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WOODY KERN - The Awful Disclosures of María Monk (1968 / Pye)

 Una etapa particularmente preferida por éste escriba enfermo, fue el boom del blues rock inglés de finales 60. Multitud de bandas y solistas se recorrían el circuito de clubs londinenses ondeando ésa bandera estilística.  De los que la historia reduccionista dejará tres o cuatro como punta de iceberg : Fleetwood Mac, Savoy Brown, Chicken Shack y Ten Years After, tal vez. Fueron cientos. 



En Nottingham se forma en 1967 un trío con éstas aspiraciones, formado por el líder Rick Kenton  (guitarra, teclados, voz), Steve Harris (sin relación,  batería formidable) y Mike Wheat (bajo). Se llamarán Woody Kern,  como Jethro Tull, sin nadie con tal nombre. Muy del momento. Al poco se une John Sanderson (flauta, saxo y violín), dando un definitivo toque jazzistico al rock blues excelente del trío. Ahora sí que tienen su sonido. Debieron atrapar la atención del influyente dj John Peel, porque será el encargado de escribir unas líneas en el álbum.  Única grabación que saldrá en 1968 para Pye Records, no está mal. "The Awful Disclosures of María Monk", era el título de una novela escrita en 1836, sobre una monja a la que ponen fina en el convento, menos rezar, hace de todo. Perfecto para el temperamento sarcástico y transgresor del underground del momento. El productor Jack Dorsey, que lideraba una big band, hace los arreglos pertinentes. Y el jazz aflora con todo sentido, destacàndolos del pelotón prog blues. Pueden asemejarse al primer Jethro Tull, CCS o Jonh Mayall (con Jon Mark y Johnny Almond), en la inicial "Biography". La flauta les da orientación psych, al igual que la línea vocal, que los ajusta al floreciente proto-prog que está a punto de estallar. Fino estilista blues es Rick Kenton, haciendo bonitos dibujos con el mástil. Mientras que la sección rítmica no baja del sobresaliente. Y es que éste tipo de grupos se movían más por la escena nocturna, tocando sin parar, que en su local de ensayo.

"The Blues Keep  Falling" (6'03) entra en territorio Fleetwood Mac de cabeza. Voz con eco lejano, y la (no) producción totalmente live, de inmenso feeling blues, con la travesera  soleando continuamente,  es realmente especial. La guitarra se sale, y Kenton podría estar en el tridente Fleetwood con toda justicia. La mezcla de "That's Wrong Little Mama" me lleva a pensar en Savoy Brown con el saxo de Dick Heckstall-Smith. Algo así como la Brunning Sunflower Blues Band. La flauta aporta una perspectiva psicodélica maravillosa, que añade al simple blues un mayor campo de visión. Buen ejemplo sería  "Tell you I'm Gone", con percusión desarmantemente original y otra que cae del lado early Tull. "Xoanan Bay" rockeriza el ambiente, y ahora es el saxo el viento invitado, de nuevo con una batería sobresaliendo en puro Keith Moon  mode. Cierra lado "Uncle John", similar a la anterior,  pero con desaforado bajo a la Jack Bruce / Leo Lyons, y un sólo de guitarra que recuerda a Clem Clempson en Bakerloo....o Colosseum! 

Damos la vuelta a éste cotizado álbum de portada horrorosa. Y "Gramophone Man" con sus efectos y filtros, psicodéliza al rock blues con ambiental textura. Saxo doblado, orientación jazz y guitarra a lo Jim Hall / Joe Pass, con órgano de fondo. Piensa en el "Super Session" de Kooper / Stills / Bloomfield. Más Hammond para "Fair Maiden", de ácido contenido como la anterior, gusta de explorar melodías ingeniosas en un intento válido de rock progresivo. Ahora va a ser el violín  el que entre en la ecuación de "Vile Lynn", recordando tanto éste como la guitarra, al Hot Tuna de Papa John Creach y Jorma Kaukonen. También a los formidables Stud de Jim Cregan y John Weider. Blues rock hippie al ritmo trotòn de Peter Green en "Mean Old World". Diálogo sensacional entre guitarra y jazzistico saxo.



 Pone fin el extenso "Vegetable" (9'54), en un compendio de todo lo dicho, y donde la banda se desfoga a gusto con toda su evidente técnica. Jazz rock blues elaborado al modo de Taste, con solos de bajo y batería descomunal  (un portento). Terminando con un disco muy superior a la media, que no tuvo repercusión alguna. Woody Kern giró con Velvet Fogg (compañeros de management) y poco después se separaron. Diluidos en el tiempo. Otra injusticia.

