Seguidores

SUSCRIPCIÓN A ROCKLIQUIAS

SI QUIERES RECIBIR LAS NOVEDADES DE ROCKLIQUIAS POR EMAIL. SUSCRIBETE :

Delivered by FeedBurner

Aviso Importante
Por problemas técnicos algunos vídeos no están operativos. Con la mayor brevedad serán repuestos. Gracias por vuestra paciencia



IZZ ‎– Don't Panic (2019)

Bueno terminamos con su último y reciente trabajo titulado: “No se Asuste”. No entramos en pánico, aunque estos días por aquí hayamos tenido ira y fuego en crema catalana, exhumación de la momia, personajes salidos de alcantarillas de la hispanidad patriota e inminentes elecciones para que la milenaria y surrealista historia de España siga dándonos alegrías y antologías del humor. Un kit completo para que vengáis a hacer turismo que os lo vais a pasar de puta madre.


Bueno por primera vez tan solo 5 temas. Tres de los cuales se reparten en 18 y nueve mtos. Probablemente sea el más prog sinfónico de toda su discografía con la banda al completo. Sus dos cantantes femeninas. Los Galgano, el guitarrista Bremner y los baterías Coralian y DeMiceli. La primera pieza homónima puede sonar algo AOR con vistas comerciales sin duda, pero en cuanto entran en asunto los vericuetos instrumentales a lo ELP-Yes-Genesis nos reconcilian a todos en su visión moderna del viejo prog. Rítmica cambiante, cortes complejos, teclados de lujo y guitarra lujuriosa. “42” es el esquemático título de 18 mtos impagables y estupendos. No hay que tener miedo a hacer temas largos cuando vas sobrado de técnica musical. Como siempre las voces alternantes masculina-femeninas son una delicia y mantienen al oyente entretenido todo el rato, sin que la escucha se convierta en un ataque de gota hiperuricémica ni un cólico nefrítico dreamteatrero. Definitivamente después de la escucha el paciente evoluciona favorablemente para meterse en la siguiente terapia musical. La banda ha creado una pieza musical con un desarrollo lógico sin ocurrencias ni pegotes de estilos bastardos como en otros discos. No hay atascos repentinos como sucede en otras ocasiones. Fluye el rio sin problemas con su cauce limpio y sin basura en el fondo y decir esto en una composición musical es decirlo todo. Los que sois músicos me entendéis perfectamente. La euforia final de esta composición refleja que han estado felices de hacer esto. 


Después del aburrido pero breve reposo acústico de “Six Strings Theory” llegamos al “Momento de Inercia” que empieza muy pausado pianísticamente y con sinfonismos a lo Enid para decirnos que no nos fiemos demasiado que las enfermedades crimsonianas de la biblia negra están al acecho. Empezamos con las mezclas antinatura propias del progresivo moderno y parecen ahora unos Anglagard poseídos por Fripp y sus huestes sépticas de sarpullido y escozor por infección metastásica. El espectro de Keith Emerson aparece de mitad hacia delante con un sinte contaminado y radiactivo hasta el prurito anal. Cremita íntima y alivio. Termina la cosa de manera épica y agradable volviendo en parte al principio activo de la Enid. Muy buena pieza. 


“La edad de las estrellas” tiene toques psych al principio y bonita base tintineante con voces tiernas y soñadora melodía. Una pieza de sentimiento positivo que se va desarrollando de manera grácil y agradable con una enorme claridad de los instrumentos en una medida próxima a la fusión jazzística y a la descuadratura de tempo. Bonito efecto melódico rítmico y otra pieza genial que fluye sin forzar y con naturalidad. No sé si es su mejor disco. 43 mtos, una duración que yo aconsejo para un álbum (yo nunca lo cumplo por eso) porque irnos a los 80 mtos en un solo CD es muy pesado y casi nadie escucha más allá de la duración estándar a la que los LP´s nos acostumbraron en su día al menos a los veteranos. Teniendo en cuenta que es el último hasta la fecha, la cosa promete porque es una banda en alza.
Alberto Torró











Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

TELEPATH - Mental Mutations (2019 / APOLLON)

