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BROTHER APE - Karma (2017)

Ponemos fin a estos señores suecos con su último trabajo de 2017 y también pensando en los diabéticos y en la repostería industrial con exceso de grasas saturadas.



 Los seres humanos salvo los políticos, los neoliberales, los estados patrioteros o los ideólogos y demás maldades, tenemos sentimientos y algunos hasta sensibilidad y diferentes fases en la vida que a veces duran minutos y otras, años. Las contradicciones en los individuos son habituales y hasta necesarias. Una cabeza inamovible es insoportable y yo he tenido épocas más jóvenes con rasgos de intolerancia musical y odios patológicos hacia otras expresiones artísticas que me resultaban repelentes. Afortunadamente con los años te haces “sabio” y ves que el mundo no termina en la punta de tus narices. Te haces fiel hacia esa actitud mágica que se llama “indiferencia” y no injerencia en asuntos que te son ajenos. No entrometerse, en una palabra. Pero esto también lleva una importante actitud de respeto hacia lo que no compartes. No hay nada más estúpido en la mente del ser humano que creerse la verdad absoluta de las cosas y la generalización negativa de las mismas. No hablo de empatizar porque eso es casi siempre una actitud de falsedad, sino de dejar en paz al mundo y a cada uno de nosotros. El mundo es lo que es y nadie puede hacer nada por cambiarlo. Pero sí que puede uno cambiarse a sí mismo. El amor-odio con ciertas músicas es algo más habitual de lo que la gente cree. Suele ocurrir conforme más música escuchas. Lo que en un momento resulta maravilloso en otras puede ser agotador dependiendo casi siempre del estado anímico en el que te encuentres. La bipolaridad musical es algo completamente normal afín a la inconsistencia del ser humano.

Brother Ape es un grupo para momentos de escasa profundidad que es habitualmente donde reside la alegría natural. La alegría natural es un don preciado que ocupa escasísimos momentos en nuestras vidas. Diría más, incluso rarísimos. Casi siempre nuestra actitud hacia la gente es de una felicidad forzada y antinatural que se mide por el grado de educación y cinismo de cada uno. Pero hay músicas que te liberan de eso: lo que yo denomino encantador que es precisamente esa alegría natural. Es como una bebida agradable una sabrosa comida, un  buen polvo sin prejuicios o una situación desternillante y absurda que te provoca la risa hasta llorar. Todo lo que nos hace reír es bueno salvo los que se ríen por crueldad que son demasiados desgraciadamente. 



“Karma” tiene momentos para que la música sea una digestión ligera. Aun en sus temas más cañeros hay espacio para el bienestar gracias a su forma de cantar y de acertar “ese punto” en la guitarra solista y en esa “decoración” sonora del resto de la instrumentación. Como casi siempre las ocho canciones que lo componen están perfectamente estructuradas en no alargarse demasiado. Buscan el efecto directo. No existe la introspección, sino tener el sonido que llene la habitación y que el ambiente sea agradable a la vez que dinámico. No te exigen una profunda atención. No es una música para “investigar” detalles. El efecto es global. Habrá momentos que no te apetezca escucharlos porque pertenecen al mundo prog de la superficialidad y en otros, y si en ese día te has levantado con buen humor, cumplirán su función sencilla de alegrarte y dependerá de la personalidad que nos haya poseído esa mañana. Que no siempre es la misma.
Alberto Torró 





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MYTHOPOEIC MIND - Mythopoetry (2019 / MM)

Que no se empeñen Prog Mag, Classic Rock, Mojo, Q y demás revistas británicas del gremio. El cetro progresivo de éste segundo renacimiento, es de Escandinavia. Que si lo situamos aproximadamente en 1995, va a cumplir pronto 25 años. Bastante más que la primera generación. 


Y dentro de ése maravilloso mundo escandi-prog, los noruegos Panzerpappa llevan aportando ya siete esplendorosos  discos entre el R. I. O más cuerdo y el Canterbury nunca olvidado. Su saxofonista-teclados, Steinar Børve, ha decidido poner en circulación un proyecto paralelo llamado Mythopoeic Mind. Para ello ha contado con una selecta plantilla de colaboradores con nombres trabalenguas,  casi todos miembros de bandas como Gentle Knife o Pymlico. Aprovecho para recomendarlos efusivamente. El mezclaje y mastering de éste debut, - que tiene un algo de inspiración-tópico Tolkien -, ha sido obra de Trond Gjellum (percusionista de Panzerpappa) y el casi mítico ya, Jacob Horn-Lupo (White Willow).

La "Prologue Song" (2'34) rezuma romanticismo y olor a naturaleza (con su puto polen y todo). "Prey" (6'52) ya entra en materia como unos Gentle Giant mutados con UK. La melodía vocal tiende al jazz rock, más british que yanqui. Así que algunos tics y arreglos suenan a clásico National Health, lo cual me llena de gozo y satisfacción. La guitarra homenajea a Holdsworth y los teclados son una exuberante jungla de sonidos analógicos bien queridos por todos los parroquianos que lean esto. Perfecta rola en su ejercicio canterburyano. Eso mismo mezclado con enigmáticas corcheas crimsonianas nos trae "Mount Doom" (10'14), que luego toma forma hackettiano-genética,  con una muy original melodía instrumental. 

