El tercer trabajo del sexteto francés aparecería en 1983 en vinilo. Hacía muy poco, concretamente en Octubre de 1982, que Sony lanzaría el primer lector de compact disc que supondría por muchos años la muerte progresiva del vinilo hasta su actual resurrección y cabreo para los que pensamos que aquella mierdecilla de policarbonato plástico sería la panacea y perfección del sonido.
Muchos coleccionistas de vinilo en los siguientes años vendimos compulsivamente aquellas bonitas carpetas de cartón en las cuales habíamos invertido tiempo, viajes y mucho dinero en su adquisición. Treinta y tantos años más tarde nos dimos cuenta de la cagada monumental y sin remedio porque ya nada sería igual. Los vinilos se tiraban de precio y hasta se amontonaban en basureros. Fue un poco como la quema de libros del régimen nazi durante los años treinta en Berlín. Jamás el CD fue una obra de arte, el vinilo sí lo fue y lo sigue siendo, aunque su rehabilitación me parezca algo más artificial que antaño.
Hay que reconocer no obstante algunas virtudes del CD y es el hecho de haber rescatado del olvido obras que incluso en algunos casos no pasaron del casette o las pocas copias en LP se habían extinguido como especie. También nos dio la posibilidad a los músicos de pasar aquellas maquetas cochambrosas al brillante dispositivo. En todo caso tuvo ciertas ventajas en muchas cosas. A día de hoy no soy ningún maniático de ningún dispositivo e incluso en la mayoría de los casos muchos ya escuchamos la música solo en mp3 porque hasta la vagancia se apodera con la edad, las flores se han marchitado y las antaño princesas hoy tienen arrugas, vestidos descoloridos y halitosis. Dicho esto, gracias al CD podemos hoy escuchar a Eskaton y a cientos de bandas interesantes que de otra manera habrían quedado en el olvido.
“Fiction” no baja el nivel de sus dos anteriores trabajos, si acaso yo observo un mayor acercamiento hacia las últimas bandas de Canterbury (con ciertas reservas) y una disminución en las influencias de Magma que aún se mantienen en las voces femeninas. Sea de la manera que sea ambos estilos tienen a los mismos seguidores por su acercamiento estilístico. Un bajo potente, una guitarra llena de fuzz y teclados ardientes que incluyen varios sintetizadores configuran una música personal e intransferible muchos años antes de que las franquicias y los imitadores del prog aparezcan masivamente en el mercado bajo múltiples y falsas etiquetas. Nadie hace nada original hoy día. La música decente lleva estancada varias décadas y podemos marear la perdiz cuanto queramos inventando sonidos y ocurrencias que no pasarán de ahí porque el espíritu de la creatividad lleva muerto y descompuesto ya hace mucho tiempo.
En 2005 la compañía Soleil Zeuhl que es la encargada de rescatar todas estas marcianadas, incluyó cinco piezas extra de lo que sería su hipotético cuarto LP llamado “Icare” previsto para el 1985 siguiendo en la misma estela de siempre. Resumiendo: con todos los discos de Eskaton el entretenimiento y el placer están asegurados salvo que no soportes este tipo de música claro está que también es bastante probable.
Procedentes de Canterbury, Gizmo se enfrentó a un debut demasiado tardío para sus intenciones. A pesar de que todo comenzó con un single editado por David Radford (voz, guitarras), en 1975. Animado por las buenas críticas, funda Gizmo junto a Maurice Memmott (Fender Rhodes, Farfisa organ, violin), y Steve Wyse (batería y percusión), entre el 77 y 79. Es en ése último año cuando editan el extrañamente presentado, "Just Like Master Bates". Añaden para la grabación a Brian Gould (MiniMoog, Farfisa organ y Clavinet) y Trevor Rogansky (bajo).
El problema con Gizmo es que las continuas separaciones/reuniones han diluido una carrera errática, que no en lo creativo. Hasta tres o cuatro de éstos parones podemos encontrar en su biografía. A veces con sorprendentes nombres, como en la reforma del 95, que contaron con Hugh Hopper al bajo. En el 84 (y tras otra reunión), hacen una gira con unos Ozric Tentacles primigenios, con Martín Reed (guitarras), fallecido en 2011. Cinco son los discos que comprenden su discografía, y que responden a los años 1979, 1981, 1992, 2012 y el último, "Marlowe's Children", de 2015. Irregular andadura, como puede verse. Puede que por eso no sean tan conocidos como otros de sus vecinos. Hoy traemos su debut, como buen referente para comenzar con Gizmo.
