Descubrí a ésta banda madrileña de la mejor manera posible, abriendo para Deep Purple en su gira "Abandon". Me sorprendió su actitud auténtica y sana caña hard rock 70s. Eran tiempos en que a esto lo llamaban "stoner" (para nada), cuando no era más que una continuación del legado setentero en la fusión de rock duro con blues.
Acababan de editar su segundo álbum "Ti", pero ya llevaban desde el 91, primero como trío y después como cuarteto. En 1996 editan su debut tras ganar un concurso. Un disco que no sólo deja ya bien presentes sus intenciones, es que va a ser material reciclado en muchos casos, para su segundo que hoy comentamos. En la actualidad siguen adelante, tras cerca de 2000 actuaciones, cinco discos, giras por UK y Canadá, y compartir escenarios con los mencionados Purple, Status Quo, Jethro Tull, Dr. Feelgood, Glenn Hughes, Cheap Trick o Pat Travers. No se amilanan. En "Underdogs & Outsiders" (2003), les acompaña al bajo nada menos que el desaparecido Greg Ridley, de Humble Pie, para tocar su clásico "Stone Cold Fever". No diré más, señoría.
Creo que "Ti" es su único álbum cantado en español. Quizá imposición de su entonces compañía, Locomotive. Que en ése mismo año les pide un tema para un tribute -album dedicado a Iron Maiden, donde participan con "Running Free". Buen gusto para todo. Aquí estaban los hermanos Jorge y Enrique Muñoz de la Torre, base donde se sustenta Tea en toda su historia. El primero a la voz y guitarra, y el segundo a la solista y slide. Borja Capponi era su portentoso batería. Y Pablo Rodas (Sex Museum) al bajo y acústica.
Y el party comienza. Estalla "No es Tarde", hard rock a bocajarro con ritmos blindados y wah wah + ritmica en corrosiva erosión mental y física. Finaliza con sureña slide y suena aplastante. Como un tema de Faces con intro acústica, así es "Ciega Confianza" , con alarde letristico y chulo, macarril ambiente a viejos futbolines con olor a marihuana. Humble Pie, inevitable recuerdo que siempre es bienvenido. Finura solista con solvencia dual y Rory Gallagher en pedestal. Los verdaderos AC/DC de Bon Scott se invocan levemente en las rítmicas de "Un Largo Camino". Batería que invita a saltar y beber.....a vivir. Y los mástiles se alían para una fiesta houserockin' de primera.
Cuerdas desenchufadas en conjunción con otras eléctricas, y la vista al sur para "Siempre a mi Lado". Entre sincera americana, polvo de carretera regional y un viejo disco de los Faces en la maleta. Órgano de fondo muy oportuno que rúbrica una bonita canción de amor.....quizá tan "sólo" de amistad, suficiente. Vuelve la onda macarril con "Lejos de Aquí", parches deudores de Keith Moon, y al resto les importa poco si es el 99 o el 69. El buen rock es lo que cuenta, y el tiempo una simple medida humana.
"Una Farsa Más" es un polvoriento camino olvidado de Oklahoma, o de Teruel, con slide del Delta como maestra de ceremonia en el cruce de caminos donde Robert Johnson hizo su "bisnes" con su dealer favorito. Luego entra el hard rock que Allen Collins amaba, y Tea lo sabe. Hace que prevalezca con orgullo de inmortal "grey ghost". El fulgor de los 90 acababa, y con él la cegadora luz de Black Crowes, pero en "Condición de Leyenda" todavía llegaban rayos de ésta. Tea se lucen especialmente en los medios tiempos, y "Malgastando Todo" no es una excepción. Filosofía Stones en acción, calidad de realeza en el rock'n'roll. Dedos pegajosos de sus Satánicas Majestades pringándolo todo, but i like. "Hace Mucho Tiempo" huele a sudor lujurioso de baile desenfrenado, bourbon y mostachos de Foghat. "Frío y Calor" ("Deep Dream" en su primer álbum), a lo mismo, pero con Bad Company girando en el plato. Mick Ralphs se apunta a ésta juerga de cabeza. Steve Marriott siempre presente, y "Adios Ayer" cumple de sobras sus preceptos nada santos. Cierran el bar con la delicadeza bluesy de "Sólo por ti", calma reflexiva después de la tormenta hard rock.
Y un disco para enmarcar, al que le tengo especial cariño (muchas pinchadas en el Hendrix Bar). Tea siguen adelante, "Calling the Shots" es lo último editado, y su pasión por el rock auténtico permanece inamovible.
Cuando uno escribe sobre música exclusivamente por placer y nada más a cambio, es algo parecido a cuando se pinta, se dibuja, queda con su banda para aporrear la batería, realiza música virtual que solo escucha él, se sienta en una terraza a beber cerveza, tomar vermú, charlar con otro outsider de lo irreverente, reírse del mundo y de la vida, o simplemente el día que no quieres ver a nadie, que en mi caso son muchos, tumbarse en el sillón mirando al techo sin hacer nada pensando en lo imbécil que ha llegado a ser el mundo y sus gentes yo mismo incluido en muchas ocasiones, porque de la idiotez nadie está completamente vacunado.