J.J. IGLESIAS















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GOV'T MULE - By A Thread (2009, Provogue)

 Warren Haynes es el típico músico que, si en 2009 hubiesen reinado las listas de los años 70 del milenio pasado, su buen proceder frente a Gov’t Mule sería considerado cual sonora cocina de autor para paladares selectos y todos los adolescentes tendrían un póster suyo en la pared del dormitorio. Centenares de renacuajos verían a sus hermanos mayores meterse en el mundo de la guitarra pantanosa en pro de acercarse al sentimiento de este artista que fue reclamado en el último estertor ochentas por The Allman Brothers Band. Casi nada, ¿verdad? Pero no es así, sus Mule no revientan los listados de éxitos, aunque eso no quita para que copen hasta la bandera toda sala de conciertos que pisan. 



By A Thread es uno de sus ya reconocibles viajes a la Norteamérica profunda para a la postre regresar al sonido de la ciudad parando por tascas de carretera, todo drugstore que venda cerveza fresca y engancharse, si es preciso, al último vagón del tren fantasma en la recuperación de los ancestros rock and roll. De los Allman tomó nota, pero eso jamás ha sido losa para que luego sus Gov’t Mule no se puedan soltar con revisiones a Prince o Black Sabbath. 



“Any Open Window” carga con la maquinaria pesada –tributo a Mitch Mitchell y Buddy Miles en sus días como bateristas del talento zurdo Hendrix–, mientras “Forevermore” azuza a lo introspectivo y “Railroad Boy” mide la distancia entre “In My Time Of Dying” de Led Zeppelin y la versión que hicieron los de Jimmy Page del himno pantanoso “Travelling Riverside Blues”. No se pierde en el olvido la hecatombe que supone el duelo de Haynes con el ZZ Top Billy Gibbons a lo largo de “Broke Down On The Brazos”. 



Y si a todo el disco compacto le sumamos la base rítmica de Matt Abst y del por entonces recién llegado al combo Jorgen Carlsson, el asunto toma proporciones mefistofélicas. Tan suculento como aquel High & Mighty de 2006, pero demostrando que no están dispuestos a echar el ancla. Escalofriante experiencia que pone sacos y sacos de arena en la playa del rock con enjundia.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com











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OLD SORCERY - Realms of Magickal Sorrow (2017 / Garavluth)

 Ya he mencionado de pasada en anteriores entregas ése "nuevo sonido" llamado Dungeon Synth. No se sorprendan. No hay nada nuevo bajo el sol. Berlín School de toda la vida. La única diferencia es la estética utilizada. Acorde con el Death, Doom y demás oscurantismos del metal extremo. Portadas, logotipos, títulos y hasta los sintetistas se ponen inquietantes seudónimos. Ignoro si se pintan la cara de blanco también. Lo de las tachuelas resulta incómodo,  sobre todo si usas modulares, puedes enredarte entre sus cables con algún trágico final. 



En el caso de Old Sorcery, tenemos al frente a un finlandés que se hace llamar, (o igual es su verdadero nombre, que uno ya no sabe a qué carta quedarse!), Vechi Vräjitor. También utiliza los alias Megahammer o Warmoon Lord. Teatralismos y Warhammer games aparte, esto es atrapar el espíritu más darker de la Escuela de Berlín, (acaso no era ya, "Dungeon Synth", Peter Fröhmader?), y decorarla visualmente con look del metal extremo. Pero nada que a los seguidores de la classic electrónica  nos tenga que preocupar. "Realms of Magickal Sorrow" fue el primero de sus trabajos, justo en su año de fundación, 2017. Salió en cd y en edición  limitada de 100 copias en cassette, muy buscadas. Formato que gusta a los seguidores de ésta corriente musical, otro aspecto que viene del underground metal. Raritos en todo. Posteriormente se editó en vinilo.

"Strange and Eternal" (2019) fue la continuación,  más sinfónico y cinematográfico.  Y "Sorrowcrown" (2020) el tercero y último hasta ahora. Entre medias, varios EP y split (compartido con otro grupo), otro elemento típico del Stoner. Su debut se iniciaba con "Sorcerer's Dream" (12'02), y como gran amante de los soundtracks 70s y 80s que es, esto tiene todo el aspecto de película Hammer o George Romero......Aunque también de Edgar Froese cerca de "Epsilon in Malasyan Pale" o "Aqua". De construcción melódica impecable, majestuoso desarrollo y mucha seriedad  compositiva. El piano suena cavernoso, con eco, como tocado en un sótano olvidado, mientras que la vintage electrónica recubre las notas con trascendente solemnidad. A mitad de tema se une un secuenciador berlinés con denominación de origen, por lo que esto es inequívocamente,  mandanga de nuestro interés.  Ensamblado perfectamente en el contexto de la pieza, Vräjitor sabe lo que se trae entre manos.

 Sin pausa, entra "Vaikerruksen Portti" (4'24), como un cinemático retrato de monasterio maldito. Línea melódica realmente ingeniosa, con coral de espectrales monjes incluida. Hasta le hubiera gustado a Florian Fricke para alguno de los encargos de Werner Herzog. Viento helador enlaza con 'A Lost Soul Amid The Listening Trees" (9'12). Que es como ponerle música adecuada a una de ésas leyendas medievales de las que tanto material tenemos por nuestra historia, sobre almas en pena de princesas hijas de moriscos, pululando eternamente por las ruinas del castillo. Claro que también conecta con la faceta oscura de los Tangerine Dream etapa Virgin, sin mucho problema. Creo que lo que más nos atraía a aquellos adolescentes de los 70 era ese tenebrismo de sabor arcano, de leyenda olvidada en el tiempo. Justo lo que los del Dungeon Synth tratan de recrear ahora. Y que Old Sorcery consigue con éxito. 



