TRAVELLING - Voici la nuit tombee (1973)

Este es uno de esos discos raros completamente influenciados por el Canterbury inicial y los que más se ajustan al sonido exacto del estilo. Entre los discos que vengo comentando en esta sección, la influencia directa del sonido no pasaba del 50% en el mejor de los casos y nadie conseguía el sonido exacto de los teclados. Este trío francés, en su único disco editado, lo consigue plenamente en toda la primera cara del álbum y algo menos evidente en la segunda. 

La composición recae en el teclista Yves Hasselman un músico de sesión que  como curiosidad tocaba con los grandes de la chanson francesa. Lo acompañan en esta aventura el bajista Jacques Goure y el batería Roger Gremillot. Parecen una intentona a lo ELP pero se quedaron en los sonidos más amables del Canterbury. 

Lo primero que te viene a la memoria al escuchar la larga suite que da título al LP es el fantástico Volumen 2 de Soft Machine que como sabéis en 1969 estaban reducidos al trío Hopper-Wyatt-Ratledge. Esta pieza de 18 minutos es casi calcada al sonido de los Soft,  pero también hay mucho de los Egg de Dave Stewart e incluso es palpable a veces, el estilo del pianista Keith Tippet  

La cara dos está dominada por el piano. Volviendo a la pieza principal, el trabajo del órgano es inconfundible por el uso del fuzz y con partes, a su vez incluidas, completamente jazz, lideradas por el piano acústico bastante free.  El propio teclista canta en francés un poco a lo Robert Wyatt y las melodías son atractivas. Hay espacio para la improvisación y los efectos free que Ratledge imprimía en los pasajes más locos de Soft Machine, que no faltan en la parte central del tema y que, en general, es un agradable paseo por los primerísimos años del Canterbury genuino. El teclista lo domina todo sin desmerecer el trabajo de los acompañantes plenamente identificados en la forma típica del estilo. Bajo cíclico y jazzística batería de líquidos arrastres y pulsaciones.

 La segunda cara es mucho más ecléctica y menos arriesgada que la primera, aun con todo, su escucha en algunos breves pasajes (las piezas Passo y Soleil por ejemplo),  casi nos aproximan a los primitivos ELP en su parte más groove-jazz-clásico del primer álbum. Supongo que este LP será hoy día de imposible localización y desde luego sin ser un disco deslumbrante, es una buena pieza de caza del coleccionista canterburiano más minucioso.

Alberto Torró

Temas

Voici La Nuit Tombée 18:00

Flamenco 4:02

Passo 3:05

Soleil 3:03

Tout Compte Fait 3:27

Shema 3:06

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COMUS - To Keep From Crying 1974

Comus fueron una banda de acid folk inglesa de efímera existencia con tan solo dos trabajos en su haber. El aclamado First Utterance de 1971 y el menospreciado por la crítica: To Keep From Crying. Es precisamente con este disco que quiero romper una lanza y salir en su defensa porque me parece un trabajo único en su género y no existe una sola referencia dentro del folk-rock psicodélico que se le parezca. Así como el primer disco de Comus es un registro oscuro que encandila a los seguidores de lo lisérgico y yo francamente no le pillo la gracia, el segundo To Keep from Crying es un trabajo lírico y luminoso aunque bastante extraño con sonoridades vocales que imprimen una tonalidad próxima a la disonancia pero de un atractivo sin igual. Precisamente ahí es donde reside su encanto y originalidad. He llegado a ver incluso críticas que lo definen como un álbum horrible e insulso…lo cual es preocupante, y no sé si lo es el gusto de quién lo dice o parte de una superficial impresión del mismo. Duda me crea.

Yo tenía 20 años el mismo año que se editó este disco en 1974 y lo compré sin escucharlo solo porque me atraía la portada y vi unos créditos interesantes de la gente que lo interpretaba. Acababa de empezar los dos años interminables de mili. Un trago amargo que los de mi generación tuvimos que pasar en los estertores finales del franquismo (siguen en el gobierno por cierto) Dos años de vida casi perdidos que afianzaron mi absoluta desconfianza en el ser humano y anularon mi alegría si es que alguna vez la tuve. Primero los curas, luego el ejército, y más tarde los empresarios tuvieron el honor de convertirme en un descreído del mundo y en un pesimista profesional al que le encantan los Hermanos Marx. La sociedad española de 1974 trataba de reducirte a una mierda y casi lo consiguen. 

Viene esto porque este disco formó parte de aquellos años de tristeza infinita, de ignorancia supina y de mala sangre hispánica. Si no hubiese sido por la música, daban ganas de tirarse por la ventana. Sobreviví claro ya que solo se suicidan los optimistas y los de paz y amor. 