Nada como un buen derroche de inspiración  para convencer al más escéptico de que éstos noruegos son "la nueva chica en la oficina prog". Y está buena que te cagas. Machismo? Comparar música hermosa con una bella mujer me parece el mayor de los analogismos. Y esto es música hermosa, vaya que sí,  sin envidiar a ninguna Miss 70s. "Train Of Mind" (6'39) vuelve a un pseudo-Canterbury gótico crimsoniano, donde aparecen los vientos de Steinar por primera vez. Dando agilidad al instrumental, con retozones bajos que, unido todo, recuerda poderosamente a Pekka Pohjola, uno de mis héroes finlandeses de siempre.


Otra sincera demostración  de amor prog 70s es "Sailor's Disgrace" (13'39). Retro de corazón,  con ganas de ganarse a la Yes fandom. Y sombras chinescas del "Lizard" del Rey Crimson, de Soft Machine en sus álbumes numéricos,  de eternas vibraciones sin fecha de caducidad. Porque el que hoy vende modernidad en el rock progresivo, todavía no se ha enterado de que va esto. Un género de pleno derecho. Y como tal, ha de sonar tan a 70s como se pueda. Como el be-bop a 40s, el rock'n'roll a 50s, el synth-pop a 80s o el grunge a 90s. Mythopoeic Mind, y toda Escandinavia, lo saben. Por eso son los putos amos del género, no le des más vueltas.

"Epilogue Song" (2'40) termina como empezó,  con paz espiritual y plena tranquilidad ante unos deberes bien hechos. Que quieren que les diga, un discazo.
J.J. IGLESIAS



 Temas
01. Prologue Song [0:00.00]
02. Prey [2:32.56]
03. Mount Doom [9:23.16]
04. Train of Mind [19:37.36]
05. Sailors Disgrace [26:19.04]
06. Epilogue Song [39:58.69]






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ANDY WATTS - Blues on fire (2018)

Viendo la portada de este disco ( personaje con botas de piel de serpiente y aspecto a lo SRV) cualquiera diría que estamos ante otro guitarrista tejano tocando blues. Pues  bien, acertaríamos sólo en parte. Efectivamente estamos ante un disco de blues pero el "guitar hero" procede de Israel.


Andy Watts nació en  Suecia pero desde hace mas de treinta y cinco años vive en Israel. A los doce años comenzó a tocar la guitarra. A comienzos de esta década forma Foreig Angels junto a Moshe Yankovsky (voz, batería), Niv Hovav (teclados) y Ilan Hillel (bajo). En 2012 Andy invita a Dov Hammer (armónica) para una de sus actuaciones. A última hora su batería no aparece y es sustituido por el hermano de Ilan, Alon Hillel. En ese momento se forma The Blues Rebels. El grupo toma cierta relevancia en su país y consigue colaborar con gente como  Lucky Peterson, Joe Louis Walker y Bernard Allison. También abrieron concierto para Johnny Winter en su gira por Israel. En 2015 se producen los primeros cambios en la formación, Amos Springer al bajo y Avi Barak a la batería. Ese mismo año editan su primer disco, "Open Road". Al año siguiente realizan una gira con Joe Louis Walker que sería su productor en su segundo álbum, "Voodoo land".




"Blues on Fire" es el primer disco en solitario de Andy Watts grabado en los estudios Ozen Muzikalit. El disco se inicia con el instrumental " Full Throttle", sonido "Texas blues" contando con el apoyo de Elad Gellert (saxo),  Gregory Rivkin  (trompeta) y el teclista Eyal Klein.  En "Blues on Fire" tenemos como cantante a Joe Louis Walker, guitarrista americano de blues. La guitarra de Andy palpita blues de calidad con el Hammond de Klein de fondo. 





"Looking For Somebody" es un tema de Peter Green cantado por el bajista de la banda Ilan Hillel. Sin duda es una de las mejores versiones de las que Andy presenta en este LP. Llegamos al icónico tema de Stevie Ray Vaughan, "Rivera Paradise", aunque la guitarra de Andy esta bastante correcta a mi entender le falta algo de fuerza sentimental. En "I Got The Same Old Blues" el trabajo vocal está a cargo de Roy Young con el refuerzo guitarrero de Ronnie Peterson. BLUES con MAYUSCULAS

En "Voodoo Chile" (J. Hendrix)  el vocalista es Dov Hammer  que también toca la armónica. Como bajista tenemos a Amos Springer y el batería es Avi Barak. La versión que se marca es bastante original con "duelos-diálogos" armónica-guitarra.
 "Junkies, Monkeys & Donkeys" es un tema de la banda israelita de los años setenta Jericho Jones cuyo cantante Danny Shoshan participa en la grabación. Mezclando jazz y blues, siempre se han llevado muy bien. La grabación finaliza con "Who Knows" otro cover de Hendrix donde Andy Watts lo borda en un ambiente de jam session con el Hammond de Klein y la trompeta a lo Miles Davis de Gregory Rivkin.
J.C.Miñana






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FIFTY FOOT HOSE - Cauldron (1967 / LIMELIGHT) (Serie Pioneros)

Más hippie-combos que flirtearon con la electrónica en plena ebullición psicodélica. De las cenizas de una banda r'n'b llamada Ethix, nace en San Francisco, Fifty Foot Hose. 


