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RENAISSANCE - Scheherezade And Other Stories (1975, BTM Records/Sire)

La historia de esta agrupación comienza con el final de una de las carreras más impresionantes que ha dado la British Blues Invasion. Cuando el núcleo de los clásicos The Yardbirds se fragmenta a finales de los 60, el baterista Jim McCarty y el cantante y guitarrista Keith Relf se mantienen unidos como base sobre la que crear un nuevo proyecto musical algo más experimental. Acompañados por el pianista John Hawken, el bajista Louis Cennamo y la hermana de Keith, Jane Relf, el tándem edita en 1969 Renaissance (también conocido en Europa como Kings And Queens). Este trabajo se centra en las labores tras las teclas de Hawken y está producido por el también ex The Yardbirds Paul Samwell Smith. La agrupación ya empieza a decantarse por movimientos como el jazz o el folk, estilos que mezclan con las raíces más reconocibles del rock and roll.


Aunque el segundo Illusion saldría a la venta en tierras germanas en 1971, no sería hasta dos años después cuando pisaría las tiendas del resto de Europa. En esta nueva grabación se mantienen las influencias e intereses demostrados con Renaissance, aunque destaca la labor de la poetisa Betty Thatcher-Newsinger. Esta escritora, íntima amiga de Jane Relf, participa como letrista para temas de la talla de “Golden Thread” y “Past Orbits Of Dust”. Pero los días felices no durarían. El reinado del dúo McCarty/Relf no sería eterno, sobre todo tras dejar su papel de instrumentistas en la banda, pasando a convertirse en el eje como compositores centrales de la apuesta. Estas ataduras hacen que los miembros del proyecto empiecen a buscar otros caminos para su propia evolución. Louis Cennamo sería el que más rápido encontraría su sitio, participando en la historia de Colosseum al grabar diversas tomas de su álbum Daughter Of Time.

El grupo ya había sufrido algunos cambios significativos para cuando llegó la verdadera ruptura. Aun así, y aunque todos les daban por perdidos, el mánager Jon Michelle inició un frenético trabajo junto a Jim McCarty y Michael Dunford, fijo en Renaissance tras colaborar en las sesiones de Illusion, en busca de una nueva formación que hiciera cabalgar una vez más a un caballo que merecía ser vencedor. Poco a poco se logró completar un sexteto compuesto por Jon Camp (bajo, percusión y voces), Rob Hendry (guitarra y voces), Terry Sullivan (bateria y percusión), John Tout (teclados y voces), Francis Monkman (sintetizadores) y Annie Haslam (voz solista y percusión). Y sería precisamente Annie la que pondría un nuevo sello al sonido Renaissance. Buena muestra de ello da su álbum Prologue de 1972, al igual que lo haría un año después Ashes Are Burning, ya con Michael Dunford y Andy Powell como nuevos fichajes activos.


Hasta 1973 Jim McCarty se había mantenido en la sombra como pieza fundadora y punto clave de referencia, aunque ahora decidía desvincularse definitivamente del proyecto y formar la apuesta Shoot. Este proyecto sólo graba un disco, On The Frontier, álbum en el que participa el Renaissance John Tout. Mientras esto sucedía fuera de Renaissance, el astuto Miles Copeland se llevaba al conjunto a su nuevo sello BTM, discográfica bajo la que editarían en 1975 Turn Of The Cards, una de las grabaciones más reconocidas de la agrupación, que ya se había publicado un año antes en Norteamérica y Canadá bajo el auspicio de Sire, y en la que se contenía su irrepetible creación sinfónica “Mother Russia”. Este disco aparecería inicialmente en BTM con una imagen sonriente de Annie Haslam presidiendo la portada. Turn Of The Cards engancha a todos los seguidores del movimiento, tanto a los europeos como a los norteamericanos, ofreciendo así un apoyo al combo que les hace atreverse con la idea de girar por el Reino Unido acompañados por diferentes orquestas filarmónicas. Precisamente fue en una de las citas de su presentación de Turn Of The Cards, la de tres noches seguidas con todas las entradas vendidas en el Carnegie Hall, en la que se grabó su doble directo Live At Carnegie Hall. Pero este álbum saldría en 1976, ya que 1975 tendría aún que ver la siguiente pirueta de Renaissance en formato de audio. Scheherezade And Other Stories serviría de fiel complemento a su anterior joya, provocando así la definitiva y entregada reacción de los medios especializados que empiezan a colmar con premios la carrera de los ingleses.

