El éxito comercial de la película sobre el festival de Woodstock hizo pensar a unos cerebritos escandinavos que podrían emularlo y con ello ganar dinerito. Se pusieron manos a la obra y crearon el festival de Ragnarock en Oslo, Noruega. Su primera edición en 1973, congregó a unas 30.000 personas y fue filmado para su posterior presentación. Al año siguiente se volvió a celebrar con la participación de grupos de Noruega, Dinamarca (Alrune Rod), Suecia y Reino Unido (The Sensational Alex Harvey Band y Procol Harum). También estaba previsto la actuación de Hawkwind pero al final no se presentaron.
Alrune Rod se formó en 1968 teniendo en sus filas a Leif Roden (voz, bajo, guitarra), Flemming Giese Rasmussen (guitarra),Kurt "Pastor" Ziegler Simonsen (teclados) y Claus From (batería). En 1969 editan su primer disco "Alrunes Rod" y posteriormente completarían su discografia con cuatro producciones en estudio: "Hej du" (1970), "Alrune Rock" (1971), "Spredt for vinden" (1972) y "4-vejs" (1974). En 1975 se disolvería la formación.
La grabación corresponde a la actuación de Alrune Rod en el festival de Ragnarock en Oslo en 1974. Esta banda fue considerada como pionera dentro de la psicodelia danesa y aunque en el momento de la celebración del evento ya estaban en franca decadencia todavía conservaban parte de su encanto. El grupo se caracterizaba por alargar sus composiciones en directo pero debido a que su tiempo de actuación se limitaba a 45 tuvieron que readaptarse. El "setlist" da un repaso casi completo a su discografia. Toques hard con guitarra psicodélica y con un gran saxofonista. La banda estaba formada en este show por Leif Roden (voz, bajo) único miembro fundador, Karsten Høst (batería), Ole Poulsen (guitarra), Mikael Miller (guitarra, voz) y Jesper Nehammer (saxo, flauta).
Afrontémoslo, desde que Ghost han ido ganando más y más adeptos a su secta en todo el mundo, su imagen ha ido suavizandose. Ya no dan el miedito de los primeros discos. Algo que se puede arreglar si sientes añoranza, entrando en el oscuro universo de los salmantinos El Altar del Holocausto.
Porque nada hay más chungo que la parafernalia cristiana, amiguitos. Que para eso han sabido preservar su imperio a lo largo de los siglos, a base de miedo. Y éstos tíos lo dan. Tres enmascarados vestidos de nazarenos, con corona de espinas inclusive, cruces mortuorias por doquier y demás memorabilia inquisitorial. Para sentirse "como en casa", vamos. Responden a los dudosos nombres de Reaper Model, Weasel Joe y Skybite. E iluminan su senda en la vida, según ellos, a base de instrumental post rock doom. Vale. Igual puedo yo decir que esto me suena a gloria bendita stoner instrumental. Con ciertas pinceladas (de El Greco), psico-progresivas.
Su primera misa en vivo se ofició en 2012, primero como dúo guitarra / batería, (cuando les dio a todos por ésa fiebre, o a causa de la crisis, no sé ). Pero para hacer su primer disco, "He" (2013), ya entra Weasel. En ése debut había un tema que define el "postulado apostólico" del trío enmascarado : "Cuando los Sacerdotes que llevan el Área del Señor de toda la Tierra metan los pies en el Agua, el río se dividirá en dos partes, y el Agua que viene de Arriba dejará de correr y se detendrá como formando un Embalse".......Y ahora vas, y la pides en directo. También en el siguiente, "She" (2015) había otro lindo ejemplo : "Aunque Ande en Valle de Sombra, de Muerte, no tenere mal alguno, porque tú estás conmigo, tu vara y tu cayado, me Infundiran Aliento". Menos mal que son instrumentales. Otro ejemplo : " El que es Bueno es Libre aún cuando sea Esclavo, el que es Malo es Esclavo, el que es Malo, es Esclavo aunque sea Rey". Que digo yo que cuanto "Kuntakinte" tenemos entonces, entre Las Cortes y Casa Real.....Siendo serios, El Altar del Holocausto se curran su música. No improvisan. Les gusta el doom como al que más. Pero son extremadamente melódicos e interesantes en sus homilías musicales. Juntas a Agalloch, Green Carnation o Pentagram, y el zumo puede que esté agridulce, pero le acabas cogiendo adicción de la buena, para ser un "buen esclavo".
