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LITTLE TRAGEDIES: Discografía-Inicio- Passions of Titanic (1999)

Las Pequeñas Tragedias fue probablemente la primera banda rusa progresiva sinfónica que escuché. Para un amante irredento de la música clásica rusa como yo, el hecho de que el rock sinfónico fuese algo tardío en ese país, me resultaba decepcionante pero comprensible, atendiendo a su historia y a su situación política, así como a su aislamiento férreo obligado por sus autoridades y su maquinaria de propaganda anti-occidental. Sin embargo, las escuelas de música y sus conservatorios siempre fueron respetados por el régimen soviético al margen de la desconfianza y trabas puestas a todo lo occidental que viniese fuera de sus fronteras. El nivel musical, técnico y académico proveniente de los países del este fue en cierta forma la envidia de Europa y de América. Dicho de otra forma, técnicamente era muy difícil competir con los rusos y sus intérpretes músicos. Imagino la disciplina férrea y perfeccionistas de los conservatorios de San Petersburgo o Moscú y puedo hacerme una idea a que nivel de ejecución se llegaba. La pena es que no hubo equivalentes en su momento a los dinosaurios progresivos europeos por razones obvias. No podemos cambiar la historia, pero sí apreciar lo que buenamente se hizo a posteriori. 


El compositor y teclista Gennady Ilyin se formó como muchos otros, en el conservatorio de San Petersburgo. En 1988 se une al guitarrista Igor Mihel en la ciudad rusa de Kursk y empiezan a interesarse por una forma de Art-Rock aunque por entonces Gennady compone principalmente para orquestas de cámara y sinfónicas. Hay un lapsus desconocido hasta 1994 año en que Little Tragedies se configura como dúo, pero no es hasta 1999 cuando aparece el primer proyecto de Gennady e Igor bajo el título de “Passions of Titanic”. La técnica perfeccionista les permite ser una especie de ELP a la rusa. Gennady Ilyin emplea muchos instrumentos analógicos de teclado por cortesía del Art Technology Studio de Moscú y su forma ocasional de cantar entre el recitado y la poesía rusa será un escollo para muchos por las peculiaridades eslavas y su “concepto de melodía” esa forma de cultura intimista y personalista que puede estar muy alejada de los gustos occidentales. Dicho esto, es preferible centrarnos en la música instrumental si no somos capaces de asimilar ese aspecto. 

La tremenda estructura de composición sinfónica de su primer trabajo se establece en siete cortes sumamente interesantes con una clara base académica que parte desde influencias a lo Sebastian Bach y otros dibujos musicales del barroco, hasta un innegable gusto por lo experimental y cinematográfico. La música construye imágenes sonoras, pero siempre con un trasfondo de seria solemnidad, de gravedad en el ambiente. Los artilugios teclísticos de toda índole se mezclan con severos y tristes pasajes acústicos de guitarra. No es una escucha relajada a pesar de todo. La tensión y melancolía están siempre muy presentes por muy “quieta” que parezca la música. Tampoco su escucha es fluida o ligera ya que la constante sensación de ansiedad y preocupación enrarece el ambiente. No lo definiría como música de situaciones y momentos, pero si como una película de misterio y de brumas con algún toque de comedia surrealista-dadaísta como ocurre en la cuarta pieza y su burlesco sonido de sintetizador. La sombra de Pachebel y la peculiar voz en ruso de Gennady aparecen en los “Versos de Bronsky”. Afortunadamente es corta y la única cantada en unos tres minutos porque reconozco que son poco aceptables para un oído occidental los fraseos tragicómicos y casi disonantes. La sexta pieza es un paseo original por los viejos sonidos setenteros de hammond y moog un poco como si el fantasma de Modest Mussorgsky los poseyera con la figura de Emerson de por medio. Concluye todo con la suite “Titanic”. Un cuarto de hora de profundidades dramáticas en una mini sinfonía de niebla, hielo y fantasmas.


 En este primer contacto con las pequeñas tragedias recomiendo no escucharlos con prisas. Te van a pedir que tengas cierta experiencia en músicas de conflicto sonoro y de complejos arreglos y sonoridades. Se te puede hacer áspero o fascinante dependiendo el estado anímico y carácter de cada uno, pero eso naturalmente depende de ti. Lo que es seguro es que para bien o para mal no te dejarán indiferente. 
Alberto Torró




Temas
Temas
1.- Track 1
2.- Track 2
3.- Track 3
4.- Track 4
5.- Onverses of Brodskiy
6.- Track 6
7.- Titanic

P:D: hoy llegamos a los 2.000 artículos publicados, más de seis años de trabajo rescatando joyas perdidas.