Si piensas en política te entra un malestar terrible porque solo ves esvásticas en un futuro próximo y psicópatas organizando la vida de los demás. Te preguntas donde están el espíritu crítico, el librepensador, el hombre de la ilustración. Todos son cada vez menos. La tecnología de hoy en manos siniestras diseñada especialmente para embrutecer o zombificar porque pensar es malo para el negocio. El fin está claro: eliminar la inteligencia. La importancia hoy de no creer absolutamente en nada ni en nadie es absolutamente vital. Desconectar por completo porque el programa de vaciar las mentes de contenido se extiende como la peste y la mentira absoluta que es la vida puede complicarnos la existencia si no llevas un traje de amianto. La música y las artes es al menos lo que nos amortigua en algo los letales efectos de esta aberración biológica y absurda. La música es un mundo paralelo a la realidad y al desastre. Siempre lo ha sido. Algunos dicen que es el mejor analgésico que existe para el dolor del espíritu, pero no para el dolor de cabeza que siempre es algo contra indicado. Hay músicas con contenido social y “físico” y otras exclusivamente para la evasión e imaginación. Estas son la que importan.
Roz Vitalis es una banda creada en San Petersburgo por el compositor y teclista Ivan Rozmainsky en 2001. Al principio era él solamente. Un caso parecido a Gennady Ilyin de los Tragedies, aunque su música es muy diferente. Ya vengo apuntando desde hace tiempo que el futuro de la música progresiva más inteligente se encuentra en las bandas que han adaptado la tradición clásica, académica o contemporánea o de vanguardia en una nueva forma etiquetada como “Chamber Rock”. En realidad, la fórmula inicial para definir esto se llamó hace décadas con mucho menos cuidado y refinamiento: rock in opposition, zeuhl, avantgarde y otras denominaciones ariscas por su tendencia sonora corrosiva y nada comercial. Esto creó un abismo entre el oyente y el intérprete. Generalmente yo como músico veía disfrutar a esos otros músicos en el escenario haciendo cosas extravagantes y sonidos extraños y por el otro lado caras de aburrimiento en la platea salvo a cuatro snobs dando el cante y haciéndose notar de “enteradillos”. La línea entre música y “tortura” no estaba ni está bien definida. El subir a un escenario a hacer un “happening” o una “performance” fue muy común en las esferas pseudo-intelectuales de mi época. Daba igual lo ridículo o lo genial, términos ambos vacíos de contenido. Una propuesta musical debe captar la atención, pero generalmente se buscaba más la provocación y el malestar como fórmula “contracultural” como se decía entonces. Yo generalmente me pregunto que si no hay cultura ¿cómo puede existir una contracultura?. Ya solo la palabra contracultura es una aberración. Contracultura es dedicarse a la política para engañar. Contracultura es también la TV y toda su materia orgánica de contenedor unido a los periodismos digitales y su ponzoña de crueldad. Contracultura son las creencias de todo tipo y sus perniciosos e infames mensajes contra la inteligencia. Contracultura es maltratar a los animales. Contracultura es todo lo que no es cultura y la cultura como bien sabéis es todo lo contrario a estupidez, retraso, ignorancia y sobre todo maldad. ¿Por qué no estudian la estupidez en psiquiatría que es el origen natural del ser humano? Hacer buena música que sea interesante o que toque nuestra fibra es la cultura que aquí nos toca lo demás son flatulencias que arrastran materia fecal.
A Roz Vitalis se los etiqueta como Avant Prog y RIO. No es tan simple. Conocéis mis reticencias a clasificar la música. No todo lo que suena “raro” o complejo pide un cartelito o una definición. Conforme vaya escuchando sus discos, tarea que no he realizado previamente, porque no pretendo ser el Larousse en musicología y me pica la curiosidad hacer las críticas y comentarios sobre la marcha. “L´ascensione” es en trabajo previo de esta extraña propuesta. Veo que las críticas que he visto por ahí no son muy positivas. No parecen gustar mucho. En toda mi vida siempre he hecho caso omiso de las críticas musicales ajenas. Al staff de esta revista digital le ocurre algo parecido. Llevar muchos años en esto te da una perspectiva diferente y adquieres cierta frialdad analítica. El hecho de que en mi caso me deje llevar por la emoción en la música que más me gusta que es lo sinfónico, no implica que no pueda realizar un análisis objetivo que no valore otras opciones musicales completamente válidas. Evidentemente si tienes contacto con las músicas de vanguardia que se desarrollaron varias décadas atrás lo tendrás más fácil. Con la música hay que tener siempre apertura de mente. Otra cosa son los gustos personales de cada uno.