En su tercer álbum de éste año, "It" , lo de los títulos ha ido más comedido, ya que han sido numerados del I al VI. Más de un dj de radio lo agradecerá, porque soltar un titulito como los expuestos, puede inducir al sufrido oyente a creer que ha sintonizado Radio Maria. El sonidaco del álbum es del todo espectacular. "I" (4'18) lleva aplastantes riffs doom, (busca algo más doom que la parafernalia cristiana). Pero pronto se lían con líneas melódicas finisimas, de acústica psicodélica, Que no anda alejada de un Achim Reichel, si lo metes a tocar con Candlemass!!!
"II" (7'00) comienza como un soundtrack para la guerra de Siria. Dark ambient y doom descarnado, que hace que Tommy Iommi suene como Mark Knopfler, y ambientes desasosegantes no exentos de majestuosidad y elegancia. La sección de ritmo exhibe inteligencia y esencial fuerza motriz, para una banda que tiene en su reinado melódico todo un potencial. Me dirán loco, pero en alguno de esos pasajes de aterciopelada guitarra, me recuerdan a .....Eric Johnson! Lo juro por el Santo Sepulcro de Hendrix.
Y el comienzo de "III" (5'42) podría ser uno de esos momentos. Con capacidad reflexiva e introspección casi jazz fusion, créanme. O no. A lo peor es que ya me han trastornado el cerebelo muy ladinamente. Sea lo que fuere, es subliminal, porque la cera que meten al final es evidente.
"IV" (6'51) posee en su línea melódica de guitarra, maneras que trasladadas a voz sonarian como un himno AOR. En el mismo tema puedes escuchar guiños a Metallica, Satriani, Ulver, Héroes del Silencio y Trouble. Supongo que me merezco doble dosis de cilicio mortificante impregnado en jalapeños, por semejante acto descriptivo sacrilego. Pero así los veo yo, como miserable pecador que soy. Un final recitado como sermón de misa de 12 le da el inesperado acabado al tema. Que ya sales con ganas de echar el vermú, tras el momento clerical.
"V" (5'29) tiene un tono apocalíptico, casi de película de desastres, mezclado con otros pasajes que casi son Morricone, con el del poncho dejando viudas en el olvidado pueblo fronterizo......"VI" (10'09) parece que nos va a traer de un momento a otro al zombie de Bobby Liebling desgañitandose. Pero mira por donde es uno de los cortes con más carga psicodélica. Puede que mi favorito del álbum.
Si consigues apartar todo el aparato visual de la banda, te queda un excelente grupo, altamente original y con muchas ganas de sorprender. Eso siempre es un factor clave para alcanzar altas metas. Y en ello están El Altar del Holocausto, in crescendo y subiendo a las alturas celestiales, paso a paso, en su propio vía crucis del rock'n'roll. Ahora en serio, va, imprevisibles e impresionantes.
J.J.IGLESIAS
Temas
I ·Because evident is God’s wrath from heaven against all impiety and injustice of men, that they stop the truth with injustice. 00:02
II · Love your enemies, do good to those who hate you, bless those who curse you, pray for those who insult you. If someone hits you on one cheek, offer them the other one. 04:16
III · Moses stretched out his hand over the sea, and the Lord, by means of a strong Eastern wind throughout the night, He caused the sea to retreat, and changed the sea into dry land. Thus the waters were divided. 11:17
IV · I have seen his ways, but I will heal him; I will guide him and give him comfort and those who cry with him, I have also given you clean teeth in all your cities, and lack of bread in all your places; but you have not turned against me. 17:00
V · From the Heart of Jesus opened on the cross, the man with the new heart is born. Lord Jesus, give me a new heart made in the image of yours, infuse a new spirit in the depths of my being, that keeps me open to God, our Father, and available to those who share with me the way of life. 23:52
VI ·They took off his clothes and put a scarlet mantle on him. Then they braided a crown of thorns and placed it on his head. Kneeling before him, they mocked, saying "Hail, King of the Jews!". There is no good tree that can bear bad fruit, nor bad tree that can bear good fruit. Each tree is known for its fruit. 29:21
Quorum es una banda actual moscovita dentro de lo que podríamos llamar “neoprogresivo”. Si bien es cierto que esta denominación de origen ha ido cayendo poco a poco en desuso con el paso de los años, el término sigue apareciendo en algunos grupos que más o menos se alejan del temido sonido “metal prog”, “alt prog”, “post prog”, “boring prog” etc etc…
La palabra “neo” fue la primera en usarse cuando los clásicos ya habían hecho el suficiente ridículo durante las postrimerías de los años 70 y comienzos de los 80´s y como queriendo apartarse de las mediocridades que los grandes estaban haciendo léanse Yes, Genesis, Jethro, Floyd o incluso King Crimson cuando Fripp llevaba corbatita de cuero y pantalones de pinzas. Las nuevas bandas de entonces con esa denominación, querían de alguna forma coger el espíritu de los 70´s pero dándole una pátina de modernidad que incluían formatos como el pop o incluso el tecno. Aquello derivó en una especie de prog rock descafeinado con algunas brillantes excepciones como los británicos IQ pero bastante más superficial que las épicas de antaño. Mal que bien el “neo” hizo su función.