Que el renacimiento progresivo surgido en los 90 fue en gran parte motivado por las bandas escandinavas, es un hecho que así deberá marcar la historia......mientras no la escriban los ingleses. Anglagard, Anekdoten, Landberk, Fruitcake, Pär Lindh Project, Isildours Bane, The Flower Kings, Twin Age, Unicorn, Galleon, Thule, Tangle Edge, Lynne, Smell of Incense, The Third & The Mortal o White Willow fueron algunos de los que formaron la base donde se aposenta lo que hoy tenemos : Una incesante cantera de bandas que no para de sorprendernos. Y con dos claros líderes a nivel internacional,  como son Opeth y Ghost.


 Precisamente del líder de White Willow, (o The Opium Cartel, aunque esto ya es más reciente), Jacob Holm-Lupo, nos llega éste nuevo proyecto suyo. Que en un principio hizo sin ánimo de ser publicado, como divertimento dentro de su propio estudio. Como una recreación u homenaje a las pelis de terror o suspense de los 70, con elementos de hard rock de ésa década. ....aunque en realidad,  se le ha ido la mano más hacia el metal 80s. En general, los efluvios de John Carpenter, Goblin, Fabio Frizzi, Celeste o Museo Rosenbach, vienen condimentados con vibraciones decibélicas ochenteras. Como en su día hicieran los también norteños Morte Macabre (o Landoten), con aquella obra maestra titulada "Symphonic Holocaust" (1998). 

A 20 años de aquello, Telepath, el proyecto no planificado de Jacob Holm-Lupo, viene a conectar de nuevo con ello (o con los más recientes Anima Morte), si bien éste agrega sólidos  elementos rockeros de su gusto. Reunido con sus guitarras, sintes, drum machines, secuenciadores, samples & loops y programación. Y con la ayuda de Pedro La Rocque a la guitarra y Lars Fredrik Froislie con su ingente colección de teclados "de verdad", (White Willow, Wobbler). 

"Mental Mutations" (tanto el título como la portada parecen sacados de los "X Men"), se abre con "Mourner's Hill", tema corto (algo general en todo el álbum,  salvo dos extendidas excepciones), de considerable dramatismo cinematográfico y dominio mellotrónico al uso. Aquí sería Fabio Frizzi la clara influencia para una pieza que convence en su objetivo 70s. "To  The Grave" incluye "batería" que si no se dice, pasaría por real. Lo que han avanzado los sampleados rítmicos. ....por fortuna para nosotros. Cuántos buenos discos han sido arruinados por éste importante detalle! Tiene un sabor metal 80s que no le resta protagonismo al concepto. De nuevo es instrumental  (como el 95% del álbum). Las rítmicas pesadas mezcladas con sintetizadores continúan en "Tormentor of the Young", que es como si Iron Maiden tuvieran un encargo instrumental para un blockbuster VHS de los 80. En "Tyrellion" se diría que Claudio Simonetti se ha apuntado a la juerga nostálgica de Telepath. Rubricando que los sintes viejunos son los reyes para éste tipo de músicas fotográficas, de orientación espeluznante. Una de las largas, "No More Wishes" (7'10) incluye voz pasada por filtros, (imagino que la de Lupo), en un decorado sonoro de macabro ambiente. Que mezcla a Alice Cooper, Black Sabbath, Rick Wakeman y Keith Emerson. Una de las claras ganadoras del disco, y en mi opinión,  es por donde debería encauzar Telepath su estilo, si es que no se queda en una huérfana  anécdota bien hecha. "Race Into The Wasteland" vuelve a añadir riffs metal a la electrónica vintage, sumándose al revival new-synth de Carpenter Brut, Perturbator o Lazerhawk.


Otra que cumple su cometido tétrico es "Escape From the Witch House", de inteligente y original construcción,  sin olvidar arreglos orientados al metal 80s muy bien ajustados a la temática. "The Dark Blood of Fate" (7'28) es la segunda incursión extensa de Telepath. Ése formato temporal es el adecuado para lo que quiere transmitir Jacob Holm-Lupo. La breve final "Lullaby For Deep Waters" confirma que el objetivo ha sido cumplido de manera notable.

