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UFO ÖVER LAPPLAND - Ufo Över Lappland (2016 / Fluere Tapes)

Si todavía nos resulta chocante hablar en éstos días de vinilo con perfecta normalidad, (ni el más avezado pitoniso hubiera llegado a tales predicciones), todavía lo es más hacerlo de cassettes. Se diría que es la última victoria del steampunk llevado a la realidad.


Lo cierto es que el primer álbum de los suecos Ufo Över Lappland salió en un sello, Fluere Tapes, dedicado específicamente a éste formato. Inaudito. Aunque de lo más normal por Escandinavia. Más de un grupo de por allá he visto en vivo, con cintas entre su merchandising. No soy yo contrario a su naturaleza. Comencé mi colección en los 70 en ése formato. Y si no hubiera sido por la mayor calidad de presentación y sonido del vinilo, el cartucho era la opción más ideal. Para cuando ése formato entre los más cool del lugar, por cierto?... No obstante, los especialistas en space rock y psico - cosmic,  Sulatron Records, lo reeditaron en cd con extras. 

Es éste un cuarteto formado por Krister Mörtsell (guitarras), Christer Blomquist (bajo), Peter Basun (sintetizadores) y Andreas Rejdvik (batería). Un combo bien empastado aún cuando sus libres formas sugieren una "estrategia de juego" planificada previamente.
Como se intuye en los primeros compases de "Keep On Keepin On Space Truckin" (12'15), con latidos motorik de pura cepa, para inaugurar éste viaje en utilitario platillo volante a base de hipnosis espacial con denominación de origen kraut, pero de verdad. No ese "pop rarito" que tanto gusta en hipsterlandia, y que enseguida bautizan con la dichosa palabreja, peyorativa en otros tiempos, pero muy querida entre la modernez actual. Una especie de "Hallogallo" de la banda, con partículas de Harmonia y tacto de la Conny Plank factory. Efectividad comprobada si gustas de éste tipo de reserva, u otros caldos más recientes, como sus paisanos Grovjobb u Holy River Family Band. Palabras mayores en esto de la cósmica sueca. 

Podzol" (10'37) tiene nombre de medicamento, (igual es), pero en su inicio parece el angustiado respirar cibernético de Hal 9000. Muta hacia áreas berlinesas propias de Agitation Free o Ash Ra Tempel, (ésa guitarra poseída por fiebres delays. ....). El trance se hace crescendo hard-space, en su mudo vocabulario instrumental de cósmica comuna interplanetaria. Todo un viaje. A no ser que sea reversible, damos la vuelta a la cinta. 

"Nothing That Lives Has Such Eyes" (9'14) invoca a Can cerca de "Future Days", en otra exposición regresiva de letal acidez psicodélica. La experimentación jammer no pierde ni rebaja cierta tensión hard rock que le da nervio y consigue la atenta escucha del valiente psiconauta.


 Para "Lemmy On the Beach" (11'21) nos encontramos con parecidas directrices,  en un curioso título que confirma  muy bien lo dicho para la descripción anterior. Es una muy buena sesión de atemporal space rock con la potencia de una banda del nuevo siglo. Que adapta añejas referencias (obligatorias) al reciente idioma cósmico de nueva cosecha. Un ejercicio de estilo estupendamente resuelto y un debut con muchas posibilidades de futuro. Que dicho esto de una obra de éstas características suena un poco absurdo, todo sea dicho. Bon Voyage,  que diría Gurruchaga.
J.J. IGLESIAS 




Temas
01. Keep On Keepin On Space Truckin' - 00:00

02. Podzol - 12:12

03. Nothing That Lives Has . . . . Such Eyes - 22:52





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BRAND X ‎– Live At The Roxy LA (1979)

Phil Collins finalizó en el otoño de 2019 su gira "Still Not Dead Yet" ( descriptivo título) a pesar de sus evidentes problemas de salud, actuaba sentado en una silla,  que se agravaron el pasado 9 de Septiembre al sufrir una aparatosa caída en el escenario mientras veía el solo de batería de su hijo. Tengo que decir que soy más seguidor de la etapa de Genesis con Gabriel, pero reconozco su gran labor con las baquetas tanto en Genesis como por supuesto en la banda que hoy nos ocupa, Brand X.

