En 1992 la salúd de Rory Gallagher se encontraba bastante deteriorada (moriría tres años más tarde). Estaba bastante harto de que sus conciertos aparecieran en formato "pirata" por ello se decidió a rescatar algunos de sus shows bajo su producción. El resultado fue "G-Men. Bootleg Series Volume One" un triple Cd que contenía la grabación que hoy presentamos " The Bullfrog Interlude".
Nos metemos en la capsula del tiempo y nos trasladamos a 1973. En ese año Rory introduce cambios en su banda con la incorporación del teclista Lou Martin (Killing Floor) y el batería Rod de'Ath que sustituía a Wilgar Campbell. En el bajo seguía Gerry McAvoy. En febrero edita "Blueprint" y en noviembre llegaría su cuarto albúm en estudio,"Tatto". También participa en las London Sessions de Jerry Lee Lewis.
La grabación corresponde a la actuación de Rory Gallagher en la BBC en 1973. Acababa de editar su tercer disco en solitario, "Blueprint", y estaban en la gira de presentación. En cuanto a la música tenemos a Rory en plena forma tocando temas de rock blues como "Hands off" o "Race The Breeze", clásicos del blues con su acústica como ""Banker's Blues" ( Big Bill Broonzy). También encontramos temas tradicionales muy presentes en todas sus actuaciones como "Hoodoo Blues " y "Bullfrog Blues" con solo incluido del bajista Gerry McAvoy y del batería Rod de'Ath. A destacar "What in the World", un blues que pone los pelos como escarpias. No me quiero olvidar de los solos de Lou Martin que con su piano eléctrico da otra dimensión a los temas de Rory. Sin duda un buen preambulo a lo que vendría después, me refiero al "Irish Tour '74". El disco se completa con tres temas de 1972.
Luis Cobos se hizo famoso en 1982 por "Zarzuela", disco grabado en los estudios Abbey Road con The Royal Philharmonic Orchestra. También por su colaboración con grupos de la movida madrileña como Mecano, Olé- Olé, Tino Casal entre otros. Pero mucho antes a mediados de los 60 sus inquietudes eran otras.
En 1967 Luis Cobos (teclados, flauta) y su amigo Serafín Alberca (Trompeta) abandonan La Filarmónica Beethoven del Campo de Criptana. Junto a otro manchego, Alfredo Lozaya (guitarra) se trasladan a Madrid para abrirse camino. Establecen contacto con el ambiente musical de la capital y participan en algunas sesiones con el grupo Mermelada. Poco a poco van fraguando un proyecto al que se unen Ernesto Herrero (batería) y Rafael López (trompeta) y Danny McKanlly (Voz). También se incorporan Tomás Zazo (saxo) y José Luis Lenguazco (órgano). Realizan diversas actuaciones en la discoteca Stones que les proporciona un contrato discográfico con Movieplay y en el 69 editan su primer single, "“Strong Lover / West Soul”. Después de la publicación de varios singles y algunos cambios en la formación (se van Zazo y Lenguazco y son sustituídos por Luis Miguel Fornés - teclados- y el guitarrista Rafael Ríos, pasando Serafín a tocar el bajo) consiguen un gran éxito con "Preparad el camino al señor". Por fín en 1973 editan un larga duración, "Harmony". La banda se disolvería al año siguiente.
Este primer y único disco de Conexión contiene seis temas cantados en inglés donde se mezclan sonidos de soul, funk, rock y un incipiente progresivo. La grabación se inicia con "Harmony" con una gran entrada al piano de Luis Cobos y con un ambiente muy góspel. El segundo tema "Don't Cry" sigue una línea similar con sección de viento a lo Chicago. En "Hello my friend" se desarrolla la parte más experimental de la banda con una gran guitarra funk. "Our Music" progresivo mezclado con sonoridades a lo Blood, Sweat & Tears. "Summer Day" es uno de los más destacados de la grabación con un gran solo de flauta a cargo de Cobos. El disco se cierra con una larga suite de 15 minutos, "Concierto 1", donde la banda muestra todo su potencial. El disco se grabó en los estudios Kirios de Madrid y es un pedazo de nuestra historia musical.
