En los prodigiosos años 80 mientras la música caía en desgracia aún hubo irreductibles galos que a modo de resistencia activa participaron en una serie de discos marginales salidos casi de reuniones clandestinas o de conciertos para cuatro gatos. Todo bajo la etiqueta ya originada en los 70´s de Rock In Opposition, avandgarde o experimental.
El socorrido sello alemán ECM iba por derroteros parecidos editando músicas que se escapaban del círculo comercial. Los desbandados de la escena de Canterbury hacían lo propio para juntarse y sacar algún vinilo de jazz vanguardista y rarito. El centro de operaciones solía estar en Francia, Belgica, Alemania y países nórdicos o del este más allá del telón de acero. Japón por su parte iba por libre y una vez acabado el progresivo europeo, sus mejores obras aparecieron en los 80’s precisamente. Una curiosidad histórica. Tanto EEUU como Inglaterra con sus excepciones, pasaron mucho del tema y aquí inventamos la inigualable movida sin un atisbo de vergüenza ajena. A grandes rasgos los treintañeros prog de entonces nos buscábamos la vida como podíamos. Algunos entraron en el armario para no salir avergonzados por las tropas nuevaoleras o de rock casposo y allí se quedaron. Otros aguantamos el tirón a pesar de que nos apedrearon de lo lindo. Los más pusilánimes se pasaron cobardemente a la new age y los menos adaptamos un cordón sanitario para no caer en la estupidez reinante. Fue divertido visto desde la perspectiva del tiempo y personalmente satisfactorio por no ceder un ápice a las nuevas tendencias. Los sinfónicos como despectivamente nos llamaban parecíamos a la resistencia francesa ante la invasión nazi. Los snobs y chaqueteros no tuvieron ningún problema porque siempre llevaban la vaselina a mano y pasaporte falso. En los países más civilizados musicalmente no sé notó tanto como aquí y Suecia entro otros colindantes mantuvo siempre un nivel más que aceptable a la hora de hacer música. La reencarnación de Von Zamla siguió haciendo música desafiante y atractiva porque tenían a su peña que los seguía y apreciaba, pero aquí podían crucificarte sin misericordia. Os cuento la historia tal como fue. La película de aquella década daría para un entretenido libro.
En “No Make Up” grabado en Alemania en 1983, Zamla pasan a ser un sexteto y podría decirse que su música avanza continuamente hacia terrenos complejos tanto emparentados con en Canterbury más avanzado tipo The Muffins o However (la excepción USA a la regla) o algo menos con las líneas francesas avandgarde tipo Art Zoyd incluso añadiría a sus compatriotas de Isildurs Bane de los que ya hablé en su momento. En consecuencia, la música en esta ocasión también se adentra hacia lo clásico contemporáneo probablemente mucho más acentuado que en sus primeros discos. Pero como siempre ocurre en este grupo nada resulta chocante o áspero en su escucha. Raro pero agradable que no siempre es fácil de conseguir. Diez temas prácticamente instrumentales con algún efecto vocal extravagante de Haapala a la Zappa (Voice Improvisation) pero que no recurren a amargarte el oído en ningún momento.
Alberto Torró
Algunos temas del disco:
Nota: por problemas con los derechos de autor sólo hemos podido poner algunas muestras del disco
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Este es uno de esos discos voladores poco identificados, y que en círculos coleccionistas se sube a las ramas más altas, llegando a los 2000 pavos sin esfuerzo. Si bien ha sido reeditado en varias ocasiones, la última en 2017.
La idea se les ocurrió a tres empleados de los Morgan Studios, en plena primavera londinense del 69. Viendo que ellos podían recrear un trabajo psicodélico a considerar, tan bien o mejor que mucho cliente que por allí pasaba. Mike Bobak era ingeniero habitual para The Kinks, Magna Carta, Lou Reed, Faces o UFO. Andy Jons (Johns), hermano de Glyn Johns, grabó con Spooky Tooth, Free, Led Zeppelin, Mott the Hoople, Rolling Stones o Jethro Tull. Y William Malone había trabajado con Gerry Rafferty. Con semejantes cv, no cabe duda de que la cosa prometía. Malone tocaría teclados y batería, Bobak la guitarra y Jons haría de ingeniero.
"Motherlight" atraía instantáneamente por su particular sonido, fuertemente psico, ácido y surrealista. Pero a la vez fresco y asequible. Como un Syd Barrett de tendencias bluesy. El órgano se adapta al estilo Lewis Carroll y esto es, de primeras, sensacional. El piano es otro factor destacable, con sus notas disonantes totalmente a propósito, consiguiendo ése ambiente "otherworldly" que buscaban, como en "On a Meadow - Lea". Junto a un omnipresente reino fuzz y voces perdidas donde el LSD se convierte en el oxígeno a respirar. Imagina. Aard Vark, Cirkus o los primeros Floyd rondan ésos mismos mundos. "Mona Lose" ataca con furibunda batería a un astuto órgano en línea Atomic Rooster / Bodkin, mientras la guitarra rockea como un maldito John Du Cann.
"Wanna Make a Star Sam" toma influencia de mucho ilustre cliente para el que han trabajado : Kinks, Stones, Free, Hoople o Tooth. Y el resultado sólo puede ser rhythm'n'blues - psych magnífico. Vuelta al vinilo y "House of Many Windows" funciona con la perfección suiza de unos Moody Blues "desmellotronizados", pero con un Hammond al estilo The Nice o Czar. Otra pequeña maravilla (todas lo son), en un absurdo mundo fantasioso que profetiza la inminente llegada del prog rock con claridad.
