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PERSEFONE - Spiritual Migration (2013 / VICISOLUM) (Rockliquias Bandas)

Para animarme a hacer ésta reseña, he tenido que salvar dos "posibles obstáculos". Primero, que éste sexteto son de Andorra La Vella.  Que no es España, vaya. Pero por proximidad, y simplemente por la cantidad de vinilos que pillé allí en los tiempos dorados del formato, merecen mi atención. Y segundo,  no verás muchas reseñas mías de bandas que practiquen death metal, aunque sea melódico y progresivo. Cayó éste disco a mis orejas y quedé prendado de su técnica de otro mundo, alto nivel profesional y maleabilidad estilística. Cuando son metal, son muy extremos. Pero cuando son prog, son una delicia. Y suele ser muy a menudo. Todo lo hacen bien, qué tíos! 


Formados en 2001 y grabando por primera vez una demo en 2003, su proyección y distribución internacional es incuestionable. Sobretodo en Europa y Japón  (donde distribuyen y venden con regularidad sus obras).

En la actualidad, Persefone lo integran Marc Martins Pía (voz solista), Carlos Lozano Quintanilla y Filipe Baldaia (guitarras), Miguel Espinosa Ortiz (teclados, voz), Tony Mestre Coy  (bajo) y Sergi Verdeguer (batería). Tanto Carlos Lozano como Tony Mestre pertenecen a la primera formación original. Eso da idea de las idas y venidas de miembros que han sufrido, imperturbables.


"Spiritual Migration" es su cuarto álbum y penúltimo,  lo más cercano es "Aathma" (2017). Siendo los anteriores "Truth Inside The Shades" (2004), "Core" (2006) y "Shin-Kan"(2009). Cinco discos como cinco soles en donde puedes escuchar una fusión de estilos entre los Opeth de "Blackwater Park" a "Watershed", Dream Theater, o en sus momentos calmados, los superiores Soen. Mucho decir, lo sé,  pero por eso están aquí. 

"Flying Sea Dragons" abre el que hemos elegido con sinfonismo dominante y sección rítmica al más alto nivel / poder. Nos lleva a la a-pa-bu-llan-te y colosal "Mind As Universe". Tanto, que perdono  los guturales inherentes al género, como hice en su día con Opeth,   por su altísima calidad musical. Los sintetizadores no se cortan en solos afilados y compiten a la par con las barrocas guitarras. Todo en infalible efectividad. Técnicamente pasmosos, no me cansaré de decirlo. 

"The Great Reality" noquea a mucho power metal star de recreo infantil. Dicho por alguien que no es muy proclive a éstas músicas  (yo), creo que garantiza su extraordinaria calidad a todos los niveles. Son muchas horas de ensayo hasta llegar a éstas difíciles construcciones instrumentales. A veces de rigor clásico  (aparente en los teclados). De pronto, pueden aparecer remansos floydianos o incluso berlineses, de extrema sensibilidad, en simbiosis con unas teclas dignas de un Jordan Rudess.  La voz "normal" es elegante y agradable, de las que se adaptan a todo con total tranquilidad. Podrían acometer el género musical que les viniera en gana. 

En "Zazen Meditation" suenan al comienzo como Deuter o Kitaro.......realmente nos proponen un inmenso mundo lleno de percepciones de todo tipo, incluidas muchas emociones fuertes. A lo largo de ésta extensa obra de 70 mts, que se hacen cortos.


Si no eres muy dado a éste género,  Persefone puede hacerte cambiar de opinión con su inmenso potencial cromático. Creo que hay aquí arreglos que no había escuchado en la vida. Y su dominio melódico es excepcional. Arrasan al oyente a base de inmisericodes andanadas de ideas frescas, en contínuo bombardeo. Escucha "Outro", su instrumental final a modo de "música de créditos" de película, y dime si no son una maravilla.
Un portento de banda.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. Flying Sea Dragons (00:00~)
2. Mind as Universe (01:48~)
3. The Great Reality (06:29~)
4. Zazen Meditation (12:56~)
5. The Majestic of Gaia (16:49~)
6. Consciousness Pt.1 : Sitting in Silence (25:27~)
7. Consciousness Pt.2 : A Path to Enlightenment (28:50~)
8. Inner Fullness (34:34~)
9. Metta Meditation (42:07~)
10. Upward Explosion (45:54~)
11. Spiritual Migration (48:50~)
12. Returning to the Source (57:38~)
13. Outro (1:06:44~)



Contacto:

Web: http://www.persefone.com/


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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ETHERNAL WANDERERS (discografía)

Esta banda de Moscú es un proyecto progresivo de las hermanas Elena y Tatyana Kanevskaya, voz y teclados la primera y guitarra y bajo la segunda. Completan el grupo Sergey Rogulya en drums, Dmitry Shtatnov en sintetizadores analógicos, bajo, coros y efectos y Dmitry Dgunov en flauta más alguna colaboración esporádica. 