Brand X se forma en 1975 teniendo en sus filas a Phil Collins (batería), John Goodsall (guitarra), Robin Lumley (teclados) y Percy Jones (bajo). Al año siguiente editan su primer disco, "Unorthodox Behaviour", con la participación del saxofonista Jack Lancaster. En 1977 editan dos discos más: "Moroccan Roll" y "Livestock" que contenía grabaciones en directo realizadas por la banda en 1976 y 1977. Phil compaginaba sus compromisos con Genesis con las actuaciones con Brand X por ello en algunos momentos fue sustituído por diversos baterías (Morris Pert, Gaspar Lawat, Bill Brufort, Preston Heyman, etc). En el 78 Lumley abandona el grupo siendo sustituido por J. Peter Robinson con el que graban el tercer disco en estudio de la banda, "Masques", sin la participación de Collins, le había reemplazado Chuck Burgi. En 1979 vuelven Lumbley y Collins, y se incorporan John Giblin (bajo) y Mike Clark (batería) resultando  un batiburrillo de músicos (unos ocho en total) que graban dos discos en los estudios Starling, "Product" (1979) y "Do They Hurt? (1980). Después de la gira por el Reino Unido en abril y mayo de 1980 la banda se disolvió. Antes habían grabado " Is There Anything About?", que no se publicaría hasta dos años más tarde. Posteriormente volverían con diversas formaciones pero eso es otra historia.


La grabación corresponde a la actuación de Brand X el 23 de septiembre de 1979 en el teatro Roxy de Los Angeles. En ese momento la banda estaba integrada por Phil Collins (voz, batería), Robin Lumley (teclados), John Goodsall (guitarra), Percy Jones (bajo) y Peter Robinson (teclados).  La música del grupo es un excelente jazz rock fusión con temas fundamentalmente instrumentales donde se demuestra el gran virtuosismo de sus miembros. La labor del bajista Percy Jones es realmente excepcional, sirva como muestra "Malaga Vergen" (supongo que se querían referir al vino Málaga Virgen). Los teclistas Lumpley y Robinson se complementan perfectamente en composiciones como "Algon" y "Dance of the Illegal Aliens". Y que decir de la finisima labor del guitarrista John Goodsall en "...And So To F...". Por su parte Collins está a la altura de sus compañeros poniendo la voz en la genesiana "Don't Make Waves" y  luciendose en el solo del tema que sirve como "bis", "Nuclear Burn. Sonido bastante aceptable.
J.C.Miñana



Temas
1 Disco Suicide (Into) Algon 14:14
2 Dance Of The Illegal Aliens 11:56
3 Don't Make Waves 6:16
4 Malaga Virgen 13:34
5 ...And So To F... 12:24
6 Nuclear Burn 12:02





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HASH - Hash (2005 / LAST RECORDINGS)(Rockliquias Bandas)

Conocí a éste explosivo grupo de Portugalete en un no menos dinamitero cartel-fiesta presentación de un festival Azkena, en el que compartían tablas con "unos desconocidos" como ellos,  Soulbreaker Company, y los tremendos americanos Mother Superior. Ésa noche el diablo bailó. Y yo me compré allí la primera referencia de Last Recordings,  éste debut de Hash,  sello montado por la promotora del Azkena Rock, Last Tour International.


Formados en 1999, por sus filas han pasado miembros de Extremoduro, Fito y los Fitipaldis (Txus Alday enseñó a tocar la guitarra a Fito), The Flying Rebollos y Los Rotos. Primero como un trío, y quinteto cuando éste álbum salió. Pero será otro estilo el que maneje la música de Hash. Su antesala como Almax Brothers (grupo tributo de Allman Brothers Band), es lo que inspira el repertorio original de Hash. Joseba "Koko" Tapia (batería), Lalo "Sugar" Fandiño (armónica), Iñaki Pérez Larrinaga (voz y guitarras), Txus Alday Roth (guitarra) y Asier Castro (bajo). El disco había sido grabado ya en 2001 con formación de trío más invitados (destacando el órgano). Pero hasta el 2005 no se pondría en circulación con tan buena compañía como lo hicieron para presentarlo. Un álbum que se convirtió en un fijo de mis pinchadas salvajes, cuando quería llegar a un frenesí climático de nivel 10. 

