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Maggie Bell ‎– Live At The Rainbow 1974

Maggie Bell es una de las mejores vocalistas de rock, blues y soul de los últimos cuarenta años. Con un gran talento natural siempre ha sido infravalorada por la mayoría de la gente. A sus 74 todavía sigue dando guerra por los escenarios de medio mundo.


Maggie Bell nace el 12 de enero de 1945 en Maryhill, Glasgow. A lo largo de su carrera  ha estado presente en bandas como Kinning Park Ramblers (con la hermana de Alex Harvey), The Power, Stone the Crows (con los que grabó varios discos),  Midnight Flyer,  The British Blues Quintet y  Hamburg Blues Band. Su carrera en solitario consta de tres discos en estudio ("Queen of the night" 1974, "Suicide Sal" 1975 y Crimes of the Heart" 1988) y diversas grabaciones en directo.



La grabación corresponde a la actuación de Maggie Bell en el mítico teatro Rainbow de Londres en 1974. La banda de Maggie estaba integrada por Pete Wingfield (teclados), Mo Foster (bajo), Paul Francis (batería) y Brian Breeze (guitarra). Su música es un compendio de buen soul, blues y rock'n'roll. En el "setlist" podemos encontrar temas soul como "I was in Chains" o  "Suicide Sal". También excelente blues con la magnífica voz de Maggie, "As The Years Go Passing By" y ""Penicillin Blues". La vertiente rockera- soul la tenemos en "Comming On Strong". Dos excelentes versiones "Wishing Hell" (Free) y "I Saw Him Standing There". El rinconcito para su guitarrista en "The Preacher". Un tradicional, "Aileem Mochree", cantado "a capela" por Maggie, realmente brutal. Y tres medley conteniendo mas de una docena de pedazos de historia del soul, blues y rock. 
J.C. Miñana










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SIGMA ORI - Sigma Ori (2019) (Rockliquias Bandas) (Entrevista - Análisis)

Sigma Ori es una banda procedente de Barcelona que el pasado mes de junio (2019) publicó su primer EP. Nuestro reportero mas dicharachero se puso en contacto con ellos para conocerlos un poco más a fondo.


Rockliquias.- ¿Por qué Sigma Ori? 

Desde el primer momento, teníamos claro que queríamos un nombre para la banda con motivos espaciales. Después de barajar varios nombres, finalmente nos decantamos por Sigma Ori, que a su vez había sido el nombre de un proyecto anterior de Noel.

Rockliquias.- ¿Quiénes son Sigma Ori? 

Somos Andrés (guitarra), Joan (guitarra), Jose (batería) y Noel (bajo). La banda quedó cerrada con esta formación a principios de 2018. Meses antes, habíamos trabajado alguno de nosotros conjuntamente con otros compañeros hasta crear el line-up final.

Anteriormente, Andrés había formado parte de la banda de metal Yourself y de Mardemarmo (post-rock). Noel tocó un tiempo con Fe de ratas (punk rock), Jose en las bandas Mind y Iris On Fall (rock) y Joan formó parte de Los Tronchos (punk) y The Hollow (un proyecto de prog metal).

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Son muy variadas. Pueden ir desde el metal hasta el jazz, pasando por el punk o el prog. Como influencia directa para la banda, podríamos nombrar a grupos como Tool, Toundra, Tides from nebula, Sleepmakeswaves, If These Trees Could Talk, MONO o Jardín de la Croix

Rockliquias.- ¿Cómo definiríais vuestra música? ¿Estáis de acuerdo con la etiqueta de "post- rock"?

Nosotros hacemos rock instrumental. A partir de ahí, tratamos de hacer música dinámica, variando el estilo según nuestras influencias. Creo que definirnos como "post-rock" sería limitarnos, dado que nos gusta evolucionar los temas, dándoles un fondo y una variedad diferentes.


Rockliquias.- En junio de 2019 habéis editado vuestro primer trabajo, "Sigma Ori". ¿Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? 

La grabación se llevó a cabo en Siete Barbas, un estudio muy potente en Barcelona donde se han grabado grandes álbumes y que cuenta con un productor excepcional (Dani Gil), que supo plasmar la idea que teníamos en mente en cuanto al sonido que queríamos conseguir. Mastering Ultramarinos se encargó de la masterización, haciendo un trabajo impecable. Tardamos menos de lo esperado en grabar, seguramente por las ganas y la ilusión que teníamos de que este trabajo viera la luz.

