Lord Of The Rings, la grabación instrumental pergeñada por el sueco Bo Hansson, salió al mercado en 1972 –dos años antes ya había aparecido en Suecia como Sagan Om Ringen, luciendo un diseño de portada diferente– cual materialización musical de la obra de igual título que había revolucionado el campo de la literatura de fantasía y aventuras. Aquel mundo de magia y seres extraños e inquietantes, con una inspiración a medio camino entre la Edad Media y las leyendas de diversos folclores a lo largo del planeta, espacio en el que bien y el mal están totalmente diferenciados, reportaría a su autor J.R.R. Tolkien la mayor de las famas.
La seudo banda sonora, por decirlo de alguna manera, que plantea Hansson tiene bastantes concomitancias con la escena germana experimental. “Leaving Shire” atmosférica y un tanto tribal, en la línea de los Popol Vuh más calmados y evocadores de imágenes, es la apertura del LP y la que subraya el hecho de que Bo no se sitúa a muchos metros de Florian Fricke o Joachim Heinz Ehrig. “The Old Forest / Tom Bombadil” no pierde el tempo pausado pero se ve complementada por unos teclados alla Keith Emerson en su originalidad, que no en rimbombancia. Y eso es algo que debe quedar claro, debido a que en Hansson prima el hecho de poner tierra de por medio entre los estilos de aquél o de Rick Wakeman con respecto al suyo cual solista. “The Black Riders / Flight To The Ford” y “Shadowfax” contienen algo de fusión y arreglos con lazos atados a diferentes formas de entender el folclore tradicionalista del Norte y Europa Central. Algo así como lo que dibujaba con sus arreglos musicales Eroc en el LP Eroc 4.
“At The House Of Elrond / The Ring Goes South” casaría con los Genesis de vena introspectiva y muy meditada de sus primeros cuatro discos, pasando de los aires psicodélicos a los progresivos, mientras “The Grey Havens” podría ser una reinvención de aquel “Albatross” de los Fleetwood Mac en etapa blues, aunque con un teclado juguetón. Todo ello hace que este disco choque con uno de sus trabajos futuros igualmente basado en una creación literaria: Music Inspired By Watership Down. Y es que, aunque para rellenar pentagramas teniendo en mente el Wathership Down de Richard Adams asentó unos cimientos similares, el grueso de la obra de 1977 es más complejo y florido en ideas; más progresiva, si se quiere ver así.
Escrita en tres volúmenes, El Señor De Los Anillos partió del cerebro del escritor John Ronald Reuel Tolkien como la recreación de un mundo de fantasía sin parangón en la literatura del género. Para ello creo un mapa desde cero, colmándolo de habitantes de toda índole. Con sus versiones para la gran pantalla, llevadas a cabo por el director neozelandés Peter Jackson, es difícil que aún quede alguien sin conocer –o que al menos le suenen– los nombres de Aragorn, Frodo, Gandalf o Gollum. Sin embargo, tal vez sea más esclarecedor destacar el fondo de la obra, núcleo de trabajo que sirvió a Tolkien para rebuscar en sus pasiones por la mitología, la filosofía y ciertos aspectos de la religión. De igual manera se asegura que le cautivó, al igual que al compositor Richard Wagner, la saga Völsunga, uno de los textos finlandeses que más a impactado en todo tipo de creadores dentro del género fantástico y que data del siglo XIII. De allí salió El Anillo Del Nibelungo al igual que seguramente una marcada influencia que cautivaría a John Ronald Reuel –aunque él siempre lo ha negado–. Sí parece que se confirma la fuerza que ejercen en la imaginación de Tolkien las narraciones que hablan de Beowulf o Macbeth.
Y todo ello lo tuvo muy en cuenta Bo Hansson a la hora de enfrentarse a tan impresionante reto –que sería escrutado con lupa por los seguidores de la saca de los anillos–, deseando por tanto ir más allá de la historia llegando al mismo corazón de sus personajes o tramas. Aun así, el instrumentista no salía de la nada. Guitarrista y, ante todo, virtuoso teclista, Bo montó un dueto de lo más revolucionario con el baterista Janne Karlsson. Era la segunda mitad de los 60 y su calidad como apuesta artística les sitúa en posición de telonero para la formación británica Cream. Ellos bebían de esa original psicodelia, sin hacerle ascos a lo que grababa el trío The Jimi Hendrix Experience.
Tras Lord Of The Rings seduciría a su audiencia gracias a The Magician’s Hat, más jazzy y con unas guitarras que tomaban un nuevo sentido en cuanto a hegemonía de notas o arreglos se refiere, al igual que a Mellanväsen (Attic Thoughts); el segundo de los citados, extraña edición que los suecos escucharían en el 73 pero que el resto de los compradores no pudieron adquirir hasta dos años después. Y así continuó, ya fuese aceptando retos paridos desde su cacumen como desarrollando música inspirada en novelas o libros –Music Inspired By Watership Down–.
