La bota de Europa y el rock progresivo, poesía. Qué tendrán los músicos italianos que han terminado haciendo una corriente particular de su emotiva forma de entender e interpretar la música experimental. Unreal City desprende el bouquet del más elegante vino Chanti, con ese perfume intenso a fruta madura que retrotrae a la vieja guardia del sinfónico pergeñado en Italia, al clasicismo de los años 70; de la misma forma, y gracias a su producción y manera de manejar las progresiones, también se muestra el proyecto cual banda actual, con un puesto merecido si nos referimos a mirar más allá del marco de la ventana.
Es más que notable la capacidad para moldear los tempos, los cambios de registro, el dramatismo que puede desarrollarse en una melodía pausada, incluso neoclásica, para apresurarse en pocos minutos hacia unos teclados entre espaciales y de atmósferas futuritas (“Atlantis (Conferendis Pecuniis)”). Son tan atrevidos que durante “Dove La Luce È Più Intensa” hasta inyectan en la espina dorsal de su banda, en la base rítmica, el líquido vigoroso del funk. Y para los más aventurados dejan “Horror Vacui”, tema en el que durante dieciocho minutos transitan por los más dispares efluvios estilísticos, todos amalgamados por el bien del rock progresivo de imaginación desbordante.
Emanuele Tarasconi, Francesca Zanetta, Francesco Orefice y Federico Bedostri conforman un joven cuarteto con mucho que decir. Y pensar que antes de este La Crudeltà Di Aprile solamente hay un simple EP, mamma mía, es ecalofriante; es que estoy hablando de un álbum de debut que se encuentra a la altura de cuartos o quintos trabajos discográficos de formaciones consagradas. Tremendo.
Como ya sé desde hace mucho, NO TODO ESTÁ EN INTERNET. Afortunadamente. Sería éste un mundo muy aburrido, con todo catalogado, etiquetado, descubierto, organizado. Y aunque a éste probable sintetista de Nashville (?!), que es como un jotero del Tíbet, lo descubrí allí, no sé ni cómo se llama. Él tampoco pone mucho de su parte. Así que supongo que ésta es toda la información que quiere que sepas.
Que "Kristallgeist" es su cuarto álbum, que a veces los edita en cassette, y que dice estar más influido por Adelbert von Deyen que por Klaus Schulze. Tiene razón. "Dada II" (18'39) juega a reinventar la Berlín School, sin tener que pasar por el aro de lo deja-vu. Y yo lo entiendo. Condimentos de ciertos sinfonismos con melodías nada ariscas, dentro de una kosmische elegante y hasta original. Intuyo que ésa es su principal prioridad.
En la muy fílmica "Zardoz" (18'52) vuelve a brillar en escapes solistas más en un estilo Rick Wright que de un nativo de Krautlandia. Y por eso, por no encorsetar lo incorsetable, ya me tiene ganado a su causa. Su hipnótica es extraña, simple y efectiva, y el solo conserva espíritu de prog 70s, en variación misteriosa. Que como soundtrack alternativo de la clásica película de Sean Connery, podría valer sin discusión. Lo mismo podría indicar de "O.G.R." (15'39), ahora con abundantes fondos de mellotron que nos llevan a territorios agrestes de Froese y cía de finales 70, en un despliegue de ritual teclistico de mística cuasi-religiosa. Lo que es sinónimo de inquietante, con un envoltorio que puede ir de Morricone a Morte Macabre. Así que el nivel está altísimo, prodigioso e inspirado. Una verdadera maravilla de la moderna retro-electrónica.
Finalizando con "Kristallgeist" (11'20), la más schulziana del lote, aunque hasta aquí puede verse un intento de alta creación individualista. Con un cambio radical experimental - cinemático muy digno para una cinta de horror sci-fi. No había oido nada de Brainonotemple y prometo enmendarlo. Aquí hay un creador de síntesis que moldea con una fuerte personalidad. Necesita ser más conocido.
Nuestro invitado de hoy ha sido nombrado en seis ocasiones "mejor guitarrista de blues del Benelux". Ha ganado dos veces el premio Sena al mejor guitarrista joven. En 2014 se llevó el Dutch Blues Challenge y un año más tarde, con su banda, el European Blues en la categoría de bandas de blues.
