Grinderswitch fue una banda de rock sureño procedente de Warner Robbins, Georgia. A pesar de firmar por Capricorn Records, la compañía estrella de este género musical, no tuvieron el reconocimiento que sí lograron bandas como The Allman Brothers Band o The Marshall Tucker Band.
Grinderswitch tuvo un recorrido desde 1973 hasta 1982 editando en ese periodo seis discos : "Honest to Goodness" (1974), "Macon Tracks" (1975), "Pullin' Together "(1976), "Redwing"(1977), "Right On Time (1980) y "Have Band Will Travel (1981)". Su mayor éxito lo obtuvieron con el tema "Pickin´the Blues".
El concierto se realizó en el Atlantis Club de Atlanta en 1977. El "setlist" lo podemos dividir en dos partes. En la primera tenemos cuatro temas cortos de su disco "Redwing": "Redwing", "You And Me", " Watermelon Time In Georgia" y " That Special Woman ". Gran rock sureño. En la segunda parte los temas pasan de los diez minutos con multiples improvisaciones y mucho feeling mezclando blues y rock sureño. "Kiss The Blues Goodbye" es una composición de su guitarrista Dru Lombar, "You Gonna Miss Me When I'm Gone" es una versión de un tema de Albert King y finalizan con "Taste of Love" catorce minutos de explosión sureña. La banda estaba formada por Dru Lombar (guitarra, voz), Larry Howard (guitarra,voz), Joe Dan Petty (bajo,voz), Rick Burnett (batería ) y Stephen Miller (teclados, voz). Excelente sonido.
J.C.Miñana
Temas
01. Redwing 00:00
02. You And Me 05:30
03. Watermelon Time In Georgia 08:37
04. That Special Woman 11:30
05. Kiss The Blues Goodbye 14:18
06. You Gonna Miss Me When I'm Gone 25:55
07. Taste Of Love 39:50
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La verdad es que gozamos de una pequeña escena retro-psych, (convenientemente actualizada), de un tiempo a ésta parte. Lo que pasa, y pasa siempre, es que los involucrados nunca reconocen tal escena. Os lo digo yo, que he visto éste país, a temporadas, como un secarral absoluto. Por eso no podían faltar por aquí los hispano - franceses, Cachemira. Formados en Barcelona en 2016 y pertenecientes a otras ilustres bandas del gremio, como 1888, Prisma Circus o Brain Pyramid. Pol Ventura (bajo) provenía de los primeros. Alejandro Carmona (batería) de los segundos. Y Gastón Laine (guitarra y voz) de los terceros. Siendo el ingeniero de grabación otro miembro de Brain Pyramid, Baptiste Gautier-Lorenzo. Tocan tanto como pueden y les dejan, a veces acompañados por colegas de armas como Wedge, Imperial Jade, Sacri Monti o Electric Monolith.
Ya en 2017 lanzan su debut, "Jungla", bajo el amparo de los italianos Heavy Psych Sounds, y por esas tierras saben un huevo del asunto.
La instrumental "Ouverture" (4'01) ha sido comparada con "The End" de The Doors, por sus volátiles arabescos de guitarra. También Rory Gallaguer era habitual en esas artes. Pasado el primer minuto, su ambientación huele más a Taste, o a sótano húmedo psico-kraut, de olvidados genios como Gila, My Solid Ground o Eulenspygel. Estupenda tarjeta de presentación con la máquina del tiempo señalando a los primeros 70. Contribuye un sonido de fondo de teclas en levitación que no viene en créditos. ....Quizá un efecto de la guitarra?...
"Sail Away" (7'27) es acid blues corrosivo, del que quema entrañas a base de implacable wah wah hendrixiano y sección de ritmo arrasadora. La voz, de perfecta apariencia stoned, como debe ser, funciona en el contexto con muy buena impresión. Fases experimentales psicotronicas desembocan en ríos de lava eléctrica a la Ax Genrich (Gurú Guru) o Holger Schmidt (Tiger B. Smith).
Como las hordas salvajes de Jerjes El Grande entra "Goddess" (8'19)......aunque un remanso de líquida psicodelia pone en funcionamiento el tema por otros derroteros a los iniciales. Digamos que en modo blues rock-jam desfase, con fugas de wah wah y escapes del bajista, tan ácidas como la sangre de un Alien. The Groundhogs, Pink Fairies, Dark o primeros Stray en la ecuación. La batería destroza todo raciocinio cabal con una enloquecida intervención, que deja a Ginger Baker hecho unos zorros.
"Jungla" (6'17) tiene un comienzo a lo clásica de Thin Lizzy. Aunque el planteamiento posterior está más cerca de Bakerloo, May Blitz o Chicken Shack ("Imagination Lady" era). Pero a más revoluciones. Es otra instrumental con la calidad jammy de un outtake de San Hendrix.