La historia, a poco que se profundiza en ella, nos demuestra que los tópicos son sólo éso. Y que cualquier realidad es bastante más distinta a como nos la cuentan, cuando se explora seriamente.
En el caso de Australia, nos vendieron la moto de un país lleno de duros rockers, una especie de "southern rock de segunda", por su climatología y sociedad. Pero por aquí ya han pasado refinados sintetistas del más alto nivel técnico e intelectual. Y de nuevo lo corroboramos con éste dúo llamado Peak. Formado por Paul Fisher (guitarras eléctricas, acústicas y sintetizadas, sintetizadores y electronics), y Robert Reekes-Parsons (sintetizadores, vocoder, strings, piano eléctrico, tubular bells, guitarra y efectos vocales). Como invitado tenían al batería John Haffert, además de otros al bajo y variadas percusiones.
El independiente sello Cement editó éste "Ebondazzar" en 1980. Pero no será hasta su reedición internacional por IC (Innovative Communication, sello de Klaus Schulze), cuando sean mayormente descubiertos en 1983. Garantía de calidad y denominación de origen. Y eso es lo que nos vamos a encontrar al pinchar "Encounter" (7'38), como tema inicial de lo que parece a todas luces una cara conceptual. Tras un murmullo de voces urbanas, unos rockeros mimbres casi nos suenan al pseudo-hard rock con que nos golpeaba la testa Mike Oldfield para despertarnos de alguno de sus garbeos pastorales. O Steve Hillage y su época "Motivation Radio" / "Green". Acto seguido entran froesianos sintes que ponen las cosas en su sitio con belleza sinfónica reflejada, acompañados de hábiles pinceladas de batería, y un chubascoso cierre que enlaza con "Nightmist" (6'22). Vocoder y sintetizador en berlinés ADN, ahora sí, nos trae a Tangerine Dream de la segunda mitad de los 70, como inspiración más clara y nada escondida. La melodía es sencilla pero efectiva, y en equipo secuencial, esto atrapa a un seguidor del Berlín School sound a la primera de cambio. De nuevo sin silencios, "Abyss" (3'27) nos retrata un siniestro paisaje sideral nada seguro, lleno de peligros al acecho y en constante alerta. Cinemática precisión descriptiva que funciona, en su siniestro discurso. Con una oración ritual extraterrestre, entra "Ocean of Dreams" (5'33) con intro de tubular bells (las campanas, no la música de "El Exorcista"), y en formato banda sonora de cine fantástico. Ahora es Vangelis la clara musa de Peak, acompañados por fastuosa sección rítmica en progresión sinfónica.
En la segunda mitad, un chapoteo de aguas nos avisa de que "Penguin" (4'38) quiere llevarnos a un paraje antártico en helados horizontes de gloriosa síntesis. Inevitable su comparación con Jean-Michel Jarre, en el corte más "para todos públicos" del disco. No por ello desechable ni dicho en tono peyorativo. "Along for the Ride" (9'15) entra con una guitarra a la Achim Reichel / Michael Rother, mientras un serpenteante sólo de sinte planea como un drone orgánico en busca de parajes más cálidos y amables. El sabor es netamente teutónico, en una mezcla entre un instrumental de Eloy y los TD más guitarrero-planantes. Nuevamente Edgar Froese se adueña del espíritu del tema, con sus mismas cualidades balsámico - curativas. El paseo cósmico secuencial está servido, y Peak lo dirige con la pericia de synthonautas diplomados. Uno de ésos grandes momentos, en mi opinión. Otra situación Oldfield es "The Hunt" (4'20), mandada por guitarra y batería. Base rock que sustenta un sentimiento muy era - "Crises".
"Snails Pace" (3'34), de acústico colchón, lleva electrónica de sonoridad cuasi azteca, no alejada de Popol Vuh y su eterna mística. Ya terminando, "Agent's Lunch" (2'25) ofrece un tono positivo y alejado de inquietudes, con rockeros mimbres y guitarra dominante que recuerda otra vez a Oldfield, (aunque podemos mencionar a Jean-Pascal Boffo, Janos Varga o Minimum Vital / Vital Duo).
Se diría que la electrónica lírica de Peak estaba entre sus simpatías por el sympho-rock, y la escuela de Berlín más ortodoxa. Lo que hacía de "Ebondazzar" una obra reconfortante y agradable, sin llegar a epítetos más grandilocuentes, pero siempre hospitalaria para cualquier estado anímico. Y eso es una virtud. No tengo constancia de más discos de Peak. Pero sí que estaría bien que se reeditasen en vinilo todo el catálogo de IC, para degustar éste tipo de excelente material. Y ése sello editó unos cuantos.