Rockliquias.- ¿Quién ha diseñado la portada? y ¿Cuáles han sido las motivaciones para su diseño?

Para la portada nos pusimos en manos de Víctor (Darkhorse Estudio). Quienes le conozcan sabrán de su gran talento como ilustrador. Confiamos 100% en él en el diseño, y no nos defraudó en absoluto. 

La mano que aparece en la portada es La Mano del Desierto, una escultura ubicada a 75 km al sur de la ciudad de Antofagasta (Chile), en el desierto de Atacama. 

Rockliquias.- El primer tema es "Nebula", sin duda un gran título para esta composición en la que los ritmos de guitarra van fluyendo sin apenas darte cuenta. Space progresivo con pinceladas stoner. 

“Nebula” es una canción que nos encanta para abrir el EP, ya que es una concentración del estilo que hacemos en un solo tema. A nivel compositivo, cada uno aportamos varias ideas con nuestro punto de vista, para luego ponerlo en común y hacer evolucionar la canción.


Rockliquias.- Le sigue "Aurea". Continuamos con la creación de ambientes sonoros que nos describen mundos imaginarios, todo ello con una perfecta sincronización de sus componentes. El disco contiene cuatro temas instrumentales. Realmente no son necesarias las palabras.

“Aurea” fue la primera canción que creamos, en los inicios de la banda. Probablemente sea el tema que más hemos trabajado, ya que partía de una idea inicial compuesta un tiempo antes de la creación del grupo. 

Curiosamente, Sigma Ori empezó siendo un proyecto vocal (con Iban), pero finalmente se decidió que el perfil de la banda debía ser el de un grupo instrumental.

Rockliquias.- En "Asia", el tema va subiendo en intensidad hasta alcanzar el clímax y posteriormente desvanecerse. ¿Cómo desarrolláis los temas en directo? ¿Qué podemos esperar de Sigma Ori en sus shows?

Pasión. Mucha pasión. Nos encanta tocar y entregarnos en los directos, de manera que tratamos de transmitir toda la energía posible a la audiencia. Intentamos también hacer un directo limpio, y ser todo lo fieles posibles al EP (no hay elementos de la grabación que no toquemos en directo).

“Asia” es una de las canciones que más nos gusta tocar en directo, ya que armoniza el show y le da una perspectiva profunda, relajante y equilibrada. Nos decantamos por este nombre porque en el verano de 2018 casualmente todos estuvimos viajando y conociendo lugares de Asia por separado. Creíamos que era una forma muy bonita de juntar nuestra experiencia individual en un tema.


Rockliquias.- El disco finaliza con "Sidera Visus", un nuevo viaje espacial progresivo a través de los mundos sonoros creados por los cuatro miembros de Sigma Ori. 

“Sidera Visus” partió como un conjunto de ideas que nos habían ido surgiendo en la composición de temas anteriores. Es posiblemente la canción en la que más tratamos de aportar dinamismo y "jugar" con los estilos musicales de manera variada.

Rockliquias.- ¿Qué acogida está teniendo el EP? ¿Tenéis fechas para las presentaciones?

Ciertamente está teniendo una acogida bastante buena, sobre todo en redes sociales. Hay muchas bandas en Barcelona, y muy buenas, y por tanto no es un escenario fácil para darte a conocer. Siempre hay que intentar dar un poco más, aportar algo distinto. Nuestra idea es presentar el EP en Barcelona, nuestra ciudad, después del verano. Intentaremos tocar con una banda invitada, y otra banda local.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestros planes de futuro?

Seguir componiendo y seguir tocando. Es lo que más nos gusta. Aunque todos llevemos muchos años en la música, para nosotros esto es sólo el principio de un gran proyecto, de manera que vamos a seguir disfrutándolo en cada momento.

Rockliquias.-.-¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el EP y fueran a vuestros conciertos?

Que lo que hacemos lo hacemos de corazón, tal y como se puede apreciar en nuestros directos. Ponemos toda nuestra alma y todo nuestro sentimiento en cada una de nuestras composiciones (de hecho, somos bastante exigentes en los procesos compositivos). Y que al final, somos un grupo de amigos que se divierten haciendo lo que más les gusta, y eso se nota.




Contacto:


P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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GEORGE GARANIAN AND MELODIYA ENSEMBLE - Labyrinth (1974) (RUSSIAN PROGRESSIVE ROCK)

Pues rebuscando en el armario de curiosidades soviéticas me encontré con esta perla perdida en el espacio y el tiempo y al escucharlo sentí asombro y curiosidad. 