Es realmente curioso este elepé pues con su título predispone al oyente, le avisa de que está a punto de adentrarse en un compendio de historias que a su vez son también otro compendio de relatos. No hay que olvidar que Scheherezade es la narradora de la compilación de cuentos arabescos titulada Las Mil Y Una Noches; por lo tanto, en el vinilo del 75 se podría hallar espacio para las narraciones medievales tradicionales del Oriente Medio, pero igualmente existirán tres cortes musicales más en los que explayarse en diferentes temáticas. “Trip To The Fair”, por ejemplo, es una historia de misterio, de engaños de la mente, en el que una feria con payasos y carrusel sirve de escenario para la narración o igualmente puede ser la misma pesadilla que se quiere detallar. Por su parte, “The Vultures Fly High” analiza y reprocha a la gente falsa y crítica, meticona, que ven la paja en el ojo ajeno pero no ven la viga en el propio, su actitud para con los demás. Y en tercer lugar, justo antes de que llegue “Song Of Scheherezade”, “Ocean Gypsy” flota etérea como una de las canciones más bellas grabadas por la banda; tan es así que décadas después, cuando Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow) decidió montar el proyecto musical Blackmore’s Night con su pareja sentimental Candice Night, esta canción fue debidamente versionada en su primer disco compacto Shadow Of The Moon (1997).


“Song Of Scheherezade” está dividida en nueve partes, cinco de ellas instrumentales (“Fanfare”, “The Betrayal”, “Love Theme”, “Festival Preparations” y “Fugue For The Sultan”). Pero aunque los desarrollos y pasajes instrumentales cobren un valor y fuerza especial en esta extensa creación, igualmente es cierto que el trabajo con los textos es excepcional. Ya sea por medio de “The Sultan” o “The Young Prince And The Young Princess As Told By Scheherazade”, como en “The Festival”; aun así en las escuetas frases de cierre de “Finale” se esconde la clave por la que Scheherezade no pierde la vida como en un principio quería el Sultán: «Ella le narra cuentos de sultanes, talismanes y anillos. Mil y una noches ella cantó para entretener a su rey. Ella canta. Scheherezade». Y así es la manera en la que el personaje narrador logra terminar con la sangrienta, tétrica y criminal costumbre del sultán Shahriar, el cual se casaba con una virgen a diario, decapitándola a la mañana siguiente y esposándose con otra. Las historias que Scheherezade le presenta cada noche poco a poco van transformando al asesino monarca en una persona diferente. Los británicos Renaissance conseguían por medio de esta larga pieza de veinticuatro minutos crear una de las representaciones musicales más impactantes que se han podido escuchar sobre Las Mil Y Una Noches –con permiso de Nikolai Rimsky-Korsakov, por supuesto–.
por Sergio Guillén
sguillenbarrantes.wordpress.com





Temas
1. Trip To The Fair 
2. The Vultures Fly High 
3. Ocean Gypsy 
4. Song Of Scheherazade:  - 21:08
- a) Fanfare 
- b) The Betrayal 
- c) The Sultan 
- d) Love Theme 
- e) The Young Prince And Princess As Told By Scheherazade 
- f) Festival Preparations 
- g) Fugue For The Sultan 
- h) The Festival 
- i) Finale 





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JOSE VICENTE ASUAR - Música Electrónica (1975 / ?) (Serie Pioneros)

Porque en Sudamérica también hubo pioneros. José Vicente Asuar fue un compositor chileno al que intuyo no le fue fácil en aquel entorno, llevar adelante sus investigaciones sonoras. No lo era en Europa,  así que imagina en Chile. 


Creador del primer laboratorio de ésta índole hecho en América Latina en 1958. Allí compondrá "Variaciones Espectrales", su primera obra electrónica. Luego fundará otros laboratorios,  (no se llamaban "estudios", por entonces con más tendencia "quirúrgica", con sus batas blancas y todo), en Alemania  (1960), Caracas y Venezuela (1967). Es importante su labor pedagógica,  como reflejan discos como "El Computador Virtuoso" (1973) o "Así Habló el Computador" (1979). También creará su propio instrumento electrónico,  el Comdasuar, (imagino que "computador de Asuar"). En los 90 vive entre Chile y España. En 2013 se estrena el documental sobre su vida, "Variaciones Espectrales". Fallecerá en 2017. 


El álbum que hoy traemos es en su título,  suficientemente explicativo. Me pregunto con cuántas dificultades culturales tendría que enfrentarse éste valiente pionero para dar a conocer su obra.

"Guarania Repano" (13'35) saca buen partido del modular, (que casi me atrevo a decir es un Moog), con variedad de sonidos y ambientes diferentes. Su exótica melodía, que la tiene, conecta con el folclore de su país a poco que se afine el oído. Inventivo y original a cada paso que da, su constante búsqueda no aletarga ni amuerma los sentidos. Mantiene la escucha en constante alerta y en permanente sorpresa durante la audición. Luce sombras de inquietud y siniestros sentimientos en "Catedral" (7'15).... seguramente el ambiente social influyó en su obra. Conecta con la vanguardia alemana más arriesgada del momento. Y su empleo de graves en diferentes tonos y modulaciones es admirable. 

