Caliente. Palabra que casa en meritorio maridaje con lo que Fernando Arbex soñó para sus Barrabás, pues el proyecto era un pequeño universo creado para ser dirigido por sus expertas manos. Está el que intuye las visiones en lo que fue el último trabajo de Brincos, ya sin el artículo delante para internacionalizarlos. Sólo quedaban Arbex y Manolo González de la vieja guardia, siendo World, Devil, Body un querer acercarse más a Iron Butterfly que a Malo, que es a lo que recordaría el primer LP de Barrabás. Entremedias quedaba la apuesta Alacrán en la que Fernando sí tanteó el asentamiento definitivo entre un guirigay de influencias que le apasionaban. Junto a Joao Antonio Vidal, Tito Duarte, Iñaki Egaña y, ante todo, los viejos conocidos Ricky y Miguel Morales (hermanos de Junior que entraron en Los Brincos tras su salida), el asunto toma un cariz apasionante que va más allá del capricho de estudio.
El rock fusión que le sale al líder de la banda en canciones como “Wild Safari”, “Try And Try” o “Woman” es tan latino como danzón, pasando de Santana a Osibisa y a unos bajos funk que se meten en el sistema nervioso central del oyente poseyéndolo sin remisión. Enrique “Ricky” Morales le sigue la corriente escribiendo cosas como “Cheer Up”, entre José Feliciano y los America en bote de melaza, o “Chicco”, mestizaje neoyorquino de pleno Hell’s Kitchen para hermanos del barrio. Duarte a las percusiones delira un colchón que en otras formaciones suena estricto y lineal, mientras que Tito aporta imaginación y recursos como ejecutor de las notas en el pentagrama; la flauta de Joao termina de darle el toque original de un artista que lo mismo se enfrenta a las teclas como ataca instrumentos de viento.
Para 1981 ya habrían metido la cabeza en un funk de embelesamiento disco, teniendo desde el segundo vinilo de Barrabás a Arbex como mandamás en la sombra y sin formar parte de las grabaciones como ejecutor frente a su batería.
Producto fabricado para Rockliquias. Único artefacto desaparecido del radar desde su inicial grabación en algún rincón de Pennsylvania en 1976. Cifra lanzada, 500 copias que se habrán vendido por un buck, en alguno de esos rastrillos locales que hacen por esas tierras, cada vez que hacen limpieza del trastero. Sólo descubierto en los mediados 90, por algún "Indiana Jones" del coleccionismo psych-prog. Al menos de ésa guisa nos presentan a la bestia.....Muchos matices discrepantes veo yo.
Del quinteto al menos nos quedan los nombres: Chad Patterson (bajo), imagino que su brother Tim Patterson (guitarra solista y "productor", el entrecomillado va con toda idea), Robert May (teclados), Lynn Miller (batería) y Max Stiffler (voz solista). Como decía no hace mucho de Top Drawer, uno de ésos deliciosos vinilos grabados en vivo en algún estudio-granero, con el sonido característico del momento. Éstos ya cuentan con sintetizador, y la melodía de "Set Your Heart On Fire" los emparenta con los desheredados del midwest rock. Sólido armamento instrumental y una voz a priori algo sosa, pero que luego le encuentras un algo que se hace querer. Buenas combinaciones rítmicas VS synth/guitar son apreciadas al instante.
"Everybody's Rockin" va en clave boogie rock al modo Duke Jupiter o early REO Speedwagon, (nada que ver a lo que les hizo famo $o $). Y hasta con dejes southern que el órgano se encarga de poner a la Atlanta Rhythm Section en mente. La del título, "Dreams", debe su inspiración al "Child in Time", pero pronto varía el rumbo a tiempos más añejos, de reinado psicodélico. Quizás provenían de ésa época como casi todos, de alguna banda tan oscura como Windflower. La lucha en el circo del rock'n'roll es para gladiadores despiadados, ya se sabe. Otra midwest track con presupuesto regional es "Midnight Lady". Los tipos le echan ganas, saben lo que se traen entre manos, y su encanto amateur forma parte del juego. Y así es como hay que entenderlo. Más hard rock contenía "Sapphire", como unos rurales Bad Company, con un mini moog marca Acme comprado en la tienda de segunda mano de su pueblo. Pero aún con todo, suenan. Y ésa ácida guitarra los lleva más cerca del 69 que del 76.