 Sin llegar a la obra maestra que supuso el único álbum de Morte Macabre, (tampoco va en ésa dirección plenamente), es una excelente recreación, - con algunas licencias -, que se escucha con interés y sin perder la atención. Ahora que viene Halloween, puede decorar tu party divinamente.
J.J.IGLESIAS 










Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

FROM ‎– Power On! (1972)

From fue una banda del sur de Alemania de la década de los 70 que para el resto del mundo pasó totalmente desapercibida. Excelentes músicos que nos dejaron como legado dos discos. Hoy analizaremos su segundo trabajo "Power On!


No se tienen muchos datos sobre este grupo pero todo parece indicar que se formaron en 1970 teniendo en sus filas a Kurt Bong (batería), Dieter Von Goetze (bajo), reputado bajista que llegó a tocar junto a Dizzy Gillespie, Klaus Göbel (teclados) y Gustl Mayr (saxo). En el 13º Festival de Jazz de Frankfurt causan sensación. Su primer disco llega en 1971 "0611 Cat Quarter" y el segundo llegaría al año siguiente "Power On!


Este segundo disco de los alemanes FROM es una joya perdida o lo que es lo mismo una Rockliquia. La grabación contiene tan sólo tres temas, prácticamente instrumentales, que se mueven por la senda del jazz rock aunque sinceramente pienso que están más cercanos al primero que al segundo. El primer tema, "Festival Rock / Use The Bridge", ocupa toda la primera cara y ya podemos darnos cuenta del virtuosismo de los músicos de esta banda. Por una parte tenemos a un saxofonista, Gustl Mayr, que sigue fielmente los parámetros marcados por Miles Davis. En las teclas tenemos a Klaus Göbel, una mezcla entre Joe Zawinul-Brian Auger- Keith Emerson, su uso del piano eléctrico y del Hammond es espectacular. Al bajo, Dieter Von Goetze, con una líneas rítmicas que van más allá de un mero acompañamiento. Por último tenemos al batería Kurt Bong, con una forma de percusionar muy cercana al jazz extrayendo nuevas sonoridades con sus baquetas. En el segundo tema "Catalyst" podemos escuchar las percusiones latinas-africanas del invitado Viktor F. Belgrove. Atentos a la parte final de este tema. Sublime. El disco finaliza con "Fog In Rossert " que incluso nos puede sonar a los primeros Colosseum pero mucho más jazz.
J.C.Miñana


Temas
Festival Rock / Use The Bridge 0:00 
Catalyst 17:18   
Fog In Rossert 26:34  





Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

THE UTOPIA STRONG - The Utopía Strong (2019 / ROCKET)

Un curioso trío británico se ha puesto manos a la obra para revitalizar el panorama new-kraut mundial. Entre ellos, un "no-músico", como solía decir Brian Eno, pero que a veces pueden ser una baza fundamental por su perspectiva "desde afuera" del meollo musical. Me estoy refiriendo a Steve Davis, seis veces campeón del mundo de Snooker (modalidad de billar), dj y ocasional colaborador de la revista Prog. Parece que al buen hombre le dió por comprarse un sintetizador modular, y arrancarse por su loca pasión hacia la loca apasionada música.


Para ello en 2017 se monta unas jams con dos experimentados músicos de la actual vanguardia, Mike York (Coil,  Guapo) a los sintes, y el sensacional Kavus Torabi (Gong, Cardiacs, Knifeworld, Guapo) a las guitarras y devices varios. El resultado es positivamente sorprendente y revelador. Con el modular de Davis usando sonidos analógicos como bolas en complejas estrategias de carambola. No podía fallar. Y menos con guardaespaldas tan solventes para cubrir y llenar cualquier hueco que quedara al descubierto. De los 200 minutos grabados, se eligieron 40. Se incorporaron overdubs de harmonium, gaitas, vientos y percusiones, y el resultado es música instrumental de vanguardia con bases rock, kraut, minimal, ambient y psych, muy psych. Eso es lo que nos interesa. Salvo dos excepciones, los temas no pasan de los 4 - 5 mts, pero poseen la suficiente densidad para abstraerte descifrando sus proposiciones sonoras.