La otra cara se inicia con "Tonada" (4'53), con sonidos autóctonos,  folclóricos o casi infantiles, de alegre construcción. Alejados del extremo vanguardismo anterior, y hasta equiparables al más étnico Patrick Moraz. Más cerca está esto del moog-exploitation de comienzos 70, llevado a melodías propias de su tierra. No deja de ser curioso. Lo mismo podemos decir de "Tango" (3'27), pero llevado al inmortal estilo argentino. Que, con "válvulas en calentón", suena especialmente bien en su hegemonía de maleabilidad analógica. Más trabajada que la anterior y con resultados más conseguidos. Atractivos patrones rítmicos son utilizados en "Charleston" (3'14), donde podemos apreciar de nuevo ése tipo de melodía,  en rudimentaria construcción secuencial. La misma estrategia nos trae "Antillana" (4'06). Su propia naturaleza naif podría hacerla pasar por un tema de Harmonia o Moebius, en su simplificada arquitectura,  no obstante atractiva, rellena de condimentos sonoros de mil sabores e ideas para nada desechables. 



Finalizamos con "Coral con Variaciones" (6'44) , quizá la pieza más "seria" de ésta cara, y de connotaciones clásico -barrocas. Inevitable pensar en Wendy Carlos, aunque esto es material original del propio Asuar, y al mismo nivel que su ilustre colega. Excelente uso de gama cromática sonora, que demuestra además el alto nivel como teclista de éste intrépido chileno. Es una pieza que puede formar parte de ése lado investigador y altamente vanguardista de la primera cara. Con ése equilibrio de temas más populares en la segunda, que no le bajan calidad a la obra, sino que la complementan. Un excelente explorador sintetista, pionero a contracorriente, José Vicente Asuar. Con igual predisposición innovadora para lo más sencillo o para lo más avanzado en materias electrónicas. 
J.J. IGLESIAS



Temas
01 Guararia Repano
02 Catedral
03 Tonada
04 Tango
05 Charleston
06 Antillana
07 Coral con Variaciones




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JA BLUEZY - At The Delta Lady (1980)

Los lectores que nos estén siguiendo desde el principio, ya hace algo más de seis años, quizás se acuerden de como se llamaba originariamente la web, Discosrarosraros. Era una forma de reivindicar aquellos discos que habían pasado desapercibidos pero tenían una gran calidad. Posteriormente adoptamos el termino Rockliquias que se adapta más a la filosofía de los que escribimos en este blog. Pues bien, sin duda este disco de Ja Bluezy es raro raro. Se comenta que solo se prensaron 300 copias por ello su valor en el mercado es realmente alto.


Como era de esperar los datos sobre el grupo son más bien escasos. La banda estaba integrada por Paul Bouillet (guitarra, voz), Mitch Purdy (batería) y Max Koster (bajo). Este último estuvo en Strata Nova. Estuvieron funcionando fundamentalmente durante la década de los 70.


La grabación corresponde a la actuación de Ja Bluezy el 1 y 2 de marzo de 1980 en el Delta Lady de Ferndale, Michigan. El "setlist" contiene seis temas, tres de ellos versiones, "Big Boss Man" (Smith, Dixon), "St. James Infirmary" (Primrose) y el tradicional "Battle Of Jericho". En cuanto a su música tenemos un gran rock blues con largos desarrollos instrumentales guitarreros donde su bajista Max Koster no se resigna a un segundo plano. Su vena "jazzy" la tenemos en "Battle of Jericho". Como tema destacado, sin duda, "E"-Thing". Alucinante el diálogo guitarra-bajo.
J.C.Miñana



Temas
A1 'A' Plane Blues A2 Big Boss Man A3 St. James Infirmary B1 Battle Of Jericho B2 Just Not Look This Last Time B3 'E' - Thing






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NICK GRAVENITES ‎– My Labors (1969)

Seguramente para los más jóvenes lectores de Rockliquias la figura de Nick Gravenites (voz, guitarra, productor, arreglista, etc) no les resulte familiar. Sin embargo para aquellos que peinamos canas podríamos decir que es como de la familia. Autor de temas como  "Born in Chicago" ( Paul Butterfield ), "Buried Alive in the Blues" ( Janis Joplin ) y otros muchos interpretados por  Elvin Bishop , Charlie Musselwhite , Big Brother & the Holding Company , James Cotton , Otis Rush , Jimmy Witherspoon , David Crosby , Quicksilver Messenger Service , Tracy Nelson , Howlin' Wolf , Roy Buchanan , Pure Prairie League y otros.


