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WALTER TROUT - Survivor Blues (2019)

Sin duda Walter Trout es un sobreviviente del blues (Survivor Blues). En 2014 comunicó que tenía hepatitis C y necesitaba un trasplante de hígado. Gracias a las donaciones de sus seguidores la operación se pudo realizar y Walter pudo seguir caminando por los senderos del blues.


Walter Trout nace el 6 de marzo de 1951 en Ocean City, New Jersey. A finales de los sesenta comienza su andadura musical. En Los Angeles se convierte en músico de sesión para músicos como Percy Mayfield, John Lee Hooker entre otros. En 1981 entra a forma parte de los Canned Head con los que estuvo cuatro años. En el 85 recibe una invitación de John Mayall para incorporarse a los Bluesbreakers con los que grabaría "Behind The Iron Curtain" (1985), "The Power Of The Blues" (1987) y "Chicago Line" (1988). En 1989 decide formar su propia banda, "Walter Trout Band", grabando más de media docena de discos. Posteriormente el grupo se transformaría en "Walter Trout and the Free Radicals" y más tarde en "Walter Trout and the Radicals". En 2008 edita su primer disco como Walter Trout, "The Outsider", al que le seguirian " Unspoiled By Progress: 20 Years of Hardcore Blues" (2009), "Common Ground" (2010), " Blues For The Modern Daze" (2012), "Luther's Blues" (2013), "The Blues Came Callin" (2014), "Battle Scars" (2015), "Alive In Amsterdam" (2016) y "We're All In This Together" (2017).



"Survivor Blues" es el último disco en estudio del guitarrista Walter Trout. Grabado en los estudios de Robby Krieger (The Doors) y teniendo como productor a Eric Corne. La banda está compuesta por Walter Trout (guitarra, armónica, voz), El bajista Johnny Griparic (Slash's Snakepit, BB Chung King & the Buddaheads, Richie Kotzen), y el batería Michael Leasure. Se ven reforzados con Skip Edwards (teclados),  Teddy Andreadis (piano eléctrico) y las colaboraciones especiales del cantante de blues Sugaray Rayford ("Woman Don't Lie") y de Robby Krieger ("Goin' Down To The River"). El disco contiene doce versiones de temas de blues no muy conocidos. Según el propio Walter: "A veces voy en mi coche y pongo una emisora de blues, y me encuentro a otra banda con su versión del ‘Got My Mojo Workin”. Y hay una vocecita en mí que dice: ‘¿Necesita el mundo otra versión de esta canción?’. Así que se me ocurrió una idea. No quería hacer ‘Stormy Monday’ o ‘Messin’ With The Kid’. No quería hacer los mejores éxitos de los blues. Quería hacer canciones viejas y oscuras que apenas se han cubierto. Y así es como comenzó ‘Survivor Blues'”. Por ello encontramos temas de Jimmy Dawkins, Sunnyland Slim, Luther Johnson, Theodore Taylor, B.B.Kimg, Joel Poluck, Elmore James, Otis Rush, Sam Maghett, Fred McDowell, J.B. Lenoir y por supuesto una escelente versión del "Nature's Disappearing" de John Mayall. Toda una joyita que no deberíais perderos. 
J.C.Miñana


 









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The United States Of America ‎– The United States Of America (1968 / COLUMBIA) (Serie pioneros)

El único vinilo de The United States Of América entra también en ése selecto club de pioneros electrónicos que abrazaron la psicodelia como instrumento de expresión investigadora. La verdad es que acertaron en sus intuiciones,  todos éstos hippies no tan ingenuos y "flower-power" como nos tratan de vender los libros de historia.


Fundados en Los Angeles por el compositor experimental Joseph Byrd y la cantante-letrista,  Dorothy Moskowitz, se reunieron con otros músicos  de pensamiento similar : Gordon Marron (violín), Rand Forbes (bajo), Craig Woodson (batería) o posteriormente,  Ed Bogas, (teclados....o así). Ya había estado con ellos Stuart Brotman, bajista de Canned Heat y Kaleidoscope,  así que músicos con afamado pedigrí también se sentían atraídos por las teorías de Byrd y sus colegas. Y es que éste había pertenecido al movimiento Fluxus, junto a John Cage,  Morton Feldman, LaMonte Young, David Tudor, Yoko Ono  (glups! ) y otros....Joseph Byrd entendió que tanto avant garde como psych y art rock, eran sendas paralelas que podían confluir y mezclarse perfectamente. Requirió a su amigo Tom Oberheim, - por entonces un ingeniero eléctrico -, que le construyera un ring modulator, audio-procesadores y demás inventos primerizos, colindantes con el próximo sintetizador. Acto seguido comienzan los ensayos, que dieron como fruto una preciada demo que atrajo el interés de Clive Davis, jefazo de Columbia. El resultado final sería el único álbum,  "The United States Of America", en 1968. Que comienza con una esquizofrénica "The American Metaphisical Circus", algo así como una orquesta con majorettes y con los marcianos de "Mars Attacks!" dando la brasa y saboteando tan horteril evento. La voz de la Moskowitz es sedosa y perversamente infantil, como una Lolita desequilibrada a la que es mejor advertirle que "tenga cuidado con ésa hacha". Va a ser fundamental en su sonido. En la otra mitad, los cacharros de Byrd nos llevan por el clásico túnel con luz al final, pero que con la mandanga rica de 1968 no hacía falta morirse un poco para experimentarlo. 

