Stöht Malawëlëkaahm por fín ha tomado el vuelo definitivo a Kobaïa. O dicho de otro modo más terriblemente realista, Didier Lockwood nos ha dejado a la injusta edad de 62 años. Nombrado por la crítica francesa como nieto de Stephane Grappelli e hijo de Jean-Luc Ponty, por su inigualable técnica al violín. De formación clásica, pronto se pasará al jazz por dos nombres determinantes en su vida : John Coltrane y Jean-Luc Ponty. Y al igual que éste último, siempre gustó de probar cosas nuevas y excitantes en un tiempo en que lo experimental era norma habitual, si no motivo de orgullo. Entró en la nave Magma en el 74, al lado del comandante Christian Vander, en los mejores tiempos. También en Zao, derivación magmática, por lo que el Zeuhl nunca tuvo secretos para él. Y colaboró con Pierre Moerlen's Gong en tiempos jazz-rock para ésta formación. Eso por lo que respecta a sus devaneos progresivos más significativos. Pero su lista de aportaciones a grandes de la música es inmensa. Por nombrar a unos pocos, Wolfgang Dauner, Miles Davis, Herbie Hancock, Billy Cobham, Dave Brubeck, Michel Petrucciani, Mike Stern, David Sancious, Allan Holdsworth o Jack Bruce, contaron con sus servicios. Y más de 30 álbumes propios avalan a uno de los gigantes del jazz, que disfrutó investigando y fusionando con otros estilos, notablemente con el rock de los 70.
Mi primera elección para homenajear a Lockwood iba a ser el album "Fusion" que hiciera junto a Vander - Top - Widemann (o sea, Magma pero "sin serlo"). Pero lo dejaré para la saga que está llevando a cabo mi compañero de armas, Alberto Torro. Así que he elegido un disco de un año antes que ése, grabado en vivo en el Festival de Montreux de 1980. La compañía era superlativa : Gerry Brown (batería), Bo Stief (bajo), Marc Perru (guitarra), Bob Malach (saxo tenor) y Jan Hammer (sintetizador polifonico). Didier Lockwood por supuesto, a su virtuoso violín. "Fast Travel" (6'59) abre a modo de presentación de músicos, con incomparables entradas de Hammer al sinte y Malach al saxo, mientras la sección de ritmo deja sin respiración nada más comenzar. Hasta que Lockwood se presenta de la mejor manera posible, con su violín eléctrico y toda la brillantez improvisativa de la que hacía gala. Magnífico entrante. "Flyin' Kitten" (6'26) nos lleva a terrenos fusión de inevitable comparación con Weather Report, con un Bob Malach extraordinario y secundado por una wah wah funk guitar astuta en todo momento por parte de Perru. A Malach le sucede en el sólo Lockwood con inmensa elegancia y energía de líder, insertando subliminalmente notas de música clásica. "Ballade des Fees (Quartet without drums)" (4'45) es un etéreo tema con parloteo de Stief al bajo y capas de teclado de Hammer. El violín conduce por ambientes nostálgicos, respondido por el saxo tenor en un modo expresivo típico en Jan Garbarek. Precioso final de cara.
Damos la vuelta y nos topamos con "Zebulon Dance" (3'37), en un corte que podría venir firmado por nuestros Pegasus. El violín de Lockwood hubiera hecho diabluras con ellos, no me cabe duda. Marc Perru tiene su momento solista a las seis cuerdas. La alegre "ADGC" (5'46) es otro exponente fusión lleno de clase y corazón. Todavía no ha sido polucionado por esa corriente blanda de Smooth Jazz que lo invadirá todo a lo largo de los 80s. "Four Strings Bitch" (3'45) es un breve solo - solo de Lockwood donde, en un "menos es muchísimo", nos deja atónitos con su delicadeza y sentimiento, conjugados con impresionante técnica de perfección intachable. Como un guitarrista de heavy metal, suma efectos en un golpe de mano que lo hace parecer el solo de un greñudo hacha del momento....Pero sin pasarse, todo en poco más de tres minutos. El final con "Turtle Shuffle" (7'25) tiene connotaciones Dixie Dregs, y explosivas intervenciones de Perru, Hammer y el jefe, en el único tema no compuesto por Lockwood, (corresponde su autoria al finísimo guitarrista francés, Jean-Michel Kajdan). Un live que derrocha técnica y elegancia a partes iguales. Y que me ha servido para despedir con honores en Rockliquias a otro grande desaparecido. Au Revoir, mon ami. J.J. IGLESIAS
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A veces la búsqueda de documentación para escribir un artículo resulta extremadamente tediosa. Es increíble la poca información que hay de Glenn Kaiser y si buscamos sobre el disco que vamos a analizar el resultado es cero patatero.
Glenn Kaiser nació en 1953 en Milwaukee. Su infancia no fue sencilla, refugiándose en la música a partir de los doce años. Adicto a las drogas a los dieciocho años "ve la luz del Señor" y se convierte al cristianismo e incluso llega a ser Pastor. Multitud de bandas a sus espaldas siendo la más longeva "Resurrection Band (1971 - 2000) con más de una docena de producciones. En el 2000 inicia otro proyecto bajo el nombre de "Glenn Kaiser Band". En cuanto a sus colaboraciones con otros músicos son muy numerosas destacando la realizada con Joe Filisko en el disco "Glenn Kaiser y Joe Filisko Live". Su última producción en solitario, "Long Way From My Home", blues rural con "diddley bow".
