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STEW - People (2019 / RIPPLE)

Adelantamos en ésta ocasión la máquina del tiempo hasta el presente, para presentar a un joven power trío que viene de Lindesberg, Suecia. Como no, la nueva tierra prometida del rock'n'roll, que está salvando de la abulia y el aburrimiento al resto del planeta. 


Stew lo componen Markus Asland (voz solista y bajo), Nicklas Dahlgren (batería) y Nicklas Jansson (guitarras). En 2018 presentan su EP "Hot", y es ahora con "People", cuando lo hacen en un larga duración. Nada de paja ni relleno en éste redondo,  todo aprovechable. Gustan en su estilo de un muy melódico hard blues con pinceladas psych, que no se conforma con las típicas tonadas del blues al uso, abriendo el espectro hacia vertientes progresivas. Y eso me gusta. 

Una intro de espacial guitarra propia del "Electric Ladyland", nos mete en harina con "Right on Time", y advertimos que la voz de su bajista es tan apta como su técnica al bajo. Pesado hard rock bluesero de recuerdo para los primeros Black Crowes, aunque más concretamente,  los veo más centrados en la Inglaterra 70s de Groundhogs, May Blitz o Clear Blue Sky. Para empezar......TOCAN, y cómo. "People" sigue en ésa onda que han revitalizado en los últimos tiempos Zodiac, Siena Root, Three Seasons o Magnolia (y medio millón más).


En "Newborn" continúa la eterna esencia de los 70, convincentemente lograda, sobretodo en sus inesperados cambios y giros arreglisticos. Realmente progresivos, poderosos y muy emocionales. Aquella magnífica banda americana llamada Cry of Love me viene a la mente al escuchar "Endless Journey", e incluso Whitesnake (old times) en su cambio melódico.  Por ahí suena algo muy parecido a un órgano de fondo, que se suma a la riqueza de ideas que exhiben Stew. La guitarra es de estudiados solos y líneas melódicas con sentido. No se me va de la cabeza la banda de Coverdale en "Play the Fool", la antigua, basada en blues rock musculado y firme base soul. Sección de ritmo que da gusto seguir, y una solista que que gusta recordar al tío Stevie Ray en más de un guiño. "Goddess" recula a la psicodelia ácida británica de Steamhammer, Samuel Prody, Leaf Hound o Armageddon, en iguales tesituras de calidad instrumental / sentimental. Una auténtica gozada para los sentidos la que proponen éstos tres suecos. Que en vivo éste material tiene que irradiar fuego sagrado, no te quepa la menor duda. 

Más calmado es "Afraid of Getting Nowhere", bluesazo de subida testosterona, cantado con la convicción de los más grandes, - éste Markus Asland podría ganarse el sueldo con las cuerdas vocales, sin necesidad de las físicas-. Y con el refinamiento solista de Jansson reafirmando la tremenda valía de Stew. El soul se encarga de empapar "Sweet and True", con hard blues de contundente pegada, gracias a ésa máquina rítmica  que es Nicklas Dahlgren, y sus baquetas de plomo. Estamos ante un trío como los de antes, con tres imprescindibles elementos en juego.

Esencias hendrixianas se perciben en "Fruits", con progresiva resolución psicodélica,  que saben modelar con tradición de artesano pero aportando frescos planteamientos. Otro de los temas destacados,  y hay muchos aquí. Esto es enteodélico, cosmodélico y psicolítico  (relativo chamánico, que libera el espíritu).