"Gravity Brings You Down" (4'36) deja en evidencia su procedencia, con juguetón Rhodes y voces psych de marcado carácter. El violín los sitúa cerca de unos Caravan de mediados 70, inequívocamente. El ambiente de "Long Gone Song" (5'20) deja entrever fuertes querencias Art Rock paralelas a unos 10CC, aunque el terruño canterburyano tira de lo lindo. Las ideas se les agolpan, se nota a la legua. Van sobrados de inesperados y bonitos detalles. Otra joyita es "Storyteller" (4'10), que podría estar profetizando el neo-prog perfectamente. El sólo de MiniMoog y el tratamiento teclistico es exquisito. Una pequeña belleza. Campestre y acústico feel nos trae "Those Lying Eyes" (6'08), otra con aires de Caravan y hasta un sentido naif hecho a propósito. .....sólo en apariencia. La composición está muy trabajada. Pero ése es otro de los engañosos factores del Art Rock.
"Kismet" (9'20) posee un cierto aire trágico genesiano. "Hourglass" (5'04) ataca un particular modo estratégico que bascula entre el classic prog y ritmos ligeros más del momento. En "Not that Far To Go" (4'26) podrían ser los Pavlov's Dog británicos, quizá no con la voz imposible de David Surkamp, pero sí con cierto parecido en las maneras. Hay cambios de ambiente y texturas, algún golpe experimental, batería sin desperdicio y unos magníficos teclados. Me inspiran también a Cardiacs, It Bites, Pendragon.....Y cosas inmediatamente venideras. "Come the Day" (2'50), con ésa viola de igual sonoridad que Geoffrey Richardson, vuelve a recordarnos su procedencia hippie, rural e idílica. Preciosa rola con acústicas, Farfisa y Caravan feel en estado puro. Una de mis destacadas. El truculento rock arty aparece ahora con "Dance of the Emmets" (2'56). Brian Gould juega aquí a ser una mezcla de Giorgio Moroder y Tony Banks. De algún modo, también están ejerciendo de Nostradamus del synth-pop con éste instrumental! Y los resultados abofetean, por originales. En "One and One is Two" (3'06) son de nuevo los "Pavlov's Dog de Canterbury", con ése melancólico tono vocal y Rhodes protagonista. "Onto the Sun" (ya como bonus), sigue esas mismas pautas, y es otra pieza ganadora. Finalizando con otra versión arty de "One and One is Two", más cerca de lo que parece de Ultravox o Tubeway Army.
Gizmo se adelantaron a muchos, y la historia nos dice que ése "atrevimiento" nunca es bueno para el valiente que lo realiza. Con una más firme y consistente formación, quizá en los 80 hubieran triunfado......aunque algo me dice que no con prog rock!!!
La voz de los británicos Yes y el teclista más reputado de la electrónica en vanguardia o el new age de tintes experimentales. Jon Anderson encontró en Evangelos Odysseas Papathanassiou una media naranja con la que compartir pasajera huida del rock sinfónico, situándose en estancias más calmadas. Vangelis era licenciado en la citada regeneración, ante todo por su pasada militancia en los griegos psicodélicos Aphrodite’s Child, trío del que se desvinculó para ejercer como solista modernizado y misterioso.
The Friends Of Mr. Cairo, la continuación a su debut en dueto con Anderson Short Stories, contempla una amalgama de inventos sonoros para todos los públicos, cavando en esa “nueva era” que había alcanzado en pocos años una repercusión tremenda en los oyentes más elitistas. En “I’ll Find My Way Home” se entrecruza esta disciplina con un regusto pop de alto copete y un paladar Mike Oldfield para las emisoras radiofónicas.
Las influencias caribeñas, de una Jamaica modernizada a igual distancia del rocksteady como del dub se manejan en “State Of Independence” –el avispado Quincy Jones produce en 1982 una versión de esta canción a Donna Summer–. Vangelis reorienta su pasión por los sintetizadores para envolverlos en un papel de relajación supina, ganando la partida los amarres lentos e introspectivos en los que Jon acaricia con su voz en lugar de subrayar. “Back To School” es el cambio de marcha, fruslería de electro pop un tanto naïf que quiere circular sobre la cuadrícula del rock & roll.
Aunque para desmarque de criterios está “The Friends Of Mr. Cairo”, un homenaje al film noir lleno de golpes de efecto, diálogos cinematográficos del Hollywood dorado, variaciones en el ambiente instrumental y una actitud progresiva como declaración para extenderse hasta los doce minutos de duración.