"Hard Coming Love" lleva más acidez que la sangre de un Alien. Deja las supuestas "experiencias vanguardistas" de los Beatles, convertidas en quimicefa psicoñeco de teletubbie barato. Por fortuna no se pierde melodía,  gracias a la sensible voz femenina y el acompañamiento psych rock del grupo. La cizaña electro-cacofónica la pone Byrd  con sus trastos de fabricación casera Oberheim, antes de ser siquiera meros prototipos estrafalarios. Pero a lo que se ve, ya eran eficaces. Como en la bella "Cloud Song", donde el violín tratado por estos cacharros los eleva a un próximo nivel explorador, todavía no pisado por el hombre.

"The Garden of Earthly Delights" es un primer paso para el rock progresivo, que con deliciosos experimentos como éste,  iba a explotar en cualquier momento.


"I Won't Leave My Wooden Wife for you, Sugar", con ése título nos llevan al absurdo inocenton de los tiempos del "Sargento Pepper", pero con orquestación electrónico-dixieland mucho más audaz, (ése violín a lo Papa John Creach ya adelanta maneras). No les impota sonar sombríos y casi siniestros en "Where is Yesterday", casi cerca de Moody Blues. Preciosa aunque breve, "Coming Down" es otra muestra palpable de proto-prog efervescente. "Love Song for the Dead Che" homenajea al líder revolucionario en una onda Giles, Giles & Fripp, cuando estaba con ellos Judy Dyble. "Stranded in Time" lleva voz masculina, amplios arreglos barrocos y estructura melódica sensacional, aunque de nuevo corta, con apenas minuto y medio, lástima. 

Finalmente "The American Way of Love" (6'38) es la más extensa y está constituida por tres partes diferenciadas. Aquí se sueltan la melena electrónica y los constantes cambios emocionales nos hacen suponer que TUSOA hubieran sido unos perfectos ejecutantes progresivos, de haber continuado con la juerga. Pero no. Joseph Byrd montaría Joe Byrd and the Field Hippies. Dorothy Moskowitz entraría en la banda de Country Joe McDonald. Gordon Marron fue músico de estudio para Carole King, Alice Coltrane o Hellen Reddy . Craig Woodson giró con la Kronos Quartet. Rand Forbes se hizo ingeniero de software. Y Ed Bogas compuso "soundtracks para gatos", "Fritz the Cat" y "Garfield", para ser exactos.


La reedición de Sundazed / Sony de 2004 sumaba diez bonus tracks más,  así que se hace apetitosa, aunque sea en posavasos. Y el legado de éstos majaras de muy bien amueblado coco, puede escucharse en eminencias como Terry Riley o Steve Reich. Señal de que no lo hacían nada mal......ni aquellas drogas eran tan perniciosas.
J.J. IGLESIAS



Temas
01 - 00:00 - The American Metaphysical Circus
02 - 04:57 - Hard Coming Love
03 - 09:38 - Cloud Song
04 - 12:59 - The Garden of Earthly Delights
05 - 15:39 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar

06 - 19:35 - Where Is Yesterday
07 - 22:43 - Coming Down
08 - 25:20 - Love Song for the Dead Che
09 - 28:48 - Stranded in Time
10 - 30:38 - The American Way of Love
- Metaphor for an Older Man 
- California Good-time Music 
- Love Is All





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PHIL LYNOTT'S GRAND SLAM ‎– Glasgow Kiss, Live at Glasgow Mayfair 1984

Sin duda "Glasgow Kiss" (en lenguaje coloquial es una cabezazo en la nariz) es un título acertado para el disco en directo de Phil Lynott con su última banda, Grand Slam. La fama peleona de Phil se forjó durante años e incluso algunos rumores indicaban que la cicatriz que lucía Gary Moore en su cara fue producto de una pelea con Lynott.


El 14 de septiembre de 1983 Thin Lizzy realizaba su último show en Nuremberg, Alemanía. No eran buenos tiempos para Lynott. Su mujer lo había dejado llevándose a sus hijas debido a su adicción a la heroína. A pesar de todo Phil quería formar una nueva banda y en 1984 junto a Mark Stanway (Magnum) en los teclados , Laurence Archer ( Stampede)  en las guitarras, Robbie Brennan ( Skid Row) en la batería y Doish Nagle como guitarrista, forma Grand Slam. Su debut fue en Londres en mayo de 1984. Durante casi un año estuvieron dando conciertos de forma exitosa pero no llegaron a ganarse la confianza de las discográficas que no creían en un grupo dominado por la heroína. Uno de sus últimos conciertos lo dieron en el Marquee de Londres.

Como curiosidad podemos decir que algunas de sus canciones posteriormente fueron atribuidas erróneamente a Thin Lizzy.


