ZYMA (Alemania) (Canterbury Ways)

Otra banda alemana para variar. Fundada en 1972 por iniciativa del teclista Günter Hornung, un veterano músico nacido en 1938 y experto al parecer en big-bands onda jazz-rock clásico. En 1974 se une a la flautista, violinista y cantante Dorle Ferber con estudios clásicos que le van a dar al grupo su peculiar forma de identidad. 

Dorle es una especie de Annie Haslam de Renaissance haciendo jazz-rock con ramalazos zeuhl y tintes folk. Original mezcla especialmente excitante porque la señora en cuestión tiene una voz prodigiosa y en cuanto a su ejecución en violín y flauta está al mismo nivel. Los ingredientes de Canterbury y el perfume inglés queda bien patente en sus dos únicos trabajos editados y fue una pena porque se trata de un combo prometedor en su momento y que podría haberse codeado con los grandes de la época sin ningún problema. Hablamos de muy buenos músicos. 

El trabajo del piano y del Fender Rhodes es magnífico y la paleta instrumental del resto del grupo es generosa en variedad de teclados, guitarra, bajos, vientos, instrumentos de cuerda y una variada sección percusiva de batería, vibes, marimba etc. 

Temas

Thoughts 8:19

Businessman 12:33

One Way Street 8:04

We Got Time 3:43

Wasting Time 9:39

El inicio de la primera pieza “Thoughts” de su primer álbum parece un cruze imposible entre Magma y Renaissance que deriva hacia un jazz-folk curioso mientras avanzas, que le da su toque pintoresco y especial. Hay toques vanguardistas extraños a veces salpicados de trenes rítmicos de sintetizador y violín a la Camel-Caravan muy prog setentas tendiendo a la fusión.  Su primer LP “Thoughts” se publicó en 1978 y al año siguiente lo haría “Brave New World”. 

Temas

1. Brave New World (0:00)

2. Sundays (4:38)

3. Lunch Time (10:59)

4. Sunday Fever (13:06)

5. Transit (18:46)

6. Colours (23:18)

7. A Nice Way To Say Hello (31:46)

Justo al borde del abismo de todo lo progresivo. Sacar sendos álbumes con esta calidad en esos años precedentes al desastre, era de valientes y claro la cosa estaba clara, ahora o nunca. No hubo un tercero y se evitaron las críticas de los columnistas bobalicones y superficiales del momento ochentero, que lo habrían masacrado sin piedad y sin talento.

 Yo los definiría como unos Soft Machine-Caravan  “sinfonizados” y con ligerísimos toques Fairport Convention- Renaissance para desengrasar un poco. Todo se cuela de vez en cuando y la música en si misma se enriquece de ello. Dos discos de jazz-rock-sinfónico originales y sugestivos que merece la pena tener (en vinilo mejor en caso que los encuentres). Esta clase de entonces es la que falta hoy, y por muy rápido que toquen los chavales de hoy día, esa magia del pasado les viene grande. Algo falla me temo.

Alberto Torró

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THE TANGENT - A Place In The Queue (2006)

Es curioso observar la forma a veces tan antagónica que tiene la gente al escuchar y valorar la música. Es conocido el dicho de que “sobre gustos no hay nada escrito” y es un tema recurrente cuando nos juntamos los amigos metidos de lleno en este particular mundo,  el sacar a colación las diferentes sensibilidades al calificar una obra o una grabación que no siempre ejerce el mismo impacto en cada persona. Esto es lógico y normal y naturalmente los más veteranos en este mundillo, nos jactamos con exceso de vanidad a veces- todo hay que decirlo- en distinguir  y clasificar a la primera, lo que es buena o mala música, la pedantería es deleznable y ridícula,  así que no estamos del todo libres de la duda y el error y de vez en cuando, nos viene bien un baño de humildad, que por otra parte es sinónimo de experiencia y madurez. Esto viene a colación con este tercer trabajo de The Tangent. Leo en las críticas de Prog Archives por ejemplo, con calificaciones que van de 5 estrellas y absoluta obra maestra, a calificaciones de una sola estrella y cagada absoluta. No puede ser me pregunto. Es cuestión de ignorancia?  (la mayoría de las veces sí) pero también los más fanáticos se dejan (nos dejamos) llevar en ocasiones por el entusiasmo… ¿sin tiempo de reflexionar a fondo?...quien sabe. La música te dice algo o no te dice absolutamente nada. Hasta ahí puedo llegar y es la clave de la cuestión.

En general este disco es alabado como uno de los más importantes de principios del siglo que nos toca aguantar, pero también tiene muchas críticas en contra. Recordad el “Tales from…” de Yes y la polémica que generó. Andy Tillison ha colocado en 78 mts de CD dos enormes suites: “In Earnest” con diez secciones en 20 mtos para iniciar el trabajo y la homónima  “A Place In The Queue” de 25 mtos con ocho subdivisiones al respecto. Algún gracioso parafraseando a Woody Allen diría “todo lo que querías saber del progresivo pero temías preguntar”. Los Flower Kings hicieron algo parecido con el ya antológico “Stardust We Are”.

