Más de 800.000 personas tiene el apellido López en España pero Lance Lopez no es uno de ellos. Nacido en Shreveport (1977), Louisiana es una de las promesas del rock actual. Mejor dicho es una realidad certificada por guitarristas como Jeck Beck o Slash.
Como en todos los casos de guitarristas geniales comenzó a tocar la guitarra muy joven, a los 8 años. A los 12 años se traslada a Dallas con su madre donde asiste al último concierto de Stevie Ray Vaughan junto a B.B. King. Su siguiente paso es New Orleans donde realiza sus primeras actuaciones en el barrio francés con tan solo 14 años. De vuelta a Dallas conoce a Billy Gibbons (ZZ Top) y consigue incorporarse en la banda de Johnnie Taylor con la que recorre el sur de Estados Unidos. A los 18 años lo contrata Lucky Peterson para girar por todo el mundo durante tres años. Durante ese tiempo también participa en la Buddy Miles Express. Por fin en 1999 lanza su primer disco, "First Things First, con su propio sello discográfico. Los reconocimientos y premios van llegando, Blues Band of the Year. Su segundo disco lo tenemos en 2003, "Wall of Soul, con la participación de Eric Gales y Doug Pinnick (King's X). En 2005 forma, Band of Trouble, junto a Buddy Miles (Hendrix) y el bajista Tommy Shannon (SRV). En 2005 llega su tercera producción, "Simplify Your Vision" y dos años más tarde "Higher Ground" y "Live". La fama de Lance corre como la pólvora por todo el mundo realizando multitud de giras y actuaciones junto a bandas como ZZ Top, Whitesnake, Def Leppard, Rod Stewart entre otros. Su discografía en solitario la completan "Salvation From Sundown" (2010), "Handmade Music" (2011) y su último proyecto hasta la fecha "Tell the Truth".
El disco está editado por el sello Provogue y producido por Fabrizio Grossi conocido bajista que ha colaborado en proyectos de Nina Hagen, Steve Vai, Neal Schon, Steve Lukather, Michael Landau, Frank Gambale, John 5, Ritchie Kotzen, Slash, Eric Gales, Tracii Guns, Gilby Clarke y muchos más. La banda de Lance la integran: Wes Jeans (guitarra, voz), Eric Scortia (teclados), Landis Chinsenhall (batería) y Aris O'Neil Poncey (bajo). El Cd nos presenta once temas cargados de un excelente rock blues con ciertos tintes sureños. Mamando de las fuentes correctas (Hendrix, SRV, BBKing, John Lee Hooker, etc) nos ofrece grandes riffs. Desde la rural rockera "Never Came Easy To Me" pasando por su versión de "Mr. Lucky" (John Lee Hooker ) con sonido a lo SRV. Seguimos con "Down to One Bar" , tema que podría esta en alguno de los últimos trabajos de Lynyrd Skynyrd. En la misma línea sonora podemos encontrar "High Life". Ambiente "stoniano blusero" es lo que nos depara "Cash My Check". Si quitamos la voz de Lance y ponemos la de Coverdale podría pasar por Whitesnake. Las baladas las tenemos en "Raise Some Hell" y Blue Moon Rising". Su devoción por Hendrix la encontramos en "Angel Eyes of Blue" con matices totalmente renovados. Con "Back on the High way" tenemos hard rock sureño del bueno con excelente slide. La grabación finaliza con "Tell The Truth" otro excelente gran riff para finalizar con fuerza y mucha garra.
J.C. Miñana
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En algunos casos de la historia de la música, el riesgo, aún a pesar de "estar de moda" en un tiempo determinado, no fue valorado ni recompensado. Herbie Hancock venía con la lección bien aprendida. Había estado en "On the Corner" de Miles Davis, un año antes. Y aquél maremagnum sonoro, grito desesperado del ghetto en clave funk / psych, lo tenía atrapado. Ya venía de largo. Su proyecto místico - africano Mwandishi era una suerte de experimentación afro-americana, con el que ya había editado un homónimo álbum en 1971 y "Crossings" en 1972. Discos no muy bien vistos por puristas ni por el sello, Warner Bros.
Así que para "Sextant" estrena compañía, ahora con Columbia, y termina su trilogía contra viento y marea. Sería su album número 11 y el más acertado en ese anticomercial proyecto. Una imposible mezcla de afro-funk-improv, groove de eterna hipnótica y sintetizadores a go go. Para colmo, invita al Dr. Patrick Gleeson, un pionero de los modulares al que pronto daremos cobertura en nuestra sección al respecto. Por su parte Herbie Hancock no se queda manco : Fender Rhodes, Hohner D6 Clavinet, Fender Fuzz Wah y Echoplex pedals, mellotron y percusiones. Benny Maupin a los saxos, clarinete y piccolo. Eddie Henderson a la trompeta y fiscornio. Julian Priester al trombón. Buster Williams al bajo fuzz y wah wah. Billy Hart en la batería y Buck Clarke en las percusiones.
"Sextant" es un disco más cercano al psych / jazz kraut de Embryo o Niagara que a lo que se espera del gran pianista. De hecho agradara a todo freak de la psicodelia más bizarre, con su funk alienígena y anárquico.
"Rain Dance" (9'16) huele al Davis más libertino, cosa que Hancock hace con toda la alevosía (y mala leche) del mundo. Que se jodan los cansinos puristas. La teclistica recuerda incluso a los Tangerine Dream de "Atem", verbigracia de Patrick Gleeson y sus ARP 2600 y Soloist. Menos mal que Mwandishi (Herbie himself), se apiada de nuestras almas y ataca el Rhodes para recordar que esto es, al fin y al cabo, jazz. De otro mundo, pero jazz. El bajo de Buster Williams deja a Mingus en las cavernas del género. El Dr. Patrick Gleeson sigue haciendo de las suyas, dando empaque electrónico absoluto a los desvaríos lisergicos,de todo el complejo entramado musical. Por momentos no alejado de los primeros Kraftwerk. "Hidden Shadows" (10'11) comienza como si unos Genesis negros de pelo afro abusaran del mellotron en el ghetto. La percusión es puro lubricante para la desfachatez electrónica, bien surtida de todo tipo de extraños sonidos de la ciber-jungla. Se apuntan a la orgía vientos de todo pelaje, para darle más sensación "jungle" a ésta marcianada watusi perfecta para una jam exótica de Can. Sopa funk en LSD líquido para verlo todo, como mínimo, como el magnífico artwork de Robert Springett desplegado en la portada. Miles Davis hubiera retozado su sordina aquí como un cerdito feliz en el barrizal, lastima. No me extraña que adorada a Embryo.....Hancock estaba haciendo una estrategia similar. Lo único achacable es el odioso fader bajando el volumen, porque esto podría durar en su nirvana surreal hasta el infinito y más allá.