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HAPPY THE MAN: “Biografía, historia y discos.” (Inicio) - Happy The Man (1977)

 Bueno quizás debí empezar con “Feliz el Hombre” en esta sección USA porque realmente son ellos los que hicieron el verdadero rock progresivo en la década que debían hacerlo mientras otros contemporáneos y compatriotas suyos estaban más interesados en las radio fórmulas y en las ventas comerciales, que de hacer una música más minoritaria, más interesante y más compleja destinada a gente con un oído más refinado y culto.


 Happy The Man no pretendieron nunca la espectacularidad del rock de arena y abarrotado de fans. Son un poco como las bandas de canterbury o del rock en oposición o las de fusión británicas o francesas de la época, pensadas para gente que va a un concierto a escuchar música sin necesidad de fuegos artificiales ni aspavientos épicos, ni numeritos de gran vedette faraónicos para impresionar al personal. Hay dos tipos de músicos: los que tocan verdaderamente lo que quieren y les gusta sin esperar segundos resultados y los que salen al escenario tan solo como negocio, vanidad o ego. Es sencillo de entender. Si la música es de calidad o no es otra cuestión. En ambas formas de entender este arte existen diferentes alternativas o modo de ver las cosas. Lo que está claro es que Happy The Man son músicos de verdad que ya es decir mucho.

Se forman en Virginia en 1972. En un principio el proyecto lo integran el guitarrista Stan Whitaker y el bajista Rick Kennell pero pronto se unen el drummer Mike Beck y dos teclistas: Frank Wyatt y Kit Watkins quien sería más conocido por entrar en la filas de Camel en 1979 aprovechando la primera disolución de su banda. A mediados de 1975 se instalan en Washington DC y comienzan a desarrollar elaboradas composiciones muy influidas por el sonido progresivo europeo. Aquí se cita a Génesis a Yes y a los de siempre pero curiosamente yo no encuentro ninguna similitud en sus discos hacia esos grupos. Se habla incluso de que Peter Gabriel quiso contratarlos como teloneros para la gira de su primer álbum, lo que no le veo mucho sentido por la disparidad de criterios musicales. En los 70´s grabaron tres discos oficiales, aunque el tercero se editó tardíamente en 1983. Otras grabaciones más tempranas serían editadas años más tarde.


 Su primer trabajo “Happy The Man” se graba para Arista Records en 1977, como digo completamente alejado de otras bandas millonarias como Kansas que por entonces ya iban por el disco de platino. Hoy día este disco como el siguiente “Crafty Hands” de 1978 son considerados dos clásicos del género. Las composiciones van a ser casi instrumentales y alejadas del hard rock propio americano. Wyatt aparte de teclado toca también saxo y flauta al igual que Watkins quién se rodea de una amplia gama de teclados y un distintivo sonido de moog que les dará una denominación de origen muy especial y única. 


Definir el estilo de Happy The Man no es tarea fácil. La música es fresca, imaginativa, brillante y con ese toque de fusión jazz tan particular que disfrutarán de alguna forma los conocedores de la escuela canterburiana por la proximidad estilística y los elaborados arreglos, aunque sin llegar a comparaciones porque también hay otros perfumes distintos a esas bandas británicas. Son americanos y la sombra de compositores clásicos o de jazz temprano como George Gershwin y formas rítmicas complejas están presentes. Una cosa que sorprende es la limpieza y claridad, el cuidado sonido y la interpretación. También la concreción. No son piezas excesivamente largas, como mucho llegan a los 8 mtos, pero al igual que otras bandas como por ejemplo Gentle Giant son capaces de meter en cuatro escasos mtos toda una avalancha enriquecida de música de alto nivel. La delicadeza Watkins de “Starborne” nos inicia en la aventura para seguir por derroteros diferentes en cada una de las piezas que se van desarrollando: la casi zappiana “Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest” tiene su miga. “Upon The Rainbow” es una deliciosa canción con la voz de Stan Whitaker y un adictivo jazzy prog. “Mr. Mirror's Reflection on Dreams” es un encantamiento de estructura musical absolutamente maravillosa entre lo clásico, lo modernista y el jazz más elegante y elaborado. Una delicadeza y elegancia nada habitual en el prog americano de la época. “Carousel” sigue con el piano clásico y excitantes armonías sinfónicas. Los solos de moog son adictivos. “Knee Bitten Nymphs in Limbo” nos lleva de nuevo a los terrenos propios de Frank Zappa cruzados con National Health o incluso Chick Corea pero con un sentido melódico único y fácilmente recordado en tu mente. La tranquila y deliciosa “On Time as a Helix of Precious Laughs” es la segunda canción del álbum y nos lleva a comprobar el competente archivo de ideas originales del que esta banda goza. Otra cuestión es que la música es generalmente alegre y bondadosa, exenta de drama y destinada a alegrar el oído. “Hidden Moods” es juguetona y sumamente agradable pero es “The New York  Dreams Suite” la que cierra el disco con la elegancia debida de la que presume todo el álbum. Una joya de los 70´s que todo prog debería tener. Continuaremos la semana próxima.
Alberto Torró