"Overpopulation" (4'36) fue el single digital que sirvió para dar a conocer a Cachemira. Otra aplastante demostración de poder eléctrico, cuidando un arreglo casi jazzistico, en la más pura tradición Cream / Mountain.
En total 33 densos minutos sin desperdicio que reafirman lo dicho al principio. Que la escena heavy psych de aquí está en horas muy altas. Ahora hace falta que se de cuenta de ello el respetable. Porque con "festivales psicodélicos" como los de mi ciudad, por ejemplo, la cosa parece más una broma o un FIB (Festival de Insulsos Blasfemos), ñoño, popy y de psicoñecos de la Señorita Pepis. Que la psicodelia fue otra cosa, hostia, un poco de nervio, aunque sea bajo estimulantes.
El fenómeno social que supuso "Jesús Christ Superstar" en 1970, trajo un buen montón de discos prog de parecida temática. Sin sorpresas, siempre he considerado esa ópera rock, ( manera rimbombante de denominar a un concept album), como prog rock.
Aún recuerdo al cura que nos daba religión en la época, poseído por el maligno, advirtiéndonos de lo aberrante y blasfemo de aquel espectáculo. Seguramente no intuía que su diatriba estaba dando precisamente los efectos contrarios en la mayoría de nosotros.
Ante todo, está claro que la primera versión inglesa, con un Jesús muy bien elegido en el "cantante del momento", Ian Gillan, influyó sobremanera. Los Purple se oían hasta en los autos de choque. Esa tradicion llega hasta hoy. Desde Dennis DeYoung (Styx) como Pilato, hasta Sebastián Bach (Skid Row) o Gary Cherone (Extreme, 5 mts en Van Halen) como "Jesuses", la cantera hard & heavy ha dado brillantes personajes a la obra. "Pa que luego digan de los jevis, si son un pedazo pan".......
El RPI dio también sus frutos orientados por ese palo. "La Bibbia" de Il Rovescio Della Medaglia, sin ir más lejos.
JET fue un grupo de Génova que editaron un puñado de singles, y éste "Fede Speranza Carita "que supuso su único álbum, editado en 1972. Hoy un holy grail coleccionista, aunque ha disfrutado de variadas reediciones en LP y CD. Ellos eran Carlo Marrale (guitarra y voz), Piero Cassano (teclados), Aldo Stellita (bajo, voz) y Renzo "Pucci" Cochis (batería). Cantado en su idioma nativo, como debe ser, para mantener la idiosincrasia de su música, el grupo se debatía dramáticamente (en todos los sentidos), entre el early hard rock, - que hoy también llamarían prog -, y el progresivo reinante de su país.
El tema-título inicia la obra con sus buenos 10'36 mts.Muy Deep Purple / Uriah Heep de esas fechas. Son bandas que influyeron mucho en el prog italiano, junto ELP y Jethro Tull. Con excelente cantante, órgano predominante y....... cambio jazzistico a la Colosseum / Warm Dust bastante inesperado, la verdad. Bajo cavernoso-retumbante, batería de aroma jazzy, y drama, mucho drama, que para eso va la cosa de rollo cristiano y hay que dar miedo. Elemento que tiene que imperar en toda religión "best-seller" que se precie . El verdadero cáncer de cualquier sociedad.
Pero JET le saca tajada con potencia, oscuridad ambiental necesaria, aptitudes instrumentales y grandiosa clase hard-prog. Éste tema en vivo tenía que arrasar. Su parte final "toma prestado" un arreglo del "You Keep me Hanging On" de Vanilla Fudge, otra esencia más de la banda.
"Il Prete E Il Pescatore (Fede)" (11'10) casi te sitúa en territorios del "The Yes Album", con un Hammond muy Tony Kaye. Pero que va, eso es muy positivo para las pretensiones de la banda, y pronto pasan al "Very 'Eavy, Very 'Umble" de Uriah Heep, en similar filosofía, y una voz sin envidia hacia David Byron. No obstante, es un tema relajado y sinfo, que tendría buena comparación nacional con el "Ciclos" de Canarios. Puedes asegurar que es una "experiencia religiosa" en toda regla, de lo bien que suena.
En la segunda cara, "C'e Chi Non Ha (Speranza)" (6'35), con envoltorio acústico, percusiones y fondo de Solina, mientras el cantante narra en tono suave y cálido en crescendo, es otro elegante exponente del saber hacer de JET. Bonito y casi radiable. Juegan con el stereo al viejo estilo de la época, (que a mí me encanta, por cierto).
Vuelve el hard del principio (moderado) para "Sinfonía Per un Re (Carita)" (7'59), pero sólo como intro. Tenemos violín invitado y más efluvios sinfónicos, intercalados con algún arrebato duro que se queda en amago. El drama y la chunguez existencialista se cierne sobre una música, por otra parte, magnífica. Que no anda alejada de sus coetáneos Museo Rosenbach, Il Balletto Di Bronzo, Semiramis, Campo Di Marte, New Trolls o Biglietto Per L'Inferno. Poca broma.