Nick nace el 2 de octubre de 1968 en Chicago. Comienza a tocar la guitarra en la Universidad  y frecuenta los clubes de blues de la ciudad donde conoce a Paul Butterfield. Forman el dúo acústico de blues Nick and Paul que les da la oportunidad de subir al escenario junto a Muddy Waters, Howlin 'Wolf , Little Walter y Otis Rush. En el 67 forma The Electric Flag con Mike Bloomfield /guitarra),  Barry Goldberg (teclados), Harvey Brooks (bajo) y Buddy Miles (batería). Participan en el festival de Monterey de ese año y componen la banda sonora de la película "The Trip" (Peter Fonda). Al año siguiente publican "A Long Time Comin" y a los pocos meses Bloomfield abandona el grupo. Ese mismo año editarían "The Electric Flag: An American Music Band" que supondría el último LP de la banda en este periodo. En 1969 entra a formar parte de Big Brother and the Holding Company (ya sin Janis Joplin) donde permaneció hasta 1972. Paralelamente a todo esto Nick había producido el primer disco de Quicksilver Messenger Service, la banda sonora de "Steelyard Blues" y había publicado su primer disco "My Labors". Durante la década de los 70 siguió con sus labores de producción destacando su labor en el disco de Otis Rush, "Right Place, Wrong Time" (1976). En los ochenta forma diversas bandas, Animal Mind ("Blues Star" 1980) y Usual Suspects ("The Usual Suspects"1981), y se une a la John Cipollina Band editando "Monkey Medicine" (1982). Actualmente está medio retirado.


Este primer disco de Nick Gravenites lo podemos dividir en tres partes. La primera (temas del 1 al 4 y el 8) está formada por temas grabados en el  Fillmore West de San Francisco, entre enero y febrero de 1969, con una banda integrada por Nick Gravenites (voz, guitarra), Mike Bloomfield (guitarra), John Khan (bajo), Bob Jones (batería). Ira Kamin y Mark Naftain (teclados) y una sección de viento compuesta por Geral Oshita, Snooky Flowers, Noel Jewkes y John Wilmeth. Música netamente blusera con una fuerte carga instrumental. La segunda parte consta de tres temas (5. 6 y 7) ,grabados en el estudio con amigos (no identificados), mucho más intimistas y "souleros". Por último tenemos una tercera parte que se agregó en posteriores rediciones que consta de tres composiciones más grabadas en el Fillmore West. Este disco puede ser una buena forma de conocer a este genio.
J.C.Miñana




Temas
01.Killing My Love
02.Gypsy Good Time
03.Holy Moly
04.Moon Tune
05.My Labors
06.Throw Your Dog a Bone
07.As Good as You've Been to This World
08.Wintry Country Side
Bonus Tracks
09.It Takes Time (Live, Fillmore West, 1969)
10.Blues on a Westside (Live, Fillmore West, 1969) 
11.It's About Time (Live, Fillmore West, 1969) 








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LITTLE TRAGEDIES - Return (2005)

En cinco años nuestro líder y compositor ya es oficialmente el miembro principal de Little Tragedies convertido en quinteto. Ya es un grupo en toda regla: Gennady Ilyin / vocals, keyboards, composer. Alexander Malakhovsky / guitar. Aleksey Bildin / saxophone. Oleg Babynin / bass guitar, vocals y Yuri Skripkin / drums. 


Fichan por la discográfica Musea en Francia y forman parte de su escudería, lo que les abrirá las puertas al mercado internacional y a participar en festivales siendo una buena alternativa para los amantes del género ya un poco cansados de las mediocridades neo prog que abarrotaron el mercado principalmente en la década de los 90´s. El nuevo siglo supone una mayor exigencia en los nuevos grupos. Los escandinavos concretamente como ya hablé de ellos en anteriores artículos de rockliquias dejaron el nivel alto y los rusos algo después igual. Muy alto para lo que se presuponía en un principio, qué, si bien jamás se alcanzaría el nivel de originalidad de los clásicos, al menos la música sí mantuvo la dignidad y una buena ejecución técnica, algo en lo hoy que fallan muchos porque no entienden el concepto progresivo y lo confunden con otros estilos que no pasan de ser rock, pop o mermeladas alternativas para desperezarse en el sofá o ponerse tapones en los oídos según sea el caso. 


“Return” posee 78 mtos de rock sinfónico a todo trapo y con una mayor presencia de producción cuidada. Han ganado en potencia sonora, en brillantez y si la técnica anterior ya era buena ahora deslumbra. Las referencias a la música clásica son constantes en la forma expansiva de la composición, en los múltiples detalles y arreglos y sí, naturalmente todo es muy ruso: las melodías, los ritmos, los contrastes, las tradiciones, el folklore, la riqueza y una ejecución técnica envidiable. “After The Dead” es la versión rusa en nueve mtos de como sonaban ELP en la época Powell y los teclados de Emerson en la pieza “The Score”, absolutamente rimbombante y pirotécnico, pero bastante más complejo que la época ochentera de Emerson y cía. Piensa en “Pirates” del Works Vol 1 y estarás más cerca de comprender lo que digo. Gennady es una bestia literal en los teclados. Apabullante virtuosismo y locura compositiva. Me encanta la grandilocuencia, no lo puedo evitar. El desahogo, el estallido sonoro, lo retorcido, lo complicado, la inmensidad de cambios constantes. Caviar con vodka, orgías en los salones romanov, los cosacos cargando y las puertas de Kiev ardiendo entre fanfarrias o machacando nazis en Stalingrado sin piedad. Todo agitado y bebido en sofisticado cocktail. 