Glenn Kaiser Band nos presenta un concierto realizado en 2005 no se sabe muy bien donde o por lo menos yo no he podido encontrar ese dato. Glenn nos ofrecen rock blues donde mezcla su devoción cristiana con el rock y el blues. Excelente guitarrista con una marcada influencia "hendrixiana" y que hace uso de todas las técnicas del género ("slide guitar", armónica, buenos riffs). Dentro del "setlist" podemos encontrar una gran versión del "Crossroads". Le acompañan Roy Montroy (bajo) y Ed Bialach (batería), que tienen su momento de gloria en uno de los temas destacados de la grabación, "Runaway Train". Mención especial para el riff blusero machacon de "If I Leave This World Tomorrow". "Winter Sun " nos puede recordar sonoridades a lo Johnny Winter. En los tres últimos temas se une a la fiesta el guitarrista Dave Beegle creando un ambiente de "jam-pique-guitarrero".
J.C. Miñana
Temas
Torch
Crossroads
If I Leave This World Tomorrow
Nick of Time
Full Time Love
Runaway Train
Winter Sun
The Day Love Died
Whisper
Do Lord
In the Soul of a Man
Queen of My Heart
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Cuando uno ya piensa que no saldrán por ahí más sintetistas perdidos de los 70, me llevo una vez más la sorpresa y aparece otro cadete cósmico. Y lo que me queda. Gert Thrue fue un danés de Ebeltoft enamorado de éstas planeadoras esencias, que en 1977 editó en un micro-sello llamado Stuk, "Sound Painted Pictures of Cosmic Love". Creo que el título ya nos lo dice todo. En su contraportada venía un texto con filosofada hippie hablando del "buenismo" del ser humano y otras candideces insoportables tan en boga. Sinceramente, a los punks se lo pusieron a huevo. Nada en contra de aquel buen rollito. Sólo que el tiempo te demuestra que el hombre lleva el mal en su ADN tan impreso como el bien, si no más.
Así que dándole la venía al señor Thrue, diré que los casi 19 minutos que constituyen la cara A con el tema-título, son un ejercicio mayormente improvisado de Berlín School. Con ingenuas líneas melódicas de sintetizador Moog y Roland. Que sin embargo funcionan con inusual encanto y percepción sensitiva encomiable.
El hecho de que un batería, - en ésta cara Jan Preus -, se apunte al lío, enfatiza la pompa y cuasi dramatismo tan intrínsecos en la pieza. Ajustando parecidos benévolos con el Schulze más orgánicamente rítmico, gracias a la compañía de Harald Grosskopf. Añadase al equipo sintetizado un órgano Hammond, piano eléctrico Fender Rhodes, Logan String Melody y diversos keyboards. El amigo Thrue grabó ésta obra en un cuarto en casa de sus padres, pero no andaba descalzo precisamente. Que poseer éste material en 1977 no era barato en absoluto. Volviendo a la épica de ésta suite, también podemos encontrar pasajes lindantes con Eloy o Wallenstein, grabados con las justas pistas, pero muy bien aprovechadas. Que deja un buen recuerdo en el oyente, qué diablos, a pesar de su inocencia.
El lado B incluye otro batería, Per Hoyer, y comienza con "Travellin' by Thoughts" (7'28). Una ventisca ártica propia de una secuencia de "The Thing" podría ser el prólogo hacia algo tétrico. Para nada. Los Moog y batería sorprenden con un tema compuesto, de linaje casi comercial, y una onda cercana a una balada instrumental doo-woop de los años 50. Pura Library Music que se me antoja inesperada, como el resto de ésta cara del disco.
"I Play the Body Electronic" (9'15) es rock sinfónico con similitudes a Peter Bardens, sea con Camel o en solitario. Tema que encaja más con el estilo referido de Eloy / Wallenstein, al cual una guitarra eléctrica le hubiera ido muy bien. Aún así es disfrutable y digno de atención.
Por último "Cepheus" (4'50) es un reinado Hammond con excelente compañía percusiva. Muy orientado a la prog -psicodelia de unos Pink Floyd "Meddle" era, o un "Lord of the Rings" de Bo Hansson.
Un agradable disco éste, que sin embargo no contó con el apoyo de su defensa en directo ni tan siquiera una vez.
Nunca más se supo de Gert Thrue, y el álbum no ha tenido ninguna resurrección de edición en ningún formato, que se sepa. Por lo que un original suele estar al alcance a partir de 200 napos, en adelante. Por supuesto existen maneras más lógicas de disfrutarlo. Que toda élite resulta dañina.
Pasarás un buen rato en su compañía.
J.J.IGLESIAS
Temas
A Sound Painted Pictures Of Cosmic Love 18:38
B1 Travellin' By Thoughts 7:28
B2 I Play The Body Electronic 9:15
B3 Cepheus 4:50
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The Paul Butterfield Blues Band fue uno de los grupos favoritos de Bill Graham. Actuaron en multitud de ocasiones en el Fillmore y fueron todo un referente para bandas como Grateful Dead, Quicksilver, Jefferson Airplane entre otros.
Paul Butterfield (voz, armónica) y su amigo Elvin Bishop se interesaron desde muy jóvenes por el blues de la mano de gente como Muddy Waters, Howlin'Wolf, Little Walter, etc. Multitud de actuaciones por los clubes de Chicago hasta que el cuarteto integrado por Paul Butterfield, Elvin Bishop, Jerome Arnold y Sam Lay paso a ser la banda "soporte" en el Big John's. En 1964, ya como The Paul Butterfield Blues Band, entra al grupo el guitarrista Michael Bloomfield. Ese mismo año firman con la discográfica Elektra. Incorporan al teclista Mark Naftalin y participan en el Festival de Newport obteniendo un notable éxito. Su primer disco, "The Paul Butterfield blues band", llega en 1965. Su segunda producción, "East West", ve la luz al año siguiente teniendo como batería a Billy Davenport. En 1967 Bloomfield decide dejar la formación para formar "The Electric Flag" esto ocasiona cambios importantes. Entra una sección de vientos y se incorporan Bugsy Maugh (bajo) y Phil Wilson (batería). En estas circunstancias editan, "The Resurrection of Pigboy Crabshaw". Por supuesto participan en Woodstock. A comienzos de los 70 Paul Butterfield decide cancelar el contrato con la discográfica y disolver la banda.