Como una intro de Free, "Jay Jam" se nos presenta de nuevo con la solvencia de ésas seis cuerdas de escuela Kossoff / Clapton por parte de Tim Patterson. Contestada por el sinte de la Señorita Pepis de Robert May, que cumple de sobras su cometido. Así se pasan el tema, haciendo jamming como harían horas muertas en su garage de ensayos. "Supernatural Mind" es como una demo de Roadmaster hecha en un domingo por la mañana. Con la resaca devorando cuerpo y mente (lo sé por experiencia). Deep Purple tiene mucho que ver en su moral "alcoyanista". Y de nuevo salen victoriosos dentro de su zona de confort amateur. No puedes exigirles más con los mimbres usados. Y aprovechan su baza hasta con desparpajo. Como "Nowhere Cowboy" demuestra, en otra rola aspirante a pomp de primera que bien podrían haberle vendido a Angel sin problemas. El progresivo comienzo de "Time" deja intuir que el pomp llevado a ése campo sofisticado hubiera sido una opción en un futuro, de seguir insistiendo. Deliciosa canción de connotaciones británicas casi Yes.....o Starcastle en su "defecto". Lo mismo que "Only You" estaría bien colocada en el "Real To Reel" de los de "Citadel". Y hasta en uno de los últimos de Headeast. Terminan con "Nothing Your Can Count On", una tonada funky al estilo de Wild Cherry con unos ardientes teclados nada desdeñables.
Y llego a la conclusión de que igual a Windflower les iba mejor en las fiestas rurales con éste material que con el que llenan el vinilo. Adorables losers, que cuentan con todas mis simpatías (por el débil).
Inspirados como muchos otros contemporáneos por el desparpajo de la British Invasion, este quinteto australiano publica desde 1965 a 1968 cuatro LPs donde el beat y el rock & roll son puntales, vigas madre para unos músicos resultones. Inicialmente será el vocal Stevie Wright el que más veces comparta créditos junto al guitarrista George Young –hermano mayor de Angus y Malcolm Young, miembros de AC/DC–, aunque para principios del 69 Harry Vanda cerrará el dueto creativo junto a George.
Salen de Parlophone para firmar bajo Polydor, sello con el que se sueltan las melenas y toman conciencia de otra estética más acorde con el final de década. En cuanto a su sonido, no es que se recrudezca, pero sí encamina el zapatazo a unas bases rítmicas más rotundas, hasta más pensadas si se quiere medir el asunto con el termómetro de la espontaneidad.
“St. Louis”, una locomotora que se abre como tal gracias a la introducción de la batería y el bajo, es canción fundamental para palpar a estos renacidos The Easybeats que no se avergüenzan de lo que les movía un año antes, aunque ahora son capaces de visualizar desde dispares perspectivas. Algo así como el salto sustancial entre el sonido de The Small Faces en relación al combo The Faces.
“Friends” constituiría un “Pinball Wizard” (The Who) empaquetado por Vanda y Young, pero con esa acústica tan Pete Townshend. “Rock & Roll Boogie” sigue los mismos raíles que el primer corte del vinilo, algo con lo que no comulga “Train Song”, más dirigida a inventar “Long Train Runnin’” cuatro años antes de la edición del disco de The Doobie Brothers en el que se contendría tan irresistible sencillo. Hasta para cantar “Woman You’re On My Mind” son totalmente Leadbelly; nada de The Beatles para este 69. Tiempos de cambio a mansalva.
Sintetista francés ciego a causa de una negligencia médica en la incubadora, éste músico cuenta con muchas más colaboraciones que discos propios, que no llegan a la media docena. Ilustres nombres han contado con Rykiel en sus trabajos, como Salif Keita, Didier Malherbe, Leonard Cohen, Youssou N'Dour, Jon Hassell, Jacques Higelin, François Cahen, Cyrille Verdeaux.....Pero aún más resaltable es verlo en los créditos del "Open" de Steve Hillage, el "Friends of Mr. Cairo" de Jon & Vangelis o "New Jerusalem" de Tim Blake. Precisamente con éste ya había editado una cassette en 1979 titulada "Waterfalls in Space". Concluimos pues, que Rykiel es un grande del sintetismo francés de los finales 70, cuando ése país cogió el testigo electrónico - experimental de Alemania.