Seguimos repasando la vida y milagros de Tommy Bolin. Esta vez nos centraremos en su etapa con Energy. En concreto analizaremos las grabaciones que realizaron en 1972 y que no fueron editadas hasta 1999 por Tommy Bolin Archives, Inc.
A principios de 1971 Tommy Bolin estaba pensando dejar Zephyr. Su última actuación con la banda fue el 5 de marzo en el Centro Cívico de Santan Mónica. Tommy y el batería Bobby Berge junto a Jeremy Steig (flauta) y Kenny Passerlli (bajo) formarían una banda instrumental de corte jazz rock. Posteriormente Bolin reforma la banda con Tom Stephenson en los teclados, Stanley Sheldon en el bajo y Bobby Berge en la batería, y decide llamarla Energy. A los pocos meses entraría el vocalista Gary Wilson que más adelante sería reemplazado por Jeff Cook. Durante algún tiempo abrieron conciertos para John Lee Hooker, Sugarcane Harris,Chuck Berry y Albert King. Durante 1972 entraron en diversas ocasiones al estudio pero ninguno de los temas que grabaron fueron publicados como LP. En 1973 Max Gronenthal (teclados) sustituye a Tom Stephenson para unirse a la banda de Joe Walsh. Ese mismo año el grupo se disolvería y Tommy Bolin entraría a formar parte de James Gang.
Este disco contiene grabaciones realizadas por Energy en 1972. En concreto tenemos tres temas con su primer vocalista Gary Wilson grabados en Jackson Sound en Denver y seis más con su segundo cantante, Jeff Cook, en Western Cine Studios. El "tracklist" se completa con "Naked Edge", tema que se utilizó en la banda sonora de la película "Break On Through". La grabación se inicia con "Red Skies" que posteriormente se editaría en el disco de James Gang, "Miami" (1974). Sin duda uno de los mejores temas de esta recopilación con Tommy Bolin demostrando todo su arte. Algo más de ocho minutos de buen rock con fusión de estilos. En "Hearlight" tenemos sonoridades netamente hard rock con Jeff Cook como vocalista. " Hok-O-Hey " es un instrumental mezcla de jazz rock con toques sureños. "Got No Time For Trouble " podría entrar en los primeros discos de Whitesnake como balada a lo Coverdale. Este tema lo incluyó Bolin en el LP de James Gang, "Bang" (1973). En "Limits" canta el teclista Tom Stephenson. Baladita con solo característico de Bolin . "Eyes Of Blue " es un buen rock al estilo Bad Company con "slide guitar". Sinceramente me gusta más la versión de "Dreamer" del "Teaser" (1975) con Bolin cantando. Una nueva balada llega con "Miss Christmas". "Naked Edge" es el tema más largo (14 minutos) y el más experimental con ambiente de jam. Finalizamos con "Sky Sail " mano a mano el piano de Tom Stephenson y la guitarra de Tommy Bolin. Recomendado para los seguidores del genial guitarrista. J.C.Miñana
Desde Jaén llegan Electric Belt, con su último trabajo, "Never Seen The Devil", publicado en marzo . Nos pusimos en contacto con su vocalista, Javyer, para conocerlos con mayor profundidad.
Rockliquias.- ¿Por qué ELECTRIC BELT?
Javyer:No recuerdo bien cuando, pero una vez leí que el grupo Clutch, antes de llamarse así, tenían Belt como opción de nombre, me gustó la sonoridad y el homenaje, pero algo faltaba, así que utilice el fácil y siempre socorrido recurso de poner “Electric” delante. Electric Belt sonaba bien, aún no era la opción definitiva, pero miré en internet para ver si existía algún grupo con dicho nombre y me encontré con el artilugio del cinturón eléctrico, un chisme del siglo XIX que decía curar la impotencia soltando descargas en los testículos del macho afligido, un artefacto inútil a baterías, algo que emite descargas eléctricas y no sirve para nada más que jugar con la fe y la ilusión del que lo compra… Tuve que decirles al resto que ya teníamos nombre.
Rockliquias.- ¿Quiénes son ELECTRIC BELT?
Javyer:El grupo lo formamos cuatro amigos y músicos de la escena local jiennense. Creo que nos tiramos cerca de dos años sólo yendo al local a ensayar, sin conciertos, grabaciones ni más pretensiones que pasar un rato tocando y bebiendo unos litros. Eramos Sebastián Baustista a la guitarra (Xkrude, El gran oso blanco…), Vicente Pérez al bajo (Xkrude), Miguel Ortega a la batería (Santo Rostro, Cabeza de Caballo) y un servidor escupiendo, maldiciendo y recitando versos de amor, también milito en Cabeza de Caballo. El pasado año Vicente se bajó del barco y entró como reemplazo el gran Pablo García (Dirty Dogs) y si fue una pena decir adiós a uno, la bienvenida del otro dejó el marcador a cero.
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?