La grabación contiene diversas actuaciones de The Paul Butterfield Blues Band en la década de los 60. La primera de ellas corresponde al 14 de Octubre de 1966 en el Fillmore West. El "setlist" está compuesto por temas clásicos del blues como "Shake Your Money Maker" o "The Sky Is Crying" de Elmore James, "Oh, Pretty Woman" (R. Orbison). Entre los temas propios destaca "East West", algo más de 18 minutos de buen rock blues a cargo de tres maestros Butterfield, Bloomfield y Bishop.
La segunda grabación es del 30 de Septiembre de ese mismo año. Ocho temas incluyendo el "Baby, Please Don't Go" , "Kansas City" y "Our Love Is Drifting" de su primer disco. Especial atención a "Work Song" donde se embarcan en una jam mezclado rock, blues y jazz. El sonido se deteriora por momentos. Por último tenemos la actuación en el Concertgebouw de Amsterdan del 18 de Enero de 1969. Con una formación renovada con Buzzy Feiten a la guitarra y con una sección de viento de cuatro miembros. seguimos disfrutando con cinco temas más de gran rock blues y con un sonido mucho mejor.
J.C. Miñana
Temas
CD 1.
01. Shake Your Money Maker
02. The Sky Is Crying
03. Pretty Woman
04. Help Me
05. Never Say No
06. So Fine
07. East-West (Fades Out)
08. Dropping Out
09. Baby, Please Don't Go
10. Drifting
CD 2.
01. Born In Chicago
02. Willow Tree
03. My Babe
04. Kansas City
05. Work Song
06. One More Heartache
07. I've Got a Mind to Give Up Living
08. Everything Gonna Be Alright
09. Get Out of My Life Woman
10. All Your Love
Disc 1
TRACK 1~7 : Filmore West, San Francisco, CA Oct.14 1966
TRACK 8~10 : Filmore West, San Francisco, CA Sep.30 1966
Disc 2
TRACK 1~5 : Filmore West, San Francisco, CA Sep.30 1966
TRACK 6~10 : not Filmore West but live at Concertgebouw, Amsterdam, Netherland, Jan.18,1969
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Eric Baule nace en 2010 como un proyecto del guitarrista Eric Baulenas. Procedentes de Barcelona la banda está integrada por Eric Baulenas (voz, guitarra), Eric Rovira (batería, voz), Dani Soto (bajo) y Alex Calero (teclados, voz). En 2015 llega su debut discográfico, "Revelations Adrift", siendo presentado en diversos festivales (Sonicarte Prog Festival, Tótum Revolutum Festival, Minnuendö Prog Fest).
Rockliquias se puso en contacto con Eric para charlar sobre sus proyectos pasados, presentes y futuros.
Rockliquias.- ¿ De qué bandas procedían los miembros del grupo antes de incorporarse a Eric Baule?
Eric Baulenas procedía de Moonloop, una banda de Death Metal progresivo afincada en Barcelona que se formó en 2001. Eric Rovira había militado en bandas como Ego , Arborea, Moonday, y The Uncertain. Dani Soto formó parte de Ego y Zermeño, y Isam Alegre (teclista que perteneció a la banda entre 2010 y 2014, y que grabó el álbum "Revelations adrift") no provenía de ninguna banda hasta que entró a formar parte de Eric Baule. Más tarde, el substituto de Isam fue Alex Calero, que provenía de la banda Monsterholic.
Rockliquias.- El grupo se forma en 2.010. ¿Cómo fueron vuestros primeros pasos?
La idea para formar este proyecto partió de las canciones que fui grabando en mi estudio casero entre 2005 y 2010, en las que predominaba un estilo atmosférico, progresivo e instrumental. Una vez tuve un buen puñado de canciones encaradas al género progresivo, no quise que se quedaran en simples demos, y al mismo tiempo quise dar vida a esas composiciones en formato banda, para así poder llevar a cabo conciertos. Me puse a buscar músicos para formar el proyecto a finales de 2009, y Eric Rovira fue el primero con el que contacté. A principios de 2010 entró a formar parte de la banda Isam Alegre, y Dani Soto un poco más tarde.
Rockliquias.- Hasta 2.015 que editáis vuestro primero disco, se han producido cambios en la formación?
Si, Isam Alegre abandonó el proyecto a finales de 2014, justo después de haber grabado el álbum, y en Abril de 2015 Alex Calero entró a formar parte de la banda, ejerciendo de teclista, corista, y segundo guitarrista.
Rockliquias.- Por fin llega "Revelations Adrift", ¿Cómo fue la experiencia en el estudio?
La experiencia fue muy positiva, y al mismo tiempo lenta, pero todos quisimos dar lo mejor de nosotros mismos, así es que por ese motivo el proceso fue calmado y muy meticuloso. La pre-producción empezó a finales de 2013, y durante 2014 se grabaron todos los instrumentos y las voces. La grabación tuvo lugar en el estudio de Eric Rovira, situado en el Prat de Llobregat (Barcelona), y más tarde el álbum fue mezclado y masterizado por Gorka Dresbaj en los estudios The Room, ubicados en Barcelona. El álbum vio la luz en Marzo de 2015.
Rockliquias.- Habéis autoeditado y autoproducido el disco. Tenéis contacto con alguna discográfica para su distribución?
