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NICOLAS SCHÖFFER - Hommage Á Bartok (1979 / Hungaroton)

 Hoy traemos el único disco de un....escultor! Pero no un escultor cualquiera. El franco-húngaro Nicolas Schöffer está considerado el padre del arte cibernético. Sus esculturas dinámicas autómatas funcionaban mediante un sistema de sensores, que reaccionaban a los movimientos del espectador. Una nueva forma de interactividad en el arte había nacido. Una idea original de los cubo-futuristas y solidificada por el Constructivismo ruso. Alcanzar una cuarta dimensión mediante el tiempo y el movimiento. 



La primera escultura cibernética de Schöffer fue el CYSP1 (1956), y está considerada la primera en su género en la Historia del Arte. Se presentó en una actuación con la compañía de danza de Maurice Bejart, (el de "Messe Pour Le Temps Present", con Pierre Henry). CYSP1 interactuaba con los bailarines  en el techo de la Cité Radieuse (creada por Le Corbusier). Ésta performance contó además con la música concreta del citado Pierre Henry. "Hommage Á Bartok" no es que tenga mucha similitud con el también húngaro,  compositor contemporáneo.  Schöffer exprime un órgano  (o ésa es mi apreciación), y se desenvuelve en momentos experimentales. Todo lo electrónicamente posible. Y para mi sorpresa, lo consigue. Puede que ésta música de su creación,  fuera pensada y utilizada para sus exposiciones de "esculto-bots", con toda probabilidad. Y éso conecta con el espíritu primigenio del kraut, el cual comenzó en galerías de arte. 

El comienzo con "Chronosonor 1-2" (10'12) me interesa más en sus sonidos imperceptibles y fugaces, que en su línea visible claramente,  - o así me lo parece-, improvisada. Conecta con Terry Riley o LaMonte Young, y hasta podría incluirse en el movimiento Fluxus. Minimalismo en prototipo que adquiere interés según se desarrolla. "Chronosonor 3" (9'53) sigue la misma línea, aunque ahora juega también con las tonalidades, rajando, distorsionando y modulando ondas y tonos cual esculturas sonoras desde los Laboratorios Philips de Hungría. La impresión resultante es añeja, mucho más antigua que de 1979. En cualquier caso,  resulta altamente retro-futurista y acorde con el objetivo escultórico del autor. 

En la cara B continúa el "Chronosonor 4-5" (11'30), con ataques de "fuzz electrónico" perfectos como fondo de lectura de una novela de Philip K. Dick o Isaac Asimov, ("I Robot" sería la propuesta adecuada en éste caso). Música abstracta, sin concesiones, dura y difícil  (o no, dependiendo de tu nivel de aceptación hacia éstas artes), pero con inspiración de tiempo y espacio muy concreto. No encontrarás una copia barata de éste álbum,  a no ser que tengas un golpe de suerte. Alberga un interés histórico,  por tratarse de semejante figura en el arte. Cómo hubiera sonado un disco electrónico hecho por Gaudí? Quizá similar? Nunca vulgar o previsible. Como en este  caso. Finaliza con "Percussonor 1-2" (8"48) y la improvisación se lleva a extremos que rozan la locura Dadá. Duchamp estaría encantado. Y yo también.  El objetivo del arte en cualquiera de sus manifestaciones debe ser la reacción / pensamiento del observador-oyente.



Unos lo veneraran, y  otros querrán asesinarlo. Todo es válido. Y Schöffer consiguió su propósito. 

JJ IGLESIAS



Temas
A1 Chronosonor 1–2 00:00
A2 Chronosonor 3 10:08

B1 Chronosonor 5 19:56
B2   Percussonor 1–2 31: 22






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Kid Jonny Lang & The Big Bang ‎– Smokin (1995)

 A pesar de tener 39 años Jonny Land es todo un veterano en la escena musical. De niño prodigio a estrella blusera en unos pocos años, aunque últimamente a perdido algo de brillo. Hoy nos toca analizar su primer trabajo publicado en 1995.


Jonny Lang nace el 29 de enero de 1981 a las afueras de Fargo, Dakota del Norte. Su padre tocaba la batería y su madre era una gran aficionada al sonido Motown. Comenzó a tocar el saxo a los 11 años pero un año después se decide definitivamente por la guitarra. Comienza a recibir clases de la mano de un guitarrista amigo de su padre, Ted Larsen, miembro de Bad Medicine Blues Band. A los pocos meses el joven Lang ya formaba parte del grupo e incluso cambia su denominación por la de "Kid Lang & The Big Bang". Se trasladan a Mineapolis y graban de forma independiente, "Smokin", logrando vender 25.000 copias. Durante algún tiempo se curte en los clubs de la ciudad hasta que el productor David Z se interesa por el y la A&M Records le ofrece un contrato para iniciar su carrera en solitario.