Georgy Aramovich Garanian de origen armenio resultó ser uno de los grandes del jazz y un precursor del estilo en su país de origen. Nació en Moscú en 1934 y falleció en 2010, llegando a ser un músico respetado por esas tierras heladas e intempestivas. Se formó en el conservatorio de Moscú. Fue de los primeros jazzmen soviéticos que comenzaron a tocar en la URSS nada más terminada la segunda guerra mundial con su saxo alto y las primeras Big Band. Su currículum es impresionante. Ha tocado con todos y en todos sitios y ha recibido varios premios internacionales. Su discografía es generosa y supongo que habrá de todo desde convencionales  standars de jazz a música propia así que lo dejo para los curiosos que quieran investigar. Pero lo que sí me ha picado la curiosidad es este disco de 1974 con su Big band llamada Melodiya Ensemble.



 Escuchando este vinilo me doy cuenta de la cantidad de riesgos sonoros y novedosos que se inventaron en aquella década independientemente del país de origen. He estado moviéndome por youtube para escuchar algo más de este señor, pero la verdad por lo poco que he oído es que la mayoría de sus álbumes entran dentro de lo predecible y bastante comercial. Por lo que me temo que esto debió ser una excepción en toda regla. 

El asunto de este disco no deja de ser curioso. La sonoridad es muy extraña. Es como si de repente a una banda de baile le dé por escuchar a Miles Davis a Zappa y al Soft Machine de los álbumes 3-4-5, lo agitasen todo bien y lo vomitasen en cuatro temas de 7 a 10 mtos de una enorme calidad instrumental dentro de la fusión y el free, pero con una estructura orquestal muy similar a los tiempos del Grand Wazoo zappero. Bajo con distorsión a la Hugh Hooper en “Labyrinth” la pieza título y curiosa mezcla con la orquesta apareciendo ocasionalmente, guitarra ácida y primitiva con la percusión selvática en primer plano. También me recuerdan algo a los primeros instrumentales de los Chicago Transit Authority. Sonido a la Coltrane y piano líquido protagonizan “Marina” con una sección rítmica a la Soft Machine pero sin perder un constante y extraño encanto melódico. 

Es jazz evidentemente, pero estamos en 1974 y las locuras del jazz rock y diversos híbridos espontáneos estaban en plena forma y estos rusos tomaron buena cuenta de ello. La alternancia de constantes solos, los típicos y peculiares cambios de tonalidad que encontramos constantemente en estilo Canterbury están presentes y todo es un agradable viaje. Los arreglos no obstante son los clásicos de una big band en toda regla. La tercera toma “Lenkoran” nos lleva por caminos funk pero se nota ligeramente la mano influencer de Ellington o Bassie en los lujuriosos arreglos. Los instrumentos de viento están pasados por pedales y efectos electrónicos de sordina que nos recuerdan de lleno en lo jazz prog más setentero y hasta experimental. Esos ecos procesados a lo Elton Dean inconfundibles y un swing irresistible nos meten en la cuarta y última pieza “Fiery River” donde Garanian se multiplica en garabatos sonoros absolutamente free mientras el ritmo funky con solo drum incluido, no cesa. 


En definitiva este es un álbum sin desperdicio tanto para amantes del jazz como para progres de la fusión rock. Me he salido de la línea sinfónica por esta vez, pero me apetecía comentaros esta rareza. No obstante, hay muchos discos de este jazzmen por la red así que vosotros mismos.
Alberto Torró 



Temas
A1 Лабиринт 9:39
A2 Марина 9:46
B1 Ленкорань 8:37
B2 Огненная Река 7:44





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THE FLOWER KINGS - Hotel Paradox (2006)

El problema eterno con los Flower Kings es que te exigen mucho tiempo y piden que les prestes mucha atención. Este es su noveno registro y nuevamente doble CD para variar. 126 minutos de música es mucho tiempo y si te digo la verdad no me explico de donde sacaban tanto espacio para componer. 