Javyer:Difícil respuesta, habría que preguntar a cada uno, todo lo que uno escucha y ve te influencia en cierta manera a la hora de llevar a cabo una actividad artística. Imagino que cuanta más música se digiere, mayor capacidad se tiene para sacar las influencias o ver similitudes en el sonido de una banda, cada cual dirá. No hay en el grupo unas influencias claras o algún grupo de referencia a la hora de componer.
Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música?
Javyer:No la definiría la verdad, creo que es algo que debe hacer el oyente, si es que quiere. Para mí la música es un vehículo sobre el que canalizar mis inquietudes, sentimientos y mierdas personales, no soy una persona muy leída para saber cómo definir eso con bonitas palabras.
Rockliquias.-¿Cómo ha evolucionado vuestra música desde vuestro anterior trabajo, "El Blues de los pollos sin cabeza" (2014)?
Javyer:En cuanto a estilo no creo que haya evolucionado mucho, quizá este nuevo disco esté mejor pensado, mejor planeado y sinceramente creo que mejor ejecutado a todos los niveles. Para el “Blues de los pollos” teníamos muchos temas con mucho tiempo de diferencia entre sí, primeras composiciones de la banda frente a las más recientes en la época, aunque el disco quedó compacto, esto se nota. Para este fuimos con las ideas más claras (tampoco te creas que mucho, somos medio idiotas), menos temas y compuestos todos en un periodo de tiempo menor para dar más sensación de empaque.
Rockliquias.- En Marzo de 2019 editáis vuestro tercer disco , "Never seen the devil" ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación?
Javyer:La música se grabó en riguroso directo durante un fin de semana de Octubre de 2017 si la memoria no me falla, en los estudios de La Mina en Sevilla, bajo los mandos y el buen hacer del gran Raúl Pérez. Las voces se fueron grabando en tardes y días sueltos a lo largo de la primavera de 2018 en los estudios Magic Hole (estudio de Miguel, nuestro batería). Finalmente todo fue mezclado y masterizado por el propio Raúl en la Mina, en el otoño de ese mismo año. Para un grupo de proletarios de mierda como nosotros el hecho de poder grabar música ya es una anécdota en sí misma, si a eso sumas ingentes cantidades de cerveza artesana, las anécdotas se multiplican cual gremlin en un hotel de esos de todo incluido con piscinas, jacuzzis y comida 24h.
Desde aquí agradecer el interés y la apuesta por el grupo y el disco a todos los sellos implicados en la coedición: Spinda Records, Discos Macarras, Zona Rock Producciones, Odio Sonoro, Violence in the Veins y Fuzz Shirts.
Rockliquias.- ¿Qué significado tiene para vosotros el título del disco, "Never seen the devil"?
Javyer:Muchos años en esto del rock y el metal y sólo me he encontrado a gente maravillosa, nada maligno ni oscuro, más que algún que otro antro y/o agujero con deficiencias en el equipo de luces y/o ausencia del mismo y algún que otro gilipollas, pero nada más. El mal es un invento del poder, el mal no existe, no es algo externo, el mal eres tú mismo.
Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?
Javyer:Es obra del pintor jienense Tomás Fernández. Tomás es un clásico de nuestra ciudad, queríamos a alguien de aquí, conocíamos su trabajo y queríamos ese toque colorido y onírico, nos tomamos un café, copa y cigarro (-> muñeco de barro) con él, estuvo encantado y muy receptivo, le dimos un par de pautas e ideas y el hizo el resto. Totalmente encantados con su trabajo y el resultado.
Rockliquias.- El disco se inicia con "Tavern sinners lament", guitarra slide, blues, buenos riffs, todo un alegato a los 70. Me recuerda mucho a Eric Sardinas. ¿Qué podemos encontrar de los 70 en vuestra música?
Javyer:A Sebas le encantará esa mención a Sardinas, yo por ejemplo soy más de sardinas en tomate de lata. Imagino que de los setenta tenemos el gusto por las improvisaciones tanto a la hora de componer como de tocar en directo y ese sentimiento de dejar que la música fluya, sin pensar en etiquetas, estilos, ni demás barreras que encorseten la actividad creativa. Al menos eso nos gusta pensar.
Rockliquias.- Seguimos con "Werewoolf woman", sonidos hard rock con mucho rock'n'roll.
Javyer:Es el tema que sale más de la tónica del álbum, o al menos eso creo. Para la letra traté en un principio de hacer algún alegato feminista, pero como he dicho antes no soy una persona muy leída así que no me veía con capacidad para hacer algo que quedará bien, por lo que opté por darle un toque de peli de serie B con una segunda lectura incrustada para el que la quiera encontrar. Nosotros si te creemos hermana, la manada somos nosotros y no esa panda de desgraciados hijos de una puta mierda.
Rockliquias.- "The liar goes to church", riff a lo Black Sabbath mezclado con esencias funky. ¿Cómo estructuráis vuestro trabajo a la hora de componer?