En "Chant" asistimos a una inicial volada vocal onda Mothers of Invention, que torna en rural psicodelismo de corte canterburyano. Como unos primeros The Wilde Flowers, Soft Machine o Caravan. Ya podemos degustar pequeñas píldoras progresivas, aunque de denso efecto, en la estrategia de Bobak, Jons, Malone. "Burning The Weed" podría ser "cosecha" de Kevin Ayers en su "Joy of a Toy" de 1969 para Harvest. Sello que hubiera sido perfecto para las ensoñaciones de éste trío.
Cierran el disco con el corte más extenso, "The Lens" (6'43), una auténtica maravilla stoned, con órgano a la "Trespass", voz "to pa' allá " y sólida guitarra fuzzy - blues. Su experimentación progresiva la emparenta con Arthur Brown, Pretty Things, Gracious, July, Giles, Giles & Fripp o Spirit of John Morgan. "Mother Light" es un tremendo ejemplo de surrealismo británico psych de primer nivel. La lástima y única crítica es su corta duración (31 mts), y que no exista más material de ellos. Lo que acrecienta su leyenda.
J.J. IGLESIAS
Temas
1. Motherlight
2. On A Meadow-Lea
3. Mona Lose
4. Wanna Make A Star, Sam
5. House Of Many Windows
6. Chant
7. Burning Weed
8. The Lens
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Sin duda este disco ha sido uno de los que mas quebraderos de cabeza me ha dado para obtener la documentación correcta. Por una parte la grabación se data en 1974 ( aunque publicado en 1997), nada menos que una grabación de Mick Abrahams en el Madrid de la dictadura franquista. Bien es cierto que durante los primeros años de la década de los 70 en España actuaron un buen número de grupos internacionales de rock (King Crimson, Rory Gallagher, Santana, John Mayall, Soft Machine, Geordie, etc) pero pensar que el concierto se había grabado era un tanto increíble.
Tenía que contrastar los datos para ello la primera opción fue preguntar a alguien que pudiera haber vivido el evento. Me lance al ruedo y directamente se lo pregunté a Salvador Domínguez que según mis referencias tuvo la oportunidad de tocar en la discoteca donde se suponía que se había celebrado el evento. No hubo suerte, Salvador desconocía por completo la existencia de la grabación. Mi segunda opción era echar mano de mi amigo y redactor de Rockliquias, J.J.Iglesias. Tampoco sabía nada pero me sugiere que revise los Disco Expres de la época. Tras un arduo trabajo de revisión de un montón de ejemplares (este periódico musical salía semanalmente) consigo encontrar el recorte de prensa del concierto.
Parecía que el misterio estaba resuelto pero no. En el articulo se decía que la actuación fue el 27 de Abril de 1973, por lo tanto no coincidía la fecha con la que establecía en las biografías de Mick. Nuevamente acudí a la fuente principal o dicho de otro modo indague en la autobiografía de Mick (The Autobiography of Mick Abrahams) y en el capítulo 44, "Major Changes 1974/75", comenta que grabaron "Live in Madrid" en una discoteca de la capital de España. Otra vez en un mar de dudas fue en el 73 o en el 74. Podría darse el caso de que actuará dos años seguidos pero eso me pareció muy raro. Tampoco pude encontrar la noticia en los Disco Express del 74. Por tanto mi investigación en cuanto a la fecha se cortaba en este punto. Otro dato importante era el lugar del concierto en la discoteca MM de Madrid conocida como "El Templo del rock", muy activa en los 70 y parte de los 80 pero que dudo que estuviera activa en los noventa (aunque este dato no lo he podido confirmar).
La siguiente duda que se me planteaba era ¿qué músicos integraban la banda?. En cuanto al batería en el artículo de Disco Express se comentaba que le acompañaba el mismo que había grabado los tres primeros discos de Rory Gallagher, es decir, Wilgar Campbell. En otras informaciones el puesto lo ocupaba Ritchie Dharma que había participado en los dos primeros discos de Mick Abrahams Band. Para liarla mas otras informaciones hablaban de Clive Bunker que había estado en Jethro Tull entre 1967 y 1971, y también había coincidido con Abrahams en McGregor's Engine. Por fin encontré un dato que podía arrojar algo de luz. En el recorte de Disco Expres se hablaba de que la banda había llegado en tren a Madrid debido al miedo que Mick le tenía a los aviones. En realidad el miedo se lo tenía Wilgar Campbell y ese fue uno de los motivos por los que dejó a Rory Gallagher. (Confirmado en la audición)
Vamos con el bajista. Como siempre informaciones contradictorias. Por una parte tenemos a Walt Monaghan presente en los dos primeros discos de Mick. Y por otra Andy Pyle, que era excompañero de Mick en McGregor's Engine y en Blodwyn Pig. Como este último estuvo en Savoy Brown en el periodo del 72 al 74 me inclino a pensar que el puesto bajista lo ocupaba Walt Monaghan. (Confirmado en la audición).
