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GENTLE GIANT - In A Glass House (1973, Alucard)

 El grupo británico Simon Dupree & The Big Sound, que paría maridajes entre la psicodelia y el r&b, verá la emancipación de su núcleo fundamental cuando los hermanos Shulman conformen Gentle Giant, un nuevo estilo de proceder en el estirón del rock progresivo. De 1970 a 1973 publican cinco LPs, cinco discos de estudio considerados como picos de corona dentro de la carrera del combo, al igual que final de su inspiración. 



No fue así, pues tras tanta matrícula de honor musical aún quedarían álbumes como The Power And The Glory (74), Free Hand (75) e Interview (76), ediciones que mantenían la inteligencia y unas ocurrencias sonoras tan características como las ya aparecidas en anteriores marcas. Sin embargo, In A Glass House fue un giro de timón, un replanteamiento vista la salida de Philip Shulman, quedando Raymond y Derek en el puesto de mando. El ruido de cristales rotos que presentan los primeros segundos de reproducción, tornando en su evolución a un ritmo de suspiro mecánico, avisa que todo es nuevo, y a la postre nada cambia. 

“The Runaway” con sus guiños sincopados que tienden a la estructura renacida cada paso de nota, acompañados del baterista John Weathers que ilusiona pegada tras otra, se las arregla para no echar de menos aquel saxo que hasta hacía un año tendía una mano en las digestiones. “An Inmates Lullaby” les queda experimental, llena de laberintos, mientras “Way Of Life”, “Experience” y “A Reunión” maceran de lo medieval a lo medianamente barroco para, en el caso de la primera del trío, cargar la bala de cañón en un artilugio de art pop frenético y de bajo funk. 



La canción que titula el vinilo es la más acorde con el paso de Octopus a esta definitiva manera de no irse por las ramas tras la deserción de Phil, logrando así continuar con su promesa de cambio y de oleadas rejuvenecedoras para los oídos sinfónicos. El por entonces quinteto se adapta a la falta de esa sexta pieza, destacando un Derek Shulman que no reniega de su saxofón alto, al menos para pincelar algún recuerdo a los desarrollos calculados por su hermano, y un Ray que sigue tan a gusto doblándose cual violinista excéntrico y bajista titánico.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com




Temas

The Runaway 7:15
An Inmates Lullaby 4:39
Way Of Life 8:04
Experience 7:50
A Reunion 2:11
In A Glass House 7:49
Index 0:20

 







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ASH RA TEMPEL - Weisshaus, Köln - 1973

 Creo que es la primera vez desde que comenzamos ésta sección en que traigo un bootleg al mismo. Su sonido y valía histórica bien lo merecen. 



1973 fue un año clave en la carrera de Ash Ra Tempel.  Tras tres álbumes entre el 71 y finales del 72, editarian en 1973 nada menos que dos discos: "Join Inn" y "Starring Rosi". El núcleo principal había permanecido. Manuel Gottsching en la guitarra, Klaus Schulze en batería  (algún teclado en estudio) y Harmut Enke al bajo. La novia de Gottsching, Rosie Muller, colaboraba a la voz recitando puntualmente. Pero Enke, muy metido en las filosofías delirantes de Timothy Leary, (el cual había participado en el álbum "Seven Up" del 72), se había vuelto errático e imprevisible. Dejaba de tocar en plena jam en directo, alegando que era todo demasiado maravilloso como para poder tocar. Obviamente las droguicas habían hecho efecto. Ésta grabación es de las últimas apariciones con él en la banda. Por otra parte, Schulze abandonaría el barco a finales de año para seguir en solitario. Fue también el año de los famosos Cosmic Jokers. Jams endiabladas y envenenadas por todo tipo de sustancias. Tanto Gottsching como Schulze estuvieron envueltos en ellas. Ya en el 74, Manuel presentaría su "Inventions for Electric Guitar" a su nombre, aunque en pequeño aún se leía en portada "Ash Ra Tempel VI". Y hasta 1976 no volvería,  ya con el nuevo nombre de Ashra.