Pertenecientes a la escuela del space rock nos llega esta super banda que de paso me sirve para cambiar un poco la línea y ofrecer un guiño a los amantes del rock ácido-electrónico en onda a Ozric Tentacles o Quantum Fantay y para los que sois más viejos recordaros a Gong o Steve Hillage.
Le decía hace poco a un joven músico neo-psicodélico pillado en los tiempos en que Pink Floyd era un grupo original y excitante: es decir 1968-1972. Digamos hasta Obscured By Clouds porque de la cara oculta hasta nuestros días Pink Floyd solo fue una máquina de hacer dinero y que se hable de ellos hasta en los telediarios. Le decía al chaval que si quería hacer música imaginativa buscase un trabajo fijo al margen del arte que le diese para comer. A mí me daría vergüenza salir en los telediarios por algún asunto musical y lo he dicho en muchas ocasiones: si hablan de ti y eres famoso algo estás haciendo mal. La excelencia en la vida está reñida con la fama. Si en la vida haces algo bueno y quieren comprártelo, desconfía de tus propias capacidades, porque solo te lo comprarán si es una verdadera mierda. Si has creado una maravilla nadie te va a hacer ni puto caso. No te quepa la menor duda de esta afirmación. La gente compra lo fácil y llamativo. Lo directo y previsible. Pertenecer al grupo de los que buscan pepitas de oro en la vida no te dará de comer. Hay que ser consciente de ello y por eso si alguien quiere ser rico y famoso ha de firmar un pacto con la vulgaridad. Y con el circo romano. La vulgaridad abre puertas. Un creador o un imaginativo a ojos del populacho triunfará siempre que sea un cada dura o un histriónico o un vende humos. Lo malo sobrevive siempre pero al honesto consigo mismo se lo cargan o lo marginan.
Naturalmente siempre hay un mercado por pequeño que sea. Cuando alguien decide hacer música debe tener en cuenta que a mayor calidad más pequeña será la oferta. En el mundo actual del rock importan más las tendencias y cuanto mayor sea la mediocridad mejor. Las bandas que hacen hoy día estilos minoritarios y música que requiera la participación activa de las neuronas lo sabe. Saben perfectamente que el mercado de la buena música es muy pequeño y escaso. Si van 30 personas a un concierto suyo y disfrutan con lo que hacen, siempre y cuando los músicos no tengan que vivir de ello y no suponga un gasto añadido, será un placer para todos. Cuando la música se convierte en trabajo y en medio de vida se ha jodido todo. No creo que casi nadie hoy en día viva de hacer buena música. Eso pasaba hace ya muchas décadas. Lo contrario es una utopía o las rentas te lo permiten. En general la mayoría de grupos y músicos de los que hablo habitualmente tienen un trabajo paralelo o un medio de vida alternativo. La mayoría de las veces lo dicen. No depender de algo es la mejor forma de disfrutar de ello. La paradoja es que los músicos ya jubilados y sin presiones tienen tiempo para hacer lo que no pudieron, pero ya se les han ido las ganas. La broma de la vida.
Quizás no viene al caso esta introducción con los rusos Human Factor pero ya sabéis que me encanta rellenar páginas con ocurrencias varias y apuntar cosas que ayuden a entender por qué las bandas jóvenes progresivas hacen las cosas de una manera altruista y solo por amor a la música. Alexander Meshcheyakov bajista. Ivan Ivanov guitarra. Sergey Volkov teclados y Konstantin Shtirlizt batería se juntan en Moscú en 2011. Con sobrada experiencia. Los músicos rusos se inician muy pronto y aprenden rápido. Estos músicos venían de una banda de rock prog instrumental altamente tecnificada y potente llamada In Front con un par de discos en su haber. El nuevo proyecto instrumental sería este factor humano que los llevaría a jugar con una música más ensoñadora y menos metalera-matemática así que en 2012 graban el extraño título de “4.HM.F” como debut. Algunos también califican este disco como una especie de “post rock”, música que personalmente siempre he identificado con cierto aburrimiento pero éste no es el caso. Hay bastante psicodelia “moderna” muy energética y desde luego la etiqueta “space rock” que siempre sirve para centrar un poco las músicas “evasivas” de cuelgue psicotrópico.