Javyer:Alguien llega al local con un riff o una melodía, normalmente Sebas, y el resto de la banda va componiendo alrededor de ello y dando forma a la idea, de lo que salga me lo pasan y hasta el último día antes de grabar no le saco una letra. Poco te puedo decir yo como se estructura la música a la hora de componer la verdad, ya que no vivo en Jaén y creo que en los últimos cuatro años habré ido a ensayar tres veces.
Rockliquias.- "Hacia la cueva de los muñecos ", instrumental con sonido relajante entre lo Zen y lo psicodélico. ¿Cómo surgió esta composición?
Javyer:Grabamos en cinta analógica, esta tiene un metraje concreto, el técnico dice: “chicos quedan X minutos de cinta por rellenar”, a lo cual mis compañeros no pueden resistirse a hacer una bonita jam para rellenar esos vacíos y solitarios centímetros de camino magnético. Yo me quedo echando una birra y viendo como matan al torero desde la barrera, es su momento, angélicos, ya queda menos para el lunes.
Rockliquias.- Llegamos al tema más largo de la grabación ", Never seen the devil" (12:41). una primera parte con riffs hendrixianos y poderosa sección rítmica que se transforma en una jam a imagen y semejanza de los primeros discos de UFO.
Javyer:Nunca hemos pensado en UFO como una influencia para la banda, ni como grupo a tener en cuenta, pero joder, me gusta y me honra la comparación, me encanta toda su etapa de los setenta, banda bastante infravalorada de no ser por la posterior fama de Schenker o la famosa intro de Maiden en sus directos. Sobre el tema no sé qué decir, el tema homónimo del disco, define bien el espíritu de la banda. Me voy a poner el Phenomenom coño.
Rockliquias.- El disco se cierra con "Tired and bored", como cerrando el círculo volvemos a los sonidos de "slide guitar bluseros". ¿Cómo van los conciertos de presentación? ¿Nos podéis confirmar fechas?
Javyer: Era un poco la idea para dar esa sensación de cierre circular.
Hemos hecho una pequeña primera tanda de conciertos y la verdad que han ido bastante bien, lo hemos pasado bien que es de lo que se trata aquí. Hasta el año que viene en principio no creo que volvamos a salir de excursión.
Rockliquias.- Recientemente habéis editado "The Bottleneck Sessions" ¿Nos podéis comentar algo sobre esta grabación y cuáles son vuestros planes de futuro?
Javyer:Esos tres temas fueron grabados junto al resto que forman “Never seen the devil”, pero por temas estilísticos, se salen un poco del tono más rockero del disco, y por temas de metraje de cara a la edición en vinilo se quedaron fuera. Nos gustaba la idea de mostrarlos y que no quedarán relegados a un cajón oscuro, así que llamamos a nuestro buen amigo Jesús, el reverendo killer blues, mejor armónica de Jaén y peor persona, para que hiciera algo de magia con ellos y los maquillara un poco, objetivo conseguido et voilá, mierda gratis para internet pues no hay intención de sacarlo en formato físico, nadie es tan atrevido, ni tan estúpido de proponerlo (a lo mejor Berto de Spinda se anima a sacarlo en cassette…).
Hay en la recámara otro descarte de la grabación que quizá vea la luz en breve también. Sobre planes no solemos hacerlos la verdad, ya se sabe, los planes los carga el diablo y luego hay que cumplirlos, tampoco nos da la cabeza y la vida para planificar mucho.
Rockliquias.- ¿Cómo está el panorama musical en Jaén?
Javyer:Una ciudad pequeña con una falta clara de espacios para el fomento y disfrute de este tipo de música, además de una falta de público que sustente una escena local y demasiadas bandas de versiones y demás espectáculos vacíos de espíritu. Hace falta mucho trabajo por hacer, pero hay gente que de verdad lo está intentando, últimamente parece que la cosa va mejorando algo con la apertura de nuevos locales y otros ya conocidos apostando por la música en directo, la cual ha estado muy jodida por temas de legislación en los últimos años, esperemos que todo llegue a buen puerto, la cosa se formalice y puedan crearse unos buenos cimientos para una escena local fuerte con un potente circuito de salas y espacios para las artes escénicas, no tengo muchas esperanzas la verdad, pero se está aquí para disfrutar y trabajar hacia la utopía, además que soy un imbécil y mi opinión no vale dos duros. Bandas hay en la ciudad y de gran calidad y proyección, no nombraré a ninguna por si algún miembro lee esto y se enfada, por ejemplo si no menciono a Emilio Ambolias alguien de Santa Rosa podría cabrearse.
Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?
Javyer: Nunca le diría a nadie que comprara nada, es mi arma infalible para acabar con el capitalismo uha!… Sólo decir que aquí van a encontrar rock crudo, sucio, honesto e íntegro, que pasen por internet, escuchen y luego que hagan lo que quieran, pero sobretodo quiéranse, empaticen entre clases obreras, guardad vuestro odio para los jodidos fachas y los asquerosos neoliberales.