 "In a Forest Trapped" (5'24) me la imagino tocada en la Catedral de Reims en 1974, por el más famoso trío alemán de la mandarina. Cierra el álbum "Further Beyond the Melancholic Horizon" (13'44), siguiendo con ése aire de recogimiento sacro......que les costó a Tangerine Dream la excomunión !!! Algo que estos nuevos sintetistas de lo oscuro acogerían seguramente con alegría y jolgorio!!! De algún modo accidental, aquel incidente en Reims conecta con la quema de iglesias de los obsesionados por el metal extremo noruego. Fuente de estética actual Dungeon. Más conexiones. Cerrando un círculo que demuestra la más que buena salud de la Berlín School, en cualquiera de sus variantes, se llame como se llame. El legado continúa, y Old Sorcery lo mantiene con respeto y fresca imaginación. 

J.J. IGLESIAS

Temas

1. Sorcerer's Dream 00:00​

2. Vaikerruksen Portti 12:02​

3. A Lost Soul Amid the Listening Trees 16:26​

4. In a Forest Trapped 25:38​

5. Further Beyond the Melancholic Horizon 31:02











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Power Of Zeus ‎– The Gospel According To Zeus (1970)

 Joe Periano ( guitarra) acababa de dejar la infantería marina y se incorporaba a la vida civil trabajando en una fabrica de Chrysler. Un día, mientras estaba leyendo el periódico, le llama la atención un anunció donde se solicitaba guitarrista para formar una nueva banda. Ese fue el detonante de Power of Zeus en 1968.


Los responsables de ese anuncio eran Bill Jones (voz, bajo) y Bob Michalski (batería). Ya teníamos configurada la formación inicial de Gangrene. Posteriormente conocen en un concierto  al teclista Dennie Webber que se incorpora al proyecto. Su repertorio estaba lleno de versiones de Led Zeppelin, Cream y Black Sabbath,  solían actuar en el club Wooden Nickel. Es en ese local donde son descubiertos y consiguen un contrato para el sello Rare Eath, subsidiario de la Motow. La compañía les exige que cambien el nombre de la banda y es cuando se renombran como "Power of Zeus". En 1970 se publica su primer y único disco, "The Gospel According To Zeus". El LP fue un fracaso absoluto lo que ocasionó, junto al excesivo consumo de drogas, el fin de la banda.


Este disco es uno de los objetos de culto para los coleccionistas.  La grabación nos muestra a una banda con toques oscuros de proto hard mezclados con psicodelia. En algunos momentos nos pueden resultar la mezcla entre unos Vanilla Fudge y Black Sabbath. Buenos riffs, como en la inicial "I´t Couldn´t Be Me", o en "In the Night", con el apoyo del Hammond. En los temas lentos se resienten un poco, "Green Grass and Clover". Remontan el vuelo en " I Lost My Love", gracias a su sección rítmica. Finalizan la primera cara con el "casi" progresivo "The Death Trip". La cara "b" se abre con la potente "No time".  El clavicordio inicial de "Uncertain Destination" no nos debe despistar, el ritmo pesado y oscuro sigue presente. Continuamos con "Realization" con desfase guitarrero a lo primeros tiempos de UFO. "Hard Working Man" es una de las perlas de la grabación. Finalizan con " The Sorcerer of Isis (The Ritual of the Mole), entre satánico y experimental. . Como curiosidad podemos decir que este tema ha sido sampleado en multitud de ocasiones por músicos de hip hop (KRS-One, Kanye West, Jay-Z, Cyprus Hill, Tribe Called Quest y Eminem). Un disco que tendría que ser de primero de primaria para los estudiosos del "Stoner".
J.C.Miñana


Temas
A1 It Couldn't Be Me
A2 In The Night
A3 Green Grass & Clover
A4 I Lost My Love
A5 The Death Trip
B1 No Time
B2 Uncertain Destination
B3 Realization
B4 Hard Working Man
B5 The Sorcerer Of Isis (The Ritual Of The Mole)






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SALVADOR DOMINGUEZ - LA LEYENDA DEL GUITARRISTA ERRANTE

 A la hora de enfrentarme a éste sincero homenaje al que considero el icono guitar hero de nuestro país,  tuve que hacerme una pregunta. ¿Qué echo de menos en la carrera de Salvador Domínguez? Sólo encontré una "falta". Quizá una carrera larga al frente de una banda.