Así pues, ésta magnífica grabación de excelente sonido, se compone tan sólo de dos largas jams. "Ooze Away" (28'30) y "Dedié A Hartmut" (40'00), - quizá en homenaje al compañero que pronto iban a despachar! -. Auténtico trance psicodélico teutón de evolutiva hipnosis y donde la guitarra nos conduce por diversos parajes laberinticos de ácida naturaleza auditiva. A veces no alejados de los desfases de sus primos de San Francisco. Schulze lo hace muy bien a las percusiones, era un batería que mantenía ritmos y tensión hasta el infinito. Un verdadero "secuenciador humano". Muy compenetrado con el resto a la hora de solucionar situaciones imprevisibles, propias de una constante búsqueda  improvisativa. Hartmut Enke ponía un toque jazzy al bajo, que ejercía de lubricante entre instrumentos a tan mastodónticas sesiones. Espeluznantes intervenciones de cuatro cuerdas muy en la onda de Jack Bruce o Felix Pappalardi. Junto a los devaneos de wah wah, muestran un lado muy sólido y rockero, en un lógico contexto psych-kraut de por momentos, connotaciones floydianas. Una sesión psico-activa de kraut expansivo para sentarte cómodamente y dejarse llevar por éstas leyendas de la auto-hipnosis. 

Un formidable e histórico bootleg. Documento necesario.

J.J. IGLESIAS



Temas
00:00 intro titles
00:30 Ooze Away
28:32 Dedie a Hartmut








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Bruce Katz Band – Out From The Center (2016)

 Teníamos un poco abandonada nuestra querida sección dedicada al Hammond B3. Hoy resolveremos ese entuerto con el gran teclista Bruce Katz.


Bruce nace en 1952 y con tan solo cinco años comienza a tocar el piano. A los 10 años descubre la música de Bessie Smith y se empieza a interesar por el blues y el jazz. En 1974 entra en la  Berklee College of Music para estudiar composición e interpretación. Durante ese periodo realiza actuaciones de jazz en la zona de Boston e incluso llega a tocar el bajo para  Big Mama Thornton. En 1986 entra a formar parte de la Barrence Whitfield and the Savages con la que realiza extensas giras por Estados Unidos y Europa hasta 1990 llegando a grabar cuatro discos ("Ow! Ow! Ow!", "Call Of The Wild", "Live Emulsified" y "Let's Lose It"). En 1990 se matricula en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston, donde obtiene una maestría en Jazz Performance en 1992. Al finalizar sus estudios conoce a Ronnie Earl que le invita a participar en su banda (Ronnie Earl and the Broadcasters). Durante cinco años realiza multitud de giras y graba seis discos con esta formación. Paralelamente crea su propia banda, Bruce Katz Band, debutando discográficamente en 1992 con "Crescent Crawl ". 

Al año siguiente llega "Transformation" y en 1997 "Mississippi Moan". Continuando con "Three Feet Off the Ground" (2000), "A Deeper Blue" (2004) y "Live! At the Firefly" (2008). En 2007 se une a la  Gregg Allman and Friends con los que permanece seis años. Sus siguientes aventuras musicales son con Delbert McClinton 's Band y  Les Brers , una banda que contenía cinco miembros de la Allman Brothers Band. Por supuesto sigue con su propia banda editando discos: "Homecoming" (2014), "Out from the Center" (2016) y "Get Your Groove!" (2018). Sus dos últimos proyectos han sido "Journeys to the Heart of the Blues" (2019) junto a Joe Louis Walker, Giles Robson, y "Solo Ride" (2019), álbum instrumental en el que solo toca el piano clásico.