En el caso de estos rusos creados en 2003 esta forma superficial de denominar neo prog no les hace justicia porque la calidad de su trabajo está muy por encima de eso. Este cuarteto lo componen actualmente Dmitry Shtatnov (teclas y voz) Pavel Barabanov (guitarras) Sergey Nikonorov (drums) y Vladimir Yanovsky (bajo). Lo primero que sorprende a primera escucha es la avalancha teclística que encantará a los maníacos de Wakeman-Emerson con lo cual lo de “neo” se va al carajo inmediatamente. Puede deducirse entonces que las cabalgadas de moog y las carreras de cuadrigas sonoras alegran siempre el oído del que aquí escribe y del sinfo más recalcitrante. Como debe ser.
El primer trabajo de Quorum “El viaje de Klubkin” está basado en una aventura épica al estilo de Julio Verne. Según ellos comentan en tiempos había un programa en la televisión rusa llamado el club de los viajeros y de ahí surge la inspiración de esta música que empezaron a componer en 2006 y que en realidad es una suite dividida en 16 partes. Me encanta la portada del disco que es un trabajo del ilustrador Victor Manin. En su sitio web lo podéis ver entero. Una delicia. Desde la obertura hasta el final nos encontramos con una paleta sinfónica de preciosos pianos, bonitos solos de sintetizador, guitarra melódica muy Camel y estupendos pasajes instrumentales sensacionalmente tocados. Cantan en ruso pero resulta realmente melódico y en general la tónica se refleja en cuidadas composiciones con variadas tendencias que van desde delicadas partes acústicas a animados pasajes rock con rica argumentación estructural. La escucha es muy accesible a pesar de lo elaborado de la propuesta y es un disco alegre y luminoso para disfrutarlo de principio a fin. JJ Iglesias lo llamaría “happy” y la música está perfectamente reflejada en el velero y los bonitos colores de la portada. Técnicamente los músicos son excelentes y puntillosos y yo me lo paso en grande con la depurada técnica del teclista que también incluye algún pasaje psych electrónico ambiental y que ya sabéis que es mi instrumento favorito sin perder de vista la sección bajo-batería que es importantísimo en cualquier grupo sinfónico al uso.
El siguiente paso fue “Another World” en 2015 en la misma línea agradable y melódica que el anterior pero esta vez son 7 cortes algunos de 10 y 12 mtos y con una producción más refinada en cuanto a sonido se refiere, aunque el anterior ya tenía un sonido estupendo. Este disco vuelva a hacer las delicias sinfónicas que tanto nos gustan a los amantes del género y la voz es más espectacular, pero prefiero las del anterior disco porque en este hay una ligera tendencia al AOR no exagerada desde luego, pero a mi juicio es en detrimento a la frescura anterior. Las partes instrumentales son realmente brillantes, hay algo floydiano en la guitarra solista y el teclista Dmitry es un tío magnífico que llega a emocionar y que sabe sacarle todo el jugo al estilo clásico de sinfo prog. Las composiciones son de una calidad muy alta muy por encima de la palabreja “neo”. Quorum es una de las bandas que más me han gustado y de momento solo he abierto el baúl que por lo que voy viendo y escuchando tiene mucho fondo.
A partir de este momento los reyezuelos floridos y hermosos van a dar una de cal y otra de arena. Me explico: grandes composiciones de carácter épico y super progresivas por un lado. Por el otro, temas que se infiltran en otros estilos, a veces bien y otras regular y canciones probablemente insípidas de relleno.
