Bob Seger & the Silver Bullet Band - Radio Chicago 1976

Bob Seger es un cantante ( también toca la guitarra y los teclados) que alcanzó su máximo esplendor en la década de los 70. Logró reunir un grupo de excelentes músicos,  The Silver Bullet Band, con los que consiguió una simbiosis perfecta. Hoy recordaremos una de sus actuaciones.

En abril de 1976 Bob Seger edita "Live Bullet", un doble disco grabado en vivo el año anterior en Cobo Hall, Detroit. Con esta grabación Bob alcanzó el éxito llegando a posicionarse en los puestos de honor en las listas. En octubre de ese mismo año vería la luz  un nuevo disco en estudio, "Night Moves",  continuando con las ventas de su anterior producción.

La grabación nos traslada a 1.976, Bob Seger y su The Silver Bullet Band  en un pequeño local de Illinois ante un puñado de alucinados espectadores, la noche anterior había actuado en el  Pontiac Superdome de Detroit ante más de 80.000 personas.  El concierto celebrado el 23 de Junio del 76 fue retransmitido por la WXRT-FM, una estación de radio de Chicago.

 En los primeros minutos el DJ de la emisora presenta al grupo. El primer tema que podemos escuchar es un homenaje a Bob Diddley, "Hey Bo Diddley-Who Do You Love", realmente constituye una buena carta de presentación. Drew Abbott (guitarra), Robyn Robins (Teclados), Chris Campbell (bajo), Alto Reed (saxo) y Charlie Allen Martin (batería), no solo acompañan a Bob, son verdaderos protagonistas.

 El show continua con "Travelin' Man" y "Beautiful Loser" dos baladas de su disco "Beautiful Loser" (1.975), que sirven para el lucimiento de Seger y de su peculiar voz.

Con su cuarto tema, " Katmandu" llegamos a uno de los platos fuertes de la grabación. Ritmo típico de Seger, rock de alta graduación con un Abbott desatado compitiendo con el saxo de Reed. 

Vuelve la calma con un clásico, " Feel Like Wakin' Up in Somebody Elses Bed", donde nuevamente la guitarra de Abbott está sublime. 

Los siguientes temas "Lookin' Back" y "Mary Lou" nos preparan para " Ramblin' Gamblin' Man " uno de los primeros éxitos de Bob Seger.  La traca final llega con el desenfreno rockero del tema de Chuck Berry, "Let It Rock", casi 11 minutos de buen rock'n'roll. La fiesta continua con "Rosalie", tema que posteriormente versionarían los Thin Lizzy. y con "Boogie", una especie de mezcla entre el "Whole Lotta Love" de los Led y "La grange" de ZZ Top. El disco se cierra con "Lucifer" de su álbum "Mogrel" (1.970).

Temas

01 - Dj Intro-Hey Bo Diddley-Who Do You Love 00:00

02 - Travelin' Man 09:34

03 - Beautiful Loser 14:43

04 - Katmandu 18:30

05 - Feel Like Wakin' Up in Somebody Elses Bed 24:00

06 - Lookin' Back-Dj talks-Mary Lou 29:00

07 - Ramblin' Gamblin' Man 36:47

08 - Let It Rock 39:48

09 - Rosaly 51:10

10 - Boogie(inc. Whole Lotta Love) 54:32

11 - Lucifer 01:00:10

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LISKER (rock progresivo español)

Lisker es un grupo vasco fundado en el 78 por Julián Alberdi (guitarra), Ernesto Gómez (guitarra y voz), Jesús Gil (flauta), Josean Salado (batería) y Javi Zabala (bajo).

Durante algún tiempo tuvieron cierta popularidad llegando a actuar junto a los catalanes Lone Star. En el 79 llegaría la oportunidad de grabar con la discográfica Xoxoa su único disco, "Lisker". La grabación contenía cinco temas de corte folk progresivo fundamentalmente instrumental ( aunque también cantaban en vasco) donde predominaba los diálogos entre la flauta de Jesús Gil y la guitarra de  Julian Alberdi.

La mili y los cambios en su formación enfriaron los ánimos del grupo hasta que en  1983 se vuelven a reunir sus miembros originales para dedicarse al meritorio mundo de las verbenas.