“Secretos revelados” ya nos pone en marcha con unos burbujeantes teclados, musculatura rítmica y guitarra ardiente y cósmica. El sonido es espectacular con un lirismo frío y planeador donde los sonidos se van sobreponiendo como capas lisérgicas y con una amplitud que se acerca a lo épico electrónico. Es música instrumental de pinceladas pictóricas con sus momentos calmados y su abrasión sonora de fuerte base acid rock muy próxima a la psicodelia setentera. Las ocho piezas del disco llevan la misma línea energética.
“Homo Universum” grabado en 2016 y con su siniestra portada es una continuación estilística del anterior y en una línea similar probablemente que sus compatriotas Maat Lander. Los teclados se combinan a la perfección con la acidez abrasiva de la guitarra que no dudes que lleva caminos muy melódicos a pesar de la fuerza sonora que imprime. Es una música de texturas melódicas, pero lejos de la abstracción que podría suponer el lado electrónico o atmosférico que se abandona más en sonidos espontáneos que en piezas estructuradas o armónicas que aquí encontramos perfectamente diseñadas. Puede que algunos califiquen este disco como un elegante rock indie, post o alternativo por la a veces sencillez de la alternancia de acordes cíclicos y empleo del característico eco en la guitarra, pero son demasiados limpios en sonido y muy precisos en la ejecución como para compararlos con las bandas encuadradas en ese estilo. Bandas que normalmente se pierden en aburridos monólogos y abuso de lo farragoso por falta de técnica instrumental.
El tercer paso sería “Let Nature Take It Course” del pasado 2018. Bastante superior al anterior. Hay un cambio de guitarrista y entra Pavel Vorobyov que además toca también teclados. El estilo es exactamente el mismo que los anteriores discos, pero quizás se acentúa aún más ese trasfondo de tristeza cool y de paisaje a lo Blade Runner que a mí me parece estar viendo si cierro los ojos mientras escucho cada trazo de colores lanzados como una pintura líquida al vacío de un abismo. Se imprime una extraña belleza gélida que como en el primer disco roza lo épico. Una especie de sinfonismo sintético desencantado donde hay un mayor uso de sintetizadores y de capas matemáticas de teclado en pura evasión. Las secuencias y riffs se entremezclan en un tejido instrumental con una densidad rockera a veces próxima a los veteranos Hawkwind y grupos similares. Tan solo en la última tremenda pieza de este tercer disco aparece una voz en off de un tal David Paulley. Pura música lisérgica del siglo XXI que a su vez deja un agradable sabor de paladar y como no, el sello de tristeza eslava.
Bueno lo estuve pensando. Que hacemos ahora. Por donde tiramos. Al final me decido por comentar algo progresivo sobre EEUU. Al final ya que me he metido en la tierra del vodka y los zares porque no compaginarlo con el otro coloso mundial. Rusia los viernes y América del Norte los jueves.
La guerra fría vamos. Bueno yo soy europeo que es un decir, porque a veces España y sus typical spanish costumbres “culturales” que nunca he llegado a comprender, más sus vergonzosas y salvajes fiestas taurinas, se parecen más al subdesarrollo que a la Europa de la ilustración. Bueno de momento aquí no nos tiramos de los balcones como hacen los ingleses en la costa mediterránea ni vendemos armas libremente como en el oeste americano. Algo es algo. Afortunadamente. No quiero pensar que harían los españoles armados, pero lo imagino. Vivo en un país duro de cojones, con poca tolerancia y respeto entre nosotros, aunque ciertamente en las últimas décadas hemos ido refinando y mejorando sustancialmente en muchos aspectos. En políticos no. Dudo que muchos tengan siquiera el graduado escolar y los que han estudiado no les ha servido de mucho. Ahí vamos retrocediendo en todo a los peores tiempos de nuestra historia. Paro aquí, porque si no se me calienta la sangre y ya estoy mayor.