Terminan la sesión con acústicas en el jardín del edén,  y la bella voz acariciando "Morning Again", como un outtake en Bron Y - Aur, que nos deja en paz y con ganas de más material de Stew. Increíble debut, a destacar en éste año que ya entra en su recta final.
J.J. IGLESIAS


Temas

1.Intro 00:32
2.Right On Time 03:08
3.People 03:38
4.Newborn 03:33
5.Endless Journey 03:43
6.Play The Fool 02:53
7.Goddess 04:55
8.Afraid Of Getting Nowhere 04:15
9.Sweet And True 03:29
10.Fruits 03:54
11.Morning Again 03:17







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Peter Frampton Band ‎– All Blues (2019)

La figura de Peter Frampton me trae recuerdos de mi adolescencia cuando, con mi amigo J.J.Iglesias, íbamos todos los sábados a la tienda de discos. No siempre teníamos dinero para comprar algún disco pero  nos habíamos ganado la confianza de la dependienta para que nos dejará escuchar lo que queríamos. En una de esas visitas vi en el escaparate el "Frampton Comes Alive!", un doble cassette (todavía no tenía tocadiscos), que venía en un estuche. Uff el precio inalcanzable para mi en ese momento, unas quinientas pesetas ( no llega a cuatro euros). Rápida visita a mis abuelos, que tengo que decir que contribuyeron notablemente a mi formación musical. La suma de propinas dio el fruto deseado y por fin pude comprarlo y disfrutarlo.


Peter Frampton comenzó el pasado 18 de junio en Catoosa, Oklahoma, su gira de despedida "Farewell Tour" que finalizará el 12 de octubre en Concord, California. Hace algún tiempo el guitarrista había comunicado que padecía Miositis, una enfermedad autoinmune incurable que inflama y debilita los músculos y que a la larga le impedirán tocar la guitarra. 


Este último disco de Peter Frampton está dedicado a versiones de sus temas favoritos del blues. Con una banda integrada por Rob Arthur (teclista), Adam Lester (guitarra) y Dan Wojciechowski (batería), lo grabó en su propio estudio de Nashville coproducido por Chuck Ainlay. La grabación cuenta con colaboraciones estelares como Kim Wilson (Fabulous Thunderbirds) que canta y toca la armónica en  "I Just Want To Make Love To You" (Willie Dixon). También podemos escuchar la guitarra de Larry Carlton en "All Blues" (Miles Davis), Steve Morse en  "Going Down Slow" ( Louis Jimmy Oden) y el slide guitar de Sonny Landreth (Bluesbreakers) en  The Thrill Is Gone (Rick Darnell, Roy Hawkins) La labor del bajo se la reparten   David LaBruyere ( John Mayer) y Glenn Worf (The Snakes, Mark Knopfler). Sin duda una buena oportunidad de escuchar buenos blues en las manos de uno de los grandes. Especial atención a su versión del "Georgia On My Mind".
J.C.Miñana











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HERBERT F. BAIRY - Traumspiel (1979 / SANDRA)

Nunca digas que ya lo sabes todo sobre rock alemán 70s. Pues es fuente inagotable de obras curiosas,  investigadoras, experimentales y un zoológico de rara avis en general. 


El único disco de Herbert F. Bairy  (seudónimo de Ferdinand Forsch), corresponde a la categoría de ésos vinilos de culto que tanto buscan coleccionistas veteranos,  cuando creen que ya lo tienen todo conquistado. Herbert se encargaba de percusión,  batería,  piano, zither, vientos, harmonium, voz y ruidos (electronics?). Le acompañaba Bern Konrad al saxo, clarinete, flauta y contrabajo. Además ayudaban un buen plantel de invitados a los sintetizadores, guitarras y demás instrumentos de procedencia rock. 

En su inicio, "Traumspiel" (13'48) nos ofrece el trip en bandeja a un nivel onírico digno de Amón Düül II cerca de "Phallus Dei" o "Yeti", esto es, diez años antes. De hecho uno de los puntos positivos de éste álbum es el atrapar aquellas primitivas esencias abstractas, cuando el movimiento  ya estaba agonizando o completamente inmerso en la maquinaria mainstream. Fantasmales voces femeninas, ritmos hindúes y etéreas percusiones....lisergia folk y mística de envoltorio abierto a sugerencias. Como una versión kraut de Música Dispersa. La electrónica se muestra tímida pero presente,  como un arreglo dentro de un mantra instrumental que en su final proyecta excelente guitarra eléctrica,  que recuerda a Conny Veit (Gila). El sprint final toma rock ácido de Jefferson Starship, sí,  en un contexto más rockero. Por último vuelve a su primera exposición,  a base de dispersión electroacústica de alto rango. 