Me gusta que por fin la presencia femenina vaya apareciendo cada vez más en el mundo del prog rock y además en muchos casos como éste, llevando el liderazgo. Esto es bueno. Leí hace muchos años en algún sitio que las bandas de rock progresivo más sinfónicas tenían un sonido “femenino”. Los propios Genesis recuerdo perfectamente que definían su música como “femenina” hasta el “The Lamb” que reconocían que se habían vuelto más machotes y masculinos. ¡Que cosas oiga!. Resulta gracioso escuchar esto en palabras del propio Peter Gabriel. No sé exactamente en que consiste un sonido “femenino” o “masculino”. Lo mismo que en música electrónica se emplean términos como “sonido blanco” o “sonido rosa” o “ondulaciones de sierra” etc. Todo demasiado snob, ya veis. No sé cómo definirían los expertos el sonido de una flatulencia, pero tendría curiosidad. Los estudiosos en el mundo de las artes, la música, el cine y lo creativo en general, definen y clasifican cuando una obra ha sido creada por un hombre o por una mujer. Pero recuerdo que muchos compositores clásicos fueron gays así que la cosa se complica. Donde más se nota es probablemente en la literatura y también en la forma de pintar. De todas formas no llego a semejante estudio sociológico, así que dejémoslo para las mentes más afectadas y “elevadas”.

Un aspecto de las nuevas bandas rusas progresivas es que al contrario que las occidentales no se ciñen a una disciplina concreta. Quiero decir con esto que igual te sorprenden con estilos peculiares en un mismo álbum. Pueden pasar de la delicadeza y finura más absoluta al contraste musical más radical, a lo marciano o al trallazo brusco en cuestión de segundos. Si a ello añadas el folclore y sus músicas autóctonas el resultado puede significar un viaje hacia lo imprevisible y desconocido para mentalidades forjadas en músicas concretas. Muchas veces a diferencia de la “uniformidad” europea, sus pintas o forma de vestir no coinciden siempre con la música que realizan salvo que pretendidamente quieran dar una imagen acorde con lo que hacen.


 Eternal Wanderers tienen una estética “global” y ello se refleja en su música que puede ir a sitios muy diversos e interesantes a la vez. Su primer trabajo discográfico llamado “Puerta a un mundo paralelo” de 2008 está definido hasta en su título. Lo sinfónico, lo folky casi céltico, lo psicodélico, lo indie o lo alternativo se funden en una música rica en propuestas. La voz de Elena es correcta (canta en inglés) pero no es muy lírica para mis parámetros. Pertenece más a aquellas voces femeninas de la costa oeste americana tipo Grace Slick y Mama Cash o a la  Jerney Kaagman de los holandeses setenteros Earth and Fire que a las lindezas de Magenta o Cirrus Bay. Sin embargo, la música te engancha lo suficiente como para no dar un protagonismo a la voz solista que tampoco lo tiene. Ante tus ojos en la música de los Errantes Eternos cita diversas décadas y estilos confundidos en el tiempo y el espacio.

 Suenan completamente actuales, pero está siempre de fondo esa forma inconcreta de hacer rock progresivo que si bien es complejo y agradable tampoco busca el perfeccionismo de otras bandas afines. Las guitarra solista de su hermana Tatyana es un paseo entretenido por aquellos sonidos ancestrales de un buen número de guitarristas psicodélicos. Los teclados emersonianos sin embargo te dan una sensación de mayor acercamiento a lo sinfónico de siempre. El resultado es peculiar y hasta hermoso en ocasiones.  Es como si el tiempo se fundiese en algo híbrido ciertamente, pero en absoluto chocante o disperso.                                                              


Su siguiente disco de 2011 se llamaría “So Far and So Near” es algo bastante más sombrío. A veces sus melodías invocan a la oscuridad épica del mundo gótico. La primera pieza “And the world will be” parece la banda sonora de alguna serie de temática medieval de Netflix pero no es una ironía por mi parte. La verdad es que así suena o así lo oigo yo porque a los pagan metaleros les sonará más a una delicada canción de cuna y ahora sí que empleo la ironía. Este es un álbum que gustará a los amantes de sonidos cinematográficos épicos y oscuros. No obstante su portada lo dice todo. Hasta a Roman Polansky le hubiese encantado usarla para la Semilla del Diablo. Sinfónico gótico curioso pero alejado de la terminología de ese estilo musical de pesadilla. Musicalmente es superior al trabajo anterior porque explora mayores detalles expresionistas de vanguardia (Energy of Light por ejemplo). Yo lo definiría como una música de ampulosidad tenebrosa y tristona con algún ribete al lirismo ensoñador. Muy buen trabajo que merece la pena escuchar con atención. 


Su última entrega hasta el momento aparece en 2016 en forma de doble CD: “The Mystery of Cosmic Sorrow” en un cambio casi completo de registro. Ahora nos vamos al space rock electrónico con ínfulas psicodélicas futuristas y toques de fusión steampunk. Nada más comenzar la música suena muy experimental, perfecta para alguna historia distópica que tanto gusta a la ciencia ficción contemporánea. La normativa sonora opta de nuevo por ampulosidades cinematográficas post Blade Runner y malos rollos similares que tanto afectan a la generación de mis hijos.  Yo y algunos de mi generación nos considerábamos existencialistas escépticos cosa que con la edad se perfecciona hasta límites cachondos, pero los inteligentes vástagos que tienen ahora entre 25 y 30 años nos superan con creces. Todas las catedrales mentales han caído. Toda creencia ha caído, toda empatía al ser humano ha dejado de existir. Yo como negativista profesional y pesimista licenciado en cum laude me alegro dolorosamente. Lo mejor que podríamos hacer como especie es dejar de reproducirnos y dejar a la naturaleza en paz, pero ellos lo harán por mí. Si al final un chaval coge un arma, va a un instituto y dispara contra todos, algo hemos hecho mal. Si al final la gente huye al mar y nadie los quiere y prefiere que se ahoguen para que no molesten, algo hemos hecho muy mal. Si tenemos dirigentes que vuelven a rescatar la pureza de raza, la creencia en un dios y el exterminio del diferente, es que lo hemos hecho todo rematadamente mal. A mi edad todo lo que haga el ser humano no me sorprende. Un imbécil que no ha podido erradicar las religiones y las creencias estúpidas incluidas las materialistas. Un imbécil al que solo le importa el negocio y gestionar el marqueting capitalista del mal de la manera más productiva posible no merece mi perdón. Los pueblos anclados en costumbres y creencias que desean matar porque su dios así lo quiere no merecen mi respeto ni mi perdón. La música a su manera nos recuerda todo ello porque nos dice lo que deberíamos ser y no lo que somos. 