La cara B todavía es más extrema, con una única composición, "Hornets" (19'35), donde la falta de puertas al campo improvisador funciona de lujo. El Clavinet se alía con las percusiones, los vientos con el profundo ronquido del bajo, y los sintes entran como elefante en cristalería, dando constancia de su importancia en el contexto. Intensidad cromática to the max, plagada de detalles multicolores e hipnosis afro-funk-free-jazz-kraut-electronic galore. Como era de esperar, los de siempre lo ignoraron. Siendo mejor visto por el roquerio drogata, que para sus cuelgues llevaba incluso mejor gasolina que Pink Floyd.
La crítica jazz lo salvó por los pelos y "por ser vos quién sois". Y la rock le dio cinco estrellas. Pero no vendió. Las masas exigían carnaza funk pura para la pista bailonga. Y el tío Herbie, en un giro magistral propio de un genio lleno de astuta mala hostia, se las dio todas en un carrillo.
Satisfechos los bailongos y Columbia. Editando ese mismo año "Head Hunters" .....Vendetta en plató frío.
.....Pero él terminó su "trilogía kraut" Mwandishi. Para el oyente avispado, en ésa trilogía ya estaba la semilla del clásico "Head Hunters". Asunto resuelto.
J.J. IGLESIAS
Temas
"Rain Dance" - 00:00
"Hidden Shadows" - 09:16
"Hornets" - 19:27
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En 1973 Michael Corby (teclados, guitarra) y Adrian Millar (manager) se reúnen en un pub londinense para emprender un nuevo proyecto, The Babys. Realizan diversas audiciones y completan la banda con John Waite (bajo, voz), Tony Brock (batería) y Wally Stocker (guitarra).
Su primer disco , "The Babys", producido por Brian Christian y Bob Ezrin llega en 1977. En Septiembre de ese mismo año lanzan el segundo, "Broken Heart", colocando el tema "Is not it time" en el nº13 del Bilboard y siendo durante dos semanas número 1 en Australia. Con variaciones en su formación, sale Corby y entran Jonathan Cain (guitarra, voz, teclado) y Ricky Phillips (bajo), editan en 1978 "Head First". Su cuarto disco ve la luz en el 80, "Back on My Feet Again", teniendo un discreto seguimiento. La gira de promoción la realizan junto a Journey. Su último disco llega ese mismo año, "On the Edge". La banda se disolvería en 1981. Jonathan Cain se uniría a los Journey. John Waite comenzó su carrera en solitario. Tony Brock tocó la batería durante algunos años en la banda de Rod Stewart. Wally Stocker también estuvo con Stewart, Air Supply y Humble Pie.
La grabación pertenece al concierto de The Babys en el Old Waldorf Theatr de San Francisco en 1977. La banda fue etiquetada en su día como un grupo de pop con toques rockeros pero esta grabación desmiente totalmente esa afirmación. En el "setlist" podemos encontrar muy buen hard rock con temas como "Looking For Love" o "Rodeo" que nos puede sonar a Free, " If You've Got The Time " con muy buenos riffs de guitarra. "If You Could See Me Fly", es una de mis favoritas con una labor increíble de sus dos guitarristas, Stocker y Corby. También hay una parte más melódica en " Wild Man" o en "Rescue Me". El disco se cierra con "Do You Wanna" y un solo de batería totalmente prescindible. El sonido es más que aceptable. Sin duda una grabación que pone en su sitio a esta gran banda.
J.C. Miñana
Temas
01 - Looking For Love 00:00
02 - Rodeo 05:18
03 - Wild Man* 09:53
04 - Dying Man 13:31
05 - If You've Got The Time 22:58
06 - Rescue Me 26:20
07 - If You Could See Me Fly 33:32
08 - Do You Wanna 42:42
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Hoy parece de ciencia ficción, pero en la segunda mitad de los 70, un grupo de rock progresivo dominaba las listas nacionales, Triana. Iniciadores del Rock Andaluz (si bien hubo intentos anteriores), nadie debería olvidar el personalisimo estilo de aquel trío (acompañado por excelentes músicos de sesión). Los tienes ahora en televisión, en un anuncio de aceite...... Tan sólo queda Eduardo Rodríguez Rodway, al que se le ve encantado de apoyar a los sevillanos Zaguán. La banda que mejor ha heredado el sonido de Triana desde 1997, cuando todavía eran Raíces.
En el 2000 lanzan la maqueta debut con dos temas propios y tres versiones del legendario grupo : "El Lago", "Tu Frialdad" y "Luminosa Mañana". Clara declaración de intenciones. Comienzan a tocar en vivo y a ganarse una excelente reputación de directo. Tanto, que son llamados para participar en el disco "Homenaje a Jesús de la Rosa", junto a artistas más consagrados. Es entonces cuando cambian a Zaguán. Con los integrantes Armando Gómez (batería), Alfonso Vidal de Torres (bajo), José A. Mazo "Gori" (guitarra flamenca), Rafa Carrique (guitarra eléctrica) y Miguel A. Gómez (voz solista y teclados). Como se puede ver, una alineación igual a Triana. Su debut será éste homónimo "Zaguán" del 2002, donde a las primeras notas de "Tu Reflejo", se te eriza la piel al ver el gran parecido vocal e instrumental, sin olvidar el compositivo. Esto no es peyorativo en absoluto. Comprobado está por intentos de otros, que no es fácil plasmar el sentimiento de aquella banda. De inmensa tristeza, nostalgia y florida poesía. Rock sinfo-progresivo de profunda raíz del sur, con toda la extraordinaria fuerza emocional que es requerida.