"Runnin" (7'39) es como una acalorada jam entre bajo/percusión/ batería al estilo de Stomu Yamashta. En clave jazz rock hipnótico y conexiones étnicas con Embryo, sumando una fantástica guitarra a la John McLaughlin, y saxo / trompeta como si Wayne Shorter y Miles Davis se unieran a una fiesta de enloquecido vudú jazzistico. Todo con el hilo conductor de un bajo-locomotora que precipita a la alucinación colectiva del resto. 

Vuelta al vinilo para obtener un "Lady Ollala" (14'40) denso en aquelarre de gilmourianas danzas febriles alrededor del fastuoso fuego brujeril.  Susurros femeninos ayudan a proyectar ésta oscura fotografía goyesca mientras electrónica y saxo, en un entretejido de acústicas, nos lleva a pasajes de paz interior dignos de Jan Garbarek. Dicen que la denostada new age fue un modo de amaestrar a la bestia kraut.....sin duda. Al menos el sonido ECM también salió de las mismas fuentes, con mejores / mayores aspiraciones creativas. Quiero decir que no todo lo que derivó del kraut, (new age, EDM, techno, trance, celtic-sopor.....), fue horrendo. Ésta es una pieza-puente que perfectamente podría haber salido de la ECM Factory de artistas como Shankar, David Darling, Ralph Towner, Jack DeJohnette o Zakir Hussain.

Finalmente "Redpeter's Dream" (3'25) vuelve a los abstraccionismos amonduulianos del comienzo, con su improbable rítmica matemática imprecisa e improvisada,  que desafía dimensiones desconocidas con estimable fortuna. Herbert F. Bairy creó un puñado de música que lanzó al espacio para que vagara eternamente,  sin preocuparse cual sería su puerto o si tendría fin. 


Quizá en su día creyó que sí,  que era de existencia limitada.....y por eso no continuó aventurándose por stargates sonoros que tan bien se le daban. Internet ha probado que aquellas músicas olvidadas tienen un sitio permanente para el avispado oyente que sepa encontrarlas. Recomendado artefacto para avezados escapistas mentales, ávidos de emociones distintas.
J.J. IGLESIAS





Temas
1. Traumspiel (13:46)
2. Runnin' (7:42)
3. Lady Ollala (14:42)
4. Redpeters Dream (3:26)







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DIXIE DREGS - Live in Miami 1975

En alguna ocasión Steve Morse ha comentado que su primera guitarra la compró en 1967 con un préstamo sin intereses de sus padres. Poco a poco la fue modificando artesanalmente hasta convertirla en lo que llamó "Frankenstein Telecaster", una guitarra con con mástil de Strat en un cuerpo de Telecaster con el conector y las pastillas totalmente modificadas. Hoy nos remontaremos a 1975 para recordarlo en sus inicios.


Dixie Dregs se forma en 1971 cuando Steve Morse entra en la escuela de música de la Universidad de Miami. En 1973 se consolida la formación  con Steve Morse (guitarra), Andy West (bajo), Allen Sloan (violín) y Bart Yarnal (batería). En el 74 Yarnal sufre un accidente de surf y es sustituido por Rod Morgenstein. Ese mismo año entraría en la banda el teclista Frank Josephs. Su primer disco, "The Great Spectacular" (1975), lo graban en la Universidad con una tirada de apenas  1000 copias. Al año siguiente llega su gran oportunidad al fichar por Capricorn Records y publicar "Free Fallk" (1977). A partir de ese momento publicarían a disco por año hasta 1982: "What If" ( 1978), "Night of the Living Dregs" (1979), "Dregs of the Earth" (1980), "Unsung Heroes" (1981) y "Industry Standard" (1982).