 Como Ethix, ya habían lanzado un salvaje single entre garage-desquiciante y experimental-irritante, titulado "Bad Trip" (todo dicho), en los comienzos de 1967. Ahí ya está la semilla de FFH que Louis Cork Marcheschi, bajista y fundador, hace fertilizar. Junto a David Blossom y Larry Evans (guitarras), Nancy Blossom (mujer de David y voz solista) y Kim Kimsey (batería). Comienzan a fabricarse sus propios artilugios para hacer ruidos raros, y graban una demo de dos temas que atrae la atención de Limelight,  subsidiaria de Mercury. Así saldrá "Cauldron" a finales del 67. Como era de esperar,  "aquello" no vendió gran cosa. Y eso que fue bien promocionado abriendo conciertos para Blue Cheer, Chuck Berry o Fairport Convention....extraños headliners, pero donde metes a una banda como FFH en 1967?! Se disolveran en 1969, cuando la mayoría de la banda se unen al musical de moda, "Hair". También Nancy Blossom tendrá un importante papel en otro musical del momento, "Godspell".

La intención de FFH fue visionaria. Expandir los límites del rock'n'roll a través de la electrónica. En realidad eran una psych band de las que había cientos por entonces en su área. Pero la influencia del movimiento Dada, Varese, Russolo o Cage los hacía diferentes. Con sus trastos custom,  audio-generadores, Hoener Echolette, algunas cajas de proto-efectos y dos theremines. Uno de fabricación propia y otro comprado a un vecino que lo utilizaba para acojonar a sus vástagos el día de Halloween.... (éstos hippies....). Además, muestran alevosía anárquica mucho antes de eso del Rock In Opposition. Un empresario niquitoso exigía que fueran más de seis para cumplir con su contrato de "orquesta". No se lo piensan demasiado. Contratan a última hora a un sitar, dos trompetas, un saxo y un organista. Lo que pudo salir de allí no me lo imagino,  pero el dueño del club debió arrepentirse de su excesivamente estricto celo con las cláusulas contractuales.


Los burbujeos dronicos de "And After" ya avisan de ése aire futurista que tratan de comunicar desde la portada. Es un disco de su tiempo. Sencillamente maravilloso. Una mezcla mutante de Jefferson Airplane (a veces también con voz solista masculina) y sonidos proto-krauties, con un delicioso encanto naive. Escuchen "If Not This Time" sino, que es como si Hawkwind se hubieran metido en plena grabación del "Volunteers", para boicotearlo con sus delirios sonicos alucinados. "Opus 777" u "Opus 11" son pequeños arrebatos pre-schulzianos de segundos.

"The Things That Consern You" me la imagino en vivo, con la pureza de las drogas de entonces, y en un concierto junto a Blue Cheer....sinceramente,  no me extraña que más de un hippie old school se quedara "gaga" vitalicio. Curiosidad: el riff de guitarra es muy similar al "Space Truckin'" de Deep Purple, uhmmm...."Red The Sign Post" es la perfecta mezcla psicodélica con mobiliario electrónico de primera generación. Una sorprendente versión de "God Bless The Child" de Billie Holiday, tratada gamberramente con los electro-trastos irreverentes sonando a destajo. Pero Nancy canta más que bien, y la banda no son ningunos mediocres. 

En "Fantasy"(10'08) se atreven a superar la barrera de los tres minutos por canción. Con hipnóticos resultados y valentía de desarrollos cercana a Iron Butterfly. También en "Rose" (5'03) o la pesadillesca "Cauldron" (4'55). En la reedición en cd se incluyen la demo de dos temas y el inicial single "Bad Trip" de los Ethix. Decisión que se aplaude.


En 1995 se reformaron para una serie de conciertos por San Francisco, con nuevos miembros pero sin olvidar sus futuristas planteamientos. Llegando a editar tres álbumes entre el 97 y 98. El crítico Ralph J. Gleason llegó a decir en su reseña de "Cauldron" : "No sé si es inmaduro o prematuro". La espontánea mezcla de los dos factores hizo posible la magia, para crear un clásico menor.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. And After 00:00
2. If Not This Time 02:08
3. Opus 777 05:47
4. The Things That Concern You 06:09
5. Opus 11 09:39
6. Red the Sign Post 10:05
7. For Paula 13:05
8. Rose 13:32
9. Fantasy 18:39
10. God Bless the Child 28:53
11. Cauldron 31:39

Plus

12. If Not This Time (demo) 36:35
13. Red The Sign Post (demo) 40:15
14. Fly Free (demo) 42:34
15. Desire (demo) 45:16
16. Bad Trip - THE ETHIX (33 rpm) 56:57
17. Skins - THE ETHIX 1:00:22
18. Bad Trip - THE ETHIX (45 rpm) 1:02:48








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YOUNG FLOWERS - Live (1969)

Hace ya cinco años, como pasa el tiempo, que comentamos el primer disco de Young Flowers, "Blomsterpistolen". Hoy los recordaremos donde mejor demostraban su fuerza y garra rockera, en concierto.