"Sfogo" (3'39) finaliza la "liturgia" con un tema más ligero, casi jazz-funk-rock a la Fusion Orchestra. Como para darnos ánimo positivo después de las "penurias depresivas" a las que nos han sometido. Debe ser como echar el vermú después de misa de 12 en domingo. No sé, la última vez que hice tal experiencia me echaron de la iglesia. .....y ya te digo que no fue de crío, hace cinco años, exactamente. Las empalmadas son "asín de aventureras"....
No es que estemos hablando de un "capolavoro" del RPI, pero sí de un notable álbum producto de su tiempo. Que se escucha "divinamente", vaya. Lástima que su trayectoria fuera tan corta. Al menos la buena......Porque poco después de esto, entró una señorita como cantante y el batería de Museo Rosenbach, (que ambicionaba un nivel de vida superior). Metamorfoseandose en .......Matia Bazar !!!!!!
.........Eso les pasa por cristianos. Menudo castigo divino.
J.J. IGLESIAS
Temas
A1 Fede Speranza Carità 10:54
A2 Il Prete E Il Peccatore 11:08
B1 C'è Chi Non Ha 6:34
B2 Sinfonia Per Un Re 7:58
B3 Sfogo 3:39
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Dejaremos el "Tardigrade" de Simon Says que debía comentar Alberto Torro hoy, y que por avería electrónica me toca cubrir a mí. Puñetera, la jodida tecnología extraterrestre, todavía no aprendida al 100 % por los humanos. Y así va, a pedales. Pero que sería de nosotros sin ella......Pues que nos iríamos al otro barrio sin catar discos como éste, por ejemplo. Y muchos más fuera del alcance del pobre (sic) mortal.
"Ginbae" fue el único álbum de la banda japonesa de mismo nombre. Único tortazo sonoro al nivel de Mohammed Alí, que deja K.O. a mucho famosete occidental. Y que, con un precio entre 800 y 1000 €, se pone lejos de nuestras manitas en formato físico, (no me consta reedición salvadora, de momento). Así que con el PC en condiciones, asunto resuelto. Poca, casi nula info de la banda. Me las he visto para conseguir los títulos de las canciones en idioma comprensible. Los miembros tienen nombre......algunos, y no entero. En fin, mis averiguaciones dicen que el cantante se llamaba Shirashi (muy posible guitarra, también ). Shinyunsuke Nakamura es lead guitar, Kenya el bajista y Hokuto el batería. Puede hasta que haya más miembros. También, para liarla más, hay una banda llamada Ginbae Yokohama que hacen rock'n'roll guarro que dudo tengan relación. En fin, a lo que vamos, que éste disco es una rotunda revelación si te gusta el hard rock 70s con querencia proto metal.
"Tolulene" (6'29) inicia éste maratón cañero de qualite con toques de Black Sabbath ("Sabotage" era), o incluso Judas Priest de la misma época. La voz, ese gran problema para algunos, suena japonesa pero no estridente, ni amanerada, ni como Heidi con diarrea. La orgía guitarrera es digna del tándem Tipton / Downing. Se rumorea que los aplausos entre canciones son un truco de estudio, y es muy posible, porque aquí no hablan ni presentan canciones, ni miembros ni nada. Otro misterio más de éste disco.
"Rock'n'Roll People" (6'10) tiene ese aire chulo de futbolín de barrio (a alguno le sonará esto a chino, más que a japonés), a lo Deep Purple en hard blues modo tirando hacia el "In Rock" / "Fireball". Desde luego el aura Blackmore quiere ser atrapada. Con éxito, porque en una perfecta dual guitar, emulan las típicas notas altas al unísono entre Gillan y Blackmore.
"Rebiatan" (5'46) sigue con el sonido púrpura, aunque más cerca del "Come Taste the Band", en combinación con voz grave y gritos a la Hughes. De nuevo el grupo demuestra su excelente forma. Justo como hubieran sonado Purple con twin guitar. Y mola.
Damos la vuelta (virtual) al vinilo, y "Sazanga Part I" (2'47) es un bello instrumental de guitarras tejedoras, con la afinación progresiva de unos Jane.
Continúa "Sazanga Part II" (6'55) en la que cantan solista por lo menos dos miembros, en frases intercaladas. Juraría que hay un órgano de fondo, permitiendo más sofisticación en ésta segunda cara. Y llevando el tema a un clímax similar a Grand Funk Railriad en sus típicos largos cortes.
La sombra púrpura es alargada, y en la final "Anne of Green Gables" (7'21) sigue inspirando a Ginbae, que no clonando. Sus partes instrumentales también llevan referencias Budgie, convenciendo plenamente a éste escriba de que, si me toca la primitiva, éste disco cae.
