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NATIVE WINDOW - Native Window (2009 / Inside Out)

 Después de la pequeña decepción que me ha supuesto "The Absence of Presence", - al menos si lo evaluamos como un disco de Kansas -, bueno será revisar el archivo y reencontrarnos con algo tan curioso como aquel casi anónimo,  Native Window, del 2009.



 En una época de silencio creativo que sospecho tuvo que ver con algún mal rollo entre la banda y Steve Walsh. Éste sorprendente disco-proyecto, era eso. Kansas sin su cantante. De hecho ahí continúan David Ragsdale (violín), Phil Ehart (batería), Richard Williams (guitarra) y Billy Greer  (bajo y voz). Y ya tenemos la aparición de Zak Rizvi co-mezclando el álbum junto al imprescindible Jeff Glixman. Producía  (o ponía la pasta....o los hipnotizó!), Steve Rawls. Un tipo que anda por créditos de composición,  guitarras acústicas,  voces y principal arreglista con la banda. Algo me dice que fue el artífice de ésta aventura. "Echamos unas buenas risas en ésta grabación. Nos hacía falta". Esa frase del libreto interior huele a confesión. 

Cinco miembros involucrados del actual septeto. Probable que éste nuevo capítulo comenzara aquí. Hasta que en 2016 fructificó con el magnífico "The Prelude Implicit". "Native Window" fue editado por lo bajini,  como una forma de que los fans no olvidaran que Kansas, seguía unido. Lo iniciaba "Money", un tema que firmaban cinco personas ajenas al grupo. Pero tiene la esencia, y es una gran canción.  Billy Greer es el cantante, con afinidad tonal hacia Steve Walsh, esto suena a Kansas "countryficado". Sin la pompa y el hard rock. El violín y los mimbres acústicos  lo llevan a la West Coast, tanto la soft rock, como a la hippie. Puedo imaginarme éste material perfectamente como un producto de su tiempo, en 1969. 

"Still (We Will Go On)" sigue "firmada por extraños", junto al capo Steve Rawls y la banda. Porqué tanta gente? Problemas para escribir? Imposición de Rawls? Crisis creativa? Puede que un poco de todo. Es otra buena canción de las que se hacen en Nashville cada día, y  que pasan de mano en mano hasta que encuentran un dueño. Puede que "Surrender" proceda de algún tejemaneje similar. Apenas teclados, salvo algún tímido órgano del invitado Sloan Hayes, y la misma agradable sensación  de material para las FM Country del sur de USA. Está grabado en los Real 2 Reel  de Atlanta, GA. La misma estrategia firmante para "The Way You Haunt Me", como en casi todo el disco. Recuerdas a Restless Heart? Pues por ahí. Orientado a perfectas canciones radiables, pero sin la complejidad inherente a Kansas. Y una producción dominada por lo acústico. "The Light of Day" tiene un subliminal aire a "Dust in The Wind", podría ser de James Taylor con tranquilidad. Preciosa.

La realidad de "Blood in the Water" es el southern rock más cercano a Lynyrd Skynyrd o Blackberry Smoke. La foto interior, con Phil Ehart en sudadera de "John Deere" y los dientes podridos postizos de Richard Williams (lo que le faltaba al hombre!), dejan claras las intenciones redneck de la banda. Pero si, esto es, por fin, algo parecido al hard de Kansas. "An Ocean Away" lleva firma de Billy Greer/ Mike Slamer y pertenece a otro spin-off, Seventh Key. Desde luego es AOR de manual, con original toque en arreglos y las inmaculadas voces acostumbradas. Sitúalo por las inmediaciones de "Power". "Miss Me" tambien lleva el sello Kansas 80s. De hecho junto a "Blood in the Water" son las únicas firmadas sólo por la banda (y el omnipresente Steve Rawls). Lo mismo puede decirse de la jovial "Got to Get Out of this Town". Donde comprobamos una parcial recuperación del Kansas sound desde mitad del disco hasta el final. 



Aunque cierran con "The Moment", volviendo al Country - AOR positivo que preside la filosofía de la obra. Native Window fue un intento de escape de los problemas internos generados en Kansas. No verás esa palabra en ninguna parte del libreto. Y les salió muy bien. Habrá que pedirles que vuelvan al tractor?........