Optamos por la autoedición debido a que teníamos en mente un formato y un diseño que, al ser desconocidos, no creímos que fuera a interesar a la inmensa mayoría de sellos discográficos. Nuestra sorpresa fue obtener una respuesta tan positiva, tanto por parte de los medios especializados como del público nacional e internacional. Al cabo de unos meses desde su edición, y gracias a las ventas que obtuvimos, el álbum tuvo que ser reeditado, y desde una importante distribuidora alemana de género progresivo (Just for kicks), nos pidieron varias copias para su difusión a través de su plataforma. Actualmente no tenemos ningún contacto con discográficas, ni tampoco hemos recibido interés por parte de ningún sello como para reeditarlo, así es que las copias que nos quedan son las últimas de una segunda edición limitada de 300. No descarto hacer una edición limitada en vinilo en un futuro no muy lejano, y para hacerla, trataré de contactar con algunos sellos especializados.
Rockliquias.- El disco se ha presentado en diversos festivales ( Minnuendö Prog ,Tótum Revolutum ) ¿Qué tal la acogida del público?
El público que asistió tanto a los festivales, como a los conciertos ofrecidos en Madrid, Valencia y Barcelona, reaccionó de forma muy positiva. Los seguidores del Rock Progresivo y los redactores de diversos medios especializados nos trataron de maravilla, y el álbum fue votado e incluido en diversos medios como uno de los mejores de 2015 junto a otros lanzamientos de artistas internacionales.
Rockliquias .- Algún tema de la grabación con el que estéis especialmente satisfechos
Personalmente, quedé muy satisfecho con el resultado obtenido en canciones como "Redemption", "Circle of dead eyes", "Touching the Earth", "Far from here", o "Spring disease".
Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?
Son muy diversas, desde géneros como el Metal Extremo, hasta el Pop más comercial, pasando por la música clásica, el jazz, o la étnica. Mis pilares o influencias principales como músico y guitarrista son Joe Satriani, Steve Vai, Steve Hackett, David Gilmour, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Marillion, Porcupine Tree/Steven Wilson, Opeth, Ozric Tentacles, Pink Floyd, Devin Townsend, Arena, King Crimson, Death, Cynic, Mooody Blues, Franco Battiato, Killing Joke, Dream Theater, Julian Cope, Testament, Metallica, Morbid Angel, Luis Paniagua, Simple Minds, Boards of Canada, Gustav Holst, y un largo etcetera.
Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música?
Etiquetar la música es algo útil en nuestros días, aunque cada vez sea más complicado aunar en pocas palabras todo el cúmulo de géneros y sensaciones que se muestran en cada propuesta, pero simplificando, se trata de Rock Progresivo.
Rockliquias.- Que opináis del panorama musical español en este tipo de música ¿Van surgiendo bandas?
Hay una creciente y suculenta escena en nuestro país, y estoy muy contento por ver cómo el género progresivo cada vez tiene mejores y excelentes ejemplos con mucha personalidad que provienen de España. Bandas como Noah Histeria, Harvest, Apple Smell Colour/Fireplace Project, On the Raw, Syberia, Glazz, Dry River, Face the maybe, Persefone, Cheeto's Magazine, El Tubo Elástico, Monsterholic, Quaoar, o Pervy Perkin, son buenos ejemplos de la calidad que desprende el panorama nacional, y lo mejor es que cada una de estas bandas ofrece una propuesta distinta, que al fin y al cabo es la base esencia del género progresivo.
Rockliquias.- ¿ Cuáles son vuestros proyectos futuros?
En este momento la banda está paralizada debido a que estoy ocupado con mi banda principal, que es Moonloop. El año pasado editamos nuestro segundo álbum, titulado "Devocean", y por fortuna nos están llamando de diversos lugares para llevar a cabo conciertos, cosa que unida a la gestión que implica mantener con vida a una banda, me tiene muy ocupado. El resto de los miembros de Eric Baule también están inmersos en otros proyectos, y en cuanto haya tiempo para refrescar las bases y el objetivo de Eric Baule, veremos si habrá continuación con los mismos miembros o si se contará con otros músicos. A día de hoy ya hay en el tintero varias grabaciones que están destinadas a ser adaptadas por la banda, así como nuevas ideas que van acumulándose de cara a formar parte de un segundo álbum de Eric Baule.
Rockliquias.- Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos
Si os gusta el Rock Progresivo clásico, el Metal Progresivo, la música imaginativa que contenga abundantes guitarras solistas, las atmósferas volátiles, los ritmos dinámicos y complejos, las voces trabajadas con un aire introspectivo, os animo a escuchar tanto "Revelations adrift", como las grabaciones que he ido llevando a cabo durante los últimos años, y que podéis encontrar en las direcciones web que os adjunto a continuación:
BANDCAMP: https://ericbauleband.bandcamp.com
FACEBOOK: https://www.facebook.com/ebaule
ERIC BAULENAS: https://soundcloud.com/eric-baulenas
Muchas gracias por esta entrevista, y gracias también a tod@s l@s lectores que hayáis destinado un poco de vuestro tiempo y atención a escuchar Eric Baule.
Eric Baule nos ofrece diez temas donde la guitarra es la conductora principal de los paisajes sonoros que va mostrándonos la banda. La sonoridades se mueven por terrenos progresivos con toques metal, una mezcla entre Porcupine Tree, Satriani y Metallica, con estos últimos me he pasado un poco. La técnica de Baule nada tiene que envidiar a los guitarristas internacionales que todos conocemos. Es capaz de combinar paisajes tranquilos y oníricos con otros riffs realmente poderosos. En cuanto al apartado vocal engancha a la primera escucha, en mi cabeza sigue sonando "Back To nature" una y otra vez. El resto de la banda es una máquina perfectamente engrasada. Isam Alegre crea con los sintetizadores unas introducciones verdaderamente enigmáticas y su uso sutil del piano eléctrico es algo que me encanta. En la sección rítmica Dani Soto no se limita a un mero acompañamiento y Eric Rovira verdadero discípulo de Neil Peart. Mis temas favoritos sin duda "Redemption", "Back to nature" y el instrumental "Flying High".