Discografía

Lisker 1.979

Temas

A1 Kalean Festa 5:22

A2 Amets Jazarriak 6:48

A3 Bakardade Tristea 6:44

B1 Garajeko Melodia 7:30

B2 Eldarniotik Iheska 9:17

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FRANK ZAPPA: Hot Rats (1969) - Burnt Weeny Sandwich (1970) (colaboración Alberto Torró)

FRANK ZAPPA: HOT RATS (1969)

No terminaría el año 69 sin que nuestra madre superiora firmase uno de sus discos emblemáticos, pero esta vez con denominación de origen propia o lo que es lo mismo, su primer álbum en solitario, si exceptuamos naturalmente el extraño y difícil de encasillar Lumpy Gravy.  Aquí, Zappa, con la excepción de Ian Underwood a las teclas y vientos,  aparca a sus madres momentáneamente y contrata a una nutrida banda de colaboradores. Todos músicos de sesión y del mundo del jazz: Entran el jazzmen francés Jean-Luc Ponty y el blues- rockman Don “Sugarcane” Harris a los violines solistas respectivamente. Vuelve a rodearse de un triplete de baterías: Paul Humphrey,  Ron Selico, y John Guerin que tocan en las diferentes piezas del álbum. Los bajistas Max Bennet y Shuggy Otis y el gamberrete de su amigo de correrías Don Van Vliet más conocido como Captain Beefheart, berreando más que cantando en la pieza Willy the Pimp.

Hot Rats se abre con Peaches en Regalía, una composición instrumental de apenas cuatro minutos de duración que es como un torbellino encantador con una densidad y concentración de cambios que es apabullante. Esta es una pieza que gusta incluso a los no simpatizantes del estilo zappero.  Peaches es puro Zappa con su desparrame de melodías y positivismo sonoro, no la tocaría demasiadas veces en directo, aunque las pocas versiones que hay son todas  excelentes y distintas

La siguiente Willy the Pimp, está dedicada a los chulos y macarras que debían pulular por las barriadas de Los Angeles. Es la única pieza del disco cantada por el capitán Vliet, que más parece un rottweiler rabioso pronunciando obscenidades que un cantante. Afortunadamente solo ladra en el comienzo y desarrollo  del tema, el resto es un impresionante  y antológico solo de guitarra de Zappa sobre un ritmo adictivo y vibrante. Nueve minutos inagotables que podrían durar eternamente.

The Son of Mr Green Genes es otra maravilla de composición con ese sentido melódico tan especial y característico de nuestro autor que podría ser la continuación perfecta de Peaches en Regalia. Fantástica sección de viento y solos a tutttiplén. Parecen una big band en un excelente jazz-rock progresivo para la historia.

El pequeño paraguas (Little Umbrellas) es un breve inciso con aires exóticos de club de jazz privado y decadente.  Una joya en todos los aspectos y que muestra a las claras que Zappa fue un gran compositor de nuestro tiempo.

El desparrame heredero directo de King Kong es Gumbo Variations:  Jazz-rock blues en toda regla. Un brutal saxo inaugura solos, solos y más solos que harán las delicias de los amantes del género. Nos aproximamos al free, a la jam-sesion y aquí todos intervienen y participan en una música sin fin y de altísima calidad. 

Con “debe ser un camello” se cierra esta obra maestra de la música sin paliativos, un final algo vanguardista, a medio camino entre el free-jazz y el avandgarde… futuro R.I.O  Henry Cow, Soft machine… y Canterbury variado.  A Zappa le deben muchos, mucho, redundancias aparte. Los intelectuales snobs progres ingleses de los 70´s deberían recordar que fue un bigotudo yanqui quién  les abrió las puertas de la imaginación.

Temas

1 - Peaches En Regalia 0:00

2 - Willie the Pimp 3:37

3 - Son of Mr Green Genes 12:54

4 - Little Umbrellas 21:52

5 - The Gumbo Variation 24:56

6 - It Must be a Camel 41:52

FRANK ZAPPA AND THE MOTHERS OF INVENTION: Burnt Weeny Sandwich (1970)

Después del recalentamiento de las ratas y de abrir la puerta de su música instrumental de par en par, Frank inaugura la década de los setentas de nuevo en el seno de sus madres con un álbum lisérgico de principio a fin. Vuelven en parte algunos sonidos apolillados del doo-wop en la pieza de inicio, con mexicano wey incluído, pero Burnt Weeny vuelve a ser un disco fundamentalmente instrumental y mucho más maduro que los iniciales Mothers Albums.  La paleta de la invención es nutrida porque encontramos a todos los miembros habituales del maestro, más ampliado con nuevos músicos. 