"The Light of the Day" nos ofrece southern rock con tropezones rhythm'n'blues, lo que viene siendo la base de Allman Brothers, pero llevada a su terreno. Con órgano preponderante, voz decidida y bien apoyada en coros, y unas guitarras con la fiebre Duane / Dickie en unos mástiles al rojo. El wah wah derrocha mala uva rockera por kilos. Se enlaza con "I'm Down", más en onda Johnny Winter / Stevie Ray Vaughan, con armónica a la Blues Traveller. Rock blues psicodélico que parece facturado en un tugurio de las afueras de Dallas. "Someday Someway", al estilo Robert Gordon, enloquecía a mis feligreses en el Hendrix Bar cuando la ponía al 11, con los primeros rayos del sol.....abierto hasta el amanecer, ya sabes. Puro soul de la Motown se marcan en " A Trail To Live" con pasión,  convicción y una instrumentación superlativa, aunque la voz de Iñaki brilla aquí con intensidad nova, siendo la absoluta protagonista.

Volviendo al blues en "One", con la clase heredada de Freddie King y la energía de "At Fillmore" de los hermanos Allman. Para el inicio de "Howling" la sección de ritmo (magnífica) se tira al jazz + scat vocal con raíces sureñas de tono negroide vía Memphis en cada una de sus notas.

"I Can't Leave My Blues Apart" tiene un cierto aire al "Don't Stop" de Fleetwood Mac, que Hash bluesifican bastante más,  teniendo en cuenta que "Rumours" ya se había olvidado de su mejor etapa blues. En realidad acaba sonando a los primeros Steve Miller Band, otros que llevaron carrera paralela a los de Mick Fleetwood.

Otra que bebe de los pantanos de Florida es "Blue Eyes". Vaya clase que exhibe éste combo, como si éste fuera su décimo álbum!  El piano de Aiert parece Chuck Leavell y la guitarra que le sucede es puro Dickie Betts. Algo realmente inflamable. Un clásico de Sonny Terry y Brownie McGee, "Raise A Ruckus Tonight", - con Fito invitado a la acústica -,  es blues rural del Delta de alegre factura y proclive a la fiesta "all night long". Diría que es cosa seria, pero transmite todo lo contrario, cachondeo sin límites. ....Termina la función con "Begin From Zero" , un tema elegante y más sosegado, en la onda de Boz Scaggs.


Lo que se dice un primer disco con clase, que sigo disfrutando hoy, ahora en la intimidad de mi búnker. No tendría continuación hasta "Have A Sweet Hell" (2008) en una línea similar. Si tocan cerca (o lejos) de tu casa y quieres marcarte una buena juerga, yo no me lo pensaría. .....
J. J. IGLESIAS

P.D.: una pena que no se puedan encontrar documentos sonoros de este magnífico disco y por razones de derechos de autor no lo podamos compartir en youtube.


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LITTLE TRAGEDIES - Chinese Songs partes 1&2 (2007)

Las canciones chinas salieron como dos Cd´s individuales pero bien podrían ser un doble álbum. La edición original y encarte están en ruso, aunque supongo que habrá algún folleto informativo en inglés en alguna parte.


 La primera entrega empieza con un hermoso piano clásico y voz con fina guitarra eléctrica que pronto estalla en sinfonismo en la segunda pieza: “absorto en mis pensamientos” a una velocidad de vértigo en entrelazados sonoros de teclados y guitarra con una sección rítmica tremenda y complicada. Aunque como siempre Ilyin domina por doquier la guitarra solista de Alexander Malakhovsky cobra mayor importancia y protagonismo. Como siempre la composición es de locura épica y grandilocuencia sin fronteras. La espectacular batería de Yuri Skripkin y el complicado e incansable bajo hacen el resto. Los toques orientales y pausados en la tercera nos dan un pequeño respiro. La música es nostálgica y triste pero tremendamente melódica y sugerente como sucede en casi todo el trabajo discográfico de esta extraordinaria agrupación de verdaderos músicos. Tanto las influencias barrocas en “sentado sin preocupaciones” que resulta un título irónico porque con cierto perfume afrancesado clásico en la forma de canción, se mezclan las peculiaridades eslavas en cuanto a ese sentimiento de pérdida y abandono de destino implacable. “En la ventana” es más grácil y simpática con esa rueda de acordes típicos y desenfadados que a veces Gennady ofrece siempre en base académica que para eso es maestro licenciado en música. En “llegó un invitado inesperado” y a no ser por la voz en ruso, me recordarían mucho a los The Enid. En realidad, no están tan alejados muchas veces. El desarrollo instrumental de esta pieza es una delicia. Armonía compleja, superposiciones rítmicas, contrapunto, fuga, arreglos de viento, y cualquier aditamento típico de la música clásica llevada al rock sinfónico de manera magistral y perfectamente integrada. Da gusto. 