Ivan Rozmainsky keyboards, programming, soprano recorder. Nadezhda Regentova keyboards, vocals. Vladimir Polyakov keyboards. Vassily Raskov programming vocals y Ekaterina Sophronova vocals son los créditos de esta grabación de 2002. La música aquí realizada no es fácilmente clasificable. Por lo escuchado me recuerdan más a las bandas alemanas de kraut electrónico de inicios de los 70´s pero exento casi completamente del concepto rock. Todo son teclados y baterías cibernéticas o procesadas con algún elemento acústico y no tan vanguardista como parecen indicar algunos. No hay ausencia melódica. Está ahí y no es un paseo por un desierto de espinos disonantes. En absoluto. No es un caos sonoro y yo diría que está más cerca de la limpieza minimalista y de la simplicidad, aunque se empleen extraños acordes y tonalidades. La grabación es algo opaca y soy consciente de que es algo que nunca ayuda. Es trasfondo clásico y cierto ambiente de claustro en las voces que se combinan a veces con caprichosos elementos épicos cinamatográficos. Las incursiones de órgano pueden recordarte a unos cuantos prog pero también hay mucho sonido electrónico demodé curioso que puede recordarnos a Popol Vuh y a las bandas sonoras de Werner Herzog.
Los ocho cortes de esta grabación son pinceladas sonoras que no implican demasiada complicación en su escucha, aunque a priori puedan parecer terriblemente intelectuales. Si te gusta la electrónica de los 70´s con alguna incursión de instrumentos acústicos como flauta o piano no te parecerán una cuesta demasiado empinada.
Fiel a su costumbre de hacer un disco diferente a otro en esta ocasión se decanta por una temática medieval y por fin aparece algún nombre de colaboradores: Ann Caren lead & backing vocals. "C Francis" falsetto voice. The Psychedelic Ensemble Orchestra. Jonathan Roberts conductor. Amanda Smith Roberts violin, concertmaster y Kurt Fowler cello solo.
Un disco largo este con 72 mtos repartidos en 10 cortes y a modo de álbum-concepto con obertura y final. Ha cambiado las páginas dedicadas a la space-psicodelia y se ha pasado al sinfónico prog con algún toque de folk y música renacentista mezclada con clásica romántica. Ya de entrada hacen su lujuriosa presencia los sintetizadores a lo Wakeman con algún ramalazo Emerson en ocasiones pero en menor plano y las guitarras elegantes de larga escala. Ahora los Yes parecen ser la influencia más directa época Fragile - Close To The Edge pero bastante más acelerados en el tempo. Va tocando varios palos del prog a través de sus discos como se puede comprobar. Cantidad de arreglos y adornada composición. Las voces dan su peculiar forma para no parecerse a Anderson-Squire y de paso evitemos acercarlos al pastiche o copia. Reconozco el soberbio trabajo de teclados y el firme pulso de la música.
La pieza del rey dorado con su medieval brillo cinematográfico es esplendorosa con sus lujosos arreglos orquestales clásicos y sus bonitas melodías. Nuevamente Yes y Gentle Giant y hasta los Gryphon más sinfónicos se cruzan en tu camino y todo está sensacionalmente bien hecho. Gustará y mucho a los amantes de las músicas ricas en sonidos y bien estructuradas. Las velocidades del sintetizador en la digitación y las imbricadas partes instrumentales siguen sorprendiéndome. Hay ampulosidad y colorido y eso para un sinfónico es valor añadido. Esa complejidad y riqueza se puede apreciar en todo el disco con una cantidad de variaciones que hacen imposible el aburrimiento en la escucha siempre y cuando te guste lo sustancioso y elaborado.
Como suelo apuntar de vez en cuando en cuanto aparecen en la escena actual bandas o individuos de este calibre si hubiesen vivido musicalmente en los 70´s y con la rápida difusión que tuvo la música progresiva se habrían vendido estos discos por millones. Pero es otra época. Hoy y ahora puedes hacer la música más maravillosa del mundo que no te va a hacer caso ni dios. La cultura que se consiguió a nivel de audiencia hace medio siglo es una anomalía en el concepto histórico. Lo repito una y mil veces: si quieres hacer música de calidad en el presente, olvídate. A casi nadie le interesa comprar nada hoy en día que no sea una mierda sonora. Es muy triste lo sé. Pero es lo que hay. Otra cosa es que lo hagas para ti y los cuatro afortunados que te sigan, pero ni por asomo pienses que vas a poder vivir de ello. Ya sabéis ese jocoso comentario que solemos hacer los sufrientes ciudadanos de la vida cotidiana actual con eso de que “está todo muy malito” o “esto es una absoluta mierda”. El problema es que la mierda gusta. Lo malo triunfa y los enfermos gobiernan. Reír por no llorar…. y espera lo que vendrá.
Creo que por ahora este es el mejor trabajo del Psychedelic Ensemble. El más sinfónico. Todas las piezas son hermosos paseos para degustar y la chica a las voces llamada Ann Caren ayuda mucho. Como siempre la presentación del disco se acompaña de un sugerente folleto y la narrativa de la historia de este rey de la montaña. Francamente buena música. De la de antes.
No confundir con los alemanes Kadavar, los suecos Khadavra proceden de la muy rockera ciudad de Gotemburgo. Que su formato elegido sea un cd-r como en los 90, sólo puede deberse a que se sienten cómodos moviéndose por el underground. Porque les sobra calidad para haber fichado por algún sello sin problema.