 Luego comprendí que Salvador es de ésos músicos que necesitan estar en constante movimiento. Demasiado inquieto musical y culturalmente, como para quedarse mucho tiempo en un sólo flanco. Un nombre internacional me viene a la mente como paralelo a éstas reflexiones: Jeff Beck. Otro guitarrista errante incapaz de quedarse "estancado". Porque estoy seguro que ésta raza de músicos así lo perciben. El "período Yardbirds" de Salvador  fue Pekenikes / Canarios, en los primeros 70. Fíjense que no fueron comienzos modestos. Dos de las más grandes bandas de los 60, del (entonces) pop español. Pekenikes ha ido creciendo más y más en el tiempo, en un aura única  de originalidad instrumental sin precedentes. Canarios lideraron aquel fuerte oleaje de rock soul, que igualmente bebía de las fuentes psicodelicas y progresivas. Un lugar de expresión ideal para éste guitarrista madrileño, criado entre Caracas y Miami. Ahí veo otro paralelismo con otro guitarrista de igual raza, Ray Gómez en su etapa Pop-Tops.


Con miembros de Pekenikes y Cerebrum, en los que el mismo Salvador formó como Blue Bar, monta "su Beck, Bogert & Appice" particular, Banana. Power trío espectacular donde Salvador explota ésa creatividad en ebullición que necesitaba sacar en violenta y necesaria erupción. Hard rock blues o jazz rock se fusionan en varias etapas de ésta magnífica formación,  que sin embargo no llegan a editar nada oficialmente.  Sí que circula un live maravilloso, donde podemos comprobar que todas ésas buenas reseñas de la época,  eran completamente fundadas y hasta se quedaban cortas. 




La mezcla de gustos entre Felix Arribas (Tony Williams Lifetime, Billy Cobham) y Salvador con el heavy jazz rock de Tommy Bolin o (aqui sale de nuevo), Jeff Beck, crea el caldo de cultivo perfecto para el repertorio bananero. Algo inolvidable. Lástima de no contar con alguna grabación de su segunda etapa con Javier Vargas, (otro guitar hero de raza), como duelista eléctrico. Una contienda amigable entre  mástiles experimentados que debió de registrarse.....existirán grabaciones? Lanzo el guante al propio homenajeado! 1978 traerá dos grandes noticias para nuestro hombre. Una es la gira La Noche Roja, (todo un doble sentido propio de la Transición). Un pack de ensueño que reunía a Triana, Iceberg, Miguel Ríos, Guadalquivir, Tequila y Salvador. Sobrada exposición del mejor rock de aquí, en los finales 70, en cualquiera de sus vertientes. 


El otro bombazo será su primer álbum en solitario, apropiadamente llamado "Banana", aunque por imposición de Polydor, algo alejado de sus pretensiones como banda. A pesar de su inevitable orientación más comercial, es un gran álbum,  con momentos espectaculares. A mí me sugiere equiparación con grandes nombres del rock argentino. Spinetta Jade o Madre Atómica / Pedro Aznar, por ejemplo. Cuenta nada menos que con Jorge Pardo, Rubén Dantas y Pedro Ruy-Blas, de Dolores, así que la calidad está más que asegurada. Los directos de presentación serán apabullantes. Habrá un segundo en la misma línea,  "Recién Pinchado" (1979), álbumes que necesitan de una reedición urgente y en condiciones. 



Otro año para recordar en su historia será 1982. Grabación y gira de "Rock & Ríos", con un Miguel Ríos más rock que nunca. Con Thjis Van Leer de Focus y Salvador en sus filas. Y aportando éste clásicas inmortales como "Reina de la Noche" o....."Banzai". Ésa pieza tremenda va a dar nombre a su etapa más hard rock con el grupo de mismo nombre. Editan dos discos que marcan tendencia, con un segundo en 1984, "Duro y Potente", en el que José Antonio Manzano y Danny Peyronel (UFO, Heavy Metal Kids), van a ser piezas determinantes de un sonido internacional. Habría posterior reunión triunfal en 2011 ante 22.000 espectadores en Parque Aluche,  en una despedida como se merecían.  Pero el definitivo golpe está por llegar.


 En plenos 80 del hair metal,  surge Tarzen con los hermanos Peyronel y Ralph Hood (Grand Prix), éste recomendado por el propio Nicko McBrain. Contrato con Atlantic, gira USA con Twisted Sister y Dokken,  más giras por Europa y Latinoamerica. Salvador recoge el reconocimiento de su cosecha de trabajo, tras tantos años en la brecha. En una rabieta de los hermanos, será sustituido temporalmente por Lawrence Archer (Stampede, UFO)...... Sustituir a Salvador exige nivel! Pronto vuelven las aguas a su cauce. Y para "Madrid" (1989) entra al bajo Vitiko. Ya tenemos a los Riff argentinos, sin Pappo. Salva es mucho Salva. Y ése segundo álbum, es todavía mejor en mi opinión .