La riqueza sonora de las pequeñas tragedias ensombrece a muchos otros grupos incluso de los buenos y decir esto es decirlo todo. Son exigentes con el oyente, pero nunca en el sentido de hacer música experimental o de vanguardia. Ellos son músicos a la antigua usanza. Conocen todos los secretos de la composición y no amargarán nunca al oyente con ocurrencias ni con atonalidades perniciosas con la manida teoría de intelectualismos desafiantes y aleatorios. En absoluto. Hacen música con mayúsculas y punto. Los trece minutos cristalinos de “Wanderer” son una declaración de sus principios más exquisitos y de su forma de entender la música con una delicadeza y claridad que pocos poseen. Yo diría que es un romanticismo sonoro en todo su esplendor.


El segundo volumen empieza de manera más animada en ese estilo vocal que a estas alturas de su discografía ya nos resulta familiar y original. Repito que si has superado este punto ya son tuyos, porque su música te será siempre una fiel compañera. Hay que hacer hincapié en la importancia del saxo de Aleksey Bildin, siempre inteligentemente integrado en la composición y enriqueciendo cada parte en su lugar predestinado. El precioso sinte de la breve luz de luna preludia a “mi corazón está triste” y que corazón ruso no está triste diría yo. La melodía de esta pieza me resulta conocida de alguna manera, pero yo creo que es por el uso “formal” de ese tipo de rueda melódica que me recuerda a alguna película francesa de autor. Pronto el desarrollo épico amplia la melodía. Es la pieza más pegadiza que he escuchado de este grupo sin duda. Lo mismo ocurre con la intrascendente “viento vernal, polvo de carretera” que deja para el final los dos largos temas que rubricarán ambos discos.


“Los eventos de mi siglo no valen nada”: que título más imponente, ni yo habría acertado mejor en mi licenciatura en pesimismo profesional cum laude. Tema que coge la melodía pegadiza para desarrollar una ampulosa pieza de fuerza a lo Magnus Opus de Kansas o ELP caso rozando el metal en la base rítmica, aunque sin macarradas. Tiene su parte central melódica con voz y después unos endiablados riffs y escalas impresionantes para agotarse detrás de las baquetas y quedar exhausto. Tremendo ¡que tíos!...como tocan. “El barco junto al lago es solo para tres”. Sugestivo título si son de diferente sexo y hay intercambio. La pieza es calma como un adagio clásico, aunque para el ejercicio carnal es mejor el silencio absoluto. Poner música mientras cabalgas es una obscenidad y una cursilada. Haciendo un balance estas canciones chinas representan el lado más intimista y delicado de esta banda rusa y por supuesto piezas que guardar.
Alberto Torró


Temas
Vol1
1 I'm Sitting In Front Of A Full Cupn Ot Drinking...
2 Absorbed In My Thoughts
3 Sitting Carefree In Ths Shadow Of The Pavilion
4 At The WIndow
5 There Came An Unexpected Guest...
6 Wanderer
7 Do You Remember How We Said Goodbye?

Vol2
1 Letter To My Wife 6:50
2 In The Moonlight 3:33
3 My Heart Is Sad, Thoughts In Dismay 6:05
4 Vernal Wind, Road Dust 3:17
5 My Century's Events Are Worthless 9:23
6 The Boat By The Lake Is Only For Three 11:31





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HAPPY THE MAN - The Muse Awakens (2004)

Al igual que el conde Drácula despierta cada muchos años también algún que otro progresivo veterano hace lo propio varias décadas después de retiros o bien forzados por las circunstancias o por cualquier otra razón obsoleta. 