Después de tanto rollo vamos con algunos datos biográficos de Mick Abrahams
Mick nace en 1943 en Luton, Bedfordshire. A finales de 1967 es uno de los miembros fundadores de Jethro Tull junto a Ian Anderson, Glenn Cornick y Clive Bunker. En 1968 graban "This Was" pero poco tiempo después de su publicación Mick decide dejar la banda por diferencias con Anderson. A los pocos meses forma Blodwyn Pig grupo con el que graba dos discos "Ahead Rings Out" (1969) y "Getting to This" (1970). Posteriormente forma su propia banda , Mick Abrahams Band" con la que edita "A Musical Evening with Mick Abrahams" (1971) y "At Last" (1972). Tras una corta reunión con Blodwyn Pig en 1974 decide dejar la música. Durante algunos año trabaja como socorrista, conductor e incluso como asesor financiero. En los noventa vuelve a la carga con una versión reformada de Blodwyn Pig publicando "Lies" (1993) , "All tore down live" (1995) y "See my way" (1996). Y continuando con su carrera en solitario "All Said And Done" (1991), "Mick's Back" y "One" (1996). A finales de los noventa Forma "This Was Band" con miembros de Jethro Tull a excepcion de Anderson llegando a publicar "This is (Live)" (2001) y una versión revisada del primer disco de los Tull, "This Was". Su discografía se completa con más de media docena de discos en solitario y diversas colaboraciones.
Mick Abrahams Band actuó en España en 1973. Tres días en Madrid (27, 28 y 29 de Abril), en la discoteca M&M y en el Colegio Mayor Pío XII, y tres actuaciones en Sevilla. La grabación pertenece al concierto en la discoteca M&M. Este local se hizo famoso por sus múltiples conciertos de grupos internacionales y casi todo el rock nacional. Uno de los responsables de la sala y director musical era Mariscal Romero. La música que nos ofrece Abrahams es rock blues pata negra. Los tres primeros temas "Let's Get Down To Business" ,"Wanna Know How To Love" y "Let Me Love You Baby" son pura dinamita rock blusera al más puro estilo Rory Gallagher. "Stay With Me" nos da una pequeñisima tregua. Vuelve a la carga con "Automobile", "Blues" uno de los temas destacados con Mick sublime y continuando con "Steel Blues" utilizando el "slide guitar" con gran maestría. No podía faltar el tradicional "Cat Squirrel" de su época con Jethro Tull y realizando un solo de guitarra con algún guiño a España. Wilgar Campbell también nos ofrece un solo de batería. La fiesta termina por todo lo alto con "Guitar Boogie" y Rock Me" y la total integración del publico en el show. Sin duda una joya digna de Rockliquias.
J.C.Miñana
Temas
1 Let's Get Down To Business 00:00
2 Wanna Know How To Love 04:40
3 Let Me Love You Baby 11:42
4 Stay With Me 16:00
5 Automobile 20:10
6 Blues 25:25
7 Steel Blues 34:15
8 Cat Squirrel 41:26
9 Guitar Boogie 58:00
10 Rock Me 01:02:30
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Comparado con otros llamados "minimalistas", (siempre me hizo gracia el término, porque lo puede ser todo menos "música mínima"), como La Monte Young, Steve Reich y Terry Riley, comenzó su carrera sobre 1964.
Había estudiado en la prestigiosa Julliard School, especializandose en el teclado y las nuevas vías que se empezaban a vislumbrar por medio de la electrónica. Admirador total de Stockhausen y Boulez, fue en los 70 con el llamado minimalismo, cuando comenzó a formarse un nombre, siempre en paralelo con Steve Reich. Acogido en los círculos de vanguardia, como en el rock más experimental, el norteamericano comenzó a sentar bases que serían adaptadas por ambos campos. A pesar de la hostilidad de la crítica, obtuvo el entusiasmo de jóvenes artistas como Eno, Bowie o la corriente alemana. Éste álbum de 1977 fue sin ir más lejos, versionado en una parte de la suite "Platinum" (1979) por Mike Oldfield, otro destacado admirador. Antes, en 1974, ya había asombrado al mundo con "Music In Twelve Parts". Una ambiciosa pieza de cuatro horas donde "rompía con el modernismo para imponer sus propias reglas". Así que su electrónica modal comenzó a competir con Steve Reich, otro gigante con visión de rayos X en la música.
"North Star" fue un score para un documental sobre arte, donde él mismo se inspiraba de las esculturas que aparecían, obra de Mark Di Suvero. Armado con órganos Farfisa, Yamaha y Hammond, Fender Rhodes, piano y ARP Synthesizer. Además estaban los saxos soprano / tenor y flauta de Dickie Landry. Joan Labarbara y Gene Rickard aportaban todas las voces.
"Etoile Polaire (North Star)" era un claro ejemplo de que la "admiración" de Oldfield llegaba algo más lejos que sólo en "Platinum". "Victor's Lament" era un ejercicio de órgano plural al estilo de Terry Riley, alcanzando similares logros. "River Run" usa las voces como un instrumento más, ya una "marca registrada" del sonido Glass. "Mon Pere, Mon Pere" hace lo mismo, agregando repeticionismo del órgano casi frenético, en otro acercamiento u homenaje a Riley. En "Are Years What? (For Marianne Moore)", entran los vientos muy bien adaptados al sonido existente. Casi recordando a vanguardistas canterburyanos o exploradores jazz rock. La reiteración evolutiva propuesta por Glass roza el prog rock de la época, cuando no se da la mano amistosamente con éste.