Jens Dahl (guitarra) y  Ken Gudman (batería), antiguos miembros de The Defenders, forman la banda en 1969 en Copenhague junto al bajista  Peter Ingemann (Seven Sounds). Ese mismo año editan su primer sencillo, "Like Birds" y Dahl deja al grupo siendo sustituido por Peer Frost (Les Rivals). En el 68 componen la banda sonora de una película para televisión. Parte de este material sería publicado en su primer LP, "Blomsterpistolen" (1968). Su segundo álbum llega en el 69, "Nº 2". Ese mismo año realizan gira por Estados Unidos y Canadá. En 1970 se separan. Peer Frost entraría a formar parte de Midnight Sun y posteriormente en Savage Rose. Por su parte Ken Gudman se uniría a  Culpepper's Orchardy.



Gracias a Karma Music, sello discográfico especializado en rescatar joyas del pasado, podemos disfrutar del directo de Young Flowers en el Århus Stadionhal de Dinamarca, celebrado el 25 de septiembre de 1969. Su música  es rock blues de la mejor calidad al estilo de Cream o Hendrix. Su primer tema "Wake Up This Morning" nos recuerda claramente al grupo de Clapton. En su día se les conocía como los Cream daneses. El blues llega en  "I want to Know" y "3 Birds". "Hey princess" desfase guitarrero con "wah wah". La baladita la tenemos en "Tonight".  Sonidos "hendrixianos "  en "Won't You Sit Down" y sobre todo en "Kragerne Vender" donde la locura en el uso del "wah wah"por parte de Peer Frost   se desata. En este temas también podemos escuchar los correspondientes solos de Peter Ingemann (bajo) y Ken Gudman (batería). Sonido aceptable.
J.C.Miñana



Temas
1    Wake Up This Morning     5:33   
2    I Want To Know     8:36   
3    Hey Princess     4:29   
4    Tonight     3:23   
5    Won't You Sit Down     7:05   
6    Kragerne Vender     15:45   
7    3 Birds     8:25  






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NUMEN - Cyclothymia (2019) (Entrevista-Análisis) (Rockliquias Bandas)

El pasado 30 de marzo (2019) los alicantinos Numen publicaron su tercer disco, "Cyclothymia". Nos pusimos en contacto con ellos para que nos hablaran de su trabajo.



Rockliquias.- ¿Cómo elegisteis el nombre de la banda?

Escoger nombre es un asunto difícil. Hasta que das con ello, surgen muchas ideas y conceptos que se descartan rápidamente por alguna razón. Uno de los requisitos que nos impusimos fue que el nombre se basara en una palabra válida tanto en español como en inglés. Que fuera breve y directa, fue otra premisa. Numen junta ambas cosas con su sentido artístico más hondo. Este término se identifica con el ingenio y la inspiración en las artes. Nuestro bajista, Víctor, gran amante de la poesía, lo propuso, gustó y se aceptó sin reservas.

Rockliquias.- En 2017 comentamos en Rockliquias vuestro segundo disco, "Numenclature” (2014) ¿Cómo os ha ido durante estos años? 

Estos años han servido para rodar la banda y volver a coger “tono muscular”, por así decir. Dentro de las dificultades que existen en la actualidad para ejercer esta profesión, no podemos quejarnos sobre cómo nos ha ido. Claro está, que nos hubiera gustado participar en algún festival del género, a parte del Tótum (2017), del cual fuimos partícipes, y presentar nuestra música a lo largo y ancho de nuestro país y, ¿por qué no?, fuera de nuestras fronteras. No obstante, entendemos que, perseverando, lo conseguiremos en algún momento de nuestra carrera.

Rockliquias.-¿ Qué supuso la entrada de Marcos Bevià (guitarra)?

Difícil y fácil pregunta a la vez. Difícil porque todo cambio, en un principio, presenta dudas sobre la idoneidad del reemplazo de un músico por otro, especialmente en una banda que desde 1992 hasta 2014 había mantenido a todos sus componentes. En su momento no sabes cómo afectará al sonido y lenguaje del grupo. Por otra parte, fácil porque todas esas dudas se resolvieron positivamente en un plazo breve de tiempo. Creo que es manifiesta la aportación de Marcos para aquellos que hayan escuchado Cyclothymia o hayan asistido a alguno de nuestros conciertos.


Rockliquias.- Musicalmente ¿Cómo habéis evolucionado?