Se formaron en 2012, o sea, ayer. Y ya cuentan con un primer trabajo, "A True Image of the Infinite Mind" (2014), de sorprendente madurez, búsqueda y cohesión. Lo forman Jon Klinto (bajo, french horn), Alexander Eriksson (batería, percusión, viento), Seb Sebsinsky Eriksson (guitarra, sitar, voz, didgeridoo) y Nils Erichson (teclados, órgano, piano, guitarra y voz).
Para su segundo "Hypnagogia" han desarrollado las interesantes propuestas previas, que incluyen nuevas perspectivas kraut, sympho, psych, hard, prog y lo que se tercie. Todo muy "suecado", como corresponde. La intro de olor a sótano teutónico, "Horisonteny Himlavalv" (1'13) nos invita a su universo raruno, como un corredor hacia la primera sala de ésta pirámide llena de sorpresas. Que es "Down the Rabbithole" (10'16), como un cántico ritual procedente de algún remoto lugar de las estrellas. Muy al estilo de Soen en su forma vocal, pero con suficiente órgano y nervio hard para situarlos en parcelas alemanas vintage de corte Jane, Virus, 2066 & Then o Murphy Blend. Por el lado más ácido propiciado por las seis cuerdas, Gila, Lightshine u Os Mundi serían buenas referencias como guía. La banda se muestra magnífica, compacta, llena de texturas y detalles.
Pasamos a la siguiente cámara mortuoria en "Dissolve" (9'07), no sin haber experimentado peligrosas sensaciones de hipnotismo, regresión, levitación y placer ilimitado. Puro veneno que se mezcla ahora con Mellotron de escuela sueca y letanías religiosas ritualisticas propias de Anekdoten, Landberk o Morte Macabre. Sweden vibes con "mello" a todo trapo en profunda tristeza, sustentado por bajo musculado y batería casi propia del extreme metal, pero con técnico uso inteligente. Una singular maravilla más propia de los mid-90s, que de los abúlicos tiempos actuales modern prog. Seguimos al próximo habitáculo, donde nos espera un precioso sarcófago sonoro, llamado "Mordängel" (7'56). Con introducción de ominoso french horn y el no menos oscuro canto de un Mellotron en psicofónico lamento de tan lóbrega morada. Anglagard ve con orgullo cómo han creado escuela, y 25 años después, da frutos tan sublimes como los aquí expuestos. Siempre diré que "Hybris" constituyó el pilar fundamental donde comenzó el Renacimiento prog, allá por 1992.
"Tryptophan" (5'32) es el Hall sagrado que nos llevará a la Gran Cámara de éste álbum -pirámide. Es la más breve, ligera, etérea y de arreglos más actuales. Tiene un místico envoltorio y posibles connotaciones Opeth, llevadas a su propio templo estilístico. Ahora sí, con paso firme pero emocionado, entramos en la opulenta sala central del disco. Donde reposa toda la realeza musical y donde se despliega todo lo expuesto. "Kollektiv" (27'36) podría ser un disco de los 70 en sí mismo. Toda la pompa y esplendor del psico-prog 70s / 90s. Una enorme sabiduría, al servicio de cuatro jóvenes oficiantes, que saben remodelarla para crear otra gran obra a sumar al patrimonio CULTURAL, que nunca debió ser mancillado.
"Kollektiv" es como el resumen histórico de ésa cultura, en casi media hora de vocación artesanal instrumental. Una OBRA MAESTRA dentro de otra. Aquí encontrarás referencias y recuerdos de estilos, subgéneros y sagrados nombres de la nobleza. Un tremendo tesoro que, como toda cámara principal, alberga inmensas riquezas y colosal opulencia. No he mencionado las maldiciones. Porque se corre el peligro de no salir jamás de tan bella jaula de oro. Khadavra se viene a unir a Jordsjo, All Traps On Earth, Malady, Needlepoint o Ring Van Mobius, en ésa nueva nobleza norteña de auténtica sangre real progresiva. Como los sacerdotes (y músicos) del faraón, enterrados vivos en tan bello habitáculo. Eternamente.
El año 1976 nos ofrece el álbum debut de la apuesta experimental The Alan Parsons Project, una ópera prima en la que su creador se hizo rodear por algunos de los artistas más destacados del movimiento por aquellos días. En aquel Tales Of Mystery And Imagination - Edgar Allan Poe se pueden encontrar figuras de la talla de Francis Monkman (ex Curved Air), Terry Sylvester (ex The Hollies) o el carismático Arthur Brown, fundador de un estilo en el que Alan Parsons pensaba iniciarse con este disco. Su forma de afrontar el trabajo estuvo cargada de un deje oscuro que consiguió aportar mayor dramatismo a la obra, siendo considerada a lo largo de los años como su material más serio.