A los 11 años su padre lo llevó a un concierto de Johnny Winter y en ese momento cambió su vida. En diversas entrevistas ha manifestado lo siguiente: "El sentimiento musical, el poder y la honestidad de Johnny Winter, que realmente me atrapó en ese entonces. Después de eso, comencé a tocar la guitarra de manera fanática y comencé a copiar todos sus licks y riffs. Quiero hacer música como él. Honesto y sincero. Blues o no blues, eso es secundario". Con 15 años gana el premio "Sena Dutch Guitar Award". Con 18 años publica un EP titulado "Deluxe". Dos años mas tarde llega su primer larga duración, "Leelah", dedicado a la transexual estadounidense que se suicidó a la edad de 17 años. Su discografía se completa con: "Until Better Times" (2017), "Live In Concert" (2018), "Plays The Allman Brothers Band" (2019) y "Where We're Heading" (2020).
En este segundo LP de Leif de Leeuw y su banda, nos trasladan a su actuación en Bibelot, Dordrecht, Holanda, de 2018. El grupo estaba compuesto por: Leif de Leeuw (guitarra), Sem Jansen (voz, guitarra), Tim Koning (batería) y Boris Oud (bajo). Como invitados tenemos a Rick Linzel (teclados), Martin Verdonk (percusión) y los coros de Djoeke Boomsma y Maaike Adegeest. La grabación contiene diez temas de los cuales tres son versiones: "Fire In The Kitchen" (Warren Haynes) , "Whipping Post" ( Gregg Allman) y "Little Wing" (Jimi Hendrix). Su música no sólo camina por los senderos del blues, también se mueven con destreza por los del soul, funky y rock sureño como no podía ser de otro modo.. La excepcional versión que hacen del "Little Wing, una de las mejores que he escuchado, es motivo suficiente para adquirir este disco. Si a eso le añadimos composiciones como la inicial "Fire in the Kitchen", con su punto funky. "Getting Older", con guiño a los Allman. "Be Loyal", con su dialogo percusión-batería. Y culminando con el "Whipping Post", con cierto tono jazzístico. ¿A que esperas para ir a tu tienda mas cercana de discos?
La conexión Niagara - Atlas continúa. Después de traer el disco virtual de Martos & Hervas, toca hoy abordar el de Magik. Misma impotencia ante algo tan profesional, sin soporte físico. Y otro dúo, ésta vez con Manolo Arias (Ñu, Niágara, Atlas....) Y el británico Giles Keith Ramírez (H.O.T, Ghost). Dos amigos que se conocen desde hace 30 años, y que las circunstancias de los últimos tiempos han juntado por primera vez en este proyecto: "Covers in Isolation". 12 meses, 12 covers de los 60-70. Canciones que les marcaron, y que forman parte de la más selecta historia del rock. Esto me recordó a mi viejo proyecto, un estudio sobre los discos cover de los 70. Aunque aquellos eran hechos por "bandas fantasma" compuestas por músicos a veces de renombre. Ésta es otra situación, pero igual de surrealista. Que esto no esté en físico, como en el caso de Martos & Hervas, clama al cielo. Una vez más, YouTube se convierte en el acceso a su escucha.
Cuando inocentemente le pregunté a Arias que "quienes eran la sección rítmica", su carcajada se escuchó hasta en Zaragoza. Él se encargó de bajo y batería, además de teclados y guitarras. Esto es lo que tienen músicos completos y veteranos. Que valen para todo. Así pues, el primer tema-mes fue para "Listen to The Music" de Doobie Brothers. La voz y coros de Giles Keith es perfecta para un cometido californiano como éste. Aquí más hard AOR, con el claro sello de Arias, (recuérdese "Long Train Runnin' en versión de Niagara), en un magnífico entrante de año. Siguieron por el Cali-rock 70s con "Sister Golden Hair" de America, una continuación lógica. De nuevo reinventada como hard rock melódico en una excelente adaptación. Suena limpia y natural, sin artificios, nada forzada. Maestros arreglistas, Magik. Me pongo en modo random, para no ir en cronológico, y escucho ahora el tremendo "Wishing Well" de Free, con el primer invitado, Ian Parry (Elegy, Vengeance, Royal Hunt, Ayreon). Todo personalidad, a dueto impecable con Giles Keith. Armonías impresionantes y un "mobiliario Arias" de auténtico lujo.