Si os fijáis desde 1995 van casi a disco por año, aunque conforme avanzan van alargando ligeramente. Con todo han compuesto y grabado una barbaridad de música aparte de numerosos bonus en las reediciones, discos especiales para su club de fans y numerosos lives, amén de sus actividades en solitario que también son un generoso paquete a escuchar y descubrir, lo cual no precisamente fácil de asimilar por la cantidad de material que agregan y lo recargado que supone cada largo tema. Que por lo general es lo habitual en todos ellos. Aunque su estilo es reconocible no son en absoluto previsibles. Al igual que les pasa a sus colegas de The Tangent beben de una cantidad enorme de influencias progresivas y ambos están a un nivel similar. Las composiciones de Tillison o Stolt son por supuesto muy diferentes, pero les une ese afán de complicarle la vida al oyente porque parten de ideas compositivas muy abarrocadas y llenas de detalles. Es cierto que todo lo que oímos de ellos nos es familiar y no es original porque es un recuerdo vivo de las bandas sinfónicas de los años 70. Son buenos continuadores de los clásicos del género, pero nada más. 

Reconozcamos también que son mentes inquietas llenas de ideas y porque no, a veces también tienen su parcela personal y hay creatividad. Ambos poseen una técnica envidiable en sus respectivos instrumentos y ambos no paran de componer porque son dos adictos al trabajo musical como lo fue Zappa, salvando las distancias naturalmente, porque el de Baltimore fue un genio en originalidad y un compositor a otro nivel muy superior. Entiendo a las mujeres que tengan que estar casadas con tipos insoportables de este calibre. El egocentrismo de un artista o un creador de lo que sea llega a extremos donde la convivencia se puede hacer insoportable. No eran santos varones ninguno de los grandes compositores de la historia de la música donde el egoísmo y la potenciación del ego llegaba a extremos insufribles. Mahler fue un personaje intratable. Alma su esposa lo aguantó lo justo y la cornamenta no tardó en llegar. Si hay algo en los genios y no tan genios en el mundo de la música es que no se enteran de nada de lo que pasa a su alrededor. Su sensibilidad para con los demás es nula, así como su capacidad de empatizar. A veces siento pena por los fans por su estupidez al elevar a los altares a su objeto de veneración. Casi nunca he encontrado naturalidad y humildad en un músico consagrado. Puedes extenderlo a pintores, escritores, cineastas, arquitectos, actores y creadores de lo que sea. La estupidez en ellos es distinta a la de los demás porque parte del engreimiento. Tengo alguna anécdota divertida al respecto: Alguien muy conocido me dijo en una ocasión: “…es que no sabes quién soy?...  yo le contesté: Sí, y qué…?. Nunca me han impresionado los famosos.


Bueno el Hotel Paradox está dividido en dos historias. El primer CD parte de una trama argumental titulada habitación 111 dividida en diez cortes, uno de ellos una suite de 21 mtos titulada “Monstruos y Hombres”. No sé donde mister Stolt ve la diferencia entre unos y otros. A la larga nuestro comportamiento no difiere en nada de los monstruos. La música es la misma que puedes desear en un disco de los TFK y sus habituales contrastes de estilos. Para algunos tremendamente pesado y aburrido y para otros una maravilla sonora. Lo mejor es que los escuches, pero ya te digo que necesitaras un tiempo. La pieza larga promete lirismos desde el principio. Da la sensación de que se han relajado algo y también vuelve cierto encanto cercano a sus primeros discos. Hay una larga secuencia de acordes y charla de guitarra hasta que la voz entra de forma épica. Lo que no sé es porque me recuerda al Rod Stewart en plan baladista y juro que solo llevo dos cervezas mientras escribo esto. Es una pieza de tempo medio mucho más lineal y cohesionada de lo habitual en ellos. Bonito piano de Bodin y algún mellotrón siniestro por debajo con órgano a la Wakeman. La cosa se anima de la mitad hasta el final. Cuando Stolt pisa el wah wah sube la adrenalina. Luego vienen diversas canciones bastante majas y la tónica sigue siendo más tranquila de lo habitual. Lo encuentro todo agradable y no me atrevería a ir mucho más allá de esta apreciación. Tan solo que la música no moleste es algo que yo valoro mucho. Bodin está más pianístico de lo habitual y hasta hay pasajes francamente tiernos (Jealousy). La instrumental “pioneros de la aviación” es un interesante paseo dentro de los mejores momentos del grupo sueco y en general salvo un par de piezas más anodinas como son la 6 y la 7 todo el primer CD es sumamente agradable y melódico.