De aquel iniciático elepé a este The Turn Of A Friendly Card apenas han pasado cuatro años, pero pareciese toda una vida para el núcleo del proyecto. Su segundo vinilo, el titulado I Robot (1977), ofrecía un aviso para todos aquellos confiados que pensaban que el Alan Parsons Project se mantendría como apuesta experimental a la vieja usanza. En esta obra se continuaban los juegos conceptuales que serían seña de Parsons, pero ahora basados en las ideas del escritor Isaac Asimov. Con la llegada del tercer Pyramid (1978) el oyente ya se topa con un Alan Parsons totalmente sumergido en los océanos del art pop. Mantiene su nuevo estilo y despliega todos sus teclados y sintetizadores con la ayuda de Duncan MacKay y Eric Woolfson, que en poco tiempo se han convertido en piezas clave. Sin embargo, el cuarto Eve (1979) ve partir a MacKay; algo que no hará mella en el tándem Parsons/Woolfson, dos músicos que se habían conocido en 1974 cuando el primero trabajaba en los Abbey Road Studios como asistente del ingeniero de sonido de varios de los álbumes de The Beatles.
The Turn Of A Friendly Card, que entraría con bastante empuje en las listas de éxitos de Estados Unidos –no tanto en las del Reino Unido–, Canadá. Noruega e incluso España (se haría con el puesto número 15 en nuestro país aquel 1980), concentra a The Alan Parsons Project en esa mixtura más que reconocible para entonces de unas atmósferas tan art rock a las teclas con un corpus central de las canciones totalmente melódico. Desde la inicial “May Be A Price To Pay”, cantada por el vocalista ex Velvet Opera Elmer Gantry (cuyo auténtico nombre es Dave Terry), se siete natural esa fusión. Aunque el single “Games People Play” será la culminación de las nuevas tentativas comerciales del Project: estribillo rock melódico, arreglos amables de art pop, un trabajo instrumental impecable e incluso cierta reminiscencia disco gracias a la línea de bajo; es decir, perfecta para la frecuencia modulada.
La balada “Time” está en la línea de unos The Moody Blues, subrayando la nacionalidad british del combo en su disciplina –Woolfson luce acertadísimo a la voz solista–. “I Don’t Wanna Go Home” es un pop que fractura los tempos y busca la originalidad, mientras “The Gold Bug” sigue la estela dejada dos años antes por la también instrumental “Hyper-Gamma-Space”. Y para el final dejan la suite que da nombre a esta obra, cinco partes que conforman un broche de cierre realmente atractivo. Dentro de ese quinteto de canciones de despedida, “Snake Eyes” atesora el gancho preciso del rock melódico de finales de los años setenta; por su parte, “The Ace Of The Sword” navega entre el barroquismo –muy a lo Focus– y los arreglos progresivos para todos los públicos, a la par que “Nothing Left To Lose” es una conjunción de todo tipo de corrientes populares, desde el pop al rock, la balada, los aires folk de la campiña y, por unos segundos, el reggae.
La mayoría de "moog-exploiters" de finales 60, fueron personajes anónimos con mayor o menor éxito dentro de la "cirugía sonora de laboratorio", o en otros ámbitos más formales. Casi ninguno procedía del rock.
En el caso de Mike Melvoin, estamos ante un californiano (1937 - 2012) con no poco currículum como sesionero de alto standing. Pianista y compositor de jazz, en ése género trabajó entre otros con Stan Getz, Milt Jackson, Quincy Jones, Joe Pass, Gabor Szabo, Frank Sinatra o más recientemente, Michael Bublé. También intervino en eternas bandas sonoras de Lalo Schfrin. Puedes escucharlo en las eternas series del 67 al 68 de "Misión Imposible" o "Mannix" (68).....crecí con ésa música fascinante que ya de crío me atraía poderosamente. O en la obligada peli "Bullitt" (68), poniendo música a los desfases automovilísticos de Steve McQueen. También en los 70 metió sus teclados en series inolvidables como "The Partridge Family","Fame" o "MacGyver". Pero fue contratado para otros estilos. The Beach Boys ("Pet Sounds" lleva sus teclas), Jackson 5, John Lennon, Natalie Cole, Barbra Streisand, Boz Scaggs, Tom Waits o Donovan alquilaron sus servicios. No está nada mal para un músico que creó uno de los artefactos moog-easy listening más icónicos de aquel momento. Si bien con anterioridad ya había editado "Keys To Your Mind" (1966) y "Between The Two" (1968).
En éste "The Plastic Cow Goes Moooooog" le acompañaban Colín Bailey, Earl Palmer y Paul Humphrey (baterías), Dennis Budimir (guitarra) y el propio Melvoin al sintetizador Moog modular. Si bien intuyo que el éxito creativo de la propuesta se debió a la supervisión altamente efectiva de Bernie Krause / Paul Beaver como "music consultant". Dúo con su propia discografía electrónica que ya ha pasado por ésta sección. Y una guía perfecta para Melvoin, para no perderse en ésa maraña de cables de colores. La música de éste tipo de producciones iba mayormente dirigida a familias de clase media que estrenaban su flamante Hi-Fi System y querían enseñarlo orgullosos a las visitas con un Martini en la mano. Monstruosos equipos donde cuánta más potencia, más larga la tenías. O "mejor sonaba". Filosofías impracticables hoy día sin que se te eche encima toda la comunidad de vecinos.....A no ser que los tengas en constante amenaza de subirlo al 11. Bien acojonaos.