Roine quiere acaparar tanto que mete la música a toneladas. Unas veces acierta de pleno. En otras no entiendes nada ni por qué. Hay que entender una cosa y es que los gustos del guitarrista sueco son muy amplios. Roine Stolt empezó muy joven y aunque generalmente se le asocia con el prog rock lo cierto, es que ha tocado todo tipo de música durante los últimos 40 años. Sé, de buena tinta, que le gustan un montón de músicos y guitarristas de lo más variado y a veces antagónicos en estilos y ello se refleja y de manera mucho más acusada en sus propios trabajos en solitario. Un tío de su nivel se lo puede permitir eso está claro, pero también se expone a que la gente no trague fácilmente sus propuestas porque normalmente todo individuo en sus gustos tira principalmente hacia un estilo determinado y evidentemente no se puede dejar a todos contentos.
Dentro del estilo sinfónico siempre ha habido cierta tendencia hacia la metafísica y hacia temas religiosos, incluso incluimos el llamado “rock cristiano” y bíblico que con tanto énfasis está desarrollando la Neal Morse Band y su actual ópera alabando a Jesucristo. Esa puerta no voy a traspasarla. Se puede valorar la música, pero no el trasfondo a no ser que seas un convencido creyente. El simple hecho de que el creacionismo y las alabanzas místicas se apoderen de la música o del arte ya me crea un profundo rechazo personal y conste que por estética visual me encanta la arquitectura religiosa. No voy a dar pie a esto porque mi cabeza es completamente racional y científica y va a chocar con cualquiera que crea en un dios imaginario. Pero es cierto que me encanta la música coral y los réquiems y cantatas de muchos compositores clásicos y en concreto las sinfonías de Anton Bruckner a pesar de que sin embargo toda su música estuvo dedicada a dios porque era un beato ingenuo y un católico radical de ideas infantiles. Ese oscuro mundo del siglo XIX de rigideces morales y ranciedad agónica. Yo no puedo entender que la música inteligente esté fuera de los parámetros evolucionistas y de la lógica de la razón científica y matemática, pero siento que la música de Bruckner traspasa extrañas dimensiones de grandeza cósmica. Este es otro debate. En definitiva, me da igual que a un disco se le ponga Adam y Eva o blancanieves y los siete enanitos o se dediquen composiciones al unicornio superdotado follador mítico. No me interesan en el mundo musical las temáticas fantasiosas ni las gilipolleces literarias. Me interesa la música. Esa extraña dimensión sonora.
Me es indiferente si en el caso de los flower hay alguna connotación religiosa o simplemente lo han cogido como material fantástico. De entrada, me gusta la alegoría de la portada: Eva, tía guapa, buenorra y refinada. Y Adam, gañán bruto, iletrado y troll de pasta. El jefe de la tribu protegiendo la valiosa mercancía. Me vienen montones de ejemplos de la actualidad. La relación humana de matrimonios de la alta sociedad en toda su crudeza. Independientemente de esta visión haced las variaciones que se os ocurran en la condición social que os apetezca y seguro que acertáis.
La primera pieza “Love Supreme”… ¿se han inspirado en John Coltrane?... lo dudo. Vuelve a ser un ejercicio de hippies agradecidos por estar vivos en un mundo de mierda. La música es lo suficientemente entretenida en la línea que los FK nos tienen acostumbrados. También empieza a haber la cocktelería musical de estilos: mantras a lo Yes andersoniano, hard rock metido por la cara, pop indescifrable, pasajes pseudo-intelectuales, parte bluessy floydiana y caprichos varios. Ahora intenta digerirlo sin omeprazol o cualquier otro protector gástrico y pide confesión antes de morir. Son los Flower Kings, el mejor marqueting musical que el prog ha dado.
Lo curioso del caso es que después de darnos casi 20 mtos de música bien ilustrada, aparecen sencillas baladas de 3 mtos como “Cosmic Circus” o la bonita instrumental pero breve “Babylon”. En la siguiente les da ahora por los vampiros y son 8 mtos de película de terror de bajo presupuesto para seguidores de Strange Things o similares seriales. No tiene nada que ver con lo anterior y es como si estuvieses escuchando otra banda diferente donde han comido algo que les ha sentado mal y el cantante va buscando un sitio porque le ha dado un apretón de tripas y tiene que aliviarse donde sea. Al final parece que lo consigue, pero aún tiene episodios de gastroenteritis aguda. Bodin aprieta al Hammond hacia el final y los retortijones de guitarra son del propio Roine. Una vez aliviados y habiendo dejado un oloroso recuerdo, aparece un breve vals de piano decadente y llegan Adam y Eva con prometedor inicio de los teclados, pero un coro de demonios nos llevan al trallazo metalero sin ninguna misericordia. Los pasajes de guitarra solista son buenísimos lo reconozco, pero la pieza entra en otro estilo musical completamente ajeno a lo acostumbrado. Alguna alabanza para disimular hacia el final y apiadarse del pobre nosferatu y poco más.