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ZONDA PROJECKT - Viento de Toda la Vida 2003 - 2006 (2015 - VIAJERO INMÓVIL)

Argentina es uno de los puntos calientes en rock progresivo desde finales de los 60. Y eso ha seguido en el nuevo siglo. 


Desde Mendoza, salió al mundo a comienzos de éste,  Zonda Projeckt. Banda instrumental con influencia de King Crimson-años 80. Lo que no deja de ser curioso, pues no suele ser el período que más seguimiento tenga (aunque ahora recuerdo a nuestros Difícil Equilibrio). También pueden sumarse otras influencias, para mi gusto más interesantes. En 2002 editan el superlativo y único album de estudio,  "El Llanto Secreto de la Luna". Sus componentes eran Mario Mátar (guitarra, midi y procesador, ex-Altablanca), Ernesto (Erni) Vidal (bajo, e-bow,  stick), Eduardo (Tuti) Vega (batería acústica y eléctrica), Gabriel Correa (piano eléctrico,  teclados, del 2002 al 2004). Siendo sus reemplazos en 2005-2006, Leo Costa y Andrés Marino. 

Éste segundo disco, publicado por Viajero Inmóvil cuando la banda ya estaba deshecha, resulta ser material en vivo recopilado entre el 2003 al 2006. Incluyendo temas inéditos y alguna que otra sorpresa. Para empezar, el tema título abre con un salvaje bajo (o stick), del que se bifurcan melodías de los demás miembros, durante sus casi 6'00 minutos de exposición. Música llena de sentimiento y nostalgia que me recuerda a sus paisanos Alas, para nada reñida con un alto virtuosismo instrumental. Dejando respirar cada elemento, en inteligente y democrática  conversación. Saben organizarse a la vez que expresan en modo solista altamente sensible. Definiría su contenido como progresivo derivado al jazz rock sin tocarlo explícitamente,  de melodiosa raigambre argentina. Nada de clichés aquí. Ahí tenemos el ejemplo de "Perfume" (7'20), con sus ideas de original calado y gloriosos arreglos inesperados. Siempre sorprendente sección rítmica y acertados disparos solistas de guitarra / teclados, llenos de elegancia. Como si Pat Metheny entrara en jam-session con Happy the Man o incluso Camel. Destacando la solvencia teclistica aquí de Gabriel Correa.

 "Miedo al Silencio" (11'35) incluye una improvisación que le da consistencia mayor a la pieza. Se debe insistir en la alta calidad compositiva de éste grupo, muy comprometido en transmitir emociones por medio de preciosas melodías.  Para dar paso seguidamente a un viaje krautie donde el ritmo hace las veces de un secuenciador,  con un moog en vuelo permanente pleno de amables detalles. Música ésta muy positiva y que, además de entusiasmar, levanta el ánimo más decaído.....Punto importante, éste.  Para "El Equilibrio" (5'26 ), la guitarra habla en lenguaje wah wah, en homenaje Zappa y con intervención solista espectacular. Le contesta un teclado cercano a Kit Watkins. "El Llanto Secreto de la Luna" (6'41) es otra jugosa delicatessen que recuerda los trazos engañosamente naive de Happy the Man, donde confluye la técnica sobrada, con humildad y astucia,  más el sensible tacto de la sedosa armonía como ansiado fín. Arte que Zonda Projeckt dominan como buenos argentinos. Un don divino, el de ésta gente. Homenajean a King Crimson 80s con "Frame by Frame" (8'37), corregida y aumentada, en improvisación libre al albedrío de la banda. Y como el gusto de éstos es de altos vuelos, la pieza se convierte en otra cosa, absolutamente magnífica. 