Todavía sin mencionar! Klaus Hoffmann-Hoock es un nombre obligado de la Berlín School. Nacido en Duisburgo, Alemania, nos dejó en 2017. Es más conocido como parte de Mind Over Matter, sensacional combo sintetista de la IC factory, mediados los 80. Aunque obras como "Space Gems: Vintage Rarities of the 70s (75 - 79), prueban que ya estuvo tomando rodaje cósmico en la década clave.
Para el nuevo siglo y junto al teclista Georg Mahr crea Cosmic Hoffmann. Seudónimo - proyecto que lo hace restaurador del sonido berlinés con su guitarra, teclados y.......30 mellotrones!!! Si, un loco coleccionista del sagrado cacharro que usa con generosidad en todas sus grabaciones. "Beyond the Galaxy" (1999) fue el debut y magnífica muestra de lo dicho. Le seguirá al año siguiente éste "Shiva Connection" compuesto por material datado en el 77, 94 y 99. Si tenemos en cuenta que del 76 al 78 fue miembro de los muy interesantes Alma Ata, podemos concluir que quizá y cronológicamente, aquí hay sobrantes de ésa época, Mind Over Matter, y de "Beyond the Galaxy".
Adentrarse en "Shiva Connection" (10'48), es hacerlo en los mundos abstractos, de voluptuosa fantasía onírica, de "Phaedra" o "Aqua". La sensación es igual de enigmática, a la vez que sorprendente. Lo de Cosmic Hoffmann revive en mí sentimientos parecidos. Algo a celebrar, definitivamente. Espesura mellotronica bajo fuerte hipnosis secuencial, que traspasa dimensiones familiares, aunque todavía inexploradas. Una auténtica gozada, que ya no nos dejará hasta finalizar el disco.
"Interstellar Rollercoaster" (20'15) profundiza en el misterio. Psicoanaliza al oyente como un Jung de la electrónica y usa su experiencia como "sintetista de diván", para extraer reflexiones necesarias en un tiempo que circula a velocidad de vértigo. Son momentos de obligada introspección. Como pararse en una estación para desentumecer músculos mentales, antes de seguir trayecto en el tren de la vida. Su explosión secuencial en el minuto 7' entusiasma por no esperada y funciona como magnífico golpe de efecto. Desarrolla líneas orientales con los motores del secuenciador a plena potencia, atravesando planos espacio-tiempo de excelente visión arábigo-melódica. El final es puro Edgar Froese style, con el "mello" susurrando secretos arcanos impronunciables. Una absoluta maravilla.
De nuevo en órbita con "Lightstar Rising" (7'59), invocando a los Tangs con fílmicos pasajes cósmicos de indudable buen gusto. Oleadas de mares de mercurio, paisajes nunca imaginados que son sugeridos desde astutos soundscapes analógicos, con la maestría de un Brian Eno. Casi dark wave se presenta "Space Arbour" (12'47), como un perfecto soundtrack imaginario para sci-fi film, con todo el suspense de un planteamiento estructurado con holgada imaginación. Majestuosa, omnipotente, sublime carga emocional propiciada por la mejor de las medicinas vintage electrónicas. No descendemos. "A Few Miles Beyond Infinity" (8'52) es como si Stravinsky se hubiera apropiado de artillería analógica 70s y mellotron a borbotones. Qué buenos experimentos de ése tipo se podrían efectuar con la soñada máquina del tiempo! Finaliza la audición con "Hi - Flyin' Shiva" (13'09), donde vuelven las sugerencias orientales en contexto textural /secuencial altamente recomendado a los fans de la Mandarina Durmiente.
Hasta una decena grabaría Klaus como Cosmic Hoffmann. No he escuchado todos, pero apuesto alto a que no bajan el nivel. Éste en particular es un sueño retroactivo hecho realidad. Otro histórico sintetista que merece ser reivindicado.
La banda se forma en 1972 de la mano del guitarrista Jim McCarty y el batería Johnny Badanjek, exmiembros de Mitch Ryder y The Detroit Wheels. El grupo se completa con John Fraga (bajo) y Marc Marcano (teclados). En 1976 entra a formar parte del proyecto David Gilbert (Ted Nugent and The Amboy Dukes) y debutan discográficamente con "Love Transfusion" (1976). Posteriormente llegarían "Rockets" (1977), "No Ballads" (1980), The Back Talk" (1981), "Rocket Roll" (1982) y "Live Rockets" (1983). Se despidieron en agosto de 1986 en un concierto en Pine Knob.