El disco nos presenta la grabación en vivo más antigua que se tenga constancia de Dixie Dregs en la Universidad de Miami el 13 de septiembre de 1975. Jóvenes músicos (entre 21 y 22 años la edad de sus miembros) que caminan por los senderos del jazz  y del rock demostrando la fina frontera que separa ambos mundos y pasando de un lado a otro con una facilidad pasmosa para su edad. El "setlist" está compuesto fundamentalmente por temas de su primer disco, "The Great Spectacular", y versiones de la Mahavishnu Orchestra, "Cosmic Strut" y "Celestial Terrestrial Commuters". Excelente la labor de Steve Morse y de Andy West con sus endiablados ritmos de bajo, sin olvidar al teclista titular Frank Josephs y al violinista Allen Sloan. En "Flight Of A Cockroach" podemos escuchar el solo de batería de Rod Morgenstein. Sonido bastante bueno.
J.C.Miñana


Temas
01. Freedom Jazz Dance
02. Unknown
03. Dolphin Dance
04. Unknown
05. Unknown
06. Unknown
07. Cosmic Strut
08. Leprechaun Promenade
09. Celestial Terrestrial Commuters
10. Wages Of Weirdness
11. Flight Of A Cockroach
12. What If
13. Holiday
14. Country House Shuffle




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DEGRAEY - Reveries (2019) (Rockliquias Bandas)

"Reveries" es el segundo disco de la banda catalana Degraey publicado el pasado marzo (2019). Una mezcla de sonoridades post metal y stoner que no te dejarán inmóvil . Te invitamos a leer la entrevista que les realizamos.


Rockliquias.- ¿Por qué DEGRAEY? 

Degraey es un nombre inventado con el que hemos elegido representarnos. Tiene diferentes significados según el miembro de la banda a quien le preguntes. Desde un juego de luces y sombras hasta la búsqueda de la vida eterna, es una significación abierta. Y por supuesto, como banda teníamos la necesidad, y el deseo, de ser y ser designados de alguna forma. 

Rockliquias.- ¿Quiénes son DEGRAEY? 

El origen de la banda ocurre en 2012. César (batería y voz) tocaba en la banda Carontte, y buscaba un guitarrista para reemplazar a uno que se fue. En esa época conoce a Victor (guitarra y voz). Sin embargo, al final Carontte se separa y quedan César y Victor con ganas de seguir haciendo música, explorando la vertiente más progresiva del post-metal y el doom, entre otras inquietudes musicales. Con el tiempo se unen al grupo Iván Pizarro (guitarra y sintes) y Luc Espinach (bajo y luces). Es en 2015 cuando Degraey nos consolidamos como formación completa.

La verdad es que cuando finalmente empezamos a tocar como banda completa los cuatro juntos, todo empezó a ir sobre ruedas. Nos encontramos muy bien musicalmente y personalmente y no hemos parado de trabajar desde entonces. 

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Son muchas y muy variadas entre los cuatro. Pero los puntos que tenemos en común son bandas del género como ISIS, Tool, Slint, Cult of Luna o Pelican. Aunque realmente escuchamos de todo, desde electrónica experimental a jazz. Al igual que con el significado de nuestro nombre, la respuesta dependerá del miembro de la banda a quien le preguntas. Lo importante es que los cuatro compartimos mucha pasión y respeto por la música en todas sus facetas.

Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música?

Música de contrastes sonoros y emocionales. Gravitamos en torno a pasajes de calma y tranquilidad introspectiva a momentos de pura explosión sonora. Nuestra música nace de un lugar muy visceral para nosotros. 




Rockliquias.- En  2016 editáis vuestro primer disco, "Chrysalis", ¿Cómo ha evolucionado vuestra música desde entonces?

Nuestro segundo disco Reveries es más conceptual en lo que la composición se refiere. El disco está compuesto con un orden establecido de principio a fin. La intención era crear un discurso musical con más dirección que en Chrysalis. Nuestro primer disco es más bien una colección de canciones compuestas en un largo periodo de tiempo mientras que el segundo es una obra conjunta. También es verdad que en Reveries hemos bajado los tempos en comparación con nuestro primer disco, y en vez de ser tan “rifferos” nos centramos más en las progresiones armónicas y la evolución de los temas. 

Rockliquias.- En marzo de 2019 llega vuestro segundo trabajo, "Reveries",  ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? 