Las primeras notas de "Medicine Man" suenan al jefe Lalo Schfrin, con el predominio fat sounds del mamotreto gigante que popularizara Keith Emerson en ámbitos más rockeros y serios (a veces). No suena nada mal escuchado hoy, conste. Mike Melvoin salva los trastos porque viene del jazz, y sus líneas solistas van derivativas.
"Spinning Wheel" hubiera sido un buen tema para ser versionado por ELP cuando se ponían en plan festivo y jolgorioso. La psicodelia del momento no escapa al observador Melvoin, y en su adaptación del "Lady Jane" stoniano, adorna con baroque pop y efectividad psych, una bonita recreación. ....."futurista", para ése tiempo.
"The Ballad of John & Yoko" es pura diversión swingin', que nos lleva directamente a la euforia callejera de Carnaby Street por esos días. Lo mismo pasa con "Tomorrow, Tomorrow", que dan ganas de ir a Granny Takes a Trip a vestirse de terciopelo de los pies a la cabeza. "The Plastic Cow" exhibe burbujeante moog a plena cocción, y el caldo resultante sale rico rico.
En la B, queda estupendo "Born to be Wild" de Steppenwolf. No para cabalgar en Harley, sino para subir y bajar en ascensores de rascacielos neoyorkinos.....o de Galerías Preciados, para los españolitos de entonces. El extraordinario potencial jazzy de nuestro hombre dota de energía extra a esta versión. El día que Tarantino descubra éstas cosas....."One Man, One Volt" es de lo más lounge y pijo, reflejando muy bien para qué fueron ideados éste tipo de discos, hoy de verdadero seguimiento y coleccionismo.
Más de un atisbo a prog casual aprecio en el tema. Como en "Brown Arms in Houston", que sin proponérselo, podría pasar por un ejercicio bitter - naive de Harmonia o Cluster.
Dylan también cuenta con su homenaje en "Lay Lady Lay", y esto sigue sonando a lo antes dicho, aunque sea de casualidad. .....o quizás las bandas de Dūsseldorf trataron de acercarse a éstos sonidos, que todo pudiera ser. "One" vuelve a contar con el imperante espíritu de Schfrin y retro-pulsaciones sintetizadas de agradable digestión, como un travieso Deodato.
Finalmente la psicodelia petarda de "la vaca que hace moooog", nos trae un "Sunshine of your Love" de Cream, con todo el encanto del momento. Y a Mike Melvoin le salió uno de los discos más icónicos del hoy resucitado proto-moog-easy-listening. Que en su día yo lo ignoraba y me daba igual, y que hoy colecciono con voraz frikismo, como algo serio y todo. En realidad, y visto/vivido el futuro pasado, lo fue y mucho. Pero entonces no nos dábamos cuenta.
J.J. IGLESIAS
Temas
1. Medicine Man 0:00
2. Spinning Wheel 3:01
3. Lady Jane 6:05
4. The Ballad Of John And Yoko 8:51
5. Tomorrow Tomorrow 10:48
6. The Plastic Cow 13:39
7. Born To Be Wild 16:17
8. One Man , One Volt 19:21
9. Brown Arms In Houston 21:58
10. Lay Lady Lay 24:16
11. One 26:35
12. Sunshine Of Your Love 29:22
El refranero español está cargado de sabiduría popular. En el caso de los músicos que integran esta banda de Kentucky podríamos decir "de casta le viene al galgo". El padre de John Fred (batería) era miembro de The Kentucky Headhunters. El tío abuelo de Jon Lawhon (bajo) fue batería de jazz. El padre de Chris Robertson era un fabricante de guitarras. Y seguro que si investigamos en el arbol genealógico de Ben Wells (guitarra) encontraremos algún parentesco musical.
Black Stone Cherry se forman en 2001 y como era logico comienzan a ensayar en el local de The Kentucky Headhunters. Su primer disco, "Black Stone Cherry", lo graban con Roadrunner Records en 2006 y posteriormente llegarían:
"Hell & Hight Water (EP) (2006)
"Rain Wizard" (EP) (2007)
"Live at the Astoria, London" (2007)
"Folklore and Superstition" (2008)
"Between the Devil and the Deep Blue Sea" (2011)
"Magic Mountain" (2014)
"Thank You: Livin' Live" (2015)
"Kentucky" (2016)
"Black to Blues" (EP) (2017)
"Family Tree" (2018)
"Black to Blues Vol. 2" (EP) (2019)
El grupo a lo largo de su carrera a realizado giras junto a Def Leppard, Whitesnake, Nickelback , Chickenfoot, Lynyrd Skynyrd y Bad Company entre otros.
Este último trabajo de Black Stone Cherry es una continuación del que grabaron con el mismo nombre en 2017. Acompañados en esta ocasión por Yates McKendree, excelente "bluesman" y músico de sesion, nos deleitan con seis blues bajo el prima de Black Stone Cherry, es decir, rock sureño hard roquero. La grabación se inicia con "Big Legged Woman", tema popularizado por Freddie King en su disco "Texas Cannoball". Continuamos con un clásico de Robert Johnson, "Me & The Devil Blues , con un Mckendree a lo Stevie Wonder y por supuesto aires sureños. Le toca el turno al tema de Otis Rush, "All Your Love (I Miss Loving)", con un ritmo muy sensual. "Down In The Bottom" es el homenaje que hacen al genial Howlin' Wolf y a Willie Dixon. Elmore James lo tenemos presente en ""Early One Morning". Finalizan con "Death Letter Blues" de Son House. Sin duda estos muchachos no renuncian a los verdaderos orígenes de la música que amamos.