To Keep From Crying fue para mí el lado luminoso de la “fuerza”, el lado inocente, el bálsamo de la furia. Lo escuché hasta la saciedad y aún hoy me lo pongo alguna vez. Temas como Touch Down, Children Of The Universe, So Long Supernova o el que da título al disco, te transporta a una atmósfera encantadora, casi naiff. O como ver el Mago de Oz en un bunker bajo una guerra nuclear y pensar que estás en ese mundo de colorines híbridos ajeno a los horrores. La voz única súper aguda de la cantante Bobby Watson, casi infantil, se mezcla con el desasosiego de que hay una realidad por encima ya que el disco tiene impresiones ácidas propias de la psicodelia tardía de los ecos de los sesentas pero también un aire fresco, distinto a lo que se escuchaba por entonces. 

Cosa curiosa es que se editó en España nada más salir supongo que por el tirón que la Virgin Records tenía en nuestro país en aquellos años. Dato curioso son algunos de los colaboradores del disco como Lindsay Cooper (Henry Cow) o Didier Malherbe (Gong) en los vientos respectivamente. Un disco extraño y una postal de una época poco agradable en mi vida. Se lo debía.

Alberto Torró

Temas

1) Down (Like a Movie Star) 00:00

2) Touch Down 04:06

3) Waves and Caves 8:52

4) Figure in Your Dreams 10:26

5) Children of the Universe 13:37

6) So Long Supernova 19:16

7) Perpetual Motion 22:38

8) Panophany 26:46

9) Get Yourself a Man 27:17

10) To Keep From Crying 34:24

11) After the Dream 39:37

12) Fiesta Fandango 40:40

13) New Tide 44:30

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THOMAS JEFFERSON KAYE - Thomas Jefferson Kaye (1973 / ABC)

A veces pienso que la verdadera utilidad de Rockliquias, y ahí su grandeza, está en hablar o acordarnos de quien nadie lo hace. Sin presiones de discográficas, pasta de por medio, ni cualquier otra sucia manipulación propagandística tan usual en este negocio. Hablar de esos discos que en su día,  alguien depositó sus ilusiones, experiencias, miedos, éxitos, fracasos, sueños o esperanzas. Y se quedaron en el limbo del injusto olvido.

Creo que los discos tienen su vida propia. Nos cuentan cosas, pero también se callan muchas. Si eres un empedernido de la segunda mano, no me digas que no te has cuestionado de donde vendrá,  cual habrá sido su recorrido, de quién fue.....

Thomas Jefferson Kaye se merece un rinconcito en éste blog. El de los olvidados.

A los 18 años ya era A & R de Scepter Records, durante los 60. Entre sus descubrimientos, está producir el hit "96 Tears" de ? And The Mysterians. Escribió canciones para Three Dog Night. Produjo a Jay and the Americans ( donde había unos "don nadie" como sesioneros, llamados Donald Fagen y Walter Becker). En los primeros 70 frecuenta los clubs de Greenwich Village  con la banda White Cloud.

Pero el inquieto Kaye toma la decisión de ver de primera mano lo que le cuentan sobre el "way of life" de la Costa Oeste. En San Francisco producirá a Link Wray, y cae rendido ante el ambiente de los Wally  Heider Studios y sus gentes. Allí conoce a Kris Kristofferson, Rita Coolidge, Don Everly, Bob Dylan o Rick Danko. Todo es una absoluta locura y un desmadre hippie-fiestero  de proporciones apocalípticas. Produce el album "Triumvirate" de Mike Bloomfield, John Hammond Jr y Dr. John.

Y al fin graba su debut en el 73 con ABC - Dunhill Records, casa de Steely Dan. En él cuenta con sus viejos amigos, Fagen y Becker. También produce Gary Katz, responsable del éxito del grupo. "Thomas Jefferson Kaye" es un delicioso álbum, fotografía sonora que capta el deambular de aquella gigantesca reunión de bohemios talentosos que andaban entre la locura y la genialidad.

"The Body Song" cuenta con la suave brisa costera de los vientos y cuerdas grabados entre los Village Recorder de Los Angeles y, cómo no, los Wally Heider de San Francisco. Kaye suena a beatnick-perro-viejo, lleno de recuerdos. Como un Kevin Ayers de la West Coast. Y con la psicodélica guitarra (importantísima en todo el álbum), de Rick Derringer, que más se asemeja a la de Peter Green. Preciosa. 

"Collection Box" crea una trilogía bluesera entre la acústica de Kaye, la eléctrica de Derringer, y su viejo amigo de aventuras desde The McCoys, el bajista Randy Hobbs (Jimi Hendrix, Edgar & Johnny Winter, Montrose, como cv!). Southern blues grasiento y arrastrado, puro bayou pantanoso. 

