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YOUNG FLOWERS - Live (1969)

Hace ya cinco años, como pasa el tiempo, que comentamos el primer disco de Young Flowers, "Blomsterpistolen". Hoy los recordaremos donde mejor demostraban su fuerza y garra rockera, en concierto.


Jens Dahl (guitarra) y  Ken Gudman (batería), antiguos miembros de The Defenders, forman la banda en 1969 en Copenhague junto al bajista  Peter Ingemann (Seven Sounds). Ese mismo año editan su primer sencillo, "Like Birds" y Dahl deja al grupo siendo sustituido por Peer Frost (Les Rivals). En el 68 componen la banda sonora de una película para televisión. Parte de este material sería publicado en su primer LP, "Blomsterpistolen" (1968). Su segundo álbum llega en el 69, "Nº 2". Ese mismo año realizan gira por Estados Unidos y Canadá. En 1970 se separan. Peer Frost entraría a formar parte de Midnight Sun y posteriormente en Savage Rose. Por su parte Ken Gudman se uniría a  Culpepper's Orchardy.



Gracias a Karma Music, sello discográfico especializado en rescatar joyas del pasado, podemos disfrutar del directo de Young Flowers en el Århus Stadionhal de Dinamarca, celebrado el 25 de septiembre de 1969. Su música  es rock blues de la mejor calidad al estilo de Cream o Hendrix. Su primer tema "Wake Up This Morning" nos recuerda claramente al grupo de Clapton. En su día se les conocía como los Cream daneses. El blues llega en  "I want to Know" y "3 Birds". "Hey princess" desfase guitarrero con "wah wah". La baladita la tenemos en "Tonight".  Sonidos "hendrixianos "  en "Won't You Sit Down" y sobre todo en "Kragerne Vender" donde la locura en el uso del "wah wah"por parte de Peer Frost   se desata. En este temas también podemos escuchar los correspondientes solos de Peter Ingemann (bajo) y Ken Gudman (batería). Sonido aceptable.
J.C.Miñana



Temas
1    Wake Up This Morning     5:33   
2    I Want To Know     8:36   
3    Hey Princess     4:29   
4    Tonight     3:23   
5    Won't You Sit Down     7:05   
6    Kragerne Vender     15:45   
7    3 Birds     8:25  






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NUMEN - Cyclothymia (2019) (Entrevista-Análisis) (Rockliquias Bandas)

El pasado 30 de marzo (2019) los alicantinos Numen publicaron su tercer disco, "Cyclothymia". Nos pusimos en contacto con ellos para que nos hablaran de su trabajo.



Rockliquias.- ¿Cómo elegisteis el nombre de la banda?

Escoger nombre es un asunto difícil. Hasta que das con ello, surgen muchas ideas y conceptos que se descartan rápidamente por alguna razón. Uno de los requisitos que nos impusimos fue que el nombre se basara en una palabra válida tanto en español como en inglés. Que fuera breve y directa, fue otra premisa. Numen junta ambas cosas con su sentido artístico más hondo. Este término se identifica con el ingenio y la inspiración en las artes. Nuestro bajista, Víctor, gran amante de la poesía, lo propuso, gustó y se aceptó sin reservas.

Rockliquias.- En 2017 comentamos en Rockliquias vuestro segundo disco, "Numenclature” (2014) ¿Cómo os ha ido durante estos años? 

Estos años han servido para rodar la banda y volver a coger “tono muscular”, por así decir. Dentro de las dificultades que existen en la actualidad para ejercer esta profesión, no podemos quejarnos sobre cómo nos ha ido. Claro está, que nos hubiera gustado participar en algún festival del género, a parte del Tótum (2017), del cual fuimos partícipes, y presentar nuestra música a lo largo y ancho de nuestro país y, ¿por qué no?, fuera de nuestras fronteras. No obstante, entendemos que, perseverando, lo conseguiremos en algún momento de nuestra carrera.

Rockliquias.-¿ Qué supuso la entrada de Marcos Bevià (guitarra)?

Difícil y fácil pregunta a la vez. Difícil porque todo cambio, en un principio, presenta dudas sobre la idoneidad del reemplazo de un músico por otro, especialmente en una banda que desde 1992 hasta 2014 había mantenido a todos sus componentes. En su momento no sabes cómo afectará al sonido y lenguaje del grupo. Por otra parte, fácil porque todas esas dudas se resolvieron positivamente en un plazo breve de tiempo. Creo que es manifiesta la aportación de Marcos para aquellos que hayan escuchado Cyclothymia o hayan asistido a alguno de nuestros conciertos.


Rockliquias.- Musicalmente ¿Cómo habéis evolucionado?