"Noche tras Noche" posee juguetones interludios de teclado / eléctrica, la cual es, sencillamente, magnífica. De resplandecientes solos y contestada por la flamenca con la pureza necesaria para hablar en serio de ésta banda. Puede que la base fuera Triana, pero el cohete ha despegado y marca ya su propio destino. Y es extraordinario. "Solo una Niña" , con su cadencia flamenco -reggae, es una original canción de mobiliario antiguo, pero astutamente reciclado en algo actual. Con buen apoyo de Hammond , ritmos dominantes (extensible a todo el disco), y un final de guitarra a lo Santana sublime.
Miguel A. Gómez atrapa el ángel con su sentida voz, de escuela Jesús de la Rosa total, sonoridad al órgano de Procol Harum y cadencia psych / blues......eso es "Por Ti". Y de nuevo la eléctrica de Rafa Carrique enerva los sentidos. Qué calidad tiene éste hombre!.
Es escuchar "Una Voz" , e instantáneamente imaginas las sombrías ilustraciones de Máximo Moreno......ahí está el feeling trianero intacto. Si bien Zaguán moderniza con técnicas más de ahora, como los hijos sucesores de un histórico padre que son. También la poesía tiene un papel relevante en las letras de Zaguán, eso era de esperar. Y da gusto oirlas. Escucha "En mi Recuerdo" y conten las lágrimas. "Volverse a Encontrar" tiene ese aire underground floydiano que debe estar ahí si se quiere recrear ese espíritu setentero fielmente. Y qué bien le sienta. A los músicos, al disco, al oyente.....gracias por esto, de corazón. El dramatismo oprime y acongoja, y en "Pasión" recordamos sensaciones, sabores, olores y añejas vibraciones, puestas al día con entera dedicación y como dice ell título, mucha pasión. "Gori" es un guitarrista flamenco elegante y fino, que sabe cuando es su momento y lo aprovecha al máximo.
"Dulce Nombre" es otra esencia psicodélico - andalusí, como si en una jam entre almas de otra dimensión, Jesús de la Rosa, J.J. "Tele" Palacios y Rick Wright hubieran compuesto su mejor canción. Que belleza, por todas partes. Termina el sueño con "Cuando Acaba el Poema", que es otro pedazo de fantasía poética andaluza que, es algo evidente, sólo podía salir de aquellas tierras, por mucho monstruo técnico instrumental internacional que pulule por el mundo. Ésta delicadeza fascinante es inherente al prog andaluz, no hay duda. Aún tenemos una revisitación de "Sólo una Niña (versión corta - tangos)", como broche de oro perfecto. Su seguimiento, (ya con Universal, en el 2005), será "Testigo del Tiempo". Otro "temible" álbum si sufres de hiper - sensibilidad.
Zaguán (y Raíces, en paralelo), siguen demostrando su total amor por la leyenda Triana. El 27 de Febrero de éste año tocaron en el Teatro Lope de Vega en Sevilla, junto a la Orquesta Sinfónica de Triana. Con invitados tan esenciales en la historia del grupo como Eduardo Rodriguez Rodway, Lole Montoya, Manuel de la Rosa o Gabriel y Gonzalo García - Pelayo.
Jesús de la Rosa y J.J. "Tele" Palacios (al que conocí personalmente y sé que estaría encantado), miran desde algún sitio a Zaguán llenos de orgullo por lo bien que mantienen su inmortal legado. Zaguán es cosa seria.
J.J. IGLESIAS
Temas
1. Tu reflejo 00:00 (José Macías, Javier Gandia y Zaguán)
2. Noche tras noche 03:48 (Miguel Ángel Gómez)
3. Sólo una niña 07:40 (Miguel Ángel Gómez)
4. Por ti 12:46 (Miguel Ángel Gómez)
5. Una voz 17:14 (Miguel Ángel Gómez)
6. En mi recuerdo 20:39 (Miguel Ángel Gómez)
7. Volverse a encontrar 24:18 (Miguél Ángel Gómez)
8. Pasión 28:10 (Rafael Carrique)
9. Dulce nombre 33:15 (Miguel Ángel Gómez, José Antonio Mazo "Gori"
10. Cuando acaba el poema 38:54 (Miguel Ángel Gómez)
11. Sólo una niña 42:50 (BONUS TRACK, versión corta - Miguel Ángel Gómez)
Fueron una banda originaria de Milan formada en 1964 y disuelta en 1971. La música anterior a 1970 era pop italiano y en esto parecen coincidir la mayoría de bandas italianas por lo que afirmo sin duda alguna, que el cambio hacia músicas complejas se debió al enorme impacto creativo que en sus inicios ejerció el rock progresivo en ese país. Es una sana envidia comprobar la rápida evolución de los itálicos en tan breve espacio de tiempo y la enorme proliferación de bandas volcadas en este estilo. Un viaje en el tiempo de 1970 a 1975 por las tiendas de música en Italia debió ser un interesante espectáculo, porque en su momento pocos trabajos lograron traspasar fronteras e imagino las escasas ventas en la mayoría de ellos. Aparecían y desaparecían de la noche a la mañana, pero algunos dejaron alguna grabación para la historia como el disco que nos ocupa.
“Terra in Bocca” (o poesía de un delito) es un álbum concepto sobre un crimen de la mafia siciliana ocurrido en la década de los años 30. Un tema recurrente si hablamos de Italia, claro, pero no muy habitual en la temática del rock prog. Este es uno de esos discos raros y diferentes dentro del RPI. Fijaros que es una fecha muy temprana y que todo estaba todavía algo verde. Faltaría un año para que el prog italiano despertase definitivamente en 1972. Lo que sorprende en este disco es el extraordinario trabajo vocal de sus cuatro componentes. Todos cantan. Su teclista Francesco Marsella formaría parte al poco tiempo de otra exquisita banda llamada “Il Volo”. La música que interpretan I Giganti no tiene concomitancias ni paralelismos con ninguno de otros compatriotas suyos. El trabajo tiene una fuerte dosis de dramatismo que el mellotrón se encarga de remarcar. Las partes de guitarras acústicas, pianos y órgano, le dan un toque poético a esta casi narración cántico, a veces casi operístico, pero la instrumentación es hermosa y sumamente elaborada. Nuevamente la sombra emersoniana aparece. No me extraña que Keith viajase tanto a Italia y fichase para la Manticore, dado el respeto y la veneración que muchos teclistas y músicos italianos tenían por su persona.