Si te refieres desde la primera etapa que se cerró en 1999 con la publicación de Samsara, bastante. En los 90, Numen era una banda de chavales con la frescura que da la osadía, la juventud y, también, el desconocimiento propio de esa edad. Hoy en día, se nos supone más maduros, o eso creemos nosotros. Todos hemos desarrollado, a pesar del lapsus de tiempo, nuestra faceta musical de una u otra manera, y eso debería notarse. En todo caso, es difícil responder esa cuestión ya que ninguno de nosotros puede valorar este aspecto con la suficiente objetividad. El público deberá pronunciarse acerca de ello.

Rockliquias.- Para vuestro último trabajo, "Cyclothymia" (2019), habéis vuelto a utilizar la fórmula del crowdfunding. ¿Qué tal la experiencia?

Con Numenclature (2014), también lo hicimos. Funcionó en aquel entonces y volvimos a usar esta fórmula para Cyclothymia. La experiencia ha sido en ambas ocasiones buena. Una banda, como la nuestra, que está más de doce años inactiva, acusa la pérdida de seguidores. Hubo que dedicar mucho empeño mediante el uso de las nuevas tecnologías y las redes sociales para movilizar especialmente a antiguos amigos y conocidos que vivieron la publicación de Samsara.

Rockliquias.- ¿Nos podéis contar detalles de la grabación? 

La producción, tanto ejecutiva como artística, básicamente ha recaído en la misma banda. La mezcla se realizó en el Estudio 79 (Jerez de la Frontera) por Rafa Camisón, gracias a la escucha del último trabajo de El tubo elástico, Impala. Nos gustó mucho el resultado final de aquel álbum, lo que facilitó la decisión de trabajar con Rafa por medio del email y el Whatsapp. Genera muchas dudas confiar un trabajo complejo como este a una persona que no conoces personalmente y con el que toda tu relación va a pender de un teléfono o un ordenador. Ha sido un desafío bonito, novedoso y con un resultado satisfactorio. Rafa resolvió la situación fenomenalmente; un proyecto con temas de hasta quince minutos y más de cien pistas no es fácil abordarlo en las circunstancias citadas. Volveríamos a apostar por él con toda seguridad.

La masterización fue llevada a cabo por Kadifornia Mastering (El Puerto de Santa María). Alberto, su responsable, posee un gran bagaje y el aval de El tubo elástico y Rafa Camisón. Fue otro gran acierto. Ahí esta el resultado.


Rockliquias.- ¿Quién ha sido el encargado del apartado gráfico?

Un artista amigo nuestro, Manny House. Enseguida captó el concepto sobre el que principalmente versaba este álbum: los cambios anímicos maníacos y depresivos que todo ser humano vive en algún momento de su vida. Esa dualidad se refleja en la portada y contraportada del disco, ambas repletas de simbología relacionada con este tema y peculiaridades de la misma banda. No desvelaremos nada sobre ello, pues deseamos que el comprador de Cyclothymia construya su propia hipótesis sobre los elementos que descubra en el artwork.

Rockliquias.- ¿Qué significa "Cyclothymia"?

Cyclothymia es un término relacionado con alteraciones en los ciclos maníaco-depresivos considerados como normales en la vida del ser humano. La ciclotimia es una versión leve del trastorno bipolar.

Rockliquias.- El disco comienza con "The Man with the X-Ray Eyes", un tema muy en la línea del progresivo de los ochenta de grupos con Marillion.

A estas alturas, ya estamos acostumbrados a que se nos relacione con Marillion, Arena, Jadis, Galahad, Pallas, etc. No son malas bandas en absoluto, por lo tanto, la comparación debe interpretarse como positiva. Es cierto, por otra parte, que el término neoprog no siempre se aplica de forma positiva por sectores del público prog, no obstante tales pensamientos no son más que prejuicios subjetivos. En definitiva, lo único que nos importa es la música en sí más allá de cualquier etiqueta que se nos aplique; si esta conmueve y deleita al oyente, ¿qué más se puede pedir? Nosotros siempre hemos dado rienda suelta a nuestra creatividad, eso sí, desde la aplicación de una alta dosis de autoexigencia , con un solo objetivo que consiste disfrutar al expresarnos artísticamente. En cualquier caso, nuestra música está relacionada con la forma en la que sentimos.

Rockliquias.- "Some Faith" , con un inicio muy "genesiano",  es un medio tiempo de gran belleza tanto vocal como instrumental. ¿Cómo estructuráis el trabajo compositivo?

Los temas parten siempre de una idea personal que luego es trabajada y desarrollada por el resto de la banda. Las aportaciones de los distintos miembros enriquecen la idea inicial y ofrecen un abanico de posibilidades que se prueban, se descartan o se integran en la plasmación final de la canción. No siempre es fácil dar con la solución final. Hay temas que necesitan reposo y, en ocasiones, nevera. Some faith, que es el tema en cuestión sobre el que nos preguntáis, parece fácil, pero no es así; llevó bastante tiempo estructurar los arreglos para que la curva de tensión fuera en crescendo. Hacer un tema en primera instancia “sencillo” no es una labor fácil, aunque se piense lo contrario. Los que nos dedicamos a la composición sabemos de sobra que hacer algo de calidad y simple al mismo tiempo conlleva mucho esfuerzo.