Si te refieres desde la primera etapa que se cerró en 1999 con la publicación de Samsara, bastante. En los 90, Numen era una banda de chavales con la frescura que da la osadía, la juventud y, también, el desconocimiento propio de esa edad. Hoy en día, se nos supone más maduros, o eso creemos nosotros. Todos hemos desarrollado, a pesar del lapsus de tiempo, nuestra faceta musical de una u otra manera, y eso debería notarse. En todo caso, es difícil responder esa cuestión ya que ninguno de nosotros puede valorar este aspecto con la suficiente objetividad. El público deberá pronunciarse acerca de ello.

Rockliquias.- Para vuestro último trabajo, "Cyclothymia" (2019), habéis vuelto a utilizar la fórmula del crowdfunding. ¿Qué tal la experiencia?

Con Numenclature (2014), también lo hicimos. Funcionó en aquel entonces y volvimos a usar esta fórmula para Cyclothymia. La experiencia ha sido en ambas ocasiones buena. Una banda, como la nuestra, que está más de doce años inactiva, acusa la pérdida de seguidores. Hubo que dedicar mucho empeño mediante el uso de las nuevas tecnologías y las redes sociales para movilizar especialmente a antiguos amigos y conocidos que vivieron la publicación de Samsara.

Rockliquias.- ¿Nos podéis contar detalles de la grabación? 

La producción, tanto ejecutiva como artística, básicamente ha recaído en la misma banda. La mezcla se realizó en el Estudio 79 (Jerez de la Frontera) por Rafa Camisón, gracias a la escucha del último trabajo de El tubo elástico, Impala. Nos gustó mucho el resultado final de aquel álbum, lo que facilitó la decisión de trabajar con Rafa por medio del email y el Whatsapp. Genera muchas dudas confiar un trabajo complejo como este a una persona que no conoces personalmente y con el que toda tu relación va a pender de un teléfono o un ordenador. Ha sido un desafío bonito, novedoso y con un resultado satisfactorio. Rafa resolvió la situación fenomenalmente; un proyecto con temas de hasta quince minutos y más de cien pistas no es fácil abordarlo en las circunstancias citadas. Volveríamos a apostar por él con toda seguridad.

La masterización fue llevada a cabo por Kadifornia Mastering (El Puerto de Santa María). Alberto, su responsable, posee un gran bagaje y el aval de El tubo elástico y Rafa Camisón. Fue otro gran acierto. Ahí esta el resultado.


Rockliquias.- ¿Quién ha sido el encargado del apartado gráfico?

Un artista amigo nuestro, Manny House. Enseguida captó el concepto sobre el que principalmente versaba este álbum: los cambios anímicos maníacos y depresivos que todo ser humano vive en algún momento de su vida. Esa dualidad se refleja en la portada y contraportada del disco, ambas repletas de simbología relacionada con este tema y peculiaridades de la misma banda. No desvelaremos nada sobre ello, pues deseamos que el comprador de Cyclothymia construya su propia hipótesis sobre los elementos que descubra en el artwork.

Rockliquias.- ¿Qué significa "Cyclothymia"?

Cyclothymia es un término relacionado con alteraciones en los ciclos maníaco-depresivos considerados como normales en la vida del ser humano. La ciclotimia es una versión leve del trastorno bipolar.

Rockliquias.- El disco comienza con "The Man with the X-Ray Eyes", un tema muy en la línea del progresivo de los ochenta de grupos con Marillion.

A estas alturas, ya estamos acostumbrados a que se nos relacione con Marillion, Arena, Jadis, Galahad, Pallas, etc. No son malas bandas en absoluto, por lo tanto, la comparación debe interpretarse como positiva. Es cierto, por otra parte, que el término neoprog no siempre se aplica de forma positiva por sectores del público prog, no obstante tales pensamientos no son más que prejuicios subjetivos. En definitiva, lo único que nos importa es la música en sí más allá de cualquier etiqueta que se nos aplique; si esta conmueve y deleita al oyente, ¿qué más se puede pedir? Nosotros siempre hemos dado rienda suelta a nuestra creatividad, eso sí, desde la aplicación de una alta dosis de autoexigencia , con un solo objetivo que consiste disfrutar al expresarnos artísticamente. En cualquier caso, nuestra música está relacionada con la forma en la que sentimos.

Rockliquias.- "Some Faith" , con un inicio muy "genesiano",  es un medio tiempo de gran belleza tanto vocal como instrumental. ¿Cómo estructuráis el trabajo compositivo?

Los temas parten siempre de una idea personal que luego es trabajada y desarrollada por el resto de la banda. Las aportaciones de los distintos miembros enriquecen la idea inicial y ofrecen un abanico de posibilidades que se prueban, se descartan o se integran en la plasmación final de la canción. No siempre es fácil dar con la solución final. Hay temas que necesitan reposo y, en ocasiones, nevera. Some faith, que es el tema en cuestión sobre el que nos preguntáis, parece fácil, pero no es así; llevó bastante tiempo estructurar los arreglos para que la curva de tensión fuera en crescendo. Hacer un tema en primera instancia “sencillo” no es una labor fácil, aunque se piense lo contrario. Los que nos dedicamos a la composición sabemos de sobra que hacer algo de calidad y simple al mismo tiempo conlleva mucho esfuerzo.