Grabamos el disco en el mismo estudio que para Chrysalis:  Estudio Uno en Madrid con Pablo Pulido. Quisimos darle más contundencia a las guitarras pesadas y jugar con afinaciones distintas. Como anécdota: el día de la grabación Iván (guitarra rítmica y sintes) apareció con un virus extraño, tuvo hinchazón extrema en articulaciones, picores y fiebres. Durante unas horas teníamos la duda de si podríamos grabar el disco. Dio un falso positivo en sarampión y en un momento cundió el pánico en el estudio. Pero por suerte al final quedó en nada. 

Rockliquias.- ¿Qué significado tiene el  título del disco, "Reveries"? 

Las letras y las temáticas que exploramos en este disco tienen un trasfondo muy psicológico. Tratan sobre las ansiedades, angustias y miedos que una persona puede encontrarse en su vida. Cada letra explora estas temáticas con distintas reflexiones, por ejemplo que cada uno se construye su propia realidad, o su propio infierno personal. O por ejemplo, que las ansiedades y angustias son monstruos que alimentamos sin darnos cuenta en nuestro interior. ¿Cómo se relaciona esto con el título? “Reveries” significa “ensoñaciones” en inglés y en francés. En este sentido, las reflexiones y los temas que explora el disco surgen de viajes introspectivos en nuestro interior. 


Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?

Xavi Forné (Error! Design) es el diseñador de ambas portadas de nuestros dos discos. Su trabajo como ilustrador y diseñador está muy reconocido dentro y fuera de nuestras fronteras, y trabaja regularmente con grandes bandas internacionales como Foo Fighters, Pelican, Mastodon o Meshuggah, entre muchísimas otras. ¡En nuestro caso tenemos suerte de poder decir que es colega! 

Para “Reveries” queríamos algo muy personal, pero al mismo tiempo queríamos dejarle libertad creativa para que representara en imagen lo que el disco le transmitía. Tras algunas pruebas e intentos, nos quedamos con la portada actual, con la que tanto nosotros como él estamos muy satisfechos. Se trata de una imagen muy poderosa de un rostro que sin embargo no es humano. Se podría interpretar como el ente que sale de la crisálida de nuestro primer disco (Chrysalis).

Rockliquias.-¿Nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación? 

Uff, casi mejor que cada oyente juzgue por sí solo. El disco tiene un principio con una intención muy clara. Todo el disco fluye de lo particular a lo general, del mundo interior al exterior, de la vida a la muerte. Del sentido de las neuras personales a la vida en general. Realmente somos partidarios de que la música y las canciones hablen por sí solas. 


Rockliquias.-¿Cómo van los conciertos de presentación? ¿Nos podéis confirmar fechas?

Hemos estado girando extensamente por la península desde que publicamos “Reveries” en Marzo. La verdad es que la respuesta del público está siendo más que buena y eso nos motiva un montón a seguir. Tener fuentes de motivación así es extremadamente importante ya que el underground no siempre es fácil.  Hasta ahora hemos tocado en ciudades como Barcelona, Madrid, Zaragoza, Sevilla, Granada,Málaga y Almería entre muchas otras. 

Para lo que queda del año nos quedan varias fechas por el norte, por ejemplo en la Sala Shake de Bilbao el 7 de diciembre junto a Neila, gran banda bilbaína de doom/post-metal. También tenemos previsto tocar en tierras valencianas, por ejemplo en el Pub Terra de Castellón el 14 de diciembre. Esta fecha nos hace especial ilusión porque nos acompañarán Your Grace (otra banda amiga de Barcelona) y el concierto está organizado por Loyal Crew, una pequeña promotora DIY que hace las cosas con mucho amor al arte. 

Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Lo primero que les diría es que escuchen primero el disco en alguna plataforma digital. También lo pueden descargar al precio que quieran, o gratis, desde nuestro Bandcamp. Gracias a la tecnología actual puedes escuchar mucha música sin tener que gastar. Después, si te gusta el disco, acércate a uno de nuestros conciertos a ver qué tal. Normalmente la gente sale satisfecha. Disfrutamos mucho de cada vez que nos subimos a un escenario y eso parece que la gente lo aprecia. 