Para mí este trabajo es tan bueno como cabría esperar. Las bromas y las gilipolleces iniciales van quedando atrás y la música zappiana es cada vez mejor y más elaborada. Ciertamente el Shandwich éste, aunque  no tiene el tirón del anterior Hot Rats, es más sibilino y cabroncete, más recóndito, en unas composiciones que si no son tan espectaculares como en el anterior, no adolecen en absoluto en el mismo nivel o calidad. Claro que naturalmente volvemos al sonido típico de Los Mother Of Invention.  A Don Preston, al indio Black, a los parientes Gardner y al camaloneónico Ian Underwood.  En parte es una especie de continuación del  Uncle Meat con el fantasma de stravinsky incluído. 

El Theme que da título es una hippiosa nube de guitarra porrera, cuya apreciación mía cabrearía al franky alérgico a las flores. Pero suena a eso, a cuelgue porrero y criaturas desparramadas en ácido, sigue el Stravinsky frío y analítico que tanto ama el Zappa clásico y unas disonantes y cachondas galerías instrumentales de inclasificable factura y sello inconfundible. Las baterías con eco de lejana estancia y la guitarra parlanchina ya inconfundible del maestro. No hay un equivalente musical a esto, o al menos no lo había en su época. Este disco tiene un especial encanto en comparación con los anteriores, pero hay que prestarle mucha atención, y aunque esto es casi una obligación en la escucha de la música de Zappa, hay discos en los que hay que agudizar el sentido. Este es uno de ellos. Hay partes que rozan la sofistificación y exigen un trabajo extra en el oyente. Si no, no hacemos nada. 

La cara dos del LP lo ocupan 18 mtos de la impecable “Little House I used to live in”. Declaración de principios y apertura del Zappa que viene en siguientes discos. Aquí encontraremos uno de los solos de violín más bárbaros que hayas escuchado por parte de un Sugarcane Harris en estado de gracia y un final con órgano y teclados desatados en un estilo inclasificable. Nuevamente jazz-blues-rock de alto calibre y tremenda música que intercala sonidos en directo. Termina con Valarie y al igual que en el principio, vuelven brevemente las polillas de los 50. Disco imprescindible en tu discoteca.

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KBB (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

Cuarteto instrumental de evidente formación académica, que a diferencia de muchos crean una música muy personal. KBB realizan un rock progresivo de extrema calidad que de igual manera funciona en estructuras clásico-sinfónicas como en una poderosa base de fusión jazz-rock.

Son músicos de sonoridad amplia, de largos y grandes vuelos. Tanto los constantes diálogos como las múltiples melodías creadas por el violín solista y los teclados, crean  una música sólida y sin fisuras. La arquitectura sonora está perfectamente ordenada y es rica en elementos, lo que da una garantía de audición a los oídos más exigentes que siempre temen la vacuidad o lo facilón y previsible. 

Al melómano veterano hay que saber “entretenerle” y KBB cumplen esas premisas con creces. Huelga hablar en este caso, de la precisión técnica y el buen hacer instrumental, que por otra parte es una característica típica de este tipo de bandas japonesas. Sin miedo en decir que son absolutamente elegantes en la composición. Música de la de verdad.

El líder de la formación es el violinista y compositor Akihísa Tsuboy que también toca la guitarra solista de manera eventual. Decir que realmente emociona por momentos. Añadir que el teclista Toshimitsu Takahashi combina de forma precisa con las ideas del compositor. La sección rítmica de bajo-batería, de las mejores que se puedan encontrar, rubrican a un grupo que roza la perfección.

