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SURYA - Overthrown (2019) (Rockliquias Bandas)

Recien salido del horno nos llega el primer trabajo de los jerezanos SURYA. Hablamos con su guitarrista Antonio Hierro para conocerlos más a fondo.



Rockliquias.- ¿Por qué SURYA? 

Antonio: Surya es el dios hindú del sol. Cuando José y yo comenzamos el proyecto estábamos bastante interesados en la estética de la India y los sonidos orientales. Al final se quedó Surya. Lo elegimos un poco in extremis. El proyecto no tenía nombre y cuando nos llamaron para el primer concierto, hacía falta algo que poner en el cartel. Estuvimos pensando nombres durante un buen rato y al final se quedó Surya.


Rockliquias.-¿Quiénes son SURYA? 

Antonio: Surya está conformada actualmente por Antonio Hierro (guitarra y voz), José Moares (guitarra), José María Zapata, Jota (bajo) y Carlos Camisón (batería). Provenimos de diferentes estilos, aunque todos relacionados con el rock. Yo tuve una banda de death metal, Radement, Carlos una de hardcore melódico, Dry Law, Jota de stoner metal, Prehistoric Whales y José una de punk melódico, Enginerds, pero al final a todos nos gustan todos los géneros. El grupo lo comenzamos José y yo con Miguel Salas, un batería de El Puerto. Andrés Acuña estuvo como bajista muy brevemente, y seguimos buscando bastante tiempo hasta que encontramos a Alfonso Loaíza en 2016. Poco después Miguel sale del grupo y a los meses entra Carlos Camisón. Alfonso estaría con nosotros hasta finales de 2017, cuando finalmente entró Jota. Esta es la formación que aún se mantiene.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Antonio: Como ya he dicho antes, todos escuchamos de todo, y como es lógico, esto repercute en Surya. No vamos buscando nada en concreto, pero sí que tenemos un nexo común en el rock duro y también el clásico, en bandas de finales de los 60 y de los 70, e influencias más modernas. Algunos de los grupos clave serían Blue Cheer, King Crimson, Yes, Black Sabbath, Hawkwind, Mountain, Soundgarden, Truth & Janey, Mastodon, Motorpsycho, Elder, Baroness, Kadavar...


Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música?

Antonio: Sin duda es rock, con tintes de psicodelia, de stoner, pero con influencias muy dispares. Alguna gente nos ha dicho que somos acid rock, otros heavy psych o simplemente stoner rock. En definitiva, el único género en el que nos hemos puesto de acuerdo para referirnos a nuestro estilo es heavy rock, aunque tampoco sea el más preciso. 

Rockliquias.-En Noviembre de 2019 habéis editado vuestro primer larga duración, "Overthrown" ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? 

Antonio: El disco se grabó y mezcló en Estudio 79, con Rafa Camisón en abril de 2019, y fue masterizado por Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering, en junio de 2019. Apostamos por un sonido potente y tradicional, con amplificadores de corte vintage e instrumentos clásicos. Queríamos una producción envolvente y real y prestamos especial atención a la búsqueda de los sonidos. Cabe destacar que la grabación se realizó en Semana Santa y que el estudio se sitúa en el centro de Jerez, lo que supuso una odisea a la hora de trasladar el equipo. Incluso tuvimos que parar de grabar en una ocasión porque estaba pasando una procesión por la misma puerta del estudio.


Rockliquias.- El disco ha sido lanzado en 10 sellos nacionales ¿Cómo ha surgido este formato de edición y promoción?

Antonio: En primer lugar, viene de la necesidad. Para una banda novel es muy complicado encarar la inversión que requiere la grabación de un disco, no hablemos ya de lanzar un formato físico como es el vinilo. Por otra parte, también es lógico que ningún sello quiera jugársela y afrontar el gasto de dinero solo, siendo este nuestro primer disco. Estamos muy agradecidos de que todo el mundo se haya volcado y haya puesto tantísimo de su parte y de que confíen en nosotros. Sin ellos no estaríamos donde estamos.

Rockliquias.- ¿Qué significado tiene para vosotros el  título del disco, "Overthrown"? 

Antonio: El disco trata sobre una lucha de poder entre un hijo y su padre, que termina derrocado, de ahí Overthrown. Aunque no se hace referencia a la palabra en las letras, es bastante buen resumen de la historia, y además es una palabra sonora y con fuerza. En un principio, Overthrown iba a ser el título de la segunda canción del álbum, Sundazed, y este iba a ser el título del disco.

Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?