En la inicial "Emerald Tablet" por ejemplo, Kavus Torabi recuerda a maestros como Pinhas o Fripp, en un magnético mejunje de sonidos que convencen al instante. Dicen que para "Konta Chorus" se inspiraron en el ritmo del plato en el "Metal Gods" de Judas Priest! Lo que está claro es que el resultado es muy distinto. Totalmente cinemático y descriptivo, como una fantasía casual de Can mezclada con algún "elemento incontrolado" de la factoría Brain. Ambient de diseño, con sonidos más actuales nos presenta "Swimmer", sin perder el lado ultra-onírico de su vocabulario, como en "Unquiet Boundary" o "Pickman's Model". Donde la improvisación melódica casi es otro instrumento más en la propuesta de la casa. Y posiblemente es el mayor fuerte de The Utopía Strong.



"Transition to the Afterlife" casi se acerca a los seis minutos de dimensión desconocida, con cierto añejo y delicioso sabor a Ash Ra Tempel que le sienta estupendamente. En pugna con frippertronics de nueva generación,  presentando a un alumnado aventajado en las teorías,  enseñanzas y filosofías del gurú Fripp.



La más extensa del álbum,  "Brainsurgeons 3" (10'45) lleva el hipnótico minimalismo de un bajo a la Holger Czucay, que se presta para lo que ellos llaman "una posible mezcla para pistas de baile, puesta al lado de otras piezas de ése estilo, a ver qué pasa".....como una curiosidad experimental dentro de sus intenciones. La verdad es que claramente suena a Can. Y cualquier material de los inmortales teutones se presta para la pista, con un mínimo tratamiento de mezclaje. Es posible que en ésta pieza esté el sustrato y alma del futuro musical de The Utopía Strong. No está muy lejos de una "vanguardia dance" a poco que se lo propongan. Orgánica y de banda, nada de artificialismos fraudulentos de un tipo con un portátil y un usb, habiendo previamente grabado todo "su concierto". Aquí los extremos se tocan con seriedad y honestidad creativa. Y ahora mismo recuerdo ésa rotura de moldes que supuso "E2E4", de Manuel Gottsching.



"Do You Believe in Two Gods" (quizá un título que tenga que ver con lo comentado!), es pura reiteración evolutiva tan necesaria en un "producto" kraut de primer nivel. Y éste,  señores, lo es. Finaliza éste sorpresivo debut con "Moonchild" (8'32), con overdubs de gaitas tratadas y susurrantes voces fantasmagóricas femeninas. Adentran la espesura textural de una irreal pieza, que está más cerca de una psicofonia de Saturno, que de tres amigos disfrutando de un buen momento en cómplice camaradería musical. Ya anuncian segundo álbum, así que la cosa parece que va en serio. Son muy capaces de "jugar a tres y cuatro bandas", sin problema alguno.
J.J. IGLESIAS










Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en








que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

Jerry Garcia, Harvey Mandel and Friends - Live at the Matrix 1968

Si juntamos a dos genios como Harvey Mandel y Jerry Garcia el resultado es realmente  alucinante, o mejor dicho , alucinógeno. Su capacidad de improvisación era infinita como se demuestra en esta grabación de hace más de cincuenta años.



 1968 fue un año con más de ochenta actuaciones para los Grateful Dead. Por ello deciden tomarse un respiro en octubre y entrar en el estudio de grabación. Jerry Garcia era un músico muy inquieto que no podía vivir un solo día sin subirse al escenario por eso organiza una serie de conciertos con algunos amigos en el Matrix de San Francisco .  Entre los músicos invitados tenemos a Jack Casady, Elvin Bishop, Harvey Mandel, Steve Miler entre otros muchos.