Rockliquias.- "A Cosmic Prayer" es uno de los temas estrellas del disco. Diálogos cósmicos entre teclados y guitarra completados con una excelente labor rítmica y por supuesto con la fuerza vocal de César Alcaraz.

Este tema es una llamada a la esperanza entre cierta desolación e incertidumbre relatada en el álbum. Reclama todos aquellos sentimientos y emociones que el ser humano anhela. Su relación con la contrapartida del disco es manifiesta. Es nuestro “Padre nuestro” particular.

En cuanto a lo meramente musical, aunque no sea obvio, se recrea en esa estructuración armónica sencilla a base de crear ciclos o bucles, y que se encuentra en muchos temas de Rush. Es cierto que no tiene el mismo carácter, pero negar la inspiración y la admiración que esa banda nos provoca sería mentir. Todos los elementos musicales están diseñados para evitar resultar redundantes y pesados. Como bien dices, ritmo, solos y voces son las patas sobre las que descansa el tema.

Rockliquias.-"Cyclothymia" es la composición más larga de la grabación con más de 14 minutos. Oscuro e intenso con diversos espacios sonoros donde la maraña de teclados envuelve una atmósfera inquietante que poco a poco va evolucionando. ¿Quién es el encargado de las letras y de donde nace la inspiración de su profundidad?

Cyclothymia es un tema realmente inspirado. Esta mal que lo digamos, pero la sonrisa que se nos escapa cuando pensamos en él nos delata. Es el tema más redondo que tenemos. Es intenso desde principio a fin. Es un reflejo de esa madurez citada al principio de esta entrevista. Quizás, los astros se alinearon en el momento adecuado. No te deja descansar pues emana de la misma desesperación humana. Es un grito de auxilio, una búsqueda de consuelo o de un clavo al que agarrarse cuando uno toca fondo. Este tema nace del alma misma.

Su redondez es peligrosa, por otra parte, porque la expectativa que puede generar su superación en un trabajo próximo es todo un reto. Es una navaja de doble filo.

Sobre la letra, esta se divide en dos partes. La primera está escrita por nuestro teclista, Manuel Mas, y la segunda, por nuestro cantante, César Alcaraz. El texto y la música van a la par en el relato que podéis escuchar.

Rockliquias.- "Lady of the Winds" menos bucólica que las anteriores con sonidos a lo Wakeman y toques acústicos de guitarra a lo Mike Oldfield.

La guitarra da un color algo más local, más nuestro, junto con la inclusión de percusión de las sonajas y el cajón. Pueden percibirse guiños a la rumba, al bolero, etc. especialmente en la parte instrumental central. El resto ahonda en lo folk y atmosférico: el tema se desliza por diversos colores tímbricos, rítmicos y armónicos. Por otro lado, este es un tema que conjuga diversas emociones, todas ellas relativas a nuestros hijos, la infancia, la inocencia.

Rockliquias.- El disco lo cierra "Footprints", sonoridades a lo IQ, Pendragon o Marillion ¿Cuáles son vuestras referencias progresivas?

Es posible que este tema sea el más neoprog, como bien dices. Está en la línea general del sonido de Numen. Es un buen broche para cerrar un álbum muy emocional, ya que se caracteriza por aspectos que aparecen en los temas de todos nuestros trabajos, es decir, especial atención a lo temático y melódico, a la articulación y respiración de las distintas secciones, al detalle tímbrico, etc. En cualquier caso, Numen trata a cada uno de sus temas con especial dedicación. El más mínimo detalle se piensa.

Sobre las referencias progresivas, cada miembro te daría un listado personal. Donde todos coincidimos es en resaltar la admiración que sentimos por los clásicos del género.


Rockliquias.- ¿Qué tal la presentación en San Vicente del Raspeig?

Estupenda. Que un ayuntamiento te incluya en su oferta cultural es todo un orgullo y un privilegio. La asistencia fue francamente buena, especialmente si consideramos que el progresivo es una más de las manifestaciones underground de nuestros días.

Este concierto sirvió para presentar nuestro tercer trabajo y repasar los dos anteriores. Es el final de un ciclo y el inicio de otro.

Rockliquias.- ¿Tenéis fechas para próximos conciertos?