No obstante sin ser mi Tangent favorito hay que reconocer que la currada que lleva este disco es tremenda y no valen un par de escuchas antes de meter la pata. Este no es tan directo y emotivo como el anterior trabajo y hay que infiltrarse entre recovecos para degustar el caviar. 

En medio de las dos épicas piezas que encuadran como una muralla el disco, hay diferentes vidas dentro de la “ciudad” sonora. “Lost In London” vuelve a los Caravan-Hatfields más ligeros y despreocupados en un placentero viaje de 8 mtos.

 La saltarina “GPS Culture” nos recuerda al Tony Banks y al Wakeman más alegres. 

“Follow Your Leaders” tiene ese toque tan variado con mezcla de estilos y un aire groove-jazz -rock-soul completamente agitado con un bajo del Jonas Reingold  tremendo y un hammond desatado. Roine Stolt ya no está en este disco y Tillison vuela por libre. El cambio del guitarrista por un tal Krister Jonsson no baja enteros y otro ex Flower como el chileno Jaime Salazar se ocupa de las baquetas. 

“The Sun Of My Eyes” desentona completamente aunque podemos tomarlo como una broma del sonido black disco o Philadelphia.  Esto contrasta con el monstruoso  final épico y en ese inicio me viene a la memoria ese Crimson-Starless mellotrón incluido aunque exento del drama-Fripp, pero sin quitarle solemnidad y bonita melodía. La voz de Tillison es de las que tienes que acostumbrarte. No es una voz lírica ni preciosista y tiene sus asperezas pero que acabas aceptando como parte del sonido Tangent. Los vientos de Travis y el piano de Baine siguen dando esa especial clase y calidad al asunto y el nuevo guitarrista da alguna que otra sorpresa. Los cambios a partir de los siguientes minutos van a tensar la pieza hasta que la rítmica se anima y nos metemos de lleno en jazz-funky-prog-rock con nervio y teclas a discreción. Aquí las influencias parten como fuegos artificiales hacia múltiples destellos sin apenas descanso.

 En la edición especial hubo un segundo bonus-disc con recortes y retazos sobrantes realmente no muy destacable. Con todo quizás el álbum en general no sea de cinco estrellas por algunos detalles discutibles, pero sinceramente no entiendo a las mentes que se lo cargan a la baja. Salvo a los que por norma tienen un odio irracional y generacional al prog, y que desde luego son legión.  En ese caso es completamente lógico. El disco sí o sí merece la pena ser disfrutado .
Alberto Torró

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SEA LEVEL - Sea Level (1977 / CAPRICORN)

Este año  está siendo una maldición para la familia Allman. A comienzos del mismo nos dejaba Butch Trucks. Hace unos días Gregg Allman. Y ahora Jimmy Nalls, guitarrista en la spin-off band, Sea Level.

Tensiones y mal rollito en los mediados 70 entre Gregg y Dickey, generaron que Lamar Williams (bajo), Jai Johanny Johanson (batería ) y Chuck Leavell (teclados), se montaran la banda "de recreo" We Three. Con el fin de descargar nervios de la banda madre. Su claro líder era Chuck Leavell, así que cambiaron el nombre del grupo por un evidente guiño fonético a él mismo (C.Leavell = Sea Level). Para redondear la banda, llaman a Jimmy Nalls, guitar prodigio del sur, y fichan sin esfuerzo con Capricorn. El estilo de Sea Level es fácil de describir.

Coges el instrumental "Jessica" del "Brothers and Sisters", y lo desarrollas con pinceladas funk, jazz y Southern. Total, que nos sale una jam band a considerar seriamente.

Telonean a la Allman Brothers Band del 75 al 76 (haciendo doblete tres de sus miembros). Tras la primera disolución de la Allman en 1976, Sea Level se solidifica y siguen adelante. En 1977 editan su homónimo debut de ocho temas, cinco de los cuales son de Chuck Leavell. Más tres versiones de Edward R. Haerner, Neil Larsen y Paul Simon. 

Y el cuarteto, déjenme decirlo, es una gozada. Grabado en el Capricorn Sound Studio de Macon, Georgia, esto tenía que salir bien sí o sí.  Stewart Levine es el productor, pero estos cuatro gatos no necesitan muchos consejos para cocinar buena mierda (me tiene pillado "Breaking Bad", sorry ).

"Rain in Spain" (6'35) toma sabor mediterráneo al igual que "Jessica-sound". Jimmy Nalls es un guitarrista parecido a Dickey Betts, quizá menos country  y más jazzy,  pero igual de competente. Los ritmos hierven,  y el piano de Leavell casi tira hacia Chick Corea. Básicamente, aquí tenemos a Larry Carlton en sureño.

Para "Shake a Leg" (4'02) aparece una sección de viento made in New Orleans. Canta solista Leavell y corean Williams y Nalls. El piano y su forma de tocarlo nos da pista clara hacia Dr. John. La eléctrica entra en combustión espontánea y no me extraña, en tan tórrido ambiente. El fader nos hace la puñeta,  porque esto es material para jam monstruosa en vivo. 