Derroche de watios bien colocados y soberana lección hard (a veces prog) para muchos.Archivese con los primeros Loudness, Murasaki, Gedo, Strawberry Path, Mariner, Nokemono, Too Much, Flower Travellin' Band o Lazy. MADE IN JAPAN.
J.J. IGLESIAS
Temas
1.Toluene .... 6:29
2.Rockn 'Roll People .... 6:10
3.Rebiatan .... 5:46
B
1.Sazanga Rock parte 1 2:47
2.Sazanga Rock parte 2 ..... 6:55
3. Anne de Green Gables ..... 7:21
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A pesar del nombre de ésta banda británica, dos fueron sus líderes. Por un lado el sobresaliente teclista Morgan Fisher. Cabeza visible de la misma, que venía de los Love Affair en los 60, y sería más conocido como teclista de Mott the Hoople. También de sus escisiones, como Mott y British Lions. Además de Third Ear Band, Medicine Head, Yoko Ono y un sinfín más. En 1982 participó como teclista de apoyo en la gira de Queen. Y ahí tenemos la otra conexión con ésta banda. El cantante y guitarras acústicas, Tim Staffell.
A menudo vemos que detrás de toda gran banda, hubo grandes perdedores. O miembros que dejaron pasar el tren por precipitación en el abandono de la misma. Pete Best (Beatles), Dick Taylor (Rolling Stones), Terry Reid (Led Zeppelin / Deep Purple), Bob Klose (Pink Floyd) o Jeff Jones y John Rutsey (Rush), serían buenos ejemplos.
Tim Staffell fue el culo-inquieto que no tuvo paciencia en Smile. Prometedor power trío en el que también estaban los desconocidos Brian May y Roger Taylor. Sólo seis temas fueron grabados por Smile a nivel promocional. Pero en ellos ya se vislumbraba a las claras que el estilo de los próximos Queen ya estaba prefijado. Luego llegaría Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury, (con el estilo vocal directamente heredado de Staffell), y lo demás es historia. Ahora se han acordado de él, porque les convenía. Para regrabar algún corte de Smile para el biopic de la banda que lo va a petar. Por lo menos se echará unas libras al bolsillo, el buen hombre. Además de los royalties de "Doing All Right", del primer album de Queen (tema de Smile). El resto de Morgan eran Bob Sapsed (bajo) y Maurice Bacon (batería). Dos desconocidos que destacan sobremanera en toda la grabación. No deja de ser curioso que los fiche la RCA italiana. Pero con el frikismo prog que se vivía en ese momento en aquel país, no me extraña nada.
En 1972 sale "Nova Solis", grabado en los RCA Studios de Roma, con todos los atributos de los grandes del momento. Componen Fisher y Staffell.
"Samarkhand the Golden" (8'04) debe principalmente a ELP, pero con un vocalista de línea Jon Anderson. La sección rítmica es también muy Yes. Atención a Sapsed y su "squirecaster". Morgan Fisher se sobra con el Moog y el Hammond lo que quiere. Sus desfases son comparables a Emerson, pero también a un desconocido Duncan Mackay y su colosal "Chimera". Menuda "ensalada de cerebros"; para comenzar. Algo así como un "Tales from Topographic", tocado por Triumvirat. Eso sí, Staffell no puede evitar su "deje Queen", que por otra parte nadie le puede reprochar. Porque como diría Freddie, "mis queridos", eso pertenece a él. Y es que éste cantante se merece por sí sólo un artículo - homenaje.
Como se deja ver en "Alone" (5'17), nostálgica pieza perfecta para la voz y cuerdas de Greg Lake. "War Games" (7'03) deja claras sus intenciones. Power sympho de speedicas teclas y majestuosa épica instrumental. Situate si te nombro a The Trip en el álbum "Time of Change", para entendernos. Morgan Fisher se lo pasa en grande, como buen "chupón de las teclas", emulando a los "Wakemerson", con la tranquilidad de jugar sólo en el campo (no hay guitarra eléctrica).
La segunda cara nos depara la tremenda "Nova Solis Suite" (20'17), dividida en nueve partes que incluyen desde fragmentos de Holst, a dos piezas de Smile : " Earth" (una de las seis que grabaron y que puedes oír en el no-oficial de Queen, "In Nuce"), y "May i Remember". Imagina "Tarkus" y "The Six Wives" con una voz a la Mercury. Pues eso. Total dedicación al prog más sinfo y espectacular, que seguro maravilló a la parroquia spaghetti.
Un disco soberbio si te van éstas músicas, que te van, que lo se yo, si no "pa rato" lees hasta aquí. E indispensable para Queen die-hards, por todo lo que supone. Fue reeditado en vinilo por Black Widow (Italia de nuevo) en 2001, e imagino que está más descatalogado que Rajoy. Al año siguiente saldría "The Sleeper Awakes" (1973), también conocido como "Brown Out", y que mantenía el mismo nivel de divina excentricidad progresiva. Y yo lo busco.