El caso es que el que hace música por el motivo que sea, siempre lleva consigo esa contagiosa enfermedad del “eterno retorno”. No os sorprendáis si os digo que mucha gente piensa que la música como concepto es “cosa de juventud”. No os ha pasado a alguno el hecho de encontrarte con viejos amigos o familiares que con candor e ignorancia supina siempre te preguntan eso de: “¿pero con lo mayor que eres aun sigues tocando y estás con la música?”… Aunque lo más terrible es cuando te dicen: “¿pero sentarás algún día la cabeza?”. Casi nadie dice qué a la gran mayoría de la sociedad mundial, el arte en general le importa un pepino. El 90 % por decir una estimación incluso generosa, opina que la música es un “capricho” o cosa de “críos” En esto incluyo a la música clásica no solo al rock. No os engañéis que es así. Curiosamente todo el mundo dice que le gusta la música. Mentira. Es un mundo en el que desgraciadamente no hay término medio: si entras en ella es para siempre en caso contrario es imposible comprenderlo. El problema es que muy pocos entran de verdad. El privilegiado debe saber que es un camino que el resto de su vida va a tener que recorrer en solitario. Hablo de la música de “verdad” naturalmente, no de las toneladas de mierda o modas de las convenciones y relaciones sociales cotidianas de la frivolidad y la superficialidad. Creo que me he explicado y si no es así lo siento.

Cuando un viejo músico regresa lo hace por convicción o por amor a lo que le gusta salvo que por el motivo que sea siempre haya sido un negocio “esclavo” y en realidad sea su medio de vida. Cuando una actividad que te gusta se convierte en trabajo remunerado, se acabó todo. Evidentemente no voy a negar que muchos en esa peculiar década de los 70´s se hicieron millonarios haciendo buena música. Es cierto, pero es una excepción histórica. Happy The Man nunca fueron en limusinas ni aviones privados al igual que la inmensa mayoría de músicos a los que les gusta lo que hacen y lo hacen por pasión. Si en 2004 vuelven al estudio y graban un hermoso disco como “la musa despierta” es porque esa “enfermedad” de la que hablaba al principio es como la necesidad de sangre del vampiro. El verdadero artista solo espera agradarse así mismo. Si en ello está equivocado eso es otra cuestión que queda en los gustos externos y eso para un músico de verdad es irrelevante. Por este motivo Frank Wyatt, Rick Kennell y Stanley Whitaker más la nueva incorporación del teclista David Rosanthal y el baterista Joe Bergamini vuelven a la vida con 11 temas nuevos que poco o nada tienen que envidiar a sus antiguos y clásicos discos, es más, da incluso la sensación de estar escuchando un trabajo musical de los 70´s con la lógica mejora sonora de los tiempos. 


Líneas de tempo complejas, estructuras de jazz fusión cruzadas con vanguardia sin olvidar la melodía y desarrollo instrumental apabullante. Música elegante de fina factura y suficiente interés. Muy bien. Así se hacen las cosas sin intentar complacer al insípido oído moderno y porque saben que hacen lo correcto.
AlbertoTorró








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35 TAPES - Lost & Found (2019 / APOLLON)

Hoy retomamos nuestro sello más varonil, porque irradian buen gusto en cada uno de sus lanzamientos. Los noruegos 35 Tapes se estrenan a lo grande con "Lost & Found", un disco de alto interés que, al no ser inglés,  ha pasado inadvertido para los popes del "true prog" (ejem).


Allá en el frío ambiente de Oslo se reúnen para ensayar Morten Lund  (guitarras, lap steel, sitar, teclados,  Mellotron y voz), Darle Wangen (bajo, guitarras, voz) y Bjorn Stokkeland (batería). Pronto son conscientes de que su química invoca prog auténtico,  del setentero de toda la vida, que es el más difícil de componer (bien) en la actualidad.......Sencillamente porque para hacer una mierda mediocre y llamarla "modern prog", cualquier advenedizo sabe. Es lo más sencillo y rápido ahora.