Rockliquias.- "A Cosmic Prayer" es uno de los temas estrellas del disco. Diálogos cósmicos entre teclados y guitarra completados con una excelente labor rítmica y por supuesto con la fuerza vocal de César Alcaraz.

Este tema es una llamada a la esperanza entre cierta desolación e incertidumbre relatada en el álbum. Reclama todos aquellos sentimientos y emociones que el ser humano anhela. Su relación con la contrapartida del disco es manifiesta. Es nuestro “Padre nuestro” particular.

En cuanto a lo meramente musical, aunque no sea obvio, se recrea en esa estructuración armónica sencilla a base de crear ciclos o bucles, y que se encuentra en muchos temas de Rush. Es cierto que no tiene el mismo carácter, pero negar la inspiración y la admiración que esa banda nos provoca sería mentir. Todos los elementos musicales están diseñados para evitar resultar redundantes y pesados. Como bien dices, ritmo, solos y voces son las patas sobre las que descansa el tema.

Rockliquias.-"Cyclothymia" es la composición más larga de la grabación con más de 14 minutos. Oscuro e intenso con diversos espacios sonoros donde la maraña de teclados envuelve una atmósfera inquietante que poco a poco va evolucionando. ¿Quién es el encargado de las letras y de donde nace la inspiración de su profundidad?

Cyclothymia es un tema realmente inspirado. Esta mal que lo digamos, pero la sonrisa que se nos escapa cuando pensamos en él nos delata. Es el tema más redondo que tenemos. Es intenso desde principio a fin. Es un reflejo de esa madurez citada al principio de esta entrevista. Quizás, los astros se alinearon en el momento adecuado. No te deja descansar pues emana de la misma desesperación humana. Es un grito de auxilio, una búsqueda de consuelo o de un clavo al que agarrarse cuando uno toca fondo. Este tema nace del alma misma.

Su redondez es peligrosa, por otra parte, porque la expectativa que puede generar su superación en un trabajo próximo es todo un reto. Es una navaja de doble filo.

Sobre la letra, esta se divide en dos partes. La primera está escrita por nuestro teclista, Manuel Mas, y la segunda, por nuestro cantante, César Alcaraz. El texto y la música van a la par en el relato que podéis escuchar.

Rockliquias.- "Lady of the Winds" menos bucólica que las anteriores con sonidos a lo Wakeman y toques acústicos de guitarra a lo Mike Oldfield.

La guitarra da un color algo más local, más nuestro, junto con la inclusión de percusión de las sonajas y el cajón. Pueden percibirse guiños a la rumba, al bolero, etc. especialmente en la parte instrumental central. El resto ahonda en lo folk y atmosférico: el tema se desliza por diversos colores tímbricos, rítmicos y armónicos. Por otro lado, este es un tema que conjuga diversas emociones, todas ellas relativas a nuestros hijos, la infancia, la inocencia.

Rockliquias.- El disco lo cierra "Footprints", sonoridades a lo IQ, Pendragon o Marillion ¿Cuáles son vuestras referencias progresivas?

Es posible que este tema sea el más neoprog, como bien dices. Está en la línea general del sonido de Numen. Es un buen broche para cerrar un álbum muy emocional, ya que se caracteriza por aspectos que aparecen en los temas de todos nuestros trabajos, es decir, especial atención a lo temático y melódico, a la articulación y respiración de las distintas secciones, al detalle tímbrico, etc. En cualquier caso, Numen trata a cada uno de sus temas con especial dedicación. El más mínimo detalle se piensa.

Sobre las referencias progresivas, cada miembro te daría un listado personal. Donde todos coincidimos es en resaltar la admiración que sentimos por los clásicos del género.


Rockliquias.- ¿Qué tal la presentación en San Vicente del Raspeig?

Estupenda. Que un ayuntamiento te incluya en su oferta cultural es todo un orgullo y un privilegio. La asistencia fue francamente buena, especialmente si consideramos que el progresivo es una más de las manifestaciones underground de nuestros días.

Este concierto sirvió para presentar nuestro tercer trabajo y repasar los dos anteriores. Es el final de un ciclo y el inicio de otro.

Rockliquias.- ¿Tenéis fechas para próximos conciertos?

De momento, no. Esto se debe principalmente al hecho de que Numen quiere reinterpretarse y replantearse como proyecto. Nos apetece investigar y recorrer ciertos campos sonoros y estéticos que Cyclothymia muestra fugazmente. No obstante, hay promotores de festivales prog de dentro y fuera de España interesados en nuestra participación y, si sale la oportunidad, tendremos que estar listos para aprovecharla. Cyclothymia es un álbum que no ha dejado indiferente a quien lo ha escuchado y eso se nota; críticos, promotores y vendedores del género se han interesado en nosotros de forma natural y sin insistir en demasía. Este trabajo ha supuesto para nosotros que esa atención buscada en los dos discos anteriores, especialmente en el mundo anglosajón, fuera más fácil.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

La mejor manera es invitarlos a que escuchen nuestra música. No hay excusas para no hacerlo. Existen multitud de plataformas mediante las que aproximarse a Numen: Spotify, Youtube, Facebook, etc.