"The Door is Still Open" y su poderosa sección de viento, nos lleva al sudoroso soul sureño de León Russell, Levon Helm o Delaney & Bonnie. El honky piano de Tim Salisbury pone la guindilla de New Orleans. 

"Learning How to Fly" quedaría perfecta en el debut de Eagles.  Country rock con "la pequeña ayuda de los amigos". Derringer y su sorprendente feel sureño, Donald Fagen y David Palmer (Steely Dan, Wha-Koo) en los coros. 

Seguimos "aprendiendo" en "I'll be Learning her Tomorrow", preciosa balada crepuscular Country rock, para tiroteo a cámara lenta en secuencia de Tarantino western, ( plomizos, pero resultones). 

En la segunda cara, más retazos de (mala) vida. "Hole in the Shoe Blues" apoya el bajo de Walter Becker un ritmo tirado y vacilón que a Gregg Allman le iría como hecho a medida. Piano con clase jazzy  y feeling blues  de Derringer en las seis cuerdas. Otro Steely, Victor Feldman, percusionea como él sabe, en casi todo el disco.

Me falta la voz del inmortal Levon Helm en "Snake in the Grass" para que esto fuera una juerga The Band. La de Kaye también me vale, tiene clase, este hombre. Y Derringer se sale.

 "Thanks for Nothing" nos trae a otro (más ) Steely Dan guest : Jeff "Skunk" Baxter a la guitarra. Exquisita,  romántica y con toda la bohemia de un Kevin Ayers (insisto) de Dakota del Norte. 

La sureñaza "Hoe Bus " pone el broche de oro a un trabajo de flechazo instantáneo.

 Ese mismo año y con el mismo equipo, edita "First Grade" (1973). Se lía a producir al ex-Byrd, Gene Clark, antes de acabar formando con él la K (aye) C (lark) Southern Band.

El constante abuso de alcohol y drogas nos privara del tercer disco de Thomas Jefferson Kaye hasta 1992. "Not Alone" cuenta con Eric Clapton, Steve Miller, Rick Danko, Dr. John, Joé Walsh, Timothy B. Schmit y Robby Krieger. En el 94 dejaba este plano astral a causa de una sobredosis de pastillas contra el dolor....de alma?......

J.J. IGLESIAS

Temas

A1 The Body Song 

A2 Collection Box

A3 The Door Is Still Open

A4 Learning How To Fly

A5 I'll Be Leaving Her Tomorrow

B1 Hole In The Shoe Blues

B2 Snake In The Grass 

B3 Thanks For Nothing

B4 Hoe Bus

Formación

Thomas Jefferson Kaye: voz, guitarra acústica

Chris Williamson, Clydie King, DIane Morrison, Dorothy Morrison, Mark Springer, Micki St. Clair, Shirley Matthews: Backing Vocals 

Randy Hobbs: bajo

Joe Frank Corrola: bajo, voz

Rick Slossen: batería

Rick Derringer: guitarras

Victor Feldman: batería

Tom Salisbury: piao

Bobby Black: Steel Guitar

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False Prophet - Moonchild 1976

False Prophet era un grupo procedente de Texas que está envuelto por un manto de oscuridad y misterio. Pocos datos se conocen sobre la banda incluso los nombres de sus miembros no están confirmados. Algunas informaciones indican que el grupo lo integraban  Robert Wright (guitarra), Robert Cooley (guitarra, voz), Jim Novak (bajo) y Steve Barrington (batería).

En primer lugar no hay que confundirlos con la banda punk del mismo nombre formada en los ochenta. En segundo lugar hay diferentes versiones en cuanto al origen de la  grabación. Algunos comentan que se editó de forma privada en 1976 y que posteriormente fue rescatada. Otros piensan (este es mi caso) que la grabación son demos de la banda grabados ese año y recopilados por ShroomAngel Records muchos años después.

False Prophet nos ofrecen seis temas cargados de buen hard rock con algún tinte progresivo y con increíbles solos de guitarra. La producción deja mucho que desear sobre todo en el tema de las voces pero merece la pena soportarlo por la gran labor del incendiario guitarrista Robert Wright. Nada que envidiar a los grandes "guitar heros" de la época, sus solos son realmente antológicos con uso masivo de wah wah. Todos los temas tienen una base arpegiada de guitarra sobre la que se desarrolla la composición. Este detalle hace recordar a los Rush de su primera etapa, como muestra la versión que hacen del  "No One At The Bridge" (Caress of Steel).  Temas bastante largos que culminan en sus dos obras maestras. "Trilogy" dividida en tres partes: "a) The Storm  b) Moonchild c) Blind Ambition. Y " Fire And The Void" más de dieciocho minutos de desfase guitarrero.