"Tidal Wave" (5'43) es el auténtico sonido Sea Level. Instrumental jazz rock sureño con referencias Allman y su "Elizabeth Reed", ritmos que son puro chilli + jalapeño, y pugna macarra entre teclas-guitarra de elegancia como corresponde a unos caballeros del sur. Maravilloso condimento.

De nuevo tenemos a la horn-section para un corte de Southern rock excelente en "Country Fool" (3'40). Aunque con los vientos me recuerdan más a Wet Willie, una de mis bandas sureñas favoritas.

Para inaugurar la segunda cara está el corte más extenso, "Nothing Matters but the Fever" (7'23). La influencia Allman podría ser evitable en estos perros viejos, pero la hacen inevitable a sabiendas. El cadencioso ritmo del sur hace que extrañe los lamentos blueseros del tío Gregg. Leavell suple el Hammond con su característico piano, y Nalls brilla hasta deslumbrar.

"Grand Larceny" (5'25)  hizo volver la cabeza de todo el mundo hacia Sea Level, en un temazo digno de la banda madre. Que el cuarteto borda con calidad superlativa. Un instrumental 10.

El "Scarborough Fair" (5'33) de Paul Simon es llevado a su terreno con habilidad, aunque me corroe la duda de si no seria un relleno de última hora. Lo convierten en un digno standard jazz de perfecta ejecución. 

Finalmente  "Just a good  feeling" (3'04) es un instru-southern -funk que está entre Stevie Wonder y las pelis blaxploitaiton tipo "Cleopatra Jones" o "Foxy Brown".

Un eufórico álbum levanta-boinas con mucho que masticar, pero que se digiere a las mil maravillas.

Para su siguiente "Cats  on the Coast" se convirtieron en septeto,  demostrando que estaban aqui para quedarse. Y la cosa no pararía hasta 1981. En total cinco álbumes aconsejables (quizá el último "Ball Room" acuse demasiado el cansancio), que hicieron de Sea Level una recordada formación. Sugiero acercarse a youtube y ver el vídeo en b/n de los archivos de Bill Graham con un concierto de la banda. En estado de gracia, oiga.

Chuck Leavell se fue de gira con Clapton y posteriormente como "miembro fijo" de los Stones. Y Jimmy Nalls nunca dejó de tocar, hasta que el jodido Parkinson le obligó a ello. Una gran pérdida. 

J.J. IGLESIAS

Temas

Rain In Spain 6:38

Shake A Leg 4:02

Tidal Wave 5:43

Country Fool 3:40

Nothing Matters But The Fever 7:23

Grand Larceny 5:25

Scarborough Fair 5:33

Just A Good Feeling 3:04

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Bwana - Bwana 1972

En alguna ocasión hemos comentado lo que supuso la llegada de Carlos Santana y sus ritmos latinos al mundo del rock. Uno de los rasgos más característicos de este tipo de música lo constituían las percusiones  y los percusionistas como Chepito Areas que participó en media docena de discos de Carlos. Hoy hablaremos de unos compatriotas suyos, los nicaragüenses Bwana.

La banda tuvo un recorrido muy corto de apenas dos años. En 1970 el guitarrista Roberto Martínez junto al percusionista Jaime Vanegas forman la banda. Tras dos años de actuaciones por su país consiguen firmar con la CBS y grabar en Costa Rica su único legado, "Bwana". En ese momento el grupo estaba formado por Roberto Martínez (guitarra, voz), Roman Cerpas (Bajo, Percusión, Voz ) Salvador Fernandez ( Tumbas, Bongos, Percusión) ,Ricardo Palma ( órgano, Guitarra, Voz, Piano ), Donaldo Mantilla ( Batería, Timbales, Percusión) y Danilo Amador ( órgano). El catastrófico terremoto de 1972 dio al traste con las esperanzas de estos magníficos músicos.

Los Bwana nos ofrecen  todos los ingredientes para cocinar un excelente rock latino. Por una parte tenemos a su guitarrista Roberto Martínez fiel seguidor de la enseñanzas del gurú Carlos Santana. En los teclados Danilo Amador demuestra con su destreza en el uso del Hammond a lo Gregg Rolie en "Abraxas" que podía estar en cualquiera de los primeros discos del guitaristas de Jalisco. Por último las percusiones de Salvador Fernandez y Donaldo Mantilla emulan perfectamente las que hubiera ejecutado un tal Chepito Areas. Puestos en faena los dos primeros temas instrumentales, "Tema de Bwana" y "La Patada", nos recargan las pilas totalmente. En el tercer tema ,"La Jurumba", se ponen a cantar recordándonos el "Oye como va". Por cierto La Jarumba es una forma de nombrar a la policía. El resto de los temas siguen la misma tónica. Abstenerse los alérgicos a las percusiones, aviso.

Temas

A1 Tema De Bwana 00:00

A2 La Patuda 08:02

A3 La Jurumba 12:05

A4 Chapumbambe 15:25

B1 Motemba 20:31

B2 Todo Es Real 28:00

B3 Lolita 32:40

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WHITE NOISE - An Electric Storm (1969 / ISLAND) (Serie Pioneros)

En los finales 60, Island estaba considerada como una de las disqueras más vanguardistas e innovadoras del underground londinense. Su interés por la nueva electrónica crearía trabajos como "Ceremony" (1970) de Spooky Tooth & Pierre Henry. Y definitivamente lanzarán los Moogs a la conquista del mundo con Emerson Lake & Palmer.