Mientras el invento del rock progresivo se gestó en la vieja Albión por su centenaria historia, en el resto del mundo su franquicia no fue a la par sino producto de su influencia. Esto es un relato conocido dentro de los que de alguna manera estamos metidos en este mundillo. Recuerdo tiempo atrás que cuando hablabas de sinfonismos progresivos procedentes del viejo oeste americano te miraban con cara de póker y extrañados. No deberían. Hay que apuntar que gran parte de los mejores compositores clásicos del siglo XX fueron norteamericanos: Copland, Hanson, Grofe, Bernstein, Barber, Harris, Sessions, Thompson, Creston, Ellington, Gerswhin, Zappa y un largo etc… Lo que ocurre en EEUU es que se dan cita todas las modalidades de música que existen en el planeta. Al no existir el concepto de “puristas” progresivos que tenemos en Europa, las posibilidades de crear artificios y grupos híbridos es mucho mayor. Cuando los Kansas se editaron en España allá mediados los 70 en adelante todos dijimos: “coño, esto es rock duro con teclados”. Puede parecer una definición simple pero acertada. Las voces yanquis y la caña que metían eran inconfundibles. Sin embargo, otras bandas americanas como Muffins o Happy The Man podían pasar perfectamente por británicas. Esta doble vertiente es característica en ellos. Lo anecdótico del caso es que mucho antes de que los sobrevalorados King Crimson, Los ELP, Los Génesis y los Yes y los Pink Floyd entrasen en mi vida mi contacto con lo “progresivo” fue con bandas norteamericanas. Los tres primeros discos de Chicago por poner un ejemplo son absolutamente progresivos. Terry Kath fue un guitarrista de lo mejor que ha habido en el mundo del rock, pero le dio por jugar a la ruleta rusa en 1978 y fue una muerte absurda. Antes que ellos estaba el In a Gadda Da Vida de los Iron Buterfly que fue grabado en 1967 y si me apuras hasta el Get Ready de los Rare Earth de 1969 entraría en esa definición.
¿Que ocurre?... que las etiquetas que hoy ponemos a la música no existían en aquella época. Yo no me enteré de la posterior influencia de los grupos británicos, ni de la existencia de bandas USA de los 70´s como Cathedral, Ethos, Hands, Starcastle, Earthrise o Fireballet hasta muchos años después. Lo cierto es que, de 50 años a esta parte, las bandas progresivas norteamericanas han proliferado como las setas hasta llegar a lo inabarcable como sucede con los italianos dentro del estilo. Ahora bien. Cuidado con la terminología porque dentro del actual prog moderno USA encontramos absolutamente de todo. Desde maravillas pasando por peculiaridades hasta horrores y mediocridades sin fin. Por cierto, el invento de mezclar heavy metal con teclados prog viene de allí. Las bandas metaleras metidas en el saco progresivo son innumerables, así como llamar prog al llamado AOR, pomp y otras radio-fórmulas etiquetadas como rock melódico. No tengo nada en contra de esas músicas, porque si no algunos que conozco me encorren, pero conviene advertir que son otra historia. Por mi parte intentaré hablar más de bandas que se aproximen lo más posible al sinfo prog independientemente del año en que fueron publicadas y por supuesto muchas actuales que considero interesantes. Sé que nos leen bastante gente de ambos continentes americanos y para mí sería muy agradable aceptar sugerencias, comentarios e intercambio de opiniones y si algún grupo o músico se pone en contacto con nosotros ya sería perfecto. En las siguientes entregas irán apareciendo referencias como hago siempre que me meto en la historia progresiva de cada país. Espero que resulte entretenido.
Un descubrimiento que me lleva loco éste verano. El australiano Jeffrey Leo Newton, más conocido como Jeff St. John no era un recién llegado cuando grabó éste disco con Copperwine. Ya había pasado por diversos combos en la segunda mitad de los 60.
Nacido con espina bífida, pasó su vida pegado a una silla de ruedas, que no le impidió ser un gran frontman y una celebridad en el activo underground rock de Australia. Con ésta banda estuvo del 69 al 72, y aún a pesar de que él los dejó ése año, Copperwine todavía continuó un tiempo con un cantante sustituto.
Aparte de Jeff St. John a la voz solista, estaba Ross East (guitarras, voz), Barry Kelly (órgano, piano, voz), Alan Ingham (bajo, voz) y Peter Figures (batería , guitarra , voz). Entre los invitados de renombre contaban con Billy Thorpe en la armónica.