Al más puro estilo "Wind & Wuthering" se inicia "Travel" (8'12), y con el mismo romanticismo invernal que sugiere tan clásico título. Todo aquí es bellamente genesiano, desde las guitarras Hackett, al "mello" en primer plano y una sección de ritmo impresionante. Arpegios delicados y sensibilidad en las voces. Alta qualité. Que te enamoras de su sonido en un plis-plas, vaya. Sin embargo, no llamaría yo a esto "Neo prog". Es prog 70s del estilo que imaginas, retratado con verosimilitud desconcertante. Que quieren que les diga, me lo estoy oyendo en éste momento, en una fría y brumosa mañana post-fiestas navideñas, y es la banda sonora perfecta. Suena a tiempo pasado, alegrías esfumadas,  fiesta que creías eterna y que recuerdas en la lejanía,  recuerdos entrañables de juventud.....sí,  decididamente Genesis entra en la ecuación como un guante. Aunque 35 Tapes no son una clonación-tributo. Poseen una fuerte influencia otoñal de los británicos, pero el hecho de ser noruegos también ayuda, y mucho.

 La misma tesitura tenemos para "Circles" (7'10), con un poderoso generador de graves (Taurus pedal?) como elemento dominante. Estos norteños son más Hackett que el susodicho en la actualidad, demasiado preocupado por ser el próximo Ennio Morricone. Esa guitarra que se despereza sobre un colchón mellotrónico arropados por armonías vocales lindīsimas, muy británicas,  deudoras también de Barclay James Harvest, Fruupp o England. Todo fluye natural en 35 Tapes, como si estuviera hecho en 1973, apareciendo en la página de conciertos del Melody Maker, tocando en el Marquee junto a Wally. ....


"Wasteland" (8'21) sigue paseåndonos por el acogedor recuerdo de un tiempo más inocente, cuando todo estaba recién creado.  Con la ilusión de una música que prometía mucho, y lo tuvo que dar todo deprisa y corriendo.  Antes de que la nueva tontada de la prensa y discográficas los apartara y negara el lógico desarrollo de un estilo amputado violentamente en menos de 10 años. Poco tiempo para expresar tanto. Así que si ése desarrollo se está haciendo en éste siglo, tras el tímido reinicio en los 90, más vale tarde (y en ocasiones mal), que nunca. Escuchando los maravillosos pasajes de 35 Tapes uno cree ver un sentido a ésa música, hecha hoy. De anacronismo nada. Reivindica su propio tiempo robado, con toda justicia. 


Como último festín,  "Mushrooms" (19'25) va a dejarnos plenamente saciados. Una macro-pieza final con todos los ingredientes que esperas, sin perder ésa nostálgica ternura, esa delicadeza y tacto compositivo,  instrumentación inteligente,  pericia ejecutora,  sentimiento a flor de piel. .....y ése "sacred mello" que campa a sus anchas como liberado después de un longevo encierro. Libre para expresar ideas de profunda humanidad. Porque frente a esos ramplones ruidos llamados "modas", éste tipo de música te hace más humano y mejor persona (o debería). Es un remedio infalible contra la superficialidad, incultura, egocentrismo y embrutecimiento de las esclavizadas masas. Que aceptan de buen grado y piden ellos mismos, su soma de falsa felicidad. 35 Tapes es pura medicina para el alma, y no hace falta receta ni prescripción médica. Rotundamente deliciosos.
J.J. IGLESIAS








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IFSOUNDS - Red Apple (2012, Melodic Revolution Records)

Cuando el interesado en los italianos Ifsounds accedía tiempo atrás a su portal oficial www.ifsounds.com y pinchaba sobre la sección “About Ifsounds”, pronto podía enfrentarse al siguiente texto: «1993-2000: La banda comienza su actividad tocando versiones (de Pink Floyd, Queen, The Police, etcétera) y algunas composiciones nuevas». 

Curiosamente esos tres grupos citados resultaban la base en 2008 de lo que Morpho Nestira atesoraba cual trabajo totalmente artesanal de los por entonces If y que se escapaba de las directrices convencionales de cierto rock progresivo encallado en el estándar. Habían pasado dos años desde el CD The Stairway y el guitarrista Dario Lastella, junto al resto del proyecto, caminaban ya a pasos agigantados. Morpho Nestira tenía un poco de todo y para todos, desde del rock duro con tintes melódicos (“You Need”) a la bossa nova experimental (“Morpho Nestira Part 1”), una estética musical colindante con la escena siniestra de los 80, aunque agrandando sus miras con cambios sinfónicos de persuasión probada (“10 Years Old”), o bello art pop escorándose al adult oriented rock contemporáneo (“Oceans Of Time”).