Otra baladita como “Starlight Man” porque ahora el vampirillo es un buen tipo que ha visto la luz y nos vamos a “Timelines” para machacar a lo crimson desesperadamente y terminar en una especie de rock blues lentorro cantado por Roine en “la cara oculta de la luna” con mellotrones de fondo para hacerlo más bizarro todo y más cojonudo. No está mal, pero tira a disolvente Floyd que huele demasiado y siete mtos para esto es mucho incluso terminando a lo Fripp.
“El asiento del conductor” es la otra pieza larga del programa que entra efusivamente a lo grande y con poderosa base melódica. La guitarra estoltiana vuelve a deleitarnos con esas partes tan emotivas típicas de los Flower y la cosa promete. Luego entra Bodin para marcar un cambio de ritmo medio funk muy atractivo realmente y la música desborda ganas de entretener a base de bien y que va alternando con otras pinceladas ya sean hard o medio hippy baladísticas a lo Crosby Stills y Cia porque los reyes floridos quieren presumir de que dominan todos los estilos alternando ácido lisérgico por aquí, space music por allá etc. Como siempre para que el oyente esté lo suficientemente entretenido. Hacia la mitad de suite hay un silencio que solo el sinte juguetón y la guitarra acústica van llenando para ir subiendo poco a poco hacia una especie de Uriah Heep extraño o a mí, me lo parece al menos. El wah wah está tremendo emulando al mejor Hendrix y luego para variar volvemos a los sinfonismos precedentes con innumerables cambios como tirando la ficha al azar para ver por donde vamos. Yo creo que es la mejor pieza del disco y hay intervenciones solistas magníficas tanto de la guitarra como del teclado sin olvidar el tremendo trabajo del bajista Jonas.
Acaba el disco que es bastante largo como todos con “la espada de Caín” y ya estamos de vuelta a los pasajes bíblicos pero esta vez con final dramático-lírico y ampulosidades variadas. Este disco puede gustar a gente de gustos muy variados. Hay de todo: fuerte, lírico, extraño y peculiar. Pero es un buen trabajo en términos musicales. Como siempre vamos.
Creo que es la primera vez que reseño un sampler (disco compartido por varios grupos), pero es que la Rockliquiaza de hoy se lo merece. No estoy seguro siquiera de que éste disco se comercializara. Ya que se trata de una recopilación de bandas pertenecientes a una agencia de management que operaba en el área de Detroit, Diversified Management Agency. Los cuales publicaron el álbum ellos mismos.
Probablemente sólo se utilizó para promocionar a las bandas y promover sus bolos, distribuyendo el disco en lugares clave para saraos gordos de directo. Como el Cobo Arena, inmortalizado en "Alive" de Kiss o "Live Bullet" de Bob Seger. El Grande Ballroom, que vio atronar en sus paredes el "Kick Out The Jams" de MC5. Y hogar habitual de Amboy Dukes, Rationals, Stooges o Frost. Se hizo como respuesta al Fillmore, y hasta Bill Graham ayudó con su asesoramiento. El Fox Theater, The Michigan Palace, Olympia Stadium (sede del Detroit Pop Festival '69, con MC5, SRC, Bob Seger System, Amboy Dukes y Rationals). O The Village, histórico antro rhythm'n'blues donde se formarían Mitch Ryder & the Detroit Wheels. Cuando Detroit hervia en actividad y dinero, por sus grandes industrias automovilísticas y sus artistas soul, impulsados por la hegemonía de la Motown y su jefe Berry Gordy. Todo ello daría un hijo bastardo, una mutación de ambos contextos sociales, llamado Grand Funk Railroad. Su aplastante hard rock soul aglutinaba todo lo que era la Ciudad del Motor. Cientos de bandas lo intentarán con esperanzadores repertorios, pero peor suerte. Y en "Fantastic 5" tenemos la rara oportunidad de testear algunos de ellos, realmente buenos. Todo repartido muy democráticamente. Dos temas por cada uno de los cuatro grupos, salvo el quinto que sólo expone uno, pero de doble minutaje.
Comienzan ésta "Expo - underground Detroit 70s", Holy Smoke con "Motor City Man". Banda de Michigan con caliente imagen y light show. Influencia de los primeros Grand Funk Railroad cuando eran trío, Amboy Dukes, Brownsville Station y The Third Power. Todavía con algo de poso psych heavy rock de finales 60, al menos en ésta canción.