En nuestra web www.numenmusic.com y en numenmusic.bancamp.com pueden escuchar todos nuestros trabajos gratuitamente y ponerse en contacto con nosotros, y si les gusta, apoyarnos. Lo que hacemos cobra sentido y es premiado cuando el público disfruta con ello.


Contacto:

Página Oficial: http://www.numenmusic.com/




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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SYNDONE - Melapesante (2010)

Echando la vista atrás hay un fenómeno que nunca he tenido muy claro: si tenemos en cuenta la importancia que tuvo el rock progresivo durante la década de los 70´s, cómo es posible que exista tan poca bibliografía al respecto si lo comparamos con otros estilos de música. 



También podemos precisar otra cuestión: este movimiento tuvo mucha menos acogida en sus países de origen que en el resto del mundo. Esto da que pensar. En Inglaterra por ejemplo el rock sinfónico es odiado por la mayoría de la crítica musical y por algunos músicos que la crearon. Lo que puede parecer una delirante contradicción es una dura realidad. Los anglosajones son un pueblo extraño. Crean las cosas más interesantes y luego aborrecen de ellas. Una forma de escepticismo, ironía y reírse de su sombra forma parte de su caracter. Este fenómeno puede ser normal en España pero en otro sentido porque la base musical que tenemos es mínima en comparación con otros países. Nosotros salvo el flamenco que es la única música que hemos exportado al mundo incluso adaptado para la música clásica no tenemos ninguna otra base cultural como sucede en otras partes del mundo. Eso si nuestro humor es muy bestia y nada sofisticado. Nuestra expresión cultural más popular es la copla y la pachanga. La fina ironía aquí cuesta cazarla. Desgraciadamente la tradición sinfónica europea apenas pasó por aquí si exceptuamos a nuestros dos más grandes compositores de prestigio: Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo. Hay alguno más claro, pero sin la relevancia de estos dos. Nuestra aportación al rock progresivo, al jazz o al folk o a otras músicas “honorables” están más dentro de lo pintoresco o anecdótico que otra cosa. Siempre tremendamente minoritario. De joven esto me resultaba doloroso, de mayor me puede la indiferencia porque entiendo que no hay remedio. Admiro a los pueblos de América del Sur por la sensibilidad y actitud demostrada hacia las músicas de calidad. Tienen bandas estupendas de rock progresivo y rock sinfónico. Además, todos los grandes grupos de la historia han pasado por ahí a lo largo de las décadas. No podemos decir lo mismo en esta tierra que si bien hemos tenido buenos conciertos y un público entregado y entusiasta, raramente invertimos en cultura por desinterés y sobre todo por ignorancia con el rechazo consecuente a ello. No todos somos así, hay que decirlo. Hay buena gente en mi país y buenos amantes de la cultura los mismos que hacemos lo posible para no hacer demasiado el ridículo fuera de nuestras fronteras. Italia es un caso aparte: allí los grupos de buena música abundan. Quedan unos cuantos discos de Syndone por comentar en las próximas semanas y daré por aparcado el prog italiano porque si no se va a hacer interminable y hay otras partes del mundo que son interesantes de destacar.

Con 17 años de diferencia entre “Inca” y “Melapesante” la banda de Nik Comoglio ya parecía una historia olvidada. Nunca se sabe que ocurre en realidad en la mente de un músico, pero se repiten historias como ésta dentro de este estilo con mucha frecuencia. En 2010 pasan a ser una orquesta de 16 integrantes que cubren un amplio abanico instrumental con la idea nítida de hacer música a lo grande que encaje con lo antiguo pero con una frescura compositiva completamente renovada y lejos de repetirse. La temática de este trabajo es variada con sugestivos títulos: “Melancolía de Ofelia” “Allegro Feroce” “Magritte” etc. Con el clásico sonido vintage de teclados analógicos para que los sinfónicos no saquemos pegas como siempre. Vuelvo a repetir que Keith Emerson estaría contento con una banda que le recuerda constantemente pero no nos engañemos que Syndone tienen su sello indiscutible de RPI y una buena y variada fuente de donde sacar ideas incluso dentro de un buen avandgarde de rock de cámara hacia las formas complejas de la música clásica contemporánea. Aquí hay muchísimo sonido y vericuetos implicados que exigen una adecuada audición. El canto en italiano de Riccardo Ruggeri tiene una bonita voz se adapta bien a las no muy largas pero complejas composiciones.