Discografia: 

Lost and Found (2000)

Four Corner's Sky (2003)

Live 2004 (doble CD)

Proof of Concept (2007)

Age of Pain (2.013)

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MR. BROWN - Mellan tre ogon med (1977) (colaboración J.J. Iglesias)

Todo comenzó durante unas vacaciones en Mallorca. Hakan Andersson y Bo Carlberg se unieron a una banda de versiones en un pub , tocando temas de Santana. Y la magia surgió  entre aquellos dos adolescentes, en el verano del 72. De vuelta a su querida Suecia, deciden formar un grupo.

Como toda dinámica en éstas historias, pasarán por cambios de formación,  primeras actuaciones en colegios y demás típicas fases de banda, hasta que se consoliden como tal. Que por el año 74 se llamaban Svenska Galenskaper (Swedish Insanities). Sus influencias eran cercanas a Camel. Una constante en los combos progresivos escandinavos de entonces. Aquello fue creciendo, hasta convertirse en un septeto con tres guitarristas, sección rítmica,  flautista y teclados ( predominando el Hammond B3, ARP y Logan String).

Ayudados en el álbum por cinco músicos más a los saxos, voz y percusiones. Poco antes de editar por su cuenta y muchos sudores "Mellan tre ogon med", se cambian el nombre a Mr. Brown,  lanzando una tirada de 1000 copias. Que ellos mismos se encargan de distribuir por toda Suecia. Llegando a vender en un par de incursiones unas 600 copias. Que no está nada mal para unos Don nadie, y en 1977. Con el rock progresivo ya cotizando a la baja por culpa del punk, new wave,  reggae y demás moderneos del momento. Eso sin contar con la "ayuda" de los periodistas serios del medio. Que asco de días,  de verdad!.....

A causa de esto, los conciertos comienzan a escasear. Y para una maxi-formación como Mr. Brown, la situación se hace insostenible. Separándose poco después. 

El album lo inicia "Suicide" (6'53), típico progresivo sueco de elegantes guitarras latimerescas y fondos teclisticos exquisitos. En esta ocasión cantado en inglés,  aunque lo combinan con su lengua materna. Hakan Andersson posee una voz cálida y agradable. Acolchada por el saxo y las acústicas. "Recall the Future" (9'25) guarda más similitudes con los iniciales Camel, gracias a una juguetona flauta y perfecta sincronía rítmica. Un tema instrumental precioso, con toda la esencia 70s y que te puede recordar a cualquier monstruo del progresivo italiano de la época. 

"Resan till Ixtlan" (3'18) es una pieza dominada por un sobrio piano, con la tristeza lírica tan propia del folclore sueco. "Universe" (3'38) continúa en esa tesitura nostálgica,  tiene una pequeña letra en inglés, y deja un regusto a cosas parecidas de Supertramp, Caravan o más concretamente, a los Pendragon de mediados 90.

"Kharma 74" (5'45) es otro instrumental de sabor pagano y forestal. Que torna bruscamente en casi una pieza de acid jazz con el saxo y las congas elevando la temperatura al modo de un Jeremy Steig.

'Liv i stad utan liv" (6'58) es la única cantada en sueco. Muy sinfo,  con el Hammond reinando y las eléctricas dando sabor setentero.  Te puede parecer cualquiera de los grandes del progresivo español. "Tornet" (0'54) es una intro monacal con fondo de Logan (el teclado, no Lobezno!), que desemboca en la final "I'll Arise" (2'34). Tema acústico en onda Cat Stevens.

Décadas después,  Andersson recibió  llamadas de Japón,  Francia, España y Noruega, de coleccionistas y gente interesada en editar el álbum en cd. Finalmente esto ocurrió  a través de Transubstans Records, sello progresivo sueco, en 2006.

Mr.  Brown debieron editar su album un poco antes, porque merecían mejor trato. Su estilo no anda lejos de otros escandinavos de oro, como Kaipa, Kerrs Pink, Atlas o Zaragon. Por lo menos su valía se ha reconocido con el tiempo. Demasiado tiempo. Pero así son éstas cosas.

Temas

1 Suicide 00:00 

2 Recall 06:55 

3 Resan Till Ixtlan 16:30 

4 Universe 19:51 

5 Kharma 74 23:33 

6 Live I En Stad Utan Liv 29:22 

7 Tornet 36:25 

8 I'll Arise 37:23

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HEAVEN - Brass Rock 1 (1971)

A lo largo de la historia del rock multitud de grupos han incluido en sus formaciones una sección de metales (vientos), no todos consiguieron una simbiosis perfecta. Este no es el caso de Heaven donde se compenetran a la perfección.