La segunda parte del programa o el CD 2 lleva como título “Sala 222”y se inicia con una impresionante pieza llamada “Minor Giant steps” donde todos se lucen de lo lindo y la tónica sigue siendo sumamente melódica sobre todo a partir de la mitad del tema. Luego hay de todo. Partes más oscuras, ensaladillas muy condimentadas, guiños zappacrimsons vertidos como un pouring acrílico en “Unorthodox Dancing Lesson” y otras macedonias que van del funk al hard o a la fusión y hasta baladas hímnicas para terminar en la bonita y sinfónica “Blue Planet” para no dejar un sabor de boca demasiado bizarro al final. Este segundo CD es más recargado que el primero. Vuelvo a lo que comentaba al principio cada disco de TFK es una bomba de calorías y el lado opuesto a todo minimalismo y contención. Si tuviera que describirlos de forma arquitectónica son como una recargada vidriera catedralicia. Son tantos los caminos y las vertientes en su música que es casi imposible ofrecer una definición exacta. Por supuesto si te gusta la música más lineal o de construcción más concreta y controlada olvídate de ellos. Yo disfruto con toda la exageración y colorido que pueda ofrecer la música porque me divierte y entretiene toda grandilocuencia y pretenciosidad habida y por haber y estos señores no tienen ningún inconveniente en ofrecerla. Todo a lo grande y a vivir que son dos días.
Alberto Torró

 












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RING VAN MOBIUS - Past The Evening Sun (2018 / APOLLON)

Leo una entrevista con Lasse Hoile, responsable de todo el inquietante universo visual de Porcupine Tree y Steven Wilson. Y como no podía ser de otro modo, difunde el adoctrinamiento al que ha sido sometido por su mesias,  como buen apóstol  : "La gente no comprende que la palabra "progresivo" no implica hacer lo mismo una y otra vez. Lo que tiene la música progresiva es que debes progresar! Y esto es lo que Steven Wilson hace".


Y yo lanzo ésta pregunta al aire......si "progresar" es volver a hacer canciones de Abba, como en el descaradamente comercial-via-major,  "To The Bone".......dónde está ése supuesto progreso? No dejará de ser retro-pop, frente al mal llamado retro prog. Y mientras, por el camino, una burra que nos han vendido. Podría decirse como excusa para el apóstol Hoile, que viene de hacer ruido, thrash y death metal, con Panzerchrist, y que procede de ésos círculos,  pobrecico. ..... También Opeth y un buen montón de músicos escandinavos, que ahora lo están haciendo de lujo en el actual panorama, esta vez sí, realmente progresivo. Se trata, como siempre,  de talento. Y ahí entran Ring Van Mobius,  trío procedente de Karmoy, Noruega. Su actividad comienza en serio sobre 2017, con estupendos live shows poniendo en práctica lo que ellos llaman "progressive rock straight from 1971, but made today". Es así de sencillo, humilde y honesto. Y en realidad, éso es lo que debe definir éste género. Y al que no le guste, pues ahí tiene los jodidos discos de Abba, que como pop no tienen rival.

En ése 2017 ponen en circulación  un single (250 copias), que ya alerta de que esto es cosa seria. "Passage To Nothing" (3'07) podría estar en los dos primeros de King Crimson o el de McDonald & Giles, irradiando pura fascinación prog de 1969. "When the Sea and the Universe Were At One" (7'12) recoge más influencias, gracias al crepitoso Hammond L-100 de Thor Erik Helgesen, teclista, cantante, compositor y líder de Ring Van Mobius. Aquí los Camel del primer disco se entrecruzan con Cressida, Quatermass o Beggars Opera. Einstein dijo que se podía viajar en el tiempo y RVM lo ponen en práctica con facilidad pasmosa. Completan ésta máquina del tiempo, Havard Rasmussen (bajo, efectos), y Dag Olav Husas  (batería,  percusión,  efectos). En 2018 fichan por un sello prog en alza como es Apollon Records (no haré chistes), y editan "Past The Evening Sun". Nuestro vikingo dios del trueno suma al histórico órgano,  Fender Rhodes electric piano, Clavinet D6, Moog Satellite y Korg MS20. Son tan legales, que el generoso sonido de mellotron que se escucha, lo añaden a los "efectos" que acreditan los otros miembros. Al tiempo, ya caerá uno de verdad, estoy seguro.