Antonio: La ha diseñado Nacho Fernández-Trujillo, que ya ha trabajado con otras bandas de la provincia de Cádiz como Mystic Queen. Le enseñamos el disco para que nos dijese  qué se le ocurría y estuvimos hablando sobre, la música, la historia, las letras… Llegamos a un punto en común bastante rápido. No queríamos una portada cliché dentro del género, y creo que Nacho ha dado en la diana. 


Rockliquias.-¿Nos podéis hacer una descripción de los temas que componen la grabación? 

Antonio: El disco está compuesto por 8 temas bastante dispares en cuanto a duración y estructura, pero todos relacionados por la atmósfera y la historia que cuentan:

Tales Of The Great Fharats: Queríamos que el disco comenzase sin introducciones ni preámbulos, y así comienza esta canción. Un tema de corte bastante melódico y con potencia.

Sundazed: Un tema sencillo y machacón, con prioridad para que la voz pueda explayarse. Lo hicimos así a posta porque nunca le habíamos dedicado mucho tiempo a este tipo de composiciones. El final es un poco agujero negro, con los dives de Jose.

Crystal Gate: Posiblemente la canción más compleja del álbum, es la suma de varias partes diferenciadas y es casi instrumental. Algunos de los riffs que usamos llevaban en dique seco bastantes meses, me encanta que los pudiésemos usar al final porque son de mis favoritos

Thousand Year Bridge: Un pequeño descanso al final de la primera cara. Esta canción no estaba terminada cuando entramos en el estudio y eso nos permitió jugar bastante con ella en cuanto a estructuras y sonidos. El riff del outro es de mis partes favoritas.

Golden Tower: Un tema bastante psicodélico y abierto, con un final bastante de stoner clásico. El solo de guitarra enterrado en la mezcla tiene un aire etéreo que me encanta.

Turtle Shaman: La idea de esta canción surgió hace muchísimo tiempo, y la del disco sería su tercera encarnación. Otra canción con protagonismo de la voz y un sonido bastante antiguo y psicodélico. El final es una vorágine, posiblemente la parte más difícil de llevar a cabo correctamente en directo de todo el disco.

Begone: La canción más antigua del disco, puede llevar compuesta casi dos años. Tiene el detalle de una maraca muy clásica que metimos casi en el último momento y que le da un rollo bastante 70s a toda la canción.

No Further: En este caso nos centramos en acabar el disco como queríamos, en crescendo. Un tema bastante Sabbath, tiene una estructura de blues tergiversado. El solo que compone casi media canción es bastante bluesero y ácido. Un final bastante arriba después de todo el disco

Rockliquias.- ¿Tenéis fechas previstas para su presentación?

Antonio: Si, ya hemos actuado en Ubrique (Vaya Plan) hace algunas semanas, y aún queda El Puerto (Blanco y Negro) el 23 de noviembre, Estepona (Louie Louie) el 30, y la presentación del disco en Jerez, nuestra ciudad, el 26 de diciembre. Además aún faltan por concretar fechas en otras ciudades para el año que viene, ya iremos informando…


Rockliquias.- ¿Cómo está el panorama musical en Andalucía?

Antonio: Es complicado. Hay bandas excelentes en toda Andalucía. Por todos lados, mires donde mires, hay gente de cualquier edad haciendo música (y no solo rock) con muchísimo arte. Pero si que es cierto que Andalucía no cuenta con una infraestructura ni un tejido de salas que favorezcan al rock, aunque hay muchísima gente que se lo curra tela y pone todo de su parte para que podamos sobrevivir. Aunque hagamos esto por que nos encanta, a veces hay tantas trabas que se le quitan las ganas a uno…

Rockliquias.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?


Antonio: Bueno, por suerte es un vinilo, que en mi opinión tiene más rollo. El CD todavía no lo hemos planteado al 100%. La edición ha quedado estupenda y no podríamos estar más agradecidos a los sellos y a todas las personas que han colaborado. Con respecto a los conciertos, no tiene mucho. Nos lo pasamos genial tocando e intentamos que al público se le contagie. 






Temas
1.  Tales Of The Great Fharats - 0:00
2.  Sundazed - 3:58
3.  Crystal Gate - 8:11
4.  Thousand Year Bridge - 15:39
 5.  Golden Tower - 20:06
6.  Turtle Shaman - 25:01
7.  Begone  - 31:28
8.  No Further - 35:26



Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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OBIYMY DOSCHU: “Elehia” (2009). “Son” (2017)

En esta ocasión nos vamos a la vecina Ukrania conscientes de que no se llevan muy bien con el vecino invasor y que fueron puteados por el estalinismo sin piedad. 