Su debut homónimo en 1982 no incluye grandes desarrollos temporales, (excepto donde se indica). Pero su segunda cara es una sucesión encadenada de temas, con un probable hilo conductor temático. El comienzo con "Fair Light", - título con intencionalidad al aparato de moda -, es un magnífico corte cuasi-jazzistico, que bien podría ir firmado por Patrick Moraz o Josef Zawinul. Incluye guitarra y bajo, y casi parece un outtake del "DS Al Coda" de National Health. Melodía del medievo en clave electrónica para la breve "Occitan Rock", de sabor evidente a Wakeman y alegre contexto "happy" estilo Oldfield. Electric piano y un tímido rhythm-computer (menos mal!), inicia "Tao". Un tranquilo paseo mental por relajantes senderos melódicos. Con una voz adecuada sería un buen exponente WestCoast soft rock. La analogía de la década anterior todavía suena exuberante al comienzo de "Step by Step" (6'50), pieza de sonoridad Eddie Jobson, y que con una banda de ése calibre, podría ser repertorio de UK, y hasta de Genesis por ésas fechas. Rykiel compone muy inclinado al symphonic-prog 70s, a pesar de que eso era ya para esos días, una sacrilega herejía. Da gusto escuchar su elección de sonidos, así como su pleno convencimiento melódico hacia el estilo referido. Un valiente que apostaba por el buen gusto frente al resto de imbéciles juntaletras y abrazafraudes del momento. "End of a Party" vuelve a esencias Weather Report, Deodato, Tom Coster o el Herbie Hancock más jazz rock funk. Bonitos arreglos y pinceladas teclísticas con el símil trasladado a guitarra de un Jeff Beck.
A continuación segunda cara, (la primera se pasa en un suspiro), con "Mind is Moving" y un estilo casi smooth jazz, o un instrumental de Stevie Wonder. Vuelve a recordarme a Patrick Moraz, porque aunque entra fácil y es para todos públicos, su elegancia en ejecución y composición va pareja con el suizo. Ésta se encadena a "Miles Around" (5'40), donde los fraseos Miles Davis son de clara admiración y homenaje al maestro. Soleando bajo un loop secuencial que formaba parte del final, en el tema anterior. "Interface" son unos segundos de Fairlight al modo Wendy Carlos, que enlazan (como toda la cara), con "Welcome". Ambiente festivo afro de sabor "Black Market", y hasta a los momentos más cálidos y mediterráneos de Kitflus en Pegasus. Unas percusiones salvajes de Santi Arisa hubieran ofrecido aquí una gloriosa intervención. En vez de eso, echa mano de una cajita rítmica de la que como digo, no abusa en absoluto. Apenas para producir algo similar a unos platos llevando el ritmo. Intuitivo y sabio, el Rykiel. Esto nos lleva a "Another Peaceful Fight", que es otra gominola sintética deliciosa, entre Jobson y Banks, con una irreprochable ejecución del francés. Y con ésos sinfonísmos de amplias vistas y cielo azul, prosigue "Wrong, Try Again!" (Tony Banks del "A Curious Feeling"), y una breve coda-remake del "Mind is Moving".
Espléndido y reluciente trabajo teclistico, que no tendría continuación hasta 1991 con "Nunc Music (Quiet Days in Tokyo)". Y el tercero ya entra en el nuevo siglo, espaciando cada vez más sus escasos discos. Un huidizo teclista a considerar, sin duda.
Joe Zook (Joe Zuccarello) es un veterano músico que lleva más de cuarenta años luchando por lo que más le gusta, EL BLUES. Un día llega a casa y le pregunta a su mujer si puede utilizar sus ahorros (unos siete mil dolares) para autoproducirse su próximo disco. Dicho y hecho, con dos cojones.
Zook nace en 1953 en Trenton, New Jersey. Sus padres con formación musical, los dos tocaban el piano, animan a su hijo a tocar la guitarra. A los 11 años comienza a tomar clases y su primer concierto lo da en la escuela secundaria. En su juventud juega al béisbol pero sus padres le aconsejan sabiamente que siga tocando la guitarra. Según sus propias palabras: " Querían que tuviera algo que no dependa de tu físico". A los 18 años pierde a su madre. En 1972, en su segundo año como universitario, deja la carrera para trabajar como músico en los clubs de New Jersey. En el 75 conoce a su esposa, Donna, casándose en 1978. Decide retomar sus estudios y en 1981 obtiene el título pero no ejercería como maestro hasta 1987. En 1979 forma Blues Deluxe actuando de forma asidua en el Runrunner de Trenton. Durante la década de los ochenta se les podía ver los martes en el City Gardens de Trenton. Durante ese periodo fueron teloneros de Buddy Guy, Junior Wells, Johnny Winter, Moddy Waters, Otis Rush,Albert Collins, Savoy Brown, BB King entre otros. También publica varios discos: "Blues with a Capital B", "Still Payin 'Dues" y "Blues Routes". En 1997 le diagnostican tinnitus, zumbidos en los oídos, teniendo que utilizar tapones para protegerse.