Llegan los 90 y es tiempo de nuevos caminos. El literario y didáctico va a ser uno de ellos. Nuestro hombre escribe tratados de guitarra de evidente éxito,  ofrece charlas y conferencias sobre guitarra. Sus colaboraciones son tan dispares como brillantes, Extremoduro, La Frontera, Seguridad Social o Jaime Urrutia. Un todoterreno que se amolda a todos. Retoma su carrera en solitario con "Sangre en la Arena" (1992), "Psicópatas Urbanos" (1998), "New Flower Power" (2005), -un reencuentro estilístico con el Jeff Beck más psycho - Chill out - electrónico -, y "Recuperando la Ilusión " (2014). 



Sus libros "Psicópatas del Mástil Vols 1 & 2", "Leyendas de la guitarra blues", o esas verdaderas tesis ineludibles para comprender nuestro rock : "Bienvenido Mr. Rock 1957 - 1975" y "Los Hijos del Rock 1975 - 1989". Libros completísimos y de obligada lectura. Continúa con sus actividades musicales y literarias. Sus continuas investigaciones musicológicas son un no parar. Altamente interesantes. Es por todo ello que nuestro guitarrista errante queda nombrado oficialmente como nuestro Guitar Hero Honorario de Rockliquias.  Un gran poder requiere  una gran responsabilidad. Y Salvador ha demostrado ampliamente poseer ambas desafiando cualquier limitación geográfica o temporal. Es sin duda alguna, pieza clave de nuestra historia. Siempre adelante!

J.J. IGLESIAS


Contacto:



Youtube:Wildguitar

Twitter: Wildguitar







P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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Tandoori Cassette – Angel Talk (1981)

 Dados los ingredientes con los que se confecciono este nutritivo y exquisito plato de corta pero intensa gratitud para el paladar auditivo (Zal Cleminson, Barrimore Barlow, Charlie Tumahai y Ronnie Leahy) muchos porg lovers auguraban un producto dotado de vitaminas complejas con predominio de la técnica y la propia imaginación. Y precisamente esta última no falto en las dos composiciones halladas en un siete pulgadas carente de cafeína irregular para muchos prog... ''Milikis'' de aquellos primeros años 80, en cuyo epicentro unánime se desconocía que el mismísimo baterista Barriemore Barlow se reengancho a Jetrho Tull en el año 1971, para prolongar una añeja iniciativa de viejos amigos con los que en los años 70 pusieron un broche de oro a la música de vanguardia británica.



Se llego a rumorear que el citado Barlow a mediados años 80 una vez visto para sentencia el proyecto Tandoori Cassette, llegó a manifestar en concretas entrevistas concedidas puntualmente a revistas especializadas en batería y percusión, (Modern Drummer) que en Tandoori se llego a sentir mucho más agusto ejecutando y trabajando a su vez con más creatividad que con Jetrho Tull... Quizá la dislexia interpretativa de texto fue la cuna en aquel entonces de la tergiversación de las declaraciones de un músico que décadas después de Jetrho, Tandoori Cassette, Malmsteen, Jimmy Page, John Miles... O la madre que me pario entre otros, aún no ha sido superado en Gran Bretaña... Y permítanme que mi duda se mantenga en vigor hasta el último de mis días. Ya pueden ustedes hablarme del pie diestro de Bonhan, las manos de Paice, o el antes y el después de cuantos bateristas ha dado el plano británico desde el inicio de la década de los 60 hasta la actualidad. Si alguien la sigue coronando, ese es Mr. Barrie, y por supuesto que digo esto desde el respeto hacia el resto, hacia esa amplia gama de discípulos de la batería que han dado las islas británicas en toda su amplia gama de estilos musicales, desde antes de que los cielos separasen el Atlantis hasta la actualidad. 

Tandoori Cassette aparecieron en la escena en su justo momento, con un producto fresco, digerible, estimulante y elaborado desmarcado en toda regla de la corte del rey confección.  Inclusive, les pongo como ejemplo a los ajenos al planteamiento de aquello tan cercano como desconocido para ellos mismos, una gran banda de Martorell llamada Klaam (quienes se filtraron por merito y derecho propio en el plano internacional con su primer y único trabajo "África Roja" publicado en el año 1983) contaban con cierto aroma a Tandoori Cassette, a pesar de su incuestionable envoltura crimsoniana y la pertinente pleitesía rendida a Van Der Graaf Generator entre otras muchas fuentes de las que manaba un este proyecto catalá, gestado en parte, en el faro de Montjuic de Barcelona en la recta final de los años setenta a merced de la todopoderosa madre improvisación. Pero esa... Ya es otra historia que placenteramente, muy pronto compartiré con vosotros una vez más a través de las ondas, en compañía de uno de los supervivientes de una de las bandas más simbólicas de culto que ha dado este país a lo largo de su historia, marcada en lo musical por una extensa parcela de culto cuya discriminación por la obstrucción sistemática tan apuesta como opuesta a la libertad de expresión cultural dentro del lenguaje por excelencia de la humanidad sigue siendo en la actualidad el balcón de un futuro carente de toda esperanza.  Todo estaba previsto para que el pasado mes de Marzo fuese publicada la reedición en vinilo de Africa Roja, pero en la recta final del pasado año 2019, Don Moisés desde China advirtió al engendro sistemático del final de los días... Y los días sin final se han apoderado de un mundo al que le siguen sobrando los valores básicos y fundamentales de esta supuesta raza humana.