Once temas componen este trabajo puramente italiano en su música y en su temática. No gustará a todo el mundo, eso seguro. Pero para los que sabéis apreciar el complicado y duro trabajo de las armonías vocales, y los finos teclados, a veces muy cercanos a Latte e Miele, cuando menos digo, os va a parecer sumamente agradable e interesante. Para mí es un gran disco que merece varias escuchas porque tiene recovecos buenísimos a nivel de composición e insisto que el trabajo de las voces es sobresaliente. La discografía anterior de I Giganti, un par de discos de los 60´s, nada tienen que ver con esta joya perdida en el espacio y el tiempo. A gusto del consumidor lo dejo no obstante.
Alberto Torró
Temas
A1 Largo Iniziale-Molto Largo-Avanti 12:34
A2 Avanti Tutto-Brutto Momento-Plim Plim 8:18
A3 Plim Plim Al Parossismo-Delicato Andante 9:38
A4 Rumori-Fine Incombente 1:00
B1 Fine Incombente-Allegro Per Niente 4:16
B2 Tanto Va La Gatta Al Lardo-Su E Giù 15:44
B3 Larghissimo-Dentro Tutto 8:00
B4 Alba Di Notte-Rimbalzello Triste 1:55
B5 Rimbalzello Compiacente-Ossessivo, Ma Non Troppo-Fine 5:00
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Creo recordar que éste fue el primer disco de CAN editado en prensaje español. Es posible por tanto que el primer acercamiento hacia la música de CAN en mi país fue a través de ésta referencia. En esos años el por entonces llamado “rock alemán” se abría un hueco comercial en las tiendas de discos de aquí, con una importante promoción de sellos como Brain o Bacillus entre otros, en una baraja de grupos de los más variado y peculiar: Embryo, Amön Düul, Niágara, Faust, Popol Vuh, Ash ra Tempel, Guru Guru, Neu, Tangerine Dream, Klaus Schulze y por supuesto los super comerciales Kraftwerk. Fue una campaña que renovó a los oídos tradicionales más acostumbrados al rock y al blues y también abrió la futura puerta aséptica a lo que se conoció posteriormente con términos sospechosos como techno, trance, étnico, new age o “minimalista”.
Ya sabéis que tarde o temprano todo lo original termina en franquicia y los hippies y los modernos acaban promocionando la coca cola, el acuarius y el feng shui para el salón, el dormitorio y el wc donde defecar en comunión con la naturaleza con sonidos de gamelán y flautas de bambú y limpiarte el culo con aloe vera. Precioso.
CAN, fieles a su tendencia de no repetirse en ningún disco de estudio, cambian completamente de registro ahora reducidos a cuarteto. Las voces en este grupo alemán siempre han sido algo así como un instrumento más. Damo se les marchó porque vio a dios, pero la esencia instrumental del grupo siguió tan corrosiva como antaño para lo bueno pero también para lo malo. El reggae se empezaba a poner de moda y los ritmos caribeños jamaicanos también. Ese insidioso y plomizo ritmo, daba suficiente juego para que inteligentemente mezclado con otros ingredientes, le diese cierto aire de actualidad y moda.
“Soon Over Babaluma” tiene esos ingredientes novedosos para 1974, donde la pesadez y el coñazo musical en ciernes todavía no había hecho sus estragos. Por eso se escucha como “cierta originalidad” para su época. Tengo que reconocer que la primera pieza “Dizzy Dizzy” atrapa como la luz a una polilla. El sonido en eco con el golpe de Liebezeit, el bajo tremendo de Holger y el violín de Karoli son imposibles de pasar por alto. Es un corte, vicioso, atractivo y tremendamente sensual.
“Come sta la luna” parece una broma, entre un bolero, un tango, un chachacha, una salsa…que se yo. Es verdaderamente horroroso o como una película surrealista de David Linch o algo sacado del expresionismo alemán de Murnau o Fritz Lang. Las voces son de Karoli o Irmin y no sé si estoy escuchando una mierda o una obra maestra. Probablemente las dos cosas.
“Splash” podría ser el desarrollo marciano-cool-jazzero de lo anterior o una rumba indigerible. Las disonancias y la cocktelera de estilos alérgicos como sacados entre un vómito de Santana o una verbena de la paloma. Entre sí dan como resultado un brebaje difícil y chocante. Recuerdo que este disco fue lo más entre los progres snobs melómanos del momento. Pocos años más tarde estos mismos cambiarían el color de pelo y en su caso la largura del mismo incluyendo imperdibles en zonas erógenas. CAN quizás sin proponérselo había fracturado la música, algunos dicen que fueron unos proto-punk sonoros. Bueno CAN fueron músicos que sabían tocar, los punk no. Lo cual resulta grotesco. Incluso se dijo de Robert Fripp que había roto toda regla musical en aras de una “progresión interesada a los nuevos tiempos” y también tuvo mucho que ver en los cambios a peor sucedidos a finales de los 70´s como tuvo que ver Peter Gabriel y sus pseudo trabajos étnicos que dejaron patidifusos a los seguidores de Genesis. Se achacan a Phil Collins las enfermedades sonoras contraídas en ese encantador grupo de rock sinfónico. Collins volvió a Génesis tonto, pero el verdadero traidor fue Peter Gabriel. Yo viví todo aquello que se ensalzó como la panacea de lo moderno y guay y asistí a mezquindades sin nombre en torno a la verdadera música. Son los pros y los contras de haber sido testigo directo de la historia.
