Harvey Mandel es un verdadero genio de cual ya comentamos su HARVEY MANDEL - The Snake hace algún tiempo y no descarto volver a hacerlo. Hoy os presento una joya de escucha obligada.
Harvey Mandel lleva en activo desde mediados de los años 60 editando numerosos discos y seguiría en activo si no fuera por el maldito cáncer. Lleva luchando desde el 2.013. Ha formado parte entre otros de Canned Heat y John Mayall y ha colaborado en multitud de grabaciones ilustres véase "Black and Blue" de The Rolling Stones.
Harvey Mandel nos presenta una grabación con un ambiente muy parecido al Super Session de Mike Bloomfield, Al Kooper y Steve Stills. Grabado en el Streeterville Studio en 1.974. Harvey reunió 17 músicos que en diversas sesiones conformaron el disco a base de mezclar buen blues, jazz, rock y un poquito de funk. En todo momento se respira ambiente de jam session. Buenas improvisaciones y temas combinando diversos estilos. Podemos escuchar buen blues en "Jellyroll" o "Highway Blues ", buen jazz en "Local Days" o algo de funk en "Race Track Daddy". El tema destacado es sin duda "Springfield Station Theme", exquisita composición con un maravilloso Ira Kart al piano.
Temas
1 Jellyroll 00:00
2 High-Test Fish Line 03:55
3 Local Days 09:11
4 Check Me Out 12:47
5 Highway Blues 16:27
6 I'm A Lonely Man 19:37
7 Sweet Lynda 26:06
8 Springfield Station Theme 29:11
9 Race Track Daddy 35:29
Formación
Bajos – Craig Rasband, Don Cody, Ken Little, Nick Tountas
Batería – Bobby Davis, Peter Milio, Phil Johnson, Rusty Jones
Fluta – Dave Cook (9)
Guitarra – G.E. Stinson, Harvey Mandel, John Bishop, Norm Wagner*
Organo – Dave Cook (9), Ira Kart, Judy Roberts
Piano – Dave Cook (9), Ira Kart, Judy Roberts
Vocal – Freddie Fox, Judy Roberts, Ken Little, Vicki Hubly
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Grupo gaditano nacido de las cenizas de la Orquesta Los Duques, aventura “verbenera” de tres de sus miembros a principios de los 70. En 1978 y ya como cuarteto con la incorporación de Chano Domínguez, editan su primer y magnífico disco “Más allá de nuestras mentes diminutas”. Sería en el modesto sello Trova, siendo la primera referencia de Lacochu. Cuatro largos y complejos temas, donde se mezclan el progresivo, el jazz y la psicodelia que suponen el debut de Cai.
El disco lo abre “Alameda”, con una introducción sinfónica brillante, bajo los teclados de Chano y la voz de Fopi, que mediado el tema, nos acerca más al Rock Andaluz, para luego en su parte final volver al sinfonismo. Nueve minutos más que brillantes a los que sigue la canción que da título al disco. El tema más jazz y “mellotrónico” con algún toque aflamencado de guitarra.
La segunda cara empieza con el tema más corto y flojo del disco, “Solución a un viejo problema”, que tras un buen inicio continúa con un rock bastante básico. Y para terminar “Pasa un día”, el más enérgico y hard de todos con grandes dosis psicodélicas, que utilizaron mucho en sus directos.
Pronto descatalogado por su escasa promoción, el disco se convierte en pieza codiciada por coleccionistas de todo el mundo. Se reedita en formato doble Cd en 2007, por Elukeyá Records, incluyendo versiones en directo e inéditos. También en 2014 y con mejor sonido ve la luz en el sello sueco Tone Arm.
En 1980, de la mano de García Pelayo, logran fichar por CBS y graban “Noche abierta”, con cortes más sencillos, cortos y andaluces. Un disco más comercial, que les llevó a sonar en las emisoras de radio con el tema “Soñé contigo”. Destacan también los brillantes instrumentales “La roca del diablo”, con excelentes toques jazz-flamenco y ”Alegrías de Cai”. El tema que da título al disco se incluye en el recopilatorio “Andalucía en Rock”. Decir que para este segundo trabajo se incorpora al grupo José A. Fernández Mariscal, como segundo guitarrista.
“Canción de la primavera”, que sale al mercado en 1981, fue su última grabación para CBS. Más comercial si cabe que el anterior y con marcado acento andaluz. Aunque por esa época todo lo que tuviera ese acento ya iba dejando de interesar a las discográficas que iban por otros caminos mas “movidos”. El tema que más se comercializó fue “Tu mirada”. Para este disco vuelven a ser cuarteto, tras la marcha de Paco Delgado.
En 2010, tras 29 años, publican un nuevo álbum, “Metáforas de luz”, en el sello El Bujío Producciones. Proyecto que nace después de varios conciertos por Cádiz y de actuar en la XV Bienal de Flamenco en Sevilla en el año 2008, junto a Alameda y Guadalquivir entre otros. Continúan dos de sus miembros originales, Fopi y Paco Delgado, en un disco lleno de toques jazz, flamenco y algún ritmo caribeño. Bastante flojito, fácil de olvidar y con menos calidad compositiva que sus antecesores.
En la discografía se incluyen dos de sus directos “no oficiales”, Cortijo de Los Rosales en 1980 y Almería en 1982.
Chano Domínguez cuenta con trabajos en solitario y destacadas colaboraciones con Jorge Pardo, Gerardo Núñez o Tito Alcedo, más orientados al jazz.
FORMACIÓN:
DIEGO FOPIANI: Voz y Batería
CHANO DOMÍNGUEZ: Teclados
PACO DELGADO: Guitarra
JOSÉ LAUREANO VÉLEZ: Bajo
JOSÉ A. FERNÁNDEZ MARISCAL: Guitarra
KIKO GUERRERO: Batería
BLAS LAGO: Teclados (En Metáforas de Luz)
DISCOGRAFÍA:
Más allá de nuestras mentes diminutas
(Lacochu 1978) Referencia LC-001 LP
(Lacochu-Sovisa 1987) Referencia SLP-30911 LP
(Tone Arm 2014) Referencia TA 0022 CD
(Tone Arm 2015) Referencia TA 1001 LP
Noche abierta
(CBS Epic 1980) Referencia EPC-84218 LP
(Sony Music 1997) Referencia 488558-2 CD
Canción de la primavera
(CBS Epic 1981) Referencia EPC-85054 LP
(Sony Music 1997) Referencia 487449-2 CD
Noche abierta + Canción de la primavera
(Sony Music 1995) Edición Limitada
Mucho más allá de nuestras mentes diminutas
(LKY Records 2010) Referencia 3001 2 CD’S
Metáforas de luz (El Bujío 2010) Referencia BJ-201 CD
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Esta va a ser la primera vez que hable exclusivamente de un disco en este blog desligado de la década de los '70, y sin duda es un disco muy especial y curioso a partes iguales.