El sensacional "Joint Effort" se abría con una versión de The Temptations, "Cloud Nine". Pero en pura onda progresiva del momento y con sonido "a la Vertigo". Hammond dominando, como unos Beggars Opera o Cressida. O The Crazy World of Arthur Brown, por el poderío vocal de estilo soul - rock de Jeff. Bien condimentado con arreglos excéntricos deudores todavía de la psicodelia, que lentamente agonizaba en pro del naciente rock progresivo. El ritmo es pues, muy importante en Copperwine, con un bajo que destaca sobremanera, a imagen de un Jack Bruce o Mark Clarke.
La siguiente es otra versión, "Sing a Simple Song" de Sly and the Family Stone. Que los australianos meten en la maquinaria progresiva para regurgitarla como material propio de unos Rare Earth. Excelentes voces (cantan todos), guitarra casi Howe y órgano mandon, en otra triunfada que se llevan a su terreno. Podemos escuchar a algunos invitados en "Fanciful Flights", como Doug Ashdown (guitarra de 12 cuerdas, dobro) y Elegio Sincio (sitar). Es psicodelia acústica bellísima, que recuerda a The Increfible String Band, Trees o Amazing Blondel.
Un extraño teclado acompañado por el glockenspiel de John Sangster (además de su vibrafono), protagonizan la instrumental "Any Orange Night" de sabor levemente jazzistico. Una mezcolanza entre The Doors y el Modern Jazz Quartet, si se me permite. El dulce ingrediente de la flauta travesera de Mick Parker nos los acerca ahora a Gravy Train, Circus (Mel Collins / Ian Jeffs band) o Marsupilami. El Hammond recuerda aquí poderosamente al inmortal Jon Lord.
Volvemos a territorio Arthur Brown con "You Don't Have to Listen", excelente corte donde el prog & soul consigue una fusión excepcional, destacando la guitarra de Ross East y la batería de Peter Figures. Músicos extraordinarios para un sonido muy british. Ahora entra a la armónica el legendario Billy Thorpe, de los Aztecs, (que acabará en USA haciendo grandioso pomp). Termina ésta cara "I Been Treated Wrong", blues a la John Mayall de nuevo con Thorpe soplando.
La segunda parte tiene en "Days to Come" una arrebatadora melodía vocal, con un brillante Jeff St. John y símiles con Steppenwolf. "Reach Out" vuelve al oscurantismo de estilo que practicaba Atomic Rooster, cerca de "Death Walks Behind You", convirtiendo otro clásico soul en dark prog - driven organ, con infalible resultado. Siguen con material ajeno llevado a su casa, con el inolvidable "Can't Find My Way Home" de Blind Faith. Un tema que a poco que se le haga, brilla con naturalidad. En éste caso, Copperwine lo "aprogresiviza", dotandole de una fuerza magnífica. En "Train" escuchamos en la voz solista a Marilyn Murray (?!), en un pseudo-country rock no muy procedente en éste disco.....yo lo hubiera dejado fuera. "I Remember" sí es material para éste álbum. Proto-hard rock a la Deep Purple, que me recuerda particularmente a los catalanes Lone Star, por la inclusión de nuevo del vibrafono. Es un breve instrumental que nos lleva a la extensa y final "Environment in 3 Parts" (11'17). Un tour de force downer rock digno de Fantasy u otros gigantes de ésta corriente.
Éste largo disco se reedito en cd en el 2004 por Radioactive Records. Por su parte Jeff St. John's Copperwine participaron en la "battle of the bands" nacional, Hoadley's Battle of Sounds en 1971. Quedando terceros, siendo sólo superados por los pesos pesados Sherbet y Fraternity (la banda progresiva de Bon Scott).
Jeff St. John murió el año pasado a los 71 años. Y éste disco debería estar en la galería de destacados del prog australiano por obvias razones.