Tercer veneno de estos bolcheviques sonoros terroristas que no quieren que duermas bien ni sueñes con los angelitos rollizos con flechas del amor. Como mucho serán demonios que lancen fuego por el culo y ácido por la boca. Aunque quizás esté exagerando un poco y aquí la propuesta sonora, aunque parezca salida de los libros de H.P. Lovecraft no sea tan brutal como en los dos anteriores.
La música está más centrada, más ordenada si puede decirse, pero como siempre completamente abstracta y muy disonante. Cuatro monstruosas ¿piezas-composiciones? ocupan los 72 mtos. En la primera de casi 20 mtos podrían ser los Crimson de los projeckts más extremos y violentos con voces agonizantes que casi invocan al indio tolteka Don Juan de los libros de Castaneda mientras transcurren abismos de pesadilla. Música terrorífica y fascinante a partes iguales. Atemporal entre lo milenario y lo futurista y sin ninguna referencia a la que agarrarte. A pesar de lo caótico está tremendamente bien tocada y sumamente técnica porque si estás atento los detalles y el nivel alto de los cuatro músicos no pasa desapercibido.
En el segundo tramo nos vamos a los 22 mtos de invocaciones al más allá entre campanas tibetanas tambores de piel y a un brujo chamán pasado de rosca y de peyote. La instrumentación es similar a la anterior. El sonido del teclado a ratos me recuerda a Kerry Minnear de los gigantes gentiles pero sin su gentileza. El indio se pone muy pesado haciendo precisamente el indio que le encanta, entre percusiones de todo tipo hasta que un bloque monolítico de teclado le va diciendo que se calle porque va como un peñista borracho en fiestas patronales dando el coñazo. Los siguientes mtos es desesperación pura con una guitarra desangrándose sin piedad. Lo que escuchas es inclasificable y acojonaría al mismísimo Fripp y sus idas de cabeza, solo que estos rusos sacan mucho más provecho al material sonoro y no aburren a los culebrones como el gafitas británico con sus monocordes soundscapes y flatulencias frippertrónicas. Los Kalutalik estos te enseñan los apartamentos del infierno por si quieres comprar uno y decides invitar de a los monstruos siderales del Lovecraft y hacer una fiesta necrófaga. La conversación final de escalas enloquecidas entre la guitarra y el teclado te saca de quicio, pero eso es lo que quieren que pierdas la paciencia y te acuerdes de su familia.
El siguiente castigo divino se va otra vez a los 21 mtos y empieza como una sorna sonora de humor negro. Un desfile de espectros y vapores de ultratumba y el brujo ya con una mierda de opio insufrible. Tose y se queja mientras de paso le sacude al vodka sin piedad. La madre que lo parió al fulano. Ya no hay misericordia para el oyente que solo disfrutará de esto si va hasta el culo de todo y ya ha evacuado intestinalmente todo el empacho sonoro anterior. Tremendos lamentos wah wah de guitarra que a mitad muere entre estertores de dolor metafísico hasta que una flauta étnica entona el canto fúnebre entre los fuegos fatuos del bosque nocturno. Aquí casi hay recuerdo a los kraut alemanes primigenios. La estridencia, aunque controlada es una cuchilla de afeitar hasta que los mejores momentos “los más musicales” aparecen hacia el final de tema. A pesar de que esto os lo redacte de forma algo jocosa, la verdad es que son unos tipos fantásticos haciendo una música desafiante y completamente liberada de estereotipos.
La última pieza la más corta dura incluso 9 mtos en un nervioso ejercicio que resume bien todo lo anteriormente expuesto. Escalas imposibles, disonancias por doquier, ritmos caprichosos, enfermos del psiquiátrico dándose cabezazos entre risas y trances. Me parece ver a Jack Nicholson y su perversa sonrisa en la puerta astillada del Hotel Overlook mientras es sodomizado por todos los simpáticos fantasmas. Termina el disco y solo quieres un tranquilizante y dormir con la cabeza tapada.
Si con su primer trabajo tuvimos un contacto y una oportunidad de adentrarnos con una nueva forma de hacer música. Estos “bebés de ojos brillantes” es una clara progresión en esos nuevos planteamientos de dar la vuelta a diferentes estilos.