J.C. Miñana

Temas

1. Flight Of Glaurung 00:00

2. The Second Door 05:18

3. Shadows Of Substance 16:30

4. No One At The Bridge 23:34

5. The Trilogy 28:18

6. Fire And The Void 42:36

Formación

Robert Wright - guitarra

Robert Cooley - guitarra, voz

Jim Novak - bajo

Steve Barrington - batería

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PETER FROHMADER ( NEKROPOLIS) - Cultes des Goules - Ballet of Death (1985)

Sintetista de la tardana segunda generación alemana, nacido en Múnich,  y capacitado como multiinstrumentista. Animó la electrónica de vanguardia en el secarral de los 80. Sus raíces fueron con lógica Tangerine Dream y Ash Ra Tempel. Y así las dio a conocer mediante las bandas Alpha Centaury, Electronic Delusion y Kanaan. Influencias que ampliaría más adelante con Magma, Art Zoyd, Univers Zero, Varese, Penderecky o Carl Orff. Su Dark Ambient de profundo matiz ocultista no deshecha tampoco el Free Jazz o el Avant.

El gran H. R. Giger, (que colabora en el arte de éste disco junto a Frohmader), llegó a decir que era "el perfecto creador musical para sus obras". Absolutamente cierto.

"Cultes des Goules - Ballet of Death" fue su cuarto álbum, grabado en los Nekropolis Studios de Múnich durante 1981. En él Frohmader no se conforma con los sintetizadores. También echa mano de bajos ( una de sus debilidades), guitarras de 12 cuerdas, efectos, coros, percusión, ingeniería y mezclaje. Ayudan en calidad de invitados, Stephan Manus (violín ), Birgit Metzger (voz), Oliver Plett (flauta alemana) y Stefan Plett (saxo alto).

"Part 1" (22'26) y "Part 2" (24'05) constituyen esta obra de música sacra para un planeta condenado. Su oscuridad y siniestra ambientación hace que veamos su contenido con otra perspectiva estética. Muy fundamentada en las pesadillescas ilustraciones y esculturas de Giger. "Alien debería de llevar su música ", llegó a decir el maestro suizo, con toda la razón. 

Las intervenciones de violín,  flauta o saxo,  (así como la voz utilizada como un instrumento más ), se fusionan con el universo sonoro de la grabación,  consiguiendo Frohmader un gran sentido de "policromía oscura" , destacando también su pericia en la mesa de controles.

En contra de lo que se pueda suponer, su escucha no se hace difícil  ( a poco que estés interesado en éstas músicas ). El proceso de selección de sonidos y melodías es fluido y altamente interesante. Atrae tanto su sencilla complejidad como sus inesperados pasajes, fuera de toda realidad cotidiana. Uno de sus mejores aciertos es no dejar que la Berlín School impregne su estilo. Frohmader es Frohmader. No hay aditamentos que vengan de fuera de su particular y ominoso mundo. Tal vez y como se ha dicho, estilos como el Zehul o Rock In Opposition centroeuropeos tengan más cabida en su planteamiento. Pero aún así,  lo conseguido es de una independencia artística extraordinaria.

"Cultes des Goules" ha sido reeditado por Spalax y Cuneiform, pero no serán sus últimas revisiones. La música de Frohmader gana con los años, y lo que ayer se podía ver como una excentricidad, hoy parece un reflejo natural de los tiempos. Pues se convierte en una perfecta banda sonora del acontecer actual, cada vez más amenazador y siniestro.

Un gigante de la electrónica alemana con su particular y lovecraftiano punto de vista. No le da explicaciones a nadie, y bien que hace.

P. D - " La música electrónica alemana actual es deprimente. Destacaría muy pocas cosas. La comercialidad lo invade todo y yo sigo sobreviviendo gracias a mi nombre como pionero e inventor.

(PETER FROHMADER)

J.J. IGLESIAS

Temas

[0:00] Part I

[22:54] Part II

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Alvin Lee & Mick Taylor - Kiel, Germany (1981)

Alvin Lee fue el líder del mítico grupo Ten Year After y en su época fue considerado como uno de los guitarristas más rápidos. Su actuación en Woodstock fue una de las más relevantes del festival. Por otra parte Mick Taylor sustituyo a  Brian Jones  en The Rolling Stones grabando con sus satánicas majestades algunos de sus mejores discos ( Let It Bleed , Sticky Fingers, Exile on Main St). También fue miembro destacado en los Bluesbreakers de John Mayall.

En 1981 Alvin Lee hacía unos meses que había editado "Free Fall" y en ese año editaría "RX5" , en los dos trabajos estaría presente el ex- Rare Bird , Steve Gould.