La primera cara corresponde a "Past The Evening Sun" (21'39), pieza subdividida en seis partes. El arsenal vintage entra en acción en cero coma, secundado por la elegancia en el vestir rítmico de la banda. Y el saxo invitado de Karl Christian Gronhaug, parte importante en el sonido del disco. La voz recrea ése tipo de cantantes prog "de élite" como Lake / Wetton, con su propia idiosincrasia. Pero los arranques paranoicos del órgano deben más a Hugh Banton que a Keith Emerson. Éste último tiene su influencia en algunos momentos más The Nice que ELP, lo que no deja de ser curioso, pintoresco y bastante original. Pero es VDGG la banda que más recordamos conforme se desarrolla ésta sobrenatural y psicofonica suite. El saxo es un buen emulo de David Jackson (sería "peyorativo" comparar a un saxofonista actual de jazz, con John Coltrane?.....Claro que no). Y Thor pone el alma, cuerpo y mente en su trabajo vocal, como lo haría un Peter Hammill cantando en sus inicios historias de vikingos. Ahora son los vikingos los que le cantan a él. El macrotema, su particular "A Plague of Lighthouse Keepers", está perfectamente estudiado y estructurado, sin dar impresión alguna de relleno o cansancio compositivo. La profundidad existencialista (VDGG), o la otoñal melancolía (early KC), también tiene un fuerte componente en el diseño estilístico de la banda. Y así va transcurriendo, como una perdida grabación  (altamente valorada), del "Pawn Hearts". No diré más.

 Doy la vuelta al vinilo (azul, para más señas), y sonidos queridos en el subconsciente, de Rickenbaker, se mezclan con grandes platos y mellotron virtual, en "End of Greatness" (5'51). Para otro mesías y rey de la excentricidad como Robert Fripp, esto será "ir hacia atrás"......Pero tocar con 500 baterías y 350 bajistas en el escenario, como hace él,  será lo más del progresismo. Definición de "progresar" para Fripp : Me toco los cojones a dos manos,  hago lo que me pasa por ellos, y vosotros, pobres mortales, babeais y cantais alabanzas. Si "End of Greatness" la hubieran hecho ahora los actuales KC, estaría en los altares del Vaticano Prog (Mag). Menos cajas de 30 cds y más material nuevo de consistencia, tío listo. 


"Racing The Horizon" (11'55) tiene un punto floydiano delicioso, con ese encantador Rhodes llenando atmosferas en su comienzo. Aunque VDGG sigue ejerciendo implacable, necesaria y bienvenida influencia (nunca copia!), en RVM. La producción,  que ha ido de mano de Helgesen y el bajista Rasmussen, es insuperable. Comparable a un Charisma del 72. Una reconstrucción de sonido perfecta. No es vintage, es auténtica,  REAL.Y frente a todos esos mercachifles sabirondos y teóricos de lo banal, sólo tengo una respuesta : "Past The Evening Sun", por Ring Van Mobius.
J.J. IGLESIAS









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Nico Chona & The Freshtones ‎– Nico Chona & The Freshtones (2018)

Seguimos recorriendo las novedades rock bluseras por el mundo y esta vez recalamos en Francia de la mano del guitarrista Nico Chona y su banda Freshtones. Aire fresco para este género.


Nino Chona lleva más de una década componiendo y tocando sus propios temas. Hace dos años sus amigos le empujaron a que formará una banda y presentase sus temas en un escenario. Nino forma The Fleshtones junto a sus amigos en Lyon.  Joris Perrin (guitarra), Dan Nambotin (bajo) y Nicolas Gamet (batería). Como se suele decir "de casta le viene al galgo", su padre fue guitarrista profesional a finales de los 60 y en los 70, inculcándole los valores musicales de bandas como ZZ Top, The Allman Brothers, Crosby, Stills, Nash & Young, etc. En marzo de 2019 nos ha visitado realizando una gira por España (Orihuela, Valencia, Bilbao, A Coruña, Benavente y Aldeamayor de San Martin).


Nico Chona nos presenta su primer trabajo publicado en diciembre de 2018. Grabado en los Magneto Studios en Lyon, Francia. Nino nos ofrece ocho temas de buen rock blues del siglo XXI con raíces de los 60 y 70. El disco se inicia con "Wheels of Obsession", es un boogie rock a medio camino entre Golden Earring (Radar Love) y ZZ Top. Seguimos con "Run" un viejo tema de Nico que comienza con "slide" que poco a poco va tomando fuerza hasta llegar a un gran solo final de guitarra. "Screen Boy" vuelve a la onda de Gibbons-Hills (ZZ Top). Suenan muy bien. "Again And Again" es una bonita balada donde Joris Perrin (guitarra) toca muy sutilmente el "slide guitar".  "The Heat" ,  no aparece en el LP,  es la segunda balada de la grabación,  con un gran final. "Black Sky Man", puro rock blues de los 70.  "Hello", el blues más acústico hace acto de presencia. "The Winning Wind" es otra balada con concierto aire country y con muy buenas guitarras. Sin duda lo bordan en la versión del clásico "Rollin' and Tumblin". Incomprensiblemente este tema no aparece en la versión LP, supongo que por razones de espacio. "Goldtop Sunday Blues", un gran blues  con interpretación vocal excelente, no da la impresión que Nico tan solo tenga 27 años. El disco se cierra con "Catalin Crest"  balada  al estilo de Crosby Stills & Nash.
J.C.Miñana