Este octavo trabajo de la banda de Bruce Katz es una de sus mejores producciones. Con una banda de lujo formada por: Bruce Katz (Hammond B3, piano), Chris Vitarello (guitarra, voz), Ralph Rosen (batería), Jimmy Bennett( lap steel guitar) y Peter Bennett (bajo). Once temas, la mayoría instrumentales que te guiaran por senderos de buen blues, jazz y algún toque funk. El disco se inicia frenéticamente con "Don't Feel so Good Today" recordando a un Sleepy LaBeef o a Brian Setzer. "Schnapps Man" es una mezcla de estilos, jazz y rock, con un dialogo perfecto entre Katz y Vitarello. "The Struggle Inside", con una entrada a lo Jimmy Smith, es el primer blues de la grabación. "Blues from High Point Mountain", ambiente a lo Ray Charles en un tempo pausado propio de los garitos de lo mas profundo de New Orleans. El tema que da título al disco, "Out from the Center", es uno de mis favoritos, recordando las jams de los Allman Brothers. "All Torn Up" y su ritmo entrecortado podría figurar en el repertorio de Gregg Allman. Con "Bessie's Bounce" volvemos a los ambientes de garito humeante con su piano de ragtime. En "Dis-Funkshunal" volvemos a disfrutar del Hammond B3 y del arte de Vitarello con pinceladas funkys. "Another Show" es el segundo blues de la grabación. "Think Fast", jazz de grandes bandas interpretado por un cuarteto realmente vibrante. Finalizan con "You Got It", un magnífico broche de oro en clave jazz.
J.C.Miñana









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GÖLEM - Tiempo (2lo002/ Gölem?) (Rockliquias Bandas)

 En nuestro ilimitado ánimo de buscar siempre joyas perdidas de nuestro escondido tesoro prog-rockero, hoy traemos algo realmente raro. Al menos yo no tenia ni idea de Gölem. Banda de Valencia formada en 1997 y que llegaron a editar dos álbumes : "Gölem" (1998) y "Tiempo" (2002). La poca información encontrada aparece en sus entradas de YouTube. Material que fue colgado por un tal Paco Muñoz Drummer-percussionist, que concluyo será el propio de la banda. No sé. .....si alguien tiene más info, agradecería que completara esta reseña. Sus dos discos son dificilísimos de encontrar, pues no tienen reedición en ningún formato. Se etiquetan como "Spanish Prog Rock-Simphonic Rock", y la verdad es que el equilibrio entre guitarras hard rock y teclados prog está conseguido. Tampoco sé nada de la formación ni el orden de los temas, creo que constaba de nueve cortes.



"Agradecidos" entra con guitarra hard y recuerdos a sus paisanos Zarpa, leyenda de la tierra. Luego hay un break con un recitado poético-filosófico,  muy en la línea de Bloque, a los que recuerdan en más de una ocasión. Fondo de teclados, y desembocando en un sólo de guitarra espectacular, muy bien apoyado por una aplicada y segura sección de ritmo. Prog a la Floyd posee la intro de "Morando en tu camino", con bajo predominante estilo Roger Waters. Definen de nuevo por medio de hard rock prog de clara y potente voz solista, que rompe un piano clásico de excelente arreglo. Seguido de guitar-keys solos llenos de saber hacer. Se intuye veteranía,  porque aquí hay gusto. "Nihil Novum Sub Sole" predomina con piano y teclados. Con acústica de subliminal acento flamenco-oriental, y eléctrica psych blues gilmouriana, de tacto delicado y fino. Una sutileza a paladear. Proggie comienzo el de "Retorno a las Cenizas", de solemne paso piano-voz y letras siempre cuidadas. Otra intervención espectacular del guitarra pone fin a un corto tema que debió durar más.

Balada autoreflexiva es "Sueños Compartidos", de voz solista destacada, ritmos con matices y siempre el piano.....Como una versión española de Procol Harum. De hecho me recuerdan bastante a ellos. Space rock como introducción teclistica para el tema-título,  "Tiempo", de bajo ingenioso y guitarra maciza. Que una vez más se luce con extraordinaria solvencia, rozando el estilo de Tommy Iommi. Eso mismo continúa en la muy Sabbath 80s, "Tupa". Hard rock elaborado de consistencia desbordante. Pedazo de canción y soberbio ejercicio grupal, con un final más deudor de Purple-Rainbow. Justo del mismo modo que se inicia "Vacío", hard rock blues 70s con Hammond de fondo y pedigrí asegurado. En ésta faceta también se muestran cómodos, y nuevamente su guitarrista, está imparable. Con un diálogo de sintetizador al modo Tony Carey. Finalmente "Una Quimera" (6'31) es el tema más extenso,  con sintes y bajo creando tensión.  Y la voz solista ejerciendo de un Enrique Bunbury progresivo, (tiene algún ramalazo e influencia), y melodía floydiana excelente. En realidad, es el "Comfortably Numb" de Gölem.