Sweet Crystal sólo aportan el corte "Nite Cryer" (8'30), pero con duración extra. Su actividad fue frenética por esas fechas, teloneando desde a la Average White Band a los propios Kiss (quizás abrieron su "Alive"?....). En los 70 sólo editaron tres singles, sin llegar al álbum. Que no llegaría hasta el 2001 ! Continúan en activo, lo cual es increíble. Lo suyo es hard prog espectacular, con mucho órgano y guitarras infalibles. Buenas voces y sección rítmica de vértigo. Muy cercanos en su propuesta a los paisanos legendarios Bump y su único álbum. De mis favoritos del sampler. Y de hecho, muy progresivos. Una maravilla.
Beauteaze ofrecen "Can't Get It Up" y "Fun City". Una banda satírica plena de sexo, violencia y rock'n'roll, emulos de Alice Cooper, The Tubes o Silverhead. Imagen glam y show espectacular. El primer tema podría ser de Starz o los primeros Motley Crüe, anticipando el hair metal 80s en 1976. El segundo sigue la misma linea, más decantada a New York Dolls y Kiss.
Lado B y Ruby Jones presentan "Sayin' It Is Easy", que me recuerda a otra Ruby, la Starr y sus Grey Ghost. En un estilo entre southern, hard y soul, similar a éstos. "Such A Woman" es hard rock detroitiano más convencional, pero altamente abrasivo.
Interesantes también los dos cortes de Badge, "Get Your Feet Wet" y "Sweet Lemon". De nuevo con frontwoman y hard soul impregnando su estilo. Inevitable, era Detroit y la ciudad marcaba el ritmo. En el segundo tema la voz solista es masculina, y la chica hace coros. Buen gancho melódico, piano eléctrico y excelente solo de guitarra, muy midwest rock en la línea de Roadmaster.
Finalizamos como iniciamos, con Holy Smoke y su "Champaign Dream". En algún momento Holy Smoke fueron los # 1 de Michigan, aunque no hayan pasado a las páginas de historia. Ésta última aportación va en la onda de la flamigera "Smokin" de Boston, y es un broche de oro a tan rarísimo material documental.
"Fantastic 5" transpira el hervidero rockero de las calles del Detroit de los 70, y sí, podemos verlo como pura ciencia ficción. En un futuro distopico, el actual presente, ha quedado como una ciudad fantasma que sólo exporta diyais discotequeros de chunda-chunda. Peor escenario que en Mad Max.
Sin duda Walter Trout es un sobreviviente del blues (Survivor Blues). En 2014 comunicó que tenía hepatitis C y necesitaba un trasplante de hígado. Gracias a las donaciones de sus seguidores la operación se pudo realizar y Walter pudo seguir caminando por los senderos del blues.
Walter Trout nace el 6 de marzo de 1951 en Ocean City, New Jersey. A finales de los sesenta comienza su andadura musical. En Los Angeles se convierte en músico de sesión para músicos como Percy Mayfield, John Lee Hooker entre otros. En 1981 entra a forma parte de los Canned Head con los que estuvo cuatro años. En el 85 recibe una invitación de John Mayall para incorporarse a los Bluesbreakers con los que grabaría "Behind The Iron Curtain" (1985), "The Power Of The Blues" (1987) y "Chicago Line" (1988). En 1989 decide formar su propia banda, "Walter Trout Band", grabando más de media docena de discos. Posteriormente el grupo se transformaría en "Walter Trout and the Free Radicals" y más tarde en "Walter Trout and the Radicals". En 2008 edita su primer disco como Walter Trout, "The Outsider", al que le seguirian " Unspoiled By Progress: 20 Years of Hardcore Blues" (2009), "Common Ground" (2010), " Blues For The Modern Daze" (2012), "Luther's Blues" (2013), "The Blues Came Callin" (2014), "Battle Scars" (2015), "Alive In Amsterdam" (2016) y "We're All In This Together" (2017).