“Credo” es otra barbaridad emersoniana de casi 13 mtos en la misma línea que lo anterior. Fuerza desatada. Pasajes sonoros bestiales para dejar a cualquier batería agotado. Más allá de lo épico y espectacular se encuentra la calidad musical y los complicados pasajes para poner a prueba al más pintado. Es muy difícil tocar esto con precisión y sin fallos y van a poner de los nervios a todo aquel que odie el rock sinfónico. Porque son lo más sinfo-prog salvaje que hayas escuchado nunca. La guitarra solista lucha a la par con los teclados y la exigencia es total. La voz aparece en contadas ocasiones en su peculiar forma de canto-narrativo y acabas por acostumbrarte. Las intervenciones de viento como el saxo están perfectamente acopladas a la composición más que un instrumento solista y lejos de lo que de forma previsible podría esperarse. El guitarrista está igualmente en los lugares precisos. La música de Little Tragedies, se fundamenta en la composición a gran escala. Es el entramado sonoro lo que importa. Hay partes solistas claro, pero perfectamente estudiadas. Nada se deja al azar. El programa es largo, pero te mantiene despierto y sin lagunas. La sarcástica “The Clever Demon” y el fantástico y deslumbrante hammond B3 o “Sobre temas de Grieg” prefiguran un álbum que necesita tiempo y cierta predisposición a músicas muy activas. A diferencia de los oscuros y dramáticos tres primeros álbumes de las tragedias, este es desbordante y espectacular y lo que vendrá.
Alberto Torró


 




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HAPPY THE MAN - 3rd Better Late (1983)

Poco después de su aventura camelera Kit Watkins decidió editar lo que fue el último trabajo olvidado de estudio grabado en 1979 con nuevo baterista en la figura de Coco Roussel y salió por primera vez en vinilo en 1983. 


Estamos en los 80´s pero vale decir que muchos no se volvieron gilipollas. La basura verbal casi convertida en mezquina inmoralidad y la caza de brujas hacia la música inteligente hizo mucho daño, como vengo diciendo reiterativamente (soy consciente) pero no hasta el punto de volver idiotas a músicos que verdaderamente lo eran y no se dejaron engañar. Si el rock progresivo mantuvo discografías robustas, competentes y atractivas durante los años de gloria, una vez metidos en las siguientes décadas, serán casos aislados, hechos puntuales y discos concretos los que mantendrán la llama. Lo suficiente como para no desaparecer por completo. Pero eso sí, poniendo a prueba la paciencia de los prog lovers. Que no entendían que habiendo llegado a un punto de creatividad y a un desarrollo de un estilo tan fascinante, no se hubiese rubricado con la experiencia anterior y la calidad que se presuponía. Sobrevivir en un mundo de tontos musicales fue un desafío que algunos supieron más o menos combatir. Lo curioso es que conforme pasan los años y las décadas la música se va quedando en lo esencial. Muchísimo material viejo y moderno saturan la red. Cantidad industrial de bandas y grupos que día a día aparecen en la palestra, en un archivo infinito. Dos aspectos: el gusto y el recuerdo. Todo se basa en ello al margen de considerar la calidad. Lo relativo lo invade todo. La acumulación de todo lo referente a un estilo a mi edad ya no tiene sentido, porque no queda tiempo para el disfrute. No hay tiempo material humano. Concretar lo que nos sirve y lo que no, es un acto de inteligencia. De racionalidad lógica. No es fácil conseguirlo por el bombardeo constante de novedades o descubrimientos del pasado ignorados. El proceso de selección se impone en mi caso salvo que ingenuamente pienses que los que te sigan continúen el proceso. No lo creo.

“Mejor Tarde” se inicia con “Eye Of The Storm” una pieza atmosférica inocua que Watkins incluiría para el “I Can See Your House from Here” de Camel y casi cercana al “muzak” del estilo new age. Aburrida hasta la saciedad. Mucho mejor es lo que viene después. En “The Falcon” Whitaker se me asemeja a Greg Lake cantando, pero con una personalidad definida no imitativa. El desarrollo algo Floyd-Genesis suena una mezcla peculiarmente extraña pero lo suficientemente atractiva. La instrumental “Al borde de este pensamiento” sigue en la onda amable con la que han iniciado este tercer trabajo. Flautas juguetonas, ambientes relajantes y bastante más lírico por momentos que las tendencias fusión progresivas de años atrás. Bueno es muy agradable realmente. Me suena por ahí algo ligeramente Metheny y en “Run Into The Ground” está clarísimo. Por algún lado es como un recordatorio de esos años en que la fría estética ECM editaba elegantes discos de vanguardia- jazz-fusion. No van los Happy muy desencaminados de la política sonora del sello alemán. La tónica del disco va por esos derroteros si exceptuamos las partes cantadas naturalmente.