La razón es que dentro de siete meses, en Agosto (concretamente dentro de seis meses y tres semanas), se cumplirán ya 50 años del nacimiento de uno de los mejores guitarristas que ha dado el "hard rock" y el "heavy metal": Darrell Abbott, conocido mundialmente como Dimebag Darrell...desgraciadamente hace poco más de un mes se cumplieron también once años de su trágico asesinato. Y este virtuoso de las seis cuerdas va unido al nombre de una de esas bandas clave para la evolución del "metal" en los '90. La que cambió todo a comienzos de aquella década cuando entregó su obra maestra "Cowboys from Hell" al mundo.
Sin embargo yo me voy a ir más lejos, seis años atrás de ese trabajo.
Y es que mucho antes de que fueran llamados "creadores del "groove metal" " (término equivocado, porque Exhorder llegó antes), este singular grupo comenzó sus andanzas en las áridas tierras de Texas. Allí, en el verano de 1.981 se juntaron Don Hart (vocalista), Darrell (guitarra) y Vinnie Paul Abbott (batería), Tom Bradford (bajista) y Terry Glaze (guitarra) influenciados mayormente por Van Halen, KISS, Judas Priest y Scorpions, y la explosión de bandas de "heavy metal" que se vivía en aquellos años como Mötley Crüe, DOKKEN y Quiet Riot, y ellos, lejos de querer seguir con el "hard rock" sureño de Molly Hatchet, querían emular esos fuertes himnos de los que cada uno de los otros grupos poseía, los potentes "riffs" que esos guitarristas lanzaban y los sonidos tan contundentes que caracterizaban a ese estilo de música.
Algo más tarde, Hart y Bradford se marcharon; Glaze quedó como vocalista y entró Rex Brown para ocupar el bajo. Así se quedó la formación y se llamaron oficialmente Pantera.
Realizando tours regionales se convirtieron en la banda "underground" favorita del lugar y llegaron a telonear a gente como STRYPER y Quiet Riot, e inmediatamente se metieron en el estudio de grabación de Jerry Abbott, productor y compositor de "country" y además padre de Darrell y Vinnie, los emprendedores de toda aquella operación.
A ese primer disco lo llamaron "Metal Magic", por ser el nombre del estudio donde fue concebido. Vemos, efectivamente, que KISS era la mayor influencia del grupo, con un "glam rock" muy adictivo y melodías facilonas pero ellos tenían a su favor algo muy especial, y era la técnica de guitarra de Dimebag, que facturaba solos vertiginosos y "riffs" de singular dureza no muy acorde con el típico "glam" americano.
Así llegaron con un nuevo esfuerzo llamado "Projects in the Jungle" en 1.984, un año muy prolífico para el "heavy metal", para aportar también su grano de arena al género que hacía estragos en los jóvenes ávidos de emociones (musicales) fuertes, junto al debut de WASP, al "Powerslave" de Iron Maiden, al "Rollin' Thunder" de Mad Max o al "Out of the Cellar" de RATT (y más y más...)
Este segundo trabajo fue el mejor de aquel trío de discos con el vocalista Terry Glaze antes de la llegada de Phil Anselmo, y goza de una calidad infinitamente superior al anterior, ejecutando un sonido aún más duro y pulido sin olvidar la comercialidad en sus composiciones ni la melodía pudiendo emparentarse de algún modo con sus coetáneos Def Leppard o SAXON y sus sonidos del "Pyromania" y "Crusade", respectivamente:
-El pistoletazo lo inicia "All Over Tonight", un tema que no puede representar mejor el significado de "heavy metal", donde podemos ver el increíble registro vocal de Glaze, que nos tira a la cara agudos alucinantes; la facilidad con la que Dimebag le daba a los armónicos "squeals" en una guitarra de tonos sintetizados y hacía caóticos solos como si tal cosa, como si hubiera tenido un momento de inspiración divina por la aparición de la Virgen y, no menos importante, el tándem rítmico Rex/Vinnie Paul tan aplastante.
-Con esta misma tónica la sucesión de temas que nos da el álbum sigue por los mismos derroteros. Más "heavy metal" lleno de velocidad en las frenéticas "Out for Blood", "Killers" y una que marcaría el comienzo de la vertiente más extrema de la banda en años venideros: "Projects in the Jungle", donde casi se llega a juguetear con el "thrash metal", por ese buen saber hacer de Vinnie Paul al doble bombo.
-En otro lado más "standard" tenemos los clásicos himnos "heavy" que toda banda tenía que tener. Es el caso de "Like Fire", la semi-balada "In Over my Head" con teclado a lo Edward Van Halen llevado por Glaze y la mítica "Heavy Metal Rules", una que debería figurar entre esos inolvidables temas que los grupos de los '80 de la misma pasta hacían para reivindicar una y otra vez que estaban orgullosos de hacer el mejor género del mundo, que era el que ellos hacían (porque si Judas Priest tuvieron su "Metal Gods", TT Quick su "Metal of Honor" y ACCEPT su "Metal Heart"...¿por qué Pantera iban a ser menos?) y que servían para que sus acérrimos y jóvenes fans levantaran los puños y gritaran sus estribillos cuando eran interpretados en directo por esos músicos, que sonreían al ver que sus esfuerzos para calar entre las masas no habían sido en vano (...benditos años).
-Y ya en otro plano más suave y comercial nos encontramos con las baladas que no podían faltar y que sacaban el lado sensible de los integrantes, que son "Only a Heartbeat Away", con Glaze sonando a lo David L. Roth en los primeros 40 segundos y una atmósfera más densa y la que cerraba el disco, y una de mis favoritas de todo el amplio abanico que tiene este género, "Takin' my Life", con una base rítmica redundante sin llegar a cansar, unos suaves teclados y coros que envuelven el ambiente y un precioso, y a la vez potente solo, que se repetía a mitad y al final del tema para darle un carácter más épico que sentimental a la canción.
Con este variado y colorido muestrario y con la portada tan clásicamente "metálica" que les dibujó Mario Aguirre Pantera empezaban a marcar su seña de identidad sin dejar de lado sus influencias más cercanas, siguiendo con una prometedora carrera en el mundo de la música y dando la bienvenida a Phil Anselmo en 1.987 tras despedir a Terry Glaze, ya que éste siempre se inclinaba hacia tendencias más comerciales cuando a los chicos de la banda les dio por seguir una senda más dura al querer explotar el filón musical que grupos como Megadeth o Metallica empezaban a extender y que gustaba tanto a los jóvenes del momento. Pero por entonces eran sólo cuatro muchachos de Texas que empezaban a ver su sueño hecho realidad, que era el de pasar de fans a músicos y el de querer hacerse un hueco entre todos los nombres que abarrotaban el negocio en esos años.