La grabación corresponde a la banda de Phil Lynott, Grand Slam, en el Glasgow Mayfair el 30 de octubre de 1984. Lógicamente la música que encontramos en hard rock mezclado con pinceladas pop de los ochenta y algo de AOR. El disco se inicia con "Yellow Pearl, posiblemente el tema mas flojo con un Mark Stanway (teclados) con sonoridades "poperas" y un omnipresente Phil Lynott. "Nineteen" sigue la linea marcada por Thin Lizzy con un destacado Laurence Archer a la guitarra. "Sisters of Mercy" comienza de forma pausada con una sugerente voz de Phil para dar paso a un riff calcado al de "Jailbreak" y discurrir  con aires netamente irlandeses. "Harlem" es una preciosa balada estilo Lynott. Le sigue una aceptable versión del "Parisienne Walkways". " Crime Rate is Going Up" es un blues con marcado carácter Lizzy. En "Breakdown" las teclas unen los mundos de Magnum y Thin Lizzy. En la parte final se encadenan "Here We Go", típico cántico que podemos escuchar en los estadios de fútbol del Reino Unido, "Whiter Shade of Pale" y "Like A Rolling Stone". A modo de "bis" tenemos "Sarah" del "Black Rose" de los Thin Lizzy. Sonido bastante aceptable.
J.C.Miñana





Temas
1. Yellow Pearl
2. Nineteen
3. Sisters of Mercy
4. Harlem
5. Parisienne Walkways
6. Crime Rate is Going Up
7. Breakdown
8. Here We Go
9. Whiter Shade of Pale
10. Like A Rolling Stone
11. Sarah









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FREE RIDE - Free Ride (2019) (Entrevista - Análisis) (Rockliquias Bandas)

El pasado mes de Mayo la banda de la estepa alcarreña Free Ride editó su primer disco. Sonidos stoner mezclados con algo de punk, grunge, psicodelía y blues. Hablamos con ellos para conocerlos mas a fondo.


Rockliquias.- Hola amigos de Free Ride nos podéis comentar ¿por qué os llamáis Free Ride?

El nombre de Free Ride significa libertad de elección de tu propio camino en la vida. Así como en el snowboard la modalidad free ride es lanzarse por un terreno salvaje, sin camino hecho, nosotros lo extrapolamos a la vida, en la que nadie te dice cómo hacer las cosas, sino que eres tú el que marca el camino a seguir.

Rockliquias.- ¿Quiénes son Free Ride? ¿Cómo se formaron?

Free Ride son dos hermanos, Víctor y Carlos (bajo y batería respectivamente) y Borja (guitarra y voz). Procedemos de las afueras de Madrid, de la estepa alcarreña, donde solíamos juntarnos de vez en cuando para beber cervezas, fumar hierba e improvisar durante largas horas. Desde hace poco más de dos años, decidimos comenzar a armar canciones en el garaje de los hermanos Bedmar, donde aún ensayamos a día de hoy.

Rockliquias.-  En Mayo de 2019 habéis publicado vuestro primer larga duración, "Free Ride" ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? 

El disco está 100% producido y grabado por nosotros, con cero presupuesto. Básicamente está grabado con un ordenador portátil, una interface de audio y dos micrófonos. La producción quedó en manos de Borja, y la grabación se hizo 50% en su home studio y 50% en el garaje donde ensayamos. Nuestra pretensión con este disco no era más que difundir entre el público las canciones que teníamos, no esperábamos para nada la aceptación que está teniendo. Estamos alucinando cómo la gente nos está contactando y felicitando desde miles de kilómetros, para nosotros eso es lo más grande, que gente desconocida y que vive a tomar por culo disfrute con nuestra música. Y siendo con una grabación casera hace que no sintamos más orgullosos.


Rockliquias.- El disco se inicia con el instrumental "Sativa", stoner psicodélico en la línea de grupos como The Re-Stoned. ¿Cuáles son tus influencias musicales?

Escuchamos una gran variedad de sonidos dentro del espectro del rock; punk, grunge, stoner, rock 70s, blues, garage…  Es evidente la influencia de grupos como The Atomic Bitchwax, Fu Manchu, Kyuss, Nebula… pero también la psicodelia, como por ejemplo el tema que mencionas, Sativa. Mucha influencia también de grupos como Pink Floyd, Colour Haze, Causa Sui, Earthless…

Rockliquias.- El segundo corte es "Free Ride", puestos a poner etiquetas podríamos calificarlos como "Stoner punk", con una graban labor guitarrera y una contundente sección rítmica. 

Sí, totalmente. Quizá donde todos coincidimos y nos sentimos a gusto tocando es dentro del stoner primigenio de los 90 y el punk rock. Todos comenzamos a introducirnos en este mundillo por medio del punk rock y es una influencia muy presente en todos nuestros temas. El tema Free Ride en particular es uno de nuestros temas más directos, con una sección rítmica totalmente punk rock, y si esto lo mezclamos con unos tintes psicodélicos y unos solos bien ácidos, obtienes Free Ride.

Rockliquias.- "Die Forever" viene cargadito de sonidos setenteros psicodélicos con buena dosis de fuzz ¿ De que forma está presente los 70 en vuestra música?