 Pensemos en 47 mtos repartidos en diez cortes. Tendencia épica por supuesto y cierto drama lírico típico de esas tierras no está ausente, así como exquisitas partes acústicas de guitarra, piano, flauta y vibráfono. En general huyen de tópicos y las canciones a veces tienen giros inesperados y eso le da mucho interés reduciendo el margen de lo previsible que todo prog veterano y experimentado lleva en la cabeza, hasta el punto de adivinar por la forma musical a que conclusión y desarrollo va a llevar cada canción. Con las músicas convencionales esto es fácil de prever pero con el rock sinfónico no, salvo que lleves un archivo mental impresionante. Toda la música llamémosla “normal” o convencional se basa en unas plantillas casi siempre similares. Es un modelo de fábrica ya hecho y el músico solo hace que rellenarlo: ahí tienes el rock básico y todas sus etiquetas surrealistas para adaptarlo a los tiempos, todo el pop, el blues, las baladas románticas y hasta el jazz standard y las bandas sonoras. El esquema es como un troquel “oficial”. Como un formulario-tipo donde los acordes las notas y los ritmos ya están en un orden determinado donde solo tienes que seguirlo y los más valientes reinterpretarlo. Todo destinado al fácil consumo. Si amigos todo lo que oímos fuera de los círculos libres de música minoritaria está inventado y lo peor: disciplinado para que no se salgan del guion. Os contaría anécdotas pero no viene al caso. Syndone hacen su propia mezcla y lo que les viene en gana y por ello me gustan.
Alberto Torró 









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BROTHER APE - Force Majeure (2013)

Dicen los psicólogos que los seres humanos decimos de promedio unas cien mentiras al día. Un estudio antropológico defiende la necesidad de la mentira como medio de supervivencia en un mundo basado precisamente en eso: en la falsedad. 



Es curioso sin embargo que todos defendamos la honestidad y la sinceridad sin darnos cuenta de que estamos esperando al incauto inocente que se muestre como tal para crucificarlo y apedrearlo sin misericordia. Así somos de encantadores. Pedir honestidad en este mundo es invitarte a subir al cadalso. Mentir y fingir es un signo de inteligencia por muy despreciable que parezca. Pero no os voy a mentir si os digo que los Brother Ape a lo largo de este experimento que llevo de escuchar por primera vez y comentar luego, aprecio un balance de que nos encontramos en realidad con un trío de pop-rock sinfonizante que basa la estructura de canción con originales arreglos. Se hablaba como ejemplo de Moody Blues como pop sinfónico y realmente lo eran, pero sus estructuras eran bastante sencillas al igual que la Barclay James Harvest. El pop rock es una cosa muy simple donde en interés recae exclusivamente en la melodía y lo instrumental es mero arreglo y acompañamiento. Si las melodías son malas como ocurre en la práctica totalidad de la música actual ya no queda nada que escuchar. Lo que escuchamos hoy ya no es que sea solo malo es que además es desagradable. Yo creo en la importancia de que la música se trabaje y se haga atractiva independientemente de su complejidad o de su sencillez. La fórmula de Brother Ape es esta: buenas melodías y un aditamento instrumental inteligente para que además sea asequible. No es nada fácil esto que os comento porque se requiere una buena base técnica y buena dosis de imaginación a la vez que una facilidad para la melodía.



“Force Majeure” es probablemente su disco más alegre y atractivo porque vuelven a lo que mejor se les da: sus armonías vocales y su capacidad melódica. Después del patinazo de su cuarto disco “Turbulence” tanto el anterior como este vuelven a los cauces establecidos y a alegrarnos el oído. Tras la breve y encantadora introducción las nueve canciones restantes se mueven entre los 5 y 6 mtos de promedio con ese peculiar sonido tan agradable que los caracteriza y con un sinfín de detalles en la composición donde privan los arreglos minuciosos y la vibrante rítmica de una batería muy marcada con rápido empleo del charles. Los teclados son como el arte decorativo minucioso con detalles aquí y allá, siempre con pinceladas muy armónicas. La guitarra lleva siempre el pulso principal solista perfectamente insertada en cada momento. Hay piezas emocionantes como “Doing Just Fine” y ahora firmaría yo porque todo el pop rock tuviese esta calidad y este encanto. Habrá a muchos que como en el caso de otras bandas como Moon Safari os parezcan demasiado dulzones y hasta algo moñas y eso que la instrumentación no tiene nada de blando o de tópico baladista al uso. El equilibrio está muy bien pensado y ellos pretenden exactamente ese efecto casi cariñoso y tierno en las voces. A muchos nos gustan a veces las deliciosas mariconadas musicales, pero como todo, entiendo que también pueda ser repelente para algunos. Para gustos los colores. 




Hay una curiosa canción llamada “el prisionero español” con acústicas en ristre y algo de post-rock-aor en el saturado estribillo. “After Rain” es una melosa y decadente canción con arreglos orquestales casi a los años 60 y emotiva cadencia sinfónica que sirve de final a un disco absolutamente agradable con los aciertos e inconvenientes que pueda llevar eso. Ya veis que  hasta la música forma parte de la mentira y de la ilusión de un espejismo. 
Alberto Torró 






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