Así que no hay que olvidar que estos tejanos no empezaron con "Cowboys from Hell"; que no fue su debut, aunque ellos mismos lo califican como su debut oficial; que mucho antes de que se pusieran los pantalones vaqueros hasta las rodillas y ese aspecto tan alternativo iban con melenas cardadas, llamativos atuendos de cuero, muñequeras de pinchos, cinturones de pirámides y otras esperpénticas parafernalias que estaban en el ABC del buen músico del "heavy metal" sobre cómo vestir adecuadamente para la ocasión. Seguro que Dimebag también se sentía orgulloso de esta primera etapa ochentera de la banda.
Pero lo que es seguro es que este hombre tiene que tener el Valhalla a sus pies a golpe de guitarra. Así que...
R.I.P., Diamond Darrell.
Temas
01 - All Over Tonite (00:00)
02 - Out For Blood (03:34)
03 - Blue Lite Turnin' Red (06:43)
04 - Like Fire (08:20)
05 - In Over My Head (12:20)
06 - Projects In The Jungle (16:14)
07 - Heavy Metal Rules! (19:20)
08 - Heartbeat Away (23:37)
09 - Killers (27:33)
10 - Takin' My Life (31:02)
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En esta larga búsqueda que cumple 40 años este 2.016, intentando encontrar siempre ese disco pluscuamperfecto que te alegre la vida, cada vez se me hace más difícil dar con él. Quizá porque ¿ ya los conozco todos? Pensar eso sería una temeridad. Descubro discos de los 70 casi todos los días, con mayor o menor fortuna. Pero dar con uno de esos que dices, joder, bingo!... Uno que esté a la altura de un primero de Boston, o un clásico de Journey, Head East, Angel, Petra... eso no resulta ya tan fácil en mi caso. Así que cuando cae a mis curtidas orejas algo como este único disco de Alkana, tengo que celebrarlo como una lotería premiada. Y en cuestión de un mes he descubierto dos o tres santos griales más que os iré comentando en próximos Rockliquias.
Esta es una banda formada en la californiana San Bernandino, y liderada por el excepcional desconocido Danny Alkana a las guitarras. Un tipo, no exagero, con el talento de Ronnie Montrose. Y secundado por un extraordinario cantante en la persona de Jack Rucker. Guardándoles las espaldas, el bajista Craig Willians (RIP) y Don McLaughlin en la batería. Funcionando de forma más que solvente. Un cuarteto de hard rock testosterónico con arreglos prog, en la California de finales 70, con este nivel y que no llegó a nada? Cierto. Tal vez porque "Welcome to my Pasadise" apareció en la más que modesta disquera Baby Bird Records. Y se convirtió en uno de esos artefactos coleccionistas que vale su peso en oro, literal: 450 euros!!!
La apertura de "California Rock'n'Roll Queen" podría pasar por un outtake del mencionado debut de Boston. Todo en este tema parece estar hecho para la Les Paul de Tom Scholz y la voz nunca olvidada del gran Brad Delp. Pero no. Son unos "don nadie" llamados Alkana con una portentosa habilidad para componer bellezas hard.
La juerga sigue con "Montezuma's Sweet Revenge", "On Our own" y "Freedom Lady". Y en este caso tendremos que recordar el monstruoso debut de Montrose. Una influencia decisiva en Alkana. Los solos de guitarra brillan con cegadora intensidad cuando Danny se desmelena. Y se desmelena mucho. Un guitar hero de primera división jugando en la liga de solteros contra casados.
En la cara B, solo tres temas. El primero, "Paradise", y el último "Head Games", en el mismo plano entusiasmante de Montrose. Pero los 11 minutos de "The Tower" se salen de la norma. Casualidad que se titule como un clásico del debut de Angel?. Desde luego éste "The Tower" es puro alarde Pomp/Prog como el de los angelicales de Giuffria. Pero yo lo veo más cercano a otros gigantes del gremio, Starcastle. Hasta la forma de cantar de Rucker, los coros, arreglos, solos, estamos ante la perfección absoluta. Que redondea una Obra Maestra así, con mayúsculas.
De la que apenas sabemos nada en su posterioridad. Danny Alkana entraría en unos tales Excalibur. Mientras que Jack Rucker lo haría en el sensacional debut "Deliver Us" (1.983) de Warlord. Pero el "Welcome to my Paradise" de Alkana se ha convertido por derecho propio en uno de mis indispensables recientes. Estad atentos, porque la búsqueda ha dado apasionantes frutos últimamente. Seguiremos informando...
Temas
Tracklist:
01.california rock'n'roll queen 00:00
02.montezumas revenge 05:41
03.on our own 09:00
04.freedom lady 15:30
05.paradise 20:14
06.the tower 25:40
07.head games 37
Formación
Danny Alkana: guitarra
Jack Rucker: voz
Craig Willians: bajo
Don McLaughlin: batería
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Hoy traigo el primer LP de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull, famosa por su flautista y vocalista Ian Anderson el cual toca la flauta travesera, la armónica y la guitarra acústica en ocasiones. Con una personalidad un tanto extraña trasladada a su música fue lo que le dio la fama a finales de los 60s pasando a la historia como el flautista del rock por excelencia. Este disco fue lanzado en Octubre de 1968, la banda se había formado a finales de 1967 y estuvieron trabajando en el blues hasta sacar su primera obra maestra. "This Was" reflejaba como era la banda en ese momento y como iba a ser más o menos en el futuro pero hablando de blues como algo temporal que posteriormente abandonarían para hacer un rock progresivo y sinfónico más puro. This was no es solo un simple disco de blues, es blues progresivo con tintes de Jazz y rock sinfónico, en canciones como "Serenade To A Cuckoo" o "Round" por ejemplo. También tiene temas de Hard Blues como "A Song For Jeffrey" o "Cat's Squirrel" (Cover). También tiene alguna que otra psicodelia bien apañada y esta considerado un buen disco de Folk Rock, por su ambientación.
El guitarrista era Mick Abrams estuvo solo presente en este disco porque el quería seguir con un estilo más cercano al blues, así que se fue tras la salida del disco y formó la banda Blodwyn Pig, ¿adivinad quién lo sustituyó en Jethro tull.?..el guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi que en aquellos entonces estaba comenzando paralelamente con la banda "Mitology/earth" que posteriormente pasaría a ser Black Sabbath en 1969. Respecto a Iommi estuvo en varios conciertos tocando las canciones de This Was (Entre ellos el mas famoso "Rock N Roll Circus de los Rolling Stones") hasta que se salió en 1969 y no llegó a participar en la grabación del siguiente disco de la banda "Stand Up".