J.J. IGLESIAS










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SAMSARA BLUES EXPERIMENT - End of Forever (2020 / Electric Magic)

 En el top del "stoner desarrollado", ése que no se conforma con el puto riff de Black Sabbath repetido ad nauseam, están los berlineses Samsara Blues Experiment. 



Desde el 2007 llevan funcionando, primero como trío,  luego cuarteto y de nuevo tres músicos  que abarcan heavy psych, raga music, hard blues y en los últimos envíos, cada vez más prog. Los teclados se han abierto paso en el estilo amplio de los alemanes, y no podía ser mejor noticia. La lástima es que con éste disco anuncian su separación inminente. Y uno piensa que los tiempos tan mierdosos en que nos han metido sólo pueden traer éste tipo de desastres culturales. Christian Peters (voz, guitarras y teclados), Thomas Vedder (batería y percusión) y Hans Eiselt (bajo, voces) suelen ser habituales en emblemáticos festivales del gremio como el Desertfest, Austin Psych o el Roadburn. Y con sus ya siete álbumes,  se han creado una más que sólida discografía y denso repertorio.

El comienzo de "Second Birth" (10'58) es una buena forma de resumir en pocas notas, el actual estado compositivo (y anímico) de SBE. Levitatorio bajo sobre fondo electrónico cosmic y cuerdas casi mellotronicas en trágico y lento avance hacia el abismo de la autodestrucción. Algo así como un "quememos todos los barcos, pero con elegancia". Eufórico cosmic-kraut retro que en un disco de Brain o Bellaphon estaría que ni pintado. Guitarra blues, voz stoned de aptitud 70s, y manejo experto de todo el armazón musical. Extraordinario modo de terminar una carrera. Éste entremes ya valdría el álbum.  Pero hay más.

"Massive Passive" (6'00) teje ritmos que enredan al cerebro, mientras la guitarra corroe todo sistema neuronal, desde la astucia psico de lo retro actualizado. Desde el primer Jethro Tull, a Armageddon, Steamhammer o Culpeper's Orchard. Vibraciones similares. Más Santana en sus comienzos se presenta "Southern Sunset" (6'46), y a uno le parece estar  escuchando esto en el Fillmore o el Winterland sin ningún problema. Con algo más de cilindrada watiosa, pero cercano a los días en que Quicksilver Messenger Service alegraban trips de largas cabelleras. La sección de ritmo sigue fascinando.  Cambio de rumbo inesperado para "Lovage  Leaves" (4'17), que parece british downer mid-70s, con mellotron omnipresente,  acústicas folk y cierto tufillo "Phisical Graffitti" también. Aunque la escapada mini-moog del pelotón,  es puro prog dream tan necesario para creer en que existe buena música actual, y en éste caso, instrumental. 

Para "End of Forever" (7'55) se permiten uno de sus fuertes como es el raga-psych rock espacial con denominación de origen....con carga hard, pero cargado de luces psico. A mitad de camino la teclada es importante, seguida de un sólo acid blues digno de Krokodil, Jane o Amón Duul II. Finísimo y gilmouriano paseo por el mástil en la intro de "Orchid Annie" (8'24), con volantazo  hacia "More" u "Obscured by Clouds", ése "lado heavy" floydiano,  con alucinado órgano inclusive, siempre desde un pausado limbo dimensional. Se te lleva sin remedio ésta cadencia, como una salvaje corriente en riada indomable. 



Lejanos ya los tiempos del dominio cd, nos presentan un bonus-track como entonces, "Jumbo Mumbo Jumbo" (6'47), y es lo más stoner que podrás encontrar aquí. Y aún así,  tiene su fuerte carga prog a mitad. Un instrumental que pone fin a una Inmaculada carrera. Para colocar junto al último de Kadavar. Y esperar que cambien de opinión sobre su retirada. 