No hay barreras ni prejuicios entre mezclar una balada pop y adornarla de experimentalismo. Músicos altamente calificados y valientes a la hora de proponer una cosa distinta, original y de calidad. No es nada fácil esto hoy día y lo todos lo sabemos y más cuando vemos el vertedero en el que se ha convertido la industria y el mainstream musical. Que aparezcan propuestas como esta es casi un milagro de la ciencia. En los tiempos que vivimos y para los que somos veteranos en estas lides sonoras es muy fácil caer en el hartazgo. Entras en los blogs y la proliferación de músicos y bandas es una pesadilla. Crecen como setas. Comprar instrumentos y material para hacer música es bastante más asequible hoy si lo comparamos con los precios de hace algunas décadas. Montar un grupo de mí generación y que sonase decente podía suponer la ruina si no eras un hijo de papá. Una guitarra eléctrica decente, un bajo, un teclado y una batería suponían un capricho caro. Un lujo en toda regla. No digo que los instrumentos de hoy sean baratos, que no lo son, salvo que busques material de segunda mano low cost. Sin embargo el mercado es mucho más amplio. Las marcas asiáticas de instrumentos musicales ofrecen una enorme oferta de posibilidades y a buen precio encuentras cosas resultonas. Lo grave es la crisis en la que lleva metida ya hace años la música de calidad. Sobre todo el jazz y la música clásica. Los genios se murieron. Los grandes compositores también. Es muy probable que de aquí a unas pocas décadas la música clásica por ejemplo desaparezca. No es nada descabellado por mi parte porque lo he ido observando año tras año. Los melómanos ya podéis ir conservando, cajas discos y CD´s de vuestra música favorita porque acabarán cargándose todo lo que una vez fue cultura y humanismo.
La escucha del segundo disco de Bent Knee es una exquisita experiencia que juega con límites y aristas musicales inesperadas, referencias estilísticas de mil formas sonoras diferentes incluso repelentes entre sí. Una visión a través de la música del mundo decadente y demenciado en que vivimos. Un espejo inteligente de ese mundo esquizofrénico que ya anticipó la ficción literaria o esas músicas anticipadas a su tiempo. No va a gustar al que tenga una visión conservadora de la música si no ha desarrollado una apertura de miras. Pero también son radicalmente distintos a la mayoría de los de su generación que bien optan por el ruido y la anarquía o lo simple y aburrido. Bent Knee no te van a aburrir te lo aseguro. Juegan con toda la baraja de sentimientos desde el lirismo maravilloso hasta la fuerza y energía bizarra sin límites. Todo perfectamente estudiado. Sin dilatación de esfínter caótica ni apretones diarreicos de incontinencia sonora post, indie, hiparra, stoner o metalera. Olvídate de etiquetas. Estos norteamericanos no las necesitan. Están de vuelta y han estudiado en el mejor colegio de música del mundo en la actualidad.
Al quinteto se une una pequeña orquesta de cámara de 13 músicos. Cada minuto de música de los 62 del álbum está perfectamente diseñado, compuesto y ejecutado. Jóvenes sobradamente preparados y un apetitoso programa que degustar.
Qué puede hacer una banda que ha dedicado su actividad a homenajear al loco maravilloso Frank Zappa? Que viven y respiran su música por todos los poros de sus instrumentos? Pues crear la suya propia, pero continuando el homenaje y la admiración eternas.
Es el caso de los belgas Captain Cheesebeard y su multiformación de diez miembros. Sección rítmica, percusionista vibrafonista, dos teclistas, cantante femenina y sección de viento con saxo, trombón y trompeta. Todos comandados por su líder Johan De Coninck (guitarras, voz). Desde Bruselas "a Montana", se marcan en 2015 el debut "Symphony for Autohorns". Un espléndido ejercicio de estilo zappero elaborado con amor (de Mother) y pasión hacia el maestro.
Comienza la fiesta con un acertado consejo moral, "Avoid the Humanoid" (5'49), en una engañosa línea space rock - spoken word a la Gong, que pronto nos lleva a los límites de "Apostrophe" o "One Size Fits All". La voz masculina recuerda al genio del mostacho, insertando sus líneas clavadamente igual. Aquí hay muchas horas estudiando a Las Madres del Invento. A pesar de su evidencia, los citados Gong también me parecen una influencia. Es un temazo que no hubiera desentonado en un disco clásico de Zappa.
"Righeousness and Wieners" (5'01) es como un tema de Whitesnake, pero pasado por la trituradora estilística, y vuelve a estar más cerca de los "Camarillos Brillos", que del hard blues de Coverdale. Los vientos están estupendos, el Hammond "progresiviza lo ya progresado", y asistimos a otra regresión al estudio donde se grabó "Over-nite Sensation".
Un honesto homenaje a "Inca Roads" parece "Symphony for Autohorns" (9'05), con tremenda guitarra "whawhera" y toda la banda irradiando clase. No falta en su sonido marimbas y demás derivados percusivos, como si Ruth Underwood se hubiera colado en la sesión. El piano eléctrico emula a George Duke, demostrando que Captain Cheesebeard están altamente cualificados para abordar cualquier estilo. Aquí hay un fuerte componente jazz rock, de total base instrumental y finura desmedida en las seis cuerdas.