A SONG FOR JEFFREY
Aquí esta subtitulada, es la típica letra de una canción de blues, abandona su casa, su mujer, vende su coche, se marcha lejos, huye de todo... el vídeo del concierto es el rock n roll circus, si os fijáis en el guitarrista el Toni Iommi (y sí le faltan varios dedos en la mano, toca con dedales metálicos). Es mi canción preferida del disco y del grupo, hard blues rock en toda regla.
CAT'S SQUIRREL
Cover de esta tradicional canción de blues original de Doctor Ross (1961), aunque yo diría que se inspiraron mucho en la de Cream (1966) para hacer su versión.
IT'S BREAKING ME UP
Más blues tradicional, "Me estas rompiendo el alma nena" esta canción es blues puro, es la tristeza.
DHARMA FOR ONE
Es una canción que habla del "Dharma" que es una practica budista y de otras religiones orientales que sirve para protegerse del sufrimiento, la canción habla de la búsqueda de la verdad, de la libertad de la mente, etc...
La canción tiene un largo solo de batería al final, y el resto es básicamente ese blues progresivo con tintes de jazz fusión y rock sinfónico del que hablé.
MY SUNDAY FEELING
Este tema habla de viejos recuerdos nostálgicos, del pasado y de una mente atormentada.
SERENADE TO A CUCKOO
Es un tema "Jazzístico" cover de Roland Kirk (1964) el cuál fué una gran inspiración para Ian Anderson. Muy Sinfónico.
ROUND
Este tema dura menos de un minuto, puramente instrumental también como serenade to a cuckoo.
BEGGARS FARM
Granja de mendigos, este tema se utilizó de fondo en uno de los primeros documentales que se hicieron del Woodstock. Habla de la pobreza y de la vida alternativa hippie que decidían tomar muchos jóvenes de aquella época.
SOME DAY THE SUN WON'T SHINE FOR YOU
"Algún día el sol no querrá brillar para ti nena" otra canción de blues notable, problemas sentimentales y una mujer de por medio...
MOVE ON ALONE
Del estilo de la anterior, habla de mujeres y de problemas, es un tema lento más bien sinfónico, pero cabe destacar que aquí el cantante es Mick Abrams. El músico de sesión Dave Palmer colaboró en este tema.
La edición en CD y mp3 cuenta con dos canciones extra que no se incluyeron en el LP originalmente que son:
LOVE STORY
CHRISTMAS SONG
FULL ALBUM
Respecto al LP pertenece a la discográfica Chrysalis, reedición de 2014 pero es la discográfica que lo publicó originalmente. 180 gram vinyl at 33rpm... no más de 20€ por internet, difícil de encontrar en tiendas, y si lo encuentras de segunda mano de ediciones españolas. Es un gran disco, la gente cuando habla de Jethro Tull solo se acuerda de los otros, pero yo como amante del blues sinceramente este es el que más me gusta, la línea del blues progresivo, subgénero del blues que a finales de los 60s se estaba forjando por parte de gente como Ten Years After, Deep Purple, Iron Butterfly, Steppenwolf o Santana.
Muchas gracias a Fco javier Pérez Martínez por su gran colaboración
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En nuestra querida zona de confort experimental 70s, hemos hablado bastante de la Berlin School, corriente cósmica que ayudó a consolidar el genero kraut. Pero todavía no habíamos tocado la otra vetiente paralela, el sonido Dusseldorf. Berlín era lo cósmico, la oda al universo ( o multiverso) y al viaje a las estrellas. Dusseldorg, lo maquinal industrial y robótico. La deshumanización matemática, lejos, ( o quizá más cerca) de lo espiritual. Cinco grupos fueron los pilares en los que se sustentó esta otra forma de entender la kosmische musik: Kraftwerk, Neu!, Harmonia, La Dusseldorg y Cluster. Estos últimos formados por los alquimistas electrónicos Dieter Moebius y Joachim Roedelius. Que juntando fuerzas con el ex-Neu!, Michael Rother (guitarras, efectos), crearían Harmonia. Trío precursor del ambient rock, con dos únicos y fundamentales álbumes: "Musik von Harmonia" (1.973) y "De Luxe" (1.975).
Por aquellos días, Brian Eno ya se movía inquieto con su carrera en solitario, e intuía que en Alemania se estaba cociendo la verdadera vanguardia del rock. Así que contactó con Harmonia, para él "la banda más importante del mundo" en esos momentos, y mantuvo una provechosa estancia en sus feudos, aprendiendo. Absorbiendo conocimientos kraut como una esponja. Conocimientos que tan buenos resultados le darían en un cercano futuro.
Aunque "Tracks and Traces" fue grabado en el 76, no fue editado hasta Noviembre del 97 (dejando clara la miopía de las discográficas). Siendo reeditado en el 2.009 con tres adicionales cortes. En total 12 temas de corta duración, exceptuando "By the Riverside" (9:31), "Sometimes in Autumn" (15:49) y "Weid Dream" (6:39). Siendo "Lunebrug Heath" ek único cantado, con la inequívoca voz de Eno.
La música de este exquisito álbum puede llevarte a dimensiones surrealistas cristalinas, líneas de sintetizador repetitivas-evolutivas, melodías naif con misterioso trasfondo, ambientes mecánicamente sensibles, como los de Kraftwerk de su etapa de "Autobahn" o "Trans-Europe Express". Ni que decir que la química entre los cuatro llega a niveles de sincronía cercanos a la telepatía. Con guitarras e instrumentos no sintetizados camuflados hábilmente como si lo fueran.
La ensoñación (que no aburrimiento!), pasajes oníricos, extraños o de total suspense hacen pensar en lo mucho que estos tipos se adelantaron a su tiempo, y cuánto se han intentado emular. Una vez que Eno se vio impregnado por la magia y fascinación alemana, se llevó la fórmula secreta a su tierra, "inventando" (ja!), la música ambient. Y ayudando a su amigo David Bowie a ser visto como un "innovador" (roja!) en su trilogía de Berlin. Como de costumbre, los verdaderos wizards, se quedaron en la sombra, el underground y el limbo propio de los genios incomprendidos. Manda huevos.
P.D. - "No experimentamos de forma consciente. Somos un grupo de gente desconcertada viviendo una situación confusa" (CAN).