Mick Taylor se había tomado un año sabático después de todos los problemas que había tenido con su discográfica. Es año se editaría "Tattoo You" de los Rolling conteniendo "Tops" y "Waiting on a Friend" pertenecientes a la época del  Goats Head Soup (1973). No apareció en los créditos y tuvo que luchar en los tribunales por sus derechos.

En parte de la gira europea y en algunos de los conciertos de la americana del "RX5" de Alvin Lee se les une Mick Taylor como segundo guitarra. En los conciertos por algunas ciudades de Estados Unidos fueron teloneros de los Black Sabbath que presentaban su "Mob Rules" con Ronnie James Dio al frente.

En 1984 tuve la oportunidad de ver Alvin Lee en el Palacio de Deportes de Zaragoza, tanto J.J. como yo mismo creo que todavía no hemos olvidado ese concierto. Todo un espectáculo guitarrero.

La grabación nos traslada al concierto de Alvin Lee junto a Mick  Taylor celebrado en Kiel, Alemania, el 3 de Noviembre de 1981. La banda estaba formada por Alvin Lee ( voz, guitarra), Mick Taylor (guitarra), Fuzzy Samuels (bajo) y Tom Compton (batería). Solo podemos disfrutar de siete temas que fueron grabados directamente de la mesa. Por internet circulan otras versiones con más temas tomados del publico con un sonido bastante malo. Como no podía ser de otro modo los temas destacados son aquellos en los que los sonidos blues están presentes, "Slow Blues In 'C', "Help Me" y por supuesto " Love Like A Man".  La simbiosis entre Alvin y Taylor es total y una delicia escucharlos juntos.

J.C. Miñana

Temas

1, Honey Pie 

2, Slow Blues In 'C' 

3, Goin' Through The Door 

4, Can't Stop 

5, Just Another Boogie 

6, Help Me

7, Love Like A Man

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Eduardo Bort ‎– Eduardo Bort 1975

Eduardo Bort es un gran guitarrista valenciano totalmente infravalorado y que causó sensación con su primer disco, "Eduardo Bort" (1975).

 La carrera de Eduardo comienza a principios de los 70 formando parte de grupos como “Los Boodgies” y “La oveja negra”. Es invitado a formar parte de un proyecto con músicos franceses y se va a París donde con el sello independiente “Out Music” consigue realizar algunas grabaciones que se perderían en el abismo. En 1973 comienza a fraguar su primer disco y un año mas tarde realiza la grabación en los estudios Audifilm de Madrid teniendo como ingeniero de sonido a Luis Fernández Soria. Con el disco bajo el brazo se entrevista con Joop Visser, jefe de A&R de EMI Inglaterra, que le promete dinero y gloria, grabar en Inglaterra con un nuevo teclista y un cantante inglés, y el lanzamiento como YANN en todo el mundo. Las promesas se quedan en mero humo y Eduardo tiene que buscarse la vida para editar su disco. El sello Gong lo publica en 1975. 

Diversos problemas personales, como la muerte de su hija con nueve años por una trágica enfermedad, lo conducen a un vacío compositivo hasta 1983 fecha en la que edita "Silvia".

A lo largo de su carrera Eduardo a producido a gente como Iceberg, Ramoncín, Pau Riba, Charly Buffalo y Ramiro Segrelles entre otros. También ha colaborado con Gualberto, Marcos Mantero, Max Suyer, Denny Laine y Geoff Britton, , Fabio Miano, Grant Stewart, etc.

Este proyecto lo maduró Eduardo Bort durante varios años. La idea original contenía ocho temas pero por problemas de espacio se tuvieron que descartar ‘Hacia las estrellas’ y ‘En las fuentes del Yann’, La música que nos ofrece es un progresivo psicodélico muy adelantado a lo que se hacía en España en aquel momento. La técnica guitarrera de Eduardo superaba con creces la media de los guitarristas del momento. Los temas ‘Walking On The Grass’ y ‘Pictures of Sadness’ son verdaderas obras maestras con pasajes instrumentales llenos de riqueza sonora. Otro tema destacado es "Pictures Of Sadness" con un solo de guitarra increíble. Bort esta acompañado por Alfonso Gimeno a las teclas, Vicente Alcañiz a la bateria y Marino Hernandez al bajo. Los texto son de Juan Beltrán Pilato.