Muchas gracias por contar con nosotros! 





Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Aviva Omnibus ‎– Nutcracker In Fury (2008)

Dmitri Loukianenko decide ampliar el nombre de la banda a Aviva Omnibus. No es el único cambio porque en el nuevo CD se arma de músicos para configurar un grupo en toda regla. Si en Rokus la influencia ELP era notable, ahora la cosa se complica. 


Si escuchas “Overture in Fury” parece una banda prog metalera avantgarde con infernales sonidos de teclado. El pánico recorre mis venas, pero veo que la composición es de una calidad y variedad sorprendente. Hay influencias clásicas por doquier. El peligro de metalizarse en el rock progresivo es una tendencia enfermiza en los últimos tiempos. Pudiendo hacer música porqué hacer ruido es algo que imagino va acorde con los tiempos y con la extrema violencia que vivimos. La música es un reflejo de las épocas, de la “des-educación” generacional y de la falta de empatía. El rock comenzó como un grito de rebeldía y de liberación, pero la agresividad sonora cada vez ha sido más fuerte. Ahora la música es una apología de la violencia, de la destrucción y del caos. La música extrema domina el rock y también otros géneros. Esto ya no tiene nada que ver con mi generación y no lo digo como una crítica porque reconozco que para el metal hace falta una técnica endiablada exenta de sentimiento y llena de odio social algo que comprendo. Su estética va a la par. Cuando ves un grupo metalero dan miedo, aunque a lo mejor es una pose y en el fondo son el corderito de blancanieves. No obstante lo que nunca he comprendido y ya lo he dicho en muchas ocasiones, es la necesidad de expresar lo horrible en arte. Lo feo de la vida en la música. Lo entiendo como provocación y como ira ante el mundo mierda en que vivimos. Es lo que hay. Sin embargo, yo entiendo el arte como evasión de la realidad, como la posibilidad de algo que no existe. Muchas veces digo que lo mejor de la vida es cuando dormimos. Cuando soñamos, hasta incluso las pesadillas son divertidas porque sabes que no son reales. No creo en fantasmas ni en monstruos ni en tonterías. El único monstruo es el ser humano.


El cascanueces fue un ballet de Tchaikovsky compuesto en 1891 y evidentemente “Heavy March” está basada en la famosa marcha que popularizaron en directo los ELP de forma muy tosca y verbenera al final del cuadros para una exposición. Aquí no es el caso. Hard prog de alto octanaje, pero muy bien hecho y con entretenidos cambios. No penséis que este disco es una adaptación del famoso ballet, en absoluto. El trabajo de Aviva es una obra un tanto paranoica, pero a la vez atractiva. El tipo saca unos sonidos a sus teclados muy elaborados y variados. Esto entretiene la escucha. 


“The Frozen Doll´s Town” es extraña y encantadora a la vez. La danza de los gigantes del té es una locura sonora que pasa de The Enid, a Zappa, Wakeman o Dream Theater contaminado de King crimson como si nada. Cocktail que pega y emborracha. Tchaikovsky y su vals de las flores vuelve en una festiva y marciana revisitación en “Flower Fever” casi una pesadilla y una broma. En “Coda Cold” la música se metamorfosea en diferentes formas de sinfo-prog-fusión-hard-vanguardia. Es decir, en una inclasificable macedonia pero sin llegar a la indigestión. No es un disco para dormirse, aunque acaba casi en una canción de cuna con épico final para que el niño despierte sobresaltado.
Alberto Torró


Temas
1 Sisoehtopa 0:52
2 Overture In Fury 5:07
3 Heavy March 6:58
4 Children Of The Damned 4:29
5 The Frozen Doll's Town 6:34
6 Dance Of The Tea Giants 4:55
7 Flower Fever 2:28
8 Coda Cold 6:01
9 Apotheosis 2:54









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IZZ ‎– Crush Of Night (2012)

Bueno al parecer este disco junto con el anterior y el siguiente formarán una trilogía sinfónica que será el principal cuerpo de trabajo de esta banda. Si el anterior ya era excelente este posiblemente sea incluso mejor. Estamos en el ecuador de su carrera y su estilo sigue con las peculiaridades que cada semana hablamos. Conforme avanzamos en su discografía tanto la calidad va en aumento, así como su originalidad y su cada vez más lejano parecido con otras bandas modernas. 