Temas
1. Welcome - 0:00
2. Atmosphere - 3:02
3. Vamos Companeros - 6:26
4. By the Riverside - 11:01
5. Luneberg Heath - 20:31
6. Sometimes In Autumn - 25:27
7. Weird Dream - 41:15
8. Almost - 47:58
9. Les Demoiselles - 53:28
10. When Shade Was Born - 57:30
11.Trace - 59:00
12. Aubade - 1:00:31
Formación
Michael Rother – guitarra, teclados, drum machine
Dieter Moebius – teclados, mini harp
Hans-Joachim Roedelius – teclados
Brian Eno – teclados, bajo, voz
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Odyssee fue un grupo alemán de mediados de los 70 que se desmarcó del Krautrock, tan de moda en esa época, para realizar un progresivo con dobles guitarras.
Poco o nada se sabe de este grupo. Algunos fijan su nacimiento en Essen, Alemania pero lo cierto es que salvo su formación ( Manfred Dietmers batería, Peter Kortmann guitarra, Roger Röttges bajo y Daniel Toplak guitarra), y las grabaciones que realizaron en 1.974, editadas posteriormente en el 98, no tengo ningún datos más sobre ellos.
Odyssee nos presentan cuatro temas, tres de los cuales superan los diez minutos, marcados por el rock progresivo con tintes psicodélicos. Largos pasajes instrumentales donde las dobles guitarras nos recuerdan a los queridos Wishbone Ash. Tema muy destacable "Circum Navigationed Hazard", donde los cambios de ritmo y los sonidos guitarreros nos recuerdan claramente sus influencias.
Temas
1 Ithaki 00:00
2 Circum Navigationed Hazard 04:54
3 Deliverance 19:40
4 Final Enigmatic Blaze of Glory Days 30:20
Formación
Peter Kortmann : guitarra
Manfred Dietmers : batería
Roger Röttges : bajo
Daniel Toplak : guitarra
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Curioso grupo catalán nacidos al amparo de Perucho’s, que hacían música improvisada en sus conciertos. Estuvieron activos entre 1976 y 1979 y no grabaron disco alguno. Los audios aquí disponibles son de un directo en Cunit, en 1977, uno de más de 34 minutos y el otro es un fragmento extraído del Libro CD “La Ciudad Secreta” de 2013. Dura unos ocho minutos.
La calidad no es muy buena, pero cosas así creo que merece la pena recordar. Sus directos en el Saló Diana, la Floresta y Cunit fueron los más aclamados. En algunas ocasiones fueron comparados con Velvet Underground y en otras hasta con King Crimson (palabras mayores).
Por el grupo pasaron gran cantidad de músicos de la progresía de la época, entre los que destacan Enric Cervera y Eduardo Polonio. Comenzaron su andadura en Agosto de 1976 en el Casal de la Floresta, acompañados por algunos miembros de Perucho’s. Según contaba Jordi Carbó compartían “casa, local de ensayo, vida, música e incluso adicciones”.
FORMACIÓN:
JAUME MARTÍ: Guitarra
CHARLY FERRÉ: Bajo
JAVIER SANCHEZ: Batería
JORDI CARBÓ: Saxo
CHRISTOPHER COOPER: Trompeta
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-Uno de los mejores álbumes de 1.985 según las revistas especializadas; 1.º para Sounds, 4.º para Classic Rock y 6.º para Kerrang!. En Gran Bretaña fue n.º 1 por 41 semanas siendo Platino y dos de sus "singles", "Kayleigh" y "Lavender", llegaron al 2 y al 5, respectivamente; 47 en EE.UU., siendo su más alto puesto, aunque donde mejor funcionó fue en Europa, que consiguió 3.ª posición en Alemania y 6.ª en Suiza.
Tras el éxito del anterior "Fugazi", 5.º en Inglaterra siendo Oro, y la grabación del directo "Reel to Reel", los integrantes de Marillion se trasladaron en Febrero al Berlín dividido, al del muro, recomendados por el productor Chris Kimsey, quien quería grabar con ellos en su propio estudio. Allí, en aquel ambiente tan caótico y extraño, vivieron la experiencia más grande de sus vidas y todo el escenario sirvió como fuente de inspiración para crear el disco más exitoso de toda su carrera, "Misplaced Childhoood", que salió al mercado el 17 de Junio.
En tal inmensa obra maestra conceptual de 41 minutos se hallan temas profundos, reflexivos, autobiográficos; el amor perdido, la dura infancia, los recuerdos del pasado, el éxito y el fracaso en la vida. Una extensa grabación de casi tres meses y que hizo que los de EMI se tirasen de los pelos porque querían ver el álbum acabado, y porque presionaban al grupo para que compusieran "singles" rápidamente. Y es que la discográfica quería no solo respaldar a una banda que alardeara de virtudes progresivas y experimentales, sino que también fabricara "singles" para que fueran en éxitos masivos de continua escucha en la FM:
-Pues esta hazaña musical comienza con "Pseudo Silk Kimono", rodeándonos los dulces teclados de Mark Kelly y unos precisos punteos del bajo de Pete Trewavas y la guitarra de Steve Rothery mientras Fish comienza diciéndonos que está "envuelto en la seguridad de un kimono de falsa seda usando brazaletes de humo y desnudo de todo entendimiento". Cuando la suave y desgarradora poesía finaliza se enlaza con la famosa "Kayleigh", de pausado y a la vez juguetón ritmo, que trata sobre la dureza de la ruptura, aunque centrado disimuladamente en una antigua relación del propio cantante. Tras esta clásica "balada" llega la emotiva "Lavender", conducida sobre todo por los suaves teclados y una batería constante en su ejecución. Uno de los mejores momentos está en la extensa "Bitter Suite", compuesta a su vez de cinco partes, donde las dosis de belleza musical son indescriptibles, dominando siempre una atmósfera muy tersa, casi intangible, donde puedes llegar a sentir que flotas en ella. El final de la primera cara del disco termina de forma épica con la más estridente "Heart of Lothian".
-Con unos redobles y un tono más vibrante empieza "Waterhole" unida a "Lords of Backstage" siguiendo la misma tónica para dejar sitio a la otra gran suite "Blind Curve", de cinco partes también, donde el quinteto está en la cúspide de su creatividad, dotando de numerosos cambios de ritmo sus nueve minutos y medio y hablando de felicidad, rendición, dolor, guerra e incluso política. La parsimonia estalla con "Childhoods End?", la más "rockera" del disco y donde Marillion se expresan con rabia, reflejándose en las letras como el niño de la portada del álbum y tornando de la soledad a la esperanza. Se termina todo con "White Feather" con la misma fuerza y rompiendo con todos los tópicos de la patria (banderas, uniformes, políticos) para asegurar que pueden avanzar y vivir siendo ellos mismos, en cuerpo y alma, por encima de todo.