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ADICTOS A ADDICTED Parte 1 (Detieti, Joice Oh Yeah, Disen Gage)

Nuevo cargamento de surrealistas contenidos llegados del frío de la estepa. Siempre he pensado que, a temperaturas bajas, igual a calidades altas en éstas músicas. 

Apunten en sus agendas éstas grabaciones,  si quieren descubrir mundos inexplorados y del todo fascinantes. Por aquí ya andamos adictos a Addicted !!!


      DETIETI
            "In General Terms" (2016 / ADDICTED)

Entre mi círculo de amistades ha sido muy bien acogido éste grupo, del que solemos hablar ya como si fuera de la familia. Para su segunda entrega demuestran que aquel primero del camaleón loco no era simple suerte. Y que hay un férreo trabajo detrás de éstos majaras moscovitas.

Han (bajo, voz), Vanish (guitarras, voz), Viktor Tikhonov (batería) y Peyote-R (synths) vuelven a contar con invitados a los saxos,  trompetas, trombón,  voces femeninas, cello eléctrico o theremin.
En "Comme Koktebel" (6'22) disfrazan funk 80s con maestría y soltura, en recuerdos al Zappa de "Joe's Garage". Pero también y como ellos lo llaman, "frogressive", pronk,  Patton o punk. De todo hay bajo éste océano de majaradas sin fín,  y  por eso dedican la portada a un Jacques Cousteau recién pimplao, si nos atenemos a  su colorada nariz. Imagino que se identifican con él. "Sucre Dans Rebelle" (4'35) es como un Maceo Parker pasado por la batidora-guitar de Paul Gilbert y el bajo de Marcus Miller, en una fiesta de cumpleaños de Henry Cow. "Madonna La Atomique" (7'55) es como Donna  Summer y GBH en plena jam de ácido.  Y éso sólo es el principio. En "Vstupka" (1'12), "Putch" (2'11), "Vada Vadu" (1'18), "Zhek Zhmerek Zhesh" (2'33) y otras, atacan al oyente con breves ofensivas frenopaticas de intensidad bruta. Preparando tu psique para aguas más turbulentas del tipo "Entliczek-Pentliczek" (11'22). Ahí la cosa dadaista se pone "seria", y entrecomillo porque en éste grupo ésa palabra intuyo que se usa poco. Son imprevisibles, y unos encantadores nerds del caos bien ordenado. Únicos en sus individualistas planteamientos extremos. Una rara especie de bichos en extinción,  a la que hay que cuidar con sumo mimo. Esenciales.


Temas
1.Comme Koktebel 00:00 
2.Sucre dans Rebelle     06:22
3.Madonna la Atomique  10:57
4.Vstupka  18:52
5.PUTCH  20:04
6.Hominoid Relictum   22:15
7.Vada Vadu     28:15
8.Vous Vide (Azan Muazzin)  29:33
9.Zhek Zhmerek Zhesh  31:56
10.Entliczek-Pentliczek      35:43


   JUICE OH YEAH 
  "Sila Vselennoy" (2013 / ADDICTED)


Éste es un dúo de San Petersburgo que también se las trae. Boris Shulman (fretless bass, voz) y Sviatoslav Lobanov (batería) describen los suyo como "garage - jazz"...Pero se me queda corto el término. A priori y con ésos medios, pudiera parecer algo limitado y escaso en sonido. Pero no es así. Son sombríos y cuasi -góticos,  melodicamente muy sobrados y originales. Con un bajo que igual sirve para un roto que para un descosido, que igual te hace labores de guitarra o incluso de teclado. "Kozha" (8'39) es doom galáctico y extraño. Como unos Black Sabbath alternativos, vagando por otra dimensión. 

"Spat" (6'33) usa tonos graves como un audiogenerador de LaMonte Young, imaginando ambientes desolados o de inmensa soledad ancestral. Casi una melodía de raíz turca nos plantea "Krug" (5'43), como un nuevo renacimiento partiendo de cero, de la esencia psicodélica. 