La grabación contiene dos actuaciones de The Rockets celebradas en Cleveland 81979) y Poughkeepsie (1980). Sin duda la primera es la más jugosa. Contiene once temas de buen hard rock y rock'n'roll con momentos estelares en "Love Me Once Again", "Lucille" y por supuesto el clásico de Peter Green, "Oh Well". Sonido muy aceptable. La segunda entrega esta compuesta de cuatro temas con un audio peor que el anterior. De todos modos son una buena muestra de las capacidades de la banda en directo.
Hoy tenemos como invitados en Rockliquias Bandas a Drunken Buddha, un grupo ganador de diversos concursos y que nos ofrece un excelente hard rock setentero. Hablamos con su cantante Michael.
Rockliquias.- ¿Cómo surgió Drunken Buddha?
Michael:Mario (el teclista), tras pasar por otras bandas, decidió montar un grupo en el que poder tocar lo que a él le apetecía. En otros proyectos sentía que por una u otra razón no podía desatar sus salvajes Hammonds y demás arsenal, por ahí empezó todo. Empezaron entre él y el primer bajista, Pedro V. Martínez, a juntar amigos hasta que el proyecto fue tomando forma.
Rockliquias.- A lo largo de todos estos años de carretera la formación ha cambiado en diversas ocasiones ¿Cómo ha evolucionado musicalmente la banda?
Michael:Tampoco hemos cambiado tanto. Como todos los grupos siempre intentamos que la formación sea lo más estable posible, pero la gente viene y va por diversas razones; tiempo, trabajo, estudios, cansancio, desmotivación, diferencias musicales o personales, etc. Cada banda y persona es un mundo y un grupo hoy en día requiere muchos sacrificios y pocas satisfacciones. Pregunta por ahí, pero creo que son problemas comunes en la mayoría de bandas. Una formación estable con muchos conciertos a sus espaldas es siempre una garantía y se nota. Intentamos tomarnos el tiempo adecuado cuando hay un cambio de miembro, pero en ocasiones se tienen compromisos y la banda tiene que avanzar.
Respecto a la evolución musical, me imagino que sí que la habrá, pero no sé si somos muy conscientes de ella. Nosotros trabajamos y seguimos hacia adelante, supongo que con el tiempo, más discos y perspectiva se podrá apreciar mejor. Hemos compuesto y trabajado de mil maneras diferentes, intentamos adaptarnos a los momentos y situaciones tratando de pulir y mejorar algunos aspectos. Puede que la mayor evolución sea que poco a poco hemos aprendido a confiar en nosotros, en que para bien o mal todo sonará a Drunken Buddha.
Rockliquias.- Los últimas incorporaciones han sido Fran Fidalgo (bajo) y Kay Fernández (batería) ¿Qué han aportado a la banda?
Michael:Estamos muy contentos e ilusionados con esta nueva etapa y con su incorporación. Son dos tíos de puta madre con muchas ganas e ilusión, a pesar de llevar tocando muchos años. Hemos congeniado a la perfección y nos han enseñado a ser “un poco” más profesionales entre muchas otras cosas. En lo musical son muy diferentes a Josín y Javi. Kay es un batería de pegada, con mucha personalidad pero a la vez muy versátil. Y Fran, bueno... es Fran, profesional más de 20 años con Avalanch, ha creado algunas líneas y arreglos de bajo increíbles para el nuevo disco. Realmente tienen mucho carácter, se nota por ejemplo con los temas antiguos, los tratan con muchísimo respeto pero aún así suenan algo diferentes, inevitablemente los hacen suyos, y eso sin duda es muy bueno.
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestra influencias?
Michael:Para buscar el sonido del grupo, al principio llegamos a hacer conciertos en los que tocábamos el “Machine head” de los Purple entero, también el “Live… in the heart of the city” de Whitesnake. Pero nos han influido también grupos más actuales como Spiritual Beggars y nos encantan los clásicos de siempre; Megadeth, Maiden, Schenker, etc. Siempre digo que somos heavys de barrio de toda la vida, luego cada uno tiene sus gustos más concretos e incluso inconfesables. No buscamos sonar específicamente a los 70, hay grupos que parece que vienen en una máquina del tiempo desde los 70; sonido, ropa, bigotes, todo. Algunos nos encantan, pero nosotros hemos seguido escuchando música y producciones nuevas hasta el día de hoy. Las influencias más modernas y personales también están ahí, son inevitables.
Rockliquias.- ¿Por qué Drunken Buddha?
Michael:Fue una especie de mezcla de títulos de películas de artes marciales de los años 70. Títulos como “El mono borracho en el ojo del tigre”, “La guillotina voladora”, etc. Soy un gran fan, tengo cientos de dvd’s. Teníamos un concierto y no teníamos nombre, se me ocurrió a última hora y a Mario le gustó, luego nos dimos cuenta de que era muy original.