Los orígenes de la banda los encontramos en  Hampton, Virginia. En 1968  Brian Kemp (bajo, voz), Andy Scarisbrick (guitarra, voz), Ray "Ollie" Holloway (saxo, flauta), Dave Gautrey (trompeta), Ray King (saxo, clarinete), Mick Cooper (teclados), y Nobby Glover (batería) constituyeron la primera formación del grupo. A comienzos de 1.970  tres de sus miembros (King, Gautrey and Glover) deciden reformar el grupo con nuevos miembros (Terry Scott Jr. (voz, guitarra), Barry Paul (guitarra), and John Gordon (bajo). Actuan en el Festival de la isla de Wight, el mismo día que  Jimi Hendrix , Leonard Cohen , Free , Donovan , Jethro Tull , Pentangle , y The Moody Blues, causando una grata impresión  y brindándoles la ocasión de firmar con la  CBS. En 1.971  llegaría "Brass Rock" . 

Heaven nos ofrecen una mezcla de estilos donde confluyen jazz, blues, rock y progresivo. Nos podría recordar lejanamente a grupos como Chicago y Blood, Sweat & Tears, aunque a diferencia de estos la labor de los guitarristas , Eddie Harnett y Terry Scott Jr., es mucho más notoria. Temas destacados podrían ser la inicial "Things I Should've Been ", " Never Say Die" con ciertos aires sureños, "Number Two" metales a tope pugnando con una gran guitarra, y por supuesto la progresiva- jazz " Song For Chaos".

Temas

1) Things I Should've Been 

2) This Time Tomorrow 06:18

3) Never Say Die 11:30

4) Come Back 15:25

5) Song For Chaos 20:51

6) Morning Coffee (A Theme To A Film) 28:31

7) Number One (Last Request) 33:33

8) Number Two (Down At The Mission) 38:16

9) Dawning 43:53

10) Got To Get Away 49:13

Formación

Malcolm Glover: drums

John Gordon: bass guitar, fiddle, vocals

Eddie Harnett: guitar, vocals

Terry Scott jr.: guitar, vocals, piano

Ray King: saxophones, flute, clarinet

Derek Sommerville: saxophones, flute, trombone

Dave Gautrey: trumpet, flugelhorn

Butch Hudson: trumpet, flugelhorn

Dave Horler: trombone, piano

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HARALD GROSSKOPF - Synthesist (1980) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Otro berlinés batería que también se apuntó a los sintetizadores. Casi un género,  esto de los drummer-shyntesists. Cualquier día de éstos traemos por aquí a Eroc.

Harald Grosskopf  comenzó en los 60 machacando baquetas para The Stuntmen, y hasta estuvo en unos "desconocidos" Scorpions!

Comenzando la nueva década,  se afianzó con Wallenstein. Colaboró con Klaus Schulze, Cosmic Jokers,Walter Wegmuller o Lutz Ulbrich. Finalizando los 70, formó parte de Ashra. Estamos ante todo un referente de la más emblemática Berlín School.

Cuando las obligaciones de éstos últimos le dejaron, entró en los Roma Studios de su colega Manuel Gottsching, y en los Panne Paulsen de Frankfurt. Y de allí salió con un clásico de culto bajo el brazo, "Synthesist".

La inicial "So weit, so gut" (5'24) imprime aura de modernidad al género,  con pinceladas funk. Seguramente heredadas de Ashra. También recuerda poderosamente a la época "Platinum", de Mike Oldfield.

"B. Aldrian" (4'51) es una mini-sinfonía  paralela a los primeros trabajos de Gandalf o Kitaro. Recuérdese que se estaba urdiendo una nueva trama musical llamada new age. En un principio, bienintencionada. Para ser corrompida por la industria no mucho después. 

"Emphasis" (4'55) es otro corto y atractivo tema altamente secuencial. "Correlations" o "Belle Alliance" de Ashra son su modelo estilístico. 