Lo mismo para "Don't Stop". Fleetwood Mac-USA se presta a versiones de rock melódico, vaya que sí. Magik clavan la suya con unas guitarras dobladas excelentes. Y un cantante que posee el tono para éste género. Casi me suenan a Boston por la parte final. Otro clásico, "25 or 6 to 4" de Chicago, en la que imagino la brass section se hace con teclado. Sorprendido de la elección, pues pertenece a la primera etapa prog del grupo. Intuyo que el lado autobiográfico influyó. Hacen un trabajo titánico y magistral. La guitarra aquí merece toda la atención . Que Chicago eran un ciento, y Magik solo dos!
Creedence Clearwater Revival quedan reflejados en la eterna "Up Around The Bend". Más recuerdos de juventud que ya son historia con mayúsculas. Fuerza rítmica, guitarra destacada y micro de múltiples voces. Llevada a su terreno con astucia de veteranos. El rescate de Tarantino para "Érase una vez en Hollywood", ése "Bring a Little Loving" de Los Bravos, es otra brutal adaptación. Donde el mástil hace parte de los coros. Son canciones que suenan frescas, renovadas, hard rock de una fina elegancia en su reescritura. Otra de las excepcionales, pero cual no lo es! Ahí está nada menos que "Victim of Love" de Eagles. Nos trae a otro maestro como es Paul Shortino (Rough Cutt, Quiet Riot, King Kobra), en otro dueto killer. Dinamita de la buena. Arrastre bluesy, que es el fuerte de Shortino, y resolución de los dos cantantes al 11. Una maravilla y un prodigio en arrglos más hard rock.
Volantazo con algo sorprendente como es el "Blame it on the Boogie" de The Jacksons, una de las elegidas por el cantante. Y con Baol Bardot Bulsara (TNT) como invitado al micrófono y cercanías tonales con Michael Jackson. Aquí se lo pasaron de muerte. Menuda marcha y buen rollo, en pleno apocalipsis zombie! Fuego en la guitarra de Arias, un espectáculo, para variar. Y si de guitarras hablamos, qué tal un trío de ellas con Arias, Manuel Seoane (Mago de Oz) y Tony Hernando (Lords of Black)? Siempre que escucho "Old Time Rock'n'Roll" de Bob Seger, imagino a Alf, el alienígena ochentero, todo despendolao. Aquí están todos. Transmitiendo el verdadero sentido de fiesta que es el rock.
Otra que sorprende y que les queda bordada, es el "It Never Rains in Southern California" de Albert Hammond. Un temazo con todo el feel Laurel Canyon llevado al melodic rock con un gusto y clase fuera de limitaciones y prejuicios. Se diría que buscan a cada elección, transmitir alegría y esperanza. Combatiendo oscuros tiempos con la mejor música posible.
Nada menos que Danny Vaughn (Waysted, Tyketto, Vaughn, Ultimate Eagles), es ahora el colega de micro. Nunca mejor dicho, porque junto a Giles Keith, tienen el proyecto Harmony Street. El tema abordado es el eterno "Show me the Way" de Peter Frampton. Otra revisión entusiasta tanto en dueto vocal como en electricidad bien repartida. Son canciones tremendas, que ellos realzan en tono hard AOR y que no pueden sonar mejor.
Ya deberían estar las doce canciones por mes. Pero aún tenemos un bonus navideño especial con "Merry Xmas Everybody" de Slade, como cierre del hipotético disco y año. Más ambiente positivo y de party, totalmente elegido a propósito. Lo de "a mal tiempo, buena cara", lo llevan Magik como lema. Recomendable tenerlo siempre a mano. No conozco mejor anti-depresivo.
Fue en el año 1987 cuando por primera y única vez vi a Miguel Ramón (para los amigos) y Würzel para todos, sobre un escenario. Aquello sucedió el Jueves 5 de Marzo del citado año, cuando Würzel, Phil Campbell, Phil Taylor y Lemmy, usease, Motorhead Quartet desfilaron por Madrid presentando el álbum Orgasmatron.
En aquel entonces, yo tenía dieciséis años de edad y jugaba a ser el adolescente más duro del distrito siete de Madrid, a pesar de poseer un pene más minúsculo que las dimensiones de una aspirina infantil de Bayern, de tener una verruga con dos pelos en mi mentón, y de portar un Jersey de lana azul que me llegaba hasta las rodillas. Posiblemente fuesen características más que suficientes para asistir a ver por primera y única vez a la banda de Punk'n' Roll más sobresaliente que ha dado gran Bretaña, a pesar de su proximidad al Heavy Metal de pura corrosión, una etiqueta de la que Lemmy siempre renegó aún funcionando como cuarteto.