J.J. IGLESIAS 




Temas
01. Second Birth (00:00)
02. Massive Passive (10:59)
03. Southern Sunset  (16:59)
04. Lovage Leaves  (22:46)
05. End Of Forever (27:04)
06. Orchid Annie (35:00)
07. Jumbo Mumbo Jumbo (Bonustrack) (43:24)








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HUMBLE PIE - Smokin’ (1972, A&M)

 Mientras Peter Frampton se buscaba las habichuelas por su cuenta, Humble Pie no necesitaba de bebedizos prodigiosos para hacerse crecer pelo en el pecho. Sólo hubo que añadir a Clem Clempson a la suma y Smokin’ estaba listo para cortar con cuchillo de carnicero. Humble Pie, el combo de rock que el ex Small Faces Steve Marriott se había inventado años antes tirando del talento del ex The Herd Frampton, podía sobrevivir en el 72 a su reconocimiento imparable sobre las tablas, obra de una grabación del calado de Performance Rockin’ The Fillmore, publicada en noviembre de 1971. 


Greg Ridley y Jerry Shirley, como fundamental espina rítmica que recorre de punta a punta el sonido de los de Essex, dotaron de una lengua funky que mojaba el boogie caliente y los contados escarceos con el gospel (“You're So Good For Me”) incluidos en Smokin’. “Hot ‘N’ Nasty” como sucesión de guitarrazos pletóricos de ambición pulidos con las teclas de un Hammond restallante, “The Fixer” tan Free, “Old Time Feelin’” en las escalinatas de una fonda sita en Nueva Orleans y “Sweet Peace And Time”con Jerry y Greg vibrando a su palpitar. 

La versión de “Road Runner” es medianamente reconocible, por mucho funk que se apodere de ella, cosa que no pasa con un “C’mon Everybody” casi hard, tocante con la mala leche de Blue Cheer. “30 Days In The Hole” sería su batalla especialmente victoriosa por encima del resto de contiendas ganadas en este LP, canción que se abría con toda la banda entonando a cappella el título de la canción, algo parecido a lo que hacían los Eagles antes de salir a escena. Un ritual que les dio resultado. 


El ahora nuevo cuarteto dejaba que su antiguo compinche Peter se montara su propia base de acólitos, esa masa de seguidores que alzarían al primer puesto de las listas estadounidenses y canadienses su directo del 76 Frampton Comes Alive! No importaba, Humble Pie habían vuelto en 1972 y eso era lo importante; de hecho, nunca se habían marchado. 

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com


para comprar el libro AOR WORLD 2:

https://www.kickstarter.com/projects/aorworld2/aor-world-2-el-viaje-continua








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HARMUT ZINN - Heiles Land (1982 / Talent)

 Hace tiempo que no nos vamos por la parte electrónica más amable y romántica. Suavizaremos pues la propuesta, en tiempos navideños. Harmut Zinn fue un multiinstrumentista alemán que editó ésta pequeña joya llamada "Heiles Land", a comienzos de los 80. Creo que aún llegó a sacar un par de discos más. 



En éste primero tocaba guitarras, teclados, electronics,  mandolina, bouzouki, todo tipo de percusiones, componía, arreglaba, producía. .....y hacía hasta la portada. Todo era Harmut Zinn. Los comentarios hacia éste disco siempre dicen que es un plagio de "Tubular Bells". Si bien el estilo de Zinn debe todo a Oldfield, no es un "Tubular Bells II", ni por fortuna, un "III". Obtuvo además,  la respuesta contraria. Porque pasó totalmente desapercibido. 

En su inicio, muy acústico con BarfuB Im Gras" (3'22), lo situamos en pastorales pasajes efectivamente muy Oldfield, por el uso de campanas, marimba y acústicas de corte folk. Anthony Phillips podría ser también un buen referente, aunque la influencia del autor de "Tubular Bells" lo ocupa todo. No por ello debe considerarse un trabajo menor. La breve "Schmetterlinge" (1'45) parece una danza medieval en la onda de "In Dulci Jubilo", con una línea de guitarra eléctrica clavada al estilo del británico. 