A Ukrania se la llamó el granero de Europa. Un país con unas riquezas naturales impresionantes y unas chicas preciosas que encandilan a los corazones blandos y a los sinfónicos naturalmente. No conozco a ningún sinfónico que no busque la idealización de la mujer imposible y por ello perder la razón. Peligroso veneno y tumba de todo romántico en todos los tiempos y en todas las épocas. La sensibilidad para la música va a la par que la enfermedad del amor. La perfecta enfermedad mental por excelencia. Ukrania fue también la cuna de mi venerado Sergei Prokofiev el único de los grandes compositores exiliados a occidente pero que incomprensiblemente volvió a la Rusia Soviética. Fue recibido primero con honores y héroe de la patria revolucionaria pero puteado y ninguneado por las autoridades soviéticas en muchas otras. A su primera mujer Lina Lluvera, la mandaron a Siberia por ser extranjera y ajena a los intereses del realismo socialista. Todo extranjero en la URSS estalinista era sospechoso de espionaje. Curiosamente ella le sobrevivió. Masoquismo eslavo. Imagino el cuerpo que se le quedo al querido Sergio por su genial idea de volver.

Obiymy Doschu otro nombre complicado de recordar y supongo que de pronunciar se fundaron en Kiev en 2006: Volodymyr Agafonkin vocals, acoustic guitar, Oleksiy Katruk electroguitar, Mykola Kryvonos bass guitar recorder, Serhiy Dumler drums percussion, Maria Kurbatova keyboards, Olena Nesterovska viola, Olexandra Vydrya violin y Hanna Kryvonos back vocals es decir un nutrido grupo de músicos. Volodymyr es el líder y compositor de la banda y voy a definirlos en sus propias palabras: “lo nuestro es música rock poética, sofisticada, pero increíblemente melódica con arreglos de cuerda y elementos de rock progresivo, neoclasicismo, neo folk y post rock” y algo que me encanta de ellos: “si crees que nuestra música tiene algún valor compártela con tus amigos”. Humildad, algo difícil de escuchar en palabras de músicos. Ya no es que su música tenga algún valor es que sencillamente es extraordinaria.


“Elehia” se grabó en 2009 con un maravilloso encarte y portada invernal. Preciosa fotografía y mejor música. Los textos y la voz están en ukraniano y con caracteres cirílicos pero gracias a la traducción que nos ofrecen las nuevas tecnologías se pueden reproducir los títulos. La primera sensación en la escucha es que el espíritu eslavo está muy acentuado y la música es emocionalmente muy intensa. La versión sinfónica progresiva desde el otro lado. La prominente guitarra acústica tocada con pasión y alma y ese neoclasicismo rock en absoluto siniestro o caótico, pero sí amargo lleno de vitalidad y fuerza. La música es hermosa y siempre triste. La tristeza lírica es algo inherente a las gentes del este. Gente habituada al sufrimiento histórico. 



La palabra griega “Logos” significaría pues el razonamiento de la lógica pero el “Pathos” hace referencia al sufrimiento humano que deviene de la experiencia. El llamado “Pathos” eslavo es la inmisericordia en el destino. Lo implacable. El dramatismo que imprimen puede acercarse estilísticamente al Crimson primigenio por esas densas capas de orquestación monolítica que los King conseguían tan solo con un mellotrón. Aquí la tela es más gruesa especialmente indicada para gente depresiva que odia la alegría y le gusta retozarse en el fango como éxtasis de placer y sufrimiento. 



Tardaron 8 años en grabar “Son” su segundo trabajo en 2017. Un largo programa de composiciones que se va a los 72 mtos. Otra portada esta vez más inquietante pero repleta de refinamiento estético y naturalmente el trabajo es incluso superior al interior. Música de abandono y desesperación al igual que el anterior, algo más agresivo por momentos, pero melódicamente atrayente y doloroso. Música para llegar al placer a través del sufrimiento y con más instrumentación empleada. Más calibre instrumental para ser exactos. Cierta épica siempre vista desde el ángulo de esos países del telón y del frío de las estepas que no siempre concuerda con la épica rimbombante europea. En Europa la épica es de celebración, grandilocuencia, honores o pompa. En otros es guerra, destrucción o desesperación del apocalypsis en paisajes desolados por reacción nuclear.