En este último trabajo de Joe Zook con Blues Deluxe le acompañan: Jeff Snelson (batería), Bill Hot (bajo), James Cheadle's (piano), John Sopko (Hammond B3), Tony Buford (armónica) y, la sección de viento formada por Angelo DiBraccio, Steve Kaplan y Danny Tobias. Grabado en Tom Reock's Squirel Ranch y Ernie White's LaBlanc Studios. Ocho de los temas tienen la autoría de Zook completandose el "setlist" con los clásicos "Caldonia" y "Same Old Blues". Blues por los cuatro costados con un gran Joe Zook y una banda perfectamente engrasada para llevarte al "crossroad". Temas destacados "Good Mornin' Blues", "Caldonia", "Where Did It Go", por citar algunos ya que todos los temas brillan con luz propia.
A pesar del tiempo que vivimos con el maldito coronavirus la actividad discográfica no para. Desde tierras gallegas nos llega el debut de Moura publicado el uno de Abril (2020). Sonidos progresivos con profundas raíces de la tierra que les vió nacer. Rockliquias se puso en contacto con su guitarrista, Hugo Santeiro, para conocerlos más a fondo.
Rockliquias.- ¿Por qué Moura?
El folclore gallego posee numerosas leyendas con seres mitológicos fascinantes. La banda conecta con esta tradición galaica y rural en la que las Mouras destacan como gran figura inspiradora debido a su papel como portadoras de poderes sobrenaturales en sus moradas cerca de lugares de culto, cavernas, fuentes, ríos y pozos.
Rockliquias.- ¿Quiénes son Moura?
Moura somos Diego Veiga a la guitarra y voz, Hugo Santeiro a la guitarra, Pedro Alberte al bajo, Fernando Vilaboy a los sintetizadores y al hammond, y Luis Casanova a la batería. Todos nosotros procedemos de bandas variadas tales como Lüger, Guerrera, Fogbound o Saharah. Nuestra amistad y coincidencia en experiencias musicales del pasado nos unió en este nuevo proyecto que se ha ido gestando a fuego lento hasta consolidarse definitivamente con nuestro primer trabajo discográfico.
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?
Nos encanta navegar en una arqueología musical muy diversa que resulta complicada de plasmar en una breve respuesta. De manera muy simplificada, podemos apuntar que bebemos desde del rock progresivo (King Crimson, Yes, Pink Floyd) y la escena de Canterbury (Soft Machine, Gong), pasando por el progresivo español (Triana, Máquina!, Iceberg) y el kraut rock (Amon Düül II, Tangerine Dream, Can) hasta el folk (Emilio Cao, Zeca Afonso, Pentangle, Bert Jansch). En estos momentos estamos enamorados de “Latexo” el nuevo disco de Xose Lois Romero e Aliboria.
Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música?
Rendimos culto a la lisergia pangalaica con melodías psicodélicas, cantos pastorales y ritmos tribales envueltos en ecos de tiempos pasados.
Rockliquias.- "Moura", es vuestro primer disco, ¿qué detalles nos podéis aportar de la grabación?
El disco está producido y mezclado por José Gutiérrez Costas (Jota) y masterizado por Fernando Mejuto en “La Cortina Roja Estudios” de A Coruña. Fue una grabación llena de emociones y muy intensas. Llevábamos mucho tiempo preparando la preproducción de este disco y gracias al impecable trabajo de Jota pudimos llevarla a cabo. Desde el principio creyó en este trabajo y sin su empeño y dedicación no hubiese sido posible. Es un disco lleno de esfuerzo e investigación. Un desafío en el que han grabado hasta doce músicos. Mucha gente con muchísimos y diferentes instrumentos, tanto eléctricos como tradicionales. En definitiva, una gran obra coral de la que estamos muy orgullosos y que nos abre un mundo a nivel compositivo muy rico y prometedor.
Rockliquias.- ¿Con que colaboraciones habéis contado?
Ha sido un placer contar con A Irmandade Árbatra, formada por Belém Tajes a las voces y aturuxos, Pedro Villarino en el bombo, tarrañolas y tin whistle, Miguel Vázquez al pandeiro, tambor y pandereta, Antonio Prado a la lata, pandereta y efectos, Pablo Reboiras a la zanfona, Susana Pérez al claribajo y Brais Maceiras al acordeón. Todo un elenco de grandes músicos a los que estaremos eternamente agradecidos por su entrega en este proyecto.
Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?