"Heiles Land Teil 1" (20'55) es la monstruosa primera parte del tema-título,  y ahí sí que asistimos a un mini-yo de "Tubular Bells" en toda regla. Mismo comienzo repetitivo en símil "El Exorcista" - Goblin, y desbordamiento sinfónico en tsunami teclistico de notas que arropan al oyente en esta "nueva versión". La guitarra acústica se vale de guardaespalda electrónico en colchón de cuerdas muy estético. Y la poesía lánguida campestre de la campiña inglesa, se traslada ahora a paisajes de La Selva Negra alemana, con sus cuentos de los Grimm brothers y hadas cabronas en top less. Zinn es un consumado guitarrista acústico,  que hasta se atreve a aflamencar su estilo, bajo teclistica dominante, aunque en segundo plano. No están algunos de éstos momentos muy lejos de grandes del rock andaluz, en su parte instrumental. La suite transcurre en trabajados pasajes de lírica extraordinaria. Realmente inspirado éste alemán,  consigue alejarse de la sombra tubular cuando se enfrasca en acústicos soundscapes protegidos por fina electrónica de fondo. Su crescendo rebosa belleza y puro sinfonismo a la vieja usanza. Que en 1982 era como tirarse desde un barranco, vaya. 

Damos la vuelta y "Morgennebel" (3'33) nos da un respiro, sin dejar de mirar con el rabillo del ojo  el examen del compañero de pupitre, el empollón de la clase, señor Campoviejo. Teclados casi Jarre acompañan a ésta pieza de transición,  de excelente artesonado. 

Para hacer una segunda incursión en "Heiles Land 2" (20'12).  La segunda parte de éste bastardo "Tubular" tiende una vez más al flamenco. Como si Mike Oldfield hubiera hecho una jam con Imán Califato Independiente. De nuevo las acústicas son excepcionales, y los teclados aportan calidez, colorido y soberbias melodías solistas desde un segundo plano aparente, (por el dominio acústico), pero totalmente necesarios. Se van sucediendo con maravillosa fluidez eléctricas, percusiones a la Pierre Moerlen, delicados sintes, y solos oldfieldscos, que ahora están más cerca de "Incantations",  y a su mismo nivel. Una segunda parte todavía más perfecta que la primera. Harmut Zinn llevaba una línea tipo Blonker, pero en más aventurado. Por lo que el primero estaba amparado por Philips,  y nuestro hombre por un sello independiente. Su gran parecido a Oldfield fue su "pecado". Pero con un buen montaje publicitario, podría haber estado muy arriba.



Una pequeña obra maestra éste disco, y ya le gustaría a uno que yo me sé haberlo hecho. Se disfruta al por mayor.

J.J. IGLESIAS




Temas
Heiles Land (Teil I) Heiles Land (Teil II) Schmetterlinge Barfuß im Gras Morgennebel





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SALT ‎– All Wired Up (And Nowhere To Go) (EP) (1978)

 En 1968 Mick Clarke entra a formar parte de Killing Floor. Un año más tarde editan su primer disco, "Killing Floor", considerado por diversas revistas especializadas como uno de los 20 álbumes del blues británico más importante del periodo 1967-1970. En 1970 publicaría su segundo disco, "Out of Uranus", disolviéndose la banda en 1972.


A mediados de los 70 Mick forma SALT junto al cantante Slevie Smith, teniendo como base rítmica a Stuart McDonald (bajo) y Colin Nash (batería). La banda era  asidua en el Marquee Club de Londres, incluso llegó a tocar en el Festival de Reading y abrieron para el primer concierto de Muddy Waters en Londres. En el 78 editaron un EP titulado "All Wired Up (And Nowhere To Go)", su único legado. Podemos encontrar más temas publicados de Salt en una recopilación titulada "The Cobra's Melody And Other Refrains" (2011) y en un doble en directo de varios artistas, "A Week At The Bridge E16 – Live (1978)". De este último hablaremos la semana que viene.


Esta grabación es realmente única ya que representa el único documento sonoro oficial publicado por SALT. Se grabó en los Pathway Studios producido por Bill Gillan. El EP nos presenta dos caras muy diferenciadas. En la "side A" tenemos dos temas, "Keep Your Mother Worryng" y "All Wired Up", rock and roll típico de los setenta, este último me recuerda lejanamente a Dr. Feelgood. En la "side B" la cosa se decanta por el rock blues iniciándose con la versión del tema de W. Broonzy, "Key To The Highway. El segundo corte, "The Cobra's Melody", tenemos como invitado al pianista Matt Irving y Slevie Smith con su armónica en un duelo frenético con Mick Clarcke y su guitarra. 