J.C. Miñana

Temas

1 Thoughts, Pt. 1 [Pensamientos] 4:30

2 Thoughts, Pt. 2 [Pensamientos] 3:27

3 Walking On The Grass [Paseando Sobre La Hierba] 9:03

4 Pictures Of Sadness [Cuadros De Tristeza] 5:59

5 Yann 3:42

6 En Las Riberas Del Yann 8:41

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SANGUINE HUM

Banda inglesa afincada en Oxford e integrada por un cuarteto compuesto por los músicos Matt Baber en teclados, Joff Winks en guitarras, Paul Mallyon en drums y Brad Waissman al bajo. Inicialmente se llamaron Antique Seeking Nuns y grabaron tres EP´s en una línea próxima al Canterbury intimista y suave con alguna influencia zappera de los cuales recibieron buenas críticas de los medios prog más afines a estilos arriesgados con cierto refinamiento avandgarde y dentro de la inmensa oferta actual progresiva, son como alfileres de oro en un pajar pseudoprogresivo lleno de sonidos asépticos, metales prog, psicodelias post y otros clones baratos y demás batiburrillo faunístico que satura ya la escena actual.

Sanguine Hum no es un grupo más de estos destinado a epatar y a alumbrar al chaval prog moderno eclipsado por los híbridos tecnificados actuales que se han olvidado de que la música se compone de pausas, modulaciones, timbres y silencios. Estos tíos poseen cierta originalidad tan escasa en nuestros días. Algunos blogs los etiquetan como “neoprog” al uso y se quedan tan anchos. Lo cual además de ser falso indica que probablemente no se han molestado en escucharlos y no han pasado de una superficial toma de contacto. La proliferación de bandas abúlicas, repetitivas y superficiales tapa muchas veces el hecho de encontrarte con algo especial y diferente. Este es el caso. Para mí cuando encuentro algo difícil de etiquetar ya despierta mi curiosidad. No siempre se acierta claro está pero al menos prestas más atención.

La primera impresión al escuchar a los Sanguine Hum es de suavidad y cierta languidez con momentos más activos evidentemente  y con la peligrosa sospecha de que te parezcan un grupito de post – rock al uso previsiblemente soso y aburrido. Nada de eso sucede cuando avanzas en la escucha y conforme penetras en su música adviertes un serio trabajo de composición y detalles de buen gusto. La influencia del sonido Canterbury no es nada evidente y se encuentra de manera sutil yendo hacia los derroteros más introspectivos del asunto. 

Hay mucho uso de teclados, Rhodes o pianos eléctricos de última generación. Acordes muy limpios de guitarra eléctrica de complicada ejecución, variadas tonalidades y continuos vericuetos un poco a la Hatfield &The North e incluso puedes retrotraerte ligeramente a los cristalinos fraseos pianísticos de Alan Gowen teclista de Gilgamesh, pero más en sensaciones que evidencias. A ratos puedes visualizar al Steve Hillage de Fish Rising o al propio Robert Wyatt. Pero si una palabra los define es pulcritud. 

Son el refinamiento a la hora de construir canciones y, sí, las voces tienen cierto toque pop con bonitas melodías. Pasan de la complejidad de vanguardia al pop rock elegante sin problemas,  de milimétricos entramados jazzy a deliciosas acústicas con un cuidado extremo en el sonido y en la ejecución. Limpieza y buen hacer. Vale la pena una escucha atenta y pausada de todos sus discos que son sumamente recomendables. No creo que defrauden en absoluto al paladar más exquisito. Un aire fresco de la música británica que tantas alegrías nos ha dado.

Alberto Torró

Plays The Nuns (2009)

Diving Bell (2010)

Live in America (2012)

The Weight of the World (2013)

Now We Have Light (2015)

What We Ask Is Where We Begin (2016)

Contacto:

Web: http://troopersforsound.com/

Facebook de la banda:https://www.facebook.com/SanguineHum/

Bandcamp de la Banda:https://sanguinehum.bandcamp.com/music

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SHAUN DAVEY & RITA CONNOLLY - Granuaile (Grace O´Malley) (1985)

La música celta fue otro de mis refugios musicales durante la “dark age” progresiva de los inefables 80´s pero sin caer en la tentación aséptica y aburrida de la entonces ascendente “new age”. Había que andar con cuidado para que las discográficas no te metiesen un truño con bonita portada y música diarreica en sus surcos. 

Yo tenía mucha amistad en aquellos años con un gallego afincado en Aragón y hoy día conocido personaje de las artes y letras llamado Antón Castro. Gracias a él conocí a músicos como Alan Stivell, Gwendal, Planxty , Clannad o Capercaillie  etc etc… que para un sinfónico como yo, fue un mundo nuevo que se adaptaba emocionalmente bien a mis gustos, al tiempo que crecía mi pasión por los compositores clásicos del XIX y XX. La falta de música “moderna” de calidad me llevó por estos derroteros de los cuales no me arrepiento en absoluto y han servido para enriquecerme musicalmente.