La portada es una imagen de nuestro gran amigo y fotógrafo Leo López, fruto de un viaje a Penas de Rodas, situado en el municipio lucense de Outeiro de Rei. Se trata de un antiguo espacio natural de culto de hace miles de años que continúa albergando numerosos misterios en su alta construcción en piedra, ubicación y significado. Posee una precisa orientación hacia el sol que hace que durante los solsticios de invierno y verano se materialice una exacta salida y puesta de sol. Todas las creencias y leyendas acerca del interior de las piedras, el carácter sagrado y su porqué simbólico inundan nuestra literatura gallega y nos fascinan.
Rockliquias.- La cultura gallega está muy presente en el sonido de la banda
La existencia de Moura se debe, en gran medida, a la influencia cultural compartida. El grupo nace con el ansia de mezclar todos nuestros gustos musicales con el propio folclore tradicional. No se trata de un hecho aislado o anecdótico sino el componente primordial y primigenio de todas nuestras inquietudes.
Rockliquias.- El disco está integrado por cuatro composiciones, ¿nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación?
El primer tema, "Eira", es nuestro tema más "crimsoniano". Comienza con un fuego en una lareira, unos timbales marcan el ritmo y la zanfona marca el camino en el que unas voces rituales nos llevan hacia el riff principal. Fue la primera canción que terminamos como grupo y es la que más puede sonar a ese rock progresivo anglosajón que comentábamos anteriormente.
El segundo, "Da Interzona a Anexia", es nuestro tour de force. El tema en el que más trabajamos para el disco. Nuestro intención era conjugar el progresivo setentero andaluz con nuestros ritmos y melodías ya presentadas. El viaje alcanza su punto álgido hacia el final de la canción en el que nuestros alalás casan con la cadencia frigia.
La cara B comienza con "O Curioso caso de Madmoiselle X", un tema de casi catorce minutos que, al igual que en el comienzo del disco, arranca en acústico aunque esta vez con un aire más nostálgico. Es el tema de ritmo más sosegado que tenemos. Su energía calmada se va volviendo cada vez más enérgica hacia el final, un momento en el que enseñamos nuestro lado más "sabbath" por así decirlo. En directo solemos dejarnos llevar y es en el que más improvisamos pues es básicamente como se creó esta canción a través de largas jams.
El disco termina con una versión de nuestro querido Zeca Afonso, "Ronda das Mafarricas". Comienza con unas panderetas y vuelve la zanfona, el hammond acompaña el aviso de que comienza el aquelarre. Esta canción dio sentido al grupo, fue el punto de partida y en él reside el espíritu del proyecto. La canción termina con una "Foliada", ese estado alegre que produce cánticos y bailes, una de las más bonitas tradiciones gallegas para dar paso a los sonidos de la oscilante y legendaria "Pedra de Abalar" de Muxía con la que termina el disco en un bucle.
Rockliquias.- ¿Tenéis fechas para la presentación del disco?
Nuestra gira de presentación se encuentra en estos momentos paralizada debido a la situación de alerta nacional. Las primeras fechas tuvieron que cancelarse y desconocemos las medidas que tendremos que tomar en los próximos conciertos. El sector musical está viviendo actualmente una situación de incertidumbre e intentaremos continuar con nuestra actividad cuando sea seguro y posible para todas las personas implicadas, tanto para el personal de salas como para nuestro propio público y nosotros.
Rockliquias.- ¿Cómo está el panorama musical en Galicia?
Antes mencionaba a Xose Lois Romero e Aliboria, y ahora podemos sumar otras propuestas interesantes de actualidad como son Peña, Caldo, Ortiga, Tanxugueiras, Margarida Mariño o Baiuca. Creemos que se hay un resurgimiento de la cultura gallega y que esto está teniendo consecuencias directas en la música aquí creada.
Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compren el CD y vayan a vuestros conciertos?
Moura es una experiencia única para los amantes del rock progresivo en todas sus vertientes, un singular viaje a través de la mitología galaica y el folk más psicodélico empleando nuestra lengua materna como la voz ritual comunal que persigue el trance colectivo. Hemos lanzado una edición Pre-order numerada en vinilo ultra clear que ya se encuentra agotada, pero en breves tendremos disponible el resto de la edición en vinilo y en CD.
Date una vuelta rápida por Canadá en los 70, si no sabes qué hacer en estos días de reclusión, eso quita todas las penas. No habrá que rascar mucho para que te salgan bandas de un nivel progresivo insultante. Casi anónimas, pero deliciosas.