Al sexteto habitual se une Gary Green el que fuera guitarrista de Gentle Giant y esto le imprime un carácter reconocible a la música hacia una mayor complejidad y riqueza si cabe. Green colabora en más de la mitad del álbum ya que son los temas de mayor duración donde reconocemos sus valiosos servicios. Extraños acordes, solos retorcidos y su toque inconfundible recorren las partes instrumentales más interesantes. Galgano teclista es un tipo complejo y muy técnico porque no cualquiera puede tocar con un miembro del gigante gentil alegremente. Requiere dotes que pocos tienen. Generalmente la música de Izz huye de convencionalismos o estructuras típicas del prog al uso y sorprende con influencias a veces ajenas de lo que consideramos progresivo pero siempre ricas en su argumento aunque naturalmente la clave está en la manera de utilizarlas con inteligencia. Las voces femeninas se hacen de rogar como en todos sus discos, pero al final son un auténtico placer. No olvidemos que las armonías vocales son también su fuerte. No puedo evitar acordarme ligeramente de los Beatles cada vez que la voz masculina entra en acción generalmente en las partes más pausadas y melódicas. Bonitos pianos, excelentes solos de sintetizador, guitarras orgánicas y con alma etc.

 Los elaborados y magníficos temas 5 y 6 de 13 mtos cada uno forman la larga suite del trabajo. Son gente detallista que se toma su tiempo en la composición tan rica de matices y tan generosa en melodías. La clásica banda que gana con cada escucha porque interviene mucho material sonoro a descifrar. Al no entrar a la primera nos exigen atención por la alta concentración de aditivos que lleva su música siempre con base clásica y sin embargo son super agradables de escuchar. Lo complejo y adictivo a la vez, pero siempre amable que al final acaba siendo fácil. Es la clave de la música: no aburrir y no resultar pesada pero a la vez rica, variada y compleja. Esta fórmula es mucho más complicada de lo que parece. 


Cuando llevas escuchadas tropecientas mil bandas progresivas solo un pequeño porcentaje acaba por sorprenderte y esto tiene su lógica naturalmente porque también el nivel de exigencia aumenta y con ello no quiero decidir que cuanto más complicado mejor y esto lo digo constantemente porque a veces esa chispa que encontramos no tiene por qué ser un problema de mecánica cuántica sino de sensibilidad.
Alberto Torró







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HUMMINGBIRD - Diamond Nights (1977 / A & M)

El brutalmente infravalorado "Rough & Ready" del Jeff Beck Group, (o su homónima continuación,  del 71 y 72 respectivamente), fueron la semilla para la banda que hoy rescatamos del injusto olvido. "Culo inquieto" Jeff se va para formar Beck, Bogert & Appice, y tres de sus miembros crean Hummingbird en 1974 : Bobby Tench (voz, guitarras), Max Middleton (teclados) y Clive Chaman (bajo). Si Beck es culo de mal asiento, imaginad Cozy Powell....Así que para completar llaman al ex-Robin Trower, Conrad Isadore (batería) y a Bernie Holland (guitarra solista). Fichan raudos por A&M y editan el sensacional "Hummingbird" (1974) y su no menos recomendable seguimiento, "We Can't Go On Meeting Like This" (1975). Para el tercero hay cambios de personal y un par de años de espera. Robert Ahwei es ahora el nuevo guitarra, y Bernard Purdie sustituye en el kit percusivo.