En "Synthesist" (7'34) es ayudado en los sintetizadores por Udo Hanten. Con el que formaría posteriormente un trío,   junto a Albín Meskes, llamado Central Europe Performance. Las melodías son excelentes, adornadas por una bella secuenciación  y batería perfecta. Algo trasladable a toda la grabación. Suenan igual que You, porque casi son este grupo. Tanto Hanten como Grosskopf formaron parte de ésta electrónica formación berlinesa. Que debutó precisamente en 1980 con el álbum "Electric Day".

Electrónica tribal abre la cara b, con siniestros coros, en "1847-Earth" (6'43). Nuevamente tiene parecidos con el Oldfield post-"Incantations", aunque con mayor incidencia de sintetizadores. Los ritmos lo invaden todo como un ejército de pokemons . Demostrando que en el fondo, es el disco de un batería. Para "Trauma" (6'37) el océano  dronico navega onduladamente,  como gigantescas olas de poética electrónica  que inspirarian  a los mismísimos John Foxx o Brian Eno. 

Vuelve el reino percusivo en "Transcendental Overdrive" (5' 03), casi en sintonía con las premisas de Ralf and Florian y sus cantos tecnológicos urbanos. Finalmente "Tai ki" (4'09) exhibe una melodía solemne y sinfónica,  digna de Chris Franke.

Felizmente, éste disco no fue un "syanesthesist". Y sí un muy original álbum donde Grosskopf aportaba nuevas y frescas ideas a una Berlín School un tanto quemada por la saturación de los 70, que ya estaba pidiendo un relevo.

Hasta el 86 no dio continuación a su debut, con "Oceanheart". Un disco al que la grabación digital no le sentó muy bien ( como a todos).

Harald siguió colaborando con otros artistas, notoriamente con Bernd Kistenmacher.

"Synthesist" ha tenido posteriores remezclas chungas hechas por sabelotodos modernos. Cualquiera puede poner sus sacrilegas manazas en objeto sagrado. Pero pocos saben crearlos.

P.D.- "Puedes imaginar "The Lamb lies down on Broadway" sin sintetizadores? Sin duda, nunca hubiera ocurrido"

(BJORN LYNNE)

Temas

1. So Weit, So Gut 0:00

2. B. Aldrian 5:22

3. Emphasis 10:12

4. Synthesist 15:08

5. 1847 - Earth 22:42

6. Trauma 29:26

7. Transcendental Overdrive 35:59

8. Tai Ki 40:52

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TRIUMPH - Live at Canada Jam 1.978

Triumph es uno de esos grupos que no me hubiera importado ver en directo. Lamentablemente  nunca han visitado nuestro país y lo cierto es que tampoco han sido muy conocidos por estas tierras, posiblemente por la mala distribución de sus discos.

En 1.978 Triumph ya había editado dos discos, " Triumph" y " Rock & Roll Machine", este último contenía una versión de un tema de Joe Wash, "Rocky Mountain Way", que fue muy popular en las emisoras americanas. Todo esto contribuyó a que realizaran una mini gira por los Estados Unidos y participaran en el Canadá Jam Festival en Mosport Park junto a Fun Zone, Ozark Mountain Daredevils, The Doobie Brothers, Atlanta Rhythm Section, Village People, Dave Mason, Wha-Koo, Prism, Kansas, Commodores y Johnny Winter,

La grabación nos presenta la actuación de Triumph en el Canada Jam el 26 de Agosto de 1.978. El Setlist está compuesto por temas de sus dos primeros discos. La fuerza guitarrera de Rik Emmett es más que evidente  en temas como "Street Fighter" y por supuesto "Rock'n'Roll Machine". La delicadeza la encontramos en " Blinding Light Show". No hay que olvidar su versión de ""Rocky Mountain Way" y el pequeño solo de batería a cargo de Gil Moore. Poco más de una hora de buen hard rock.