Si Dillinger hubieran sido británicos otro gallo les hubiera cantado. Ahora estarían al lado de Gentle Giant, Spooky Tooth o Family. Pero en Toronto durante un frío 1973, las posibilidades de fama no eran más que una aspiración a nivel local. Cosa de los hermanos Jacques Harrison (teclados, voz, saxo, flauta, acordeón) y Robert Harrison (batería y percusión). A ellos se añadió Paul Cockburn (guitarras) y Terry Bramhall (bajo). Al año siguiente fichan con Daffodil y lanzan su homónimo primer trabajo. Al que le daremos un repaso en breves. El mismo equipo técnico que se encargó del primero de Klaatu, grabarán su segundo, "Don't Lie to the Band", en 1975. Y allí estaba, como no, Terry Brown. Si en el debut se enfrentan a una versión de Spirit, en su continuación lo harán con una de Spooky Tooth y otra de Beatles. Pero a Dillinger les va eso tan sano de metamorfosear canciones ajenas. Y con su laberíntico estilo progresivo, les sale de miedo.
"People" (6'20) inaugura su primer intento discográfico. Es una extraña y mágica poción ésta, con saxo a la VDGG y pomp overtones que saludan a Kansas.....Y éstos aún no se habían estrenado! Hammond dando espectáculo bajo un manto rítmico poderoso, guitarra tan hard como Kerry Livgren y corales no alejadas de su banda. La flauta entra en acción como en Bloodrock lo hacía Warren Ham, (un tipo que acabó en los AD de Livgren, por cierto). En ésa misma tesitura de voces armonizadas con la energía CSNY y hard rock prog de gimnasio, tenemos "City Man" (4'30). El break instrumental lo protagoniza el saxo de Jacques Harrison, que en éste momento jazzistico recuerda a Ian McDonald en el monstruoso "In the Court....". Imagina "21st Century Schizoid Man" con "Carry On Wayward Son". Fuerte eh?
"Nature's Way" (3'18) de Spirit, se adapta al repertorio propio de Dillinger como una más. Sin embargo, no abandona ése regusto early-Crimson. Mientras que las voces son aquí algo muy pronderante, con guiños Moody Blues / Klaatu en la jugada. Una primera cara realmente corta (14 minutos), que da paso en su reverso a una única pieza : "Live and Return" (17'04). Todo lo expuesto antes, aquí va aumentado a la enésima potencia. Destaca en primer lugar una sección rítmica que ejerce de Vórtice aspira-todo. No se lleva a todos por delante porque son músicos fuera de serie. Una brisa jazzy perfuma la melodía vocal, adornada por voces acompañantes supremas. La guitarra se debate entre el progresivo más ortodoxo, y el hard rock más 70s. Ellos no lo saben, pero es Pomp de Liga de Campeones. Porque el órgano sopesa a éste tren de locomotora desbocada, que arrasa con todo a su paso. Ahora retoman a los CSNY de "Almost Cut Hair" con la pericia compositiva inherente en Dillinger. Y crean una macro-jam semi-compuesta con momentos cegadores a cada cambio. La parte ELP tiene su sitio estelar, y como cabía esperar, lo hacen tan bien como los mentados. Lo de Robert Harrison a los parches dudo que lo mejore Carl Palmer. Un tsunami rítmico que deja el pabellón en los albores cósmicos. Éste tío fue el que derribó las Puertas de Tannhauser con sus baquetas. Su hermano pone el turbo-Leslie al Hammond, y el resto atacan el final como demonios con tabasco en la polla. Imagina. La continuación, al año siguiente, sigue parecidas pautas, (con un pellizco comercial que no les afecta). En realidad es un doble perfecto.
Como la cosa no fructifica, (y es una lástima), Robert Harrison se va con los hard rockers Offenbach. Su hermano y Paul Cockburn montan The Hunt con gente de Max Webster, Bullrush y Bond. Pero eso ya es otra historia. Lo que hoy nos interesa es que Dillinger fueron enormes. Compruébalo.
The Yardbirds reinaban en la escena británica de los 60 como esa formación vibrante de blues blanco nacida para el éxito, el combo de jóvenes que tenía en plantilla a un larguirucho al que los acólitos apodaban “mano lenta”, un tal Eric Clapton a quien dedicaron pintadas callejeras con el texto: «Clapton es Dios».
En marzo de 1965 Jeff Beck, otro ministro de las seis cuerdas, tomaría de manera oficial el puesto de Eric, al igual que Clapton había hecho en el 63 al quedarse con la posición de Anthony “Top” Topham. Es con Beck cuando toca a su fin la etapa más estandarizada de r&b y blues, sacando Jeff de la chistera unos cuantos conejos con nombres de psicodelia, fusión, rock & roll o avantgarde.
Roger The Engineer es el resultado de llevar el truco mágico a la realidad tangible de un vinilo larga duración. El grupo reniega para el disco en cuestión de manejar versiones, aportando material inédito con los sencillos “Happening Ten Years Time Ago” (psicodélico) y “Psycho Daisies” (más rockerizado) como una nota a pie de página advirtiendo de lo lejos que podían llegar, ya fuese picando en lo raro como escarbando en lo comercial.