Al igual que el “Photos Of Ghosts” de la PFM, Banco estrenó en 1975 su versión inglesa para la Manticore Records, regrabando piezas de sus discos 1 y 3 y cantando en la lengua de Albión con todas las limitaciones que suponen forzar en una lengua que no es la tuya. A los italianos les pasa como a nosotros, mejor calladicos y no cagarla porque en ambos países es imposible que acierten en la pronunciación correcta. Es lo que hay, somos greco-latinos y de lenguas del medievo antiguo y provenzal, nada que ver con los sajones. No pasa nada la música se impone y Banco en este maravilloso disco lo hace muy bien a pesar de todo.
Yo compré este disco en edición española nada más salir. Cartón duro en marrón oscuro abierto y en excelente edición. La foto trasera con Di Giacomo semi en pelotas arreglando un zapato ya fue un reclamo sinfónico sin precedentes. Las comparaciones de entonces con ELP fueron inevitables y apresuradas. Hay que tener en cuenta la enorme ignorancia cultural en la crítica española musical de la época para entenderlo. Nos pasaba un poco a todos desde luego. Tanto Yes como Genesis como ELP o Pink Floyd o King Crimson (los snobs de entonces) era toda la base que teníamos como para hablar de rock sinfónico, término que empezaba a usarse, no creáis, con más desconocimiento que otra cosa. Puedo hablar de ello porque lo viví como hijo de esa época y de lo pintoresco que resultaba clasificar entonces todas esas músicas. Hoy lo tenéis hecho. Afortunadamente. También lo tenéis más fácil y documentado. Arriesgarse a comprar un LP en aquella época sin apenas referencias serias o acertadas era una aventura, pero me enorgullece haber formado parte de aquello y que otras generaciones hayan podido descubrirlo.
Con el disco nuevecito en mis manos y a mis 21 años disfruté a la primera de este trabajo sin haber oído otra cosa que la PFM de la Italia sinfónica. “Traccia” me remontaba al vetusto imperio romano “L´albero del pane” la única cantada en italiano y casi prima hermana de “E festa” me llevaba a las campiñas de la Toscana y al alegre ambiente mediterráneo. Pero fue “Metamorfosi”, la larga suite de Banco que atrajo toda mi atención. La rítmica cruzada y nerviosa con una prisa a la “tarkus” y grandes galerías sonoras de sintetizador y de piano solo, superan a la primera versión aparecida en 1972 en su primer disco. Pieza ambiciosa y compleja. La sección de batería de Pier Luigi dentro del desarrollo pianístico es de resaltar hasta que una melodía del moog solo anuncia cambios fantásticos entre diferentes líneas de teclados. Sinfónico progresivo puro y extraordinario. El cambio central con ritmos muy sincopados es para el lucimiento de la guitarra solista sin que paren las medidas y cambios de tempo constantes con un pasaje multi-teclístico desbordante, hasta que poco a poco todo se apacigua hacia el remanso. La voz de Francesco solo aparece hacia el final de la suite en un ambiente grandioso y sinfónico terminando todo en una épica pura y dura.
Dando la vuelta al vinilo aparece “Outside” que es en realidad el “R.I.P” con una mayor fuerza en la interpretación superando a la del primer disco. Los hermanos Nocenzi están por todos sitios y esta pieza acaba de manera similar al “Metamorfosi”, con Di Giacomo desgranando su cálida y hermosa voz y sinfonismos exacerbados que nos elevan allende montañas (cursilada aparte). “Leave me alone” o “Non mi rompete” como tu quieras, es cantada en inglés como la anterior y francesco no lo hace nada mal gracias a su prodigiosa voz. El eterno estribillo de esta canción y su delicado desgrane de guitarras acústicas serán por siempre compañeros de nuestro recuerdo eterno junto al moog solo que canta jubiloso. Hoy estoy más moñas de lo habitual pero pega para describir estas delicias romanas. La pieza más enrevesada compleja y extraña es “Nothing The Same” versión del “Dopo…niente..” del tercer álbum. Los vericuetos de esta pieza que ya comenté la semana pasada ganan como todo el disco en general, con mejor sonido y con una mejor producción gracias a la Manticore Records. “Traccia II” pone el final exacto a esta gema de progresivo sinfónico neoclásico como los antiguos dioses mandan.
Alberto Torró
Temas
00:00 Chorale
02:31 L'albero del pane
07:15 Metamorphosis
22:12 Outside
29:57 Leave me alone
35:19 Nothing's the same
45:17 Traccia II
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Dentro del espectro de Magma en la época de los 70´s, dos años de silencio discográfico dan para cambios importantes en la dirección del grupo. Las relaciones del núcleo Vander/Top al final no fueron buenas, y para colmo las reticencias de las discográficas hacia una música que les sonaba a marciano, fueron evidentes. Bastante suerte tuvieron en publicar entre 1970 y 1976. No sin problemas y rechazos y ante un sonido que pocos ejecutivos y productores discográficos entendían.
Vander pudo haber tirado la toalla en ese momento perfectamente. Pero un tipo loco y cabezota como él no se daría por vencido. Supongo que los comentarios sobre que su música tenía una sospechosa estética e ideología totalitaria y nazi (cuyos rumores aún se sustentan en algunos sectores hoy día) dividieron y dieron a la polémica dentro de los seguidores acérrimos del grupo. La música y la estética de Magma es dura, áspera y extraña y supongo que esto es más que suficiente para crear mitos de dudoso crédito en las opiniones de los conspiranóicos musicales, que los hay.