Lluvia de metano dicen los Eternal Wanderers. Nacido para sufrir… Mundo silencioso… Valle del olvido…Tiempos difíciles… Por el camino equivocado… son los títulos de este disco. De una banda rusa que hace música para la evasión, pero también para que nos miremos en un espejo.
Alberto Torró

 




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CIRRUS BAY (Discografía. Primera parte)

Me he propuesto comenzar de manera agradable y lírica esta nueva andadura sinfónica porque como ya sabéis los que me leéis habitualmente, lo épico y melódico es mi género favorito dentro de la familia de lo que denominamos música progresiva. 


No siempre soy un sinfónico recalcitrante tengo que decir, he escrito sobre músicas muy diversas, es cierto, pero aunque os hable de otras tendencias dentro del estilo, “la cabra siempre tira al monte” que es un dicho español para definir nuestros gustos e inclinaciones. El lado hermoso y clásico de este tipo de música siempre fue vilipendiado y atacado por la prensa y la crítica internacional. Esto siempre me ha dado coraje y motivos para su defensa durante toda mi vida. Incluso en los peores momentos de décadas anteriores que declararte “sinfónico” era motivo de apestado o leproso musical. Si de algo estoy orgulloso es de no haber cambiado nunca de bando y reconozco que a veces quizás me exceda en intransigencia con otros estilos de rock que en mi caso tan solo se traducen en indiferencia que no debe confundirse con animadversión. Si no afecta no molesta. Cada uno es como es y cambiarlo no se debe si quieres ser honesto contigo mismo y con los demás.

Asentados los principios os hablaré de Cirrus Bay una banda originaria de Buckley, Washington que en realidad comenzó como dúo acústico en 2001 de la mano de Bill Gillham y Sharra Gillham (ahora Sharra Acle). Supongo que padre e hija por las fotos y apellidos. Tocaban en pequeños clubs y cafeterías. Al poco tiempo se convirtieron en grupo con la incorporación del batería, bajista e ingeniero de sonido Mark Blasco y Anisha Gillham (la otra hija supongo) en guitarras y voces. Bill es el compositor y líder y se encarga del peso instrumental con teclados, guitarras e instrumentos de cuerda. El estilo inicial se encuadraba dentro del folk y el refinamiento del jazz más ligero. Se nota que en sus comienzos la banda estaba tratando de encontrar su estilo, pero una cosa ya queda clara desde el principio que son las voces femeninas. Una de mis debilidades dentro del rock sinfónico. Reconozco que me paso horas buscando por la red bandas con front singers femeninos. No todas las voces femeninas me sirven debo aclarar. No es lo mismo una desgarrada y áspera Janis Joplin que una Annie Haslam renacentista. Ni una rockera gritona al lado de excelencias líricas como Sandy Denny de Fairport Convention o Christina Both de Magenta y ya las folk célticas son mi delicatesen. Las Whitney Houston y similares me ponen de los nervios y dolor de cabeza. Desde que Pink Floyd metiese la irritante voz femenina en Dark Side me he vuelto alérgico. De los cantantes masculinos en general mejor no hablo.


Una de las características de Cirrus Bay es que las voces femeninas en todos sus discos son preciosas. Yo os voy a decir que una buena voz salva de la quema a muchas músicas. Pero si una excelente música emplea una voz mediocre o mala es la ruina total de todo por muy buena que sea la instrumentación. ¿Parece sencillo de entender no?... pues muchos no se dan cuenta de ello. Si una banda de rock sinfónico no tiene un o una cantante de alto nivel y bonita voz que se dé por jodido. Es así de simple. No hay nada más horrible en la música actual que la mayoría de los cantantes de rock, pop o lo que sea. Terrible. Tener una buena voz es un don reservado a muy pocos porque aparte de “dar la nota” correctamente, que no es suficiente, debes tener sensibilidad y cautivar al que escucha. Ahí surge la magia. Dicho esto, si no tienes una buena voz, haz música instrumental.


“The Slipping Of A Day” lo graban en 2008. Se trata de un álbum que tiene las virtudes y los defectos de una ópera prima. Dura excesivamente hasta los 76 mtos. El potencial de las composiciones es excelente, hay piezas de 12 y 19 minutos (The color in your head) de bonitos trazos acústicos, pero suena débil, inconexo y falla la producción. Puede dar la sensación de esbozos inacabados sobre todo en las primeras piezas del disco y afortunadamente la mediocre voz masculina de Alex Brighenti solo aparecerá en este disco. Los arreglos vocales son inmaduros e ingenuos. No fue el primer álbum que escuché de Cirrus Bay ya que probablemente habría tirado la toalla y este error del que fueron conscientes no volverá a repetirse en los siguientes discos. No obstante, las canciones y la composición en general tienen su encanto. El atractivo de esta banda reside en la melodía y el preciosismo instrumental que imprimen en todo su trabajo.