 Ahora bien, dicho esto, jamás he querido pertenecer como diría Groucho Marx  a un club que admitiese a un tipo como yo. El mundo clásico académico está lleno de gilipollas pedantes, snobs y estirados mortalmente aburridos que miran por encima del hombro con asco y falsa superioridad. Mundo muerto y sin alegría. Vade retro. Prefiero ver a Stravinsky borracho en calzoncillos y a Ravel sentado en la taza del wáter componiendo el bolero. Humanos normales como los demás.

Este vinilo llegó a mis manos en plena fiebre céltica y se trata de una suite para orquesta, gaita irlandesa y voz angelical. Un disco hermoso y bonito que habla de una pirata irlandesa del siglo XVI llamada Grace O´Malley ( Granuaile para su tropa) y que debió de organizar una bonita carnicería contra la famosa Armada Española frente a las costas de Irlanda, aunque como buena heroína de los mares sintió compasión por los cadáveres que flotaban de los Martínez, Gómez, Hernández, Pérez y Aguirres y probablemente tuviese algún picha brava andalú de amante. Lógicamente no consta en archivos históricos.

Shaun Davey es un prestigioso compositor irlandés y si gustáis del espíritu aventurero y la música épica de corte fílmico os lo pasareis bien con este Granuaile, e incluso con otros trabajos suyos como el Brendan Voyage de similares características. Al Uilleann Pipes (gaita irlandesa) tenemos al gran David O´Flynn, conocido músico de la peña céltica y a una voz femenina maravillosa (como prácticamente todas las irlandesas y escocesas) llamada Rita Connolly, gran dama del canto de esas tierras gaélicas. La música celta tiene su lado triste porque son canciones de tragedias y despedidas, pero también su fiesta y alegría de la danza cervecera que se filtra en tu sangre sin remedio. 

En este disco encontrarás melodías memorables que ponen la piel de gallina : Dudhdarra o The Spanish Armada  y marchas alegres y contagiosas como Ripples in the Rockpools o Free and Easy.  Conste que una de mis aspiraciones secretas serían unos viajes por esas duras tierras de borrachera con William Wallace entre hermosas pelirrojas y yo con falda escocesa y el badajo al aire. Salud!!

Alberto Torró

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WARM DUST - And it Came to Pass (1970 / TREND)

Suele meterse a Warm  Dust en el saco de las primeras brass bands de los 70. A la sombra de Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears, que fueron las de mayor tirón en la época. Vale. Pero una vez escuchado, el debut de Warm Dust bien poco se parece a las bandas americanas. A no ser que contemos con que tanto CTA como Warm Dust se estrenaron con un doble álbum. Yo me quedo con éste de hoy, y lo digo con total sinceridad.

Éstos británicos de joven edad fueron fichados por el pequeño sello Trend. Eran Alan Soloman  (saxos de todo tipo, flauta, oboe, piano). Terry Comer (bajo, guitarra, recorder ). Dave Pepper (batería ). Dransfield Walker (voz solista, armónica,  guitarra). Paul Carrack (órgano,  piano y guitarra). Y John Surgey ( saxos, flauta, oboe, clarinete y vibrafono). Un sexteto con muchos instrumentos, dando juego al asunto.

"Turbulence" (11'06) abre la obra con un fuerte gusto a Jethro Tull y no sólo por la flauta, que también.  La manera de cantar de Walker recuerda a Anderson, así como sus modos compositivos. El psicodélico órgano  de Carrack nos adentra en el "futuro pasado" sin necesidad de máquina del tiempo. Con pugna pugilística con el saxo (en varios formatos), en clímax ascendente entusiasmante.

Así se empieza un álbum,  sí señor.

"Achromasia" (7'30) no tiene nada que envidiar a otra banda referente de Warm Dust, los inolvidables Colosseum. Si bien las maneras vocales siguen siendo andersonianas. El Hammond se equipara al de Dave Greenslade, y los saxos ídem con Dick Heckstall-Smith. Tremendo material, habemus.

Segunda cara en comienzo con "Circus" (5'37), excelente tema que nos confirma cómo hubiera sonado Caravan con Ian Anderson al frente. "Keep on Trucking" (4'13), de forma progressive blues al  modo Mayall, Savoy Brown, Chicken Shack  o Ten Years After, explica claramente las raíces británicas  de ésta sensacional banda. Las intervenciones de piano, saxo y órgano tiran al jazz, acercándose  al gran Keef Hartley en sus inicios.

"And it Came to Pass" (10'50) , con una intro en plan "BBC presenta a Warm Dust", es una original pieza con varios niveles y que mezcla prog y jazz, de símiles con King Crimson (fíjate en la batería a lo Giles), o Web / Samurai.

La cara C es para "Loosing Touch" (8'50) como entrante, en otra brillante aproximación  Tull de atractivo instantáneo. Flauta y órgano jugueteando con la andersoniana voz de Dransfield Walker. Exquisito manjar.