Tanto el disco como la banda merecieron más atención. Y por supuesto, están pidiendo una reedición por justicia. Todo un misterio de un muy alto nivel.

J.J. IGLESIAS




Formación:
Eduardo Saez: Guitarras, voces y coros
José David Moyano: Sintetizadores y grand piano
Gerardo Novella: Bajo
Paco Muñoz: Batería









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ROGER TRIGAUX - Present (Gouveia Art Rock 2006)

Son muchas las veces, incontables quizá, las que he venido recordando a Roger Trigaux desde el año 2006 hasta la "Present" madrugada. Un nombre que no ha vuelto a tener presencia en las letales y mugrientas redes suciales desde el pasado dieciséis de Marzo, cuando Cuneiform Records comunicaba en las mismas su fallecimiento. 



La última vez que vi y disfrute de Roger tanto en lo personal como en lo artístico fue el Sábado 8 de Abril del año 2006 en Gouveia (Portugal). Su banda compartía cartel en el festival de músicas avanzadas y de vanguardia que acogía esta localidad lusa, con formaciones como los franceses Taal, el maniquí de Detroit Matthew Parmenter y un gentleman donde los haya de la Bretaña más noble y avanzada como Sir Peter Hammill en la primera jornada de la edición correspondiente al citado año. 

Trigaux ha sido y es un hombre de espalda tridimensional, en la que se han depositado numerosas recargas previsibles e insospechadas a modo de estampa a lo largo de su inmersión en la creación de sinfonías de refinada Cámara, perfectamente visibles en la oscura melodía progresista. 



Minutos antes de su despliegue de potencia dirigido a la reconquista de la conmoción, Trigaux y sus compañeros de travesía musical, probaron sonido durante siete escasos minutos que por mis santos profiteroles no quise perderme. Así que desde las puertas de acceso al recinto, sorteando butacas y eludiendo pasillos movedizos, me acople con estos músicos para ver a escasos metros de los mismos su equipo, inhalar su aroma eléctrico y para darle la mano a Trigaux, y ayudarle a subir al escenario, y no es que Luis Arnaldo ejerciera de el Mesías de la caridad para adornar farolillos "fadistas" entre coles de Bruselas, sino que Trigaux físicamente avanzaba por desgracia en deterioro. 

Una vez subidos sobre las tablas del escenario del teatro de Gouveia, Trigaux me lanzo un humilde y grato; Mercy mon ami. Realmente, no tenía nada que agradecerme porque mi mano izquierda no buscaba pretextos para cazar elogios, simplemente   uno no sube todos los días a un escenario con maestros de este calibre humano y artístico. Y ni el, ni sus compañeros me pusieron impedimento a la hora de fisgar sus herramientas de labor, ni de husmear en su sonido, cuando me posicione a escasos metros del combo al completo.

Antes y después de la sublime actuación de los Belgas, ciertos satélites del "gorrón y cuenta nueva" acosaron en acto de "juris-imprudencia" a Present, en especial a Trigaux, aunque este músico siempre ha sido un experto en capear dentro de su cultura a ciertos especímenes de política "socio-cojonera". Su nivel de tolerancia excedía límites insospechados y entre pequeños colectivos de amigos de hora y media, a pesar de las inevitables infiltraciones de violeteras del ego y cara erecta, saber estar donde nadie quiere que estés, es otro arte muy poco reconocido. 

Aquel 8 de Abril, Roger Trigaux ya estaba jodido, pero mucho menos que el setenta por cierto de la psoriasis que le acorralada para... Posteriormente cuestionar a su propio hijo tras la conclusión del concierto, alegando absurdeces más graves y repulsivas que una postal de Jorge Javier Vázquez o Julián Ruíz en cueros. 

Aquel día, puede haber entrevistado a Trigaux o a cualquier miembro de Present, pero no era un procedimiento correcto y opté por dar lugar al espacio para que el oxígeno llegase a la banda. 

Pero también, aquel día, percibí la afinidad en todo su contexto con Roger Trigaux, una persona que a pesar de haber fallecido hace unos meses, se ha ido mucho más sano moralmente que el noventa y ocho por ciento de cuantos mediocres habitamos en esta dimensión, a la que día a día nutrimos con burdo surrealismo irreverente. 