Una travesía que colocó a Marillion en la inmortalidad, siendo referencia para miles de artistas que quisieron hacer su mismo tipo de música, aunque sin llegarles siquiera a la suela de los zapatos. Uno de los mejores y más excitantes e interesantes trabajos de los '80.
(Mejor canción: "Blind Curve").
-Muchísimo antes de que Kurt Cobain llegara con sus Nirvana y en los '90 pusieran patas arriba al mundo del "rock", en el mismo Seattle se formó otra buenísima banda que llegó al pico más alto de su popularidad aquel 1.985, y hablamos de HEART.
Desde 1.963 existía esta banda únicamente compuesta por hombres, pero las hermanas Ann y Nancy Wilson entraron en sus filas diez años después; y tres años después de aquello, en 1.976, su debut ya estaba en la calle. "Dreamboat Annie" consiguió el Platino rápidamente.
Se convirtió en uno de los LP's más interesantes de aquella época, ya que era un grupo de liderado por dos mujeres ofreciendo un intenso "hard rock" a lo Led Zeppelin con momentos de verdadero lirismo y hasta haciendo alguna concesión al "folk rock". En su carrera hubo salidas y entradas de integrantes, y, como en todas las bandas, discos buenos y discos no tan buenos.
Entrados los '80, con "Bebe le Strange", se metieron en la moda de la New Wave con influencias "punk" y con "Passion Works" rompieron su relación con Epic Records y empezaron a modelar un sonido melódico que alcanzaría su máxima en su siguiente trabajo. Y así llegamos a "Heart", la piedra angular de su discografía.
Ficharon en Capitol y, cambiando de apariencia, de estilo, de tendencias y de miras, el quinteto (Ann) Wilson/(Nancy) Wilson/Howard Leese/Mark Andes/ Denny Carmassi no lo pudo hacer mejor. Se renovaron y se reciclaron y ofrecieron un disco con una serie de temas brillantes. Todo suena tremendamente ochentero, con una producción cuidada y un sonido pulido mezclando bellas melodías muy "aoreras" con contundencia "rockera" a partes iguales, y el resultado fue un n.º 1 en el Billboard de EE.UU., llegando a Quíntuple Platino, donde estuvo 92 semanas, un 19 en Inglaterra donde consiguió el Oro y el 3.er puesto en Canadá. Los distintos "singles" no dejaban de sonar constantemente en la radio y ya eran auténticos éxitos.
Guitarras agresivas, y batería y voz pletóricas se muestran en la apertura "If Looks could Kill", del mismo modo que en "Shell Shock" o en "The Wolf", pero la atmósfera pega giros de infarto en las más comerciales y melódicas "Never" (2.ª en el Mainstream Rock), clásico de clásicos, y "All Eyes" o en las preciosas "Nobody Home", "These Dreams" (1.ª en el Billboard Hot 100) o esa ya inmortal y espectacular balada de los '80 "What About Love?" (3.ª en el Mainstream); piezas dulcísimas, sonatas cargadas de sentimiento que bien demuestran el saber hacer de Nancy a la guitarra y esa voz inigualable de Ann, una voz sobrada de expresividad y emotividad a la hora de interpretar; la mejor voz femenina del "AOR".
Ese equilibrio entre dinamismo "rockero" y melodías de fácil asimilación llenas de lirismo, seña de identidad del grupo desde sus inicios, desembocó en eso, en el mejor trabajo que realizaron desde su debut y en uno de los discos más recordados de la década de los '80.
Así siguieron, ofreciendo buenísimos álbumes aunque ya ninguno iba a superar este excepcional "Heart" ni por asomo, pero muchos de ellos, como "Bad Animals" ('87) o "Brigade" ('90), sirven para demostrar el grandísimo grupo de "rock" que han sido y que son, y que serán por siempre.
(Mejor canción: "What About Love?").
-Fue en L.A. donde surgieron todas las bandas más representativas del "metal" americano en aquella primera mitad de los '80; el centro de un auténtico "boom" musical que no acabaría hasta la década posterior. Pero en otros sitios también había nombres que bien deben recordarse.
Como se dijo en la "2.ª parte de 1.984", Black 'n' Blue salieron de Oregon, Bon Jovi de New Jersey y King Kobra de Phoenix...el mismo lugar que los que nos ocupan, ICON. Estos venían de llamarse The Schoolboys, banda del guitarrista Dan Wexler, donde estaban Stephen Clifford (voz), Tracy Wallach (bajo), John Covington (batería) y David Michael Phillips (guitarra), que luego se marcharía, precisamente, a King Kobra. Éstos grabaron un EP, y dos de sus miembros (Covington y Phillips) se largaron, siendo sustituidos más tarde por John Aquilino y Pat Dixon.
Entonces llegó Mike Varney, productor de WASP y STEELER, y les fichó para Capitol Records, modificando el nombre del grupo y la imagen de éste. Lucieron como todos sus demás coetáneos: melenas cardadas, ropa muy colorida, cueros brillantes, camisas rasgadas, etc.. Su debut en 1.984 fue un gran disco de "heavy metal" de principio a fin, destacando dos himnos del género, "Rock On through the Night" y la emitida en la MTV "On your Feet". Su música era un dinámico y potente cruce entre Quiet Riot y HELIX, donde cobraban mucha importancia los mortales "riffs" del dúo Wexler/Aquilino.
Pero de repente Capitol les hace un lavado de cara y el estilo del grupo cambia totalmente. Digamos que ICON fue de esas bandas que se ponían en manos de sus discográficas a "pies juntillas" y si fracasaban la misma casa les echaba, contrataba a otros y asunto arreglado. Pero en esta ocasión no pudieron dar mejor en el clavo; parecía que el experimento iba a salir bien por una vez. Para el nuevo trabajo se ficha al veterano Eddie Kramer y al compositor Bob Halligan Jr., del "heavy/glam" se vira a un "hard 'n' heavy" melódico y se profundiza en eso, en la melodía, en detrimento de la agresividad y la contundencia. El resultado fue, dando igual la posición en la que se colocara en el Billboard (es mejor no decirla), el 3.er mejor álbum de la Historia del "rock" melódico, según la revista Kerrang!. "Night of the Crime", publicado el 20 Septiembre, no alcanzó el estrellato, ciertamente porque el momento del "AOR" estaba pasando y lo que más tiraba al público era el fulgurante "heavy metal" americano, pero si hubiera salido a comienzos de década habría sido uno de los números 1.