 La música de “Son” es tan hermosa como a veces devastadora. Apela a las profundidades del alma. A los dolores internos de la condición humana. Tampoco ofrece refugio, esperanza o alivio, pero extrae la belleza quizás allí donde no la hay. La voz del cantante es muy personal. El timbre es agradable pero dramático y las melodías son puramente autóctonas, cosa que veremos más adelante en otros grupos como Little Tragedies. La sensibilidad eslava es muy diferente a la nuestra. La tercera pieza “Razom” es cosa delicada y hermosa para esos corazones sinfónicos que buscan princesas ficticias e imaginarias. Qué bonito si fuese verdad… ahhh mierda de mundo falso y mentiroso. Cuanto daño nos hizo Disney en nuestra infancia.
Alberto Torró



Elehia


Son


Temas
01 (0:00) — Остання мить
02 (8:36) — Крила
03 (18:46) — Разом
04 (26:18) — Темна ріка
05 (37:27) — Назустріч тиші
06 (41:37) — Кімната
07 (46:50) — Інтерлюдія
08 (48:03) — Сон
09 (55:15) — Земле моя мила
10 (1:00:22) — Новий початок
11 (1:04:55) — Янгол





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BENT KNEE - Land Animal (2017)

Los discos de Bent Knee son casi una continuidad conceptual de exuberantes ideas. Ellos construyen la música en base a una rica argumentación y no tienen ningún inconveniente en ofrecerte constantemente el factor sorpresa. 


El diálogo sonoro no tiene fronteras ni afirmaciones estilísticas. Ellos cogen la música. Toda la música si me lo permitís y modelan una escultura única. Una forma completamente nueva de composición que dejo a algunos que se atrevan a etiquetarla. Yo no hablaría ya en términos de rock progresivo porque probablemente están ya en otra cosa que los críticos todavía no han inventado. No suenan a nada conocido y de aquí a unos años pueden convertirse quizás en una banda de referencia hacia nuevas formas de componer música. Ensombrecen por completo a la mayoría de bandas asépticas de su generación. Son elegantes, frescos, atrayentes y nada previsibles. Ya lo vengo diciendo de todos sus discos anteriores. Hay tantos estilos de buena música de todas las épocas que casi los definiría como unos modernos intemporales. Es muy difícil que sus composiciones se vuelvan desfasadas con el tiempo porque beben de raíces inteligentes y de tradiciones académicas de la misma forma que lo hacen con lo más vanguardista y futurible. Parten de un concepto de investigación que se fundamenta en el placer de la escucha. No hay un divorcio pretendidamente intelectual como ocurre con otras músicas como el RIO o el free jazz o la música de cámara contemporánea a los que les importa un bledo el oyente y solo tocan para ellos mismos. Si tocas en directo y aburres al auditorio es patético. Cuando un músico no conecta con su audiencia y no estoy hablando de hacer música con concesiones comerciales sino todo lo contrario, su trabajo es un pozo seco. Dar con un trabajo musical que sea a la vez atrayente, fascinante y complejo es lo más meritorio que un músico puede llegar a hacer. Cuando decimos que la música es buena, es porque ella ha ejercido una impresión beneficiosa en nuestro cerebro. Independientemente de la calidad objetiva de la misma. De joven solía pensar lo que piensan muchos músicos snobs de ayer y de hoy: “toco para mí… o la gente no está preparada para entenderme”. Tal gilipollez ha llevado a la vanidad y al engreimiento a muchos genios consagrados. Otra cosa es que hagas música solo para ti solo porque te divierte pero esa es otra historia. 


Bent Knee consiguen realizar una música de altísima calidad con una facilidad pasmosa para agradar al oyente. No contemplo mayor satisfacción para los que hayan decidido trabajar con los misterios del sonido y con el oficio de compositor o intérprete. Nombrar los temas de “Land Animal” para hacer un ejercicio de análisis de cada canción no lo veo relevante. Lo verdaderamente relevante es conseguir que estos 57 mtos de música penetren en el oyente como un todo indisoluble. Eso sí es un mérito.
Alberto Torró


 





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JORDAN RUDESS - Wired For Madness (2019 / MUSIC THEORIES)

No sé hasta qué punto ayuda a un virtuoso músico el estar en una banda famosa, cara al editar un álbum en solitario. Recuerdo ahora mismo a Tony Banks. ....Más como un grupo de la ambigüedad de Dream Theater. Donde al menos la mitad de su parroquia, la más metal, no querrá saber nada de éste asunto. Y la otra mitad, tengo mis reservas, si empezamos a separar los que quieren oír hard rock, modern prog o cualquier otra tendencia de nuestros confusos días.  Así que definitivamente creo que no, que a un tío como Jordan Rudess eso de sacar discos en solitario no lo lleva por aspiraciones mega-ventas, precisamente. Eso sí,  le tiene cogido el gusto,  y ya lleva un carrerón por su cuenta. "Wired For Madness" suma el número 13 ó 14 de su apetecible discografía. Algún día habría que analizarla como se merece.