Los catalanes Saturna publicaron el pasado mes de Septiembre (2019), "Atlantis", sonidos hard rockeros con notables influencias de los grandes del género de los setenta. Nos adentramos en su universo sonoro con la entrevista que a continuación os presentamos.
Rockliquias.- ¿Por qué SATURNA?
El nombre se le ocurrió a Jondix, un amigo de la banda, y hace referencia a la fiesta pagana de Saturnura. Tiene lugar antes del solsticio de invierno y está descrita por el Talmud. Adan pensó que los días se acortaban como castigo a sus pecados, y era un indicio de que el mundo iba a volver a la caos y al vacío existente antes de la creación y decidió ponerse a ayunar. Al ver que, después de ocho días, se alargaban de nuevo, comprendió que era un ciclo natural del planeta.
Rockliquias.- Han pasado tres años desde vuestro último trabajo, "Lost in Time", ¿Qué ha sido de la banda durante este tiempo?
Justo al terminar la grabación de "Lost in time" los dos guitarras, Enrique y Aureli, decidieron dejar la banda. En ese momento los tres que quedamos decidimos seguir adelante con el proyecto. Jimi, cantante hasta ese momento, empezó a tocar también la guitarra y buscamos un segundo guitarrista (Oscar, ex-Prisma Circus y actualmente en The Capaces) para defender el repertorio del nuevo disco en directo y para seguir componiendo. Con ésta formación giramos por la península, Francia y Alemania y grabamos Atlantis. Finalmente, justo antes de una mini gira por USA, Oscar abandonó la banda y se incorporó Alexandre que es quien cubre ese puesto en la actualidad.
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? Cada miembro tiene las suyas propias y es algo que se puede comprobar en nuestra música. A alguno le tira más el grunge y los 90, el soul, a otros el heavy y el doom, el funk... Lo que sí tenemos todos en común es el rock, hard rock, proto heavy, rock setentero o como quieras llamarlo; grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Free, Deep Purple, Pentagram, Buffalo, Hendrix, Grand Funk, etc. Es difícil no coincidir musicalmente con estos grupos, la buena música la gusta a todo el mundo.
Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música? Rock en el sentido más amplio, o hard rock si lo prefieres. Hoy en día está todo excesivamente encorsetado, incluso dentro del rock. Si te defines o te definen heavy psych difícilmente harás una balada, o si te han colgado la etiqueta de blues rock te censuras a la hora de utilizar ciertas métricas para no "adentrarte" en el progresivo, o a veces no incluyes ciertos instrumentos en la grabación porque se suponen que pertenecen a un determinado género (piano, violín, vientos...). Creemos que eso es una tontería, puedes hacer un tema más doom y luego una balada con violines o piano, no son cosas autoexcluyentes. En los 70 hacían lo que les daba la gana, hoy somos nosotros que nos autocensuramos como músicos.
Así que sin inventar nada nuevo, porque básicamente somos una banda de rock, intentamos hacer lo que nos apetece. Hagas lo que hagas, siempre habrá gente a quién no lo guste, por eso no puedes someter tu creatividad a un subgénero musical autoimpuesto.
Rockliquias.-¿Cómo ha evolucionado vuestra música desde vuestros inicios en 2010? La música ha ido evolucionando a la par que la formación. Empezó como una banda muy cercana al occult rock en los dos primeros discos, con sonidos más duros y temática oscura, y paulatinamente ha ido variando con la incorporación de nuevos miembros. En Lost in time se aprecia un cambio de sonido, con la incorporación de blues y un sonido menos afilado y más crujido de guitarras, melodías vocales distintas. Y finalmente, Atlantis acaba siendo una mezcla de todo eso, incorporando soul y incluso alguna influencia más grunge.
Rockliquias.- "Atlantis", es vuestro último trabajo ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? Es un disco autoproducido, como lo fue "Lost In time", que se grabó en nuestro local de ensayo. Pero esta vez contamos con los Seaview Studios de Lloret de Mar, dónde pudimos conseguir una mejor acústica. Una vez grabado todo allí con la ayuda de Isaac Mordoh, nos los trajimos para nuestro home studio donde realizamos la mezcla y el máster. La autoproducción responde a una necesidad económica pero también te aporta control sobre el resultado. La contrapartida son los quebraderos de cabeza cuando algo falla y encontrar una mezcla que deje a todos contentos, porque si eres un poco perfeccionista nunca darías la mezcla por terminada. Finalmente tuvimos que fijar un límite al número de remezclas porque si no hubiéramos acabado a cuchilladas entre nosotros.