Temas

1. What's Another Day of Rock'n'Roll 00:00 

2. Street Fighter 06:25

3. Little Texas Shaker 12:33

4. Blinding Light Show 16:35

5. Let Me Get Next to You 27:09 

6. Rock'n'Roll Machine 32:15 

7.  Rocky Mountain Way 39:35

8.  24 Hours a Day 49:11 

9.  It Takes Time 58:07

Formación

Rik Emmett – guitarra, voz

Gil Moore – batería, voz

Michael Levine – bajo, teclados

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OM - Om (1971) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

1968. De las cenizas de los ñoñipop Pic-Nic, ( donde estaba la cantante que "a todos ponía cachondos", Jeanette), apareció OM. Esto es, una idea de Toti Soler y Jordi Sabates. El primero salvaje guitarrista, por entonces, enamorado de Jimi Hendrix y la psicodelia más fuzz. El segundo, teclista exquisito amante del jazz y pronto del jazz rock.

En principio, la cosa iba a ser una especie de "cooperativa musical" para acompañar y dar nuevos arreglos, además de una visión más actual, a los trabajos que se les presentaran. La verdad es que estaban hasta los cojones de arreglos trompeteros y violines chorreantes metidos a traición por todas las discográficas. Ellos y todos. Así que la idea pintaba bien. Dos trabajos destacan sobremanera de ese primer período "Omiano" : El single de María del Mar Bonet, "Jo em donaria  a qui em volgues" (1969). Y el primer lp de "Dioptria", de Pau Riba. Éste último es, dicho sea de paso, una obra maestra del progresivo hispano. Pero una cosa llevó a la otra. Y Toti Soler convirtió a OM en una banda anarco-jazz. "Hacíamos el bestia, nos inventábamos el repertorio de principio a fín. Una vez actuando en el Palau de la Música Catalana, a Manuel Elías le dio por decir todo el rato "moscas". Nos pasamos como 10 mts haciendo sonidos que pareciesen moscas, y la gente tan contenta".

A la par que el álbum y en el mismo año 71, aunque un poco antes, apareció un single con dos temas no incluidos en éste. "Vindra la Llum " (único tema cantado por OM) y "Waiting of Godot". Corte más hard rock que psych. 

Pero cuando el grupo entra en los estudios Gema, entre el otoño e invierno del 70-71, su sonido está ya lejos de lo que iniciaron hacía un par de años. Las influencias psicodélicas se han diluido. Y en su lugar hay una fuerte impregnación de jazz rock norteamericano. Concretamente, andan pillados por Miles Davis y sus discos de entonces, entre ellos "In a Silent Way" y "Bitches Brew" (ambos del 69). Y el definitivo "Live Evil" (70), manual de instrucciones perfecto para OM.

En sus inicios, el ir y venir de músicos en su formación fue constante. Algunos de ellos fueron el norteamericano Joe Skladzien (cantante y armónica ), que grabaría a su nombre el single "hOMe" (1970), junto a la banda. Doro Montaberry, o los hermanos Peter y Tim Hodgkinson. Éste último se iría a su Londres para formar la leyenda Henry Cow. Al final, la formación más estable fue Soler, Sabates, Manuel Elías  (bajista veterano de las jams del Jamboree barcelonés  en los 60) y Peter Hodgkinson en la batería. Si bien en el disco también colaboran Juli Llorens (fiscornio y saxo), Martí Soler (percusión ), Roma Escales (flauta), Alfonso de Lucas (contrabajo) y Pedro Van Eeckout (batería ).

"Excusa 6/8" (12'21) luce radiante por su sección rítmica entusiasmante. Y la guitarra en ebullición de Toti Soler. Los vientos de Llorens nos llevan a territorios progresivos similares a otras agrupaciones europeas con el mismo santo patrón,  el Miles. Como Kraan, Munju, Dzyan, If o Perigeo.

En realidad, es "No no sap Ningu" (6'21)el único corte donde aparece Jordi Sabates. Pero su interpretación es excelente. Tanto como la flauta de Escales. En alegre interacción entre todos los instrumentos. En la cara b, "Zitro's Ache" (5'33) es un corte muy experimental. Soler se encarga del violoncello, recordando a Miroslav Vitous. Y Llorens carga el ambiente con todo su arsenal de sóplidos. Martí Soler ayuda en batería y fondos de órgano,  creando un sonido muy kraut.

Finalmente, "Excusa n1" (12'51), agarra la base del "Jumping Jack Flash" stoniano y la moldea hacia tierras apenas pisadas por el hombre, todavía. Dicese de las salvajes Jams improvisadas de "Bitches Brew". Aquí el paroxismo instrumental es prevaleciente y espectacular. Dejando claro que aunque OM es el vehículo loco de Toti Soler (compone todo, incluidos los temas del single), esto es un aquelarre improvisatorio donde todos tienen fuerte protagonismo.