La cara segunda de “Soon Over Babaluma” son dos piezas instrumentales con alguna vocalización enlazada “Chain Reaction” y “Quantum Physics”. La primera vez que las escuché me dejaron relativamente frío, ya que no oía el “punch” sonoro de antaño incluso se me antojaba cierta falta de “poder”. Algo había cambiado y los ritmos me parecían más inocuos, machacones, con menos garra y fuerza que antaño. Las posteriores escuchas con los años no han cambiado significativamente mi apreciación y el problema es que Liebezeit ha bajado de intensidad hacia unos ritmos étnicos con menos personalidad que antaño. La maraña instrumental está en la misma onda que Bel Air pero no llega a calar de igual manera. Se intuyen visos de “rockerización” pero el sonido es más débil y previsible. La intención del sonido vanguardista está ahí sin duda, pero no consiguen la sorpresa, la bofetada y el peligro del aburrimiento está servido. Para un post-rockero o un indie de hoy recién llegado le parecerá la madre del cordero, pero para un oído veterano y cabroncete como el mío resulta insuficiente y muy abúlico. Pero todavía son CAN y no podré decir lo mismo de aquí en adelante.
Alberto Torró
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Sinceramente creo que Rockliquias es, principalmente, un sitio de arqueología rock sobre olvidadas y perdidas grabaciones de alto interés. A pesar de que ahora tengamos la libertad de poder escribir sobre novedades, nuestra misión es la de descubrir joyas, hacer de "saqueadores de tumbas" llenas de tesoros, y darlas a conocer. Así que hoy volvemos a ejercer como tales con los extraordinarios Wakefield, originarios de Pueblo, Colorado. Generalmente un sexteto de hard progresivo jam - brass - section , formados en 1969 y separados en 1974. Esencialmente fueron Bobby Barth (guitarra solista, voz), Mike Carroll (trompeta, flauta, guitarra, piano, voz), Charlie Ferrill (batería), Carl Marcon (bajo, voz), Steve Moore (órgano, cuerno francés, voz) y Ron Struthers (saxo, flauta, voz).
Aunque pasarán diversos músicos por sus filas, y llegarán a tener a Rose Mary Duran como voz solista. En 1971 entran en los Warthog Studios de Denver para dar forma a un concept-album que les llevará grabarlo hasta el año siguiente. No se puede decir que Wakefield no se moviera ni se durmiera en los laureles. Primero trasladan su centro de operaciones a Washington. Tocan en cada bar y tugurio donde se les deje. Abren conciertos para James Cotton, Fleetwood Mac, War, BTO, Eric Burdon o hasta para unos falsos Zombies. Shelter Records estuvo interesada en ellos, pero todo quedó en nada. Hacen un showcase (concierto para ejecutivos discográficos) en el Whiskey a Go-Go de LA, de nuevo sin recompensa.
Las cintas de los estudios Warthog quedan almacenadas como guarida de arañas durante 30 años, en algún polvoriento sótano. Hasta que son descubiertas y publicadas por los expertos en resucitar cadáveres sonoros, Gear Fab. Benditos sean.
Ya la inicial "Bring It On" (4'22) nos pone sobre aviso del tremendo potencial de ésta banda. Mezclando con habilidad y éxito el sonido Chicago Transit Authority con los efluvios latín - acid rock de Santana. Vientos contra ritmo, o más bien aliados para crear una música explosiva, con sustancia, sensacional. Por en medio la llameante guitarra de Bobby Barth y el órgano de Steve Moore.
"Something is Coming" (4'12) enriquece con deliciosa flauta, voces en coral extraordinaria, percusiones entusiasmantes y una guitarra equiparable a la de Terry Kath. Increíble que estemos hablando de una "simple" bar band. El hard rock psicodélico se abre paso en "How Does It Feel?" (3'56), con más armonías dignas de The Moody Blues o Touch. En mezcla eléctrica con el Santana más en combustión espontánea. Letras místicas y mucho aroma a mandanga y a patchouli, desprenden éstas notas.
"I Will Always Come Back" (4'34) se acerca a Grand Funk Railroad etapa "Phoenix", pero con las "stoned vocals" y el Hammond como cómplices implicados.
Con "Old Man" (11'08) llegamos a la primera gran jam, que comienza como una preciosa balada acústica de CSNY y desarrolla toda suerte de solos e instrumentos. La solvencia técnica instrumental de Wakefield está fuera de toda duda. Como siguen demostrando a lo largo de todo el cd, con diversas influencias, dependiendo la formación del momento. Pueden oírse aires de King Crimson, Jethro Tull, o Allman Brothers aquí o allá, en "Water" (8'20), "Snowchild" (9'47), "In my Mind" (8'05) o "You and I" (6'09).
Así hasta completar 75 mts que por fín vieron la luz en formato cd en el 2002. No estaría nada mal una reedición en doble vinilo, sugiero.
El último concierto de Wakefield fue en 1974 en el estadio de su natal Pueblo, abriendo para Redbone. Diezmados y como power trío, con Barth / Marcon / Ferrill, fue el último cartucho que les quedaba hasta la total extinción. Bobby Barth lo siguió intentando hasta conseguir el tan buscado reconocimiento. Primero con Babyface, luego con Axe y más tarde con Blackfoot.
Con Wakefield, ya deberían de haberse abierto las doradas (pero traicioneras), puertas del triunfo.
J.J. IGLESIAS
Temas
1)Bring It On - 4.22
2)Something Is Coming - 4.11
3)How Does It Feet - 3.56
4)I Will Always Com Back - 4.34
5)Old Man - 11.08
6)I Know - 3.12
7)Water - 8.20
8)Snow Child - 9.47
9)In My Mind - 8.05
10)Land Grabber - 4.42
11)You And I - 6.09
12)Lat's Get Leaded - 3.29
13)You'll Find Your Man - 4.58
14)Rollin' Down The Higway - 0.33
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Para encontrar el origen de esta banda tenemos que hablar de otra que ya pasó por las páginas de Rockliquias, me refiero a Bakerloo, grupo donde militaba el guitarrista Clem Clempson. Resulta que después de publicar su único disco Clempson abandonó la formación para unirse a Colosseum. El manager de la banda, Jim Simpson, ya tenía contratada una gira europea y Terry Poole (bajo) y Keith Baker (batería) tuvieron que reclutar a George Northall (saxo) y Adrian Ingram (guitarra). Con esta formación y bajo el nombre de Bakerloo Blues Line realizaron la gira a la que se habían comprometido.