De momento, baila, baila morena hungry de moonligth con estas dos piezas que en 1982, colocaban a Tandoori Cassette varios pasos por delante de un pretérito presente.

Luis Arnaldo Álvarez



Temas
A1 Angel Talk
B2 Third World Briefcases







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EMPEROR - Emperor (1977 / Private Stock)

 No les voy a hablar de unos malencarados noruegos, con más chatarrina que una ferretería. Antes, en los finales 60, ya rulaban por Long Beach unos The Emperors de fama local. Que abrieron desfases sociales (hoy "ilegales") de Rolling Stones, Righteous Brothers o Steely Dan. En los 70 cambian a Emperor y graban una serie de singles para RCA, con producción de John Ryan (Styx).



Pasada la mitad de década,  son una experimentada banda de directo que combina material propio con covers del tipo "Tommy", "Bohemian Rhapsody" o "Good Vibrations". Se trasladan a por un contrato serio a New York, y lo consiguen con Private Stock. Por entonces, los emperadores eran Joe Alexander (guitarras, voz), Joe Marques  (bajo, voz), Steve Watts  y Randy Budihas (bateria y voz, ambos), y Mike Lobbett (teclados, voz). Dos detalles sobresalen : Todos cantan y llevan dos baterías. El equipo de grabación de los Cherokee Stidios (L. A.), es de lujo. Kenny Kerner y Richie Wise  (Dust, Kiss), como productores. Y a los controles, Warren Dewey (Boston, Kiss, LeRoux, Frankie & The Knockouts). Será su único álbum en el año del estallido punk. A ellos les importa poco, van a lo suyo con un pomp arena de cuidadas voces y sofisticación obsesiva.

"Dreamer" lleva una voz solista similar a Meat Loaf,  y la guitarra debe su sólo a la psicodelia, el peso y poso de los 60, imagino. Me encanta la combinación. Exuberantes de todo punto. El "mostacho-rock" deja paso en "Do you Feel Alright?" a una mezcla de Boston y Molly Hatchet. Poco importa que Joe Alexander sea un mini-yo de Tom Scholz. Le mete rabia y pasión a cada embate, y eso es suficiente. Danny Joe Brown en el debut de Boston, sería una apta descripción. "Won't you be my Lover" lleva teclistica pomper y solista más melódico.  Aquí Styx no se escapa de la sana comparación.  Primera división pomp rock es "Flicker". Tanto su instrumentación como las voces son generosas en elegancia armónica. Y no pierden ni un gramo de energía. Styx/Who/Supertramp, y un sólo de puro Scholz va en el cóctel, convenciendo de sobras.

Yacht de postín cae del lado de "Time that it Takes", en soleado y bronceado WestCoast de corales supremas a la America / Firefall, y una slide que no envidia a Joe Walsh o Lowell George, mientras los teclados subrayan todo con rotundidad. Primer lado de 10. Y ya no van a bajar en el otro. Los sinfonismos de "I'm Alive"  (7'47), -que me he tomado la molestia de acercarles tal que ahí abajo-, llevan referencias de nuevo a Who en una fuerte propuesta sinfo-pomp, no alejada de Rose o Zon. El WestCoast smooth de "Woman" acaricia oídos. 



"You Oughta be Ashamed" y su hard rock-bar band los martillea. La finura compositiva de "A Million Years Ago" se pasea por territorios de Gulliver/Bighorn......Y ahora viene cuando digo que se separaron y fin de la historia. Pues parece ser que no. Que Emperor, (o lo que quede de ellos), todavía son muy populares por el área de Southern California. Y entonces, porqué no hubo más maravillas como la de éste álbum? Pues igual no tuvieron una buena experiencia con la industria, (nada difícil), y prefirieron ser felices tocando en vivo ante su fan base. Ya sabes, lo de aquello de "una y no más".......

JJ IGLESIAS



Temas
01 Dreamer 0:00​
02 Do You Feel Alright ? 04:02​
03 Won't You Be My Lover 07:18​
04 Flicker 10:04​
05 Time That It Takes 14:37​
06 I'm Alive 18:09​
07 Woman 25:55​
08 You Oughta Be Ashamed 29:23​
09 A Million Years Ago 32:54









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HOT FLASH - First Attack (1977 / Rockwell)

 Me pedían no hace mucho reseña para Rockliquias del único disco de Hot Flash. Pongamos en antecedentes. Fue una banda procedente del área de Boston. En plena fiebre mundial de los propios Boston con su debut. Si bien no existen muchos parecidos, sí que coinciden en estrategia. Inevitable que el pomp rock corra caliente por las venas de Hot Flash. 