Hay que reconocer no obstante que a Christian Vander le encantaba provocar al auditorio con arengas histriónicas en kobaiano imitando a dictadores imaginarios. Lo de broma, espectáculo y posible trasfondo de verdad queda en entredicho, pero es raro que a un tipo que le encanta la música negra y que venera a Coltrane y para colmo estuvo casado con una judía de origen, le dé por aberraciones de ese tipo. Se me hace difícil de entender francamente. También hay que decir lo especial de la personalidad que Vander y que no es un tipo como cualquier otro y que a veces, la noche puede albergar horrores disfrazados. Dejémoslo en el trasfondo del misterio como diría Iker Jimenez.
La estética de la portada del nuevo disco diseñada y creada por H.R.Giger parecía de todas formas un edificio de las SS o la Gestapo y no mejoraba el asunto. En lo musical es otro cantar porque este disco aun siendo “zeuhl” para entendernos, gira notablemente hacia el jazz-rock, el soul y el funk de forma evidente. Siempre claro entendido bajo el prisma especial de nuestro compositor. La nueva formación de Magma para “Attahk” albergaría a Benoit Widdemann con su arsenal de teclados que daría un toque “moderno” a la sonoridad del grupo.
Si escuchas ya la primera pieza “The last Seven Minutes” la música de Magma ha cambiado casi por completo en lo instrumental, pero las voces a pesar de mezclarse en puro jazz-rock de la época, mantienen su esencia zeuhl aunque con extraños giros vocales negroides próximos al soul y al scat vocal cercano a Zappa y sus Mothers. Da la sensación de que a veces George Duke está a los teclados por la forma de tocar de Widdemann. La segunda parte del tema tiene una bonita melodía vanderiana. La tercera: “Spiritual” como su propio nombre indica es precisamente eso: Gospel a la zeuhl kobaiana y el ritmo se pega en la sangre irremediablemente (un nazi haría eso?).
“Rind-ë” es un ejercicio entre piano y voz para lucimiento de Stella Vander de un recogimiento casi místico. La sombra zappera (ligeramente) aparece de nuevo en la excelente y extraña “Lirïïk Necronomicus Kanht”. Una bizarrada de sobrecarga vocal-funk que funciona y aturde como una droga adictiva. “Maahnt” es jazz rock enloquecido con voces inclasificables de monstruitos y demonios de kobaia con un interesante juego de teclados, bajo y arreglos de metal.
“Dondaï” será una de mis favoritas, no solo de éste álbum, sino de la discografía de Magma. Se subtitula como “a un amor eterno” y la música lo describe perfectamente. Una buena pieza para empezar con Magma, y más si ya a estas alturas alguien todavía no los conoce. La pasión vocal que Christian imprime en esta canción de ocho minutos y el coro femenino arropándole, es pura delicia y parece que entren en estado de gracia. El canto de Vander es desgarrador, raro y fuera de todo conocido. Un trance místico nuevamente. Las futuras versiones aun serían mejores. Con el track “Nono” en similar línea con el resto, termina este innovador sonido magmático y pese a lo que diga la crítica es un disco mucho más atractivo que el Üdü Wüdü pero a años luz ya del mítico Mekanïk. Magma se lanzarían de nuevo a la escena en directo, pero de su nuevo “look” hablaremos la semana que viene.
Alberto Torró
Temas
A1The Last Seven Minutes (1970-71, Phase I)7:00
A2Spiritual (Negro Song)3:17
A3Rind-ë (Eastern Song)3:07
A4Liriïk Necronomicus Kanht (In Which Our Heroes Ourgon & Ğorğo Meet)4:59
B1Maahnt (The Wizard's Fight Versus The Devil)5:29
B2Dondaï (To An Eternal Love)7:59
B3Nono (1978, Phase II)6:17
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Esta es la historia mil veces contada de una banda que estuvo en el lugar y tiempo adecuado, pero aún así les falló ese divino toque de la puta fortuna que hace a unos destacar, y a otros no. Y aquí no entra para nada el nivel de calidad. O crees que no hubo cientos de grupos por California mejores que The Doors....
En realidad Douglas Fir eran The Sun Trío. Unos desconocidos que se pateaban todo antro posible dando a conocer su buena música. El nombre por el que ahora se les conoce fue puesto en el último momento, cuando el disco ya estaba en talleres. Además habían acogido a un cuarto miembro, Bruce Bye, al bajo. Los antiguos The Sun Trío que completaban formación eran Douglas A. Snider a la batería y voz solista, Tim Doyle al Hammond B3 y Richie Moore en las guitarras.
Su fichaje por una subsidiaria de MGM fue totalmente fortuito, en una conversación casual en un ascensor del Sunset Vine Towers, con uno de los más importantes arreglistas de la casa. Éste consiguió que los ejecutivos escucharan aquella cinta que se había paseado sin éxito por todo Hollywood. Y el contrato fue suyo. Su único disco fue "Hard Heartsingin' ", que también era el nombre del corte de apertura. Poderosa voz del batería Doug Snider, flamigera guitarra, barroco órgano y ritmo amurallado. Iron Butterfly a plena ebullición.
La única versión del álbum es "Jersey Thursday", de Donovan. Cuenta con un bonito arreglo de vientos de Mike Henderson (quizá el que les proporcionó el contacto). Pura psicodelia barroca (barrodelia?!) de sello muy especial.