Después de Morgan, sus dos líderes tomarán distintos caminos. Fisher se fue a Japón, haciendo jingles , arreglando horteradas para japos, tocando música de improvisación, y dedicándose a su otra gran pasión, la fotografía. Tim Staffell ha estado dando tumbos, tocando por pubs en Inglaterra, y contando a todos lo tonto que fue. Claro que May y Taylor deberían retomarlo y juntar de nuevo Smile. Ah, perdón, a veces me olvido en qué plano dimensional me muevo.....Que la decencia aquí no está bien vista.
J.J. IGLESIAS
Temas
A1 Samarkhand The Golden 8:04
A2 Alone 5:17
A3 War Games 7:03
B1 Nova Solis Suite 20:17
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Uno de los temas que más me gusta de los ZZ Top es sin duda "Blue Jean Blues". Pues bien, Melvin Taylor interpreta una de las mejores versiones que he oído de esta composición. Fuerza, sentimiento y sensibilidad.
Melvin Taylor nace en Jackson en 1959. A los tres años se traslada con sus padres a Chicago. Su tío Floyd Vaughan y su tía abuela, Rosetta Tharpe, le enseñan a tocar la guitarra a los seis años y comienza a interesarse por la música de Albert King, Jimmy Reed, Wes Montgomery y por supuesto de Jimi Hendrix. Se une a The Transistors cambiando la orientación musical de la banda hacía el blues. En los 80 se une a Pinetop Perkins y "Big Eyes" Willie Smith de la Muddy Waters Band para formar The Legendary Blues Band y realizar un tour por Europa. Se establece en Francia y graba sus dos primeros discos: "Blues on the Run"(1982) y "Plays the Blues for You"(1984). A su regreso a Estados Unidos publica cuatro trabajos para la discográfica "Evidence Music: Dirty Pool" (1997), "Melvin Taylor y Slack Band" (1995), "Bang That Bell" (2000) y "Rendezvous With the Blues"(2002). Y bajo su producción edita: "Beyond the Burning Guitar"(2010), "Sweet Taste of Guitar"(2012) y "Taylor Made" (2013).
"Rendezvous with the Blues" es el sexto disco de Melvin Taylor editado el 25 de Junio de 2002. Melvin es un magnífico guitarrista que mezcla sabiamente el blues con otros géneros como el jazz, el rock o incluso el soul. La banda la completan Lucky Peterson (Teclados, guitarra), Mato Nanji (guitarra), Dave Smith (bajo), Steve Potts (batería) y la sección de viento compuesta por Marshall Cry (trompeta), Jerry Mallet (saxo tenor) y Sidney Janise (Saxo baritono).. La grabación contiene diez versiones de temas bastante conocidos. Es disco se inicia con "Comin' Home Baby", tema del gran bajista de jazz Ben Tucker (Art Pepper, Billy Taylor, Quincy Jones, Grant Green, Dexter Gordon, Hank Crawford, Junior Mance,Herbie Mann) . Continua con "Help The Poor" compuesta por Charles Singleton (coautor de "Strangers in the Night") y popularizada por B.B.King. El tema que da título al disco "Rendezvous With The Blues" es una composición de Jimi Hall y Douglas Gordon. "I'm the Man Down There" es un clásico de Jimmy Reed donde Melvin entrega todo su potencial. Llegamos al tributo a John Lee Hooker compuesto por dos composiciones: "Chill Out" y The Healer", escritas por Lee Hooker y Santana. Otro clásico del blues llega con "Help Me" de Sonny Boy Williamson, Ralph Bass y Willie Dixon. Tenermos de todo hasta uno de Prince, "Five Women". Por supuesto el tema estrella es "Blue Jean Blues" (ZZTop), pelos como escarpias. El disco se cierra con "Eclipse de Eric Gales, gran guitarrista blusero y "Black Queen" de Stephen Stills. Magistral.
J.C.Miñana
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Habitualmente, suelo expulsar sapos y culebras por ésta linda boquita cuando me refiero a aquella cosa abominable llamada New Age. Con razón . Claro que en tiempos de trap, reggaetón y demás torturas del infierno, aquello se quedaba como hasta algo benigno y todo.
Habría que aclarar que en su inicial empuje, venido directamente del misticismo hippie de los 70, fue una escena con muy buenas pretensiones artísticas. Las culturales, religiosas, espirituales y espirituosas, las dejaré al libre albedrío y elección del amable lector. Si amigüitos, la primera hornada New Age podría haber sido el desarrollo de parte de los logros musicales de la anterior década. De indudable calidad y todavía con el olfato experimental /investigador bien adiestrado. Justo sería decir que sin los Hillage, Oldfield, Vangelis, Jade Warrior y muchos más, nada de aquel inicial " nuevo despertar espiritual" musical, nunca hubiera funcionado. Y que el empuje de la recién nacida New Age, se debió a desencantados , engañados y traicionados progsters , (hola Alberto!), abandonados a su suerte, en una decrepita "Enterprise" que navegaba sin rumbo en un cosmos lleno de flamantes naves de colorines new wave.