Orgasmatron fue uno de los álbumes internacionales, con los que numerosos adolescentes de mi época nos identificamos para jugar al Hard Parchís en esquinas de aceras públicas adoctrinados por un metal, tan inocente como plural. Este disco no fue grabado por Phil Taylor en la batería, pero el animal de Hasland había regresado a Motorhead, y ese, fue uno de los alicientes que me impulsaron a acudir al Pabellón del Real Madrid a pesar de la previsión nefasta del sonido del recinto y la hora y cuarto escasa de Motorhead sobre el escenario, que se mi hizo más corta que la inteligencia de un Borbón.
El concierto fue un auténtico bombardeo encadenado que desde clásicos como Iron Fist a contemporáneos como Built For Speed, noquearon a los asistentes por completo. Al margen de que sus teloneros, los vallecanos Muro se dejaron la piel para jugar en casa presentando su obra Acero y Sangre y fueron derrotados por estridencias encadenadas y acoples inoportunos, Motorhead depositaron en Phil Campbell la noche, a la Würzel contribuyó notoriamente. Y el mismo Würzel, aquel mismo año 1987 publicó el EP Bess, integrado por cuatro temas diferentes entre sí.
El tema principal, no solo transita por la senda del Blues "Thin Lizzy - Mooriano" con melodías sentimentales, sino que fue incluido en el Film Eat The Rich. Otros temas como Midnight in London adoptaba épicas dosis de New Wave of British Heavy Metal, mientras que People Say I'm Crazy era todo un híbrido entre los primeros Saxon y los propios Motorhead. El sensacional ESP, tema encargado cerrar el EP, podía haber sido perfectamente atribuido a Colosseum II.
Este Bess, lo hicieron posible:
Bajo y Teclados; Jerry Ferguson
Batería; Simon Moss
Guitarras y voces; Würzel.
Luis Arnaldo Álvarez (Baterista y Locutor profesional independiente)
Un sureño de Biloxi, Mississippi, con un background tirando a hippie en sus comienzos. Sus primeros pasos importantes los da como guitarra solista de The Grass Roots del 74 al 75, cuando la banda ya está en su recta final. Poco después forma alianza con un icono de Woodstock, como es John Sebastian, ("Welcome Back" 1976). En 1977 edita disco como parte de la banda White Horse, para Capitol.
Prepara una demo de cuatro canciones que atrae la atención de CBS, editando ése mismo año el irregular "Reggie Knighton". Retoma amistad con su colega de juventud, el guitarrista Brian Ray, con la intención de crear una banda más sólida y rockera. Durante un tour como mercenario de Valerie Carter, conoce a Kurtis Teel (bajo). Fruto de las audiciones en busca de un batería, eligen a Glenn Symmonds, y ya tenemos a The Reggie Knighton Band. Una subsidiaria de Columbia, ARC, se encargará del proyecto, en el que no se escatima en gastos. Se graba en los mejores estudios de LA y Hollywood, con Geoff Workman como ingeniero y nada menos que Roy Thomas Baker en la producción, recién salido del fiasco con Yes. Colaboran algunos invitados como John Staehely (guitarra), John Lind y Richard Hovey (voces) y el propio Geoff Workman al sintetizador String Ensemble.
"TRKB" es un disco rompedor e innovador en su estudiada producción. Su sonido es como un mazazo de Thor sobre una almohada de plumas. Recio, duro, pero a la vez trabajado y lleno de detalles, que entra con perfecta y radiable naturalidad. Un patrón a seguir en el futuro. No está alejado del conseguido por Tom Scholz para su debut. "Breakin' Up Inside" es un blues hard lleno de efectos novedosos para 1978, con unas corales que recuerdan a, sí, Boston, Queen (RTB Production) o lo que será Def Leppard casi 10 años después. Y en "Rock'N'Roll Alien" se confirma ése muro vocal como un instrumento más, del que Robert John "Mutt" Lange tanto aprenderá en un futuro próximo. Las guitarras de Knighton y Ray rockean de lo lindo, sobre el martillo pilón bonhaniano del golpeador Symmonds. La voz de Reggie es dulce, lujuriosa y todo lo viciosa que el floreciente AOR del momento requiere, entre un moderado Brad Delp, Peter Frampton y Tommy Shaw. Combinación FM perfecta.