Rockliquias.- Habéis participado en diversos concursos de bandas con notable éxito ¿Cómo han sido esas experiencias y de qué forma han relanzado a la banda?
Michael:Todos han sido experiencias positivas, cargadas de emoción y momentos inolvidables. Las prisas y los nervios no te permiten conocer ni hablar con todo el mundo, pero el ambiente entre bandas es siempre de respeto y compañerismo, todos con las mismas ganas e ilusión.
Nosotros se lo debemos todo a los concursos de bandas. Nos lo han dado todo, así de simple. Nos han permitido grabar nuestro primer disco y en breve el segundo, hemos podido tocar en muchos sitios incluido Wacken, hemos conocido a muchísima gente increíble y nos han dado cierta popularidad y reconocimiento.
Rockliquias.- En 2018 llega vuestro disco debut, Drunken Buddha ¿Nos podéis aportar datos de la grabación?
Michael:Fue el premio por quedar segundos en el “Concurso de Rock Ciudad de Oviedo”. Lo teníamos que tener listo en apenas un par de meses. Contactamos con Juan Martínez y tenía hueco en su Magoo Studio, además nos pareció que el sonido de sus producciones era el más adecuado para nosotros. Apenas se tardó un día o dos en grabar cada instrumento, prácticamente es todo primeras tomas. Fue todo muy rápido, sesión por la mañana, una fabada o pote para comer, sacar a Roko (el terranova de Juan) a pasear y vuelta al estudio hasta la noche. Nevera con cervezas y muchas risas, pero se trabajo duro, sobre todo Juan.
Rockliquias.- ¿Quién se ha encargado de la portada y en qué se basó para crearla?
Michael:Queríamos una portada a la antigua usanza, sin Photoshop. Es de Yori Moriarty, un amigo, tatuador e ilustrador gijonés, un experto en tatuaje tradicional japonés con algunos libros editados a nivel internacional. Conocíamos su trabajo y confiamos plenamente en él:
Nosotros: “Yori, haznos la portada….. ¡¡¡¡un tigre!!!!”
Yori: “Heavy ¿no?”
Nosotros: “Por supuesto”
Rockliquias.- El disco se inicia con "Can't Hold Your Gaze" a medio camino entre el metal y hard más clásico
Michael:Pues queríamos un tema rápido para empezar, fue de los últimos en componerse, la idea era hacer un tema a lo Judas Priest y este es el resultado. Todavía nadie nos ha dicho que le recuerda a los Judas... jajaja
Rockliquias.- Seguimos con "Medicine Man" en la que podemos escuchar referencias a Whitesnake y Spiritual Beggars, curiosamente Whitesnake tiene un tema del mismo nombre.
Michael:Este tema salió en una tarde en el local. Diego traía algunas ideas pero todo el mundo puso su granito de arena. Javi lo ordenó un poco e hizo la letra, no se acordaba siquiera del tema de Whitesnake, más adelante se dio cuenta, pero es que no tienen nada que ver. Es un tema del que estamos muy orgullosos, es totalmente nuestro, lo que nos salió en un par de horas y nos gustó. Nos pareció un gran tema, sentimos su energía al instante, cualquier parecido con cualquier otro grupo es casualidad y totalmente inconsciente.
Rockliquias.- En "Monster" cambiamos algo los registros. Poderosa sección rítmica mucho más "pesada" con reminiscencias Sabbath finalizando con sonidos Rainbow
Michael:Queríamos hacer algo pesado y arrastrado a lo Black Sabbath. Mario llegó con todo lo gordo y entre todos lo fuimos llevando a nuestro terreno y arreglando, al final a Mario se le ocurrieron todos esas cuerdas “terroríficas” para el final. Le han sacado influencias desconocidas para nosotros, jajaja
Rockliquias.- "Jester Song" rezuma buen hard rock por los cuatro costados. Tenéis muy claro lo de cantar en inglés. ¿En algún momento os habéis planteado cantar en castellano?
Michael:Este partió de una idea de Diego y entre todos lo montamos, teniendo en cuenta esta vez sí a los antiguos Whitesnake.
Es una cosa que se planteó varias veces, cantar en castellano, pero creemos que es más complicado todo, sobre todo montar las letras sobre la música. Pero el principal problema es que el resultado final, aunque llegue a ser bueno, pierde parte de la identidad o intención de lo que queremos hacer. No sé cómo explicarlo… en vez de estar mencionando nombres como Whitesnake, Sabbath, Purple, Spiritual Beggars o Rainbow, es posible que mencionases a Barón Rojo, Sangre Azul, M-Clan o Manzano. Igual me equivoco, pero los textos en castellano marcan mucho. Me encantan todos esos grupos españoles y muchos más como Uzzhuaïa, pero aunque parezca increíble nos sentimos más identificados cantando en inglés.