Los 70 y finales de los 60 son una constante en nuestra música, para nosotros es la era dorada del rock, es la época en la que se sentaron las bases del rock and roll y la evolución definitiva del blues; Led Zeppelin, Black Sabbath, Pink Floyd, Hendrix... crecimos escuchando estas bandas. Bases rítmicas con un sonido más garagero y unas guitarras setenteras son nuestra fórmula para hacer canciones.



Rockliquias.- "Libido Rising" continua con la descarga "stoner psicodelic" con cierto regusto "garage". ¿Quién ha diseñado la portada?

Libido Rising es el tema más gamberro de la banda y como ya hemos dicho, el toque garagero siempre nos ha tirado bastante. La portada la diseñó Carlos (Batería) a contrarreloj, queríamos sacar el disco unos días antes de un concierto que teníamos en Madrid, por lo que no había mucho tiempo. Carlos tenía una idea para la portada y en un par de días nos mostró el diseño final, un guiño al arte visual y lisérgico de los 70, a todos nos gustó y decidimos que era una portada que tenía una buena sinergia con la música del disco.

Rockliquias.- "Nowhere Fast" no baja el nivel de decibelios y de buenos y potentes riffs. Se os ha comparado con grupos como Nebula ¿Qué opináis del tema?

Sí, con Nebula y con Fu Manchu. Es cierto que a los tres nos encantan estas dos bandas y su influencia está muy presente. Nuestras canciones, al igual que las suyas, están bien cargadas de fuzz y con un sonido próximo al punk rock. Si a eso le sumamos el hecho de que el registro de voz de Borja y Eddie Glass son similares, las comparaciones son inevitables... También nos han comparado bastante con otras bandas como The Dandy Warhols o Mudhoney en ciertos temas.

Rockliquias.- "Rolling the Wheel" con una línea de bajo atronadora te taladrará el cerebro ¿Qué importancia tienen las letras de las canciones en vuestras composiciones? y ¿Quién se encarga de escribirlas?

Las letras de las canciones son bastante importantes para nosotros. Nos gusta transmitir ideas y conceptos profundos en nuestras letras. Rolling The Wheel concretamente habla del rat race, un concepto anglosajón que equipara a los humanos con ratas que intentan ganar una recompensa como el queso, en vano. Al igual que los humanos que llevan un estilo de vida repetitivo que no deja tiempo para la relajación o el disfrute,  entregar tu tiempo al trabajo para conseguir dinero y comprar con ese dinero cosas para alimentar una falsa felicidad. Todas las canciones las escribe Borja (guitarra y voz) en una línea oscura, de misantropía y filosófica.


Rockliquias.- "Caravan" supone un remanso de paz en esta maravillosa locura sónica. ¿ Qué podemos esperar en directo de Free Ride? 

Free Ride en directo intentará taladrarte el cerebro con su sonido contundente. Hay cierta diferencia entre el disco y el directo de la banda. Al igual que el disco está grabado con improvisaciones en todos los solos, en directo es igual, no hay dos conciertos de Free Ride iguales. En los temas más viajeros y psicodélicos partimos de una estructura base y a partir de ahí jameamos por encima sin un tiempo determinado. Canciones como Opium, en directo puede durar 8 minutos o 16, nos dejamos llevar.

Rockliquias.- "Nothing to Lose" vuelve al sonido stoner con multitud de efectos sonoros que realzan la composición ¿Cómo estructuráis la composición de los temas en el estudio?

Nothing to Lose es punk rock en estado puro, repleta de solos con ese toque setentero que tanto nos gusta, una de las canciones más rompedoras en directo. Cuando empezamos a grabar ya teníamos las canciones bastante cerradas y estructuradas y teníamos una idea aproximada de cómo queríamos sonar. Los temas suelen venir de un riff en un ensayo o un riff trabajado desde casa y desde ahí empezamos a construir y a desarrollar la canción, otras veces Borja nos enseña una canción que ha compuesto previamente y comenzamos a trabajar desde ahí. 

Rockliquias.- "Horny and Lonely", podría trasladarnos al sonido grunge. 

Totalmente. Todos tenemos mucha influencia grunge desde siempre, bandas como Melvins, Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, Mudhoney, Bush… marcaron nuestra adolescencia, y en temas como Horny and Lonely sale a relucir el ramalazo grunge que llevamos dentro. Es un tema que nos gusta especialmente, porque como nosotros decimos, este tema es puro mojo.


Rockliquias.- "Crazy Woman" mezcla blues, stoner y por supuesto psicodelia. 

Nos encanta esa mezcla, jodido heavy blues. Es el tema donde más claramente se puede apreciar la influencia del blues porque nos ceñimos al 100% a la progresión de blues clásica, sin embargo, Free Ride no es más que blues camuflado entre riffs con fuzz y efectos de delay. Si escarbas en el sonido de Free Ride te darás cuenta de que el 80% de su esencia es blues.

Rockliquias.- El disco se cierra con otro instrumental, "Opium" siguiendo la línea de su primer tema. Ambiente jam total con sonidos "space rock", siguiendo los pasos de unos Color Haze, por ejemplo. ¿Cómo van las presentaciones del disco? ¿Tenéis fechas de próximos conciertos?