 En general la música de los felices hombres es aquí fina y elegante. Un aspecto que siempre los ha definido. Las últimas piezas y algunos añadidos bonus tienen algo más de fuerza jazz-rock. Estaban en proceso creativo hasta que se rompió la baraja. (continuará)
Alberto Torró





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TOMBSTONE EYES - Land in the Sky (2020 / AKASHIC)

Éste es el primer disco que comento en mi vida que es del año siguiente! Para que luego digan que "no se nota que estamos en el futuro". Así lo anuncian Tombstone Eyes con su "Land in the Sky", estreno de la banda de Illinois.


El 2018 vió la edición de su demo con "Solar Berge" y "Hungry Ghosts", temas que repiten ahora en mejores condiciones audiofonas. Tombstone Eyes lo lidera Brownstone (bajo, órgano,  sintetizadores, voz y producción junto a Mike Lust). Acompañado de John Brown (guitarra solista), Mustafa Daka  (batería, percusión) y Jason Sipe,  que no sé que hace en la banda, porque aparece en fotos y créditos, pero no especifican a qué se dedica el hombre.....Ésta buena gente de Chicago se ha propuesto revigorizar el bluesy psychedelic rock a base de space truckin' organ pasadas y homenajes, de pie o de rodillas, ante Blue Oyster Cult.


La intro de presentación es "Hydrogen Fog" (1'38), en sacudida espasmodica de organada despiadada y puñetazos percusivos demoledores. Hasta que un fat sinte nos da paso a "Solar Berge" (16'06), en brumas psicodélicas y psicofónicas de voz tratada y guitar-organ descomunal. Se rumorea que Arthur "Fire" Brown y Vince "Atomic" Crane estuvieron en negociaciones para entrar en la Experience de Jimi Hendrix. El resultado de ésa diabólica endogamia hubiera sido muy parecido a lo que aquí tenemos. Corrosivo acid-heavy-psych como el pestilente aliento de un Predator en ingesta de tortilla de ajos XXL. La hipnosis regresiva avanza lenta y balbuceante, como el paso de un mamut borracho. Un bajo que retumba como si el paquidermo en cuestión coceara las paredes de tu santuario, al son de un destroza baquetas feliz en su armagedón rítmico. En un cambio inesperado, mutan en doom alucinado y esquizofrénico. Si lo excesivo te pone, y a mí definitivamente sí,  vas a estar "verraco de luxe" (Flying Burrito unreleased?), durante un buen rato. Terry Brooks & Strange + organada tocada con los codos y geetar old school - Wayne Kramer style, flagelando almas pecadoras de la pradera. Te deja hecho polvo, el desfase éste. Cánticos impios e impuros nos adentran en "Precession of the Sun" (4'41), en stoner-doom sotana y profundidad cavernícola de teclados siniestracos a la Atomic Rooster. 


Con ritmos propiedad del "21st Century Schizoid Man" llega ahora "Hungry Ghosts" (6'56), revitalizando el occult desde su auténtica perspectiva proto.  Buck Dharma y Erick Bloom orgullosos de ésta rola tan de su secta. Aunque en la guitarra se oficien misas negras del chamán Fripp, que los maldice a todos desde su privilegiado puesto en el Olimpo de los intocables tocapelotas. Uno de los mejores cortes del (bien aprovechado) disco. "Black Knight Satellite" (4'02) invoca a los fuegos fatuos del Kingdom Come de Arthur Brown, a las majaradas espaciales de Bob Calvert y Michael Moorcock,  o a las bandas sonoras de Star Trek. Larga Vida y Prosperidad, (ponga los dedos adecuadamente ). Pero en instrumental brillantez bizarra, que enlaza con "Walking Shadows" (8'57) y se apunta el saxo-ADN-Nik Turner, de Brandon Eric. Para explorar territorios inhóspitos space rock de escasa visibilidad, pero espaciosa percepción sensorial ultrasónica. Un monstruoso ser producto del "menage a trois" entre Hawkwind, VDGG y BOC......Adorable criatura abisal. Buscando en el dial de a bordo aparece la final "Showman's Rest" (1'41), de voces con mensaje al revés,  cagándose en tus muertos por no poder seguir torturando tus neuronas. Pero como mi actitud es decisivamente masoka y claramente placentera, vuelvo raudo al "play" y me regodeo en éste pandemonium retro, tan bien llevado por Tombstone Eyes. Más dosis de su veneno-medicina, quiero.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.
Hydrogen Fog 00:00 
2.
Solar Barge  01:38
3.
Precession of The Sun 17:44
4.
Hungry Ghosts      22:25
5.
Black Knight Satellite   29:21
6.
Walking Shadows           33:23
7.
Showman's Rest  42:20







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PAATOS - Silence Of Another Kind (2006, Inside Out Music)