Con las espectaculares "Missing", "Naked Eyes", "Take Another Shot at my Heart" o "Hungry for Love" se pueden ver por donde van los tiros; algo así como un explosivo cóctel entre White Sister, MAGNUM y DOKKEN. Efectivamente, Clifford "ablanda" su voz, se hace más comercial el sonido y lo rodea un opulento ambiente de teclados, endulzando la potencia que seguía ofreciendo la banda, porque los "riffs" y solos de Wexler y la base rítmica seguían siendo impresionantes. Para demostrarlo ahí están las más "heavies" "Raise the Hammer", "White of their Eyes" y la mejor, "Out for Blood", que comienza con una apabullante introducción de guitarra acústica fundiéndose poco a poco entre un virtuoso e intrincado "riff" y los teclados, desembocando así en su parte más feroz y que recuerda a los ICON de su debut.
El grupo acabó separándose de Capitol y también lo hizo Stephen Clifford, ellos siguieron junto a Jerry Harrison, pero ya sin el acierto de antaño. Por suerte nos dejaron obras de arte como este "Night of the Crime". Escucharlo una vez no es suficiente, ni dos, ni tres...
(Mejor canción: "Out for Blood").
-La banda por antonomasia de "power metal", la que lo puso de moda, ni más ni menos. Cierto, ya se hacía tiempo antes; en Armageddon y en su "Buzzard" podemos atisbar los orígenes, también en el "Exciter" de Judas Priest...
Pero los '80 eran diferentes. El "power metal", todavía llamado "speed" en aquella época, no era sino "heavy" con mucha rapidez, desligado del "thrash" pues las voces eran más agudas, gritonas, "limpias", por definirlo de algún modo, y no tan sumamente violentas. Ahí había otra diferencia: el americano del europeo. En América pues se podía nombrar a Manowar. El de Europa era más épico, más trepidante, y en sus líricas había guerreros, demonios, mundos de fantasía que alimentaban la imaginación del oyente.
La lista es interminable, pero siempre estarán a la cabeza (dentro de sus propios estilos) los finlandeses Stratovarius, los italianos Rhapsody, los suecos Hammerfall, los alemanes Blind Guardian, RAGE, Primal Fear, Gamma Ray, Iron Savior, y, como no, sus maestros Helloween. Éstos en su EP de 1.985 ya demostraban de qué pasta estaban hechos. Metallica podía haber encontrado a la horma de su zapato, según el redactor Xavier Russell de Kerrang!
Las andaduras de la banda comenzaron en 1.978 con un grupo local de Hamburgo llamado GENTRY con el vocalista/guitarrista Kai Hansen. Así se sucedieron muchos años y cambios en la formación. Aquel EP ya bajo el nombre de Helloween vendió 40.000 copias y se presentaba un futuro prometedor aunque estuvieran en competencia directa con Running Wild. Con todo eso en Octubre salió el ya legendario "Walls of Jericho", con una espectacular portada (las portadas de este tipo de bandas siempre han sido increíbles) de Uwe Karczewski y un sonido que resultaba ser una frenética, poderosa y sólida combinación de Judas Priest, Iron Maiden y el manejo rapidísimo de guitarras a lo Yngwie Malmsteen.
Todo es contundencia, opulencia sonora cargada de velocidad que no da un respiro. Su estridencia fluye por solos y "riffs", que se convierten en entresijos difíciles de percibir con claridad a la primera escucha, y auténticos bombardeos a la batería. Un claro ejemplo son las "heavies" a más no poder "Heavy Metal is the Law", "Guardians", "Gorgar" o el himno "Metal Invaders". La vena más épica e inlcuso progresiva se ve en "Walls of Jericho/Ride the Sky", "Phantoms of Death" y la cúspide del disco "How Many Tears", donde hay cambios de ritmo y sonidos que cortan la respiración.
En todas estas piezas destacan sobre todo el trabajo de guitarras de Michael Weikath y Kai Hansen, capaces de cascarse raudos solos como quien chasquea los dedos. Solos intricados de tonos agudos que casan a la perfección con la profundidad de la garganta de Hansen; la base rítmica de Markus Grosskopf/Ingo Schwichtenberg está hecha para que retumbe bien en los oídos, sin miramientos.
Y Harris Johns realiza un buen trabajo en la producción; aunque es obvio que el posterior "Keeper of the Seven Keys" sería el mejor, pero este "Muro de Jericho" tuvo fuerza propia como para quedar en la Historia como el clásico que es y como referencia para comprender la evolución del "heavy metal" en Europa.
Críticos y público estuvieron de acuerdo y aún lo están hoy día.
(Mejor canción: "How Many Tears").
-Se dijo que se iba a hablar de ello, y así es. Ya van tres, con este, pero si pienso en un directo a nombrar del año 1.985 no sería (para desgracia de muchos) el "World Wide Live" de Scorpions, sería sin duda "Live After Death". Puede que uno de los directos más grandes y recordados de "heavy metal" de la década de los '80. Ha pasado a ser algo así como el "Made in Japan" de Iron Maiden, salido el 14 de Octubre.
No es para menos: más de 320 días, 180 conciertos, 7.770 habitaciones de hotel usadas, 6.390 cuerdas de guitarras y 3.760 baquetas para presentar a todos, desde Polonia el 9 de Agosto de 1.984 hasta Laguna Hills el 5 de Julio de 1.985, su "Powerslave". "The World Slavery Tour" se llamó la gira, y representaba cómo el Mundo quedaba prisionero de la fuerza y poder de La Dama de Hierro. Escuchar este álbum es ser partícipe de un auténtico fenómeno musical ocurrido en todos los escenarios de la época:
-Uno cierra los ojos y empieza escuchando al público, luego el clásico discurso de Winston Churchill y la arrolladora apertura que es "Aces High"; los archiconocidos "singles" "Two Minutes to Midnight", "The Trooper" y "Flight of Icarus" se meten al público en el bolsillo definitivamente.
-Esto deja espacio para esa extensísima y cambiante "Rime of the Ancient Mariner" en la segunda cara, donde los momentos en los que se escucha el poema de S.T. Coleridge junto a los silbidos del público crean una atmósfera estremecedora. De la grande "Powerslave" se pasa a las míticas "The Number of the Beast" y "Hallowed be thy Name" (ya en la primera cara del segundo disco).
-Nada puede superar tal derroche de energía y soberbias canciones; la audiencia está cada vez más exhausta y los gritos no dejan de sucederse; pero eso es una equivocación y vuelven los tiempos más "punks" y jóvenes de la banda con el estandarte "Iron Maiden", que en boca de Dickinson suena tremendamente más épico. El conocido "riff" de "Run to the Hills" que todo el mundo ya conoce desata un coro de voces del público siguiendo a los músicos y la primera cara se cierra con un mercenario "Running Free" tratado durante más de 8 minutos con unos Steve Harris y Nicko McBrain luciéndose mientras Dickinson, con su desparpajo habitual, habla, pregunta, grita e insta a la muchedumbre a vociferar el estribillo del tema (muchedumbe que obedece sus órdenes ciegamente).