En esta primera grabación de Jonny Lang le acompañan: Ted Larsen (guitarra rítmica), Jeff Hayes (bajo) y Mike Larsen (batería). Tenemos a un Land con 14 años demostrando una veteranía guitarrera impropia de su edad. El "tracklist" está formado por siete temas de la banda y cuatro versiones: "Nice & Warm" (Tab Benoit), "It´s Obdacious" (Buddy Johnnson), "Too Tired" (Albert Collins) y "Maited Milk" (Robert Johnnson). Resulta casi increíble que a su edad demuestre una gran sensibilidad blusera en su forma de tocar la guitarra. Un gran trabajo, preludio de lo que vendría después. Temas recomendados "Nice & Warm", "Louise" y por supuesto "I Love You The Best".
J.C.Miñana








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IRIS – Crossing The Desert (1996)

 Desde Arrakeen en Francia al británico Casino de la ruina londinense, Sylvain Gouvernaire, recorrió un camino en el quizá tuvo que vitaminar el mar despojándose de grasientos pelillos aprendiendo de errores excomulgados, porque a fin de cuentas el pasado, es simplemente pasado, y ciertos capítulos deberían de estar actualmente más que enterrados.



El arco perfilaba un Iris idóneo para que Gouvernaire cruzase un desierto de árida humedad, en el que el galo materializa el temperamento perdido en los años de auto búsqueda en la estrecha sala del desencuentro, a pesar de que tras los burladeros de un ruedo tan amargo como picante, Clive Noland entre otros bandoleros de la antiprogresión, contribuyesen a que Gouveirnare ignorase un salto vertiginoso hacia un vacío cuya red sita bajo el trapecio no lograría amortiguar el impacto de la decepción. A pesar de que en aquel entonces, Cozy Powell y su contundente sencillez pasional y personal, alertasen a Gouvernaire de que el mejor vuelo, es aquel que provoca la elevación con los pies firmes sobre el más equilibrado de los suelos.

Durante un largo proceso de elaboración aplicado a ocho temas que se registran durante el año 1995, en un momento en el que la Neo Prosgnosis vírica se expande por USA y Europa de forma descontrolada y sin un tratamiento eficaz capaz de combatir su inapetente propuesta y excesiva expansión, Sylvan Gouvernaire le da el trabajo prácticamente hecho al bajista Peter Treawavas y al baterísta Ian Mosley (el pulso vital de Marillion) para que ambos contribuyan con una lectura más apropiada al bolillo de encaje, para grabar con total fluidez y escasos arreglos (innecesarios) una obra aplastada despiadadamente por la apresurada producción de la misma, cometiendo un falta en ataque jamás señalada por un colegiado que aplico la ley  de la ventaja, en tiempos de un cólera de leves excesos con descarada trayectoria hacia la hecatombe de la vanguardia.



Peter Treawavas prescindió a lo largo de su trayectoria profesional del empleo de técnicas como el Pizzicato, apostando por un concepto limpio en el uso del Plectro, para definir el cuerpo de un Groove que le ha servido como modo distintivo dentro y fuera de Marillion, Transatlantic o inclusive en el proyecto que nos ocupa, Iris. ¿Y dónde está su presencia, en esta experiencia de ocho pasajes instrumentales? ¿Quizá la ilógica compresión analógica engulló sometida por las prisas a condena las líneas de Peter? 

Ian Mosley, desde sus inicios ha desarrollado viejas técnicas de precisión de notas sobre platos, con predominio de la sutil y elegante técnica de dedos en el apoyo de notas dinámicas sobre los platos ¿Dónde está la presencia cobriza  de Mosley, y el cuerpo de sus distintivos desplazamientos. O el Heel Toe de ambos pies, o el cuerpo de una imperiosa caja de 14 X 8 en este cruce sobre un desierto de ilustre imaginación en la caza y captura de la evocación emocional?

Sylvain Gouvernaire ha ido dándole prioridad al aprendizaje para asumir la evolución sobre la lógica vampiresca de manera anti amorfa, pero sin eludir pecados estridentes cometidos sobre elementos tecnológicos de apatía simétrica. Y esto le sucede en el mejor de sus momentos como compositor.