Opium es la primera canción que sacamos como Free Ride y una de las más queridas en nuestro directo. Es un tema que compuso Borja hace bastantes años y que empezamos a tocar en cuanto montamos la banda. Es nuestro tema más psicodélico y el más abierto a la improvisación en directo. 

El disco está teniendo una gran aceptación y unas muy buenas críticas, es curioso que nuestros oyentes son en su mayoría de EEUU, UK y Europa Central, nos encantaría poder hacer alguna gira próximamente por el extranjero, pero aún tenemos que mover muchos hilos. De momento estamos preparando varios conciertos para este verano que anunciaremos próximamente junto alguna que otra sorpresa.

Rockliquias.-¿Qué le dirías a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a tus conciertos?

Nos da un poco igual si compran o no el disco. Lo que queremos es que lo escuchen en Bandcamp, Spotify o Youtube, lo agreguen a sus favoritos y les pique el gusanillo para que vengan a vernos en directo que es donde somos más fuertes. Por supuesto siempre son bien recibidas las ventas del disco para ayudar con los gastos de la banda, de momento en Bandcamp se está vendiendo bastante bien. 

Muchas gracias por la entrevista, ha sido un placer. Nos vemos en algún bolo próximamente!! 






Contacto:




P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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PANDORA SNAIL - War & Peace (2015) (RUSSIAN PROGRESSIVE ROCK)

Bueno una banda relativamente reciente con este disco en estudio y un directo de 2017. Pandora Snail se crearon San Petersburgo en 2008 y se trata de músicos completamente profesionales y con estudios académicos. Los miembros de esta increíble agrupación rusa son: Ulyana Gor a los teclados y composición. El violinista Artem Gareev. Oleg Gorgadze en guitarra y composición. Vsevolov Shuvalov en la batería y el bajista Kirill Klushin.  



  Como todo lo nuevo para mí, presto una atención especial en unas músicas bastante distanciadas del género actual al uso, pero muy próximas a lo clásico contemporáneo adaptado a lo que en parte se ha dado en llamar “rock de cámara” primo hermano del sinfónico progresivo pero con unas bases mucho más intelectuales y refinadas. No es fácil definir así a primeras de cambio la música de esta gente y mucho menos empezar a buscar referencias que es un vicio malo que tenemos los que escribimos sobre música porque, no nos engañemos, resulta más cómodo y fácil. Salvo que un grupo base su trabajo copiando a los de siempre, yo siempre intento buscar el lado más original del asunto. Es complicado porque por mucha música que hayas oído y tengas un buen archivo referencial nunca aciertas del todo realmente, pero al menos si te aproximas lo mejor y más cerca posible, realizas tu trabajo lo más honestamente posible. A día de hoy escuchar algo que sea completamente novedoso es una tarea imposible a todas luces. Todo está exprimido hasta la extenuación, pero al menos siempre hay alguien que arriesga y te da alguna alegría. Yo intuyo que las bandas del este guardan sorpresas conforme pasa el tiempo y tiene su lógica. Ahora los rusos pueden hacer cosas con libertad sin tener que pedir permiso ni copiar a occidente. Es un mundo por descubrir de un país inmenso y es bueno que hagan las cosas a su manera. 


Escuchándolos y sin que sirva como precedente puedo acordarme de los japoneses Asturias en sus dos vertientes acústica y eléctrica y también a la mejor época de Isildurs Bane o ya más alejados los húngaros After Crying. Es lo más cerca que se me ocurre para definir las composiciones de Pandora Snail, que son y lo digo sin duda alguna absolutamente maravillosas. 

Con guerra y paz su único disco de estudio y desconozco si hay alguna alusión a la famosa obra literaria de Tolstoi, hasta el momento quizás sea apresurarme demasiado, pero lo que oigo me parece sencillamente extraordinario, hermoso y bello. La música es compleja, pero de un gusto y lirismo exquisito y esto para mí es más que suficiente. Pasan del clasicismo modernista al jazz más refinado y lo combinan con un perfume folk eslavo lleno de líneas de violín y trazos de fusión rock evolucionado hacia formas tremendamente amables. Hay ciertas partes más densas y agresivas en la pieza más larga del disco “James Pont” que pueden recordarte en algo a los Crimson época David Cross pero sin tanta histeria sonora. El órgano nos dice que tampoco por ahí van los tiros y las intervenciones de la pianista me recuerdan tremendamente a Serge Rachmaninoff. La argumentación es rica en el aspecto técnico instrumental. Alta elaboración y recursos inteligentes. De momento no aparecen voces, aunque están acreditadas y estamos ante un interesante cúmulo instrumental. No hay concesiones a lo fácil y directo pero cuando se ponen líricos y melancólicos recorre cierto escalofrío. Ya veo que a esto le llaman prog ecléctico. Que yo sepa el progresivo siempre ha sido tremendamente ecléctico y diverso en sus fundamentos y en sus estructuras musicales que siempre encauzaban el agua de distintas fuentes. 