"Survivor Blues" es el último disco en estudio del guitarrista Walter Trout. Grabado en los estudios de Robby Krieger (The Doors) y teniendo como productor a Eric Corne. La banda está compuesta por Walter Trout (guitarra, armónica, voz), El bajista Johnny Griparic (Slash's Snakepit, BB Chung King & the Buddaheads, Richie Kotzen), y el batería Michael Leasure. Se ven reforzados con Skip Edwards (teclados), Teddy Andreadis (piano eléctrico) y las colaboraciones especiales del cantante de blues Sugaray Rayford ("Woman Don't Lie") y de Robby Krieger ("Goin' Down To The River"). El disco contiene doce versiones de temas de blues no muy conocidos. Según el propio Walter: "A veces voy en mi coche y pongo una emisora de blues, y me encuentro a otra banda con su versión del ‘Got My Mojo Workin”. Y hay una vocecita en mí que dice: ‘¿Necesita el mundo otra versión de esta canción?’. Así que se me ocurrió una idea. No quería hacer ‘Stormy Monday’ o ‘Messin’ With The Kid’. No quería hacer los mejores éxitos de los blues. Quería hacer canciones viejas y oscuras que apenas se han cubierto. Y así es como comenzó ‘Survivor Blues'”. Por ello encontramos temas de Jimmy Dawkins, Sunnyland Slim, Luther Johnson, Theodore Taylor, B.B.Kimg, Joel Poluck, Elmore James, Otis Rush, Sam Maghett, Fred McDowell, J.B. Lenoir y por supuesto una escelente versión del "Nature's Disappearing" de John Mayall. Toda una joyita que no deberíais perderos.
El único vinilo de The United States Of América entra también en ése selecto club de pioneros electrónicos que abrazaron la psicodelia como instrumento de expresión investigadora. La verdad es que acertaron en sus intuiciones, todos éstos hippies no tan ingenuos y "flower-power" como nos tratan de vender los libros de historia.
Fundados en Los Angeles por el compositor experimental Joseph Byrd y la cantante-letrista, Dorothy Moskowitz, se reunieron con otros músicos de pensamiento similar : Gordon Marron (violín), Rand Forbes (bajo), Craig Woodson (batería) o posteriormente, Ed Bogas, (teclados....o así). Ya había estado con ellos Stuart Brotman, bajista de Canned Heat y Kaleidoscope, así que músicos con afamado pedigrí también se sentían atraídos por las teorías de Byrd y sus colegas. Y es que éste había pertenecido al movimiento Fluxus, junto a John Cage, Morton Feldman, LaMonte Young, David Tudor, Yoko Ono (glups! ) y otros....Joseph Byrd entendió que tanto avant garde como psych y art rock, eran sendas paralelas que podían confluir y mezclarse perfectamente. Requirió a su amigo Tom Oberheim, - por entonces un ingeniero eléctrico -, que le construyera un ring modulator, audio-procesadores y demás inventos primerizos, colindantes con el próximo sintetizador. Acto seguido comienzan los ensayos, que dieron como fruto una preciada demo que atrajo el interés de Clive Davis, jefazo de Columbia. El resultado final sería el único álbum, "The United States Of America", en 1968. Que comienza con una esquizofrénica "The American Metaphisical Circus", algo así como una orquesta con majorettes y con los marcianos de "Mars Attacks!" dando la brasa y saboteando tan horteril evento. La voz de la Moskowitz es sedosa y perversamente infantil, como una Lolita desequilibrada a la que es mejor advertirle que "tenga cuidado con ésa hacha". Va a ser fundamental en su sonido. En la otra mitad, los cacharros de Byrd nos llevan por el clásico túnel con luz al final, pero que con la mandanga rica de 1968 no hacía falta morirse un poco para experimentarlo.
"Hard Coming Love" lleva más acidez que la sangre de un Alien. Deja las supuestas "experiencias vanguardistas" de los Beatles, convertidas en quimicefa psicoñeco de teletubbie barato. Por fortuna no se pierde melodía, gracias a la sensible voz femenina y el acompañamiento psych rock del grupo. La cizaña electro-cacofónica la pone Byrd con sus trastos de fabricación casera Oberheim, antes de ser siquiera meros prototipos estrafalarios. Pero a lo que se ve, ya eran eficaces. Como en la bella "Cloud Song", donde el violín tratado por estos cacharros los eleva a un próximo nivel explorador, todavía no pisado por el hombre.
"The Garden of Earthly Delights" es un primer paso para el rock progresivo, que con deliciosos experimentos como éste, iba a explotar en cualquier momento.