J.C.Miñana



Temas
A1 Keep Your Mother Worrying 
A2 All Wired Up (And Nowhere To Go) 
B1 Key To The Highway 
B2 The Cobra's Melody 09:14







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PINBALL WIZARD - Make Millennials Great Again (2020) (Rockliquias Bandas)

El Papá Noel Rockliquiano os trae la entrevista con Pinball Wizard. Esta banda sevillana  publicó el pasado septiembre su último trabajo, "Make Millennials Great Again". Excelentes sonoridades para evadirnos del mundo en que vivimos



1.- Hola, comencemos remontándonos a 2007 ¿Cómo se formó la banda?

La fundó nuestro guitarrista Joey DeadCat por la ausencia de bandas de hard rock en Sevilla y le puso por nombre “Pinball Wizard” por el tema de The Who, banda a la que admiramos.


2.- A lo largo de vuestra trayectoria, el grupo ha cambiado su formación en diversas ocasiones ¿Qué nos podéis decir de la actual? 

La formación actual se compone por Joey DeadCat a la guitarra, David Gatica al bajo, Álvaro León a las baquetas y la vocalista Memphis Jiménez. 

Joey lleva tocando la guitarra desde su adolescencia y ha encabezado numerosos proyectos musicales de diversa índole. En los últimos años ha iniciado su carrera en solitario en la que mezcla el rock con marchas de Semana Santa, creando un resultado único.

David Gatica es profesor de música, multinstrumentista y productor. En su tierra natal, Chile, estuvo en varios grupos de rock y folk y aquí en España ha tocado todos los palos.

Nuestro batería Álvaro León es el más joven de la formación, con solo 21 añitos es un bicho con las baquetas y con cualquier instrumento que se le ponga por delante. Actualmente pertenece a varios grupos de rock: “My Yellowstone” y “Flxwxrs”

Memphis Jiménez canta desde pequeña y siente pasión por el blues y el soul. Ha formado parte de varias bandas, ha realizado proyectos en solitario y numerosas colaboraciones.


3.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

El hard rock angelino de los 80: Gun ‘N’ Roses, Aerosmith, Mötley Cruë, LA Guns entre otros. También el rock sesentero y setentero de Led Zeppelin y Creedence Clearwater Revival. De grupos actuales nos gustan mucho Blackberry Smoke y Greta Van Fleet.


4.- Habéis publicado hasta el momento dos EP`s, "Let My Head Fly" (2008) y "Rock and Roll Ladies" (2008), un single, "Down the Road" (2015), y dos larga duración, "Shout It Out and Break the Sound" (2017) y "Make Millennials Great Again" (2020) ¿Cómo ha evolucionado el sonido del grupo durante todo este tiempo?

Ha ido cambiando progresivamente. En los dos primeros trabajos encontrarás una clara influencia del hard rock de los 80: guitarras crujientes, muchos coros y riff pegajosos. El doble single ‘Down the Road’ fue la antesala del LP ‘Shout It Out and Break the Sound’ donde retrocedemos en el tiempo y nos dejamos llevar por los setenta con una producción cruda y sin aditivos, aunque sacamosa relucir nuestros gustos más duros en algún que otro corte. 

En el último trabajo hemos querido revolucionar nuestro sonido y concepto, comprometiéndonos con nosotros mismos y haciendo lo que más nos apetecía: temas eclécticos que mezclan sonidos clásicos y actuales.


5.- Nos podéis dar detalles de la grabación de vuestro último trabajo? 

Grabamos el disco en Pancake Analog Recording con Fernando Zambruno. Nos entendemos estupendamente con él, ‘Shout It Out and Break the Sound’ y “The New Generation” también los grabamos allí y nos ha aportado mucho con los nuevos sonidos. La mezcla y mastering la realizamos con Jordi Gil en Sputnik Recording Studio. Este señor tiene un oído de oro y ha sacado lo mejor de nosotros.



6.- ¿ Quién se ha encargado del aspecto gráfico del disco?

Alejandra Lupión, una artista como la copa de un pino que domina tanto el diseño gráfico como el arte tradicional.


7.- ¿Qué queréis expresar con el título del disco "Make Millennials Great Again"?