Este inocente "despertar Zen ", pronto se encontró con la buitrada discográfica. Lanzándose en picado hacia esos tiernos borreguillos , antaño progres, y ahora con la cartera bien llena merced a sus nuevos trabajos de vida yuppie. Y claro, la cosa pronto se pudrio. Dejando un hedor a mierda y cadaver todavía más desagradable que el de las prog bands recién fenecidas. Al fin y al cabo, ésas se "murieron solas", de muerte "natural".......Los cojones. Se murieron bien muertas, de asco e indiferencia a causa del ostracismo al que les condenaron los medios. Andy Tillison lo dirá en tono muy romántico, pero yo no. Así pues, si escudriñamos en el inicial movimiento Nueva Era, todavía podemos salvar cosas honradas e interesantes. Laraaji, Harold Budd, Patrick O'Hearn, Kitaro, Guillermo Cazenave, Steven Halpern, Jon Hassell, Gandalf, Paul Horn, Jon Mark, gente del catálogo ECM como Egberto Gismonti u Oregon. Músicos procedentes del jazz rock explorando la nueva cosa, como Ian Carr, Karl Jenkins o Bárbara Thompson...
Emerald Web fue un dúo procedente de Florida. Bob Stohl y su mujer Kat Epple. Ambos sintetistas / flautistas. De hecho, ayudaron al desarrollo del Lyricon, instrumento teclado de viento. Muy activos en los 80, hicieron TV soundtracks, música para National Geographic, CNN, Apple, NASA y documentales de Carl Sagan. Ganaron varios premios Emmy y eran habituales en eventos musicales de Planetariums y Láser shows. Su mezcla de electronic-space e instrumentos acústicos era sencillamente, deliciosa. Tuvieron una nominación al Grammy en el 86 por el álbum "Catspaw". Todo iba a pedir de boca para éste dúo hasta que, literalmente, la muerte los separó. Stohl muere en 1990 a los 34 años. Como si ésa tuviera que ser la única década - franja temporal para su actividad. Epple siguió como artista en solitario. O invitada en otros discos, como el "Ghost" del pirao de Devin Townsend.
"The Stargate Tapes 1978 - 1982" contiene material inédito de su primerísima etapa. Incluye sus iniciales cuatro cassettes editadas en su propio sello, Stargate, cuando estaban dando todavía sus primeros pasos. Y por consiguiente, sin ningún tipo de adulteración externa. El sonido de Emerald Web es la flauta, la fina electrónica de impecable sabor analógico 70s, (por fortuna), alguna grabación de campo y un finísimo gusto melódico. Como pareja, evidencian una perfecta sincronía. Mejor compatibilidad entre músicos, imposible.
"Dawn" es un verdadero paraíso sonoro de belleza instantanea. "The Dragons Gate" ofrece perfecta secuenciación berlinesa, en simbiosis con la flauta. Algo que hasta Tangerine Dream harían en aquel "Cyclone", cada vez más valorado conforme pasan los años.
"Ars Nova" podría ser cosecha de Anthony Phillips (incluye guitarras) o Blonker. "Flight of the Raven" cuenta con la bonita voz de Kat Epple, en enigmática tonada a lo Sally Oldfield (...y el hermano no anda lejos). Su ruptura ambiental nos trae un enjambre de moogs zumbadores que envidiaria papá Wakeman.
"Voices of the Stage" entra dentro de la krautronica más ortodoxa, nada mal planteada y de extraña fascinación fílmica. Simplemente entusiasmante.
A partir de la cara B, (el album es doble), los temas crecen en duración. "Photonos" suena a un Bjorn J:son Lindh evolucionado con ADN y sangre schulziana. "Doppler Bells 1" se equipara a lo mejor de Deuter (y de hecho, el grueso de su decena larga de álbumes son del sello Kuckuck).
"Rainforest" es otra sensacional pieza sinfo-electrónica que te hará olvidar ese incómodo nicho/sambenito New Age totalmente. En su segundo disco tienes por descubrir más exquisitos tesoros de un refinamiento intachable. Sirva ese final "Nightsong" que desprende perfume "In the Court....." como la mejor de las esencias King Crimson.
Post - progresivos, proto - New Agers ......la cuestión es que Emerald Web estaban creando música de muchos quilates, en una tierra de nadie o franja temporal indeterminada que los tenía sumidos en un más que injusto underground. Y eran una maravilla a descubrir.
Reivindicación al canto.