No es la primera vez que dos formaciones, un par de grupos de la misma escena, se juntan para dar vida a una banda y una propuesta completamente nueva. Paatos son uno de esos nombres que esconden una historia similar; aunque lo que les separa del resto es su estilo, un sonido que poco tiene que ver con lo que gestan el noventa por ciento de los proyectos actuales. Paatos se forman en agosto de 2000 gracias a Stefan Dimle, Huxflux Nettermalm, Johan Wallén y Reine Fiske. La eclosión llegó gracias a la propuesta de compartir tablas junto al vocalista Turid, artista que hasta el momento se prodigaba por el folk de ramalazos rock. De aquí sacan la idea de hacer de Paatos un conjunto músico vocal. Petronella Nettermalm entra en escena. La situación explota en una vertiginosa carrera por poner en marcha la máquina de experimentación. Al siguiente año presentan su primer sencillo, “Perception”, rematando su estrategia con un definitivo lanzamiento con instantánea a la puesta de largo obligada. Sale a la venta Timeloss (2002) para Stockholm Records (pronto ficharían con Inside Out), marca tras la cual Fiske desaparece de las filas dejando su puesto a Peter Nylander.


Y si el citado Timeloss los destapa como quinteto sumergido en la búsqueda de los refrescantes caminos progresivos, con Kallocain (2004) la evolución se dirige hacia paramos más relajados, cercanos al ambient o al drum and bass melancólico (si es que hasta el momento se había podido escuchar algo similar). Eso sí, sus desarrollos cercanos al rock progresivo, o hasta a agrupaciones como The Gathering, se mantienen sin problemas a través de unas atmósferas cada vez más densas, aunque con esa chispa de dulzura que aportan las tesituras de su vocalista, la destacada cantante Petronella Nettermalm. Cada una de sus imágenes sonoras posee la magia de inquietar en sus primeros segundos para luego, ya inmersos en sus repetidas melodías, crear un efecto hipnótico que nos hace flotar sin remedio a lo largo de toda la duración del álbum.


La experimentación desde el minimalismo continúa como algo recurrente en los planteamientos de Paatos. ¡Albricias! Ya era hora de que alguien demostrase al mundo eso de que menos es más. No hace falta empastar uno y mil sonidos, centenares de pistas apiladas para llegar a algo coherente y sin perder esas dosis de belleza que embelesan hasta a aquel que negaba de gustos tan escondidos. Curiosamente con este Silence Of Another Kind los cinco miembros del combo traen recuerdos de Kari, esa portentosa creadora vocal que de la nada saca espejismos de incomparable hermosura. Paatos mantienen firmes sus ideas a medio tiempo, esos desarrollos con ramalazos un tanto góticos, de romanticismo trágico y fin en busca de lo etéreo (“Still Standing”). Al mismo tiempo recomponen unos basamentos equivocados en cuanto a comercialidad se refiere. Ellos sí saben darles sentido desde unas coordenadas ciertamente distanciadas del punto en el que parece habitual lograr el gancho radiofónico. Una tonada como “Falling” da mil vueltas a cualquier invento mayor de Marlango. Nueve cortes son suficientes para narrar con credibilidad la valía y evolución del conjunto. El álbum es un listado de buenas maneras en eso que llaman sonidos por la creatividad. ¿Hay alguien que pueda negar la influencia de Angelo Badalamenti en una composición como “Is That All?”. Desde una mirada íntima describen con exactitud su arte espectacular.
por Sergio Guillén
sguillenbarrantes.wordpress.com








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WESERBERGLAND - Sehr Kosmisch-Ganz Progisch (2017 / APOLLON)

Porque el tamaño sí que importa, Apollon Records lo demuestra con su sabiduría eligiendo bandas. Hace unas semanas hablábamos del último proyecto de Jacob Holm-Lupo (White Willow), llamado Telepath. Y que homenajeaba a la música de terror 70s con su "Mental Mutations", un disco destacable de éste año que termina.


Pero en 2017 hacía lo mismo con el kraut,  en otro proyecto de nombre Weserbergland. Todo en éste disco está escrito en alemán,  para darle más veracidad a la obra, que sólo le faltó ser de Brain, Ohr, Metronome  o Kosmische Kurriere. A la "broma" se apunta otro peso pesado del prog noruego, Mattias Olsson (Anglagard), en la batería,  percusiones y sitar eléctrico. Mientras que Lupo se encarga de bajo y guitarras, junto a Gaute Storsve. Cerrando el cuarteto Ketil Vestrum Einarsen (voz, flauta y teclados). Junto a invitados como Einar  Baldursson (guitarra), Brynjar Dambo  (sintetizador), Tetsuroh Konishi (trompeta) o Erik Johannessen (trombón), entre otros. 