En septiembre de 2009 If cambia su nombre por el definitivo Ifsounds. El 1 de junio de 2010 aparece un recopilatorio gratuito que sirve de cierre para la “etapa If” y abre idealmente la “era Ifsounds”. Entre los temas del trabajo se ofrece una inédita composición titulada “Don Quixote”, creación que será la primera de Ifsounds y de su nueva formación con Elena Ricci y Enzo Bellocchio. 


Llega por tanto el momento de asentarse cual Ifsounds, y la mejor manera de hacerlo es ofreciendo un larga duración totalmente nuevo, sin perder la esencia de aquellos If pero vigorizando la etapa que se estrena con una visión todavía más abierta. Y eso es Apeirophobia, palabra que no sólo agarra con una sola mano los cinco cortes de este CD, ya que también pone título al bistec que se reserva esta pitanza musical. Las cuatro piezas que preceden a la extensa –rozando los treinta minutos– “Apeirophobia” sinceramente se asemejan a un proceso de preparación, de aclimatación a un ambiente cambiante que el oído inexperto necesita ir reconociendo con extremo cuidado y que desde los primeros compases nutrirá a los ya talluditos en estas experimentaciones o quiebros de tempo. Así, “Anima Mundi”, “Summer Breeze” –preciosa–, “Last Minutes” o la corta e instrumental “Aprile”, subían y bajaban por la montaña rusa que son sus planteamientos estilísticos en aquel 2010.


Pero centrémonos en Mela Rossa (apocalíptica obra literaria escrita precisamente por Dario Lastella, líder absoluto del conjunto), una narración que nos traslada al mes de noviembre de 2012. Se puede decir que el misterio de la historia arranca por medio de una frase premonitoria: «La manzana roja cruzará pronto esta ventana». Estas palabras son repetidas en Termoli, Italia, por cuatro pacientes autistas del terapeuta musical Gianni Vincenzi. Una de sus enfermeras sube a Internet uno de los vídeos que ha grabado a este cuarteto de chicos que, pegados al cristal de una ventana, no paran de agitar brazos y cabezas mientras repiten ese augurio que es casi ya un mantra para ellos. En pocos días la grabación que se ha hecho a estos muchachos recibe millones de visitas en la Red de redes y el vídeo se convierte en un fenómeno de masas a nivel mundial. Antes de que termine el mes de noviembre se empiezan a suceder terremotos e inundaciones de una punta a otra del globo terráqueo, algo que lleva a un gran número de sectas y de personajes “iluminados” a sacar la conclusión de que los jóvenes pacientes de Vincenzi están en realidad comunicándose con fuerzas alienígenas dispuestas a tomar nuestro planeta. Poco a poco la alarma crece y se alcanza a crear un Gobierno Mundial de Emergencia; incluso se llegará a tal extremo que un banquero, George Mason, presidente del Banco Mundial, dirigirá de forma dictatorial el Nuevo Orden Mundial con la única intención de impedir cualquier ataque extraterrestre, al igual que la más mínima alianza humana con los habitantes del exterior. Primer objetivo: neutralizar a Gianni Vincenzi y a sus cuatro muchachos, los chicos de la Manzana Roja.


Red Apple, el álbum discográfico, es un disco que, deudor con toda esa historia de ciencia ficción que se narra en Mela Rossa, y con muchas otras que nos han llegado a lo largo de los años vía libros, tebeos, películas, seriales televisivos o música, está plagado de cambios de registro para narrar instrumental y textualmente cada fase de lo escrito en papel. Hay arranques melódicos grandilocuentes y momentos de dramatismo encrudecido por unos acercamientos al metal rasposo, machacón y que casa perfectamente con la temática de “They Are Almost Here”. Los primeros pases de “Space Refugees” habrían danzado a gusto con el Frank Zappa de líneas de bajo a lo space-funk, mientras “The Crossing” flota en la bruma cual precioso arreglo instrumental de piano ejecutado con extrema delicadeza por Claudio Lapenna. Es por tanto este disco compacto un ambicioso proyecto que de seguro habría tomado una magnitud e importancia mayor si se hubiese logrado llevar a un escenario adecuado, ejecutándolo en vivo y en directo para cualquier amante de la sci-fi y el art rock que se precie de serlo.
por Sergio Guillén









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NEULAND - Neuland (2019 / PROPER)

Se pone fin a un negocio inacabado : Blue Room fue el proyecto de Peter Baumann y Paul Haslinger, ambos ex-Tangerine Dream, junto al cantante John Baxter. De ésa unión únicamente salió un promo de cinco canciones editado en 1993 por el propio sello de Baumann, Paragon. Al poco, el proyecto fue abandonado sin llegar a una edición oficial. Algo como lo que ha sucedido ahora pronostiqué cuando comenté  la inesperada vuelta de Peter Baumann, con "Machines of Desire" (2016).