 

“A Step Into Elsewhere” de 2009 es otra cosa. La prometedora música hermosa que se apunta en su primer disco se presenta aquí en todo su esplendor. Las dos cantantes Gillham redondean un disco precioso. Los errores se han corregido y la música es verdaderamente encantadora. Llegados hasta aquí si no te van las delicadezas y la música bonita no sigas. Hay gente alérgica al azúcar y a la sensibilidad. No pasa nada. Mariconadas las justas dirían con sonrisa torcida. Os descojonaríais de la cantidad de tipos duros que existen qué luego se emocionan con una canción de America o Simon & Garfunkel.  



La influencia progresiva de Cirrus Bay parte de los primeros cinco años de la década de los 70´s pero llevados a la actualidad. Han cogido lo mejor del género, pero con un sonido fresco y actualizado. Claro que las bandas folkies de esa época también están presentes de alguna manera y desde luego Bill Gillham conoce bien los secretos de aquel sonido maravilloso.  Las seis piezas del programa se inician con “Serenity in a Nutshell (13.11) aquí ya la debilidad sonora patente en su primer trabajo desaparece y muestran un lujurioso sinfonismo genesiano muy época Phillips con encantadoras guitarras acústicas, sonidos modernistas de oboe y maravillosas voces. Déjate llevar ya que solo es preciso eso. Tu oído no te va a pedir ningún esfuerzo. Oyes el disco con la misma facilidad que te comes una caja de bombones o te bebes un agradable refresco. La amabilidad melódica es una delicia llena de finura y los ecos del Floyd más elegante aparecen en pasajes intermedios instrumentales casi acariciando. 



 

Música bonita pero además con alta dosis de ternura que pondrá de los nervios a los que tengan problemas con la educación, gusto por lo vulgar y áspero y escasa tolerancia a la bondad. Todas las piezas parecen mecerte en una nube. Cuando los norteamericanos se ponen finos ojo con ellos. La tónica general de todo el álbum es de una ensoñación absoluta, hasta llegas a pensar que hay buena gente en algún universo paralelo. “Zenobia” que cierra el disco es una suite de casi 17 mtos con todos los ingredientes que un sinfónico amoroso y una persona de buen corazón necesita. Lástima que en el mundo los buenos corazones sean tan escasos. Seguiremos la próxima semana.
Alberto Torró








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JEAN - PAUL PRAT - Masal (1982 / PRIVATE)

Francia fue en la década dorada del progresivo, uno de los búnker que mejor supo posteriormente preservar su legado. No sólo con sus interesantes sintetistas y músicos de vanguardia, que tomaron el relevo a los brujos berlineses. También con ése auténtico estilo al margen de todo llamado Zeuhl, que crearía su más grande banda, Magma. Puede que alguno, por llevarme la contraria, me diga que Ange.  Pero sólo hay que ver dónde están uno y otro en el presente, y ya en las páginas de historia.


Para sellar lo dicho, se formó el sello Musea, uno de los primeros a nivel mundial en apostar por el prog rock hasta en sus momentos más difíciles. Precisamente fue éste sello el que reeditaría ésta joya en formato digital, en el ya lejano 1995. Y lo hicieron incluyendo cuatro bonus valiosisimas, procedentes de 1985. Pero la cuestión que nos ocupa es que "Masal" fue inicialmente un álbum editado privadamente en 1982, que se grabó en Studio Venus, en Longueville, en el verano de ése mismo año.

Antes de todo esto, Jean-Paul Prat había estado en los 70 en, precisamente,  Masal.  Grupo francés  que comenzó  en los primeros 70 y actuó activamente. Abriendo conciertos para nada menos que Magma, Gong o Soft Machine. Separándose en 1976, y Prat moviéndose para Alemania a probar suerte, imagino que como sintetista. Ya que en ésos momentos, además de la batería,  (su verdadero instrumento en Masal), era su fuerte. De vuelta a casa para la nueva década, se monta ésta formidable masterpiece que sorprende a todo aquel que la escucha. Como diablos no ha pasado la barrera del anonimato ésta grabación? Y tirando del hilo.......vendrían éstas músicas de una conexión lógica con Masal - grupo? Existen grabaciones de éstos ? Demasiadas preguntas y una sola respuesta : "Masal", el álbum.  Una joya a descubrir con urgencia en caso de que no se haya hecho. Rodeado por un elenco de brass section,  los teclados de Jean-Jacques Willig, varios guitarristas,  entre ellos Alain Escure o el bajo de Herve Gourru. Y, atención,  un primerizo Jean-Pascal Boffo al bajo en el bonus track, "Maran Atha-Selah" (9'13).