Música de alquimia y orfebrería quizá sería más preciso. Es curioso también que ningún tema se parece a otro. Lo han hecho francamente bien. Músicos de verdad que saben llevarte y mantenerte el interés hasta el final. El violinista es realmente fascinante escucharlo al igual que los arreglos meticulosos de la instrumentación en general. Merecen la pena en serio y la última pieza “Satori” es una perla de animados contrastes musicales donde aparece algo de voz coral y delicadeza a partes iguales. Hacía días que un disco no me levantaba la moral como este. El live en Babooinumfest en san Petersburgo es igual de bueno y como tocan los tíos.
Alberto Torró



Temas

Dilemma 05:52
By The Mountain River 03:48
To Catch The Wind 03:53
Submarine 05:21
James Pont 16:36
Mother's Tears 04:22
Red Rivers 02:08
Stones' Names 03:57
Dance Under The Bullets 03:08
After The War 04:51
Satori 08:05






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THE FLOWER KINGS - Unfold The Future (2002)

Volvemos al exceso de todos los excesos. Con casi 140 mtos de música los Flowers vuelven a sacar un doble CD cargadito de material. El tercero de la serie. Los errores y los aciertos vuelven a amontonarse para bien y para mal, pero da igual porque aquí hay tal cantidad de música como detalles en el templo de la sagrada familia en Barcelona o piedras en las pirámides de Egipto. ¿No queríais grandilocuencia?... pues toma!, a ver si reventáis de un empacho. 



Ahora bien, semejante alarde y poderío podría haberse reflejado en una presentación gráfica más atractiva pues la portada del disco es fea de narices vulgar y sosa. Si os fijáis siempre hay un tufillo de neohipismo low cost. Según dicen, las letras sueltan las mismas gilipolleces que Jon Anderson en Yes, pero como ya sabéis que nunca me han interesado los textos de ningún grupo progresivo, porque todos dicen las mismas tonterías poéticas ya sea en inglés, en alemán, en castellano, en italiano, en francés, en japonés, en klingom o en kobaiano. La madre Zappa al menos decía obscenidades y guarradas y resultaba más divertido. Roine Stolt ya tenía el dream team en la formación con la incorporación de Jonas Reingold al bajo y Zoltan Csörsz el nuevo drummer. Completaban como siempre el bueno de Tomas Bodin a las teclas, Hasse Fröberg a los lirismos y Hasse Bruniusson a las percusiones variadas de ayer y hoy y algún colaborador más por si quedaba algún hueco musical en silencio.

Armados de paciencia y entusiasmo nos ponemos la primera pieza: “La verdad te hará libre” con 30 minutos para abrir boca. La verdad no ha hecho libre a nadie nunca en la historia salvo para acabar en el cadalso, en la cárcel o en la miseria, pero como alegoría musical queda muy bonito. La pieza es maja, tiene un montón de cambios y melodías. Un trabajo laborioso de composición donde tanto Génesis como Yes (descarado) son la principal fuente de inspiración y luego todos los demás como siempre. Me agrada mucho el bajista Jonas que le da un toque de elegancia a todo el paquete sonoro. La densidad es tal que los estilos se superponen unos a otros y la calidad instrumental es alta. Vas a estar entretenido todo el rato porque los Flower siempre tienen una doble vertiente. Su música no aburre porque no te dan tiempo para ello pero olvídate de memorizar lo que has escuchado porque te será imposible. La copia Yes en la melodía principal es calcada en el uso de harmonías y por en medio me suena el Onward del Squire sospechosamente. Lo peor es que me gusta porque está francamente bien hecho y mejor tocado. Sin embargo, cuando llevas tres cuartas partes de tema ya llevas una sobredosis sinfónica por no leer antes el prospecto: “personas ansiosas o con problemas nerviosos, consultar antes con el médico y no exceder de la dosis recomendada”. “pacientes con parkinson o brote psicótico, abstenerse”. Al final te da la sensación de llevar una eternidad escuchando una canción. 


El primer CD tiene siete piezas y solo hemos escuchado la primera. Queda mucho por delante y temas muy largos también en ambos discos. Para hacer una crítica en condiciones necesitaría 100 páginas y no tengo esa paciencia cristiana, ni este blog es para dar semejante paliza. Sin embargo, si tu tiempo te lo permite adelante, la música es excelente y no te va a defraudar si te gusta el estilo, pero yo aconsejaría escucharlo con pausas y a dosis porque como te lo metas entero como yo he hecho en algunas ocasiones notarás un mareo extraño y confusión mental. Suerte. Paciencia nos de dios.
Alberto Torró




Temas
CD 1 (73:20)
1. The Truth Will Set You Free (30:40) :
- I. Lonely Road
- II. Primal Instincts
- III. From the Source
- IV. Uphill
- V. The Stars the Sun the Moon
2. Monkey Business (4:20) 
3. Black And White (7:40) 
4. Christianopel (8:30) 
5. Silent Inferno (14:25) 
6. The Navigator (3:15) 
7. Vox Humana (4:30)