"The King And I" fue la que los representó en el mítico doble SFK en su día. Hard Rock midwest con hasta algún pellizco jazz rock en los solos de guitarra. "Clone In Love" debió de triunfar si se quería una balada West Coast soleada para las carreteras californianas. Pablo Cruise o Player hubieran pujado alto por ella, sin dudarlo. Y es que Reggie Knighton era además, un compositor de élite. Que en los 80 tenía un radio de acción perfecto para haber trabajado en la línea de Desmond Child. Ése debió de ser su destino. "Lear Jet" se adelanta unos años al "hard-silk" de Robert Plant para su "Pictures at Eleven". Es equiparable a Tommy Bolin en solitario o los últimos James Gang. Concluye en un final-efecto que llega hasta la galleta del vinilo, y se repetirá en la otra cara. Otro detalle sorpresivo es que prácticamente no hay silencio entre canciones. Rasgos que clarifican el carácter innovador que pretendían para ésta grabación.
"Highway Patrol" inaugura la segunda parte, en un estilo entre Marc Bolan, Tommy Bolin, Eagles y Mr. Big (UK), en un conglomerado hard FM / Art rock que define en realidad, toda la obra. "UFO" es la segunda que encontramos con temática alienígena. Y es como si los Floyd del "Dark Side..." hubieran nacido en California y en sus miras prioritarias estuvieran los singles, la radio y las juke box (todo lo contrario a los originales). Además es extrañamente atractiva. Lo que nos lleva a un imaginario "outtake" del "Rumours", en la efervescente "Ooh Girl" de parecidos con el celebérrimo "Don't Stop". Las sibilinas teclas de Geoff Workman y generosos coros la acercan también a otros que ven ovnis, como la ELO. "Magnum Sally" parece el título de una de Tarantino, pero no, ésta encajaría en "The Long Run " de Eagles, o en un "Fly Like an Eagle" de Steve Miller Band, como la última pieza del puzzle. Y lo mismo podríamos decir de "Behind A Rock'N'Roll Band", para los dos primeros de Boston.
Las comparaciones no son odiosas, sino muy amistosas. Unos desconocidos que juegan al mismo nivel que todos los referidos, deberían haber contado con un mejor destino, al menos en éste único disco. Que fue promocionado como apertura de conciertos de 10CC (muy buena elección), durante 1978. Reggie Knighton volvió a colaborar al año siguiente junto a John Sebastian en el film canadiense, "The Devil & Daniel Mouse". Y como guitarra solista en Mark Saffan & the Keepers, donde tomarían prestada una canción de éste disco para su álbum de 1981. Poco más se supo de él. ....
Rock Candy reedito "TRKB" en 2010 y no sólo lleva su recomendación (Derek Oliver), también la mía. Como dirían ciertos rancios impresentables, "francamente" excelente.
Suecia es uno de los motores rock que nos quedan en el planeta. No sé qué haríamos sin los nórdicos de cualquier escena rockera. Casi diría que están salvando al género desde hace muchos años.
Desde Karlstad, Atomic Love Reactor vuelven con más seguridad y decisión, a pesar de que su debut "The Arrival" (2016) ya era una sólida presentación. Cinco años es tiempo suficiente para replantearse las cosas, y lo han hecho. Escuchas ésa derivación del "Lady Double Dealer", llamada "Tyranny of the King", y caes rendido ante el hipohuracanado poder vocal de Fredrik Eviksson. Deep Purple por la vena con una coverdaliana voz. Un bajo en carga de profundidad-Hughes-style de Fredric Danielsson. El Hammond de Anders Olsson que cimenta y patenta el sonido. Muro ritmico irreprochable con la bateria de Johan Strende. Y la sensibilidad todopoderosa del guitarra John Thomas. Estamos ante altos profesionales de Rocadura, amiwitos.