"Diamond Nights" (1977) sale como último legado de ésta excelente y casi anónima banda. Es poco sabido el hecho de que el propio Jeff Beck, siempre picoteando, comenzó ensayando con ellos en sus inicios. Tal vez por eso le dedican "Got My "Led Boots" On", ironizando con su famosa tonada, y poniéndole voz negroide de Tench, sección de viento a la Earth, Wind & Fire, y un marcado feel funky rock. El sólo de guitarra no extraña a Jeff Beck, pero el cochino fader nos priva de una intensa sesión que se estaba preparando.

 "Spirit" captura ése sonido "soul black power" que tanto le gusta a Glenn Hughes. Y lo apuntalan con seguridad con las coristas de color más solicitadas : Julia Tillman, Vanetta Fields y Maxine Willard. Con ellas esto va a sonar auténtico sí o sí.  Adelantando intenciones a lo que harán Toto unos años después, y con muchísima más suerte. El clavinet de Middleton es puro Stevie Wonder, en "Cryin' For Love", en su línea y potente "horn section". Tampoco se aleja del "rock adulterado" de Streetwalkers.....y con clara conexión.  Tench perteneció a ésta banda, y su cantante, el gran Roger Chapman, compone aquí bastante material. Las chicas encargadas de la coral soul en el resto del álbum son Madeline Bell y Liza Strike, también de la primera división mercenaria.

"She Is My Lady" es puro soul rock liberando esencias plenas de Marvin Gaye, Smokey Robinson u Otis Redding. El tándem guitarra - Rhodes se desenvuelve con total acierto y sentimiento. Otra irresistible andanada de melodía negra es "You Can't Hide Love", y es otra que me recuerda poderosamente a lo que harán Toto a final de década. La voz de Tench es un prodigio y placer de dioses su escucha. Y la completa instrumentación, sugiere una entrega de todo el equipo completa. Al servicio de las teclas del boss, Max Middleton, extraordinario en sus solos de moog. 


"Anaconda" inaugura la cara B con ambientales sonidos de achicharrante jungla, y el Rhodes + mini-moog adentrándonos en la espesura melódica instrumental a machetazo limpio de jazz rock. Tal y como el antiguo jefe estaba haciendo por esos días en "Blow by Blow" y "Wired". De hecho, en esos dos discos inmortales está el propio Middleton a los teclados. Así que ésta pieza podría perfectamente formar parte de ellos. Da gusto poner los graves a nivel "matavecinos" para escuchar "Madatcha", donde el bajo de Clive Chaman hace diabluras. Es como si en Trapeze cantara Stevie Wonder (todo se queda en casa, a nivel estilístico). Y quedaría "niquelao" en la trilogía hard funk de los Purple , ("Burn" / "Stormbringer" / "Come and Taste..."). "Losing You (Ain't No Doubt About You)" es la balada seductora para bailar "bien apretao" y con un copazo de buen vino.....o para lo que sigue después. La sombra de Beck (Jeff, no el otro tontolaba), se deja notar en "Spread Your Wings", que es como si el ex-Yardbird tocara en la MFSB con Hubert Laws en la flauta travesera.  Bobby Tench se sale a las cuerdas, vocales y eléctricas, (su acompañamiento rítmico también es muy destacable). Otro temazo para Nochevieja. Por último "Anna's Song" , lleva acertadas percusiones de ilustres invitados como son Airto Moreira y Pancho Morales. Trae otra instrumental al modo CTI label, que recuerda a George Benson, Weather Report, Deodato, Bob James o Richard Tee.....y Middleton se expresa en el mismo idioma solista que estos tres últimos. 

Un delicioso álbum que completa una trilogía irreprochable,  para una banda que se ha perdido por el camino al escribir la historia. Si no fuera por nosotros.......
J.J. IGLESIAS


Temas
00:00 - 03:39  01-Got My Led Boots On
03:39 - 07:23  02-Spirit
07:23 - 10:58  03-Cryin' For Love
10:58 - 15:24  04-She Is My Lady
15:24 - 21:16  05-You Can't Hide Love
21:16 - 25:05  06-Anaconda
25:05 - 29:03  07-Madatcha
29:03 - 33:18  08-Losing You (Ain't No Doubt About It)
33:18 - 38:17  09-Spread Your Wings
38:17 - 41:46  10-Anna's Song




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