En "I Didn't Try" la influencia Soul a la Vanilla Fudge es evidente. Todos los instrumentos "respiran" muy libremente, gracias a una buena producción que llevan a cabo Doug Snider, Ernie Fetsch y Allan Breed en los Northwestern Inc Studios de Portland. El ingeniero fue Russell Gorsline. El teclado destaca aquí para satisfacción de los "hammoneros".
La alargada sombra del "Summertime" versión Janis Joplin se respira en "Early In The Morning Rain", un blues jazzyficado que nuevamente los acerca a la banda de Carmine Appice. De hecho están a un nivel similar.
Cierra la cara A "New Orleans Queen", con Doors -y tratamiento para un tema con gancho y total hippie feel. Pero con una voz a lo Burton Cummings (Guess Who) que les da la fuerza y chulería necesaria. La voz del batería (y líder), Doug Snider completa un gran abanico de tonos. A veces puede sonar dura y cercana a un Jim Morrison de mala hostia (habitual en él), o a un tierno Elvis Presley.
Como en el caso de "Moratorium Waltz", la apertura del lado B. Los vientos (no en primer plano y siempre muy bien insertados) y la guitarra eléctrica van aliados en una gran canción que me recuerda al estilo de Jubal.
El single extraído de éste álbum fue "Smokey Joe's", el cual tuvo bastante promoción en las radios underground, por su potencia y orientación Soul negroide. Estupendo.
Distinta al resto es "Comin' Back Home", con sus arreglos de "horns" que le dan un toque entre lounge y crooner style, cerca de Tom Jones o Scott Walker. Sin duda un modo de "entender" la psicodelia más mainstream en la época. Sin embargo, no resulta nada comercial. Y tiene un extraño y triste encanto que la ennoblece.
Lo mismo puede decirse de "Tom's Song", en un molde proto-prog especialmente atractivo. Touch, Cirkus, Moody Blues o The Crazy World of Arthur Brown serían apropiadas referencias.
Finalmente "21 Years" es otro derechazo hard psych en la tradición de Iron Butterfly, Child, The Illusion o Listening. Algunas de esas bandas sufrieron del mismo "mal" de la época, la saturación. Que les llevó a dejar tan sólo un álbum como herencia (o ninguno!), cuando merecieron más suerte en la vida discográfica.
"Hard Heartsingin' " fue reeditado en vinilo por Gear Fab / Comet en el año 2000. Supongo que en esos 18 años estarán todas las copias guardadas a buen recaudo en las cajas fuertes de coleccionistas. Así que una nueva reedición vinilica no estaría de más. Douglas Fir, aunque tarde, lo merecieron.
J.J. IGLESIAS
Temas
01 - Hard Heartsingin'
02 - Jersey Thursday
03 - I Didn't Try
04 - Early in the Morning Rain
05 - New Orleans Queen
06 - Moratorium Waltz
07 - Smokey Joe's
08 - Coming Back Home
09 - Tom's Song
10 - 21 Years
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John Dummer Blues Band fue una banda por la que pasaron multitud de músicos, de los cuales podemos destacar a Graham Bond, Tony Topham (primer guitarrista de The Yardbirds) y sobre todo el genial Tony McPhee que ya pasó por nuestro blog cuando hablamos de THE GROUNDHOGS . El grupo también acompañó a notables bluseros, Howlin 'Wolf y John Lee Hooker, en algunas de sus giras.
En 1965 John Dummer (armónica, voz) junto a Roger Pearce (guitarra) y Pete Moody (bajo), Bob Hall (piano) y Dave Bidwell (batería), forman el grupo. Cambios de personal desde el principio, Moody se va y entran los hermanos Walker , Tony (bajo) y Regine (voz). Consiguieron actuar de forma habitual en el Studio 51 en Londres. En ese tiempo Dummer había pasado a la batería y se habían renovado la banda con Dave Kelly (guitarra),Tony McPhee (guitarra), Iain "Thump" Thomson (bajo) y John O'Leary (armónica). Firman contrato con Mercury Records y su primer disco, "Cabal", se edita en 1969. Al poco tiempo McPhee los deja para integrarse en The Groundhogs. Que lío de nombres y de formaciones. Editaron cinco discos más: "The John Dummer Blues Band" (1969), "Famous Music Band" (1970), "Nine By Nine" (1970), "Blue" (1972) con portada de Roger Dean, "Oobleedooblee Jubilee" (1973) y "Lost 1973 Album" grabado en 1973 y editado en 2008 con la participación de Graham Bond. El grupo se separó en 1974.
John Dummer Blues Band nos ofrecen doce temas cargados de buen rock blues británico. En el "setlist" encontramos verdaderos clásicos del blues: "Sitting And Thinking" (M. Waters), "Blue Guitar" (J.L. Hooker), "Young Fashioned Ways" (W.Dixon), "Hound Dog" ( J. Otis). "Welfare Blues (L. Thompson). Gran labor vocal de Dummer con gran sentimiento que se alterna en algunos temas con Jo-Anne Kelly. El armonicista Jhon O'Leary también juega un papel importante en casi todos los temas. En cuanto a los guitarristas, Dave Kelly y Mcphee, fineza al cuadrado, como decía B.B. King "menos es más". Temas destacados " Low Down Santa Fe" ,"Welfare Blues",y por supuesto "Blue Guitar", sentimiento blusero por los cuatro costados. J.C. Miñana
TEMAS:
01. I Need Love 2:40
02. Just A Feeling 2:50
03. No Chance With You 3:12
04. Young Fashioned Ways 3:11
05. Sitting And Thinking 4:02
06. Low Down Santa Fe 5:40
07. When You Got A Good Friend 3:27
08. Welfare Blues 4:10
09. Hound Dog 2:59
10. Blue Guitar 5:44
11. After Hours 2:36
12. Daddy Please Don't Cry 3:37
MÚSICOS:
John Dummer - drums
Dave Kelly - guitar, vocals
Tony T.S. McPhee - guitar, vocals
John O'Leary - harmonica
Keith Tillman, Thumper Thompson - bass
Jo-Ann Kelly - vocals
Bob Hall, Steve Miller - Piano
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El 28 de Agosto de éste año, Attilio Mineo cumplirá 100 años. Convirtiéndose probablemente en el pionero electrónico vivo más longevo. Mineo venía de una formación clásica, pero despunta en el mundo de las grandes big bands swing al estilo de Duke Ellington o Count Basie en los años 30 y 40. Aunque él estuvo en agrupaciones más humildes y menos conocidas. Compuso cinco sinfonías y cuatro cuartetos de cuerda, además de primeros scores para los inicios de la televisión. También destaco en el género del Musical, junto a su mujer Tony.