De momento, no. Esto se debe principalmente al hecho de que Numen quiere reinterpretarse y replantearse como proyecto. Nos apetece investigar y recorrer ciertos campos sonoros y estéticos que Cyclothymia muestra fugazmente. No obstante, hay promotores de festivales prog de dentro y fuera de España interesados en nuestra participación y, si sale la oportunidad, tendremos que estar listos para aprovecharla. Cyclothymia es un álbum que no ha dejado indiferente a quien lo ha escuchado y eso se nota; críticos, promotores y vendedores del género se han interesado en nosotros de forma natural y sin insistir en demasía. Este trabajo ha supuesto para nosotros que esa atención buscada en los dos discos anteriores, especialmente en el mundo anglosajón, fuera más fácil.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

La mejor manera es invitarlos a que escuchen nuestra música. No hay excusas para no hacerlo. Existen multitud de plataformas mediante las que aproximarse a Numen: Spotify, Youtube, Facebook, etc.

En nuestra web www.numenmusic.com y en numenmusic.bancamp.com pueden escuchar todos nuestros trabajos gratuitamente y ponerse en contacto con nosotros, y si les gusta, apoyarnos. Lo que hacemos cobra sentido y es premiado cuando el público disfruta con ello.


Contacto:

Página Oficial: http://www.numenmusic.com/




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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SYNDONE - Melapesante (2010)

Echando la vista atrás hay un fenómeno que nunca he tenido muy claro: si tenemos en cuenta la importancia que tuvo el rock progresivo durante la década de los 70´s, cómo es posible que exista tan poca bibliografía al respecto si lo comparamos con otros estilos de música. 



También podemos precisar otra cuestión: este movimiento tuvo mucha menos acogida en sus países de origen que en el resto del mundo. Esto da que pensar. En Inglaterra por ejemplo el rock sinfónico es odiado por la mayoría de la crítica musical y por algunos músicos que la crearon. Lo que puede parecer una delirante contradicción es una dura realidad. Los anglosajones son un pueblo extraño. Crean las cosas más interesantes y luego aborrecen de ellas. Una forma de escepticismo, ironía y reírse de su sombra forma parte de su caracter. Este fenómeno puede ser normal en España pero en otro sentido porque la base musical que tenemos es mínima en comparación con otros países. Nosotros salvo el flamenco que es la única música que hemos exportado al mundo incluso adaptado para la música clásica no tenemos ninguna otra base cultural como sucede en otras partes del mundo. Eso si nuestro humor es muy bestia y nada sofisticado. Nuestra expresión cultural más popular es la copla y la pachanga. La fina ironía aquí cuesta cazarla. Desgraciadamente la tradición sinfónica europea apenas pasó por aquí si exceptuamos a nuestros dos más grandes compositores de prestigio: Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo. Hay alguno más claro, pero sin la relevancia de estos dos. Nuestra aportación al rock progresivo, al jazz o al folk o a otras músicas “honorables” están más dentro de lo pintoresco o anecdótico que otra cosa. Siempre tremendamente minoritario. De joven esto me resultaba doloroso, de mayor me puede la indiferencia porque entiendo que no hay remedio. Admiro a los pueblos de América del Sur por la sensibilidad y actitud demostrada hacia las músicas de calidad. Tienen bandas estupendas de rock progresivo y rock sinfónico. Además, todos los grandes grupos de la historia han pasado por ahí a lo largo de las décadas. No podemos decir lo mismo en esta tierra que si bien hemos tenido buenos conciertos y un público entregado y entusiasta, raramente invertimos en cultura por desinterés y sobre todo por ignorancia con el rechazo consecuente a ello. No todos somos así, hay que decirlo. Hay buena gente en mi país y buenos amantes de la cultura los mismos que hacemos lo posible para no hacer demasiado el ridículo fuera de nuestras fronteras. Italia es un caso aparte: allí los grupos de buena música abundan. Quedan unos cuantos discos de Syndone por comentar en las próximas semanas y daré por aparcado el prog italiano porque si no se va a hacer interminable y hay otras partes del mundo que son interesantes de destacar.

Con 17 años de diferencia entre “Inca” y “Melapesante” la banda de Nik Comoglio ya parecía una historia olvidada. Nunca se sabe que ocurre en realidad en la mente de un músico, pero se repiten historias como ésta dentro de este estilo con mucha frecuencia. En 2010 pasan a ser una orquesta de 16 integrantes que cubren un amplio abanico instrumental con la idea nítida de hacer música a lo grande que encaje con lo antiguo pero con una frescura compositiva completamente renovada y lejos de repetirse. La temática de este trabajo es variada con sugestivos títulos: “Melancolía de Ofelia” “Allegro Feroce” “Magritte” etc. Con el clásico sonido vintage de teclados analógicos para que los sinfónicos no saquemos pegas como siempre. Vuelvo a repetir que Keith Emerson estaría contento con una banda que le recuerda constantemente pero no nos engañemos que Syndone tienen su sello indiscutible de RPI y una buena y variada fuente de donde sacar ideas incluso dentro de un buen avandgarde de rock de cámara hacia las formas complejas de la música clásica contemporánea. Aquí hay muchísimo sonido y vericuetos implicados que exigen una adecuada audición. El canto en italiano de Riccardo Ruggeri tiene una bonita voz se adapta bien a las no muy largas pero complejas composiciones.