En "Luz de Inocencia" (8'40) sucede al revés,  que primero exponen su delicada pieza, entre Gary Burton y Ralph Towner, y luego la metamorfosean con la celeberrima intro de "Tubular Bells" llevada a su terreno, (aunque algo impostada). "La Naranja Violeta" (7'02) es un blues jazz bastante heterodoxo para las formas de Zonda Projeckt, aunque resuelto con supremo gusto y orientación Robben Ford. Volvemos al prog puro en "Scatterbrain" (3'53), si bien el sabor jazzistico siempre está ahí, y si digo que me recuerdan aquí a Iceberg, no me iré mucho en su descripción. Mientras que "Dynamo" (5'04) propone algo más actual, como una fusión entre Niacin con Jeff Beck a la guitarra. "Lucy y los Hijos del Monte" (3'37) recuerda a esos momentos jazz rock de Spinetta Jade, donde estás esperando la eterna voz del Flaco en cualquier momento....Terminando con "Cicatriz" (6'16), en una enigmática melodía que podría perfectamente musicar los títulos de créditos de una peli o serie de misterio.


Zonda Projeckt tuvieron corta existencia, igual que su legado de dos discos, pero algo me dice que el tiempo se encargará de acrecentar su nombre. Merecieron más proyección internacional. Eran extraordinarios.
J.J. IGLESIAS





Temas
Track 1 - Viento De Toda La Vida - 00:00 
Track 2 - Perfume - 05:53 
Track 3 - Miedo Al Silencio + Improv.- Quintanilla 1 - 13:13 
Track 4 - El Equilibrio - 24:48
Track 5 - El Llanto Secreto De La Luna - 30:14
Track 6 - Frame By Frame + Improv.- Quintanilla 2 - 36:55 
Track 7 - Luz De Inocencia + Tubular Bells intro - 45:32
Track 8 - La Naranja Violeta - 53:42 
Track 9 - Scatterbrain - 1:00:45
Track 10 - Dynamo - 1:04:38 
Track 11 - Lucy & Los Hijos De Marte - 1:09:43 
Track 12 - Cicatriz - 1:13:20








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BACAMARTE - Sete Cidades (1999, Bacamarte)

El guitarrista Mario Neto es el factótum del trabajo debut de los brasileños Bacamarte pues, además de componer seis de las nueves creaciones incluidas en ese elepé titulado Depois Do Fim, posee una concepción en el trato de la guitarra que les aventaja frente a muchos vecinos artísticos. Entendedor de la mezcla entre la guitarra española o clásica con los ataques eléctricos sinfónicos, Neto maravilla desde una línea gruesa y bien marcada donde la sutileza reside en su arte para saltar del acústico a la tempestad del enchufado. 


El álbum se graba en un 1977 que estaba pleno de ebulliciones progresivas; sin embargo, y de manera casi incomprensible, no será hasta 1983 cuando vea su definitiva puesta de largo en las tiendas. Inspirado por la primera etapa de los italianos Premiata Forneria Marconi, Bacamarte engrandece las melodías gracias al preciosista registro se su vocal Jane Duboc. El grupo se completa con el medido engranaje rítmico de Mr. Paul, Delto Simas y Marco Veríssimo, más la flauta de Marcus Moura y los coloristas teclados de Sergio Villarim.

En 1995 Rarity Records edita en CD aquel inicial Depois Do Fim, por lo que las nuevas hornadas de oyentes acólitos del rock progresivo descubren a este grupo de culto con fantasmal carrera de único elepé en estudio. Mario Neto, crecido ante esta segunda oportunidad, y mostrándose ya como el multiinstrumentista depurado que es, pone en marcha nuevamente Bacamarte cual proyecto personal. El teclista Robério Molinari constituirá el único punto de apoyo adicional. El nombre con el que titulará el CD, Sete Cidades, el que resultaría segundo álbum del brasileño bajo esta apuesta, es muy significativo. 


Sete Cidades es una espléndida y misteriosa localización geológica brasileña convertida en parque nacional. De dicho enclave se dice que fue la morada de una civilización ancestral, llegándose a barajar el hecho de que fuese creado por alienígenas. Todo esto casa con el amor de Neto por lo desconocido y por esa ciencia ficción que afloraba en temas como "UFO" de Depois Do Fim. Aun así, y aunque ese aura de más allá de las estrellas acune la obra, las letras inspiradas en poemas y cortos escritos dibujan un análisis sobre la distribución de la tierra en relación al estatus social, y las injusticias que se han cometido por dicho clasismo. 