Quinteto formado por Fredric Schwenk (guitarra, flauta, voz), Thom Stolar (teclados, flauta, voz), Joe Prima (teclados, voz), John Ferrara (bajo, Moog bass pedals)y Steve Balsavage (batería,  percusión,  voz). Aquí cantan todos, con dos teclistas y pedal de bajo Moog. Todo eso ya dice mucho. El único álbum en prensaje privado de 500 copias, llevaba el subtítulo "They'll Never Take Us Alive", lo cual fue verdad, porque nunca más se supo de Hot Flash. Una lástima. Hoy es un álbum muy considerado tanto en círculos pomp/AOR como progresivos, y es que de todo tenemos en "First Attack!".

El inicio de "Take me" (5'34) podría ser de un álbum de Starcastle, con bajo Squire preponderante y moogs en dominación. La voz solista es melodiosa y agradable  (aunque no sé de quién). Y la coral es, como se espera, espectacular. Muro vocal en línea de los Styx de esos días.  No escatiman en tensión hard en la guitarra de Schwenk, que equilibra lo prog con la solidez rock. Para ser privado, lleva una producción muy estimable. Hacia vientos midwest nos lleva "Is Anybody Out There" (3'42), con un piano acústico llevando las riendas de la canción al estilo REO Speedwagon, o The Mark & Clark Band/ Carnegie. 

"King Kool" (6'29) es sustentada por vigas hard en su guitarra rítmica,  pero todo el envoltorio es mainstream prog lleno de analogía teclistica, disparando notas certeras sin concesiones. La travesera pone su punto proggy, los moogs no paran de aullar, y la andanada pomp aglutina todos los elementos, como en el debut de los británicos Magnum. Hammond y guitarra solista dan el punto classic rock (eso ahora, que por entonces era de lo más actual!). Como intervalo sinfónico "Theme for a Saturday Matinee" (1'51) podría ser Focus, por su instrumental delicadeza europea. "They'll Never Take Us Alive" (4'34) trae su punto teatral a lo Broadway, muy Styx / Ambrosia del comienzo, en su composición. Altamente original, casi vodevilesca, con emersoniano órgano y un tremendo soporte de bajo,  (casi hasta demasiado en la mezcla), pero de pegada arrolladora. Desde luego que no deja prisioneros. 

Con un nombre como "Uriah" (7'09) ya se podrá imaginar el lector que aquí el Hammond es protagonista, la coral es magnífica,  e imagino una recreación a propósito del sonido "Salisbury" / "Look at Yourself". Puede que se refiera al personaje de Dickens, pero la música habla por sí sola. Aquí hay tanta imaginación e ingenio como en los homenajeados. El batería se sale con sus cábalas percusivas, de alto nivel, al estilo de un Barriemore Barlow. Poderoso y me quedo corto. Pieza de las destacadas, seguramente.  Otro intervalo sympho, ahora con acústica a la Howe como intro, es "Victory March Thur Tinsylvania" (1'27), que es como una viñeta de una historia sin contar. Aunque tiene su continuidad en "Star Warped" (4'05), en un frenesí pomper de ardor Kansas. "Cathedral of The Ancester" (3'30) en piano intro, atrae majestuoso hard sinfónico de grupal brillantez instrumental, de nuevo con Heep influencia. "Diamond Wings" (6'10) pone el sello final con más sinfonismo hard rock, jugando con habilidad con los elementos descritos. Todo muy bien combinado. En un perfecto equilibrio que gustará tanto a la parroquia pomp como a la prog (sector : amplitud de miras). 



Al margen de etiquetas, se trata de un disco independiente extraordinario. Casos como éste,  los hubo con más frecuencia de la deseable. Pero era el signo de unos tiempos irrepetibles.

J.J. IGLESIAS



Temas
1) Take Me - 5.54 2) Is Anybody Out There - 3.44 3) King Kool - 6.22j 4) Theme For A Saturday Matinee - 1.54 5) They' ll Never Take Us alive - 4.33 6) Uriah - 7.11 7) Victory March Thur Tinsylvania /Star Warped - 5.45 8) Cathedral Of The Ancester - 3.41 9) Diamond Wings - 6.08








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Cinderella o la banda que esperó en la estación del descorazonado

 Cualquiera podría pensar que con sólo cuatro elepés de estudio, una banda como Cinderella no merecería lucir destacada frente a otras con mayor recorrido. Sin embargo, Tom Keifer y su agrupación lograron mucho más gracias a esas grabaciones que decenas de bandas con discografías kilométricas. Sólo hay que escuchar un redondo como Night Songs (1986) para comprender que, aunque su estética casaba con la de lo conocido como hair bands o glam metal, su estilo se había escapado del pelotón mucho antes de que empezase la vuelta final. 



Y es que pocos nombres de aquel panorama tenían tanto respeto por el sonido de los 70, como el que demostraban a puntapiés los Cinderella en cada uno de sus cortes. Su actitud poco tiene que ver con los manierismos de Poison, y tal vez eso los haga más especiales aún. En cualquier caso, y por casualidades de la vida, ambas bandas terminarían compartiendo gira en 2006 como celebración del veinte aniversario de su debut (no hay que olvidar que Look What The Cat Dragged In también se puso a la venta en el 86). Pero el pelotazo se resume en cuatro años de despegue, ascensión y gloria.



