntado si habrá un directo. En principio pensé que no lo habría, al menos a corto plazo pero la idea va cobrando fuerza. Se que es muy difícil contar con todos los colaboradores: las chicas de la coral son de Bilbao, Toni de Barcelona, Luis está viviendo en Canarias y el resto son músicos en activo que trabajan bastante. Aunque los consiguiera reunir a todos en el mismo lugar y en la misma fecha montar la logística de esa presentación ideal sería una locura con los medios que dispongo.
A todo eso tendría que sumar a un teclista/pianista que tocara las partes que compuse de piano, sintes y violines.
Si estoy jugueteando con la idea de montar más adelante algo más reducido con algunos de los colaboradores para tocar al menos dos o tres veces y llevar el proyecto al directo. Entre las personas que me rondan la cabeza se encuentran Maria de los Reyes Prieto, que para mi es la bajista revelación de su generación aquí en Sevilla, una chica muy joven pero a la vez muy seria, disciplinada y con mucho gusto tocando. También contaría con Manu Jiménez a la batería, que con un tiempo récord de preparación supo plasmar en la realidad todas las locuras que le plantee para la batería y llevarlas a los estilos que les correspondían, es un gran batería. Sergio Carmona o Ángel de Ebola DP harían una labor muy sólida a la guitarra rítmica, ambos son grandes guitarras y tiene una técnica rítmica que ya me gustaría tener a mi. De momento son todo conjeturas, pero no descarto que después de verano organice algo.
Rockliquias.-¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Entre mis proyectos futuros está empezar a maquetar un nuevo disco, el cual ya tengo en la cabeza. Por otro lado llevamos un buen tiempo trabajando con Malabriega en nuestro segundo LP.
Para la segunda mitad de este año y el año que viene tenemos planificados muchos conciertos con Malabriega, entre ellos Madrid y Barcelona. Me encantaría tocar con ellos por toda España en los principales festivales de prog y cruzar la frontera.
En algún momento me gustaría darle un impulso al tema de Youtube y lanzar un canal, tengo algunas ideas pero nunca encuentro el momento.
Rockliquias.- ¿Qué le dirías a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a tus conciertos?
De primeras no les diría que lo compraran. Les diría que lo escuchen en la página de Sacramento Records. Van a escuchar algo muy personal, hecho con el corazón. Les diría además que si pueden, que se pasen por la página de facebook de Joaquin Sainz y me cuenten que opinan, que experimentan cuando lo escuchan, que les gusta, que no les gusta y ya después si quieren comprarlo que lo hagan.
Les animo a que vengan a los conciertos de Malabriega, cada vez tenemos más feeling en directo. Disfruto mucho tocando con ellos en directo y creo que conseguimos transmitir esa satisfacción al público que viene a vernos, o al menos así nos los comentan a menudo. La mezcla entre flamenco, jazz, prog, rock y metal actual bajo la influencia de los grupos de rock andaluz más míticos es curiosa y adictiva. A mi lleva ya 6 años enganchándome y lejos de aburrirme cada vez lo disfruto más.
Por último les animo a que busquen información de los colaboradores en el disco, todos son grandes profesionales con trabajos muy interesantes.
Es el último trabajo de esta banda italiana y tiene un título controvertido y llamativo. Si la mujer quiere se paraliza el mundo. Esto es incuestionable porque ellas son el motor de la vida.