Por su parte Prat no sólo compone toda la obra. Aporta batería,  teclados, voces como instrumento,  piano, trompeta y bajo. Una especie de Mike Oldfield / Pekka Pohjola (los cuales tienen una fuerte conexión), de los que además,  toma más de una influencia. "Masal" era un sólo tema de 42'20 mts. Lógicamente, en el, imagino que carísimo original, partida en dos por ambas caras del vinilo. Otra ventaja del cd en éste caso, es poderla escuchar de tirón  y con sabrosos extras. Al César lo que es del César. Jean -Paul Prat es un batería excelente,  espectacular, de la escuela Vander, eso se nota al vuelo. Hace hablar a las percusiones. Que dialogan a cara perro con los vientos, en un mudo mundo kobaiano, de evidente Zeuhl instrumental. Adulterado con arrebatos sinfonicos y pellizcos de otros subgéneros prog, igual de ricos y apetecibles. Aquí el influjo de compatriotas como Weidorje, Zao, Pulsar, Arachnoid (y por ende, King Crimson), o los citados Oldfield, Magma, Pohjola, (y si de Escandinavia hablamos, inserte todo el prog instrumental que se le ocurra), están a la orden del día. La riada de ideas en continuo movimiento de ésta obra, pertenecen más a los 70 que a unos insípidos 80. Lo que deja claro que Prat no pretendía menearse de su posición ideológico - musical, por cuatro tontos con hombreras. Cada pasaje entusiasma más que el anterior. La sorpresa es continua y la energía,  tan arrasadora como una colección de un death metalhead. Cuando aprenderá el potencial oyente que la "dureza" de una música no está en lo sucio o alto que se ponga el ampli. Que es un arte más a esculpir con astucia, inteligencia y....sentimiento. Algo que Prat derrocha a raudales en esta maravilla indiscutible.


Entre los extras del cd, "Messagers De Notre - Dame" (15'56) es otra preciosidad a la altura de la obra magna. Data ya del 85, pero no pierde ni pizca de su integridad progresiva. Y eso que Prat se había convertido al cristianismo y esas decisiones siempre afectan a la música de un compositor. Pero al parecer, siguió componiendo con el mismo buen gusto de siempre. Cuando se habla de éste músico,  "Masal" es su firma eterna. Como "Tubular Bells" para el que tú sabes.
Y entre nosotros.....es mucho más completa la primera.
J.J. IGLESIAS


Temas

A Masal (1ère Partie) 21:35
B Masal (2ème Partie) 21:20







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TOKYO TRAMPS - If I Die Tomorrow (2018)

Tokyo Tramps tomaron su nombre de un tema de su ídolo,  Bruce Springsteen. En concreto del "Born To Run" que en una de sus estrofas dice: "Tramps like us, baby, we were born to run". La banda está formada por la pareja sentimental Satoru Nakagawa (voz, guitarra) y Yukiko Fujii (bajo, voz), apoyados por el batería Kosei Fukuyama.


Finalizada la escuela secundaria en Japón, Satoru Nakagawa, decide cambiar de aires y trasladarse a Louisiana. Se matricula en la Universidad de Nueva Orleans y durante algún tiempo se adentra en la cultura americana tocando música y viviendo la noche. Algo incompatible con los estudios que finalmente tiene que abandonar. En 1996 entra en el Berklee College of Music donde conoce a Yukiko Fuji y con la que forma Tokyo Tramps en 1999. La formación se completa con Yoshi Hayata (guitarra) y Kaoru Suzuki (batería). En 2000 editan su primer disco “Long Way from Home”. Su segunda producción llega en 2003, "Bound For Glory", con un nuevo batería, Wataru Hirohara. Al año siguiente se quedan semifinalistas en el Boston Blues Challengue. Los cambios en las baquetas son continuos, Akihito Yoshikawa y Toshio Tanaka que participa en su tercer LP, “Lucky Jive Will Come Home On King’s Road” (2006). Como era de esperara para su cuarto trabajo, "Tokyo Gumbo", nuevo cambio, Kosei Fukuyama. En 2009 graban "With These Hands. Al año siguiente ganan el River City Ohio Blues Competition e incorporan un nuevo miembro, Jumpei Fujita (saxo). En 2012 Jungho Kang (batería) sustituye a Kosei y en 2013 llega "Rolling Rockland Blues Hour". Su último trabajo hasta la fecha es " If I Die Tomorrow" (2018)" con Tim Carman a la batería.


 "If I Die Tomorrow" (2018) es el séptimo trabajo de Tokyo Tramps. Producido por Carlisle y Peter Parcek en el estudio Carlisle's Ice Station Zebra en Medford, Massachusetts. En cuanto a su música tenemos un cúmulo de sonidos donde predomina el blues. Temas como la inicial "Flowing Water", con unos excelentes coros de Yukiko, "If I Die Tomorrow" con claras influencias "hendrixianas", la vertiginosa y una de mis favoritas "Bluebird"  o incluso "Talkin' To Someone" caminan por el sur de los "states". En "Why"  podemos apreciar la voz de Yukiko finalizando con un gran solo de Nakagawa. En la instrumental "Misty Forest" vuelve a reaparecer la alargada sombra de Hendrix y Page en el manejo del "wah wah". Algo de funk encontramos en la desenfadada "Betty's Kitchen". "Talkin' To Someone", sonido setentero con excelente "slide" y preciosos coros. "Mystery Man" es otro de mis temas favoritos con un Nakagawa presentando toda su artillería guitarrera y Yukiko cantando. Puro rock a lo George Thorogood tenemos en "Reprobates, Tramps, and Saints". Finalizan con "Lovin' Man", una tierna balada acústica. Y de propina dos temas mas. "Winter Always Turns to Spring" vuelve a demostrar la calidad técnica al slide de Nakagawa. "Blues in My Blood" es otra perla en la colección blusera de Tokyo Tramps. En esta ocasión les acompaña el batería  Tim Carman.
J.C.Miñana