CD 2 (65:15)
8. Genie In A Bottle (8:10) 
9. Fast Lane (6:35) 
10. Grand Old World (5:10) 
11. Soul Vortex (6:00) 
12. Rollin The Dice (4:15) 
13. The Devils Danceschool (3:45) 
14. Man Overboard (3:40) 
15. Solitary Shell (3:10) 
16. Devils Playground (24:30)







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MAELSTROM - Maelstrom (2016 / PROGQUEBEC)

Permítanme que insista una semana más con Quebec, y su rico vergel de grupos progresivos de los 70. Al igual que Excubus, en el sello actual ProgQuebec y por motivos similares. Lo que me hace pensar que quizás muchas de esas bandas no disfrutaron en vida de mucha popularidad, ni en su restringida área canadiense. Añadase tremenda rivalidad, habla francófona que limita la expansión de la banda, y que tenían que competir con el prog mundial en su momento de gloria. Maelstrom estaban preparados para ésa lucha. 


Previamente conocidos como Way Out,  entran en el legendario Le Studio, Morin Heights, para grabar unas cintas  con vistas a un hipotético álbum. Una grabación profesional efectuada por un primerizo ingeniero llamado Ed Stasium, a unos controles sabiamente utilizados. Pero tras infructuosos intentos en busca de contrato discográfico,  abandonan el proyecto para siempre. Repito, para siempre. Lo digo porque una vez escuchado esto, cuesta pensar en ése abandono incomprensible. El sacrilegio artístico dejó  los másters 40 años criando polvo en algún olvidado estante.

Maelstrom eran Denis  Poliquin (guitarras, saxo y cantante solista), Gerard Masse (batería,  voz), Jean Hudon (bajo), Jacques Montminy (Hammond B3, piano, sintetizadores, voz) y Robert Lepine (vibrafono,  xilofon,  marimba, percusión). Los de ProgQuebec rescataron éste Santo Grial en 2016, y por fortuna, aquí lo tenemos en todo su jodido esplendor. 

Abriéndose paso con la inicial "Le Manege Enchante" (4'49), cantado en francés y con sus fuertes influencias de los grandes del momento. Esto es un cruce entre Ange, y en éste caso,  Jethro Tull. Su sonoridad se destaca por el predominio percusivo de vibrafono, como un teclado más. Cuya hegemonia teclistica es grande, destacando el Hammond. La guitarra de Poliquin homenajea ahora a Zappa, genio gemelo de otro genio, Nikola Tesla (observen). Y las voces tienen un poderoso protagonismo, en una línea Gentle Giant innegable. Para "Chanson D'Un Troubadour" (5'06) entramos en territorio onírico,  pero familiar, de Yes cerca de "The Yes Album" / "Fragile". Maelstrom tocan poseídos. ...si vendes el alma al diablo tocas así? Porque me presto voluntario. Es una maravilla que me recuerda a sus paisanos Nightwinds, por un sonido característico similar.


"Porte-Bonheur" (7'23) juega con vibráfono y polifonía vocal made in Shulman Brothers. Entra la banda y allá que vamos a otro delicioso viaje al verdadero espíritu profundo del prog rock, en los mediados 70. Imagina que Chris Squire toca el bajo dando saltitos al lado de Ruth Underwood en sus hipnóticas percusiones melódicas. Que Bill Bruford se une a la fiesta y Tony Banks aporta un cremoso órgano al estilo "Trespass" / "Nursery". Con la guitarra mediando al modo Hackett / Howe.  Mientras que una invernal acústica con voz de bardo invoca al Ian Anderson de ésos días. Mucho nivel.

"Maelstrom" (4'54) es neto Gentle Giant , con el Clavinet bien en primer plano, y mismas andanzas instrumentales perversamente maravillosas. Que atrapan al (Don) sinfo-fan en una red progresiva sin escapatoria. Éste disco escupe prog-endorfinas sin parar, (iba a poner una guarrada más gorda, conste). En "Solitude" (5'52) vuelven a ésa particular fórmula infalible Ange / Tull que se nos lleva a encantados bosques nevados canadienses. El genesiano Hammond sube la temperatura del oyente, y un moog a la Wakeman acaba enfebreciendo la escucha hasta niveles críticos. Un desarrollo instrumental trabajado, fino y con la elegancia necesaria como para presentarse en sociedad a nivel mundial, con la cabeza bien alta. En unos días en que la exigencia hacia éste tipo de música era máxima e implacable,  (no como ahora). 

Finalmente "Legende Pour Le Futur" (8'32) reúne ensoñaciones de pura alquimia. Bien pocos consiguen éste feel en la actualidad. El saxo aparece en su única intervención,  al estilo de un Mel Collins en su faceta de Crimson / Camel worker. Bien resguardado por una sección rítmica de lujo, incluyendo el protagonista vibrafono. Lo que resta hasta el final de la pieza añade a la marmita todos los condimentos ya comentados : Zappa, Yes, Gentle Giant, Genesis,  Ange, Atoll, Tai Phong, Canterbury......