Rockliquias.- ¿Con que colaboraciones habéis contado? Durante la grabación de Atlantis contamos con Juanito, que se grabó unas harmónicas en el tema "Distant Shores" y con XXX que grabó un saxo para "Dusk and down" y "Atlantis in bloom". El saxo, acabó bastante enterrado en la mezcla, pero sigue estando allí y aporta un "cojín" que le da un toque extra a los temas. Además, tuvimos la suerte de tener un magnífico piano en el estudio, y creo que fue el propio Jimi que grabó un par de acordes de acompañamiento para "Dusk and down", que al igual que el saxo, se notan pero no se oyen.
Rockliquias.- ¿Qué significado tiene para vosotros el título del disco, "Atlantis"?
"Atlantis in bloom", como la canción, representa el resurgir, el renacer de la banda. Que te abandonen los dos guitarras justos después de grabar un disco en el que has puesto muchísimo esfuerzo y esperas salir a tocarlo por todas partes, es un golpe duro. Muchos proyectos habrían terminado allí mismo, pero curiosamente los tres que quedamos tuvimos claro inmediatamente que queríamos continuar. Eso nos unió más como banda y con el tiempo ha servido para dejar claras muchos cosas, para "profesionalizarnos" un poco más y adoptar una forma de trabajo más productiva y organizada.
Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?
La portada es un diseño de Jondix, quién ya se encargo de los dos primeros álbumes. Es un tatuador/ilustrador que tocaba con Rod en una banda de doom metal llamada Ätman-Acron. Tiene un talento enorme (podéis comprobarlo en las redes) y es muy fácil trabajar con él. Le enviamos las canciones, las letras y el título del álbum y le comentamos lo que representaba para nosotros. A partir de aquí nos presento el boceto, dónde se observan todos esos conceptos: Atlantis, resurgir... todo ello con un componente místico añadido que caracteriza su obra.
Rockliquias.- El disco esta integrado por nueve composiciones ¿Nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación?
El disco comienza con "Black Purple", que es básicamente un tema de blues rock con riff de guitarra doblado muy característico. La voz parece que te sermonee a lo largo del tema.
"Standing Still" tiene un aire más a Sabbath, con una melodía y un caminar propio que acaba abriendo en un estribillo más melódico, para finalmente dar paso a una parte más progresiva que desemboca en un tiempo lento que vendría a ser doom con aires de Soundgarden.
"Get over it" es un tema de rock clásico a los UFO o Thin Lizzy: un ritmo de shuffle con un buen riff de guitarra y melodía vocal, con un estribillo que se repite a lo largo del tema.
"Way too long" tiene un caminar curioso para un tema de rock, la base rítmica no acentúa los tiempos 2 y 4 y se acerca más una samba o ritmo latino. Tiene una parte bien diferenciada, dónde baja notablemente la dinámica para volver a subir justo llegado al final.
"Dusk and down" es quizás el tema más complicado de llevar al directo, por sus cambios de dinámicas. Es básicamente una balada "zeppeliana", donde se pasa de una parte muy tranquila con voces y guitarras acústicas, a un estribillo donde se suma la batería y que acaba por explotar en su parte final.
"Ahead" se puede acercar más al stoner, pero luego aparece un estribillo melódico que no creo que cuajara par los integristas del género. Finalmente el tema sube de tempo para acabar con una cabalgada y un frenesí de solo de guitarra.
"Last forever" es un riff de guitarra cercano a sonidos noventeros, con una voz potente y una parte claramente diferenciada, con un juego de guitarras que podría recordar a unos C.O.C., y que termina con un sólo de guitarra atmosférico.
"Atlantis in bloom" comienza como una balada, con toques blues y soul, luego sube un poco la intensidad con un solo de guitarra eléctrica y finalmente da paso a una especie de blues jam.
"Distant Shores" es otro tema de blues rock con un caminar más pausado, que acaba acelerándose para pasar a una parte más heavy rock y termina bajando drásticamente el tempo.
Rockliquias.- Recientemente habéis publicado "Atlantis" en formato vinilo
Gracias a dos sellos nacionales, Discos Macarras y Spinda Records, hemos conseguido sacar adelante la edición en vinilo, en la que la banda también ha participado. Estamos muy contentos con el resultado de esta edición y de poder trabajar como Berto y Dani que son dos grandes profesionales del underground, por decirlo de alguna manera.
Rockliquias.-.-¿Cómo han ido las presentaciones de "Atlantis"? ¿Tenéis nuevas fechas de conciertos?
De momento presentamos Atlantis en Rocksound y no pudimos estar más contentos con el resultado: sold out y un público entregadíssimo. También contamos con nuestros compañer@s de Mothercrow que se marcaron un bolazo para abrir la noche.
Tenemos algunas fechas y otras en el aire, pero la idea es hacer tres mini giras de presentación por la península, tres fechas por el norte (Bilbao, Asturias...), otras por Madrid y Valencia/Zaragoza, y finalmente otras tres por Andalucía, donde la última vez nos trataron genial.
Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?
Sí te gusta el rock, dale una escucha, y se te gusta la grabación, te aseguro que el directo no te defraudará. O mejor aún, si te gusta lo música en directo, ven a vernos, y allí ya decides si quieres comprar el CD o no. No se trata de hacer una campaña comercial ni nada por el estilo, es todo mucho más fácil: deja que tus orejas deciden la música que vale la pena apoyar.