“Over Under Sideways Down” hace las paces con su pasado inmediato, mientras “Jeff’s Boogie” tira los dados de la instrumental rockabilly con ánimo de entretener trabajando con esmero; el propio Jeff Beck toma el puesto de Keith Relf frente al micrófono para arrancarse con “The Nazz Are Blue”, tan blues como boogie.
El siguiente lanzamiento, Little Games, ya contaría con Jimmy Page cual solista tras la guitarra, cerrando la original etapa que ofreció el trabajo del muchacho de Wallington. Page compartiría sesiones en dicho álbum con el mercenario invitado John Paul Jones, teclado y bajista que en 1968 presenta acompañado por Robert Plant, John Bonham y el propio Jimmy una banda que se terminaría convirtiendo en histórica: Led Zeppelin.
Temas
Side A
1 Lost Woman 0:00
2 Over, Under, Sideways, Down 3:17
3 The Nazz Are Blue 5:42
4 I Can't Make Your Way 8:45
5 Rack My Mind 11:11
6 Farewell 14:25
7. Happenings Ten Years Time Ago 15:55
Side B
8. Psycho Daisies 18:53
9 Hot House of Omagararshid 20:44
10 Jeff's Boogie 23:22
11 He's Always There 25:54
12 Turn Into Earth 28:09
13 What Do You Want 31:16
14 Ever Since the World Began 34:40
ENTREVISTA (11/2010)
CHRIS DREJA y JIM MCCARTY
Chris, ¿qué músicos dirías que te influenciaron sobremanera en tus inicios?
Chris Dreja: Ante todo, los músicos estadounidenses de blues como Robert Johnson, Muddy Waters, Howling Wolf, Jimmy Reed, BB King, Chuck Berry o Bo Didley. Igualmente, siempre me he considerado un gran seguidor del mundo del jazz, tanto del be bop como de Miles Davis, etcétera. La música que posee una emoción genuina y libertad de formas en sus elementos siempre me llamará la atención.
Uno de vuestros grandes logros resultó el hecho de trabajar temporalmente cual banda de acompañamiento de la leyenda del blues Sonny Boy Williamson II. ¿Qué cosas aprendió y sacó en claro el conjunto tras colaborar con él?
Chris: Una de las cosas que aprendimos aquellos días es que nosotros éramos una banda británica blanca y no la genuina formación de músicos negros estadounidenses a la que amábamos y tratábamos de emular. Sonny Boy era una gran estrella para la comunidad negra americana. Le solía gustar echar un trago y cambiar los arreglos musicales sobre la marcha. Tras ensayar con él todo el repertorio del concierto, Sonny podía beberse unos cuantos vasos y terminar tocando de forma diferente, para nuestro horror. Igualmente aprendimos que no sería suficiente para The Yardbirds el hecho de ser una formación que intentase copiar lo ya grabado por las bandas establecidas, por lo que era esencial para nosotros el escribir y crear nuestro propio material.
¿Por qué se fragmentaron inicialmente The Yardbirds?
Chris: La fatiga, posiblemente el estar totalmente quemados fue lo que propició la ruptura. En aquellos días las bandas encontraban su sustento económico principal en los conciertos y nosotros éramos ante todo un espectáculo en directo. En aquel corto periodo de tiempo llegamos a tocar centenares de veces al año y giramos a lo largo del mundo, especialmente por los Estados Unidos. Pasamos por importantes cambios en la formación y avanzamos lo que pudimos aquella música que estábamos tocando. Me alegra afirmar que no terminamos odiándonos los unos a los otros, pero estaba claro que necesitábamos esa ruptura. Jimmy Page y yo podríamos haber continuado, aunque en aquel momento Jim McCarty y Keith Relf ya tenían bastante y deseaban trabajar en un estilo musical más calmado. Supongo que si la banda se hubiese tomado un año de descanso para recobrarse y luego hubiese grabado nuevo material, The Yardbirds habríamos regresado rejuvenecidos y conseguido triunfar en la década de los 70, cuando el formato del elepé se volvió tan importante. En cualquier caso, es todo agua pasada que no mueve molino.
Existe un libro sobre vuestra banda que escribió Greg Russo: The Yardbirds: The Ultimate Rave-Up! ¿Qué pensáis sobre esta obra de estudio?