A Crossing The Desert y su integro mensaje de placenteras moderaciones, alejadas de obstinaciones dominantes, le ha faltado un cuerpo de seguridad, para enriquecer lo que posiblemente hubiese sido una de las producciones discográficas más redondas de un año 1996, del que... Válgame Dios si la ancestral escuela de la república de la reinvención hubiese asomado la cabeza no sólo en aquel año, sino desde 1993... Hasta un 2020, en el que la reinvención aquí, y allá en el otro mundo, menos gloria encuentra de todo, por eso mi memoria retrocede puntualmente a lo que más ha destacado en Gran Bretaña y el resto de un medio mundo Neo Progresivo de caderas fracturadas.



Lástima de un cuerpo coherente para el remate final de un disco nada embarazoso, de genuina vanguardia que por otro lado, ha esquivado toda retaguardia tanto fucsia como sepia.

Luis Arnaldo Álvarez









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R.E.O. SPEEDWAGON - Lost in a Dream (1974 / EPIC)

 Vale. Es decir REO Speedwagon y ver al personal imaginando "Hi-Infidelities", colorines, AOR power pop y rock stars decadentes. No. REO Speedwagon fueron mucho más que eso. Desde un ninguna parte llamado Champaign, Illinois, sí,  en pleno Midwest, se pegaron muchos años desde los 60 tocando por tugurios infectos del tipo "Roadhouse" film. En una mezcla de raíces y rock blues que los curtió como músicos extraordinarios. 



En su primer álbum, ya para toda una Epic en 1971, contaban al micro con Terry Luttrell, luego famoso cantante para los prog-pompsters, Starcastle. Gary Richrath (guitarras, voces), Neal Doughty (teclados), Gregg Philbin (bajo, voces) y Alan Gratzer (bateria, voces) son el núcleo  del grupo. Durante la primera mitad de los 70 telonean a los más grandes : Aerosmith, Bad Company o Eagles entre otros. Para "REO TWO" (72) entra el que será su cantante emblemático y marca registrada,  Kevin Cronin. Pero se irá pronto,  entrando Mike Murphy, otro veterano del área de Champaign. Nunca se habla de éste cantante, pero fue un importante compositor para la banda. Y registró nada menos que tres sensacionales álbumes de ésta primera etapa :"Ridin' the Storm Out" (73) - con Joe Walsh y Guille García  (Captain Beyond) -, "Lost in a Dream" (74) y "This Time We Mean It" (75). Antes de que volviera Cronin para "REO" (1976), y afianzaran definitivamente el sonido característico que los hará famosos. Esto ocurrirá a partir del doble en vivo de 1977. Estamos hablando de 7 álbumes,  toda una carrera, de un estilo puro 70s, roots rock, hard boogie y acorde con el terruño de donde proceden. 



En éste "Lost in a Dream", "Give me a Ride (Roller Coaster)" ya exhibe un cálido West Coast sound obra de Bill Halverson (Crosby, Stills, Nash & Young). El pedigrí instrumental es indiscutible, así como su vocalista de melódica y poderosa garganta. "Throw The Chain Away" puede equipararse a Bob Seger & the Silver Bullet Band, Mitch Ryder & the Detroit Wheels o The Rockets. Yeah, esto es muy Detroit en su esencia rock'n'roll. Hasta cuentan con Sly Stone  al piano invitado. La euforia de exitosa bar band continuaba en "Sky Blues", con sudoroso hard southern blues y honky tonk piano. Además de incendiarias seis cuerdas de Richrath. El West Coast feel brillaba en la organística "You Can Fly", casi en un rango psicodélico.  Mientras que los casi 7 mts de "Lost in a Dream" debían directamente al "Deja-Vu" de CSNY, pero con el músculo necesario para competir en hard rock arenas. Y en eso la carnosa  producción de Halverson tuvo mucho que decir. El ritmo tiene el cuerpo funk que pide ésta música. Guitarra y teclados suenan nítidos y necesarios para percibir las evoluciones instrumentales con atención quirúrgica. Un sublime hartazgo de delicatessen sonora.



 La cara B transcurre con igual intensidad y valía. Pero mi intención aquí no era analizar exhaustivamente "Lost in a Dream". Si recordar que antes del REO Speedwagon mainstream (para nada malo), hubo otro excepcional, que aglutinaba toda la alquimia del rock'n' roll USA existente hasta entonces. Tan importante como su  exitosa segunda parte, entrados los 80.