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JOE BYRD AND THE FIELD HIPPIES - The American Metaphysical Circus (1969 / COLUMBIA) (Serie Pioneros)

(Resumen de lo publicado): En nuestro anterior episodio de "Serie Pioneros", dejábamos a Joe Byrd recién liberado de sus obligaciones con The United States of América,  recién disueltos. Banda que había influido con sus construcciones electronic - pop - psych atípicas, en la escena de vanguardia. Enseguida montará un nuevo combo, The Field Hippies,  junto a Pot (Phillip Namanworth) al piano, harpsichord y arreglos orquestales. Ed Sheftel (trompeta, fiscornio), Fred Selden (clarinete, saxo, flauta), Ted Greene (guitarra), Larry Kass (tabla) o Michael Whitney (guitarras), entre otros. Pues la lista de acompañamiento brass, ("brassas" para algunos), es todavía más larga. En el otro extremo del cuadrilátero tenemos a Joseph Hunter - Byrd al órgano,  producción,  voces, teclados y sintetizador (sí. ..ya....por fín! ).


El disco se divide en cuatro largas partes subdivididas  en pequeños cortes titulados. Así,  la primera de éstas  es "The Sub-Sylvian Litanies". En un impresionante formato místico donde cánticos rituales se fusionan con órgano y primeros sintes, recordando al Vangelis de los primeros 70. De repente todo explota tras un loop vocal, en un paraíso psicodélico  que bascula entre la Jefferson Airplane y Amon Duul II. Excelente inclusión de guitarras, con los vientos en segundo plano y apoyando a la sección rítmica. Diversas experimentaciones pre-kraut de relajada  naturaleza, continúan la grabación. Puro psicodelismo para poner como banda sonora a la última de Tarantino ,(ojo, sólo verla, porque para lo que hay que oír. ...bonito falso documental, pero inexistente película). Los efectos stereo,  que eran mil veces mejor aprovechados cuando tenían cuatro trastos a ahora, con toda ésa tecnología alienígena del infierno, aportan más vanguardismo al disco. Una sección orquestal ofrece momentos oníricos entre primer sinfonismo, musical de Broadway y surrealismo a la Lewis Carroll.

"American Bedmusic-Four Dreams for a Departing President" pone su punto político  (o anti), con voces del propio Joe Byrd y Christie Thompson. El Hammond y piano entran en acción en un típico prog-soul ataque, no alejado de lo que hacían en la primera versión  (y mejor) de Jesús Christ Superstar. La última parte, "Mister 4th of July" se construye al swing style de big band desde un arcano tocadiscos de época. 

Y asi nos ponemos en la segunda cara con "Gospel Music for Abraham Ruddell Byrd III", en un estilo parecido a los primeros Allman Bros o Leon Russell. El eclecticismo reina en ésta grabación,  que se diría estar intentando una aproximación "Sgt. Pepper" a la americana. La cuarta y última parte, "The Southwestern Geriatrics Acts and Crafts Festival" respira aires hippies, bañados en dixieland, en jazz más actual, en rock, en orquesta "easy listening", en corales cuasi-navideñas.....Y la banda entró a tocar para salvar una pérdida de identidad casi irrecuperable. Vuelve la psych music de pleno derecho, en jam con electronics subliminales, adelantándose unos cuántos años al Eno de Roxy Music. Y un sonido pre-Amon Duul II con orquesta que identifica toda la obra. 


En general menos acertada que The United States of America,  pero que no deja de ser un típico y amado producto de su tiempo, que se escucha con interés. Su precio suele puntuar a no menos de 100 pavos (en adelante), pero hay una versión cd editada por Arcadia en 2007. Otro ingenio olvidado de finales 60 con curioso contenido y merecedor de ser tenido en cuenta.
J.J. IGLESIAS




Temas

The Sub-Sylvian Litanies
A1 Kalyani 3:50
A2 You Can't Ever Come Down 2:58
A3 Moonsong: Pelog 3:47

American Bedmusic I - Four Dreams For A Departing President
A4 Patriot's Lullabye 2:44
A5 Nightmare Train 3:23
A6 Invisible Man 3:31
A7 Mister 4th Of July 1:46

Gospel Music For Abraham Ruddell Byrd III
B1 Gospel Music 4:28

The Southwestern Geriatrics Arts And Crafts Festival
B2 The Sing-Along Song 4:00
B3 The Elephant At The Door 5:10
B4 Leisure World 1:33
B5 The Sing-Along Song (Reprise)







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Rory Gallagher ‎– The Bullfrog Interlude 1973 -1972

En 1992  la salúd de Rory Gallagher se encontraba bastante deteriorada (moriría tres años más tarde). Estaba bastante harto de que sus conciertos aparecieran en formato "pirata" por ello se decidió a rescatar algunos de sus shows bajo su producción. El resultado fue "G-Men. Bootleg Series Volume One" un triple Cd que contenía la grabación que hoy presentamos " The Bullfrog Interlude".


Nos metemos en la capsula del tiempo y nos trasladamos a 1973.  En ese año Rory introduce cambios en su banda con la incorporación del teclista Lou Martin (Killing Floor) y el batería Rod de'Ath que sustituía a Wilgar Campbell. En el bajo seguía Gerry McAvoy. En febrero edita "Blueprint" y en noviembre  llegaría su cuarto albúm en estudio,"Tatto". También participa en las London Sessions  de Jerry Lee Lewis.