 Pensemos en 47 mtos repartidos en diez cortes. Tendencia épica por supuesto y cierto drama lírico típico de esas tierras no está ausente, así como exquisitas partes acústicas de guitarra, piano, flauta y vibráfono. En general huyen de tópicos y las canciones a veces tienen giros inesperados y eso le da mucho interés reduciendo el margen de lo previsible que todo prog veterano y experimentado lleva en la cabeza, hasta el punto de adivinar por la forma musical a que conclusión y desarrollo va a llevar cada canción. Con las músicas convencionales esto es fácil de prever pero con el rock sinfónico no, salvo que lleves un archivo mental impresionante. Toda la música llamémosla “normal” o convencional se basa en unas plantillas casi siempre similares. Es un modelo de fábrica ya hecho y el músico solo hace que rellenarlo: ahí tienes el rock básico y todas sus etiquetas surrealistas para adaptarlo a los tiempos, todo el pop, el blues, las baladas románticas y hasta el jazz standard y las bandas sonoras. El esquema es como un troquel “oficial”. Como un formulario-tipo donde los acordes las notas y los ritmos ya están en un orden determinado donde solo tienes que seguirlo y los más valientes reinterpretarlo. Todo destinado al fácil consumo. Si amigos todo lo que oímos fuera de los círculos libres de música minoritaria está inventado y lo peor: disciplinado para que no se salgan del guion. Os contaría anécdotas pero no viene al caso. Syndone hacen su propia mezcla y lo que les viene en gana y por ello me gustan.
Alberto Torró 









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BROTHER APE - Force Majeure (2013)

Dicen los psicólogos que los seres humanos decimos de promedio unas cien mentiras al día. Un estudio antropológico defiende la necesidad de la mentira como medio de supervivencia en un mundo basado precisamente en eso: en la falsedad. 



Es curioso sin embargo que todos defendamos la honestidad y la sinceridad sin darnos cuenta de que estamos esperando al incauto inocente que se muestre como tal para crucificarlo y apedrearlo sin misericordia. Así somos de encantadores. Pedir honestidad en este mundo es invitarte a subir al cadalso. Mentir y fingir es un signo de inteligencia por muy despreciable que parezca. Pero no os voy a mentir si os digo que los Brother Ape a lo largo de este experimento que llevo de escuchar por primera vez y comentar luego, aprecio un balance de que nos encontramos en realidad con un trío de pop-rock sinfonizante que basa la estructura de canción con originales arreglos. Se hablaba como ejemplo de Moody Blues como pop sinfónico y realmente lo eran, pero sus estructuras eran bastante sencillas al igual que la Barclay James Harvest. El pop rock es una cosa muy simple donde en interés recae exclusivamente en la melodía y lo instrumental es mero arreglo y acompañamiento. Si las melodías son malas como ocurre en la práctica totalidad de la música actual ya no queda nada que escuchar. Lo que escuchamos hoy ya no es que sea solo malo es que además es desagradable. Yo creo en la importancia de que la música se trabaje y se haga atractiva independientemente de su complejidad o de su sencillez. La fórmula de Brother Ape es esta: buenas melodías y un aditamento instrumental inteligente para que además sea asequible. No es nada fácil esto que os comento porque se requiere una buena base técnica y buena dosis de imaginación a la vez que una facilidad para la melodía.



“Force Majeure” es probablemente su disco más alegre y atractivo porque vuelven a lo que mejor se les da: sus armonías vocales y su capacidad melódica. Después del patinazo de su cuarto disco “Turbulence” tanto el anterior como este vuelven a los cauces establecidos y a alegrarnos el oído. Tras la breve y encantadora introducción las nueve canciones restantes se mueven entre los 5 y 6 mtos de promedio con ese peculiar sonido tan agradable que los caracteriza y con un sinfín de detalles en la composición donde privan los arreglos minuciosos y la vibrante rítmica de una batería muy marcada con rápido empleo del charles. Los teclados son como el arte decorativo minucioso con detalles aquí y allá, siempre con pinceladas muy armónicas. La guitarra lleva siempre el pulso principal solista perfectamente insertada en cada momento. Hay piezas emocionantes como “Doing Just Fine” y ahora firmaría yo porque todo el pop rock tuviese esta calidad y este encanto. Habrá a muchos que como en el caso de otras bandas como Moon Safari os parezcan demasiado dulzones y hasta algo moñas y eso que la instrumentación no tiene nada de blando o de tópico baladista al uso. El equilibrio está muy bien pensado y ellos pretenden exactamente ese efecto casi cariñoso y tierno en las voces. A muchos nos gustan a veces las deliciosas mariconadas musicales, pero como todo, entiendo que también pueda ser repelente para algunos. Para gustos los colores. 