J.J. IGLESIAS










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SMOKEMASTER - Smokemaster (2020 / Tonzonen)

 Vivimos unos segundos 70s escondidos en las ruinas de la mediocridad y la basura aparente? Así lo creo. La magia alemana de aquella década sigue dando destellos. Éste año en el debut de los de Colonia, Smokemaster. Maestros del Humo heavy psych, que en otro tiempo hubieran sido fichaje fijo de Brain. Citan como influencias a Pink Floyd y The Doors por la parte clásica ,  y Colour Haze como más reciente. Aunque se pueden sentir las huellas fosilizadas en el barro del tiempo, de otras grandes formaciones.



Un cuarteto (+ armonicista de vez en cuando), que se hacen llamar Tack Tack (órgano, teclados), Lukas Bonschen (batería,  voz), Tobmaster (bajo), Jay Guitar (apellido) y el soplador ocasional,  Bjornsen Bear (blues harp). Pone sobre aviso el productor elegido, toda una leyenda como es el ex-Grobschnitt, Eroc. Garantía sin presunción de inocencia. En efecto, los Floyd pre-"Dark Side" tienen su momento en la inicial "Solar Flares" (7'27), y a veces pienso que ése primigenio capítulo de Pink Floyd es el que más ha influido a las bandas alemanas. Incluso más que el posterior. Su ingrávido medio tiempo, colgado en el éter en espera de una explosión gilmouriana, como así ocurre, es apoyada por Hammond y rítmica superlativa. Que nos lleva a aquel inquietante tema de la Eugenia y su pasión por las hachas, (o su mango, nunca ha estado eso muy claro!). Pues tal cual, pero a su manera. 

Ya en "Trippin' Blues" (4'24), sale todo el potencial hard de Smokemaster. Que los iguala en objetivos a Lucifer's Friend, Birthcontrol, Curly Curve, Kin Ping Meh o Dies Irae.....Aunque ésa autoconfesada influencia Doors pueda ser el detonante. Abrasivos. La armónica en estampida, en complicidad organistica desmesurada, trae "Ear of the Universe" (10'24). A lo que se calman, una bluesy guitarra a la Gilmour sobre una alfombra Hammond nos trae a los mejores Jane de "Together", "Here We Are" o "III". Regresión completada con éxito. No hace mucho un amigo disquero me preguntaba, seguramente por su nulo conocimiento de actividad underground, si escuchaba algo que no fuera antiguo. Mi contestación fue afirmativa, pero "hay que buscar y preocuparse", le dije. Quizá tuviera algo de razón. Quizá seguimos escuchando "los mismos discos", con diferentes intérpretes. Lo que no deja de llamarse, un género musical. Como el jazz o el blues.

Damos vuelta al vinilo, y "Sunrise in the Canyon" (4'11) es un instrumental western style a la Morricone, spaghetti - pistolero to the max,  con el halo psicodélico abrasando pupilas y garganta. Otra forma de puertas a la percepción.  Muy  trabajado y a todo detalle, estos Maestros del Humo se diría que llevan al menos una década ejerciendo sus alquimistas artes,  huelen a veteranía.  "Astronaut of Love" (7'03) toma intro de bazooka cuatro cuerdas, haciendo sonreir a Lemmy desde el otro plano. Seguido de todo el gang cabalgando en sus corceles eléctricos,  guardapolvos ondeando al viento, y esto es Hawkwind de manual. Uno se imagina a la exuberante Stacia moviendo su desnuda pelvis, ante el babeo de salidos quinceañeros de primera fila. Otra regresión triunfal hacia el Ritual del Espacio, continuando la saga que iniciaran aquellos hippies space cadets de Nottin Hill,  hace 50 años. Termina la exploración cósmica, (pero con carne con patatas en el morral), en la estación "Astral Traveller" (8'41), extraído como single-clip. Excelente muestra de hard espacial con salvaje organada a la Zeus B. Held  (Birthcontrol), y guitarra a la Conny Veit (Gila), que hará salivar a los adictos kraut más hard rockers.



Smokemaster tienen el kung-fu suficiente para convencer al más escéptico,  y en su primera entrega. Espera que tuneen la nave y le añadan extras. Pueden ser los próximos putos amos de la galaxia.