La siembra de hipnosis oscura se debe a lo largo de toda su existencia a permanecer en la oposición, y ahora más que nunca, a actuar como insecticida ante minúsculos colectivos de zángana carroña permanente en el 24-7 dibujada en el óleo del día a día. Si el Rock se desvincula por completo de su acuñado anclaje al & Roll, por extensión mínimal podrá llegar a filtrarse la comprensión unánime. La oscuridad es demasiado permisiva con la luz cegadora y ni aún así se logra ver más allá de latifundios de redundantes arenas movedizas. 

Trigaux entre varios maestros más, aún está muy vivo, son otros muertos, los que aún están en vida... Quienes agonizan sin ser conscientes de que están francamente jodidos... Y aún así, tras haberse atrevido a nacer siguen buscando el sol. 

Solo me queda darle un día más las gracias a este revolucionario de la vanguardia musical el legado de la cada vez menos respetada formula de diálogo del Ma Non Troppo. 

La segunda etapa de la edición del Festival de Gouveia de aquel año 2006 perteneciente al Domingo 9 de Abril, la resolvieron generosamente las bandas Anekdoten desde Suecia, los finlandeses Alamaailman Vasarat y los alemanes Amon Düül II. 

Luis Arnaldo Álvarez (Baterista  y Locutor profesional independiente)



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ULYSSES - On Safari (Ulysses, 2019)

 Hay veces que para encontrar algo realmente atractivo y destacable de un género hay que buscarlo en sitios opuestos a lo habitual. No, esto no lo encontrarás en un catálogo de Frontiers (y si los ficharan sería para que sonaran como el resto, ed.). Es autogestionado y viene de Bath. Es el cuarto álbum recién editado de Ulysses, (sin contar un EP del 2015), y se llama "On Safari". Menuda animalada. Cuando una banda cita como influencias a Syd Barrett, la era psych de los Stones, The Cars, Thin Lizzy, Hot Chocolate, Supergrass, Sailor, Alvin Stardust y Wings, a mí me pone el radar sobre aviso. Seguro que algo interesante sale de ahí . Vaya que sí. 



Luke Smyth (voz, guitarras), Jimmy Peppers (bajo, coros), Denny Peppers (guitarras, coros) y Shane Maxymus (batería,  coros), han paseado su sorprendente repertorio ante los morros de Rival Sons, Purson y algunos miembros en solitario de The Black Crowes.

Te acuerdas de los Sweet de "Level Headed"? Pues en "Looking for a Gurú"  ahí los tienes, con algún riff de sitar y la frescura party animal que les falta a The Darkness. Un claro single de 1979 para el 2019. Y un final inesperado a la Queen, (no, no se va a repetir en todo el álbum).

"Doctor and Nurses" es funk, pero disfrazado de The Cars. Que te pone las orejas como las de Rik Ocasek, por lo menos. Intachable power pop con la elegancia de éstos, BOC,  Hall & Oates y Hot Chocolate (art rock camuflado de black music). Extremo cuidado porque las guitarras irradian rayos Gamma, y el resto del grupo se convierten en Hulk.

Un riff como el de "Bad Tattoo" debería haber salido de un disco de Utopia cerca de "Oblivion" o "POV", y su mobiliario vocal, tres cuartos de lo mismo. La vertiente pomp los acerca a New England, Air Raid, Russia o Small Wonder.

En "Dragons" no podía faltar un condimento ELO + Sweet, again. Y a mí éstos Ulysses se me presentan con la misma euforia que aquel desmesurado debut de Cats in Space de hace unos pocos años. Desde luego, van por sendas parecidas. La preciosa tonada de "This Useless Love" lleva inevitable referencia de McCartney cuando volaba alto con sus Alas, flirteando con el proto-AOR.

Ahora invocamos a City Boy, y se nos aparece el espíritu de "She", pero sin tocar las pelotas desde una curva. Power pop con pegamento vocal aoerre que agarra como un piojo de guardería. O como mezclar a It Bites con Multi Story, para resucitar a 10CC. "Situation Man" inserta sintes que hacían falta como la cerveza en sábado. Y el resultado es más que óptimo. Jeff Lynne debería escuchar esto, ahí lo dejo. "Interlude" es eso mismo, unos segundos de peli de espías. Pero "Let's Move" trae a Brian Connolly y sus dulces huestes, y lo ponen todo patas arriba como en los viejos tiempos. No me lo puedo creer.....aquí se marcan un desarrollo instrumental de la leche. Que saben lo que se hacen, vaya. "Married Woman" tiene humor, comercialidad bien entendida y mucho hard 70s de sinfonola.  