Hay una curiosa canción llamada “el prisionero español” con acústicas en ristre y algo de post-rock-aor en el saturado estribillo. “After Rain” es una melosa y decadente canción con arreglos orquestales casi a los años 60 y emotiva cadencia sinfónica que sirve de final a un disco absolutamente agradable con los aciertos e inconvenientes que pueda llevar eso. Ya veis que  hasta la música forma parte de la mentira y de la ilusión de un espejismo. 
Alberto Torró 






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GOD BLESS - God Bless (1975 / PRAMAQUA)

Hablar de progresivo indonesio sé que puede sonar a chiste, pero es que lo hay. Y a lo largo de décadas,  ha ido dejando bandas impresionantes.  Dewa Budjana, Abbhama,  Harry Roesly, Guruh Gipsy, Discus, Sharkmove, Imamissimo, Ligro,  Simakdialog, Tohpati Ethnomission o God Bless. 


Formados en 1973 por Ahmad Albar (voz), Jockie Soerjuprajogo  (teclados), Fuad Hassan (batería), Donny Fattah (bajo) y Ludwig Lemans (guitarra), - no sé qué es peor, si sus nombres rarunos o sus descojonantes alias-. Éstos han espaciado bien la edición de sus discos, teniendo en cuenta que siguen en activo, con tan sólo seis discos desde el 73. El último  del 2009. Puede que no les haya sido fácil editarlos. God Bless son unos músicos que quitan el hipo, pero tienen un curioso "tic" compositivo que realmente no sé cómo tomármelo. Gustan de insertar en sus propios temas tonadas famosas de los más grandes, pero pocas veces lo acreditan. Y uno no sabe si son guiños admirativos a sus héroes,  o fusiladas con más jeta que el neoliberalismo "ejpaño". Por su evidente calidad, fueron elegidos para abrir los "famosos" conciertos de Deep Purple en Jakarta de 1975. De horroroso recuerdo para los británicos,  (asesinato de un roadie,  encarcelamiento de Glenn Hughes, robos, coacción y secuestro de la banda, ver el documental "Gettin' Tighter" del album "Phoenix Rising", para más detalles....).

God Bless debieron ser unos excelentes teloneros, visto su nivel. En éste sorprendente debut de ése mismo año, abre "Huma Di Atas Bukit" en sinfo-progresivo modo, similar al prog japonés. Mucho teclado ampuloso, piano y Hammond, y una buena composición en suma, cuando de repente, se fusilan el sólo de Hackett en "Firth of Fifth" (y qué solo,  como para pasar inadvertido!). Y se quedan tan anchos. Luego siguen con lo suyo, como si nada. 


Una ventisca con puerta crepitante en plan peli de Jess Franco, es la intro de "Rock Di Udara". Otra fusilada instrumental del "Stormbringer" purpliano. Parece que ésta gente idolatraba a la banda. Aunque luego el ejército,  gobierno y policía les dio "la vida mártir" hasta el infinito y más allá.El tema de God Bless se metamorfosea en hard prog de factura profesional, y si perdonamos "las influencias", mola bastante. 


"Sesat" es otro exponente de sinfonismo hard a la Uriah Heep, y es estupendo. Con buen órgano,  fina guitarra e inteligente solo de moog, en la onda de Murasaki o Mariner (más japos a la Purple). 




La siguiente es la primera que "declaran" como versión,  un "Eleanor Rigby" más Atomic Rooster que Beatles, en una tremenda versión que da gusto oírlos. Hacen un trabajo estilo Vanilla Fudge pero con más elementos hard rock. Y puede que sea la mejor versión de ésta canción que haya oído nunca. 



Damos la vuelta para "Gadis Binal", una brillante exhibición de acertados ejercicios hard progresivos a la Lucifer's Friend o Birthcontrol. 


Otra que "declaran" es "Friday On My Mind" de los Easybeats.....pero con trampa : La intro es una famosa parte del "Thick As A Brick" tulliano, por tol morro. Otra fulgurante y extraordinaria versión,  por otra parte, poderosa y con nervio, pura caña con organada y peso rockero convincente y demoledor. Hasta que vuelven a acordarse de Genesis, y se marcan un trozo del "Dancing With The Moonlight Knight", por lo bajini y a lo somarda,  como el que no quiere la cosa. Además es que la "empanada-mix" les queda dpm a los cabrones.


"Setan Tertawa" sigue por excelente camino, entre Traffic, Titanic, Barrabas, Heep, Purple, primeros Yes (si alguien puede hacerse a la idea....). La extensa "She Passed Away" (7'00) pone fin al guateque mongoloide éste,  no sin antes volver a invocar, subliminalmente ésta vez, a Genesis. En otra pieza de atractiva resolución sinfónica. 