-La segunda cara del segundo disco comienza con reminiscencias del pasado al ser "Wrathchild" la siguiente, nuevamente mejor cantada por Dickinson que por Di'Anno. Las progresivas "Twenty-two Acacia Avenue" y "Children of the Damned" nos trae las épicas "Die With your Boots On" y "Phantom of the Opera", llenas de velocidad y sentimiento y con unos solos espectaculares de Smith y Murray.
Todo termina siendo Platino en EE.UU, donde se pone en la 19.ª posición; Oro en Gran Bretaña, donde llega a la 2.ª; Doble Platino en Canadá. Además, los "singles" "Running Free" y "Run to the Hills" consiguieron el puesto 19 y 26 respectivamente y el audio del vídeo de la gira logró el 2.º puesto en el Billboard y un certificado de Platino en EE.UU. y de otro Doble Platino en Canadá. La jugada salió redonda y eso, miles de millones de fans, lo recuerdan aún hoy en día con el mismo fervor de antaño.
(Mejor canción: "Running Free").
Y ahí están los 10 discos. Todos ellos navegando entre diferentes estilos.
Y es que en el año 1.985 continuaba la evolución de géneros y seguían los que más atraían al público. Así, en el ámbito del "hard rock" con tintes "AOR" tenemos el "That's the Stuff" de Autograph, el "Astra" del supergrupo ASIA, el 4.º de Loverboy "Lovin' Every Minute of It", el debut de los californianos Fortune o el más orientado al "pop" "Knee Deep in the Hoopla" de Starship, anteriormente Jefferson Starship, anteriormente Jefferson Airplane.
Por otro lado el "heavy metal" acumulaba trabajos como el más comercial "Metal Heart" de los alemanes ACCEPT, el "Not Afraid of the Night" del grupo DAGGER, "The Last Command" de los WASP, "Screamin' 'n' Bleedin'" de Angel Witch, "Delirious Nomad" de Armored Saint; "Under Lock and Key", el más "glam" de DOKKEN, o el caso de Alcatrazz, que estrenaban al guitarrista Steve Vai con "Disturbing the Peace", en sustitución de Malmsteen. Como ya se dijo sobre guitarristas, Eric Clapton vino con "Behind the Sun", 8.º en los charts británicos, Adrian Vandenberg y su "Alibi", George Thorogood con "Maverick", Jeff Beck con "Flash", cada vez más metido en el "pop rock"...
En las tierras estadounidenses "glam" y "thrash" se juntaban en las audiencias y había dos bandos muy bien diferenciados: los que se lo pasaban en grande con la comercialidad del "Invasion of your Privacy" de RATT, el "Soldiers Under Command" de STRYPER, el "Long Way to Heaven" de HELIX, el "Come Out and Play" de Twisted Sister, el 2.º de Bon Jovi "7.800º Fahrenheit" o el más "rockero" de Mötley Crüe "Theatre of Pain" y los que abrazaban la brutalidad de SLAYER y su "Hell Awaits", el debut de Megadeth "Killing is my Business, and my Business is Good!", el "Spreading the Disease" de los neoyorkinos Anthrax o el "Endless Pain" de KREATOR.
Los más experimentados seguían por amplios derroteros, como el mantenimiento definitivo de KISS en el "heavy" con el "Asylum", el hundimiento la nave de AC/DC, que se hundía cada vez más, con su "Fly On The Wall", la inmersión en las nuevas tecnologías de ZZ Top con "Afterburner"...y seguían Y&T con "Down for the Count", Aerosmith con "Done with Mirrors", Cheap Trick con "Standing On the Edge", RUSH con "Power Windows", los "glammies" KIX con "Midnight Dynamite", el bueno de DIO con "Sacred Heart", y suma y sigue...
Debutaron, como ya se ha dicho, Fortune, DAGGER, KREATOR, Megadeth, también los "thrashers" Exodus, los "heavies" Halloween (que no Helloween) con "Don't Metal with Evil", Overkill, los "ultra-heavies", herederos de Manowar, WARRIOR y David Lee Roth con el EP "Crazy from the Heart" tras su calurosa salida de Van Halen. Onslaught, London, Vicious Rumors, los de New Jersey Whiplash, los suecos TREAT y los polacos KAT con "Metal & Hell" son otros a nombrar.
En cuestión de directos podíamos nombrar el “9012 Live: The Solos”, de YES; el “Alive in ‘85”, de Kingfish; “Live in Detroit” de los canadienses THOR; el último de Hanoi Rocks “Rock ‘n’ Roll Divorce”; “Open Fire”, de Y&T, que salió antes que el “Down for the Count” o el gran “Stages” de TRIUMPH que fue Oro en su tierra natal…
Y para acabar por todo lo alto hay que nombrar dos acontecimientos que es preciso nombrar:
-El primer concierto de “Rock in Rio”, celebrado del 11 al 20 de Enero, con artistas de la talla de QUEEN, AC/DC, Whitesnake, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Scorpions…aquello SÍ era “Rock in Rio” y no lo de ahora…
-Y el “Hear ‘n’ Aid”, una inmensa colaboración que multitud de estrellas del “rock” y el “heavy” de los ’80 hicieron con la intención de recaudar dinero para África, que era el tema de obsesión por aquel entonces (ya lo hacían varios grupos de músicos). En esa ocasión Ronnie Dio fue aconsejado por Vivian Campbell y Jimmy Bain, miembros de su grupo para contribuir también a la causa como hicieron U.S.A. for Africa.
Así que se reunieron personalidades varias como Rob Halford (Judas Priest), Ted Nugent, Dave Meniketti (Y&T), Blackie Lawless (WASP), Paul Shortino (Rough Cutt), Adrian Smith y Dave Murray (Iron Maiden), Yngwie Malmsteen, Don Dokken, Vince Neil (Mötley Crüe), Carlos Cavazo (Quiet Riot) y hasta los actores de la película y banda ficticia Spinal Tap. Ocho vocalistas principales, once solos de guitarra y muchas voces en los coros para interpretar el tema insignia de la colaboración: “Stars”.
Luego acompañaría a tal canción otras en directo de diversas bandas como KISS, Motörhead, RUSH o ACCEPT y un vídeo documental que muchos recuerdan con cariño. Un momento para mantener en la Historia de la música
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