Aún quedan por descubrir cinco títulos más,  (50 mts de temas cortos dan de sí), en un disco glorioso que no se hace largo ni plomizo. Ahora a investigar "Everybody's Strange" (2011), "Kill Your Again" (2013) y "Law & Order" (2016). Divino kilombo.

J.J. IGLESIAS










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BULL ANGUS - Bull Angus (1971 / Mercury)

 Mi buen amigo Joan Planes me decía el otro día que porqué no estaba en Rockliquias, Bull Angus. Y tiene razón.  Aún falta mucha rockliquia por desenterrar.  El pecio rockero es inmenso y tan valioso, como el oro español todavía hundido. 



Dicho esto, nos situamos en el midwest USA de los primeros 70, y un sexteto con la potencia hard prog de Kansas. Banda de esas en las que todos procedían de descendientes italianos (hay unos cuantos grupos). Lenny Venditti (bajo),  Geno Charles (batería), Dino Paolillo y Larry LaFalce (guitarras, voces), Ron Piccolo (órgano,  piano, voz) y Frankie Previte (voz solista). Amalgama hard rock con southern & prog & blues rock, es lo que vamos a encontrar en este embravecido toro. Armonías vocales siderales, dual guitars con mecha, ritmos arrasadores y efervescente teclada.  

"Run Don't Stop" (4'23) adelanta el sonido Purple americano que marcarán Legs Diamond más tarde. Asilvestrada organada y reverencias a Grand Funk Railroad. Voz solista impecable, clara y fuerte, al estilo hard rock USA. Y perfecta para lo que vendrá más adelante. Arreglos intachables y exquisitos. Son brutales, tío. Demoledores. Como un spin-off  de Bloodrock, "Mother's Favourite Lover (Margaret)" (3'43) arrasa con su misma rabia, o la de Point Blank, que también.  Conexión con Bloodrock por flauta travesera en conjunción con Hammond de "alabado sea el Lord". Es otro chupitazo que quema las entrañas. 



Se ponen más blues en "Uncle Duggie's Fun Bus Ride" (4'27), de arrebatos corales West Coast y excelente fortín instrumental. Visten las canciones en sastrería fina. Para "A Time Like  Ours" (6'24) siguen las cuidadas voces grupales en jazzy acento. Atomic Rooster / Uriah Heep vibes, y oposiciones serias a rock stars. No entiendo como no lo fueron, y más estando en Mercury. El final del tema es apoteósico,  desparramando guitarras, ritmos y teclas.

Vuelta a la tortilla vinílica y "Miss Casey" (7'20) no baja la guardia. Como unos Purple sureños, el feel macarra power ondea orgulloso, así pasen los tiempos. Hoy se trata de recuperar éste sonido, pero diablos, escuchas un genuino ejemplar de aquellos años y no tiene rival! Más prog-hard a la Paladin/ Beggars Opera/ Titanic/ Captain Beyond se muestra en "Pot of Gold" (3'51), sin perder fuelle, aún cuando aparecen acústicas.  Como en "Cy" (5'30) en un ejercicio Laurel Canyon- tulliano de exquisito tacto y elegancia CSNY. Rubricado por delicada flautilla y empastadas  (realmente maravillosas) voces. Cierra éste suculento manjar con "No Cream for the Maid" (6'43), en otro latigazo a la Atomic Rooster / Arthur Brown's Kingdom Come de su mismo galáctico nivel. 



Al año siguiente repetirán con el soberbio "Free For All", donde entran en juego condimentos claramente pre-pomp rock. Otra recomendable embestida hacia la eternidad. Frankie Previte encontrará sitio a su prodigiosa voz para el venidero AOR, con Frankie & The Knockouts. Y Bull Angus sigue siendo hoy, una olvidada banda de culto para ser venerada en procesión,  romería y con paso de cofrade, con el toraco ése a la espalda. Yo así,  sí, mira.