Chris: Está claro que ha realizado una buena investigación; además el libro está trufado de hechos, figuras y fotografías. Personalmente echo en falta esas historias, sensaciones y anécdotas que realmente puedan dibujar para el lector las personalidades, la época y los increíbles cambios sucedidos en los 60. Jim, John Platt y yo mismo escribimos hace tiempo un libro titulado Yardbirds que era, por supuesto, mucho más personal. Desafortunadamente, a día de hoy está descatalogado.
¿Cuál fue el primer vinilo que compraste?
Chris: Probablemente sería música de Duane Eddy y Jimmy Smith. ¡Oh! Y de B. Bumble And The Stingers.
¿Cuáles consideras que han sido los mayores logros, tanto profesionales como musicales, de The Yardbirds?
Chris: El hecho de seguir nuestros instintos, escuchando las ideas de los unos y los otros, al mismo tiempo que rompíamos un gran número de reglas. Pienso que el realizar todo aquello consiguió para la banda una sustanciosa influencia musical que a día de hoy sigue presente.
The Yardbirds son subrayados en la actualidad por ser la banda que lanzó las carreras, en su estadio inicial, de Jimmy Page, Eric Clapton y Jeff Beck. ¿Qué piensas sobre este hecho?
Chris: Ahora parece increíble; aunque volviendo a aquel momento, a excepción de Jimmy Page, al que ya se le valoraba por su trabajo cual músico de sesión, todo el mundo era muy joven y desconocido. Desde el primer día, The Yardbirds nos labramos la reputación de conjunto que tocaba una música apta para que los guitarristas con habilidad pudiesen extenderse. Atraíamos a ese tipo de músico y lo seguimos haciendo.
¿Qué sentimientos te quedan en relación a un álbum como Roger The Engineer? Contadme la historia que existe tras aquel LP.
Chris: Para mi gusto es el mejor álbum de The Yardbirds. Creado en dos semanas, incluidas las sesiones de composición y las de grabación de las canciones. Pienso que es nuestro trabajo más creativo. “Over Under Sideways Down” salió de esas grabaciones, al igual que bastante material ecléctico, adelantado a su tiempo. El empuje de todos resultó fantástico. Fue un momento único para la banda y estamos todos orgullosos del disco.
Jim McCarty: Roger The Engineer fue un álbum divertido de grabar. Estábamos en la formación Jeff Beck, Keith Relf, Paul Samwell-Smith, Chris Dreja y yo. Nos encerramos en los Advision Studios en Bond St., Londres, durante un par de semanas. Algunos de aquellos temas, como “Jeff’s Boogie” o “What Do You Want”, los solíamos tocar en directo sobre el escenario, pero la mayoría fueron creados en el estudio.
¿Resultó “For Your Love”, el sencillo que os consiguió altísimas posiciones en las listas británicas y vuestro primer gran éxito en las estadounidenses, un ultraje para las creencias blues de Eric Clapton? ¿Fue la razón de su partida?
Chris: En aquel momento de su carrera Eric era un purista total del blues y nosotros sentíamos que lo importante para la banda era evolucionar la música y crear nuestro propio material. Me entristecí cuando nos dejó y él se sintió como el hermano mayor; aunque por otro lado, cuando se marchó nos liberó para que pudiésemos vivir nuestra propia aventura sin tenernos que atar al estereotipo de ser simplemente instrumentistas de blues blanco.
Jim: A Eric no le gustaba “For Your Love”, al igual que tampoco la manera en la que Paul Samwell-Smith tomó las riendas en el proceso de grabación. Paul sugirió usar un clavicordio y un contrabajo con arco en los arreglos, algo que para Eric distaba mucho de ser blues. Pero era difícil alcanzar el pelotazo que necesitábamos en aquellos días con un disco de blues.
Jim, ahora me gustaría que hablásemos sobre Renaissance. ¿Qué recuerdos te vienen a la memoria en relación a tus días en dicha agrupación con la que grabaste los elepés Renaissance e Illusion?
Jim: Keith Relf y yo formamos Renaissance con la intención de hacer algo un tanto diferente a ese poderoso blues editado con The Yardbirds, material que habíamos tocado de forma continuada durante cinco años o más. Inicialmente se convirtió en todo un éxito, siendo algo original y fresco. Desafortunadamente no poseíamos el poder suficiente para sostener la banda más de un par de años; luego el conjunto se reformó con otros miembros para continuar editando discos.
De forma eventual la formación clásica de Renaissance militó como el proyecto Illusion a mediados de los 70.
Jim: Cuando reagrupamos el conjunto como Illusion a mediados de aquella década podríamos haber conseguido material interesante, pero el caso es que llegaba le etapa del punk y fuimos abandonados por el sello discográfico.