J.J. IGLESIAS




Temas
Side A:
 0:00 Solar Flares 
7:29 Trippin' Blues 
11:54 Ear of the Universe 

Side B: 
22:20 Sunrise in the Canyon 
26:33 Astronaut of Love 
33:37 Astral Traveller








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BAD COMPANY - Dangerous Age (1988, Atlantic Records)

 Se dice que tras el fallecimiento de John Bonham, baterista de Led Zeppelin, Peter Grant dejó de interesarse por el mundo del management. Los Zeppelin habían sido sus protegidos y el golpe de una pérdida tan cercana lo superó. Esto afectó a su trato con Bad Company, ya que sin Grant templando gaitas, el cuarteto formado por Paul Rodgers, Simon Kirke, Boz Burrell y Mick Ralphs terminó por desquebrajarse. Rodgers y Burrell, tras haber formado juntos en las mismas filas de 1973 a 1982 y grabado como agrupación seis discos de estudio, no se podían ni ver por aquel entonces y las peleas eran constantes. Tendrían que transcurrir cuatro años desde la publicación de Rough Diamonds para que los seguidores del conjunto pudieran disfrutar de su regreso; aunque no sería con los cuatro miembros originales que habían llevado a la gloria el nombre de Bad Company.



Simon y Mick no perdieron totalmente el contacto tras la disolución de la primera formación de la banda e incluso llegaron a trabajar juntos en el elepé solistas del segundo titulado Take This; por tanto, cuando Atlantic Records se saca de la chistera una segunda vida para Bad Company, a dos de los miembros de la vieja guardia ya los tenían asegurados. Sin embargo, los músicos fundadores no volverían a tocar juntos hasta 1998. En el regreso de la Mala Compañía sería Brian Howe el que ocuparía el puesto frente al micrófono, ya que Paul Rodgers andaba preparando junto al supergrupo The Firm el segundo disco del proyecto. 


El ex Ted Nugent Howe, apoyado por el Foreigner Mick Jones que fue el que lo recomendó como reemplazo de Paul, aparecería en los créditos de casi todas las canciones de Fame And Fortune (1986), componiendo tanto con Kirke o Ralphs como con Andy Fretwell, Gregg Dechert o el propio Jones. Pero a partir del siguiente Dangerous Age, Bad Company cambia su visión en esta reconversión en favor del rock melódico ya planteada en su anterior redondo. Si en Fame And Fortune hay una atmósfera tan Foreigner que hasta son producidos por Keith Olsen, a partir de su siguiente álbum será el miembro de los excepcionales Charlie, el cantante, multiinstrumentista y compositor Terry Thomas, el que se convierta en quinto Bad Company.


Dangerous Age tiene al tándem Howe/Thomas como máximos compositores, presidiendo en los créditos la casi totalidad del larga duración. Terry igualmente grabará guitarras, teclados y coros. Así que Simon Kirke, Brian Howe, Mick Ralphs y Steve Price (la otra nueva adquisición que entró en Bad Company para grabar Fame And Fortune, aunque en ese vinilo de regreso se liste a Boz Burrell aún como miembro) encuentran en Terry Thomas al aliado perfecto. Los nuevos temas dibujan la nueva personalidad de la banda, buscando un sonido que los diferencie, los separe de los ecos de Foreigner y que también funcione sin pegas en la FM USA. 



Las canciones resultantes son directas, hijas de su tiempo, con estribillos adictivos y perfectamente equilibrada la balanza entre el rock de guitarra airada en sus melodías (“Love Attack”, “Excited”, “Bad Man” o mismamente el tema título) y el medio tiempo o la balada que se te clava en el pecho (“Shake It Up”, “Something About You”). En cuanto a los himnos para hacer cantar a todo un apelotonado estadio, “Rock Of America” lo tiene todo para convertir sus tres palabras del título en puro coro que repetir a voz en cuello. “Shake It Up” y “No Smoke Without A Fire” funcionarían como los singles de presentación que abrían las puertas a unos Bad Company rejuvenecidos. Terry Thomas seguiría colaborando con el grupo, en uno u otro puesto, en los siguientes Holy Water de 1990 y en el Here Comes Trouble de1992.

por Sergio Guillén

sguillenbarrantes.wordpress.com








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THOMAS BLOCH - Music for Ondes Martenot (2004/ Naxos) (SERIE PIONEROS)

Nuestra serie Pioneros de hoy es más sobre un instrumento que por sus intérpretes. Retrasamos la manivela de la Time Machine y nos vamos a planos Steampunk, que realmente existieron. Maurice Martenot, (Paris, 1898 - 1980), desarrolló durante su estancia en 1917 como operador de radio en la armada, un instrumento basado en válvulas de radio afinadas a diferentes frecuencias. A su vez, Lev Theremin estaba en plena creación de su famoso instrumento con su nombre.