La segunda cara comienza como un desarrollo lógico de la anterior. En un cd se verá mejor el efecto. "Lady Day" es una acertada continuación, pero ahora se incluye coral y graves sonidos de teclado en apoyo. Las posibilidades del órgano se vuelven a estudiar en profundidad en "Ange Des Orages", con una envolvente psico - lógica / delica de vértigo, y no apta para sesiones de hipnosis regresiva. "Ave" usa la misma estrategia electrónica, pero con cuerdas vocales. Lo que a veces puede recordar levemente a Magma u otros cruzados Zeuhl. Tejiendo una tela de araña sónica de hipnótica efectividad. Vuelve a atacar los órganos viejunos para "Ik Ook" , construyendo una suerte de "hard minimalista" que sería mejor descrito como Jon Lord a 45 rpm. En realidad, pura matemática del sonido. Perfectamente calculada en su estructura, y que me da carcajadas de malo de comic, cuando oigo hablar a los del djent - math como si hubieran descubierto la rueda. "Montage" finaliza ésta "película a cámara rápida" (así la imagino), con sólidas bases investigadas, también con éxito, en el kraut rock.
Glass solidifica su estilo y sonido a cada entrega. En 1979 será "Einstein On The Beach" otro golazo creativo. Y en 1983 publicará " Koyaanisqatsi", siendo abrazado ahora por las huestes de la new age. Él se deja abrazar......demasiado. Hasta el punto de que hoy reniega de toda etiqueta, declarando que "lo suyo es sólo componer música con estructuras repetitivas". Elemental, mi querido Philip, elemental.
J.J. IGLESIAS
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Vincent Crane ha sido y seguirá siendo uno de los teclistas mas importantes dentro de la historia del rock. Su forma de tocar el Hammond ha influido en generaciones de nuevos teclistas. Miembro de The Crazy World of Arthur Brown con los que consiguió un notable éxito con el tema "Fire" y posteriormente con su banda Atomic Rooster, todo un referente en los inicios de la década de los 70. Todos recordaremos temas como "Tomorrow Night" o "Devil's Answer". Uno de sus últimos proyectos fue Katmandu junto a Peter Green, Ray Dorset y Len Surtees. La enfermedad lo fue cercando poco a poco (trastorno bipolar) hasta que decidió acabar con su vida en 1989.
En 1980 Vincent Crane vuelve a reflotar Atomic Rooster con la participación de John Du Cann (bajo, voz) y Preston Heyman (batería) y publican "Atomic Rooster". A los pocos meseS deja la banda Heyman y regresa el hijo prodigo Paul Hammond. No tardaría en desaparecer Cann y Vincent se vería obligado a reformar la banda. El segundo disco de esta etapa llegaría en 1983, "Headline News", con la participación de ilustres guitarristas, David Gilmour y Bernie Tormé. Grabado en la casa de Crane y escrito enteramente por él. No tuvo el éxito deseado y decidió terminar con el proyecto a finales de 1983.
La grabación corresponde al concierto de Atomic Rooster en el Club Zeche en Bochum, Alemania, el 1 de febrero de 1983. La cinta de cassete estaba en poder de la mujer de Crane, Jeannie, y fueron rescatadas por Bernie Tormé. El grupo lo formaban en ese momento Vincent Crane (voz, teclados), Bernie Tormé (guitarras) y Paul Hammond (batería). El "setlist" está formado por temas de su último disco, "Headline News", "Hold Your Fire". "Metal Minds" y "Carnival". "Watch Out" y "Took Control" del "Atomic Rooster" (1980). Y por clásicos como "Tomorrow Night" y "Gershatzer" del "Death Walks Behind You" (1970), y su mayor éxito "Devil's Answer". El sonido es mucho mas hard al que estábamos acostumbrados en su etapa de los 70 fundamentalmente por la guitarra de Bernie Tormé. Aún así es un documento histórico que debemos paladear. Sonido aceptable-bueno.
J.C.Miñana
Temas
1. Watch Out 00:00
2. Metal Minds 05:06
3. Tomorrow Night 10:28
4. Carnival 17:35
5. Hold Your Fire 22:17
6. Gershatzer 28:18
7. Devils Answer 36:05
8. Took Control 42:54
9. Hold Your Fire 51:10
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A finales del año pasado (2018) nuestros amigos de La Cadena Psych Jamband nos volvieron a sorprender con su nuevo trabajo "Hope?". Nos pusimos en contacto con ellos para analizar conjuntamente su trabajo.
Rockliquias.- ¿Desde la última vez que hablamos analizando vuestro disco "Spideral" supongo que habrán pasado muchas cosas ¿Nos podéis poner al día?
GATO: ¡Pues finalmente “Hope?” vio la luz y estamos super-contentos con el resultado. Lo empezamos a rodar como obra terminada por nuestros garitos de confianza (Tokatu, La Ferroviaria…) a modo de ensayos generales y a partir de ahí el disco en directo ha ido sonando cada vez más empaquetado y contundente, la verdad es que pensamos que nunca antes habíamos sonado tan redondos como banda. La densidad de esta obra nos ha llevado a investigar y tener que superarnos en cuanto a matices, ya no solo en la ejecución, sino con la configuración de los efectos y nuestro propio sonido, y es una evolución que nos está molando mucho. Aparte, hemos conseguido empezar a superar, por decirlo de alguna manera, el campo magnético que nos tenía confinados a Sevilla capital y alrededores, y ya hemos compartido escenario con bandas amigas en Valencia, en la Milwaukee de El Puerto… Para nosotros ha sido una inyección de moral que estaba empezando a ser imprescindible para ver nuestra trayectoria con otra perspectiva.