La sesión comienza con "Tanzen und Springen" (9'46), en maravillosa conexión con los postulados de Harmonia o La Düsseldorf. Se nota que no sólo han escuchado, también han absorbido muy bien éste material. Modelando minimalismo melódico de ensoñación onírico - transdimensional. Motorik drums, guitarras Rother, teclados llenando vaporosos colchones dulcificados y líneas a priori, sencillas, pero con intenciones en cada nota. Música que entra amable al oído,  sin dejar de sonar experimental. Captan perfectamente la esencia kraut, y suena totalmente convincente. También "Das Trinklied Vom  Jammer Der Erde" (15'44), en donde la melodía de sinte tiende más hacia la Berlín School tangerina,  curiosamente de los 80. Excelente labor percusiva,  detallistas arreglos y bajo espectacular. A lo que se suma una guitarra oldfieldesca, flauta a la Steve Jolliffe y una arrasadora energía cercana al "Cyclone" de Tangerine Dream. Sintetizadores en rebeldía dominan luego una pieza casi symphonic - rock (o de la Sky factory). Contestada por una parlanchina guitarra inmersa en una jungla rítmica extenuante. Sus tres minutos finales se convierten en una elegía electrónica de improvisada brillantez.

Para el lado B iniciamos "Die Knust Der Fuge" (12'04), volviendo al universo Harmonia / Cluster que tan bien se les había dado en el primer corte. Insertan teclado con sonoridad a órgano de iglesia,  para darle majestuosidad a un sonido que en realidad, gana con un "menos es más". La melodía es sencilla, pero no su ejecución instrumental,  donde complican la ensalada hasta convertirla en pizza. A pesar de su (forzado) empeño progresivo, aún mantiene su simplicidad melódica,  que no armónica,  (algo que considero un error). Demasiada pista aleja el espíritu rudimentario y humilde del genuino kraut. Está todo "demasiado bien tocado", construido y estructurado. Aquí falta en mi opinión,  más rebeldía y menos ganas de agradar. La pieza es bonita, casi sinfónica,  pero no transmite una sacudida contra  los cimientos del sistema. Es una sensación demasiado acomodada como para atrapar el puro kraut. Finalmente "Tristrant" (8'49) tiene un comienzo casi after punk (?!), (estilo que absorbió maneras kraut), que desarrolla lineas de deliciosa melódica cercana a los Kraftwerk de "Autobahn". Cuando entran los vientos, cruza estilos con Kraan o Exmagma. Una de las más originales,  y de mejores resultados creativos. 


En general es un álbum de alto nivel, que cuando quiere retratar la melódica agridulce de Harmonia les sale de maravilla. Aunque tienden al sympho-prog en alguna ocasión, algo por otra parte innecesario. Será por ser noruegos. Un excelente álbum,  a pesar de todo.
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Tanzen Und Springen 00:00
02. Das Trinklied vom Jammer der Erde 09:44
03. Die Kunst Der Fuge 25:20
04. Tristrant 37.22





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Impeccable - Live on the Rox (1979)

Si hacemos un pequeño ejercicio de retroceso en el tiempo podremos darnos cuenta lo mucho que ha cambiado la radio con respecto a su tratamiento hacia  el rock. Tan sólo un detalle. En la década de los 70 e incluso en los ochenta era habitual, sobre todo en Estados Unidos y Reino Unido, retransmitir conciertos a través de las cadenas locales de FM. Incluso en España recuerdo perfectamente haber grabado un concierto  de Pegasus en el Teatro Principal de Zaragoza que fue emitido por una radio local. Hoy en día sería impensable. Los problemas legales y los costes de derechos de autor lo harían inviable. Todo este rollo viene a cuento de la grabación que hoy os invitamos a descubrir.


El grupo era originario de Lubbock, Texas, y se cree que se formó en 1976. Su formación la integraban Richard Rico (bajo), Donnie Allison (voz), Morris Payne (batería) y Darren Welch (guitarra). Comenzaron llamandose Live Wire, posteriormente Axxe y por fin Impeccable. En 1978 graban su primer sencillo en la sala de estar de su productor y amigo Rusty Zavitson. Realizaron una gira de promoción por Texas, México y Oklahoma. En el 79 realizan diversas actuaciones en un club de Lubbock, The Rox, propiedad de Carlo Campanelli, quien graba los shows y les propone publicarlos. Prensaron unas 1.000 copias que tuvieron una distribución meramente local.


La grabación nos traslada a 1979, en concreto al 24 y 25 de Agosto en Lubbock, Texas. No está muy claro si se grabó de la mesa de mezclas o de la retransmisión que hizo una radio local. En cualquier caso es el único legado que nos dejó esta banda.. Su música es un cúmulo de buenas vibraciones hard rockeras. Por una parte tenemos a su cantante Donnie Allison que bien podría ser un alumno aventajado de Geddy Lee. Donnie Allison, el guitarrista, es un cruce explosivo entre Van Halen y Rik Emmett con algún ritmo a lo K.K. Downing. En cuanto a la sección rítmica, Morris Payne y Richard Rico, cumplen perfectamente su papel.  Siete temas de los cuales seis son propios y  una versión que hacen del Johnny B. Goode. Se hace corto, muy corto. Puro hard rock en estado salvaje.
J.C.Miñana



Temas
01. Call of the Wild
02. Traces of Time
03. Seashore
04. Lizzy
05. Live Wire
06. No Other Way
07. Johnny B. Goode




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