Suponemos que se entiende por quién va (risas). Hemos transformado de forma sarcástica la frase de este personajillo aportando nuestro propio enfoque. Por desgracia parece que nuestra generación no tendrá demasiada repercusión en la música, todavía siguen llenando estadios las viejas glorias y no se ha creado un relevo generacional en el rock. Nosotros queremos dar el golpe en la mesa expresando con esta frase que los millennials tenemos mucho que decir y que estamos aquí.


8.- ¿Nos podéis describir brevemente los temas?

El primer corte “We Will Burn” es el single del EP porque abandera el nuevo sonido de la banda, su sinte y su batería discotequera te hará bailar a la vez que te muestra la rabia que tenemos.

Le sigue “Crazy Horse”, tema que relata la historia de un indio inmortal a golpe de rock, blues y soul.

Blah Blah Blah” es un medio tiempo con ritmos latinos que para las revoluciones mientras te envuelve con su güiro y sus teclados.

I’m Your Crush” es el tema más rockero del álbum, sus riffs poderosos caminan con fuerza y se transforman en psicodelia mientras hablamos de las redes sociales.

Para cerrar el disco elegimos “Magic Tree”. La voz la pone Joey DeatCat y los teclados cobran protagonismo dando paso a una atmósfera casi lisérgica.



9.- ¿Habéis tenido la oportunidad de presentar vuestro trabajo en directo?

Si, hemos tenido la suerte de realizar un showcase en Madrid y de presentarlo en formato concierto en la misma ciudad y en Vitoria. Teníamos programadas más fechas pero por las circunstancias que hemos vivido no hemos tenido más remedio que aplazarlas.



10.-Por cierto me encantó la versión que hicistéis del "Behind Blue Eyes" 

¡Muchas gracias! Nos alegramos que os haya gustado. Cómo estábamos en medio del estado de alarma y teníamos hambre musical decidimos hacer versiones desde casa. Hacía mucho que no tocábamos una balada y esta era perfecta.


11.- ¿Cómo se presenta el futuro de la banda?

Esperamos que con muchos conciertos y pocas cancelaciones, ya hemos anunciado algunas fechas para el año que viene, estamos deseando subirnos en la furgo y coger carretera. Ahora mismo es nuestra meta, poder presentar el nuevo trabajo dejándonos la piel en los escenarios.


12.-¿Qué diríais a nuestros lectores para que compren el Cd y vayan a vuestros conciertos?

(Risas) Que complicado. Le diríamos que en nuestro disco podrán encontrar un trabajo sincero en el que hablamos sobre nuestra visión de la sociedad y sus entresijos, con una producción exquisita y un sonido muy cuidado. Seguramente se sentirán identificados con algunas de nuestras letras. En directo defendemos nuestra propuesta con adrenalina, sudor y frenesí. El escenario nos apasiona y damos el 200% de nosotros.





Contacto:









P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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Antonio Sanchez & Migration ‎– Lines In The Sand (2018)

 Elucubrante obra conceptual basada en su integridad en la experiencia de los inmigrantes. Como bien sabéis Antonio Sánchez nació en la Ciudad de México mudándose posteriormente a los Estados Unidos cuando tenía 21 años de edad para cumplir su sueño de tocar música con los mejores músicos que pudo encontrar en su camino,  y con los que aprendió de manera sobresaliente más que mucho sobre su oficio. Antonio ha contado siempre con una familia que le apoyó teniendo la suerte de poder estar en el citado país legalmente para perseguir sus metas y sueños. Este álbum no es la historia de Sánchez o inmigrantes como él.



Este proyecto trata sobre el inmigrante que se ha visto obligado a huir a casa por temor, persecución, guerra y hambre. Se trata del tipo de inmigrante que constantemente son demonizados, excluidos y politizados por unos pocos poderosos en nombre de un nacionalismo equivocado que está erosionando rápidamente una cualidad fundamental en los seres humanos: la capacidad de sentir amor por las personas que se ven diferentes a nosotros. Hacer y empatía por las personas que son menos afortunadas que nosotros. Este disco trata sobre ellos y su viaje.