Pero en 1968, el visionario Chris Blackwell, amo de la burra a todos los efectos, encargó al norteamericano David Vorhaus ( que venía de la clásica y ya contaba con experiencia electrónica), la producción de un single de ésta temática. Pronto vieron que no iba a ser suficiente. Adelantó a Vorhaus 3000 libras de 1968 y éste creó el Kaleidophon Studio, en un apartamento de Camdem.

Vorhaus tuvo la buena vista (y oído ) de reclutar a su proyecto a dos miembros de la BBC Radiophonic Workshop. A su vez miembros del proyecto electrónico  Unit Delta Plus. Eran los "sintetistas de bata blanca" , Delia Derbyshire y Brian Hodgson. Delia había colaborado en los 60 con Luciano Berio, y había sido la responsable de música y efectos de sonido en los primerisimos episodios de la serie Dr. Who. Y como "Li De La Russe", compuso música para series rivales de ésta,  como "The Tomorrow People" y "Timeship". También estuvo involucrada en experimentaciones sonoras con miembros de The Beatles y Yoko Ono, Harry Nilsson, Pink Floyd,  Brian Jones o Karl-Heinz Stockhausen.

Los tres miembros de White Noise aportaron música,  bajo seudónimos,  a la Standard Music Library. El grupo se armó de audiogeneradores, Revox tape récord ers,  (de los que Delia era una experta en efectos de cinta), alteradores de frecuencia , osciladores y primeros prototipos modulares. El sueño de un steampunk. Además de la percusión de Paul Lytton y las voces de John Whitman, Annie Bird y Val Shaw.

La cara A fue llamada "Phase-In" y constaba de cinco cortes de unos 4 mts de media. "Love without Sound" es probablemente uno de los primeros ejemplos de Art Rock. Melodías vocales entre infantiles, psicodelicas  Y esquizoides infectadas por motivos electrónicos  Y percusivos por doquier. 

"My Game of Loving" casi parece new wave de primeros 80! Su anticipación creativa sorprende, aunque esto es extensible a todo el disco por una razón u otra. Uno escucha de donde salieron influencias del primer Brian Eno o Robert Wyatt.

"Here Come the Fleas"  es una mutación anticipada de Gong, Kate Bush y Kraftwerk.  Esto en 1968, que fue el año en que fue grabado. 

Tanto "Firebird" como "Your Hidden Dreams"llevan en su ADN el swinging London feel de esos días,  llevado al extremo más vanguardista del momento.

La segunda cara, o "Phase-Out", consta de dos largas composiciones. En "The Visitation" (11'14), ya son conscientes de las posibilidades perturbadoras e inquietantes de la nueva tecnología, y eso que estaba en pañales. Música para un carrusel de feria endemoniado, y todo tipo de trucos descriptivos desquiciantes son usados a conciencia. Esto está ideado con toda la mala leche para acojonar a un oyente indefenso de los 60. Con ello estaban haciendo historia, sin enterarse. Porque esto es puro cosmic Kraut, hecho desde un piso de Camdem.

Definitivamente comprobado en la final "Black Mass: An Electric Storm in Hell" (7'22). Con voces tratadas diabólicamente sin vocoder alguno (estaba por inventar). Un extracto de éste oscuro tema terminó siendo utilizado por la legendaria Hammer Films para su "Drácula AD" (1972). Las percusiones son también tratadas electrónicamente,  de un modo que a Christian Vander seguro le encantaron. 

Hay que destacar la diferencia conceptual de una cara a otra. Mucho más happy y pop la primera. Tenebrosa y amenazadora, la segunda. Pero todo el álbum merece la pena y es un icono de la primitiva electrónica. No daría signos de vida White Noise hasta 1974, año de edición de "White Noise 2 : Concerto cor Synthesizer" (Virgin Records). Ahora con tan sólo David Vorhaus al frente, el cual seguirá una carrera hasta nuestros días. 

"An Electric Storm" tiene el sublime encanto de la novedad, frescura naive,  y que fue hecho a modo grupal con miembros muy destacables. Un histórico. 

J.J. IGLESIAS

Temas

01 - 00:00 - Love Without Sound

02 - 03:07 - My Game of Loving

03 - 07:18 - Here Come the Fleas

04 - 09:33 - Firebird

05 - 12:39 - Your Hidden Dreams

06 - 17:37 - The Visitation

07 - 28:52 - The Black Mass: An Electric Storm in Hell

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Beck, Bogert & Appice - At last Rainbow 1974

Nuevamente mis recuerdos juveniles llegan a mi mente para comenzar un artículo. A finales de los 70 había en Pamplona una tienda que vendía y distribuía a toda España grabaciones de conciertos de rock de todo tipo. Desde Zaragoza era un asiduo comprador de esas cintas. Precisamente una de ellas era el concierto en Japón de los Beck, Bogert & Appice. Os aseguro que la escuché miles de veces y la impresión que me causó la tengo todavía presente.