Maurice agarró un pique guapo cuando el susodicho Theremin fue presentado en Paris, en 1927. Así que Martenot presentó su segunda versión mejorada de su aparato de ondas. Y claramente triunfó.  La prensa dijo que mientras el del ruso era un instrumento "fisico-musical", el francés era antes "musical que físico". Etéreo,  sobrenatural e inexplicable. Se había adelantado más de 30 años a los sintetizadores. Por su parte, el francés Thomas Bloch  (1962) es un experto en instrumentos extraños como el Ondes Martenot, el Glass Harmonica o el Cristal Baschet (derivados del ANS ruso?...). Sus actuaciones van de la música contemporánea al rock, ópera, teatro, improvisación,  scores, ballet o world music. Ha colaborado con Radiohead, Tom Waits, Marianne Faithfull, Milos Forman (en "Amadeus"), John Cage, Manu Dibango o Fred Firth. Aprendió la alquimia Martenot en el Strasbourg Conservatoire (Francia). Resumiendo mucho su inacabable curriculum. 

Éste álbum comienza con "Feuillet Inedit #4" de Olivier Messaien. Con Bernard Wisson al piano. Una belleza de interpretación con aires debussyanos, y exquisita suerte de sonidos. En serio, creerias que son sintetizadores. Thomas Bloch nos presenta su composición "Formule". Algo así como el "Eruption" de Van Halen, (lo juro), pero en tan excéntrico aparato. Suena absolutamente actual. El mismo pianista Bernard Wisson aporta "Kyriades" (16'18) junto a la Paderewski Philarmonic Orchestra dirigida por Fernand Quattrocchi. Música excelente. Que igual valdría para un film de espada y brujería,  que para un aficionado al rock progresivo más ortodoxo. Una pequeña obra maestra dentro de un disco lleno de sustancia. Los bizarre electronics de Michel Redolfi junto a la voz de Susan Belling en "Mare Teno" (7'23) nos trasladan a mundos del primer Roger Dean, con enigmática belleza digna de Yes en "Close to  the Edge". Otra maravilla es "Lude 9.6" del propio Bloch, pequeña gema kraut con expansiva demostración  de las ilimitadas capacidades de las Ondas Martenot. Deja constancia de que a comienzos del siglo XX, ya existía la música electrónica. La miembro de Henry Cow,  Lindsay Cooper, junto a su bassoon,  sintetizador y voz, deja huella en "Nightmare" (6'09), al lado de otros músicos a los teclados, marimba, voz y batería. Surrealismo de cámara no exento de sentimiento RIO, con las Martenot aportando su increíble misterio. 

Otra barbaridad progresiva, (si, progresiva), es "Fantaisie" (15'28) de Bohuslav Martinú (1890-1959). Música grandiosa que no anda alejada de las sinfonias de Robert John Godfrey y sus The Enid. Olivier Touchard a los electronics ataca una pieza del propio Thomas Bloch,  "Euplotes 2", y la convierte en un ensayo berlinés  en toda regla. Con las Martenot waves en plena ebullición al dente.  La flauta y saxo de Etienne Rolin en "Space Forest Bound", se confunde con el aparato retro-futurista en un impresionismo sonoro magnífico. 



Thomas Bloch pone fin a éste brillante "homenaje al cacharro", con "Sweet Suite" (9'27), con cierto recuerdo a Cluster , Harmonia o La Dusseldorf. Fin del viaje. La  ruidosa locomotora debe ser recargada con carbón. Pero pueden apretar el "play" y volver a un fantasioso 1900. Yo de ustedes, lo haria.

J.J. IGLESIAS 







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Joe Bonamassa ‎– A New Day Yesterday Live (2002)

El pasado mes de octubre (2020) Joe Bonamassa publicó "Royal Tea", el número 13 en su discografía en estudio, con las colaboraciones especiales de  Bernie Mardsen, Pete Brown y Jools Holland.  Hoy recordaremos su primera grabación oficial "en directo", "A New Day Yesterday Live".


Joe Bonamassa nace el 8 de mayo de 1977 en Utica, ciudad del condado de Onelga en el estado de Nueva York. Alentado por su padre comienza a tocar la guitarra a los cuatro años y a los 11 llega a tener como profesor a Danny Gatton. Su primera banda, Smokin 'Joe Bonamassa, la forma con 12 años de edad, con la que llega a abrir una veintena de shows a BBKing. En 1991 funda "Bloodline", una  super banda de nuevos talentos integrada por Aaron Hagar (hijo de Sammy Hagar) como cantante, Waylon Krieger (hijo de Robby Krieger) a la rítmica,  Berry Oakley Jr. (hijo de Berry Oakley) al bajo, Erin Davis (Hijo de Miles Davis) a la batería y el teclista  Lou Segreti. Tres años más tarde publican su debut discográfico. En 1996 decide dar por finalizada esta etapa y comenzar su carrera en solitario que culminaría con la edición de su primer disco, "A New Day Yesterday", en 2000. A partir de ese momento el niño prodigio de la guitarra se convierte en una consolidada estrella del firmamento del rock blues.