Tampoco me deslumbran los VIP invitados, porque éste hombre por contactos no será : Vinnie Moore, John Petrucci, Guthrie Govan o Joe Bonamassa en las guitarras. James LaBrie y Marjana Semkina en las voces. Jonas Reingold al bajo. Y Marco Minemann, Rod Morgenstein y......Elijah Wood en la batería !!! Sí,  hasta Frodo. Toma sinfonismos! Lo que realmente me alucina es la increíble técnica y talento de éste músico,  eso sí.  Si éste disco hubiera salido en los 70, sería posiblemente un īcono más, a la altura de muchos que todos tenemos en mente. Sólo dos piezas de largo recorrido subdivididas. 

"Wired For Madness Part 1" (11'49), que comienza como si fuera la continuación del final de "2112". Y, hala, prepárense para el despegue y despliegue de electrónica turbo en mutación estilística constante. No se pierde una base hard de guitarra, para agradar a algún parroquiano de la banda madre (a todos es imposible). Pero con las filigranas teclisticas como principales protagonistas de la película. Hammond desbocado replicando a algún solo shred,  y contestaciones en plan "jota de picadillo" entre guitarras y teclados de todo pelaje y estilo. Desde experimentales hasta swing a la Count Basie, de cuasi-kraut a piano classics, secuenciadores berlineses en lujurioso desfogue de minimoogs wakemaniacos, pompers momentos a la Triumvirat junto a cartoon music (especialidad Rudess).....Da la impresión de que en ésta primera parte se quiera apabullar al oyente, cansarlo con un buen palizón, para que paladee con más calma lo que le espera. Como cuando en un partido de tenis sales arrasando para acojonar al contrario. En su parte final entra voz en melodía floydiana y concluye con una calma impensable en el resto de la pieza. Rudess es imprevisible en sus interpretaciones, no sabes nunca por dónde ni con qué te va a salir, y eso es una baza definitiva para capturar la atención del oyente.

 Con la "Part II" entra el plato fuerte en sus 22'40 mts densos y plagados de detalles. Para empezar el inicio vocal femenino está entre Magma y Gentle Giant, y los sonidos sintéticos son esmeradamente inventivos y originales. Batería de formato sonoro hard rock, (al que ayudan las ocasionales guitarras), hacen que el contenido suene a convincente grupo compacto. Más que al disco de un teclista. Concretamente me recuerda su sonido a la factoría 90s de Magna Carta (Dali's Dilemma, Ice Age,  Shadow Gallery, Magellan, Cairo.....). Claro que Jordan Rudess tiene un estilo de toque muy fílmico y personal, que miren ustedes, me parece que a éstas alturas todavía no se ha reivindicado como se merece. Éste señor podría estar tranquilamente en su casa creando bandas sonoras, porque le saldrían como churros y no tendría que estar girando como un feriante. Pero eso debe de gustarle. Es un heredero directo de los grandes teclistas de los 70 que todos llevamos en mente. Y en ésta sobradísima pieza despliega todo su arsenal técnico y estratégico. Compone como si jugara al Risk. Arrasando y conquistando territorios sin piedad. En una especie de montaña rusa de matices, texturas, pasajes y momentos anímicos,  con especial interés en lo espectacular y grandioso. Siguiendo la escuela prog USA. Podría compararse con Neal Morse, pero no resulta tan empalagoso y repetitivo......GRACIAS A DIOS. Que debe de estar hasta los cojones ya de él.  Rudess muestra mucho interés en la selección de sonidos nuevos, y cómo aplicarlos para sorprender hasta el apabulle. De vez en cuando sale por ahí la Semkina para apaciguar algo, y ni aún entonces se está quieto nuestro hombre. Lo que me parece de perlas. Que para eso es su disco. Otros momentos parece que estemos ante un "Karn Evil 9" del siglo XXI, con pretensiones y virtuosismos similares. 



No puedo evitar pensar que a Keith Emerson esto le hubiera entusiasmado (en sus últimas producciones, circulaba por carreteras parecidas, con su inseparable Marc Bonilla). Sin él,  quizá "Wired For Madness" no existiría,  ni los 13 anteriores. El gran Jordan Rudess lo sabe y continúa el buen trabajo a su desmesurada manera. Nunca defrauda.
J.J. IGLESIAS


 








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FAR EAST FAMILY BAND - Parallel World (1976, Nippon Columbia)

En la trayectoria de un músico tan conocido y respetado mundialmente como Kitaro (nombre real: Masanori Takahashi) su breve estancia en un grupo como Far East Family Band pudiera parecer mera anécdota para curiosos y melómanos. Sin embargo, merece la pena destacar los tres primeros elepés del proyecto como obras dignas de reivindicación al margen de otras consideraciones. Aglomerados inicialmente bajo el apelativo Far Out –sin Takahashi– en 1972, esta asociación de japoneses en pos de la experimentación firmaba en 1975, ya como Far East Family Band, lo que se considera uno de los pináculos de la música rock nipona: Nipponjin. El vinilo, continuación de un primer y esclarecedor The Cave Down To Earth –entre espacial y psicodélico–, demuestra cómo las referencias a la música de unos Tangerine Dream y unos Pink Floyd se pueden perfectamente entremezclar sin viciar un particularísimo estilo.