La carrera de este supergrupo fue realmente meteórica en poco más de año y medio alcanzó el éxito. En Marzo de 1973 editan su único disco en estudio. "Beck, Bogert & Appice", y unos meses después (octubre), llega su disco en  directo desde Japón.  Tres geniales músicos con egos muy grandes y como se suele decir no puede haber tres gallos en un mismo gallinero. El 18 de Mayo de 1974 se comunicó su definitiva separación.

La grabación nos presenta la última actuación de Beck, Bogert & Appice en el mítico teatro Rainbow de Londres el 26 de enero de 1974.  El setlist lo componen temas de su primer disco y algunos  de un hipotético segundo LP como "Laughin' Lady".  En "Morning Drew" podemos escuchar un extenso solo de Carmine Appice. Las tensiones en la banda eran mas que evidentes, se rumorea que entre los dos shows que dieron hubo más que palabras entre ellos. Aun con todo esto su profesionalidad hace que podamos disfrutar de un meritorio concierto con un incendiario Jeff Beck y una trepidante sección rítmica Bogert-Appice. El sonido es bastante bueno.

Juan Carlos Miñana

Temas

1 - Laughin' Lady 00:00

2 - Lady 05:40

3 - Morning Dew 12:56

4 - Superstition 25:32

5 - (Get Ready) Your Lovemaker's Comin' Home 31:29

6 - Blues De Luxe / You Shook Me 39:05

7 - Rainbow Boogie 44:43

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FRUTERIA TOÑI - Mellotron en Almíbar (2014 / FT)

Acaban de editar mediante campaña crowfounding su segundo álbum, "Tengo mis días buenos", y vienen de Málaga. Hasta que podamos escucharlo, traemos por Rockliquias su debut del 2014, "Mellotron en Almíbar".

Un disco que me sorprendió en su momento, y que vuelto a escuchar se le aprecian multitud de detalles a no perderse. Otro firme valor a añadir a ésta inesperada hace unos años, lista de excelentes combos progresivos de aquí. Algo inusual de veras, por la cantidad y calidad de todos ellos.

Fruteria Toñi lo componían en ésta grabación Salva Marina (voz solista, guitarra), Curro García  (bajo, guitarra), Javier de Prado (batería ), Jesús Sánchez  (saxo tenor y clarinete) y Carlos Fernández  (voz, violín, bajo). Colaboraban Juanma Amador (percusión) y Miguel Olmedo (guitarra slide). Ignoro quien está detrás de los abundantes teclados, órgano y piano, porque haberlos, los hay y de qué manera.

Se declaran ante todo amantes y practicantes de un progresivo ecléctico  y lleno de matices. Que tiene más que ver con Gong o Zappa, (por lo libertario del concepto), que con el serio encorsetamiento del Renacimiento prog 90s. Totalmente de acuerdo. Y añadiría que ya iba haciendo falta alguien que llenara ese hueco. Prog "plurinacional" (ejem) en estilos, y con una buena carga de sano cachondeo. 

"Milwokee" (5'04) es un desenfadado tema con ramalazos dixieland y estilismos inetiquetables, al modo de unos Stackridge.

"No sin Mijas-Costa (El Timo)" (9'51) no oculta su simpatía por Canterbury, Gong o Nucleus en alegre jam  con cualquier monstruosa banda italiana, Quella Vecchia Locanda,  por ejemplo, de espléndido resultado.

"Zuprimo Zurmano Zucompare Zucolega" (7'11) expone inteligentes desarrollos instrumentales, que resisten comparaciones con gigantes underground UK 70s, tales como Catapilla, Tonton Macoute o Alan Bown. Extraordinario material,  el de los malagueños.

En "Somno e Dare " (6'23) se reconocen confesadas influencias de sus paisanos, los legendarios Tabletom. De hecho, Salva Marina es su cantante también en la actualidad. Algo que debe de llenar de orgullo a la Frutería. Su intrínseco humor aflora en este corte (y en todos!) con su jazzyreggaeflamencoide sabor con fondos mellotronicos y autocrítica hispana llena de sana ironía.
Si Zappa hubiera sido malagueño, esto estaría muy cerca de su cosecha compositiva. 

Sigue la socarroneria, conducida por excelente música,  en "Toni: Éxtasis Frutal" (7'23). Letras desprovistas de sesudos devaneos filosóficos  (o con ellos, en clave de cachondeo). Adornado todo con prog barroco italiano y jazz rock de Kent. Mezcla explosiva que funciona de miedo.

Como en "Fray Dióxido " (5'38) y su sonido andaluz a la Happy the Man. Las buenas ideas se agolpan en ésta sucesión de libertinas notas, milimétricamente estudiadas y perfectamente (y perversamente) resueltas.

Terminamos con "El Espeto" (4'03), en otro capítulo pletórico  de humor y exquisita música casi tanguera. 

Que una cosa no está reñida con la otra. Fruteria Toñi se desenvuelven en ambos campos como espeto en el agua.
Creando un estilo único en el país,  y de obligatoria escucha para cualquier interesado en conocer lo mejor de la nueva música progresiva española. 