Las faltas se notan en la perdida de Jane Duboc como vocal, una voz femenina que aportaba seña de identidad a tan magno combo. Ahora como banda de uno, obra de solista con mínimo acompañamiento, Mario hasta se atreve con las estructuras jazz de evidencia supina ("Canto Da Esfinge"). Igualmente se permite el creativo maravillar con arreglos ambient melódicos y suaves en "Espírito Da Terra", posiblemente una de las composiciones clave de este lanzamiento.

por Sergio Guillén Barrantes








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ZOFFF- FFF (2018 / FULL MOON)

Cae en mis manos una de esas gacetas de la modernidad que regalan en los bares todos los meses....las llamo "modernas", porque si les pongo el último nombre del postureo del momento, puede que ya me haya quedado anticuado. Comenzaron grunges y brit-pop, pero ahora son trip hop,  r'n'b urban, "electrónica" (hay que risa!), dreampop, electrotrash, electropop, post-punk, EMO, indie pop, trap, shoegaze, post-hardcore, post-rock, techno house, celtic punk...Pero miren ustedes, cada mes, siempre, siempre,  hay un grupo de barbudos-imberbes que tienen que soltar la palabreja rancia, vintage y viejuna : kraut. Otra cosa es que lo hagan, que no. Pero resulta que para la modernidad, hacer kraut es la mar de moderno y no necesitan cambiarle el nombre. Es cool, da clase ante las amistades. Pronto lo pudrirán con kraut-dance, post-kraut o trip-kraut, si no lo han hecho ya.....


Los británicos Zofff sí que hacen kraut del de verdad, sin postureo alguno. Demasiado underground para ésos charlatanes de feria, vendedores de humo y mediocridad. Chris Anderson (bajo), Richard Gorbutt (Modular synth), Bic Hayes (guitarra), Al Strachan (Monophonic synth, trompeta) y Damo Waters (batería y percusión), editaron su homónimo debut en 2014. Le siguió el álbum en directo "Kozfest MMXVI" (2016) y "FFF" (2018), último álbum en estudio que hoy sometemos a análisis.  Y aún editaron a finales de ése mismo año "IV", otro live que aclara lo seguros que se sienten Zofff encima de las tablas, improvisando ante un público atento. Así que elaborar buena música instrumental improvisada se hace "coser-sin-cantar", para éste quinteto inglés. 

Si hacemos inmediata inmersión sonora en la inicial "Ye" (10'16), lo primero que percibimos son vibraciones y perspectivas novedosas, dentro de un campo sin puertas en el que se revelan y se rebelan libres, anárquicos.....libertinos. Necesario rol para tal empresa. No hay límites,  ni reglas,  ni "cordones sanitarios", ni "líneas rojas" musicales. Como una reencarnación de Can, entran en trance con no poca pericia instrumental y energía experimentadora. Y como ellos, el factor rock es tan importante y cuidado como el electrónico. De hecho conviven en el planeta Zofff felizmente. Guitarras ácidas West Coast a la Cipollina-Karoli, con teclados burbujeantes de curiosos sonidos a la Hoenig-Schmidt. Y una killer percusión con motorik impreso en su alienígena ADN, fieles discípulos de Czucay - Liebezeit. 

Sin un segundo de silencio, "Vav" (6'58) tiene un leve sabor Ozric que pronto desaparece en favor de territorios vírgenes.  Las correrías sintéticas por los pasillos mentales del edificio Zofff son divertidas, gamberras y no atienden a llamadas al orden. E imperan en éste corte. Que pronto es enlazado con "Har" (2'58), "motorikeando" con salero y con un percusionista infalible en tales artes. El mástil frippea surfeando ondas magnéticas, y donde el modular se convierte en un generador para los paseos cósmicos de toda la tropa. Ahora llega "Dig" (5'57) con la mística sensación de una misteriosa trompeta del más allá. Ecos de un lejano tiempo puestos al día con técnicas de hoy. Un atrayente envoltorio onírico propiciado por drones catalépsicos y esquizoide guitarra serpenteante. La trompeta se lleva el mérito  por su enigmática impresión,  pero sin el atrezzo del resto, no sería igual de fascinante. Zofff es un todo.