Su inspiración para el siguiente Parallel World (1976) procede de varios lugares y estilos. Por una parte, se agarran a la psicodelia de los primeros Pink Floyd y su gusto por los largos desarrollos, mientras que con la otra mano tocan el space rock de unos Hawkwind, destacando siempre el papel desempeñado por los teclados, remedando de manera extraordinaria la labor de Vangelis. Los dos primeros temas del álbum (“Metempsychosis” y “Entering – Times”) optan por un sonido hipnótico, con referencias muy sutiles a la música japonesa, apoyándose en cadencias casi tribales generadas por el baterista Shizuo Takasaki. El predominio instrumental es palmario a lo largo de todo el elepé.



En “Kokoro”, tercero de los cuatro temas en los que se estructura el disco y de comienzo y desarrollo casi new age, vibra la voz de Fumio Miyashita como surgida de algún punto indeterminado del espacio mientras la banda se va transformando en unos Pink Floyd del lejano Oriente. A pesar de tratarse de un trabajo de estudio, es evidente el carácter improvisado de gran parte de Parallel World. Dicho planteamiento fluye como una catarata en el extenso tema título, con aproximadamente treinta minutos de psicodelia, texturas electrónicas, mensajes ácidos y juegos con el estéreo.



A pesar de alcanzar la madurez como grupo con Parallel World, únicamente editarían un disco más, un Tenkujin con el que se despedirían como conjunto en 1977. Aquí se pone punto y final a la trayectoria del combo. Los prolegómenos a este álbum fueron los que siguen: Kitaro entra en conflicto con el resto de componentes en la lucha por el camino a seguir por Far East Family Band. Habían conseguido acercarse con Parallel World a la experimentación electrónica de Klaus Schulze, y eso era algo en lo que Kitaro quería continuar investigando. El resto de miembros deciden volver a los orígenes, a intentar ser la réplica de los Pink Floyd llegada desde el País del Sol Naciente. Kitaro no llegaría a grabar Tenkujin y el disco terminaría siendo una despedida ciertamente agridulce.

por Sergio Guillén




Temas
1 - Metempsychosis 0:00 
2 - Entering/Times 4:47
3 - Kokoro 20:41 
4 - Parallel World 29:52 





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MIHA KRALJ - Andrómeda (1980 / PGP - RTB)

Un sintetista de la antigua Yugoslavia al que se le conoce con el incómodo sobrenombre de "el Jean-Michel Jarre yugoslavo", es nuestro invitado de hoy. 


Miha Kralj fue uno de los pioneros en éstas lides en su país,  en contar con Mellotron, Hammond, PolyMoog o Roland Jupiter 8. Que en cualquier otra parte igual no sería relevante, pero en la Yugoslavia de los 70, sí. Ignoro cómo pudo hacerse con tan preciado (y caro) equipo, aunque no era un recién llegado. En los últimos 60 ya pululaba con su banda de improvisación Intervali,  tocando por pubs.....los había?! Continúa del 69 al 72 con Dekameroni y del 75 al 80 con Prah. 

Para su debut, "Andrómeda", ya estaba haciendo sus pinitos como productor y aborda encargos de teatro, ballet o documentales. Su primer disco puede definirse como electrónica que no deshecha una sana comercialidad (de ahí lo de Jean-Michel Jarre), mezclada a veces con raíces inherentes a su país. Esto es evidente en la inicial "Embrio" (5'49), que no deja de tener un encanto autóctono,  con ciertos sonidos típicos del primer Jarre. Se diría, que estamos ante un álbum muy abierto de mente, que no se cierra dentro del espectro electrónico, a veces de elitista blindaje. Aquí se oyen corales, algún instrumento de cuerda que no me atrevo a llamar guitarra, (balalaika?), y ganas locas de ser reconocido a nivel mayoritario.


"Simfonija C Mol" (6'12) tiene un tratamiento sonoro con sabor a fría estepa, con coral al estilo "Coros y Danzas del Ejército de San Petersburgo", (inolvidable el coñazo que me tuve que tragar una vez a éste respecto), pero con vintage armatostes que lo hacen sonar interesante, sin caer en la parodia kitsch (aunque casi). De hecho es ése constante flirteo el que me atrae de "Andrómeda"!