El bolo de Valencia con Trading Licks (con quienes también compartimos escena aquí en la Holländer en su día) fue su concierto de despedida y fue muy especial. Y el de la Milwaukee con El Tubo Elástico fue una gozada de proporciones épicas y sirvió para crear una suerte de vínculo entre bandas de la tierra que posiblemente dé más de qué hablar. Próximamente subimos a la cornisa cantábrica, tenemos dos fechas por allí; y para ese mismo fin de semana llevamos meses tratando de cerrar Madrid, pero esa plaza se nos está resistiendo. Por lo demás, seguimos siendo los mismos cinco locos que cuando el “Spideral” y ya estamos hablando de empezar a dar forma a ideas que tenemos en la bodega.
Rockliquias.- A finales de 2018 publicasteis "Hope?”, sin duda un salto de calidad importante
GATO: Para nosotros ha sido la evolución lógica, dadas nuestras influencias y gustos personales. La experiencia ha sido extenuante y en ocasiones enervante también, pero la hemos disfrutado al máximo. En cuanto a aspectos técnicos, la calidad es la misma. Nuestro equipo es el mismo prácticamente y hemos repetido estudio y forma de grabar, aunque bien es verdad que tras “Spideral” ya teníamos más claro de qué iba la cosa y qué queríamos conseguir. A nivel compositivo me cuesta hablar de salto de calidad, ya que en “Spideral” había las mismas ilusiones y ganas de currar, pero resulta obvio que “Hope?” presenta una estructura con una consistencia que ha implicado que nos tuviéramos que abstraer mucho más para ver la obra en su totalidad, por un lado, y meternos a un nivel mucho más microscópico en ciertos momentos del disco para aportar una mayor coherencia y complejidad a lo que estábamos haciendo (compases de amalgama, melodías vocales…). A veces microcirugía, a veces conducir un bulldozer...
Rockliquias.- ¿Nos podéis contar detalles de la grabación?.
GATO: Fue prácticamente el mismo modus operandi, con salvedades. Teníamos bastante claro que queríamos repetir con Fernando Zambruno en el Pancake Analog Recording por muchos motivos, pero fundamentalmente porque conoce a la banda, la entiende y le gusta (y porque es un tío de puta madre). Tampoco hubo muchas dudas en cuanto a grabar en directo, por los mismos motivos que os contamos respecto al “Spideral” (presupuesto, sonido más fresco y espontaneidad entre nosotros… En la grabación de “Spideral” salieron cosas que no venían del local de ensayo y eso nos gustó mucho), aunque en esta ocasión nos permitimos una sesión más de grabación para no dejar ningún cabo sin atar. Fueron tres días, con doblaje de voces y solos de guitarra incluidos. La experiencia… yo la repetiría una vez al mes, mínimo. Solo te digo que todos los días hubo vino de naranja de Los Palacios rulando por el estudio.
Rockliquias.- Como en anteriores trabajos recomendáis reproducirlo sin pausas (comentar)
ahlè: En efecto, podríamos decir que se trata de un disco conceptual, donde cada una de las canciones guarda relación con las demás, no solo en lo musical, sino también en cuanto a temática. Para disfrutar y entender el desarrollo de la obra, es aconsejable reproducir el álbum respetando el orden de sus cortes y sin pausas, de esta forma el oyente se asegura un viaje desde las esferas sociales hasta las profundidades del individuo.
Rockliquias.- ¿Quién se encarga del apartado gráfico?
GATO: Tenemos la enorme suerte de contar con amigos que derrochan pasión y se vuelcan con nosotros. En el apartado gráfico habría que distinguir entre vídeo, visuales, fotos y diseño. Ina Ramírez y Adri Palacios (alias El Guardián del Fuego) han currado muchísimo con nosotros desde el principio. El vídeo de “Deaf to Death” es quizás lo más evidente que han hecho, pero están ahí siempre, para todo y han estado dejando sus ideas y energías todo el rato en cosas que han pasado mucho más desapercibidas.
Las visuales son culpa de Alfonso Gómez (Fon Uno Seis Dos), Javi Torres Ridaura y últimamente Meriyou, pero no solo en cuanto a los contenidos, sino en currar en casi cualquier bolo que damos, sea donde sea. Las fotos tan guapas que podemos mover son muchas veces fruto de los colegas, novios, novias, familiares… que en ocasiones son simplemente aficionados y a veces ni eso. Pero Paco González (pacogonzalezfoto.es), para quien la fotografía es su medio de vida, nos ha regalado unas fotacas que quitan el sentío. El diseño es obra también de Ina Ramírez y el Guardián del Fuego, de Fon 162 y de la obra brutal de Meriyou, que es quien alumbra las portadas. Y no tiene que ver con el apartado gráfico, pero aprovecho para mencionar a otro indispensable para que esta banda sea como es hoy día, que es Iñaki de Tokatu Music Club, que para nosotros ha sido casi desde el principio mucho más que un anfitrión. La verdad es que contamos con un equipo cuasi profesional que muchas bandas que sí que tienen un apoyo discográfico querrían.
Meriyou: La portada de “Hope?” nació del mismo modo que la del anterior EP, “Spideral”, fruto de una idea atrevida de sentarme delante de un lienzo en blanco para escuchar y dejarme llevar por la música de La Cadena Psych, sin miedo a lo que pudiera salir, muy al estilo de ellos.
Tengo que decir que de este modo creo haber descubierto la manera que más me gusta de pintar, que es así, libre, sin complejos, sin reglas ni proporciones. Asimismo, me siento feliz de que los chicos de La Cadena Psych acojan mis creaciones con tanto entusiasmo y entrega, porque así siento que soy parte de ellos también, que aporto y que ellos me aportan y, como puede verse y escucharse a la luz que arrojan los dos discos, que evolucionamos y crecemos juntos creativamente hablando.