Rockliquias.- "Coming Home" continua con el buen gusto de los setenta. El sonido del Hammond es una de las características que definen y diferencian a la banda.
Michael:Obviamente nos encantan los sonidos de Hammond, y sí, nos definen y diferencian. Como he dicho antes el grupo parte de la inquietud de Mario y de poder tocar precisamente eso. Creemos que se ha perdido un poco ese sonido en el Metal y el Hard Rock, en un momento dado se empezó a optar por dos guitarristas y los teclistas tenían poco espacio, apenas se metían unos colchones y algún piano. En los ochenta el Hammond fue quedando totalmente desplazado por los nuevos sintetizadores. Ahora mismo el Hammond está más asociado al soul, blues, rock clásico o sureño, pero Spiritual Beggars con la llegada de Per Wiberg demostraron que se podía ser muy Metal con Hammond.
Rockliquias.- "Lady Stardust", es el tema tranquilo de la grabación. Gran sentimiento vocal que poco a poco sube en intensidad con un gran y épico solo de guitarra ¿Cuáles son vuestros cantantes de referencia?
Michael:Esta respuesta tiene mucha miga para mí, pero intentaré ser breve. De los de ahora me tiene acojonado Jay Buchanan de Rival Sons, es pura verdad y sentimiento. De los clásicos me gustan todos, pero mi favorito es Coverdale, para mi el frontman definitivo por voz, presencia, sentido del humor, actitud, carisma, testosterona, siempre se centró más en el feeling y la expresividad que en la técnica. Creo que llega a las notas que llega por cojones.
Rockliquias.- "The Rise of the Monkey Men", retomamos el hard clásico con aires del nuevo milenio. ¿Cómo estructuráis la composición de los temas?
Michael:Ésta y Coming Home son los temas más antiguos, estaban ya antes de que Diego entrase en el grupo. Cuando llegó les metió mano y se arreglaron un poco. No tenemos ningún sistema predeterminado para componer, la mayoría de las veces solemos partir de un riff o alguna parte que normalmente suele traer Mario, a partir de ahí la vamos estructurando y arreglando entre todos en el local. Intentamos no darle muchas vueltas porque creemos que lo primero que sale suele ser lo más natural y fresco, aunque haya veces que no quede más remedio. Sabemos que no vamos a inventar nada así que intentamos darle nuestro toque personal a todo.
Rockliquias.- Finalizamos con "Strangers & Fools" una composición muy "serpiente blanca" con toques a lo Uriah Heep. ¿La duración del disco (poco más de 36 minutos) ha sido algo premeditado?
Michael:Es el último tema que compusimos para el disco, estuvimos peleados con mil partes y arreglos y al final volvimos a lo básico. Nos gusta que menciones a Uriah Heep porque creemos que están un poco infravalorados y son un gran referente para nosotros, sobre todo para Mario. Para él Ken Hensley es un auténtico salvaje del Hammond y siempre dice que era “aún más cabrón que Jon Lord”. Sin duda tiene razón.
En cuanto a la duración es algo totalmente premeditado. No queríamos un disco largo, nos gustan los discos que se pueden escuchar de un tirón. Mejor que se te haga corto y apetezca volver a escucharlo que pesado y repetitivo, ¿no?. Antes los discos eran más cortos, también es cierto que los grupos sacaban uno o hasta incluso dos discos al año.
Rockliquias.- ¿Cómo habéis vivido el estado de alarma?
Michael:Como la mayoría de la gente, confinados, preocupados y desmotivados por momentos, pero en general bien. Por suerte nadie cercano ha enfermado pero sí que ha sido duro a nivel mental. Somos un grupo de directo, nos gusta juntarnos todos en local y tocar, es donde sentimos la llama y creemos que funcionamos. Para nosotros el parón y la desconexión ha sido total, admiro a la gente que puede trabajar desde casa mandándose archivos, haciendo directos, adelantando trabajo, etc. Pero a nosotros nos resulta imposible, a lo mejor somos demasiado “old school”, pero es lo que hay.
Rockliquias.- ¿Cómo influirán los cambios que estamos viviendo en el mundo de la música?
Michael:¿Pues quién lo sabe? De momento el tema de conciertos está bastante parado, pero la gente está esperando para poder volver a disfrutar de ellos. Esperemos que se arregle todo pronto, la música en directo no desaparecerá nunca y menos en el Rock.