Su unión con Paul Haslinger nos da como fruto inicial éste "Neuland" a considerar, y más siendo un álbum doble. En las primeras notas de "Cascade 39" (4'05) podemos respirar magia genuinamente tangerina. Pero si está al comienzo es precisamente para captar a esos oyentes que esperan justamente,  eso. Y no lo van a hacer a menudo. Melodías cripticas y misteriosas son puro Baumann de los 70, y la complicidad tecnológica de los dos sintetistas se hace patente. "Road To Danakil" (6'06) se asemeja a un misterioso soundtrack de inexistente film, en el que tú eres el guionista y director, (y productor ejecutivo, a menos que te lo regalen!). Cierta aura ritualīstica le da empaque y majestuosidad. Puede que se haya utilizado software y hardware de última generación,  pero el dúo sitúa su sonido entre finales 70 y mediados 80. "A World Apart" (4'11) no abandona ése particular mundo nuevo por explorar  (Neuland), en donde la química de los dos investigadores  se revela fructífera y fascinante. Minimalismo berlinés es definido en la delicada construcción de "Counting on Time"; (5'06). Música para un futuro paralelo, porque éste está claro que va lento, cansino y enfermo.....Con un diálogo que transmite esperanza, y originalidad de formas nebulosas.


Está claro que éstos dos históricos no viven del pasado. Y lo demuestran en "Dream 9" (7'15) y sus entretejidos rítmicos nada complicados, pero geniales en su sencillez y moldeo melódico que invita a la descripción mental automática. De nuevo sci-fi musical para adornar un film a su altura. "Liquid Sky" (4'54), como todas las piezas, parecen continuadoras de un mismo hilo narrativo. Donde lo enigmático y misterioso priman como prioridad sensitiva. Saben sonar avanzados sin parecer inexpugnables. De hecho, se escuchan con fluidez y tremendo interés,  como buenos artesanos de la electrónica al servicio del alma. Que se aplica con psicológica efectividad en "The Lost Cord" (5'21), en un modo similar al Vangelis de primeros 80.....hasta que el grifo de los graves se abre de golpe y cambia la orientación  hacia pautas surrealistas que recuerdan hasta al tratamiento "enosificado" del "The Lamb..." genesiano. Curioso. "M-Tron Fields" (3'28) , -olvida si crees por el título que se desempolva el mellotron- , es otra ensoñación  minimal de melodía a su mínima expresión y mayor efectividad. Nada fácil de conseguir. "Measure 3" (5'40) concluye el primer cd con retro-cosmic kraut que suena sin embargo, actual y atemporal al mismo tiempo. Es una de las que más recuerdan a la banda madre. Lo que me parece procedente y hasta necesario, dentro de un límite. En realidad, debería haberse titulado "Voices from the Past" (5'47), que es la que abre el volumen 2, sin que su título condicione a la música.  Bastante más en la línea del "Machines of Desire" de Baumann. Drones cargados de nostalgia traen "The Long Now " (4'25), en exposición que sorprende en su originalidad. Capacidad, ésta de la sorpresa, tan difícil como natural en éste dúo. 
"Moons Ago" (6'08) presenta una especie de danza ritual cyber-India, llena de calidez y sensibilidad......Dónde está aquel viejo cliché de la frialdad de las máquinas? Algo que es extensible al resto del álbum. Plácida,  pero sesuda escucha, como debe ser. 


No han querido Neuland ser una retro-copia de su nave nodriza. Para eso ya están los actuales Tangerine Dream. En su equilibrio para no abandonar algunas de sus señas de identidad, han seguido adelante con nuevo pulso, miras y estilo. Ofreciendo un álbum de muchas posibilidades, invulnerable al aburrimiento y que promete muchos rincones secretos por descubrir, en sucesivas y múltiples escuchas. Un excelente nuevo comienzo.
J.J. IGLESIAS







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