Finalizado el tour europeo Adrian Ingram y Keith Baker junto a Alex Boyce (voz), Cliff Williams (saxo), Jack Griffits (bajo) , John Parkes (batería) y Bill Hunt(teclados) formaron Hannibal. Con la ayuda de Lim Simpson consiguieron un contrato con Chrysalis Records grabando en 1970 "Hannibal". Llegaron a ser teloneros de Free y Black Sabbath.
En este primer y único disco de Hannibal nos proponen seis temas de corte jazz rock con notables toques blues con lo que nos hacen recordar sonoridades del tipo Colosseum. La grabación comienza con "Look Upon Me" con muy buenos riffs a cargo de Adrian Ingram y la voz de Alex Boyce que salvando las distancias nos puede recordar a Chris Farlowe. Muy notable la intervención de Cliff Willians que no desentonaría en las filas de Colosseum. "Wings of Change" sigue la línea jazz rockera del primer tema con sonidos jazz en el tratamiento de la guitarra. "Bend For A Friend" es el tema más largo de la grabación con algo más de 10 minutos y uno de los dos instrumentales que contiene el álbum. La composición es una auténtica simbiosis de estilos con especial atención a los vientos con solos de saxo que llegan a rozar el free jazz. " 1066 " con base totalmente blusera y con una parte central que sirve para el lucimiento de Jack Griffith (bajo) y John Parkes (batería). "Wet Legs" es el otro instrumental y donde a Bill Hunt (teclados) le llega su oportunidad. El disco se cierra con "Winter" dejándonos un gran sabor de boca con la gran labor de Adrian Ingram (guitarra) con toques rockeros.
J.C. Miñana
Temas
A1 Look Upon Me 00:00
A2 Winds Of Change 06:36
A3 Bend For A Friend 14:05
B1 1066 24:36
B2 Wet Legs 31:07
B3 Winter 35:54
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Entramos en el rico panorama sintetista de Rusia. Lo primero que hay que advertir es que aquí, la forma de proceder es muy distinta a Occidente. Si bien la Berlín School está muy marcada en algunos de sus compositores. No es éste el caso. Será por su punto de vista ante la vida, condiciones meteorológicas, sociales o políticas, pero la prog-electrónica rusa, realmente, es diferente. También porque en muchos casos utilizan sus propios aparatos de fabricación nacional, los cuales tienen su particular sonoridad.
Alexei Borisov comenzó como guitarrista en los primeros 80 en bandas new wave, mod y rock (Night Prospekt, Center). En los 90 estuvo en diversos efímeros proyectos art / noise / industrial (Joint Commitee, Atomic Bisquit Orchestra, Sever). O colaborando con grupos-performance como North (Rusia), KK Null (Japón ), Jeffrey Surak (USA) o Leif Eggren (Suecia). También con video-artistas como Román Anikushin. Ha sido Dj en clubs y radio, además de periodista en diversas publicaciones musicales. En el 2002 editó su primer álbum, "Before the Evrorement". Siendo el que hoy traemos su continuación del 2004.
Extraños sonidos cibernéticos entrecortados nos presenta "Revlon" (5'26). Música para un imaginario documental desquiciado y enloquecido, en el que las inquietantes imágenes en b/n transcurren a toda velocidad. Al menos así me lo imagino.
"Old and Metallic" (3'01) fue grabado en vivo en Tallinn, en 2003. Experimentación extrema que deja a Conrad Schnitzler convertido en un popero.
"Dense Drift"; (5'39) es la vibración revolucionaria de una nave industrial vacía, donde las máquinas se lamentan con propia vida de su esclavo destino.
"Blue Vinyl" (2'29) tiene visos de un sketch psicológico para patologías profundas peligrosas. "After the Prime Time" (2'54) parece música lounge del siglo XXX, con susurros del propio Borisov. En "Dew" (4'09) chocan frontalmente la bonita voz de Angela Manukjan y la gamberra electrónica anarquistoide de Borisov. Temible.
"Opuscule" (1'20) burbujea alguna sustancia orgánica de otro mundo, como nacimiento de un ser alienígena. Natalja Bessarabova (joder con el apellido!), incluye susurros en "L. Y. Match"(2'52) como una emisión perdida de otro mundo, flotando durante eones en la infinidad espacial. "Zaraza (Volume 1)" (9'34) nos muestra un mundo desolado, habitado sólo por inexpresivos ectoplasmas mutantes, con emisiones de radio en castellano de algún programa olvidado sin audiencia humana que lo escuche. Imaginación al poder.
"Polished Surface of a Table" (4'25) podría parecer el sonido cabreado de las máquinas ciberneticas amotinadas al hombre , fusionandose con la propia naturaleza humana. Acaso no lo están intentando ya?
"Rotor" (3'00) sería el éxito de ése motín, en un mundo dominado por cerebros orgánico - nano - chip sometiendo a una humanidad derrotada por sus mismas enseñanzas.
"My Voices" (4'23) sugiere un post - caos de ciudades arrasadas y vacías. Como en "Omega Man", vaya. Finalizando con "Bridal Book" (2'00) y más sonidos electrónicos desagradables.
Esto sería la "anti-new age", porque Alexei Borisov busca la belleza de la catástrofe, la estética feista del ruido electrónico afectando tus neuronas. Es un ciber-punk sintetista. Tres discos más lo corroboran, siendo "Elektrokooperativ" (2010) su último atentado sonico. Desde entonces, se ha unido a Fake Cats Project, editando cinco álbumes con ellos del 2015 al 2016.
"Polished Surface of a Table " es una obra arisca y difícil, de muy retorcida escucha. No recomendable para gente no iniciada ni personas impresionables. Su mensaje oculto, casi psiquiátrico, lo hace un disco peligroso para los estados de ánimo. Hecho por un verdadero terrorista del sonido. Quedan advertidos.