"Tash and a Guitar" (5'58) nos devuelve a los más blues-soul, con el mismo cachondeo virtuoso del fumador socarrón añorado. Lleva el sello de aquellos temas en que invitaba a Johnny Guitar Watson. Mientras que "Coma Aroma" (6'24) es del estilo dub sarcástico que inspirara un "The Torture Never Stops". Con voz femenina, órgano y Rhodes ambientando la parodia, mientras rompen la paz el vibrafono + vientos, con el asumido estilo absoluto del maestro. Esto no sólo es muy bueno, es eufórico, entusiasmante, para regodearse en un pasado glorioso sin nostalgias. Creando nueva-vieja música desde sus mismos parámetros y enseñanzas. Una gozada.
Otro desmadre es "The Hunt for the Black October" (4'42), que no sé si irá de submarinos, pero el "feel Dirty Love" no se lo quita nadie. La guitarra sigue explotando en climax de notas bien ordenadas. Que esto se esté haciendo hoy día, habla claramente sobre la valía de Frank Zappa y su contribución a la nueva "música clásica". Sigue el friki-cachondeo en "March of the Fat Vegan Legion" (8'52)......Acaso crees que hubiera dejado en paz a ésa plaga de pequeños dictadores gastronómicos el tío Frankie? Naaaaa. De hecho se lo estaría pasando dpm con todo el panorama mundial lleno de tontería y tontos gobernando. El mundo se ha convertido en un inmenso parque temático de la estupidez. Y Zappa estaría ahora como gorrino en barrizal, (acertada comparación). Menos mal que tenemos al Capitán Barbaqueso......
Finalmente "Bureaucratic Lullaby" (5'14), con una susurrante voz femenina a la Gilly Smith, vuelve a traerme a Gong a la mente. En un atmosférico pero corrosivo tema, que llamándose " la nana burocrática ", ya imaginas a qué sector va dirigido....En definitiva, un sensacional disco que recomiendo de todo corazón, y que parece que al fin va a tener descendencia en un EP, "Deadwood", recién editado.
Lo que le hace falta a Dweezil Zappa para su aceptación total por la parroquia de su padre, lo han hecho unos colgaos en Bélgica. Hacer material propio de alto nivel y lo suficientemente convincente, como para obtener el visto bueno del propio Frank. Hasta a él le gustaría, qué diablos!.....
Hoy damos la bienvenida a un nuevo redactor a la familia de Rockliquias. Se trata de Sergio Guillén Barrantes, periodista, técnico de marketing y escritor, con un currículum impresionante que os invito a descubrir en sguillenbarrantes.wordpress.com. Sin más preámbulo aquí tenéis su primera aportación.
Graham Bond pasó de estrella británica ejecutando blues árido y rhythm and blues retumbante a extraño artista hambriento de drogas y totalmente hundido en el mundo del ocultismo. Holy Magick pertenece a esta segunda etapa, lejana entonces de esos Blues Incorporated de Alexis Korner o la Graham Bond Organization en la que dio cobijo a Jack Bruce y Ginger Baker (futuras luminarias trabajando cual Cream con el ex The Yardbirds Eric Clapton). Su esposa Dianne Stewart y el propio Bond quedaron engatusados por el universo de la magia, siendo primordial en sus existencias poder llevarlo a un LP con todo el sentido misterioso que merece. Así nace este trabajo, y más en concreto el hechizo llamado a flanquear las puertas de su nuevo reino, una invocación a la magia blanca más allá de las leyendas druidas o de sueños celtas.
Bond asegura que la grabación es la guía para los verdaderos buscadores de la luz, aunque el tenebrismo instrumental con el que se abre la pieza inicial de veinte minutos, y dividida en catorce partes, sobrecoge al oyente perturbando sus pensamientos. Los cánticos, los platos vibrantes de la batería, la entrada del órgano de Graham de forma frenética, apoyado por el saxo tenor de John Gross, es todo sobrenatural. Ácido en estética instrumental, profundamente psicodélico, aunque siempre pendiente de sus bases r&b de club oscuro y cargado de humo. En “Return Of Arthur” se muestra accesible, pero siempre con imágenes que no se escapan del concepto de la obra. “The Magician” inquieta sobremanera debido a los contrapuntos en vientos sobre un bucle en las teclas del líder que marea al oído inexperto.
A los que requieran de blues para poder conciliar el sueño, “The Judgement” les tranquilizará de insana manera, mientras que “My Archangel Mikael” es el nexo de unión con el inicio de la búsqueda del Santo Grial, aquella leyenda sobre la lucha cósmica del arcángel contra la figura de Lucifer. El 8 de mayo de 1974 Graham Bond segaría su propia vida arrojándose bajo las ruedas de un tren; por aquel entonces se creía hijo de Aleister Crowley, el famoso escritor ocultista británico que vivió a caballo de los siglos XIX y XX.