Tom Keifer y Eric Brittingham, auténticos chicos de Philadelphia, juguetean en 1982 con la idea embrionaria de Cinderella. El nombre pega con la escena que está creciendo, al igual que sus trapos escénicos no se desvincularían durante los primeros años de aquel maridaje con el glam rock. De ahí a editar para Mercury transcurrirían los años de rigor en los que darse a conocer, mover su material inicial por sellos, dejarse la piel a la menor ocasión y un sinfín de etcéteras reconocibles en los periodos de salida del huevo primero. 


Se podría decir, como facto, que Jon Bon Jovi resultó a la postre su verdadero descubridor. La primera vez que el vocalista de Bon Jovi les vio actuar en el Empire Rock Club supo de inmediato que ahí había madera de auténticas estrellas. Estaba en lo cierto. Su banda ya tenía dos discos en la calle para finales de 1985, y uno de ellos, el segundo 7800º Fahrenheit, estaba funcionando de maravilla gracias a temas como “In And Out Of Love” o “Silent Night”. Eran pupilos de Polygram, aunque para el 86 ya estarían presentándose como combo de la escudería Mercury. Jon convenció al A&R del sello para que diese una oportunidad al cuarteto de sus para entonces protegidos, y la cosa salió rodada. El propio vocal colaboró en uno de los temas de Night Songs, aunque el disco de sus Bon Jovi Slippery When Wet de ese mismo año mató las posibilidades de éxito para muchos de sus colegas de profesión y contemporáneos. 




Slippery When Wet se alzó con el número uno de las listas estadounidenses, canadienses, suizas, noruegas, finlandesas, australianas y neozelandesas. Una auténtica bala de cañón. Volviendo al trabajo de Cinderella, las filas sufrieron cambios palpables hasta la consecución del contrato de marras. El guitarrista Jeff LaBar se convirtió en baza ideal para la grabación de la obra, aunque el puesto de baterista estuvo en el aire hasta el último momento. Se habló primero de Jim Drnec, que era uno de los últimos miembros de paso; posteriormente aparecería Jody Cortez, instrumentista de sesión que se encargaría de las tomas oficiales. Fred Coury, cuarto ariete desde entonces, sería fichado con el tiempo justo para salir en la foto promocional y embarcarse en el tour de presentación. Jon les echó nuevamente una mano recomendándolos como los teloneros necesarios para su gira de aquel entonces con Slippery When Wet.


En 1988 llegaría la continuación esperada, aunque no saldrían de 1986 sin editar sus dos primeros sencillos del vinilo debut. “Shake Me” configuró la andanada de apertura, proyectiles que no llamaron la atención de la manera esperada. Pero cuando todo pudiese parecer perdido, el siguiente “Nobody’s Fool” les salvó la papeleta. La gente comenzaba a requerir de sus imágenes y canciones, por lo que se montó un popurrí de las mismas para el vídeo oficial Night Songs: The Videos (1987). En la nombrada cinta estaban sus tres clips promocionales de aquellos días más algunos cortes extraídos ese mismo año de su show en mayo para el público de Philadelphia, su hogar. 



Lo más curioso de todo es que cuando Long Cold Winter llegaba a las tiendas, Cinderella podían demostrar sin preocupaciones que su talento y capacidad estaban intactos. Sublimes como ellos ya se desplegaron en su elepé de despegue, ahora se estabilizaban girando un poco la rueda de estilo, una corriente que rondaría el blues rock fundido en hard con aires de frontera sudista en Heartbreak Station de 1990. Más Humble Pie que Bon Jovi, el tercer pilar de la banda no alcanzaría las alegrías de ese doble platino que sus hermanos anteriores se metieron en la buchaca. Aun así, este esfuerzo por reorientarse hacia unos gustos que en el fondo ya venían de lejos, les hizo tomar una estética más cercana a la de The Black Crowes. 



Tal vez no funcionasen tan bien como antaño en las listas, pero lo cierto es que se ganaron el respeto de muchos que antes les consideraban como un combo con más imagen que bemoles. El mismo Little "The Architect of Rock and Roll" Richard no lo dudó al ser invitado a participar en el clip de “Shelter Me”. En la vorágine grunge, Cinderella jugaría sus últimas cartas antes de terminar barridos por el resto de la década. Still Climbing (“Seguimos ascendiendo”) era todo un llamamiento a unos principios que no pretendían perder en 1994. Los coleccionistas podrían subsistir durante los siguientes años gracias a la gran cantidad de compilaciones y directos que se publicaron del cuarteto –y es que Keifer no ha dejado de lucir el nombre de la banda en directo durante las siguientes décadas–.

por Sergio Guillén  

sguillenbarrantes.wordpress.com










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