Badfinger fue un grupo maldito. Por una parte fue prematuramente etiquetado como los abanderados del "power pop", una especie de mezcla entre rock y pop, Por ese motivo no estaban muy bien vistos por los rockeros. Si ha eso unimos todos los problemas que tuvieron con su manager Stan Polley y el cobro de derechos de autor que llevo a dos de sus miembros al suicidio (Pete Ham y Tom Evans), tenemos como resultado un olvido general de lo que significó la banda. Hoy recordaremos su parte más rockera, que la tuvo.
La banda se formó a principios de los 60 bajo el nombre de The Iveys teniendo como miembros fundadores a Pete Ham (guitarra), Ron Griffiths (bajo) y Dai Jenkins (guitarra). Fichan por la compañía discográfica de los Beatles, Apple Records, e incluso Paul McCartney les cede una de sus canciones, "Come and Get It", que editan como sencillo, obteniendo un notable éxito. En ese momento y tras diversos cambios en su formación, entra Joey Molland (guitarra) y cambian su nombre por el de Badfinger. En 1969 llega el primer disco con esa denominación, "Magic Christian Music", y al año siguiente editan "No dice" donde incluyen dos de sus temas más conocidos, "No Matter What" y "Without You". Este último sería versioneado por Harry Nilsson obteniendo ventas millonarias. Posteriormente Mariah Carey volvería a encumbrar el tema en los 90. Por otra parte ese mismo año contratan como manager a Stan Polley personaje que a la postre resultaría el cáncer de la banda. Un nuevo disco, "Straight Up", producido por George Harrison y Todd Rundgren, vería la luz en el 71. En 1972 Polley, el malvado manager, decide romper el contrato con Apple y firmar por la Warner. Su primera grabación en esta compañía sería "Badfinger"( 1974) que casí se solapa en el tiempo con material editado por Apple, "Ass". Todo un desconcierto para sus seguidores.
En 1974 llega "Wish You Were Here" y posteriormente grabarían "Head First" (1975) que no vería la luz hasta el 2.000. A mediados de los 70 Stan Polley se fuga con todas las ganancias de la banda llevando al suicidio a Pete Ham que moriría ahorcado a los 27 años de edad. Esto supuso la ruptura de la banda pero en el 78 Joey Molland y Tom Evans quisieron reflotarla con el álbum "Airwaves" y tres años más tarde con "Say No More " que constituyó un notable fracaso. Al final acabaron a tortas y en los tribunales. El 19 de noviembre de 1983 Tom Evans se ahorcaba. Era el fin definitivo de la banda.
Como curiosidad podemos citar la aparición del tema de Badfinger, "Baby Blue", en la última escena de la serie Breaking Bad.
La grabación contiene dos conciertos de Badfinger celebrados en el Paris Theatre de Londres . Los siete primeros temas corresponde al año 1972. En este concierto podemos escuchar a los Badfinger más rockeros con la inicial "Better Days" y siguiendo con las versiones de Dave Mason (Trafic), ""Only You Know and I Know" y ""Feelin' Alright", gran instrumentación guitarrera donde Pete Ham y Joey Molland muestran todo su potencial sin olvidar a Tom Evans (bajo) y Mike Gibbins (batería) . Por supuesto también tenemos temas tranquilos como " We're For The Dark" o "Sweet Tuesday Morning".
El segundo concierto pertenece al año 1973 y contiene siete temas más. En el "setlist no aparece ninguno de sus grandes éxitos lo que no implica que no disfrutemos con el material. Personalmente prefiero la grabación del 72. Para finalizar se incluye "Come And Get It ", grabada en el show "Top of the Pops".
Badfinger – BBC In Concert 1972-3 nos da una visión diferente a la que estábamos acostumbrados de la banda.
J.C. Miñana
Temas
1 Better Days 00:00
2 Only You Know And I Know 03:55
3 We're For The Dark 10:23
4 Sweet Tuesday Morning 15:07
5 Feelin' Alright 17:58
6 Take It All 27:06
7 Suitcase 31:29
8 Love Is Easy 39:06
9 Blind Owl 42:15
10 Constitution 46:54
11 Icicles 51:00
12 Matted Spam 53:36
13 Suitcase 57:23
14 I Can't Take It 01:03:27
15 Come And Get It 01:08:05
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Our Next Movement nos llegan desde tierras valencianas. Una formación integrada en este momento por Paco Solera (batería), Juan Suay (bajo, cello, voz), Fran López (guitarra) y Sergio Santoro (guitarra, voz). En 2016 editaron su última producción, "119", y este año participaran en el prestigioso Bergmal Festival de Zürich. Nos pusimos en contacto con ellos para conocerlos mas a fondo.
Rockliquias - ¿De dónde viene el nombre de la banda?
“Our Next Movement” es el título de un tema del grupo japonés de rock instrumental Toe, que nos encanta, y que escuchábamos muchísimo cuando estábamos montando la banda. Lo escogimos
porque nos gustaba cómo sonaba, y como homenaje a ellos.
Rockliquias - ¿Nos podéis comentar qué variaciones en la formación se han producido desde que empezasteis?
Comenzamos siendo 4 miembros: Fran, Víctor, Sergio y Paco. Víctor, que tocaba bajo y teclados, dejó la banda en cierto momento, y entonces incorporamos como bajista a Juan, que hasta el momento había hecho colaboraciones puntuales con nosotros al cello. Un poco más tarde se unió a la banda Carlos Plata como teclista/voces, y con esta formación hicimos nuestra primera tanda seria de conciertos. Carlos dejó la banda para ir a estudiar al extranjero, y desde entonces hemos mantenido la formación clásica de 2 guitarras, bajo y batería.
Rockliquias - ¿Cuáles son vuestras influencias?
Tenemos muchísimas. Principalmente son bandas de países con una escena instrumental fuerte, como Reino Unido o Japón: Enemies, And So I Watch You From Afar, Toe, Lite… nos gustan también mucho bandas como Mutiny on the Bounty, de Luxemburgo, o aquí en España Jardín de la Croix, que son compañeros de sello.