Su siguiente álbum, "Cermin" (1980), persiste en ambas características en God Bless: el buen gusto y las fusiladas inmisericordes. Aquí desde Greenslade al "Tarkus" emersoniano, todo vale para hacer otro buen jodido disco. Si es que se hacen de querer y todo. El tercero se nos va ya al 88 y no he tenido pelotas para seguir con ellos.....por ahora. De momento, mis orejas me dictan que recomiende los dos primeros, por sorprendentes y entretenidos. A pesar de "sus cosillas"......
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Huma Di Atas Bukit - 0:00

02. Rock Di Udara - 5:04

03. Sesat - 9:54

04. Eleanor Rigby - 15:27

05. Gadis Binal - 21:00

06. Friday On My Mind - 25:07

07. Setan Tertawa - 31:45

08. She Passed Away - 36:04





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GOSPEL BOOK REVISITED - Stay Wild

En Rockliquias hemos hablado en numerosas ocasiones del progresivo italiano (nuestro colega Alberto Torró se encarga de ello en sus secciones sobre Rock Progresivo Italiano temporada uno y dos), pero amigos hay vida mas allá del progresivo. Buena prueba de ello es esta banda que combina blues, rock, soul y algo de funky.


Gospel Book Revisited se forma en Turín en 2014. El grupo esta integrado por Samuel Napoli (batería) ex miembro de Different Reality y que tuvo como maestro a Furio Chirico (Arti & Mestieri, The Trip). En el bajo tenemos a Gianfranco Nasso anteriormente en las filas de Mambassa. Camilla Maina  cantante ganadora en tres ocasiones del "Best singer" de la Mozart Association de Turín. Por último, Umberto Poli esta encargado de las guitarras, con un amplio historial en proyectos en bandas como Lastanzadigreta, Silvertrane, Euthymia, Giacome Aime & the Bluedogs. También ha colaborado con Voodo Lake, Nandha y Supershock.

En abril de 2017 graban su primer EP, "Won't You Keep Wild?, realizado en tan solo tres sesiones. Reciben muy buenas críticas y ese mismo año realizan una gira por Italia que se alargaría hasta 2018.


"Stay Wild" contiene ocho temas grabados en la gira de conciertos durante 2017-2018. El "setlist" está compuesto por los cinco composiciones del "Won't You Keep Wild? y tres versiones mas. El disco se inicia con "Roll Jordan Roll" un tema tradicional interpretado a capella por la extraordinaria voz de Camilla. Continuamos con una potente versión del clásico de Willie Dixon, "I Just Want to Make Love to You". Sin apenas respiro llega ""I Don't Know Her Name" del "bluesman", Leo "Bud Welch". Gran manejo del "wah wah" por parte de su guitarrista Umberto Poli. "Clean Up Woman" (Clarence Reid, Willie Clarke), cuenta con la colaboración de Maurizio Spandre al piano que les acompaña en directo, nos muestra la parte mas soul/funky con un ritmo a lo Shaft. La parte rockera la tenemos en "Keep Me Wild" que recuerda peligrosamente al "Jailbreak" de los Thin Lizzy. "Mary and the Fool" es una composición propia llena de sensibilidad y sentimiento demostrando la gran calidad de su cantante. En "When the Levee Breaks/John the Revelator", fusionan dos temas, el  primero de los Led Zeppelin, con una gran labor guitarrera y con su bajista, Gianfranco Nasso, brillando con sutiles toques, y el segundo un tradicional muy conocido por todos. Finalizan con una nueva versión, "If I'm Luck I Might Get Picked Up" (Betty Davis), totalmente rockera donde aprovechan para presentar a la banda. El único defecto de este gran disco es su corta duración.
J.C.Miñana









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UWE SCHNIERING - Cleared Universe (1979 / EULENSPIEGEL)

Misterioso disco y autor que iba por libre, (pero no mucho), si nos atenemos a que dedicó la obra a L. Ron . Hubbard y toda la secta de la cienciología. 


Con la ayuda del ingeniero Klaus Grzeskowiak, creó capas y pistas superpuestas de instrumentos, tocados todos por él. A la manera y estilo de unos kraut rockers, Comus o Incredible String Band. Guitarras, teclados, bajo, batería y voz son interpretados por Schniering en sus propias composiciones. Ayudado a la percusión por Karla Schniering y Horst Tubbesing. Siempre he creído que la combinación entre guitarras acústicas y electrónica es una de las más acertadas de toda la revolución musical de los 70. Lo que hace Schniering podemos catalogarlo como "folk cósmico", con sinfonismos propios de Wallenstein. Además,  el hombre cantaba estupendamente y con una muy capaz tesitura vocal. 

"Changing at All" (7'20) tiene ése brumoso feel británico de Dransfield o Tir Na Nog, pero llevado a la Alemania hippie de glorioso reinado psych-prog, algo tardío. Cosa que parece no importarle demasiado a Uwe. Sonidos eléctricos,  disparos de moog y rasgueos folk desenchufados, acompañan los devaneos vocales de nuestro hombre con mucho gusto y especial cuidado por lo refinado. 