J.J. IGLESIAS



Temas
A1.Run Don't Stop 
A2.Mother's Favorite Lover (Margaret) 
A3.Uncle Duggie's Fun Bus Ride 
A4.A Time Like Ours 
B1.Miss Casey 
B2.Pot of Gold 
B3.Cy 
B4.No Cream for the Maid








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MICHEL POLNAREFF - Polnareff’s (1971, Universal)

 Pretérito inclasificable de la corriente francesa, emulador de la chanson por los derroteros ye-yés y amerizando en 1974 entre el oleaje glam culto, Michel Polnareff no fue precisamente un niño mimado por los adictos al pan de baguette. El sencillo sesentas “La Poupée Qui Fait Non” le consiguió impagables fanatismos entre la juventud gala, no así su cambio de década sin ataduras con las que frenarse. 



Michel no estaba dispuesto a ocultar su homosexualidad para contentar a unos pacatos conservadores que le empezaron a censurar desde el primer momento que se echaron al monóculo la portada del elepé en directo Polnarévolution, con el vocal e instrumentista luciendo femenina pamela y broche a juego –carpeta que se potenció con un desplegable en el que levantando un leve blusón, Polnareff enseñaba sus posaderas a la crítica malencarada–. Entre medias de todo el canto a sus principios que terminó por obligarle a un temporal traslado hacia Norteamérica para grabar sin tapujos o vendas estúpidas, el joven de Nérac (Francia) asaltó su país con un álbum tremebundo que desprendía por cada surco el talento cual genio pianista atesorado en su infancia más precoz y superdotada para las teclas. 



Con permitir el rodaje a “Voyages” podrás convencerte de que únicamente Michel Polnareff es capaz de avanzar en pocos minutos del arreglo sinfónico para orquesta a un pop funky que no amargaría a cualquiera de los capitostes de la blaxploitation. “Né Dans Un Ice-Cream” tiende a aunar el rock con pasajes relajados de flauta y coros envolventes, aunque en “Petite Petite” entronque con el “It’s Too Late” de Carole King. La descarga caliente dotada del sabor chicano de El Barrio neoyorquino se inyecta en “Computer’s Dream” y el recuerdo francófono con estribillos a lo The Mamas And The Papas florece entre los pétalos de “Qui A Tué Grand’ Maman”. Se inunda de power pop optimista en “Monsieur L’abbé” para al siguiente zapatazo materializar un soul vital anclado en San Francisco –“Hey! You Woman”–. Chardonnay. 

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com


 







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STEVE MOORE - Beloved Exile (2019 / Temporary Residence)

 Volvemos hoy con uno de ésos dúos que han reescrito el género berlinés en éste nuevo siglo, los norteamericanos Zombi. Anthony Paterra (batería) y Steve Moore (teclados). Éste último ejerce también de bajista con los tremendos Titan. Y tiene una bonita discografía en solitario que ya va por su duodécima entrega. Especializado en música para horror films de bajo presupuesto, campo ideal para éste estilo electrónico, que no muestra signos de flaqueza en pleno siglo XXI. Parece ser que para rebajar tensiones, Moore tiene un alias llamado Lovelock, con el que ejerce en estilos más dance-synth. 



En "Beloved Exile", álbum de 2019 a su nombre, tocaba además de teclados,  piano, guitarras, bajo y hacia su propia producción.  Lo que se dice un álbum en solitario. Aunque Jeff Gretz se ocupa de la percusión. 

La primera cara consta de cuatro temas de no más de cinco minutos. Mientras la segunda es una sola pieza larga. "Your Sentries Will be Met with Forces" (5'27) inauguraba con profusión mística,  voz femenina de espiritual recogimiento (sampler?), secuenciador berlinés ad hoc, y una orientación que recuerda a Klaus Schulze con Lisa Gerrard. Una etérea aura de magia arcana envuelve "In The Shelter of The Dunes" (5'15), digna de musicar alguna secuencia de la nueva "Dune". Y con reminiscencias claras de Popol Vuh cuando trabajaban para Werner Herzog. Con delicadas acústicas sobre un fondo nítido de electrónica."Beloved Exile" (5'26) posee ése mismo efecto religioso-tribal del añorado grupo de Florian Fricke, con un matiz más actualizado. Melodía en bucle y electrónica de loops africanos cercanos a Embryo, resuelta con éxito. Más kosmische se presenta "Throne Lane" (5'09) de ilimitado drone vagando por el infinito.....