Un trabajo que devuelve a Sánchez no solo al panorama de actualidad, sino que a su vez, lo coloca entre los primeros puestos del Jazz actual, donde fluye innovación, talento y ese centrífugo carácter que hemos venido apreciando en las últimas composiciones de Antonio, las que forman un cuadro complejo y dotado de un buen número de esquemas de todo tipo a merced de irregularidades y variaciones creativas respaldadas de mucho talento al que se le suman junto con el baterista mexicano, un buen número de grandes músicos que han hecho posible una obra muy recomendable para todos los amantes del Jazz contemporáneo, y más en concreto, para los amantes de un baterista prodigioso.

Luis Arnaldo Álvarez









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CHERIE AND MARIE CURRIE - Messin' with the Boys (1979 / Capitol)

 Nunca fui muy devoto de The Runaways, prefiero a Fanny o Birtha. Me parecieron siempre la caprichosa casa de muñecas del manipulador supremo,  Kim Fowley. Pero sí que reconoceré que su frontwoman, Cherie Currie,  tenía un aura y fuerza especial a su alrededor. Fomentada por la terrible presión de su satánico mentor. Bajo la tensión del miedo, se pueden hacer proezas. 



Después de tres álbumes,  en 1977 la Currie dice que ya ha tenido bastante,  comenzando una carrera en solitario. En 1979 y junto a su gemela hermana Marie, edita para Capitol una piedra angular del proto - AOR / power pop, que sin embargo sigue enmudecida. "Messin' with the Boys" era producido por Jai Winding (también teclados). Y era el "quién es quién " del asunto por esos días,  la lista de ilustres es casi obscena. Mike Baird (batería), Jon Pierce y Mike Porcaro (bajo), Steve Lukather, Joey Brasler, Billy Bizeau, Mike Landau o Waddy Wachtel (guitarras), Bobby Kimball, Bill Champlin, Tom Funderburk, Tom Kelly (voces)......Además de las hermanas sisters cantando solista y repartiéndose labores vocales con sabiduría democrática,  sin atisbo de egos destructores. Abrir ésta puerta sonora supone un soplo de aire fresco con el tema título. En hard rock FM - Benatar oriented, y un Lukather rockeando duro junto a Brasler, uno de los autores del corte. Dual guitar de recuerdo a Boston, tan efectivo como el bate de Babe Ruth.

No por conocida sobradamente,  deja de sorprender el himno de Russ Ballard "Since You've Been Gone", que entra como un sputnik sin dejar final a la anterior. Los arreglos son deliciosos y es, desde siempre, mi adaptación favorita del tema (de cerca la de HeadEast), con un final respirando Hammond. Una de Bobby Kimball, "I Just Love the Feeling", lo pone también al micro junto a las rubias, y con cuatro Toto members, (Steve Porcaro a las teclas), ésta es una canción digna del "Hydra", editado ése mismo año. Una ineludible maravilla que describe el momento y respira brisas yacht rock de 1979 por todos sus poros. "All i Want" atrapa el WestCoast feel con la categoría escritora del maestro John Batdorf (de Batdorf & Rodney), en un corte que pasaría con nota el exigente filtro de otras hermanas, las Wilson, sin ningún problema. Si Eric Carmen firma "Overnight Sensation (Hit Record)", tendremos una coral-song en elenco formidable (te remito a los cantantes de créditos). Con la amplificada energía  del Hammond de Jai Winding, en una onda Jim Steinman / Mark & Clarke Band y aromas embriagantes de Tom Scholz. Hablamos de cosa seria .

La segunda cara la abre una autoría de David Paich, "Elaine" (nombre femenino de rigor), en enérgica bofetada melódica con toda la fuerza de los primeros Toto. Aquí no hay descanso ni lugar para aburrirse. Los ecos Benatar son demasiado tentadores,  y "This Time" cae en ellos con toda lógica. Es un álbum que se deja querer en las FM-stations sin problema, pero la competencia es demasiado enorme. Nadie esperaría ahora un "Wishing Well" de Free, pero lo cierto es que lo llevan a su cocina y lo guisan con su mano, que es de experto chef. Lukather / Brasler dan cera a conciencia. "Secrets" es obra de Jai Winding con las hermanas, únicamente. Emocional power ballad por la que Heart se hubiera rascado el bolsillo sin pensarlo. Sin silencios, entra la final "We're Through", en otro puñetazo de hard melódico de exquisita factura a la Tantrum / Toronto.