Puedes ponerlos en un lugar destacado junto a Et Cetera, Opus 5, Maneige, Contrevent, Octobre, Aquarelle, Caramel Mou,  Morse Code, Cano, Pollen,  Garolou, Dionysos, Demi Heure, Le Temps,  Conventum, L'Infonie, Offenbach y una montónera más. Quebec......para darles de comer aparte.
J.J. IGLESIAS




 Temas
01- Le manège enchanté.
02- Chanson d'un troubadour.
03- Porte-bonheur.
04- Maelstrom.
05- Solitude.
06- Légende pour le futur.




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ROCKIN' JOHNNY & QUIQUE GÓMEZ – Dos Hombres WANTED (2019)

La prueba de que el blues no tiene fronteras es la colaboración entre el armonicista español Quique Gómez y el guitarrista de Starkville , Misisipi, Rockin Johnny Burgin y su último trabajo, "Dos Hombres Wanted", editado en 2019.


Quique Gómez es una madrileño que comenzó a tocar la armónica a los 18 años. Dos años mas tarde forma su propia banda " Juan Bourbon, Juan Scoth & Juan Beer" con los que recorre los escenarios durante una década. En 2008 visita Chicago donde conoce a maestros del blues actuando junto a John Primer, Bob Stroger, Jimmy Burns, Kenny Blues Boss Wayne y Eddie C. Campbell, entre otros. Ha grabado junto a Lorenzo Thompson ("Do The Siesta" 2010) y aparece en el álbum de Willie Buck, "Songs For Muddy". Quique es un músico inquieto que mantiene diversos proyectos abiertos:

- Quique Gómez & His Vipers con los que grabó su primer disco en 2017, "Dealin 'With The Blues"

- Quique Gómez & Curro Serrano,  dúo acústico blusero que en 2018 ha publicado su primer trabajo, "Quique Gómez & Curro Serrano VOL.1”

- Gatos Bizcos, con dos discos en el mercado "I can't Believe my Eyes" (2012) y "Eurovegas" (2015)

- Bob Sands Big Band, es una big band  dirigida por el saxofonista neoyorkino Bob Sands donde Quique canta.

- Imparte clases de armónica en la Escuela de Blues de Madrid

- Es director del Curso Intensivo de Blues de Béjar.


Por su parte Rockin Johnny Burgin nació en 1969 en Starkville y posteriormente se trasladó a la zona de Greenville. En su etapa universitaria en Chicago se convierte en DJ conociendo a multitud de "bluesman". Su primera formación, "Ice Cream Men", sirve de soporte a diversos artistas de la zona. En ese tiempo es contratado por el vocalista de blues Tail Dragger para actuar cuatro noches por semana. Su primer disco llegaría en 1998, "Straight Out Of Chicago", al que le seguirían seis más:

         - "Man's Temptation" (1998)
         - "More Real Folk Blues" (200)
         - "Now's the Time" (2010)
         - "Grim Reaper" (2012)
         - "Greetings from Greaseland" (2015)
         - "Neoprene Fedora" (2017)

También a participado en grabaciones de Martin Lang, Willie Buck, Jimmy Lee Robinson y Jimmy Burns entre otros.



"Dos Hombres WANTED" contiene catorce temas de los cuales once se grabaron en  los estudios Alnico de Austin y tres en la Casa de Madera, Toledo, España. Todos son temas originales a excepción de dos versiones. Fue mezclado y masterizado por Kid Andersen en Greaseland Studio, San Jose. En el primer tema, "Your Charm Won't Help You", tenemos a Johnny cantando y tocando la guitarra con un Quique Gómez al estilo Billy Branch en la armónica. Blues de Chicago sin duda. En "Take It Like It Is" el testigo vocal pasa a las cuerdas vocales de Gómez acompañado por Josh Fulero  a la guitarra. "You Can't Steal My Sugar" continua con Quique al frente en la armónica y voz. El estilo de Johnny Burgin puede parecer simple pero no lo es. Como diría el gran B.B. King "menos es mas". "The Jinx", blues rural del Delta del Misisipi. "Funny But True" (Robert Lockwood Jr) es la primera de las dos versiones que aparecen en el disco. Quique tiene una voz envidiable que te trasladará al sur de los "states". "Ain't No High Roller" un blues medio tiempo con ciertas sonoridades a lo Diddley. "Everybody Loves My Baby" , blues de los garitos humeantes de Chicago. "Coffee Can Blues", lamento, dolor, sufrimiento. Eso es el blues. "Livin' Day to Day", uno de mis temas favoritos que cuenta con con un excelente solo de piano de Christian Dozzler. En "Otro Hombre" Quique canta en español y le acompañan David Salvador Fructuoso (bajo) y Pablo Baréz del Cueto (batería). "Step It Up Bro" con Christian Dozzler al acordeón y Faris Jarrah al trombón nos traslada al cabaret de los 50. "The Right to Hurt Me" , blues con sentimiento al estilo " hoochie coochie men" . En "Are You Ever" tenemos a Greg Izor tocando la armónica. El disco finaliza con otra versión, "Don't Blame Shorty" de Hudson Whittaker . Como músico adicionales tenemos a Eric Przygocki (bajo) y Stephen Dougherty (batería). Sin duda un gran disco de buen blues.
J.C.Miñana










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