En la portada de “Hope?” tratan de estar presentes todas las canciones del disco, aunque algunas tienen más peso que otras. Mientras pintaba a veces me dejaba llevar por el ritmo y las aguas tormentosas de temas como el “Guilty (part 2)” o bien me dejaba seducir por las exquisitas letras del “Beyond the Shades” o “Children”. Dejo al gusto del consumidor imaginar dónde me llevaron las maravillosas notas del “Hope?” al crear la portada y le invito a flotar en las profundidades de este disco capaz de llevarte a cualquier parte.
Gracias por el interés.
Rockliquias.- El disco se inicia con "Going Home?” con unas guitarras muy a lo Gilmour, en general el ambiente del disco es muy Floyd (comentar)
ahlè: Resulta gracioso que cites las guitarras del comienzo del disco y las compares con Gilmour. Me ha provocado un flash al momento en que les pasé a la banda la demo de guitarra acústica de la idea original de este tema, tan solo con el arpegio inicial, una rítmica y el motivo melódico que se repite hasta la saciedad..., te aseguro que aquello tenía mucho más de Mike Oldfield que de Gilmour. Precisamente eso es lo bueno de que la composición sea una tarea de banda, que una idea en bruto suene a algo que probablemente no tenía mucho que hacer en este disco - ya compuesto en su mayor parte cuando surgió la idea de una intro-, y que la aportación de cada uno suponga una aproximación más al sonido y al concepto del álbum, que por supuesto, como señalas, tiene gran carga de Pink Floyd.
Creo que todos hemos ingerido grandes dosis de Pink Floyd desde adolescentes, a excepción de nuestro batería Octavio, que se las ha administrado. No obstante, al resto de la banda nos sigue pareciendo muy curioso que las baterías a menudo rezumen patrones muy floydianos (risas), probablemente se los suministramos de manera subliminal.
Tal como yo lo veo, la influencia de la banda británica se hace palpable en el sonido, pero también en cómo se desarrolla el material musical, en las estructuras y pasajes instrumentales, e indudablemente en la temática existencial de las letras y su carácter crítico, simbólico y oculto.
Rockliquias.- "Guilty (part I)" donde el stoner y el progresivo se dan la mano. ¿De dónde sale la inspiración de vuestras letras?
ahlè: En las letras suelo plasmar más sensaciones que historias. El simbolismo está siempre presente. Creo que me tira la dualidad y la ambigüedad al contar las cosas: por un lado son estados de ánimo como consecuencia de situaciones actuales pero que a menudo pueden ser retrospectiva de siglos atrás, me gusta que haya una conexión con otras épocas de la Historia y que las letras tengan una lectura desde una perspectiva cronológicamente amplia, que sean aplicables a la actualidad e igualmente a la Edad Media, si lo deseas; por otro lado, tratan de estados de malestar que generan las estructuras del sistema en el colectivo de los mortales, pero no deja de ser mi forma de sentir, en singular. Además, los textos suelen mostrar una parte de hastío e inconformismo, en una lucha individual que convive con las ganas de cambiar las cosas y la esperanza en la educación y en la autenticidad humana. Se convierten en estímulos por momentos, son llamadas de atención a la gente para que recuperemos lo que es nuestro, aunque en realidad no es más que el aliento que yo mismo necesito. Al fin y al cabo, estoy seguro de que mis letras son mi mejor autoterapia (risas).
Puede que no esté contestando a la pregunta del todo: en definitiva la inspiración proviene de casi cualquier lugar o momento, de cómo me siento pero también de cómo veo que se siente la gente, de la falta de empatía y la pasividad ante lo injusto de un sistema perfectamente pensado y blindado para que permanezca inmutable, de las inseguridades que todos tenemos, del atisbo de esperanza que nunca debemos perder. También, como dije anteriormente, hay mucho de Pink Floyd en la manera de plantear los textos, en la agresividad velada por las metáforas y por las formas poéticas, siendo una crítica sin necesidad de usar expresiones malsonantes ni estrictamente actuales.
En Hope? las letras fueron escritas una vez esbozadas las melodías de voz y las bases instrumentales bastante avanzadas en lo que a composición se refiere, por lo que sin lugar a dudas, el carácter de las canciones ha tenido una gran influencia en el tratamiento de las estructuras de los textos. El uso recurrente de ciertas técnicas de composición musical a lo largo de todo el álbum me llevó, en efecto, a seguir una línea argumental en la temática de las letras, y creo que todo ello contribuye a que el disco tenga una coherencia especial y describa, en cierto modo, un viaje desde su punto de partida (“Going home?”) hasta su cierre (“Home”).
Rockliquias.- "Guilty (part II)", campanas tubulares abren el tema seguido de sonoridades que van evolucionando hasta llegar a un éxtasis "Floydiano" . (comentar)
ahlè: Probablemente sea una de las partes que más disfruto cuando escucho el disco y en los directos, a pesar de ser un pasaje fundamentalmente instrumental en el que la voz tiene menos protagonismo…, quizás sea precisamente por eso (guiño-guiño). El final de la parte I y el comienzo de la parte II de “Guilty” se construyeron sobre la idea original de los teclados de SiuL que en un principio constituía el principio de la parte II, aunque “por exigencias del guión” se acabó dividiendo para dar equilibrio a la estructura de la parte I. En mi opinión, si escuchas el disco sin pausas o estás en directo funciona de igual forma. El resto de instrumentos fueron añadiendo su papel en las sesiones de local y cuando llegó mi turno (suelo esperar a que la base instrumental haya cogido cochura para fijar las melodías de voz) comprendí que todo ese pasaje tenía vida instrumental por sí mismo, así que traté de añadir algunos adornos, sin profanar demasiado el discurso y empleando la voz como un instrumento más hasta el clímax del pasaje en que soy reclamado para la convocatoria revolucionaria: “break out from the ground, shout!!”.