"Blues for Pete" (7'25) rompe con un saxo a la Ian McDonald, intervención de la fina armónica de Walker, y Carrack siempre atento adornando el ritmo. Bluesazo lleno de fuerza y early prog, perfecto para "This Was" o los Blodwyn Pig de Mick Abrahams. Que es lo único que les falta a ésta banda, un guitarra solista poderoso. Aún así,  esto es néctar de los dioses. "Man Without a Straw" (5'10) está lleno de pasión desgarradora, enérgico sentimiento que veo perdido en casi todas las bandas de la actualidad. Hard psych barroco espectacular. 

Llegamos a la cara D, (sí,  os lo comento desde mi reciente adquisición  como vinilo doble reeditado, benditas ferias!). Y "Wash my Eyes" (14'15) es un soberbio exponente de prog-jazz al modo alemán  de unos Birthcontrol, Emergency, Out of Focus o Release Music Orchestra. Otra maravilla más  a añadir a un álbum descomunal, sin paja ni lastre.

Para finalizar, la tremenda versión  de "Indian Rope Man" (7'10) (de Ritchie Havens), que popularizaran Driscoll / Auger & the Trinity y Frumpy. La de Warm Dust pasa sobradamente la prueba de comparación. Es un tema perfecto para su estilo.

Con semejante álbum,  uno diría que estos tíos ya no podrían superar el listón.  Pues al año siguiente lo igualaron con el conceptual anti-belicista "Peace for our Time" (Trend / 1971). En el 72 entran en la alemana Basf (su estilo pegaba con lo que se estaba haciendo en krautlandia), y graban dos álbumes de moderado notable, "Third Album"y "Dreams of Impossibilities". Ahora sí,  tras ésta descarga brutal de arte, se separan. Paul Carrack y Terry Comer entrarán en los buenísimos Ace  (The Band en british). El primero, como puedes suponer, seguiría con Squeeze y Mike & the Mechanics. Además de con una exitosa carrera en solitario. El señor Carrack se avergüenza  de su pasado en Warm Dust, tengo entendido.

El señor Carrack es un gilipollas. Porque estamos ante lo mejor que hizo en su carrera.

J.J IGLESIAS

Temas

01. Turbulance - 10:56

02. Achromasia - 7:12

03. Circus - 5:32

04. Keep On Trucking - 4:26

05. And It Came To Pass - 10:21

06. Loosing Touch - 7:41

07. Blues For Pete - 7:16

08. Man Without A Straw - 4:25

09. Wash My Eyes - 14:01

10. Indian Rope Man (Ritchie Havens) - 6:07

Formación

- Dransfield "Les" Walker - voz, armónica, guitarra

- Paul Carrack - teclados, guitarra

- John Surguy - vientos

- Alan Solomon - vientos, piano

- Terry "Tex" Comer - bajo, guitarra

- Dave Pepper - batería

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Stonehouse - Stonehouse Creek 1971

Stonehouse fue una banda formada en 1970 en la localidad inglesa de Plymouth fundada por Peter Spearing (guitarra), James Smith (voz), Ian Snow (Batería) y Terry Parker (bajo). El nombre de la banda procedía del lugar de nacimiento del guitarrista.

En 1971 fichan por la RCA y se meten en los estudios Command de Londres, grupos emblemáticos grabaron en estos estudios:King Crimson, Slade, Deep Purple, Atomic Rooster, etc. En apenas doce horas graban "Stonehouse Creek" teniendo como ingeniero de sonido a Barry Ainsworth ( Hawkwind, Deep Purple, The Strawbs, May Blitz,  Sam Gopal) y como productor a Mickey Clarke (Raw Material's). La banda se disolvería pocos meses después.

Los Stonehouse nos presentan un hard rock elegante cargado de buenas composiciones sustentadas en su gran cantante James Smith y en el guitarrista Peter Spearing. Muy pronto descubrimos las claras influencias de la banda. Temas como "Hobo", "Cheater" o "Crazy White Folk" nos trasladan al grupo preferido del cantante de la banda, FREE. En ningún momento se nota el poco tiempo que tuvieron para grabarlo. Según Smith el piano fue un añadido posterior que dulcifico un poco su sonido. En definitiva un gran álbum.

Temas

A1: Stonehouse Creek 00:00 

A2:: Hobo 01:28

A3: Cheater 05:06

A4: Nightmare 09:27

A5: Crazy White Folk 14:25

B1: Down Down 19:32

B2: Ain't No Game 24:08

B3: Don't Push Me 28:04

B4: Topaz 31:58

B5: Four Letter Word 35:47

B6: Stonehouse Creek 39:22

Formación

Peter Spearing :guitarra

James Smith: voz

Ian Snow :batería

Terry Parker: bajo

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