En los tiempos en que vivimos el papel de la mujer es cada vez más importante por fortuna. La mujer ha sido y sigue siendo la mayor inspiración en la música. Si en el pasado la música estaba prácticamente basada en temas religiosos desde la edad media hasta el final del periodo clásico, a partir del romanticismo del siglo 19 el sexo femenino va a ser el protagonista absoluto de la música hasta nuestros días. La mujer musa de toda inspiración artística ha ocupado los cánones creativos desde entonces prácticamente en todos los aspectos del arte bien sea de forma explícita o indirecta. Misoginia es un vocablo griego de determina el odio a la mujer o el desprecio obsesivo hacia su sexo. Este asunto abarca la historia del hombre desde el surrealista concepto religioso de Adan y Eva y ha envenenado a todas las religiones por igual y llenado el mundo de ignorancia y maldad. Se achaca a la mujer ser la causante de todas las desgracias del mundo y esto es verdaderamente terrible. El hombre teme lo que no conoce. Decía el escritor portugués José Saramago que la mujer es el único género que los hombres no entendemos. Pero el odio al sexo contrario está prácticamente basado en el miedo y el desconocimiento, aparte de la incultura y la crueldad. No voy a entrar en un tema tan complejo, tan solo determinar la importancia de aspectos como el amor, la pasión, los celos, la belleza y la desesperación que están contenidos en la música en un porcentaje amplísimo. La mujer ha sido desde siempre la inspiración en el arte y la ruina de los corazones. Un tema tan viejo como el mundo.
Probablemente sea el primer disco que veo con este título en la historia de las grabaciones musicales, aunque evidentemente la temática siempre ha estado en las canciones de la música llamémosle groseramente “moderna”. En el rock curiosamente es donde más encontramos letras brutales y machistas. El eterno dilema amor-odio. Es curioso avanzan los tiempos en igualdad, pero era más respetuosa con la mujer la música antigua que la actual. Jamás me han interesado los textos de las canciones sea el estilo de música que sea. Me parece irrelevante lo que se cante, pero no puedo evitar a veces escuchar las barbaridades que se dicen en una canción ya sea en el rock´roll, en el heavy, en el pop barato, en las canciones de “autor”, en un tango, en un blues, incluso en el jazz y ya no hablemos de las modas latinas en boga como el regetón que hasta me da igual escribirlo mal. Si nos vamos al otro extremo, Zappa sin ir más lejos fue experto en ese mal gusto literario. Ni siquiera los grandes músicos se salvan. También hay letras preciosas es cierto. ¿Pero que tiene la mujer para que las iras y los despropósitos se reflejen en el arte?... misterios de la vida.
Syndone ha grabado un disco con nueve títulos inspirados en la mujer y sus diferentes características, caracteres y pasiones. No quiero saber nada de la letra porque a mí solo me interesa la música pura. Un trabajo nuevamente corto de 44 mtos pero intenso y sinfónico afín a la línea de los últimos trabajos de la banda. Pianos fabulosos y teclados exuberantes dominan la escena con una compleja orquesta sinfónica de Budapest predispuesta a la lujuria. Como siempre los estilos se entremezclan hasta la decadencia estética. La voz peca de lo mismo: exageración y dramatismo y me recuerda bastante a Freddie Mercury y sus tendencias operísticas. Nunca he soportado a Queen así que no insistiré demasiado. Las partes instrumentales son como siempre excelentes y salvo los coros si no cantasen sería preferible.
Dejo aquí el tema del progresivo italiano y la próxima semana nos subiremos por las tierras soviéticas, es decir meterme en otro jardín mucho más desconocido.
Cuando salió este doble CD y tercero de la banda, casi todos los que formábamos el equipo progresivo de la época coincidimos con unanimidad en que nos encontrábamos con la piedra filosofal sinfónica de los 90´s. En esa década para mí, el otro disco fundamental al lado de éste fue el “Ever” de IQ y sigue siéndolo.