"Ca" (2'11) es rock psicodélico a bocajarro, con la energía de otro mundo. Puro hard rock alienígena. Y "Zeta" (8'45) finaliza un disco que se pasa en un segundo, por lo entretenido y ameno del planteamiento. Con el canturreo de un sintetizador parlante rodeado de planeadores fraseos y líneas fractales sonoras que crecen en intensidad ritual. Dando paso a momentos de reposados susurros analógicos,  como lamentos de tardígrados en su soledad más absoluta e imposible. No creo que veas a Zofff en tabloides modernos, no tienen lo que hay que tener para soportarles la "mirada auditiva". Ah, y como los modernos, esto no es kraut......es tuark.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Ye 00:00
2. Vav 10:17
3. Har 17:15
4. Dig 20:13
5. Ca 26:11
6. Zeta 28:22

  




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BLUES BLASTERS ‎– Live From The Open Road (1984)

Speedo 'Harmonica' Jones es como su nombre indica un armonicista, nacido en Brooklyn, que desde muy joven comenzó a escuchar a los grandes del blues. A los 14 años inició su carrera siguiendo los pasos de músicos como Paul Butterfield y James Cotton.


En alguna entrevista ha contado que la primera vez que asistió a un concierto fue para ver a Savoy Brown. Una de sus primeras bandas  fue Blues Blasters y en 1979 se integra brevemente en la Chris Youlden Band con los que toca en la convención de Rock Ages en Nueva York. Dos años más tarde forma Speedo Jones All-Stars por la que pasarían músicos como Jon Specter, Peter Malick, Kim Simmonds, Billy Troiani, Keith Lambeth, Harry Holt, Skates Bandura, George Morales, Mike Idarola, Joe Hamm,  David Cohen, Dave Keyes y Mitch Margold entre otros. En 1988 graba su primer disco, ""Have Blues Will Travel", con la participación de Mick Taylor. A principios de los noventa se traslada a Suecia donde sigue desarrollando su carrera musical. Su discografía se completa con: "Blues from the Archives, Vol.1", "Night Train to Stockholm", "Remembering Bloomfield" y "Blues from the Archives, Vol. 2". Por último decir que ha estado presente en grabaciones de Albert Collins, Charles Brown, Larry McCray, Climax Blues Band, Matt "Guitar" Murphy, Mick Taylor y Kim Simmonds.


En el treinta aniversario de Speedo 'Harmonica' Jones sus amigos deciden organizarle una fiesta concierto. El show se celebró en Nueva York el 19 de febrero de 1984. La base de la banda, Blues Blasters, estaba formada por Speedo Jones (armónica, voz), Billy Thompson (guitarra), Gary Bordonare (bajo) y Ricky Rothchild (batería). Como invitados tenemos a Peter Malick (guitarra) y John Spector (bajo) en los dos primeros temas de Speedo: "Psycho Ward" y "Everybody Say They Love Me (But Nobody Love Me At All That Much). En el clásico "Lucille" se une Delmar Evans (voz ), Kim Simmons (guitarra, voz) y Tim Bandura (bajo). Estos dos últimos también están presentes en "The Breeze" y ""Louisiana Blues". Cinco temas que nos muestran una pequeña parte de lo que fue una noche de blues .
J.C.Miñana

a





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JORGE FLACO BARRAL .........ACTUALIZADO! (Rockliquias Bandas)

Nació en Montevideo, pero es uno de los nuestros desde que viniera a España en los mediados 70. Pronto se hizo un hueco dentro "del rollo", como el gran músico que es.



Siempre se le recuerda por sus andanzas uruguayas con míticos nombres como Días de Blues u Opus Alfa. O sus actividades cuando llegó aquí, no sólo con Azahar, Azabache o Hilario Camacho. Con los ex-Máquina! , Enric Herrera y Emilio Beleriola. Con Mike Kennedy, Bueyes Madereros o Enric Barbat......Éste bajista, guitarrista, cantante y compositor (me dejo algo, fijo), no ha parado.

Hizo flamenco con La Susi, Manuel Gerena o Enrique de Melchor. Folk rock con Labanda. Country con Cañones y Mantequilla (con los que tocó en el Wembley Arena en 1991, en el International Fest Country Music, junto a Johnny Cash, June Carter o John McEuen).
Y así podríamos seguir con David Gwynn, Kevin Ayers (junto a Ollie Halsall), Moris......un no parar. Pero el blues siempre ha estado en su ADN : La Destilería,  Flaco Barral y los Criollos Blues, Ñaco y los Bluescavidas o en solitario.
Que hoy vamos a poner al día como se merece. Con ustedes,  JORGE FLACO BARRAL.