Las campanas contribuyen a la solemnidad de la que en cierta manera soy amante, también a limpiar el ambiente denso del que venimos, creando junto con esas voces de etnias lejanas un halo de misticismo necesario para continuar. De hecho, tengo que confesar que me gusta pensarlo como un llamamiento a un ritual trascendental, a esa convocatoria de la que hablaba justo antes.
Creo que las atmósferas minimalistas del teclado al final del primer “Guilty” y las armonías más clásicas que le siguen al inicio del siguiente, sobre las que la guitarra de Gato nos conduce al éxtasis final, nos llevan a un lugar de paz para prepararnos antes de la siguiente batalla.
Rockliquias.- "Ground" es un interludio con buena base rítmica y con sonoridades Hawkwind que da paso a "Beyond the Shades" mezclando guitarras hard con progresivo y con un gran trabajo vocal. La presencia de los clásicos del género es más que evidente
GATO: Por la parte que me toca, llevo buena parte de los últimos años dándole en gordo a esos géneros. UFO, Blue Öyster Cult, Budgie, Blue Cheer… No lo he buscado, pero ahí está, claro que sí, y espero poder seguir trabajando en ese sonido porque es lo que me mueve por dentro siempre que lo enchufo, sin importar las circunstancias.
Octavio: “Ground” parte de una idea que propuso siuL de hacer una especie de interludio donde el protagonista absoluto fuera la batería, y me dio como idea base uno de los temas de la banda sonora de Fargo (la serie), llamado “Mr. Numbers and Mr. Wrench Theme”. A partir de ahí, se me ocurrió utilizar un ritmo base e irle haciendo arreglos y variaciones hasta que se convirtiera en el inicio del siguiente tema. Todo eso, unido a los efectos que le van añadiendo las guitarras y teclado, hace que se cree un ambiente etéreo que sirve para relajar el ambiente pesado y oscuro del “Guilty” y prepararlo para la contundencia y agilidad de “Beyond de Shades”. En los directos, cierro los ojos al empezar y dejo que me envuelva la atmósfera que se va creando, lo cual me sirve como evasión y relajación momentánea previa a la concentración que requieren los temas siguientes.
Rockliquias.-"Children", volvemos a sonoridades de los 70 mezcladas con nueva savia. Coros, intrincados ritmos de guitarra y teclados a lo Richard Wright. Un cúmulo de sensaciones que hace de este tema uno de mis favoritos
ahlè: “Children” parte de un riff sobre 11 tiempos cortesía de las teclas de Siul. Por otra parte se le adapta otra idea suya: una rueda de arpegios con sintetizador sobre 4 tiempos y que nada tiene que ver en principio con el riff, pero que acaba siendo el estribillo del tema y que a mi juicio le aporta, junto con las guitarras, un trance lleno de positivismo que contrasta eficazmente con la contundencia de las estrofas.
Las estrofas son el resultado de diferentes patrones rítmicos que consiguen un engranaje bastante aceptable. Mientras que la batería, guitarra de Chicho y teclado se mueven en ciclos de 22 tiempos, la voz y la guitarra de Gato dialogan sobre un patrón de ¾. Todo ello unido al sonido pesado y a la monotonía del riff sirve de soporte al aislamiento y al hastío individual de los que habla la letra en ese momento.
Sobre la demo del riff de teclado grabado a fuego en mi cabeza, me sobrevino un run run monástico y comprobé que podría cuadrar. Me gusta bastante el efecto que causa escuchar el coro a capella a modo de organum medieval al inicio del tema y seguido de la llamada de las campanas, y que luego aparezca superpuesto sobre una base tooliana a 11 tiempos, me parece que encaja de forma muy natural. Me interesa mucho que, como dije antes, los temas suenen actuales y antiguos al mismo tiempo. A veces no es sencillo porque tratamos de evitar que sea muy forzado; estoy satisfecho con el resultado, cuando hacemos ese tipo de puzzles estilísticos y cronológicos, creo que funciona sin grandes artificios.
Rockliquias.- El disco se cierra con "Home", acústicas a lo "Pigs On The Wing " (Animals - Pink Floyd) . Sin duda un gran trabajo que está dando mucho que hablar y que escuchar. (
ahlè: Hay parte de razón en la comparación con “Pigs On The Wings”. Creo que “Animals” fue una referencia clave para las dos últimas composiciones que fueron precisamente la intro (“Going Home?”) y la outro (“Home”) del disco. Decidimos que podría funcionar incluir algo más “acústico” para abrir y cerrar el álbum, con texturas menos pesadas y que tuvieran un carácter similar y cierta conexión armónica entre ellos. El papel que juegan estos dos temas es ciertamente muy similar al de “Pigs On The Wings” parte I y II en “Animals”.