Rockliquias.- ¿En qué estáis trabajando y cuáles son vuestros planes para el futuro?
Michael:Hemos retomado la actividad, empezamos a ensayar para un concierto que tendremos a principios de julio y estamos acabando de pulir y maquetar los temas nuevos que irán en el disco. Nuestra intención es entrar en el estudio a mediados de julio. La verdad es que no paramos, estamos también preparando y mirando ideas para todo; portada, fotos, video clip, etc. Obviamente intentaremos salir a presentar el nuevo disco por toda España si la situación lo permite. Además se han retrasado y reprogramado muchos conciertos y va a ser complicado coger fechas, pero confiamos en que algo irá saliendo.
De la misma forma que hice con otros grupos llegados los 80´s daremos un salto en el tiempo para no perderlo con los Ange de esta época porque de los 8 discos que grabaron solo el último “Seve Qui Peut” de 1989 merece ser reseñado.
La historia como ya he apuntado en multitud de ocasiones fue similar a la mayoría de los grandes grupos progresivos. Todo se fue a la mierda: interés, imaginación, calidad etc. A partir de “Vu D´un Chien de 1980 y los que siguieron hasta el mencionado es un sin parar de si este es malo el siguiente es peor. Ni me he molestado en escucharlos demasiado, un poco por encima, porque cuando todos coinciden, incluso los más generosos con la música popera, tecno y AOR de aquel momento, en poner a parir estos discos, yo que soy mucho más radical e intransigente ni te cuento. Salvo los hermanos Decamps el resto de la banda fueron entrando y saliendo nuevos miembros.
En “Seve Qui Put” se juntan de nuevo parte de la alineación original y no se entiende muy bien el por qué, pero la música da un giro radical para bien. La portada vuelve a ser atrayente lejos de las horribles “copertinas” que la preceden y la temática parece ser la revolución francesa y los alegres tiempos de la guillotina. Por supuesto los 70´s ya les quedan lejos, pero aun así la música es lo suficientemente atractiva. Efectivamente el disco va a tener división de opiniones entre los fanáticos recalcitrantes del grupo, pero visto desde la perspectiva de un observador que no se implica desde la objetividad, el trabajo es bastante bueno. Según parece las composiciones recaen prácticamente en Francis el teclista y su hermano se encarga de poner las letras y la teatralidad vocal correspondiente. Diría incluso que este disco es más sinfónico que sus obras más destacadas.
La épica de la primera pieza y su instrumentación clásica así lo atestigua. El sonido infinitamente mejor que el sonido terroso y oscuro de los 70´s e incluso la composición deviene con más cuerpo y espectacularidad que antaño. Casi diría que Ange hacen su propia versión neo-progresiva y los teclados en concreto han ganado muchísimo en la composición. Si este disco sale a mediados de los 70´s y perdonando algún desvarío habría sido un clásico. La temática como era habitual en ellos se reparte entre el relato-canción y por esta vez las melodías enganchan y se reparten entre momentos líricos y bellas partes instrumentales, pero apunto que suenan muy diferentes a sus tiempos teatreros y jocosos. El trallazo rock tampoco falta en piezas como “los placeres fáciles” que no por ello pierden su encanto melódico y hasta pomposo. Francis no ha tocado nunca los teclados como en este disco y me ha sorprendido la verdad sea dicha. Hay variedad sonora y aumenta las posibilidades. “El oro, la plata y la luz” es una balada típicamente francesa con los aditamentos prog necesarios y ese sentimiento de caminar por el palacio de Versalles y escuchar la risa de Maria Antonieta y la decadencia de esos tiempos. “Briser La Glace” es una deliciosa canción que atrapa al instante como la siguiente “Les Amours lumiere” porque ambas tienen bonitas melodías y un elegante tratamiento. “Non” es una horteradilla ochentera que desentona, pero al menos son solo tres minutos que incluso recuerdan un poco al Marillion buscador de singles. “Grands sentiments” grita revolución y también suena parecida al “Non”.
Estamos en 1989 y ciertas cosas no se pueden evitar y el disco termina peor de lo que empieza por su machacona batería y percusión típica de la época, aunque si hacemos un equilibrio entre algunas canciones realmente buenas podemos perdonar aquellos años nefastos para la música.
La mejor respuesta o compañía a toda la música magmática serían sin duda estas cuatro visiones de Eskaton que corresponden a las cuatro largas piezas en su edición original en vinilo. Lo curioso es que está fechado en 1979 por lo que habría sido grabado casi a la par o incluso antes que “Ardeur” que es considerado su primer LP oficial, aunque esto realmente no tiene demasiada importancia.