J.J. IGLESIAS
Temas
01 Cloud nine
02 Sing a simple song
03 Fanciful flights
04 Any orange night
05 You don’t have to listen
06 I been treated wrong
07 Days to come
08 Reach out
09 Can’t find my way home
10 Train
11 I remember
12 Environment in 3 Parts:
a) At the party, Mrs. Prothero
b) How many people
c) Highway
Robin Tower es toda una leyenda del rock blues de la década de los 70. A sus 74 publicó en marzo pasado su ultimo disco, "Coming Closer To The Day ". Un titulo un tanto premonitorio. Esperamos que ese día tarde en llegar.
No vamos a contar la vida y milagros de Robin Tower, sería muy largo y supongo que muchos de vosotros ya la conoceréis. Simplemente comentaremos que formó parte de Procol Harum grabando con ellos cinco discos. Con su banda, "Robin Tower Band, ha publicado casi una veintena de títulos destacando su tercera producción " Bridge of Sighs" (1974). También participó junto a Jack Bruce en diversos proyectos editando tres discos.
"Coming Closer To The Day" se ha grabado el estudio 91 en Newbury, Inglaterra, teniendo como ingeniero a Sam Winfield Provogue. En esta ocasión Tower se lo guisa el solito (o casi). Canta con un tono de voz que no se porque razón me suena a una mezcla entre Billy Gibbons y John Lee Hooker, toca magistralmente la guitarra, el bajo y la batería excepto en "Coming Closer To The Day" en la que Chris Taggart se encarga de las baquetas. Su música es sosegada, pausada sin estridencias. Su perfección va fluyendo sin apenas darte cuenta. Como era de esperar encontramos buenos blues como "Ghost", "The Perfect Wrong" o "Lonesome Road" una de mis favoritas. El espíritu Hendrix sigue presente en "Tide of Confusion", "Truth or Lies" o en los acordes de "Little Girl Blue". Otro de los temas destacados es la inicial "Diving Bell", solo de guitarra con "Wah wah" alucinante. No hace falta velocidad, lo que prima es el sentimiento. "Coming Closer to the Day" sigue la senda de la serenidad y la medida al estilo de un Peter Green que continua en "Someone of Great Renown" y "Tell me". Este disco es ideal para relajarse en el sofa y dejar pasar el tiempo. Apreciar el momento. En esta década Robin Trower ha publicado seis discos, esperemos que continué la racha aunque ya sabemos que la muerte no respeta ni a las leyendas.
Otros destacados de la cuadra, (viendo la portada, nunca mejor dicho), de Addicted. Se trata de Ian Karlin (voz), Danila Khromov (guitarras), Denis Makhnev (bajo) y Víctor Tikhonov (batería pluriempleado con Detieti, Kshettra o The Grand Astoria). La apertura, "Anna" (4'04) reúne stoner, psych, funk y delirios cercanos a Detieti, quizá tratados con mayor crudeza. Ya se advierte que tocan de muerte, para variar. "In the Spot" (6'20) cambia el chip, acercándose al sonido clásico de Steve Hillage. Hasta que el crescendo estalla en tormenta stoner decibelica, sin perder nunca su alma psico. El sonido se llena de fuzz para "Untitled" (3'20), con pinceladas de guitarra muy interesantes, y casi a la Killing Joke. En "Reboiled" (7'02) continúa la traca sanguinaria pero inteligente, como unos Nebula surgidos del frío. Un travieso wah wah abre "Hey Hobo!" (3'09), en otro trallazo malencarado de sucio rock'n'roll. Finaliza la incursión con "The Turin Horse" (5'57) marcada por una ouija sónica hacia Black Sabbath, desbordando testosterona y bilis eléctricas. Un disco de estilo, ideal para stoner die-hards buscadores de nuevas emociones fuertes.
Madre Bruja y los Fantasmas de las Aguas Muertas presentan su obra en un digipack de precioso envoltorio artístico, fiel a su música y filosofía. Ellos son María Teplitskaya (voz), Sergey Darienko (guitarras), Vitaly Zhavnerchik (bajo) y Maxym Sorochuk (batería). La instrumental y atmosférica "Subterranean V" (2'32) da paso a un doom construido con mimo y gótica imaginería en "Storm" (5'14). La voz femenina aporta una dimensión distinta, entre sensible e inquietante, con una fina y melódica guitarra y sólidos pilares rítmicos. "Grace" (4'57) acierta en su ambiente oscuro y épico, de trascendentales arreglos y fúnebre transcurrir. La más extensa del lote, "Ruins of Faith" (8'36), podría ser el resultado de unos Iron Maiden doom-stoner en un universo paralelo. Lo mismo de unos góticos Jefferson Airplane. Finalmente "Two of Us" (6'11) vuelve a demostrar la maleabilidad estilística de la banda, nada acartonada ni esclava de su etiqueta. En ácida psicodelia rifferama de monasterio encantado. Exhiben originalidad con descaro.