La grabación corresponde a la actuación de Rory Gallagher en la BBC en 1973. Acababa de editar su tercer disco en solitario, "Blueprint", y estaban en la gira de presentación. En cuanto a la música tenemos a Rory en plena forma tocando temas de rock blues como "Hands off" o "Race The Breeze", clásicos del blues con su acústica como ""Banker's Blues" ( Big Bill Broonzy). También encontramos temas tradicionales muy presentes en todas sus actuaciones como "Hoodoo Blues " y "Bullfrog Blues" con solo incluido del bajista Gerry McAvoy y del batería Rod de'Ath. A destacar "What in the World", un blues que pone los pelos como escarpias. No me quiero olvidar de los solos de Lou Martin que con su piano eléctrico da otra dimensión a los temas de Rory. Sin duda un buen preambulo a lo que vendría después, me refiero al "Irish Tour '74". El disco se completa con tres temas de 1972.
J.C.Miñana

T
Temas
1."Hands Off" - 5:15
2."What In The World" - 9:23
3."Walk On Hot Coals" - 8:23
4."Banker's Blues" - 3:35 Big Bill Broonzy
5."Race The Breeze" - 7:30
6."Hoodoo Blues" - 7:25 Traditional
7."Bullfrog Blues" - 10:18 Traditional
8."Toredown" - 5:44 Sonny Thompson
9."Used To Be" - 5:51
10."The Cuckoo" - 4:08 Clarence Ashley/Doc Watson





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CONEXIÓN - Harmony (1973)

Luis Cobos se hizo famoso en 1982 por "Zarzuela", disco grabado en los estudios Abbey Road con The Royal Philharmonic Orchestra.  También por su colaboración con grupos de la movida madrileña como Mecano, Olé- Olé, Tino Casal entre otros. Pero mucho antes a mediados de los 60 sus inquietudes eran otras.


En 1967 Luis Cobos (teclados, flauta) y su amigo Serafín Alberca (Trompeta) abandonan La Filarmónica Beethoven del Campo de Criptana. Junto a otro manchego, Alfredo Lozaya (guitarra) se trasladan a Madrid para abrirse camino. Establecen contacto con el ambiente musical de la capital y participan en algunas sesiones con el grupo Mermelada. Poco a poco van fraguando un proyecto al que se unen Ernesto Herrero (batería) y Rafael López (trompeta) y Danny McKanlly (Voz). También se incorporan Tomás Zazo (saxo) y José Luis Lenguazco (órgano). Realizan diversas actuaciones en la discoteca Stones que les proporciona un contrato discográfico con Movieplay y en el 69 editan su primer single, "“Strong Lover / West Soul”. Después de la publicación de varios singles y algunos cambios en la formación (se van Zazo y Lenguazco y son sustituídos por Luis Miguel Fornés - teclados- y el guitarrista Rafael Ríos, pasando Serafín a tocar el bajo) consiguen un gran éxito con "Preparad el camino al señor". Por fín en 1973 editan un larga duración, "Harmony". La banda se disolvería al año siguiente.


Este primer y único disco de Conexión contiene seis temas cantados en inglés donde se mezclan sonidos de soul, funk, rock y un incipiente progresivo. La grabación se inicia con "Harmony" con una gran entrada al piano de Luis Cobos y  con un ambiente muy  góspel. El segundo tema "Don't Cry" sigue una línea similar con sección de viento a lo Chicago. En "Hello my friend" se desarrolla la parte más experimental de la banda con una gran guitarra funk. "Our Music" progresivo mezclado con sonoridades a lo  Blood, Sweat & Tears. "Summer Day" es uno de los más destacados de la grabación con un gran solo de flauta a cargo de Cobos. El disco se cierra con una larga suite de 15 minutos, "Concierto 1", donde la banda muestra todo su potencial. El disco se grabó en los estudios Kirios de Madrid y es un pedazo de nuestra historia musical.
J.C.Miñana



      






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HUMAN FACTOR - DISCOGRAPHY

Pertenecientes a la escuela del space rock nos llega esta super banda que de paso me sirve para cambiar un poco la línea y ofrecer un guiño a los amantes del rock ácido-electrónico en onda a Ozric Tentacles o Quantum Fantay y para los que sois más viejos recordaros a Gong o Steve Hillage


Le decía hace poco a un joven músico neo-psicodélico pillado en los tiempos en que Pink Floyd era un grupo original y excitante: es decir 1968-1972. Digamos hasta Obscured By Clouds porque de la cara oculta hasta nuestros días Pink Floyd solo fue una máquina de hacer dinero y que se hable de ellos hasta en los telediarios. Le decía al chaval que si quería hacer música imaginativa buscase un trabajo fijo al margen del arte que le diese para comer. A mí me daría vergüenza salir en los telediarios por algún asunto musical y lo he dicho en muchas ocasiones: si hablan de ti y eres famoso algo estás haciendo mal. La excelencia en la vida está reñida con la fama. Si en la vida haces algo bueno y quieren comprártelo, desconfía de tus propias capacidades, porque solo te lo comprarán si es una verdadera mierda. Si has creado una maravilla nadie te va a hacer ni puto caso. No te quepa la menor duda de esta afirmación. La gente compra lo fácil y llamativo. Lo directo y previsible. Pertenecer al grupo de los que buscan pepitas de oro en la vida no te dará de comer. Hay que ser consciente de ello y por eso si alguien quiere ser rico y famoso ha de firmar un pacto con la vulgaridad. Y con el circo romano. La vulgaridad abre puertas. Un creador o un imaginativo a ojos del populacho triunfará siempre que sea un cada dura o un histriónico o un vende humos. Lo malo sobrevive siempre pero al honesto consigo mismo se lo cargan o lo marginan.