“Home” supone, como dices, el cierre del disco y realmente fue la última composición. En casa, cuando agarro la acústica, es fácil que divague por atmósferas cercanas a un folk oscuro (Johnny Cash, Nick Cave...). Tenía una grabación de la parte cantada y la compartí con el resto de la banda como el que comparte un gif, aún sin letra y sin intención alguna de que tuviera cabida en La Cadena. La cosa es que propusieron usarlo para cerrar el disco, regresando posteriormente a la atmósfera y al carácter más épico que venía desarrollando el disco sobre la misma armonía de la primera parte. El resultado me parece increíble, la fuerza con la que se recupera el flujo, los motivos y las reminiscencias de “Going Home?” que imprimen las guitarras de Chicho, y el sentimiento de triunfo nostálgico del sinte de Siul me ponen los vellos de punta cada vez que lo escucho o lo hacemos en directo. A día de hoy, no se me ocurre mejor clausura para “Hope?”.
Rockliquias.- ¿Nos podéis adelantar fechas de próximos conciertos? (
GATO: Qué va, la discográfica no nos deja. (risas) Claro que sí, hombre. 28 de febrero (andaluces, levantaos) en la Lata de Zinc, Oviedo, con Sombra y Alpha Snake; 1 de marzo en La Tribu, en Maliaño (Santander). Y hay varias cosas que pintan que no veas cuajando para Sevilla antes del verano.
Octavio: Al hacerlo de forma independiente, nos cuesta la misma vida buscar fechas de conciertos. Nos hubiera encantado incluir entre las fechas algún festival, pero no ha sido posible. De todos modos, vamos a disfrutar a tope todos los conciertos, sean los que sean.
Rockliquias.- Ahora tenéis la oportunidad de dirigiros a los lectores de Rockliquias.
Chicho: Como siempre pongo en los autógrafos que nos piden (risas) “Peace & Love &... Psicodelia”. Nos vemos en los directos, que seguro que habrá un punto de unión en el que nos encontremos. Y si no lo hay, es porque nos hace falta más birra.
Octavio: Muchísimas gracias por leer este y otros medios que apuestan por la música. Gracias también a Rockliquias, y en concreto a Juan Carlos, por interesarse por nuestro proyecto y estar al tanto de nuestros movimientos. Y como dice Chicho, esperamos veros a todos en algún concierto nuestro, y que disfrutéis escuchándonos, como poco, un 10% de lo que nosotros lo hacemos tocando.
El último trabajo del consorcio es en términos generales bastante reciente a juzgar por el tiempo que se toman entre uno y otro. En esta ocasión han incorporado al veterano Alvaro Fella, cantante de otro clásico grupo del RPI como fueron “Jumbo” y que grabaron sus mejores trabajos entre 1972 y 73.
Lo primero que sorprende en el inicio del nuevo disco de CAP es una agresividad rockera nada habitual en ellos y ello se debe en parte a la voz dura y rasgada del tal Alvaro “Jumbo”. Ahora son una generosa banda de 11 miembros chica incluida: Silvia Carpo a la voz ocasional y flautas medievales e incluso un tercer teclista como Sergio Conte. Por teclistas que no sea. Si por mi fuese yo haría una banda con 12 teclistas, cuatro guitarristas, dos bajos, tres baterías, dos percusionistas, coral femenino y gran orquesta sinfónica con composiciones enormes y complejas y ¡que vivan los excesos… jejeje!. Nadie nos contrataría como es lógico.
Al parecer este jugoso trabajo que se acerca a los 88 mtos está editado en versión vinilo (triple por lo menos) Piezas de 9, 12, 14, 21 mtos etc. Es decir, bendita grandilocuencia sinfónica. Pero… si en los tres primeros discos de CAP encontramos cierta ternura y felicidad sonora ahora el grueso del ejército se ha alimentado de mayor índice de proteínas y colesterol. La voz de Alvaro es demasiado agresiva para este tipo de música. No digo que sea mala, simplemente no pega. Pero también es probable que a muchos os guste mucho más este disco que los anteriores. Lo que ganan en potencia lo pierden en fluidez y encanto melódico, pero naturalmente todo está tocado con la técnica y la calidad que siempre les ha precedido.
No sé por qué aquí me suenan algo a los Jethro Tull y a los grupos hard folk célticos. Las líneas de guitarra se han endurecido de manera evidente y hay más contundencia rítmica. La temática sigue siendo medieval pero han cambiado la épica, las historias principescas y las hermosas damas de vaporosos vestidos por la plebe tabernaria y el fuerte olor a humanidad enfermiza propia del medievo. Cierto es qué, aunque sus historias ya no vengan de la “casta” y de los juglares, la riqueza en la composición y las variaciones argumentales no están ausentes del todo, pero cada vez que el cantante aparece en escena, que es casi siempre, agradecería que antes se aliviase en el wc o tomase alguna pastilla mentolada para aliviar la garganta. Es curioso lo que influye la voz en el progresivo sinfónico. Lo hablábamos no hace mucho con Juan Carlos Miñana. Es un estilo que exige ciertas cualidades y puede arruinar una buena música o quizás influenciarla hacia un lado u otro dependiendo de la cadencia y la forma en que se emplee. En este caso al ser composiciones bastante largas hay muchas partes instrumentales que le dan cuerpo al asunto y hay estupendas partes de teclado y cambios a porrillo desde luego, pero a mí me da constantemente la impresión de estar escuchando un grupo muy diferente a los tres primeros CAP.
Soy consciente que a nivel general atrae y gusta más la potencia rock que las ñoñerías líricas y por eso este disco va a gustar probablemente más que los anteriores. Dentro de la familia sinfónica estamos muchas ramificaciones. No es lo mismo Kansas que The Enid por poner ejemplos paradigmáticos y con eso me entendéis todos perfectamente.
Alberto Torró
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