En 1962 se le encargó una obra para el Seattle State World's Fair. La típica expo para derrochar pasta a lo tonto, (80 millones de dólares de los de entonces, costó ésta), para atrapar al personal con chorradas sin mucho sentido. Nunca he entendido estos ridículos dispendios, a no ser que sirvan para forrarse a alguien de las alturas, y no el "Man in Space", precisamente. Se da la circunstancia de que se van a cumplir 10 años que me tocó trabajar en una, la de Zaragoza, desde adentro. Sé de lo que hablo. Estoy altamente cualificado para echar por ésta boquita, sapos y culebras.....Volviendo al tema, el tío Attlio tampoco se lo curro mucho para la ocasión. Esto es una constante a lo largo de los años. Entregando un trabajo que había compuesto en 1951. Grabaron la orquesta y un sinfín de efectos electrónicos (o así ), y el resultado quedó de lo más molón. Claro que estamos en plena era espacial, lo futurista prima en el mundo, los Apollo están en todos los telediarios, y hasta John F. Kennedy asistirá al evento. La conquista del espacio tenía que estar bien presente.
Déjenme decirles que esa "idea futurista" prevalece en las expos mundiales de hoy en día. Pero prácticamente todas tienen su patrón y línea estética tomada de éstos ilusionantes tiempos sesenteros. La verdad es que la de Seattle sí que era digna de "Futurama". Algo adelantado a su tiempo, con la inocencia de lo nuevo, algo encantador y muy kitsch. "Man In Space With Sounds" se vendía como recuerdo del evento. Pero también se usó para musicar el Bubbleator. Colosal ascensor hidráulico hecho de un cristal acrílico transparente con capacidad para 150 personas. Al fín y al cabo, fue "música de ascensor" para una situación poco convencional.
Descubrir ésta música se hace tan entretenido, que resulta pura diversión. Y un reencuentro con la juventud en mi caso, de cuando me empapaba en series como "Viaje al Fondo del Mar" o "Tierra de Gigantes". Imagina una banda sonora de peli de marcianos con aspecto de Bender, pero de los años 50 en blanco y negro. Una música que reúne influencias contemporáneas, George Gershwin y todo tipo de arreglos y efectos electrónicos propios de Cage o Stockhausen. Es un viaje retro en toda regla, que a veces resulta inquietante y no para todos los públicos, como estaba previsto su uso. Puro Space Age / Cosmic Exótica en la línea de soundtracks más propios de Bernard Herrmann y pelis del estilo de "The Day the Earth Stood Still", "Forbidden Planet" o "The Time Machine" . La feria ésta les vino muy bien para fantasear y promocionar el próximo paso de el hombre en la Luna. La obra de Attilio Mineo, considerada hoy como un clásico de ésa era, fue adecuada y practicamente perfecta.
Aquella maravillosa ciudad artificial futurista de 75 acres, acabó como suelen acabar todas éstas mierdas, convertida en un estercolero. Y el famoso Bubbleator, (que costó 70000 dólares su construcción ), fue vendido por 5100 y recolocado en una granja privada de Redondo como terranium. El disco de Mineo corrió mejor suerte, ganando fama con el paso de los años y siendo objetivo de coleccionistas de todo el mindo.
Orgullosamente podemos decir que fue la primera referencia de los barceloneses Wah Wah Records en vinilo, allá por 1998. Modern Harmonic lo ha vuelto a editar en el mismo formato hace un año.
Un verdadero artefacto de otro mundo que se escucha hoy con verdadero placer, situándolo en su correcto contexto.
Y una pequeña obra maestra de su tiempo.
J.J. IGLESIAS
Temas
1. 00:00:00 Attilio Mineo Welcome To Tomorrow
2. 00:03:06 Attilio Mineo Gayway To Heaven
3. 00:05:47 Attilio Mineo Soaring Science
4. 00:09:20 Attilio Mineo Mile-A-Minute Monorail
5. 00:10:58 Attilio Mineo Around The World
6. 00:13:59 Attilio Mineo Century 21
7. 00:16:05 Attilio Mineo Man In Art
8. 00:19:50 Attilio Mineo The Queen City
9. 00:22:19 Attilio Mineo Man Seeks The Future
10. 00:25:42 Attilio Mineo Boeing Spacearium
11. 00:29:11 Attilio Mineo Science Of Tomorrow
12. 00:32:05 Attilio Mineo Space Age World’s Fair
13. 00:33:00 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (1)
14. 00:35:50 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (2)
15. 00:38:21 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (3)
16. 00:41:39 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (4)
17. 00:43:01 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (5)
18. 00:45:51 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (6)
19. 00:47:42 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (7)
20. 00:51:16 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (8)
21. 00:53:31 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (9)
22. 00:56:41 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (10)
23. 00:59:51 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (11)
24. 01:02:30 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (12)
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