J.J. IGLESIAS 

Contacto:

email: fruteriatogni@gmail.com

Bandcamp  https://lafruteria.bandcamp.com/releases

Facebook  https://www.facebook.com/fruteriatogni/

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Tortilla Flat - Für Ein ¾ stundchen (1974) (Canterbury Ways)

Esta es una rareza alemana cuyo nombre está basado en una novela de John Steinbeck escrita en 1934. Fue su único trabajo discográfico grabado en 1974 y que yo sepa al menos nunca editado en CD  por lo que imagino que el vinilo en cuestión valdrá un riñón y medio o más vulgarmente dicho:  un huevo y parte del otro.

 En esa época era raro que una banda alemana no estuviese enfrascada en el movimiento kraut típico de los 70´s y estos efectivamente representan la excepción. No son los únicos por eso, recordemos a Embryo o Passport por ejemplo, claramente orientados al jazz-rock . En este caso Tortilla Flat suenan perfectamente integrados en el estilo “british” del este, que habitualmente ocupan estas páginas temáticas de las que venimos hablando cada semana. 

Siete piezas instrumentales componen este programa y son bastante finas y amables, lejos de otras asperezas experimentales más acordes con los germanos.  Flauta, piano eléctrico y guitarra fuzz nos llevan a colocarlos a medio camino entre Focus, Supersister, Hatfields o Softs con entramados naturalmente muy jazzys. Aunque en general es un disco de fácil escucha no está exento de algún detalle disonante y extraño pero con finura y buen gusto principalmente en el trabajo del teclista Franz Brandt al igual que su colega en la flauta Hermann Josef Bosten que acapara buena parte de la grabación y es un tipo con buenas actitudes clásico –académicas. 

El guitarrista Manfred Herten le da el toque psicodélico al asunto. La sección rítmica es sobria y “liquida” nada escandalosa y bastante delicada diría, afín a los bateristas de Canterbury en general. Incluso el glockenspiel con ligeros aires a la Jade Warrior están presentes en algunas partes del disco. En general es un trabajo bastante relajante con perfume algo intelectual y bastante “cool” como dirían algunos. Una pieza única y rarita de ver. Tú mismo.

Alberto Torró

Temas

1. Tortilla Flat (0:00)

2. Temperamente (9:44)

3. Fatimorgani (15:27)

4. Rumplestiltzchen (19:15)

5. Leere, Chaos, Schöpfung (24:05)

6. Obit, Anus, Obit Anus (34:06)

7. Möhre (38:24)

Formación

Hans Friedrich Bosten -batería

Hermann Josef Bosten - flauta, guitarra

Franz Brandt - teclados

Manfred Herten - guitarra

Albert Schippers - percusión

Heribert Schippers - bajo

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THE TANGENT - The World That We Drive Through (2004)

Hay tanta música concentrada en este disco y tanta complejidad de composición, que no puedo evitar una vez bien asimilado, una predilección especial por él. Reconozco que la primera escucha me produjo un barullo mental algo parecido al que me producen los Transatlantic y sus castigos sonoros de sus últimos trabajos que resultan tan agotadores como pasar una pista americana militar en pleno mes de agosto. Porque considero que una composición debe estar equilibrada y bien construida, pienso que este segundo trabajo de The Tangent lo ha conseguido con creces respecto a la anterior entrega. 

Sigue el mismo equipo anterior pero con la sustitución de David Jackson por Theo Travis. Un tipo competente y muy solicitado y respetado en las altas esferas progresivas actuales. El cambio en los vientos va a acentuar más la parte canterburiana de la banda. Una parte, porque la banda de Tillison utiliza todos los caminos, variantes y estilos del genero progresivo clásico de los 70´s y además se jactan de ello. “No vamos a sonar a nadie en particular pero queremos recoger el espíritu imaginativo de toda aquella maravillosa música”. ¡Y vaya si lo consiguen! Tangent prescinden no obstante de todas las temáticas fantasiosas o mitológicas afines al rock sinfónico, para basar sus textos en temas más sociales y políticos. Más realistas y con clara sensibilidad de denuncia del mundo horroroso y estúpido en el que nos vemos metidos. Pero vayamos por partes porque este álbum merece la pena ser desmenuzado.

“El mundo que atravesamos…”(no sé si es muy correcta una traducción libre) consta de cinco largas piezas elaboradas al milímetro y sin ningún momento en que digamos que baja la calidad y el atractivo de las composiciones. 

Ya desde la primera “The Winning Game” se nos disparan las antenas para decir “hostias…esto es cojonudo”. La variedad sonora es impresionante y las referencias estilísticas incontables. Imposible aburrirte en una música activa y casi cinematográfica de cambios constantes, riqueza rítmica y constantes intervenciones solistas  que irrumpen gozosas y creyendo en lo que hacen: guitarra, teclados, vientos y complejas armazones instrumentales solo hacen que abrirnos boca para la siguiente “Skipping The Distance” yéndonos a las caravaneras tierras de Kent y dejándonos la melodía en la cabeza y los pies inquietos. 