Por aquel entonces también andaban pisando los talones otra banda interesante como los norteamericanos Spock´s Beard y también de como se colaron en el género los ultra duros Dream Theater. Yo no sé como explicar esto: Los Theater son un grupo de metal ultra técnico muy profesional pero no son rock progresivo. No existe eso que llamamos metal progresivo. Lo siento. O se es metal o se es progresivo y por esa razón anda la gente tan equivocada hoy día. Ahora bien, si me dices que es rock altamente evolucionado estaré de acuerdo contigo. Puedo admitir que esa etiqueta sea “metal inteligente” por contener mayor riqueza musical en la composición. Tienes ejemplos como los excelentes Opeth con las mismas características y en ambos casos es música potente de calidad pero no es rock progresivo. Genesis que fueron unos ingleses pijos decían que lo suyo no era prog rock sino baladas primaverales. En casa del herrero sartén de palo. Ahhh! pero curiosamente lo que menos hay en el progresivo es “rock”. Ya os habíais dado cuenta…? Perfecto. ¿Os viene algún trío canadiense a la memoria que no es prog?... Que listos. Dicho de otra manera: cuanta más dosis hay de rock menos hay de progresivo. Un prog mira mucho más lejos: hacia la clásica, el modernismo principios de los XX, el jazz, la fusión, la electrónica, el renacimiento, lo folk, lo céltico, y en últimos extremos la experimentación o la vanguardia. El rock está. Sí, incluso el pop, pero no es el ingrediente principal. Esto hay que tenerlo en cuenta a la hora de clasificar un estilo y saber musicalmente a qué grupo eres afín y a quienes no. Aunque lo cite es solo como un dato. Esto no es importante a nivel social ya que en las amistades no tiene por qué haber coincidencias o gustos similares (por experiencia te llevarás mejor si no las hay) Yo casi nunca hablo de música con gente cercana, amigos o conocidos (J.J. lo sabe) y las excepciones son rarísimas. Por eso lo hago en estas páginas. No te puedes imaginar lo aburrido que es poder imaginar a otra persona igual que tú. Que coñazo. De joven me encantaba ahora no tengo el más mínimo interés porque, aparte de aburrir a todo el mundo, es una pérdida de tiempo y una ridiculez. Lo normal es que en gustos estés completamente solo y oigas la música exclusivamente para ti o incluso la hagas para ti. Ese es el final del camino para todos los que nos gusta la música de cierto nivel: la bendita soledad y la autosuficiencia. Bastante cruz lleva ya uno solo. Pero la música sigue siendo entretenida siempre que seas consciente de que eso solo está en tu cabeza.
Cuando me llegó “Stardust We Are” aún tenía la edad de sentirme un privilegiado. La vanidad de ser un “sinfónico” de tener un gusto exquisito. Cosa seria por entonces que enarbolabas con el engreimiento y la prepotencia propia del imbécil pedante. Pero a cierta edad y yo entonces ya era cuarentón cuando ocurrió, los castillos se derrumban como los naipes porque todo lo que sientes, sabes y conoces no sirve absolutamente para nada. La vacuidad de la vida es absoluta. Existe un dato curioso y es cuando a un músico nadie lo conoce seguramente estará haciendo su mejor música, pero en el momento de la fama irremediablemente su creación será inversamente proporcional a su talento. No es el ejemplo exacto quizás en The Flower Kings pero el problema es que en “Stardust” subieron muy alto. La música era soberbia, las melodías estupendas y las composiciones extraordinariamente complejas y trabajadas. Tocaron techo muy pronto y los siguientes discos serían sin duda muy buenos, pero nunca superarían, al menos a mi juicio, lo conseguido en este tercer disco. Da igual que canción o tema elijas en este disco. No voy a nombrarlas porque si lo empiezas debes terminarlo de la primera a la última nota. Le dije a Tomas Bodin en Barcelona: ¿Tocareis la suite de 25 mtos entera? Y me dijo algo gracioso como que no la tenían suficientemente ensayada para tocarla en directo y sería algo reducido. Así fue. Pero en absoluto me dio la sensación de falta de ensayo lo que es probable que fuese cierto. Tocaron como un reloj. Fríos como buenos suecos pero claro unos tíos así que dominan a ciegas cada instrumento para que cojones van a ensayar me dije.
Con “Stardust We Are” necesitas mucho tiempo, lo siento es así. Hay tal cantidad de detalles cambios y melodías que es imposible hacer una minuciosa crítica tema por tema. Ahí lo tengo. Al lado del Tales, el Selling, el The Lamb, el Thick, el Subterranea y unos cuantos más. Si no has oído este disco y te gusta el rock sinfónico creo que ya has esperado demasiado. Éramos polvo de estrellas. Yo ahora solo veo el polvo encima de mi mesilla y mi señora con sensatos argumentos me lo recuerda.