Naturalmente siempre hay un mercado por pequeño que sea. Cuando alguien decide hacer música debe tener en cuenta que a mayor calidad más pequeña será la oferta. En el mundo actual del rock importan más las tendencias y cuanto mayor sea la mediocridad mejor. Las bandas que hacen hoy día estilos minoritarios y música que requiera la participación activa de las neuronas lo sabe. Saben perfectamente que el mercado de la buena música es muy pequeño y escaso. Si van 30 personas a un concierto suyo y disfrutan con lo que hacen, siempre y cuando los músicos no tengan que vivir de ello y no suponga un gasto añadido, será un placer para todos. Cuando la música se convierte en trabajo y en medio de vida se ha jodido todo. No creo que casi nadie hoy en día viva de hacer buena música. Eso pasaba hace ya muchas décadas. Lo contrario es una utopía o las rentas te lo permiten. En general la mayoría de grupos y músicos de los que hablo habitualmente tienen un trabajo paralelo o un medio de vida alternativo. La mayoría de las veces lo dicen. No depender de algo es la mejor forma de disfrutar de ello. La paradoja es que los músicos ya jubilados y sin presiones tienen tiempo para hacer lo que no pudieron, pero ya se les han ido las ganas. La broma de la vida.

 Quizás no viene al caso esta introducción con los rusos Human Factor pero ya sabéis que me encanta rellenar páginas con ocurrencias varias y apuntar cosas que ayuden a entender por qué las bandas jóvenes progresivas hacen las cosas de una manera altruista y solo por amor a la música. Alexander Meshcheyakov bajista. Ivan Ivanov guitarra. Sergey Volkov teclados y Konstantin Shtirlizt batería se juntan en Moscú en 2011. Con sobrada experiencia. Los músicos rusos se inician muy pronto y aprenden rápido. Estos músicos venían de una banda de rock prog instrumental altamente tecnificada y potente llamada In Front con un par de discos en su haber. El nuevo proyecto instrumental sería este factor humano que los llevaría a jugar con una música más ensoñadora y menos metalera-matemática así que en 2012 graban el extraño título de “4.HM.F” como debut. Algunos también califican este disco como una especie de “post rock”, música que personalmente siempre he identificado con cierto aburrimiento pero éste no es el caso. Hay bastante psicodelia “moderna” muy energética y desde luego la etiqueta “space rock” que siempre sirve para centrar un poco las músicas “evasivas” de cuelgue psicotrópico. 



“Secretos revelados” ya nos pone en marcha con unos burbujeantes teclados, musculatura rítmica y guitarra ardiente y cósmica. El sonido es espectacular con un lirismo frío y planeador donde los sonidos se van sobreponiendo como capas lisérgicas y con una amplitud que se acerca a lo épico electrónico. Es música instrumental de pinceladas pictóricas con sus momentos calmados y su abrasión sonora de fuerte base acid rock muy próxima a la psicodelia setentera. Las ocho piezas del disco llevan la misma línea energética.



“Homo Universum” grabado en 2016 y con su siniestra portada es una continuación estilística del anterior y en una línea similar probablemente que sus compatriotas Maat Lander. Los teclados se combinan a la perfección con la acidez abrasiva de la guitarra que no dudes que lleva caminos muy melódicos a pesar de la fuerza sonora que imprime. Es una música de texturas melódicas, pero lejos de la abstracción que podría suponer el lado electrónico o atmosférico que se abandona más en sonidos espontáneos que en piezas estructuradas o armónicas que aquí encontramos perfectamente diseñadas. Puede que algunos califiquen este disco como un elegante rock indie, post o alternativo por la a veces sencillez de la alternancia de acordes cíclicos y empleo del característico eco en la guitarra, pero son demasiados limpios en sonido y muy precisos en la ejecución como para compararlos con las bandas encuadradas en ese estilo. Bandas que normalmente se pierden en aburridos monólogos y abuso de lo farragoso por falta de técnica instrumental.



El tercer paso sería “Let Nature Take It Course” del pasado 2018. Bastante superior al anterior. Hay un cambio de guitarrista y entra Pavel Vorobyov que además toca también teclados. El estilo es exactamente el mismo que los anteriores discos, pero quizás se acentúa aún más ese trasfondo de tristeza cool y de paisaje a lo Blade Runner que a mí me parece estar viendo si cierro los ojos mientras escucho cada trazo de colores lanzados como una pintura líquida al vacío de un abismo. Se imprime una extraña belleza gélida que como en el primer disco roza lo épico. Una especie de sinfonismo sintético desencantado donde hay un mayor uso de sintetizadores y de capas matemáticas de teclado en pura evasión. Las secuencias y riffs se entremezclan en un tejido instrumental con una densidad rockera a veces próxima a los veteranos Hawkwind y grupos similares. Tan solo en la última tremenda pieza de este tercer disco aparece una voz en off de un tal David Paulley. Pura música lisérgica del siglo XXI que a su vez deja un agradable sabor de paladar y como no, el sello de tristeza eslava. 
Alberto Torró



  




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