En "Cool Down" se pasan al primer, único y mejor capítulo de la historia Whitesnake. El que va hasta "Slide it in". Con un despiadado bajo a la Colin "Bomber" Hodkingson, órgano honky tonk que declara su amor por Jon Lord a cada tecla pulsada. Y un tratamiento coral casi godspel, para la torrencial voz de Eviksson, fuera de parámetros, éste hombre. Realmente demuestran madurez con arreglos tan inteligentes (proggy?) como los expuestos en el blues hard, "Water in the Sky". En donde se agolpan recuerdos de John Lawton tanto con Uriah Heep como con Lucifer's Friend. Asi de fuerte juegan estos suecos. Esa dificil madurez se ratifica en "Universal Peace", con toneladas de sentimiento y respeto al componer. Curioso envoltorio floydiano para la bluesy "People of Gaia" , con Johanna Boes arropando con su voz a dueto. Otra razón para no desatender la escucha. Rhodes a toda expresión , Hammond dominante de fondos, y una terrorífica canción a la buena (vieja) usanza. Comienza la segunda cara con "Seven", en arrolladora intro vocal a la Kansas, pero sin perder la artillería Purple. Esto es una gozada, parroquia. No diría yo que éste grupo priorize en la caña gratuita. Para nada. Es una trampa en la que suelen caer los mediocres, que son legión. Aquí hay intensidad y pasión real, sincera, en cada tema.
"Defeated" sólo te hace pensar en el legado y herencia de los más grandes. Sin complejos. Como "Holy Water" y su fuerza melancólica, llena de ambiental potencia y sabiduría. Y éste prodigio de cantante que no está para demostraciones cartón piedra tipo "La Voz", sino para transmitir hasta lo más profundo del alma del oyente. Emocionan, tio. El legado Purple se erige orgulloso en "Hammer Island", de majestuso teclado, impecables músicos. Apropiadamente "Farewell" se despide con un inmejorable sabor a puro feeling hard rock 70s, de qualité olvidada.
A pesar de su aparente superficial nombre, que más puede recordar a algunas divas locas del hair metal 80s, Atomic Love Reactor son indescriptiblemente buenos. Y éste álbum, una joya. Pónselo al próximo bocazas que diga lo de "el rock está muerto"....... Al 11. Y touché.
A sus 75 años el multiinstrumentista Neal Doughty es el único miembro de los actuales REO Speedwagon que participó en la grabación del primer álbum del conjunto, su debut homónimo del 71; también es el único de la banda actual que estuvo en los días de fundación del combo, allá por 1967, a la par que su figura representa la pieza que no ha faltado en todo lo larga que ha sido –y sigue siendo– la carrera de esta apasionante apuesta.
Sin embargo, no son pocos los que consideran que REO Speedwagon comenzaron a volar de verdad –en cuanto a fama mundial se refiere– con el LP Hi Infidelity, que les consiguió la primera posición en el Billboard 200 durante nada menos que quince semanas. En aquel disco, y desde hacía ya algunos buenos años, Kevin Cronin se encargaba de poner voz a los alardes musicales del proyecto. Su entrada fue un soplo de aire fresco, aunque el grupo poseía dinamita de sobra para demoler todo el Gran Cañón del Colorado.
Lo interesante de este Live At Moondance Jam es que, una vez visitado el ya citado Hi Infidelity por medio de cuatro piezas incuestionables (“Don’t Let Him Go”, “Keep On Loving You”, “In Your Letter” y “Take It On The Run”), REO Speedwagon (compuestos desde 1991 por Doughty, Cronin, Bruce Hall, Dave Amato y Bryan Hitt) abre los baúles del recuerdo para rememorar 1973 (“Ridin’ The Storm Out”), 76 (“Keep Pushin’”) o 78 (“Time For Me To Fly” y “Roll With The Changes”), por ejemplo.
Lo llamativo es que en esta gira obvien por completo aquella obra maestra que siguió a Hi Infidelity y que fue Good Trouble, muy en la onda adult oriented rock de su antecesora. ¿Dónde estaban aquella noche “Keep The Fire Burnin’”, “The Key” o “Girl With The Heart Of Gold”? Está claro que no se puede contentar a todo el mundo, pero, por mucha fama que les pudiese dar la extremadamente empalagosa “Can’t Fight This Feeling”, no es lógico que sacrifiquen ciertas piedras preciosas por este single simplón. En fin, para gustos, ya se sabe, los colores.
En cualquier caso, es esta edición un trabajo muy recomendable, en donde Cronin comienza flojo de voz pero que en tres o cuatro temas ya calienta adecuadamente las cuerdas vocales y ofrece junto a sus compañeros un recital envidiable. Trece cortes que se disfrutan el doble cuando reproduces el DVD del concierto que se incluye con este trabajo. Las ruedas de REO Speedwagon, como bien avisaba el título de uno de sus vinilos ochenteros, siguen girando.