Preciosa y completamente nostálgica de un tiempo pasado, la flauta nos transporta y el tren rítmico nos alegra con unos solos de sinte, un órgano tremendo, piano jazzístico, y el cabroncete del Roine Stolt demostrando lo bueno que es. Energía y pasajes extraordinarios. Pieza currada hasta lo indecible. Estupendo trabajo vocal femenino. Música feliz en estado de gracia. 

“Photosynthesis” es la tercera pieza que nos relaja en su evocador ambiente jazzy inicial de ritmo y tempo lento y arrastrado que se anima por momentos. Vuelve la flauta de Travis a recordarnos al bueno de Jimmy Hastings. Sam Baine nos da un buen recital pianístico. La melodía vuelve a ser encantadora y las partes centrales te llevan a sitios diferentes.

La siguiente pieza del título del disco pone el listón en lo más alto del trabajo. Casi trece minutos inenarrables y épicos que llegan a emocionar. Sinfónico de primera con un riff melódico que por momentos del tema (casi Camel del mejor) te levanta literalmente del asiento en una sensación de alegría y emoción que pocas músicas actuales consiguen. Pero los cambios y vericuetos de la música no paran en imbricados pasajes de lo mejor que puedas escuchar. Las melodías se superponen y la vanidad que todo progresivo llevamos dentro se reafirma sin posibilidad de vergüenza. Con dos cojones. 

Finaliza esta joya de disco con una suite de 18 mtos llamada “A Gap In The Night” con sus  nueve secciones en una música más introvertida y misteriosa que nos lleva por infinidad de caminos y pasajes musicales y ahora la sombra de Crimson y Vander Graaf y hasta Floyd están más presentes para equilibrar la euforia anterior de música exultante y alegre. Stolt casi suena a Allan Holdsworth por momentos hasta caer en abismos descriptivos  y algunas asperezas que se recuperan con partes acústicas y la cálida y británica voz de Guy Manning  con perfumes Tull que atraviesan  brevemente el ambiente. La pieza cobra energía y se desvanece hacia partes sinuosas en alternancias constantes y momentos más hard rock a veces y más bluesy otras. Es una pieza compleja con variados ingredientes. Disco fundamental y respetuoso con la música que como dijimos la semana pasada nunca debió morir.

Alberto Torró

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MOTHER SUPERIOR - Lady Madonna (1975 / SMA)

Los 70. Ésa década que tanto añoramos y nombramos en nuestras conversaciones. Añorada sí,  pero.....tenemos los que la vivimos pleno recuerdo de TODO lo que aconteció?  O nuestro cerebro sólo se ha quedado con lo bueno, y ha borrado lo negativo. Evidentemente era, (como las anteriores), una década terriblemente machista. Las primeras valientes que se atrevieron a formar un grupo de rock enteramente femenino fueron Fanny.  Luego vinieron Birtha y ya más tarde, The Runaways. Todas desde USA.

Y con el hard rock (más o menos), como vocabulario musical. Subirse a un escenario y soportar todo tipo de insultos y obscenidades por parte de los gañanes de turno era (ejem), "lo de menos". Ya estaba previsto. Peor era que público y medios ningunearan la evidencia de que las chicas podían tocar rock. Incluso muy bien. Vale, pues ahora traspasa todo eso al país de los hooligans por antonomasia, Inglaterra. Con los que los españoles siempre hemos rivalizado  (vendrá de los tiempos de Jack Sparrow, imagino), en gamberros, borrachos y machitos.

Rizando el rizo, aparece por esas tierras una all female band, sacrilegio, ya de entrada. Pero es que además,  no van de duras rednecks como sus colegas yanquis, sino que ejercen en la intelectualidad progresiva del momento. No por ello, menos machista, conste. Lesley Sly (teclados, voz solista), Audrey Swinburne (guitarras, voz solista), Jackie Badger (bajo) y Jackie Crew  (batería y voces), eran Mother Superior. Si, mucho antes que los hard-soul rockers USA de los 90. Un grupo perfectamente capacitado para el rock progresivo, con una técnica irreprochable.

En 1975 tienen la oportunidad de usar por la noche (cuando no hay nadie), los IBC Studios. Poco a poco conforman lo que será su álbum soñado, llegando a circular test pressings por UK con vistas a un contrato discográfico. Cosa que nunca llegó.  En vez de eso e increíblemente,  un pequeño sello escandinavo, SMA,  lo edita en una micro-cantidad que lo hace hoy en día prácticamente inencontrable. Por fortuna los chicos de Audio Archives lo editaron en cd en 1996, aunque también será peliagudo localizarlo desde entonces. "Lady Madonna" fue titulado, y tras su escucha, conformaras conmigo lo injustos que podían ser los dorados 70.

"No Time Toulouse Lautrec" (5'49) es una onírica pieza que mezcla perfectamente psicodelia y progresivo. Y que no tengo inconveniente en situar al lado del material de Yes de sus dos primeros álbumes. El bajo de Badger emula a Squire sin complejos. Y el sólo de mini moog es totalmente wakemaniaco. Aunque la preponderancia organística acerca aquí a Lesley Sly con Tony Kaye. 