Damos la vuelta y entramos en "My Time Among The Snake Lords" (15'36), nebulosa cósmica densa, en poderosa y vitaminica síntesis,  no exenta de subliminales y fantasmales melodías, muy al molde de Edgar Froese en solitario. Curiosa percusión orgánica equilibra la balanza, aunque aquí lo cósmico lo envuelve todo en un desmesurado manto de inmensidad. Pulsaciones de bajo apoyan el ritmo con una original perspectiva, aportando sugerencias frescas y perfectamente insertadas en el contexto. Hipnótico tratamiento final que vuelve a la majestuosidad de la exposición inicial.



"Beloved Exile" es un trabajo muy disfrutable,  pleno en iniciativas dentro de su admirado homenaje al German Rock 70s.  Alejado de Zombi, Steve Moore propone un album muy personal e introspectivo. Con un veredicto positivo que abarca una completa gama de ramificaciones kraut. Excelente "metaverso".

J. J. IGLESIAS











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Anthony Gomes – Live (2008)

  Triple Door es un local situado en  Seattle, que se alberga dentro del edificio Mann. En su origen era la sede del Embassy Theatre, un teatro de vodevil, que abrió sus puertas en 1926. Estuvo funcionando durante treinta años para posteriormente convertirse en una sala de cine hasta 1983, año en el que definitivamente cerro sus puertas. En 1999 Rick y Ann Yoder compran el edificio para transformarlo en un teatro de música y cenas. Hoy en día es un lugar según indican sus propietarios: "donde se proporciona lo mejor en sonido, iluminación, atmósfera y hospitalidad, y se maximiza la oportunidad de hacer que suceda algo real y vivo entre el artista y el público".


Anthony Gomes nace en 1970 en Toronto, Ontario, Canadá, de padre portugués y madre francocanadiense. En 1997 realiza la presentación de su banda, Anthony Gomes band, en Chicago. Al año siguiente obtienen el primer puesto en el Buddy Guy 's Legends en la categoría de mejor banda de blues sin contrato discográfico. Ese mismo año publican su primer disco, "Blues In Technicolor", con el que causan una gran sensación y les permite actuar junto artistas de renombre como  Buddy Guy , Koko Taylor , Jimmy Johnson , Lucky Peterson , Eddie King , Smokin 'Joe Kubek , Big Jack Johnson , Otis Clay , Eddie y C. Campbell entre otros. Posteriormente han editado una docena de grabaciones, la última se titula "Containment Blues" (2020). Anthony también ha participado en la banda "New Soul Cowboys" publicando dos discos: "New Soul Cowboys" (2009) y "Coming Back for You" (2018).


Este séptimo disco de Anthony Gomes se grabó el 27 de febrero de 2007 en el Triple Door en Seattle, Washington. Se capturó en un dos pistas y no contiene ninguna modificación posterior, Lo que oyes es lo que sucedió aquella noche. Anthony está acompañado por Denis Palatin (batería), Biscuit Miller (bajo) y Todd Hamric (teclados). El "setlist" esta compuesto por cinco temas de su anterior disco, "Music Is the Medicine", cinco composiciones nuevas ("Up 2 Zero", "Prelude in Blues", "Falling", "Won´t Let You Down" y "Wings of Song") y una cover, el "Heartbreaker" de los Led Zeppelin. La música de Gomes está enclavada dentro de lo que podríamos llamar "blues moderno" donde se mezclan influencias soul, blues,  funk, rock, etc. La versatilidad de Anthony es realmente increíble para fusionar todo tipo de estilos. Blues en "When The Right Woman Does You Wrong". Funk en "Bluebird". Sonoridades cercanas a Whitesnake o incluso Bon Jovi en "Falling" o "Won't Let You Down". En definitiva un crisol de sonoridades que te harán disfrutar plenamente. Atención a su teclista en "Music is the Medicine".
J.C.Miñana

 







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