J.J. IGLESIAS
Temas
1 Dawn 2:12
2 The Dragons Gate 6:56
3 Ars Nova 3:10
4 Flight Of The Raven 3:01
5 Photonos 10:06
6 Doppler Bells One 0:46
7 Rainforest 6:11
8 Voices Of The Stage 3:19
9 Valley Of The Birds 11:51
10 Reflecting Pool 4:19
11 Openings 4:39
12 Nightsong 3:28
13 Chasing Of The Shadowbeast 10:32
14 Stepper 8:59
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Point Blank fue una banda que surgió a mediados de los 70 y que supo combinar el rock sureño que tenía en sus venas con ciertos elementos AOR. En Rockliquias ya comentamos su primer disco, "Point Blank" (1976), y hoy los recordaremos en su actuación en Memphis de 1981.
Poin Blank publica en 1981 su quinto álbum, "American Exce$$" con el que obtienen un notable éxito con el single "Nicole". An teriormente habían editado "Point Blank" (1976), "Second Season" (1977), "Airplay" (1979) y "The Hard Way (1980). Antes de disolverse en 1984 ve la luz "On The Roll" (1982). Posteriormente volverían a la carretera en 2005.
La grabación presenta el concierto de Point Blank en el Orpheum Theatre de Memphis en 1981. Estaban en plena gira de su disco "American Exce$$" y por ello el "setlist" contiene cuatro temas de ese álbum: "The way you broke my heart", "Cadillac Dragon", "The Getaway" y "Nicole". También podemos escuchar "Turning Back" de su cuarto disco "The Hard Way" y "Mean to your Queenie" del "Airplay". Como remate final nos deleitarnos con una excelente versión del Highway Star" de los Deep Purple. Aunque han perdido el sonido sureño siguen conservando la fuerza en su música con numerosos riffs y un "groove" muy especial. El sonido es bueno aunque el griterío de los fans molesta un poco.
J.C.Miñana
Temas
01 - Turning Back 00:00
02 - The Way You Broke My Heart 03:20
03 - Cadillac Dragon 06:20
04 - The Getaway 09;26
05 - Nicole 13:42
06 - Mean To Your Queenie 17:26
07 - Highway Star 21:40
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Electric Monolith es un "power trío" procedente de Barcelona e integrado por Oscar Chamorro (voz, guitarra), Pepo Villena (batería) y Ramón Vinya (bajo). En mayo de 2018 editaron su primer disco, "Resurrect the Dead". Nos pusimos en contacto con ellos para que nos contaran detalles del proyecto.
Rockliquias.- ¿De dónde viene el nombre de Electric Monolith?
El nombre Monolith está inspirado en la película de Kubrik 2001. Electric, hace referencia a la naturaleza eléctrica de nuestro sonido. Algo bastante usual en bandas de los 70.
El nombre del álbum ¨Resurrect the dead¨ está inspirado en la película ¨Resurrect dead: The mystery of the Toynbee tiles¨ donde se relaciona la película ¨2001¨ con la resurrección de los muertos
en el planeta Jupiter.
Rockliquias.- ¿Cuando formáis la banda y como fueron vuestros inicios?
Los tres somos amigos ya desde hace muchos años, y hemos trabajado juntos en multitud de proyectos audiovisuales y musicales desde 2000 en adelante. En mayo de 2016 Ramón y Pepe estaban tocando en ¨Twin Wolf¨ e inspirado por ellos, Oscar propone a Ramón montar otra banda, Electric Monolith. Aunque el nombre vino después. En un principio, la idea original era tener dos guitarras y dos voces pero al final acabamos simplificándolo todo y nos acomodamos en el formato power trío, lo cual hace mucho mas sencillas algunas cosas.
Rockliquias.- ¿En qué otros grupos habíais estado?
Pepo y Ramon ya habían compartido varias bandas antes como ¨Twin Wolf¨ (Stoner, Ocult Rock) o Kids pantera (RockigHardcore), por otro lado, Oscar y Pepo también habían compartido otro proyecto de, que nunca salió a la luz, “Living Torsos” (SurfRock).
Rockliquias.- Vuestra música ¿qué influencias tiene?
Nuestras influencias vienen tanto de bandas de los 60s como de los 70s, pero sobretodo del hard Rock, la pshicodelia, el blues y el rock progresivo. Evidentemente nos gustan bandas como: Black Sabbath, Led Zeppelin, Budgie y muchas otras cosas de la época. Todas ellas estarían en el trono.
Rockliquias.- En Mayo ve la luz vuestro primer disco, "Resurrect the Dead", ¿nos podéis contar detalles de la grabación?
Para la grabación del álbum nos fuimos a ¨La atlántida estudio¨ en Barcelona donde ¨Wero¨ nos ayudó grabando las pistas de batería. El resto del álbum se encargó de grabarlo Oscar en nuestro local de ensayo. La mezcla y el master se hizo en el estudio casero de Oscar. Poco más que comentar a parte del currazo que nos pegamos… jejeje
6.- El disco se inicia con "Resurrect the Dead" con claras influencias al hard rock de los 70 y en concreto a lo que hacían Budgie. ¿ Qué podéis comentar del tema?