Una última encarnación de OM incluía a Paul Stocker al saxo. Dejando claras sus inclinaciones internacionales. Y para que no haya duda de esto, se marcaron una gira nacional como banda de apoyo de Taj Mahal.

Se habla de un segundo disco nunca editado, (y más compuesto!), titulado " La Mariposa de la Muerte".

Jordi Sabates montaría los indispensables Jarka y Toti Soler tendría una brillante carrera en solitario. Ambos hicieron discos juntos. Pero el único álbum de OM, dio paso a lo que sería el jazz rock laietano. Fueron los  primeros.

Los de WahWha se marcaron una edición en vinilo a todo lujo. Con la preciosa portada abierta, póster no menos bonito, el single tal cual salió,  y un libreto que parece una revista, por su riqueza de datos y memorabilia. 500 copias salieron....suerte!!!

Temas

1.- Excusa 6/8 - 12:21 

2 .- No Ho Sap Ningú - 6:21 

3.- Zitro's Ache - 5:33 

4.- Excusa Núm. 1 - 12:51 

5 .- Vindrà La Llum - 4:27 

6.- Waiting For Godot - 4:34

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FRANK ZAPPA AND THE MOTHERS OF INVENTION: UNCLE MEAT (1969) (colaboración Alberto Torró)

En un principio se trata de una película inacabada, porque Zappa también se adentró en la producción de películas como lema de su  “continuidad conceptual”. En sus propias palabras no hubo suficiente dinero para completarla y la cosa quedó en un doble LP conceptual que a día de hoy es un clásico fundamental para entender su música.

Uncle Meat es un disco hiper trabajado segundo a segundo de música y podría considerarse como uno de los discos de jazz-rock vanguardistas más extraños y fascinantes grabados en esa época de estado de gracia musical que fueron los finales sesentas y principios de la rica y original cosecha de los setentas. Esto es música con mayúsculas y aunque seguimos encontrando falsetes vocales y mucha ironía, la composición musical lo ocupa todo. Es un disco difícil en primera escucha porque contiene muchos pasajes de música puramente contemporánea y experimental pero también mucha estructura melódica típicamente zappiana. 

Frank se juntó aquí con toda la peña de sus habituales  y excelentes músicos: el superdotado multiinstrumentista Ian Underwood. El teclista Don Preston, pionero en sacar sonidos exclusivos en los teclados y primitivos sintetizadores. La impresionante percusionista Ruth Komanoff  futura esposa de Ian Underwood. Los corrosivos e impresionantes vientos de Bunk Gardner y Motorhead Sherwood. El triplete de baterías: El indio Jimmy Carl Black, Billy Mundi y Artie Tripp sacudiendo de todo. Amén del bajista Roy Estrada y el inigualable vocalista de los tonos imposibles Ray Collins. La grabación de este disco duró medio año y el resultado es realmente como una extraña orquesta haciendo música irrepetible. La alegre melodía de Dog Breath Variations, por ejemplo, se va a quedar en tu mente como antidepresivo natural forever. Pero no solamente eso, ya que una vez que entras en una escucha meticulosa…te va a encantar de principio a fin. La pieza fuerte de este trabajo es King Kong. Una suite que ocupa la cuarta cara del vinilo y ríete tú del concepto que tienen algunos de la música progresiva…porque esto sí que es auténtica música progresiva. King Kong puede parecer un largo desarrollo de jam improvisada, por sus constantes relevos solistas entre instrumentos en un ambiente que parece free jazz. 

Pero no nos engañemos Zappa lo escribía todo, lo estructuraba todo y lo controlaba todo…y eso a veces le costó el cabreo de alguna luminaria virtuosista como Jean Luc Ponty y otros super músicos que colaboraron con él que se despacharon a gusto calificándolo de tirano. Los grandes nombres de la historia de la música han pasado por los mismos calificativos de intolerantes, egocéntricos. De Mahler a Miles Davis pocos se salvan. En definitiva este disco es fundamental en la discografía de nuestro héroe.

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