Esta grabación en directo de Joe Bonamassa nos traslada a la gira de presentación de su primer disco en solitario, "A New Day Yesterday Live",  en 2001. En ese momento la banda la integraban Joe Bonamassa (voz, guitarra), Eric Czar (bajo) y Kenny Kramme (batería). El "setlist" contiene temas del disco que presentaban que incluía  magnificas versiones como la inicial "Cradle Rock" (Rory Gallagher), "Walk In My Shadows" (Free) o  "A New Day Yesterday" (Ian Anderson). También podemos escuchar "Steppin Out" (J. Bracken) y "Rice Pudding" (Jeff Beck). En el dvd tenemos como bonus: "Guitar solo", ""Are you experienced? (J. Hendrix) y "Had To Cry Today" (Steve Winwood). No se me ocurren palabras para definir esta grabación, simplemente decir que desde la primera vez que la escuche sigo con la boca abierta ( bueno, es un decir, la cerré hace tiempo para que no me entraran moscas). Atención a la parte final de "Trouble Waiting".
J.C.Miñana




 





 
Temas
1. Cradle Rock
2. Steppin Out/Rice Pudding
3. A New Day Yesterday
4. Miss You, Hate You
5. Walk In My Shadows
6. I Know Where I Belong
7. Colour & Shape
8. Trouble Waiting
9. If Heartaches Were Nickels
10. Don't Burn Down That Bridge
11. Guitar Solo
12. Are You Experienced?
13. Had To Cry Today






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PLANETA IMAGINARIO - Biomasa (2008 / Cuneiform) (Rockliquias Bandas)

 Fueron para mí,  la gran sorpresa del Festival Minorisa 2002 en Manresa. Y se estaban enfrentando a gladiadores progresivos de la talla de Deus ExMachina u Ozric Tentacles. Unos piraos disfrazados que parecían sacados del "Camembert Electrique". Tampoco no muy alejados de ése sonido. Una combinación psicodélico - jazzistica que igual invocaba a Música Urbana que a la Orquestra Mirasol. Mucha música. Es que también procedían de Barcelona. Aunque por sus filas pasaron personal de todo el mundo.



 Se formaron en 1999, y su único miembro fundador que seguía,  Marc Capel (teclados vintage a go-go), un loco del Canterbury, era más o menos su líder. De inmediato compré su demo, que vendían a pelo, sin portada ni nada. La guardo como hueso de santo. La astucia de Margen Récords y sus reflejos como buenos ojeadores hicieron que dos años después apareciera su excelente debut " Qué me Dices?" (2004). Un disco que sorprendió  en toda la comunidad prog internacional. Así que no fue extraño que su siguiente, éste "Biomasa"(2008), apareciera en la norteamericana Cuneiform. Otros expertos en músicas arriesgadas. Con Marc Capel por supuesto, al Hammond L-100, Fender Rhodes, Korg NS, Korg Delta, Korg MS-20, piano y Arturia Moog Modular. Guillermo Villa Valdés  (trompeta, fliscorno), Josep "Manre" Zafra (fretless bass), Vasco Trilla Gomes dos santos (batería,  hoy de fama internacional ), Rafa Gómez López  (saxo tenor), Eneko Alberdi Laskurain (guitarra), The-Hien Trinh (trombón) y Hermann Bauerecker (saxo alto). Sorprende que de ocho miembros, sólo  haya el cambio del bajista con respecto al primer álbum. Solidez.

Sin perder su visión psych, "Discurso Cósmico desde el Planeta Imaginario" (1'38) inaugura "Biomasa" para entrar en materia inmediatamente con "El Francotirador de Washington" (5'23). Y Soft Machine mid-70s en plena aura inspiradora. Esto es material superlativo, dinámico,  primordial. El roc laietá nunca tuvo un mejor resucitador que Planeta Imaginario. Maravilla de vientos, de Rhodes, de ritmos.....Transporte instantáneo a una velada en la mítica Zeleste (la primera, claro). Llena de hippies y freaks en humareda envuelta de ilusiones. Así suena ésta música,  Y en el nuevo siglo. Un milagro. 