Pues si. Budgie era una de las cosas que sonaba bastante en casa durante la temporada de composición y siempre ha sido una banda que nos ha gustado mucho a los tres, así que si… algo se
nos engancharía … jejejej
Rockliquias.- La segunda composición ,"Tainted Will", posee un gran riff y un "groove" que nos puede llevar a sonoridades a lo Mountain. Músicos jóvenes pero con bases del pasado con su toque personal
La idea del inicial para este tema era empezar con el solo de guitarra, luego fuimos añadiendo más partes. El resto salió solo de forma natural.
Rockliquias.- "Reflections of Mankind" tiene una entrada muy "hendrixiana" con guitarra "wah wah" ¿Los sonidos psicodélicos son importantes en vuestra música?
Si, por supuesto tanto Hendrix como el sonido del wah-wah, es algo que nos a marcado y desde el primer momento sabíamos que alguna referencia tenia que caer al respeto.
Rockliquias.- "Hold Me", es un tema corto que sirve de enlace a "Hole in the Sky", vuelve los grandes riffs y la voz que podría sonar lejanamente a la forma de cantar de Ozzy Osbourne
Pues “Hold me” es un tema que desde un principio concebimos para que fuese una pequeña pincelada en el álbum, aunque en realidad es un tema completo con sus partes y su solo. Es posible que más adelante publiquemos una mezcla del tema entero en algún otro álbum o single.
Por supuesto, Ozzy es un punto de referencia importante en todo nuestro trabajo.
Rockliquias.- El sexto tema, "Shade of Sorrow", nos engancha con su ritmo frenético y con una poderosa sección rítmica ¿Cómo estructuráis vuestro trabajo compositivo?
Generalmente, Ramón y Oscar componen los temas, después Oscar trabaja en los arreglos y en las letras. Si, la sección rítmica es un punto al que le damos muchísima importancia a la hora de componer. Los silencios son también importantes
Rockliquias.- "Reason Why" combina todo lo escuchado anteriormente, riffs geniales, rítmos cambiantes, batería y bajo perfectamente compenetrados para conseguir el sonido perfecto setentero. En directo ¿desarrolláis los temas con improvisaciones?
Lo cierto es que la improvisación no es nuestro plato fuerte. Aunque algunas ideas han salido fruto de algunas improvisaciones, no es realmente nuestra forma de trabajar. Cuando llegamos al local, normalmente ya tenemos una estructura bien definida.
En directo intentamos que el sonido sea lo mas similar al álbum, lo que no deja mucho espacio para la improvisación, aunque a veces le hacemos un pequeño hueco.
Rockliquias - "The Lonesome Road", dobles guitarras que casi nos pueden llevar a las primeras grabaciones de los Maiden pero con matices stoner.
En realidad nuestras referencias para esta canción, siempre fueron Sabbath y Leño, sobretodo de estos últimos, temas como “El tren” o “Sodoma y chabola”, que siempre nos a parecido un álbum
muy digno de mencionar. El tema de twin guitars viene quizás un poco más como influencia de las bandas de finales de los 70 que ya empezaban a hacer este tipo de arreglos y que después grupos
como Maiden integraron también en sus trabajos.
Rockliquias.- Poco a poco y bajo el sonido de la tormeta va llegando "Still Remember", tema con sonoridades blues . Sin duda el blues será uno de vuestros puntos de apoyo sonoro
Sin duda, el blues está presente en todo el álbum, aunque en este tema queríamos acercarnos un poco más al soul. En Still remember, hay influencias tanto de, The Beatles como de Joe Cocker o Captain beefheart y en general mucha música de los 50, 60.
La lluvia es un elemento que ayuda emocionalmente, pero también es algo que siempre habíamos querido hacer para un disco.
Rockliquias.- El disco finaliza con "Briefing", space rock a lo Hawkwind.
Es el mensaje secreto que escucha Bowman en la peliccila ¨2001¨ después de desactivar a HAL.
Rockliquias.- ¿Cómo van los conciertos de promoción?
Por ahora solo hemos presentado el disco en Barcelona y mas recientemente en el festival “Volcano sessions Vol.4” en Francia y la idea es que a partir de septiembre/octubre, empezamos a buscar
bolos a ver si hay suerte y podemos presentarlo tanto en la Peninsula como fuera de ella.
Rockliquias.- .- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?
¿Que somos pobres? jejejeje
Primero de todo y como defensores y consumidores del formato, también les diríamos que comprasen el vinilo. Por otro lado, si las referencias que hemos dado mas arriba os gustan, venid y juzgad vosotros mismos, nosotros intentaremos hacerlo lo mejor que podamos.