Comienza bien "Apokalipsa" (6'19), de nostálgico fondo ambiental,  pero Kralj se nos hace el moderno e incorpora una de aquellas horrendas cajas de ritmo que lo jodian todo y que hoy suenan a juguete de bazar chino. Signo de los tiempos, que no ha envejecido nada bien. Sin embargo el tema cuenta con una construcción jarreniana muy resultona,  que nos hace olvidar la plomiza caja rítmica. 

En el lado opuesto, "Andrómeda" (8'00) podría pasar por una estampa musical navideña, con sus inútiles luces iluminando la nevada ciudad de suelo mojado y resbaladizo.....y los zombies llenos de paquetes como manda el sistema por esas fechas. Venga del lado político de donde venga. Obligando a los infelices a pensar que son felices y qué suerte que tienen de poder comprarse cuatro mierdas que al mes siguiente ni recordarán.  Siento irme del bolo de ésa manera, pero entre ésta música,  y que estamos en vísperas de zombificación, me revuelvo como una cobra cuando la tocas con un palo. El tema, en su light condition, no está mal, conste. Otra cosa es lo que me sugiera a mí y la mala leche que me pone mi propia paranoia. De la que ustedes no tienen culpa alguna.


"Wizard" (5'16) demuestra una vez más la influencia que ejerce el francés sintetista en Miha Kralj,  y éste la resuelve con ingenio, melodías para todos públicos  (no hay nada malo en ello), y más "coros y danzas" mellotrón icas que entran bien al oído. No hay peligro de acidez de estómago,  si acaso de empalague de electro-merengue, pero nada que no se escuche con curiosidad y cierta sonrisa socarrona. Finaliza la sesión "Pegaz" (6'28), con jolgorioso funk-disco electrónico que me lleva inevitablemente a Giorgio Moroder y sus prestidigitaciones sintetizadas.  Otro del que pilla inspiración el yugoslavo para sus pseudo kitsch correrías. Algo que continuará en "Odyssey" (82) y "Electric Dreams" (85).  Como con Moroder, la escucha se hace divertida, cuando no estás por la labor de oficiar misa electrónica excesivamente seria y necesitas algo más ligero y hasta canalla. Me encantan éste tipo de discos, no lo puedo remediar .......
J.J.IGLESIAS 




 Temas
A1  Embrio 
A2  Simfonija C Mol  
A3  Apokalipsa
  
B1  Andromeda 
B2  Wizard  
B3  Pegaz








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GRAHAM BOND ORGANISATION - Live at Klooks Kleek (1964)

El pasado 5 de octubre moría a la edad de 80 años Ginger Baker. Músico con una gran temperamento que fue fundador junto a Clapton y Bruce de uno de los grupos más icónicos e influyentes de mediados de los 60. Sirva este artículo como pequeño homenaje a su figura.


Ginger Baker comenzó a tocar la batería a los 15 años recibiendo clases de Phil Seamen. A los 23 años (1962) entra a formar parte de Blues Incorporated de Alexis Korner donde conoce a Graham Bond y Jack Bruce, con los que formaría al año siguiente The Graham Bond Quarter junto al guitarrista John McLaughlin. Este último solo estuvo unos meses siendo sustituido por el saxofonista Dick Heckstall-Smith y cambiando la denominación de la banda a The Graham Bond Organization. En  1964 editan su primer single para Decca Records conteniendo "Long Tall Shorty" (Don Covay) / "Long Legged Baby". Al año siguiente publicarían dos LP's, "THE SOUND OF 65" y "THERE’S A BOND BETWEEN US ". Al termino de este último Jack Bruce abandona el grupo por notables diferencias con Baker. Estos problemas no les impidieron ponerse de acuerdo para junto a Eric Clapton formar Cream, una vez que Baker dejó a Granham Bond. A partir de ese momento, la fama y la gloria de la mano de "slowhand".


La grabación corresponde al concierto de The Graham Bond Organisation en el Klooks Kleek Club al noroeste de Londres el 15 de octubre de 1964. La música que se respira es blues con incursiones por los caminos del jazz. El show se inicia con "Wade in the Water", un tema tradicional instrumental que nos da una buena muestra de las habilidades  de la banda. En " Big Boss Man" destaca la forma de tocar el bajo de Jack Bruce, como si de una guitarra se tratase. " Early in the Morning" es otro tradicional donde se muestra la cara más jazz de la banda de la mano de su saxofonista y con un pequeño solo de batería de Ginger Baker. "Person to Person Blues" es un blues donde la faceta vocal la desarrolla Graham Bond. "Spanish Blues" es un famoso tradicional adaptado por el grupo. Con Jack Bruce a la armónica  llega el blues, "First Time I Met The Blues". Seguimos "bluseando" con su versión del "Stormy Monday". "Train Time" muestra a Jack Bruce en plan Mayall con la armónica. Este tema lo interpretarían los Cream en algunas de sus actuaciones. Finalizan con el famoso tema de Ray Charles "What’d I Say". El sonido es bastante bueno.
J.C.Miñana