Prosigue en "Capture" (6'16) con destellos de seis cuerdas que igual tiran del primer Fripp, que de Gary Boyle, John Goodsall o Ray Russell. Ramalazos Zappa también son bienvenidos a la fiesta. Condimento imprescindible en éste querido Planeta. Sombras afrobeat y exquisitos ingredientes africanos en "Biomasa", los lleva a lo mejor de Osibisa, Demon Fuzz, Randy Weston, Tony Allen o el Roy Ayers de los 70. Saben lo que hacen. El British jazz prog siempre muy presente. Como en "La Caja Negra" (12'10) de aspiraciones nada imaginarias, y muy realistas. Cucas melodías en su aparente simpleza, que esconden problemas de trigonometria compositiva, arreglistica y polirritmica. Acérquese a obras primeras de IF, Bob Downes Open Music, Alan Bown, Brainchild, Web o Samurai. Calma acústica relaja "El Teatro de los Faranduleros" (3'13), algo psicotica,  todo sea dicho. 

Vuelve el jazz rock mediterráneo en "Hoy es un Nuevo Día" (4'22), con ése aire de eterna positividad que tanta falta hace. "L'estiu" (6'56) continúa en brillante introspección,  con Satie en mente, sin duda. Finalizando con la crimsoniana "Trastornos Ópticos del Oso Bipolar" (9'06), un entusiasmante entrelazado instrumental que no desecha psych, kraut,  jazz ni desbarres varios. Y todo cuadra. Con un felliniano fin de fiesta para una grabación extraordinaria e inolvidable. Hasta Chris Cutler la alabó.  



Repitieron con Cuneiform para el tercero "Optical Delusions" (2011), todavía en irreprochable racha. Pero yo perdí contacto con Marc Capel y nada se sabe de Planeta Imaginario. Puede que Amoeba Split hayan cogido su testigo con excelente nivel. Pero yo los echo de menos.

J.J. IGLESIAS


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com



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Andy Summers ‎– Earth + Sky (2004)

 Tras la publicación de dos álbumes que exploraban los límites del Jazz a través de la música de Thelonious Monk, "Green Chimneys", y la esencia de Charles Mingus, "Peggy Blue Skylight", el ex guitarrista de Police Andy Summers,  asaltaba el mercado en el año 2004 con una propuesta discográfica dotada de composiciones originales, con una nueva banda que avanza a través de un enjambre de géneros dentro de su obra Earth + Sky.



Summers reclutaba en aquella experiencia los teclistas, John Novello y John Beasley, al baterista Vinnie Colaiuta, la sobresaliente saxofonista Katisse Buckingham y el bajista Abraham Laboriel, lo que permite a Summers forjar un cuerpo de trabajo cuyo punto de mira se centra en la experimentación en el Jazz contemporáneo, el Rock y las formas folclóricas basándose en la tecnología avanzada  trabajando a la par ritmos orgánicos y atmosféricos. Probablemente la percepción del encuadre de Earth + Sky, para muchos pudo atracar en el puerto de la reducción, pero Summers, a diferencia de muchos guitarristas de superchopper, es un melodista cuyo lirismo es ineludible en prácticamente todo lo que toca. Por lo tanto, el efecto de estas melodías es quimérico, aunque se centre en líneas armónicas, tan sugerentes como simples que puedan llegar a trasladar la imaginación hacia cerros de rimas infantiles como manifiesta la pieza "Now I'm Free", que presenten líneas de guitarra diseñadas para la hipnosis, o conjuros complejos cargados tanto modal como rítmicamente  como es el caso del tema que abre el disco. 

 Earth +Sky,  guarda una simétrica concentración atmosférica que podría ser encuadrada en una banda sonora destinada al cine negro, es el caso de "I Choose You". Es incuestionable que Andy Summers ha utilizado sus habilidades en el lenguaje del Jazz con un efecto sorprendente en toda esta obra, ya que permite que su guitarra sea un punto focal arquitectónico de un conjunto en lugar de ser la pieza central de la música en sí. Por lo tanto, ya sea que se involucre con los adornos de la fusión o la balada acústica, "Roseville", teje algo complejo, conmovedor y memorable a partir de la distinta captación de elementos.



 Earth + Sky es otro esfuerzo sólido de un guitarrista que no cesa de reinventarse así mismo.

Luis Arnaldo Álvarez



Temas
1. Above The World
2. Now I'm Free
3. The Diva Station
4. Return
5. Earth & Sky
6. Parallels
7. Circus
8. Roseville
9. Red Stiletto
10. I Choose You






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