"Just one Look " (5'55) te convence de que Mother Superior tienen fuerte influencia Yes, equiparándolos a otros combos británicos de parecido sonido, como Druid, sin ir más lejos. Los desarrollos son coherentes y preciosistas.  Cuidan el detalle con instinto maternal.  Delicadas y elegantes, las señoras. 

Como demostración,  "Mood Merchant" (7'03), composición de delicadeza andersoniana. Aunque con la tensión instrumental y los ovarios bien puestos. Coral de voces bien empastadas, acústicas,  y una eléctrica que recuerda mucho a John Lees, y el tema en general es muy afín a Barclay James Harvest.

 La segunda cara la inaugura "Love the one you're with" (4'39)  de Stephen Stills, reafirmando sus influencias Costa Oeste, temazo de estribillo casi AOR si éste género existiera, pues estaba gateando.  No cuesta mucho imaginarla en un repertorio de REO Speedwagon. Un single clarísimo. 

"Ticklish Allsorts" (5'17) es un instrumental donde dejan bien alto el nivel de su potencial y dominio de los instrumentos. Exquisito melódicamente, y que podría ser de Fantasy, England o Jonesy. 

"Lady Madonna" (4'38) es una curiosa cover de The Beatles, (no de Madonna) que tiene un aire a saloon del oeste o cabaret  que sorprende y dota de fluidez la escucha. Harpsichord y wah wah  juegan con humor en un tema muy "Hoedown" / "Benny The Bouncer". Finalmente "Years upon Tears" (5'59) es una extraña canción construida con el influjo de CSN & Y, mucho West Coast feel, y excelentes voces por arropo. El sólo de moog trae a tío Rick de nuevo a la mente, seguido de todo Yes en cruce con Queen.

Poco después de éste álbum, Mother Superior dejaron de intentarlo. Quizá precipitadamente, aunque es disculpable viendo el hostil panorama que tenían a su alrededor, por el simple hecho de ser mujeres.

Todo no fue maravilloso en los 70, mi querido hipster veinteañero. Y, si se me permite la broma, las Mother Superior  eran COJONUDAS. (Si no lo digo reviento!!!).

J.J. IGLESIAS

Temas

No Time Toulouse Lautrec 

Just One Look 

Mood Merchant 

Love The One You're With 

Ticklish Allsorts 

Lady Madonna 

Years Upon Tears

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SMAK - Smak 1975

La semana pasada hablamos del gran guitarrista servio Radomir Mihajlović "Točak", hoy le toca el turno al grupo que lideró durante muchos años, Smak, y que se ha mantenido activo en diferentes etapas hasta el día de hoy. Curiosamente el presidente serbio les concedió la medalla al merito en 2017 por su contribución a la cultura del país.

La banda se formó en 1971 en Kragujevac (Serbia). Durante sus primeros años los cambios de formación eran continuos. En 1974 se consigue la primera formación estable: Radomir Mihajlović (guitarra), Slobodan Stojanović (batería), Zoran Milanović (bajo), Boris Aranđelović (voz) y Lazar Ristovski (teclados). En 1975 editan su primer disco, "Smak". con la colaboración del poeta Mirko Glišić. Un año más tarde ve la luz el EP, " Satelit" y a comienzos del 77 llega su segundo disco, "Crna dama", grabado en los estudios Morgan de Londres. El grupo firma con Bellaphon Records por cinco años y vuelven a grabar su segundo disco en versión inglesa. Aunque empezaban a surgir tensiones la banda graba en Inglaterra  su tercer LP, "Stranice našeg vremena", su versión inglesa tenía por título  "Dab en el Oriente".  Los cambios en el grupo se producen sin cesar y los problemas con la discográfica derivan en la ruptura del contrato.

En 1980 lanzan, "Rok cirkus",  las ventas no son muy altas  debido a la llegada de las nuevas corrientes musicales. La última actuación de este periodo la realizaron en la cancha del Estrella Roja de baloncesto en Junio de 1981.

Volverían a reunirse en diversas  ocasiones con diferentes formaciones editando tres discos mas: "Smak 86" (1986), "Bioskop Fox" (1995) y "Egrégor" (1999).

Este primer disco de Smak presenta muy diversas sonoridades en los 5 cortes que contiene. La grabación comienza con "Perle" y sus aíres psicodélicos  hendrixianos. Su segundo tema "Mračni Mol " camina entre lo progresivo y lo funky con buenos riff de guitarra. " Blues U Parku" es un blues donde Radomir Mihajlović vuelve a brillar aunque su cantante resulta "cargante" en algún momento. "Biska 2" es un gran instrumental y uno de los mejores cortes del disco. Por último llegamos a "Put Od Balona ", el temas mas largo con mas de 19 minutos. El carácter progresivo esta presente en esta composición con gran predominio de los teclados de Lazar Ristovski combinándose perfectamente con los riffs de "Tocak" recordando lejánamente a los Focus. Una gran pieza donde se mezcla el jazz-rock, el progresivo y el rock.
J.C. Miñana

Temas

Perle 00:00 

Mračni Mol 04:03 

Blues U Parku 07:24 

Biska 2 14:55 

Put Od Balona 19:23

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