Para maniáticos y coleccionistas decirles que en 2013 fue reeditado en vinilo en 180 gr por el sello francés Soleil Zeuhl en una edición limitada de 500 copias y con un precio no inferior a 65 euros. Así que para su padre. Para mí a estas alturas de la vida cualquier vinilo que pase de 20 euros es un robo descarado y más con la facilidad tecnológica de hoy que ahorra gastos de antaño cuando por 200 pesetas en los 70´s (aproximadamente un euro cincuenta céntimos de hoy) los comprábamos en Andorra nuevecitos en su edición original y más para los que durante toda la vida nos hemos dejado fortunas en discos que es un vicio muy caro. Descargadico de la red en CD con bonus tracks y tan contentos. Hacer negocio con el arte y con la música siempre ha sido un concepto aberrante para mí y muchos pensamos así. Nunca me he fiado de un músico que pretenda enriquecerse de ello y mucho menos de intermediarios que se aprovechan para hacer negocio. Los patrimonios deben estar protegidos por el estado y la cultura, en una vía que facilite su acceso a todo el mundo. ¡Coño! esto es muy comunista. ¡Manda huevos! La educación en todos sus aspectos hace mejores a las personas y más sabias, pero el hecho de que esto hipotéticamente suceda, asusta mucho a los que viven de los demás que generalmente es el estado, las empresas y sus negocios en comandita. Esto no es factible como todos sabemos. La estructura del mundo se basa en joderse unos a otros en una espiral sin fin. ¿Por qué ciertas músicas son aisladas y ninguneadas…? Hay varias respuestas desde luego. La más evidente es que sea un producto fácil y vendible, pero hay otra más sibilina y es que ciertas músicas hagan pensar a la gente y les despierte inquietudes hacia otras cosas interesantes. Esto no interesa al negocio porque un pueblo tonto es fácil de manejar y lo superficial crea interesantes dividendos. Yo no puedo separar la música de la inteligencia porque de lo contrario no escribiría aquí.
“4 Visions” es una experiencia musical generosa y que divide ese concepto de “música de fondo” o “música cerebral”. Admitamos que rock´n´roll es testosterona y reacción básica de nuestro “oído físico”. Disculpadme por esta extraña definición, me hago viejo y tengo ocurrencias. Luego está el otro oído, el perezoso, el que “lleva tiempo” y requiere cierto esfuerzo. El esfuerzo siempre es necesario y sobre todo al principio si no pasaríamos nuestra vida del coño a la tumba sin enterarnos. Pero como todo, cierto esfuerzo tiene su recompensa.
De entrada, la primera pieza homónima es como sumergirte en un mundo a medio camino entre lo mágico y lo fantasmagórico. Las voces femeninas son adictivas y el empleo de sonidos sintetizados le da un aspecto surrealista. Cantan en francés porque el kobaiano es exclusivo de Magma y naturalmente estás escuchando música completamente original y atractiva y como no, absolutamente encantadora. Apuntaría además que si te gustan los Hatfield &The North y los National Health me lo agradecerás doblemente. La grabación incluso en su remasterización está un poco baja de volumen para mi gusto, pero esto es algo común en las grabaciones de hace cuarenta años y resultado de la tecnología de entonces. Problema menor por la calidad del producto. Los 10 mtos de “Attente” son un viaje alienígena en su versión analógica claro. El ritualismo zeuhl es común a todas las bandas del estilo y aquí los acordes ásperos y descriptivos nos acercan a unos Gong de su trilogía setentera combinados con los Magma. Pero hay mucho sentimiento canterburiano en los ritmos sofmachineros y todo ese sentido melódico tan especial y sugerente. No tiene desperdicio y vuelvo a repetir la importancia del “oído” que debe dejar de ser perezoso para disfrutar de lo excitante. “Ecoute” casi 13 mtos irrepetibles de música intelectual y subyugante. La rítmica de repetición zeuhl vuelve a mezclarse con el Canterbury y ya no sabes si fue antes eso del huevo y la gallina. Solo te pido que lo disfrutes y que pongas atención porque son músicas que no admiten el despiste y la despreocupación y que lejos está esto de la superficialidad progresiva actual. “Pitie” es otro encantador ejemplo de ese trasfondo francés heredero del impresionismo, del simbolismo y de la elegancia europea tan sofisticada en su arte y su cultura.
Disfrútalo que es un caramelo de exóticos sabores. Los cuatro bonus tracks que acompañan esta edición poseen la misma magia, pero si consigues el vinilo original ponlo en la estantería que le pertenece y tú sabes perfectamente cual es.