Embates acústicos pasados por flanger, con detallista eléctrica y ritmos, en una preciosa melodía vocal, lleva por nombre "Love Spring" (4'03), no muy alejada de los primeros Jethro Tull. "Sometimes Married" (2'51) tiene dominio fuzz casi a la Crazy Horse,  equilibrado con un fondo sintetizado que le da un verdadero sentido a la acepción "psico-prog". 

Schniering es un experto en crear nostálgicos y rurales ambientes de tristes reflexiones, como en "I Do Still Love You" (5'00). Una especie de Jim Croce krautie, que funciona y toca la fibra sensible,  además con una ejecución instrumental si no virtuosa, siempre atractiva y que entra muy bien.

Nos ponemos en la segunda cara sin enterarnos, con la sinfo-tonada "What I An Doing Here" (6'37). Una melodía amable y casi en la cuerda de Al Stewart, envuelta en fat sounds de moog y pinceladas hábiles de guitarras con o sin enchufe. Excelente material que no hubiera molestado en una radio-rotation de FM del momento. 

Uwe se nos va al cálido y acogedor amor de una chimenea en un frío invierno, (cuánto echo de menos eso, con éstos veranos anuales insoportables de ahora), como un Ian Anderson en jam con Witthüser & Westrupp, en "Face It" (3'36). Simplemente delicioso. "Bolivian Incident" (3'31) trata de llevar una "melodía bolivariana" (ooops! Anathema y sacrilegio!!!), con sus percusiones y acid guitar, por la suave senda kraut-middle -of-the-road,  que firma el estilo softie-psych de Schniering, en un agradable instrumental. 

Finaliza éste único álbum con "The Mission" (6'09), Rhodes y synths en frágil intro teclistica al modo de un Jürgen Dollase, con spoken word de acompañamiento,  (otro lo diría al revés! ), a las vintage burbujeantes capas analógicas de esencial calidad-claridad-cavidad-cantidad teclistica. 


"Cleared Universe" es un huérfano álbum perfecto para iniciarse en el kraut por el lado menos abrupto y espeso de la montaña. Forma parte de la $$$electa lista Pokora, pero sorprendentemente,  no se sube a la parra en demasía  (40 / 50 machacantes un original). Una reconfortante escucha y un muy recomendable artefacto folk-kosmische,  casi inofensivo......O no.
J.J. IGLESIAS


Temas
01 Changing at all 02 Love spring 03 Sometimes married 04 I do still love you 05 What i am doing here 06 Face it 07 Bolivian incident 08 The Mission





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SAVOY BROWN - Bottom Line, NYC 1976

El 13 de abril de 2019 fallece Paul Raymond (guitarra y teclados) parte fundamental de bandas como Savoy Brown y UFO, en esta última formación contribuyo a la grabación de uno de los mejores directos del rock, "Strangers in the Night".


Paul Raymond entró a formar parte de Savoy Brown en 1971 junto con sus compañeros de Chiken Shack, Andy Silvester (bajo) y  Dave Bidwell (batería), en una de las múltiples renovaciones de la banda realizada por su miembro fundador Kim Simmonds. Permaneció en el grupo hasta mediados de 1976 grabando seis discos: "Street Corner Talking" (1971), "Hellbound Train" (1972), "Lion's Share" (1972), "Jack The Toad" (1973), "Wire Fire" (1975) y "Skin 'N' Bone" (1976). En la gira de promoción de este último disco actuaron junto a Nazaret y UFO en Saginaw, Michigan. Allí estuvo hablando con Pete Way (bajo UFO) que le comentó que estaban buscando a un teclista que tocase la guitarra para sustituir a Danny Peyronel. A su regreso a Inglaterra realizó una audición y se convirtió en el nuevo miembro oficial de UFO. Su estreno llego en Alemanía abriendo para Rainbow. 

La grabación nos presenta el concierto de Savoy Brown en el Botton Line de New York, el dos de junio de 1976. Una de las últimas actuaciones de Paul Raymond con la banda antes de entrar en UFO. El grupo estaba formado por Kim Simmons (guitarra, voz, armónica), Paul Raymond (teclados, guitarra), Ian Elis (bajo) y Tom Farnell (batería). El "setlist" contiene gran parte del "Skin 'n' Bone" ), disco que estaban promocionando, junto a temas clásicos de su discografía como "Hellbound Train" o "Tell Mama". La labor que realiza Paul Raymond en las teclas es realmente sublime tanto con el hammond como con el piano. Como ejemplo basta escuchar "Walkin' and talkin'" o "Par time lady". Gran noche de "rock blues". Sonido aceptable.
J.C.Miñana


Temas
Part time lady. 
Get on up and do it. 
Hero to zero. 
Walkin' and talkin'.


Temas
Deserves me right to suffer. 
She's the one. 
Hellbound train. 
Tell Mama.






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