Rockliquias - Vuestro primer trabajo "Polyhedral Trails" ve la luz en Septiembre de 2014. ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?
Grabamos el EP en 5 días en Barcelona con Sergio Picón, la persona detrás de Aloud Music. Lo hablamos con él durante una gira de Exxasens que pasó por Valencia y Murcia y en la que abrimos para ellos los dos conciertos. Era la primera vez que entrábamos en serio a un estudio y estábamos bastante nerviosos, pero la experiencia nos sirvió para conocer un poco más y mejor a Sergio. Por todo lo que pasó después, diríamos que mereció bastante la pena.
Rockliquias - ¿Qué tal la colaboración con Cesc Céspedes?
Cesc era el bajista de Exxasens, lo conocimos durante la gira que te he mencionado antes. Compuso y grabó los bajos de varios de los temas del EP, que por algunos problemas no pudimos grabar bien
mientras estuvimos allí. Es un gran profesional, un bajista enorme y un muy buen amigo de la banda.
Rockliquias - Dos años más tarde llega vuestra segunda producción, "119". ¿Cómo fue la grabación?
El 119 lo hicimos con Santi García en Ultramarinos Costa Brava. Santi ha grabado discos míticos de bandas que nos molan, como Viva Belgrado, Nothink o Nueva Vulcano, y teníamos claro que en
este disco queríamos trabajar con él. Estuvimos con Santi 10 días grabando y mezclando y fue una pasada. Aprendimos un montón de cara a futuras grabaciones, y como banda nos fuimos de allí teniendo mucho más claro qué era lo que queríamos hacer.
Rockliquias - ¿Cómo ha evolucionado vuestra música?
Si te refieres a después del 119, ahora mismo estamos trabajando en consolidar un sonido que sea característico de la banda y en hacer temas más compactos. 119 fue un experimento guay, ecléctico, en el que probamos diferentes estilos. Nos gustaría que el próximo trabajo tuviera una línea más coherente en cuanto a composición, hacer un disco más “hilado”.
Rockliquias - Los temas suenan muy frescos y dinámicos. ¿Denotan el estado de la banda?
Desde el principio hemos tenido claro que queremos componer temas que nos suenen originales y diferentes. Siempre hemos hecho música pensando primero en nosotros mismos, en mejorar como músicos y como banda, que ninguno somos grandes virtuosos. Si además después hay gente que recibe bien nuestro trabajo, eso nos alegra muchísimo, que es en el directo donde mejor lo pasamos, y donde creemos que se representa mejor el espíritu de la banda.
Rockliquias - ¿Cómo van los conciertos, hay público para este tipo de música?
Nosotros hemos tenido algunos conciertos muy buenos y otros peores en cuanto a afluencia de público se refiere. Unas veces hemos tenido casi doscientas personas viéndonos, y otras, ni cinco.
No son números monumentales. En España cuesta en general que la gente se mueva a ver conciertos que no sean de bandas con un gran nombre. De todas maneras, nos alegra mucho ver a bandas del país haciendo instrumental a las que les está yendo muy bien, como pueden ser Toundra o Jardín de la Croix.
Rockliquias - ¿Cómo surge la oportunidad de tocar en el Bergmal Festival de Zürich?
Fue gracias a Mau, el otro jefe de Aloud Music. Contactó con el festival y les debió de interesar la propuesta, porque ahí estamos. Va a ser la segunda vez que salimos de España a probarnos y el cartel es una pasada, tenemos muchísimas ganas.
Rockliquias - ¿Para cuándo nuevos temas?
Ahora mismo estamos centrados en la composición de temas para el próximo disco. Tenemos ya dos temas nuevos cerrados, que estamos probando en los directos y creemos que funcionan bien, y otros cuantos empezados que nos molan. Hay ganas de sacar música nueva, la verdad.
Rockliquias - ¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona? ¿Surgen bandas nuevas?
Valencia es una ciudad grande y continuamente están apareciendo grupos nuevos. Nosotros conocemos a gente que está tocando en bandas bastante jóvenes a las que les está yendo muy bien, como pueden ser La Plata o Badlands. Ellos hacen otros estilos, pero si hablamos de instrumental, los chicos de Dûrga han hecho muchísimas cosas en apenas dos años, desde grabar dos discos a hacer conciertos por México y Estados Unidos, y nos parecen brutales.
Rockliquias - ¿Qué les diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?
Bueno, nuestros discos se pueden descargar de forma gratuita en nuestro Bandcamp, así que por esa parte no hay excusa posible. Y en cuanto a los directos, nosotros estamos convencidos de que es ahí donde la banda se expresa mejor.
El último trabajo de Our Next Movement nos ofrece ocho temas que según los sesudos críticos musicales actuales se mueven por los caminos del math rock con ciertos tintes post-rock. Menuda explicación. Para los que ya peinamos canas es mejor hacer referencia a los clásicos como el "Red" de los Crimson pero actualizado al nuevo milenio. Música donde los pasajes instrumentales van cambiando sutilmente para envolvernos en una maraña de sonidos cautivadores. La grabación se inicia con uno de los temas más potentes "Michael's Secret Stuff", ritmos entrecortados donde las guitarras de Fran y Sergio se coordinan con una precisión digna del mejor reloj suizo. "Sr. Shemyrs" nos demuestra la destreza técnica de los miembros de esta banda valenciana. Sigue la fuerza instrumental combinada grandes riffs.
Who the Fuck Invited Murphy?, curioso título. ¿Alguién sabe quién fue?. Uno de los pocos temas donde aparecen voces en forma de coros. "Ihan Kaunis" es la composición más larga de "119" con un sutil tratamiento del cello y con voces que se desmelenan entre tanto entramado sonoro. Llegamos a uno de mis temas favoritos, "·", escueto pero extremadamente bello donde cello y guitarra acústica se combinan magistralmente. "Goodbye, Dusty Harry" ,magnífica labor de su sección rítmica, Paco y Juan, sin olvidarnos de su teclista, Carlos, que actualmente ya no está con el grupo. "The Japanese Standoff", otro de los destacados. Finalizan con "Last Night's Grandpa", gran alarde instrumental.