"I Won't Leave My Wooden Wife for you, Sugar", con ése título nos llevan al absurdo inocenton de los tiempos del "Sargento Pepper", pero con orquestación electrónico-dixieland mucho más audaz, (ése violín a lo Papa John Creach ya adelanta maneras). No les impota sonar sombríos y casi siniestros en "Where is Yesterday", casi cerca de Moody Blues. Preciosa aunque breve, "Coming Down" es otra muestra palpable de proto-prog efervescente. "Love Song for the Dead Che" homenajea al líder revolucionario en una onda Giles, Giles & Fripp, cuando estaba con ellos Judy Dyble. "Stranded in Time" lleva voz masculina, amplios arreglos barrocos y estructura melódica sensacional, aunque de nuevo corta, con apenas minuto y medio, lástima.
Finalmente "The American Way of Love" (6'38) es la más extensa y está constituida por tres partes diferenciadas. Aquí se sueltan la melena electrónica y los constantes cambios emocionales nos hacen suponer que TUSOA hubieran sido unos perfectos ejecutantes progresivos, de haber continuado con la juerga. Pero no. Joseph Byrd montaría Joe Byrd and the Field Hippies. Dorothy Moskowitz entraría en la banda de Country Joe McDonald. Gordon Marron fue músico de estudio para Carole King, Alice Coltrane o Hellen Reddy . Craig Woodson giró con la Kronos Quartet. Rand Forbes se hizo ingeniero de software. Y Ed Bogas compuso "soundtracks para gatos", "Fritz the Cat" y "Garfield", para ser exactos.
La reedición de Sundazed / Sony de 2004 sumaba diez bonus tracks más, así que se hace apetitosa, aunque sea en posavasos. Y el legado de éstos majaras de muy bien amueblado coco, puede escucharse en eminencias como Terry Riley o Steve Reich. Señal de que no lo hacían nada mal......ni aquellas drogas eran tan perniciosas.
J.J. IGLESIAS
Temas
01 - 00:00 - The American Metaphysical Circus
02 - 04:57 - Hard Coming Love
03 - 09:38 - Cloud Song
04 - 12:59 - The Garden of Earthly Delights
05 - 15:39 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar
Sin duda "Glasgow Kiss" (en lenguaje coloquial es una cabezazo en la nariz) es un título acertado para el disco en directo de Phil Lynott con su última banda, Grand Slam. La fama peleona de Phil se forjó durante años e incluso algunos rumores indicaban que la cicatriz que lucía Gary Moore en su cara fue producto de una pelea con Lynott.
El 14 de septiembre de 1983 Thin Lizzy realizaba su último show en Nuremberg, Alemanía. No eran buenos tiempos para Lynott. Su mujer lo había dejado llevándose a sus hijas debido a su adicción a la heroína. A pesar de todo Phil quería formar una nueva banda y en 1984 junto a Mark Stanway (Magnum) en los teclados , Laurence Archer ( Stampede) en las guitarras, Robbie Brennan ( Skid Row) en la batería y Doish Nagle como guitarrista, forma Grand Slam. Su debut fue en Londres en mayo de 1984. Durante casi un año estuvieron dando conciertos de forma exitosa pero no llegaron a ganarse la confianza de las discográficas que no creían en un grupo dominado por la heroína. Uno de sus últimos conciertos lo dieron en el Marquee de Londres.
Como curiosidad podemos decir que algunas de sus canciones posteriormente fueron atribuidas erróneamente a Thin Lizzy.
La grabación corresponde a la banda de Phil Lynott, Grand Slam, en el Glasgow Mayfair el 30 de octubre de 1984. Lógicamente la música que encontramos en hard rock mezclado con pinceladas pop de los ochenta y algo de AOR. El disco se inicia con "Yellow Pearl, posiblemente el tema mas flojo con un Mark Stanway (teclados) con sonoridades "poperas" y un omnipresente Phil Lynott. "Nineteen" sigue la linea marcada por Thin Lizzy con un destacado Laurence Archer a la guitarra. "Sisters of Mercy" comienza de forma pausada con una sugerente voz de Phil para dar paso a un riff calcado al de "Jailbreak" y discurrir con aires netamente irlandeses. "Harlem" es una preciosa balada estilo Lynott. Le sigue una aceptable versión del "Parisienne Walkways". " Crime Rate is Going Up" es un blues con marcado carácter Lizzy. En "Breakdown" las teclas unen los mundos de Magnum y Thin Lizzy. En la parte final se encadenan "Here We Go", típico cántico que podemos escuchar en los estadios de fútbol del Reino Unido, "Whiter Shade of Pale" y "Like A Rolling Stone". A modo de "bis" tenemos "Sarah" del "Black Rose" de los Thin Lizzy. Sonido bastante aceptable.