                                                  "UyyyUyUy!!"  (2017 / YOUKALI)

Con un viejo coche en marcha ponemos carretera de por medio en éste disco de 2017, con "Nos Vamos al Monte". Pura filosofía hippie a la que Barral ha sido fiel toda su vida. Un orgullo. Navaraj  Gurung en la tabla hindú,  Carlos Guerra al bansuri y voz y Jorge al chaturangui, bajo y voz solista. Esencial, de naturaleza única,  bohemia psico que atrapa y enamora. No puedo estar más de acuerdo con sus ideas. El tema título es en tono ragtime estilo Reverendo Gary Davis, con Barral tocando también acústica,  banjo, mandolina, turuta y lo que le echen. Dos armónicas,  blues del Delta y sentimiento / cachondeo al por mayor. "Instinto Animal" no pierde el buen humor, una constante en su estilo de escribir, con variables bluesísticas de desbordante imaginación. A lo que hay que añadir las distintas formaciones de músicos que se dan en cada tema. Eso aporta variedad, ideas distintas y una muy entretenida escucha. Como siempre dedica sus discos, (al menos los míos! ), "Amor, Amor" lo dice todo sobre éste gran músico y persona. Magnífico en la acústica blues, da gusto oírlo. En "Tiempos de Cambiar" está el piano de Kike Jambalaya, entre otros. Las letras siguen alegrándote la vida, aunque sea en tono blues, que no todo van a ser penas. Un excelente planteamiento positivo. Una que lleva mi nombre, "Julito", cuenta con la slide de Robert Hill o Stephen Jordan a la batería y percusiones. La retranca de la letra mola mil, seguro que está basada en hechos reales. Y los músicos se salen.


Otra coña a ritmo de rag, "Bla, Bla, Bla", me trae a la memoria el perdido arte de hacer letras inteligentes en éste país. Y una especialidad en el Flaco. Raga blues nos trae  "Ya me Estoy Cansando", con su inherente especial sensibilidad. "Hoy Me Quiero Emborrachar" , con un aire Ry Cooder, debería ser utilizada para alguna peli de carretera o similar. En "Años Lindos, Años Locos" se despacha él sólo con una declaración de principios biográfica a más no poder. Le escuchamos a la eléctrica, con la que no se prodiga, y es una lástima.  Para "Perro Flaco" trae a su amigo Ñaco Goñi a la armónica y Tonky de la Peña al dobro, en otro "blues de la puta vida", que tanto molan. Porque reírse es lo único que nos queda.

Cierra la sesión "Con Éste Do", con David Gwynn a la eléctrica. Es éste un álbum con alegría y ganas de vivir, donde el blues suena claro y natural, lleno de esencias e influencias, y con profesionalidad y encanto en cada tema.
Una joya, en serio.


      "Raga & Blues"
"En un lugar en Primavera - Live at Espacio Ronda, 
  Madrid, 2015" (2018 / YOUKALI)

Un álbum en directo y muy distinto presentaba al año siguiente. Aunque ésas influencias orientales ya estaban reflejadas en momentos de "UyyyUyUy!!". Carlos Guerra al bansuri y voz y Jorge Barral a la guitarra acústica.  Más Navaraj Gurung a la tabla como artista invitado. Aquí se dan cita las brisas sureñas del blues con la mística de las filosofías hindúes. El Mississippi y el Ganges, los dos en uno. Música instrumental de profundo sentido reflexivo y meditativo,  que transmite paz y serenidad al cuerpo, mente y alma. "Camino al Alba" (7'20) es todo eso y más,  en la primera jam raga del lote. "Abrazo de Shiva" (10'57) refleja ésa fusion imposible que éstos músicos logran con total espontaneidad. Barral se sale a la acústica blues. Siempre lo llevó en la sangre, y para él siguen siendo "días de blues". La melodía del bansuri casi se nos va al jazz por momentos, para que no falte de nada en la ecuación. La profunda paz que inspira "Raga Bhupali" (9'50) puede ser mentalmente sanadora. Sensibilidad extrema. Igual que en "La Ruta de la Seda" (9'24), un goce para los sentidos y apertura de percepciones sensoriales, (con o sin estímulos). Genial "Dale un Respiro"  (11'55), donde la acústica es tocada simulando un sitar, consiguiendo un sonido similar, y hasta un acercamiento flamenco. Gualberto estaría encantado. El desarrollo de la misma es incomparable y bellísimo. Y con "En un Lugar en Primavera"(8'10) se cierra un disco de auténtica magia instrumental,  con brillantes momentos y unas interpretaciones entregadas y desafiantes, dando cancha incluso a la improvisación. Una delicia.