El "doom de monasterio" de Juice Oh Yeah no tiene comparación posible con nadie de éste planeta. "Kozha Slona" (6'10) es blues de cementerio, que hace sonar a Pentagram o Candlemass como si fueran Abba. Y la final "Poslednaya" (4'42) suena como hacer sludge con el motor de una Harley Davidson. Sin embargo, dominan el territorio melódico y se hacen extrañamente fascinantes al oyente. Al menos conmigo ha funcionado. Un 9.



Temas
1.Kozha 00:00 
2.Spat'  08:43
3.Krug  15:12
4.Kozha Slona  20:55
5.Poslednaya  27:05
6.SV -amphetamine mix   31:50


  DISEN GAGE
     "Nature" (2018 / ADDICTED)


Con el bello texto alucinado que contiene éste cd, ya sabes que te enfrentas a una extraña fauna. Konstantin Mochalov y Anton Efimov.......Y todos los ruidos del universo. "Nature" se plantea como una grandiosa sinfonía en tres movimientos : "Planets" (16'25), "Trains" (15'25) y "Animals"(16'42). Se han aprovechado sonidos "de campo" de su entorno o de archivos, moldeandolos como dioses con barro, y creando un disco que no es de éste mundo. Particularmente me resulta de lo más inquietante-fascinante que he oído en mucho tiempo, el tema "Trains". Y cómo con sonido de frenados en los raíles, se puede crear algo tan increíblemente fantástico. Difícil se lo han puesto a inteligencias extraterrestres en cuanto a composición. Lo suyo es una amalgama elaborada de música concreta, cosmic kraut y RIO "planante", siendo amable con el lector, e intentando buscar una definición aproximada a éstas "estatuas sonoras" de Disen Gage. Nada que ver con el álbum que comentamos de ellos en una anterior entrega. "Nature" se acerca a la música contemporánea  y seguro que sería del agrado de Stockhausen, Ligeti, Xenakis, Schaffer, Cage, Varese o Boulez. Arquitectura sónica construída en la intangible solidez del sentimiento humano.
J.J. IGLESIAS


Temas
00:00 1. Planets 16-25 16:25 2. Trains 15-25 31:50 3. Animals 16-42








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ALRUNE ROD ‎– Ragnarock Live (1974)

El éxito comercial de la película sobre el festival de Woodstock hizo pensar a unos cerebritos escandinavos que podrían emularlo y con ello ganar dinerito. Se pusieron manos a la obra y crearon el festival de Ragnarock en Oslo, Noruega. Su primera edición en 1973, congregó a unas 30.000 personas y fue filmado para su posterior presentación. Al año siguiente se volvió a celebrar con la participación de grupos de Noruega, Dinamarca (Alrune Rod), Suecia y Reino Unido (The Sensational Alex Harvey Band y Procol Harum). También estaba previsto la actuación de Hawkwind pero al final no se presentaron.


Alrune Rod se formó en 1968 teniendo en sus filas a Leif Roden (voz, bajo, guitarra), Flemming Giese Rasmussen (guitarra),Kurt "Pastor" Ziegler Simonsen (teclados) y Claus From (batería). En 1969 editan su primer disco "Alrunes Rod" y posteriormente completarían su discografia con cuatro producciones en estudio: "Hej du" (1970), "Alrune Rock" (1971), "Spredt for vinden" (1972) y "4-vejs" (1974). En 1975  se disolvería la formación.


La grabación corresponde a la actuación de Alrune Rod en el festival de Ragnarock en Oslo en 1974. Esta banda fue considerada como pionera dentro de la psicodelia danesa y aunque en el momento de la celebración del evento ya estaban en franca decadencia todavía conservaban parte de su encanto. El grupo se caracterizaba por alargar sus composiciones en directo pero debido a que su tiempo de actuación se limitaba a 45 tuvieron que readaptarse. El "setlist" da un repaso casi completo a su discografia. Toques hard con guitarra psicodélica y con un gran saxofonista.  La banda   estaba formada en este show por  Leif Roden (voz, bajo) único miembro fundador, Karsten Høst (batería), Ole Poulsen (guitarra), Mikael Miller (guitarra, voz) y  Jesper Nehammer (saxo, flauta).
J.C.Miñana



 Temas
1 Om At 0:00
2 Ringene I Sandet 8:48
3 Flyv Fugl Fisk 15:57
4 De Vises Sten 23:54
5 Rock Søster 28:30




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