Estamos hablando de uno de mis discos favoritos del early AOR pre-80s. Cuando todavía conservaba el elemento hard rock de altas dosis setenteras. Una delicatessen tan atractiva como sus blondes lideresas. Obligado para todos.

J.J. IGLESIAS








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ELLESMERE - Wyrd (2020 / AMS)

 Ya empiezo a ver las irritantes listas del año con "lo mejor". Como si diera para llenar una de 10 o 15 (y hasta 20!),  discos cojonudos! Siempre influidas por la todopoderosa y fofa Prog mag británica. Diré al respecto que yo ya he hecho mi propio brexit, y paso de tan desastrosa publicación. En la que éste tercer álbum de Ellesmere, no significará nada porque es italiano. Asi de simple. Asi de bordes. Si éste disco fuera británico , se abrirían  los cielos de par en par y sonarían las trompetas de Jericó.



 Ellesmere es el proyecto del multiinstrumentista Roberto Vitelli, (Taproban, The Samurai of Prog). Aquí se dedica a guitarras (muy pocas) y bajos , incluido bass pedals.  Junto a Fabio Bonuglia (teclados) y Mattias Olsson (batería de Anglagard y White Willow, por resumir). Aunque las estrellas de éste álbum hacen su universo propio. Tony Pagliuca (Le Orme), Tomas Bodin (The Flower Kings) y Fabio Liberatori. Total : 4 teclistas !!! David Jackson, saxo de VDGG, Osanna, The Tangent o Kaprekars Constant. David Cross, violín de King Crimson. John Hackett, flauta de Steve Hackett Band. Las voces de Giorgio Pizzala y Luciano Regoli (Raccomandata Ricevuta Ritorno).....RPI MANDA. Y "Wyrd" es eso y mucho más. Classic prog, pomp, magno - hard, música clásica de teclados y belleza tangible y tan material como su preciosa portada, obra del gran Rodney Matthews. 

Es éste un disco progresivo de los de verdad. De los que no te van a destacar los tristes. "Challenge" (7'26) comienza la bacanal sympho como un álbum de The Enid o de la Deutsche Grammophon. A lo grandioso. Venga, que no te digan que "ya no se hace música como la de antes", que o lo dice un ignorante, o un envidioso. El estallido instrumental iguala lo más bombastico del RPI,  ELP, Alphataurus, Corte dei Miracoli o Balletto Di Bronzo. La voz es sinfo-lirica old school, el violín te lleva a Kansas o UK, y Olsson habla percusivamente. El ejército de teclados arrasa todo a su paso con artillería analógica. Algo así estaba necesitando yo! Sin silencios, entra "The Eery Manor" (6'24) con Hackett brother crimsoneando, piano emersoniano y tensión Goblin style. El espíritu de Keith Emerson siempre flota. Instrumental lleno de pinceladas cromáticas,  como un lienzo de Van Gogh. Excelsior sería poco. 

"Endeavour" (8'24) continúa con la pomposidad casi alegre, fluida, que me lleva hasta el prog-espectáculo USA 70s. Del que tanto han extraído Stolts, Morses y demás "inventores de la rueda". Arranques de Hammond sacuden tiempos remotos de gloria, el saxo rememora al Mel Collins de Camel, arreglan devaneos jazz cercanos al verde paisaje de Canterbury, o se vuelve a casa. A ésa Roma que tanto prog ha visto crecer como un nuevo imperio del buen gusto. BMS, PFM o Le Orme en mente.

Más Wakeman es "Ajar" (8'05), con voces afirmativas como coral, creando buena mierda desde la intocable base de los grandes. Una alegría tras otra, éste disco.



Termina la Expo - prog con "Endless" (13'14), como una andanada de Triumvirat en pleno Coliseo romano. Éste tema final es como un gran fin de fiesta, donde todos aportan sus mejores intenciones, para crear un recuerdo imperecedero.  Por ponernos exquisitos, podría decir que apenas hay guitarra, pero es un álbum esencialmente de teclados. O que lo poco cantado, se hace en inglés,  cuando en italiano hubiera sido lo propio. Pero como digo todo eso es peccata minuta. Que no te digan que 2020 fue un mal año. Salió "Wyrd", y con eso a mí ya me vale.

J.J. IGLESIAS










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