"Tras las Huellas de Kerouak - En la Carretera" 
                            (2019 / YOUKALI)

Y así llegamos al último trabajo de éste año de Flaco Barral. Un disco-libro conmemorativo sobre la inmortal obra de Jack Kerouak, "On the Road".

Acompañado por los "sospechosos habituales" de su entorno, como son Robert Hill, Tonky de la Peña, David Gwynn, Carlos Guerra, Kike Jambalaya, Ñaco Goñi, David Bombo, Stephen Jordan, Alber Fuentes y muchos más. 

Se trata de una grabación spoken-word,  donde se van narrando diversas escenas del libro (y película) que ilustrara a la generación beatnick tanto como a la hippie. Material de primera para las pretensiones musicales de Barral, incluyendo excelente música de "road movie" y todo tipo de variaciones blues. Que nos dan un fiel reflejo de las andanzas de sus protagonistas por la paisajística sureña de los años 50. Destacar temas sería desmembrar un perfecto todo-compacto, un auténtico concept-álbum, más bien un relato musicado y narrado con intuición de sincero homenaje. Una idea total que debía estar rondando la cabeza del Flaco y que conecta a la perfección con su estilo de vida y música.  Todo un acierto y algo realmente logrado, que está presentando éstos días  en compañía de amigos e ilustres amistades del nivel del gran Claudio Gabis. Leyenda a la altura del mismo Jorge Flaco Barral. El cual resulta una alegría y un triunfo creativo verlo tan activo y con tanta calidad en cada uno de sus proyectos. Tres discos en tres años, distintos entre sí pero con un nexo común  : El indudable talento de éste gran músico. Eterno, Barral.
J.J. IGLESIAS

 "UyyyUyUy!!"  (2017 / YOUKALI)

"Raga & Blues"



Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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RMP - For The Light

Se trata de un proyecto de dos músicos del área de San Petersburgo: el guitarrista Vladimir Mikhaylov y el teclista Ivan Rozmainsky ayudados en este caso por Leoniv Perevalov al clarinete, Yurii Groiser en los tambores, Natalia Fyodorova al gusli (instrumento autóctono de cuerda y uno de los más antiguos de Rusia) y Anastasia Mikhaylova a la voz.  


Según leo en los créditos son miembros de diferentes bandas rusas entre ellos la de Roz Vitalis del que hablaremos en su momento. El sonido del gusli me recuerda a la antigua arpa céltica pero más monocorde y sin tantas posibilidades armónicas. En este disco no vas a encontrar una música que se quede fácilmente. Hay elementos etnicos de ambient, camerísticos, de folk, de clásica, de blues, de jazz y de influencias progresivas retorcidillas en ese mejunje llamado prog ecléctico. No te va a sonar a nadie porque son composiciones prácticamente instrumentales y muy personalistas con algún ramalazo vanguardista y sicodélico en su vena más intelectual y voces que se usan más como adorno. La música es fría y descriptiva, evitan prácticamente el lado melódico agradable para sustituirlo por música de aristas arquitectónicas, escenas cinematográficas o un paseo pictórico silencioso lleno de bodegones bien pintados pero sin alma. Es un trabajo para amantes de música aséptica. Para los que trabajan en una biblioteca y toman apuntes. Los que hacen mezclas con tubos de ensayo y gafas de 10 dioptrías o los que coleccionan estelas mortuorias mientras lo escuchan. En general para los que les gusta aburrirse y son felices. Hay mucha gente feliz no haciendo absolutamente nada. Esta música que sin duda a los que se aburren les parecerá muy interesante, me recuerda a aquellas películas de los años sesenta y principios de los 70´s tipo Bergman, Herzog o Lynch. Encantadicos de la vida estarían con esta banda sonora. 



Poco más tengo que añadir, pero este es sin duda un disco particular para que coleccionen los más entusiasmados en cosas peculiares. De todas formas, yo no veo la luz aunque la temática del trabajo sea esa precisamente. Por otra parte, es gente con buenas referencias y músicos de altura. La cuestión de la emoción ya es otro cantar.
Alberto Torró






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