Temas
1. Introduction by Dick Jordan
2. Wade in the Water
3. Big Boss Man
4. Person to Person Blues
5. The First Time I Met the Blues
6.- Spanish Blues
7. Stormy Monday
8. Train Time
9. Early in the Morning
10. What'd I Say







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LOS RESTOS HUMANOS - Creación Imperfecta (2019 / RH) (Rockliquias Bandas)

El pasado Halloween vió la presentación del segundo disco de los zaragozanos Los Restos Humanos. Y lo hicieron disfrazados y maquillados al uso. Una costumbre que sugeriría continuase, por lo que tiene de lógico con su nombre, teatral metal rock y verdadera tradición. No hay que olvidar que ya en su primera actuación, salían como "liquidadores" de Chernobyl.


Lo primero que tumba de espaldas en las primeras notas de "No Era Yo" es el tremendo sonido conseguido. El muro de cemento que construyen Jesús Gimeno (bajo) y Rafa Corres (batería) ha dado sus buenos resultados con éste planteamiento sonoro. La guitarra suena rotunda y se ha puesto especial cuidado en la voz de Javier Fernández  (guitarras, voz solista y coros), muy al frente y nítida,  sin perder el sentido compacto de grupo. Lucas Toledo fue el responsable de la mesa y hay que resaltarlo.


En mi anterior reseña planteaba la pregunta de si Los Restos Humanos eran una stoner band.....ésa pregunta casi se contesta ahora. Depende el momento. Y si lo son, pertenecen a ésa facción ecléctica que se nutre de otros elementos para crear su particular sonido. En éste primer corte de forma muy hard rock'n'roll, casi al estilo de Rose Tattoo con una voz a la Danzig. Sin olvidar la parte sueca del asunto de unos Hellacopters, Gluecifer, Turbonegro o Graveyard. De ésa guisa se nos presenta "Moriremos Solos", con un riff made in Malcolm Young, pero tirando a ése gothic rock que hasta los emparenta con sus paisanos (y amigos), Héroes del Silencio, pero triturados en watios. De nuevo sorprende el arrope rítmico,  con el bajo muy 70s, haciendo las veces de rítmica,  algo que particularmente me encanta. Un pedazo de tema. Las letras no son la alegría de la huerta precisamente,  pero hey, son Los Restos Humanos.


 Y en "Fuera de Mi" lo reafirman una vez más, de hecho éste es un "álbum conceptual" hacia el mal rollo, en el que un psiquiatra puede frotarse las manos. Pero la hard rock testosterona fluye con fuerza y bombea con frenesí,  hacia el rock way of life definitivamente. "Cuando Muere la Razón" es de las sobresalientes en éste lote, y de las que ganan en directo. Sus arreglos llegan a recordar a unos básicos Rush en mutación zombie con Killing Joke. Destacable la interpretación vocal, creíble e inspirada al mil por mil. Otra andanada de ácido a la cara es "Mi Infierno", con variado sabor garage-punk-psychobilly en el que la voz se "naturaliza" para rockear en plan más clásico. Inesperado. Aunque la maquinaria sigue desmembrando neuronas al oyente, sin piedad. El nivel de tensión instrumental no baja ni un segundo, y el solo aquí cumple su función lógica,  sin empastes artificiales. Casi sludge se nos ponen en "Creación Imperfecta", pero lo que otros solucionarían con voces guturales o abrasivas,  ellos lo hacen con melodía teatralizada, como un Arthur Brown del siglo XXI. Nuevamente coexisten arreglos trabajados,  otro fuerte del trío maño. En "Siempre Enfermo" echan mano de un riff classic metal a la Judas Priest, para construir un corte actual, pero que conecta con la vieja guardia.

"Que Más Puedo Darte" sacan sus "extreme noise" gustos, que ellos reorganizan  para llevarlos a su personal y ambiguo terreno. Que igual quedaría bien en manos de Clutch o Messuggah, que en La Orquesta Mondragón o Los Ilegales !!! Lo juro. Eso dice mucho de su expansión y moldes estilísticos. Maleabilidad decibélica. "Juramento" posee maquinal wah wah, robóticos riffs y la "avalancha" sonora exquisita acostumbrada, de sección rítmica superlativa. El bajista cambia a la acústica para "Renacer", un breve instrumental que pone fin con borrascosa calma, a un álbum que no da tregua. Un gran paso para la banda, que progresa más que adecuadamente  con ésta "Creación Imperfecta".....Mentirosos.
J.J. IGLESIAS




Contacto:
Correo: losrestoshumanos@gmail.com




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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