Éste es el debut de la considerada mejor stoner doom band de Ucrania. Se trata de un trío formado por Kova (guitarras, voz), Tomrer (bajo) y Erea (batería).
El comienzo del álbum es una especie de zumbido del más allá acercándose, como el inicio de "Tarkus", y da paso a "The Invisible Axe" (7'08). No estalla, se mantiene en "animación suspendida", creando una atmósfera siniestra y desasosegante. No estamos alejados de proposiciones kraut de experimental búsqueda. Con voces de niños y ruidos de cadenas psicofonicas en un final inesperado. Ahora sí. Sin silencios, un riff demoníaco nos presenta "Grandpa" (7'16), con los vocales muy distorsionados con eco, un plomizo ritmo funerario de imaginativa batería. Como un arcano ritual de una secta olvidada en Andromeda. De nuevo enlazada, "Celebration of the Plant" (2'32) continúa la plegaria lovecraftiana. Que como es norma, se une a "Strange Dream in 419 Years Before Awakening" (7'05). Más monstruosos riffs como pisadas del Yeti, de hipnótico y psicológico proceder, desestabilizan tu psique hasta niveles triposos. Alta densidad cerebral y sonora. "The Sand" (0'43) es una invocación blasfema desde las entrañas del inframundo, que nos lleva a "The Stone" (6'30). Experimental doom de insanas pretensiones maleficas. Nada bueno transmite su apasionada alquimia sonora. Pura psicodelia, vista desde otras perspectivas más actuales o novedosas. "Sloboda Men" (1'44) es un "stargate" a otra dimensión que salta a "Electric Molfar" (8'11). Un vapuleo a la conciencia desde niveles de agresión mental preocupantes. "The Last Trip" (2'28) es "música de sala de espera" en el jodido infierno, esperando audiencia con "el jefe". Finaliza el paseo turístico por el Hades con "Dirge" (11'00), un manual avanzado de oscurantismo que convierte el "Necronomicon" en un cuento infantil. Aviso, droga muy dura (pero no como te la imaginas). Administrese con precaución y en pequeñas dosis.
Hoy realizamos un viaje en el tiempo para regresar a 1977 y escuchar un concierto de Sammy Hagar, momento en que su carrera en solitario estaba empezando a despegar.
En enero de 1977 Sammy Hagar edita el segundo disco en su carrera en solitario, "Sammy Hagar". La grabación contenía el tema "Red", todo un himno en su carrera y que le haría merecedor del apodo "The Red Rocker". A finales de año, concretamente en octubre, volvería a editar un nuevo trabajo, "Musical Chairs". Todavía faltaban ocho años para su incorporación a Van Halen.
La grabación pertenece al concierto de Sammy Hagar en Austin, Texas, el 4 de septiembre de 1977. Transmitido por la WBCN FM en su programa "Rock Around The World". Junto a Hagar completan la banda Gary Pihl (guitarra) ( Day Blindness, Boston), Bill Church (bajo) (Sawbuck, Van Morrison, Montrose), Alan Fitzgerald (teclados) (Montrose, Night Ranger, Gamma) y Chuck Ruff (batería) (Sawbuck, The Edgar Winter Group). El "setlist" está compuesto por temas de sus dos primeros discos en solitario, "Nine on a Ten Scale" (1976) y "Sammy Hagar" (1977). También podemos escuchar "Good Rockin' Tonight", de su etapa de Montrose. En cuanto a la música puro hard rock americano incluyendo su gran éxito "Red" con el correspondiente solo de bateria. El sonido es bastante aceptable con intervenciones del Dj. de turno.