La grabación corresponde a la actuación de Jerry Garcia and Friends en el Matrix de San Francisco el 24 de diciembre de 1968. En cuanto a la formación lo único seguro es que estaban presentes Jerry García (guitarra), Harvey Mandel (guitarra), Elvin Bishop (guitarra). Se especula con la presencia de Steve Miller (teclados) que sería el cantante en "Feel It", " 3 O'Clock in the Morning" y "Mojo Worker". En el puesto de bajista tenemos dos posibles nombres: Jack Casady o George Chambers. Y en la batería: Mickey Hart o Spencer Dryden. Una noche llena de buenas improvisaciones como demuestran en la "jam" que se marcan de 36 minutos y en "Mojo Worker". Buen sonido en general. Años más tarde la grabación fue publicada en una caja recopilatoria sobre Harvey Mandel, "Snake Box".
J.C.Miñana



Temas
1.Jam 0:00 
2. Feel it 36:15
3. 3 O'Clock in the Morning 41:15
4. Mojo Worker 52:25




Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      





que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

TRICERATOPS - Triceratops (1999 / GREYHEAD) (Rockliquias Bandas Classic)

Los años 90 traen un continuo movimiento de bandas por A Coruña : High Time, Eskizos, Mandragoras, Elephant Band.....o los añorados Kozmic Muffin. Como consecuencia de éstos últimos,  hay que agregar a Triceratops. Trío formado en 1997 con los ex- Kozmic Muffin, Julio Gonzalez (guitarra, voz solista) y Javier Vaamonde (bajo). Y el ex-Mandragoras, David Leandro (batería). Graban una maqueta para darse a conocer, que llega a manos de Greyhead Records, sello valenciano de excelente gusto (habían descubierto a Schwarz), que les edita su impresionante debut de 1999. Cosechan inmejorables críticas  (recuerdo la mía para Atropos), y la respuesta favorable del público. Además de un memorable concierto en la final del Villa de Bilbao.


El disco de hoy fue uno de esos grandes álbumes hispanos de final de siglo. Con una propuesta que nos llevaba a la ácida California de finales 60. "Nightmare" conjuga eléctricas con acústicas , en férrea armadura rock, de bonitas melodías vocales, que recuerdan a Quicksilver Messenger Service de lleno. "Oh My Sheep!" añade a lo dicho una buena dosis power pop con adictivas vocales que los pone casi a nivel de Moby Grape. El trabajo de la guitarra es hiperactivo, bien sustentado por una rítmica imparable. Seguimos por el soleado San Francisco con "I Can't Trust In Her", ahora con un innegable sabor Laurel Canyon,  de bonitos juegos vocales y hippie feel que rememora a clásicos como CSNY, América o Souther, Hillman, Furay Band. "All the Things" me suena más british, entre unos Who,  Kinks, Small Faces, Pretty Things y Spooky Tooth. Pura energía swinging London psych / prog.....y hasta proto - hard. 

En "Actual Hero" tenemos otra de ésas canciones redondas que se sacan de la chistera con naturalidad pasmosa. Como si Big Star entrara  en jam con SRC y Fat,  en un sueño húmedo jipioso. Más eléctricos si cabe se nos ponen en "I Go Drunk", con instrumentación a la Hot Tuna / Man, de fluida agilidad y constante desarrollo, con aflamencado sólo y endiabladas percusiones del invitado Abelino Fernandez,  que remiten al "Sufficient Breathless" de Captain Beyond. Para mí una de las destacables, en una obra muy homogénea, donde es difícil elegir un corte por encima del resto. "Now" trae más power-psych-rock con cierta reminiscencia a Black Crowes (estaban pegando por entonces). Sin olvidar la eterna herencia de John Cipollina y sus mensajeros psicotrópicos,  que en la segunda parte del tema toman pleno dominio de la situación en una orgía eléctrica de kaleidoscópico efecto retro, perfectamente conseguido. 

Con una intro donde de nuevo las percusiones invitadas toman protagonismo, "Hidding Place" ( 6'18) pesa en ambientación lisérgica, y se afianza bien en un estilo que conocen y dominan con comodidad. Tanto que si la voz fuera femenina, esto sería puro Jefferson Airplane. Pero como las guitarras se endurecen, también tendría bastante de unos Jefferson Starship. Además es la más extensa del lote, con lo que ofrece el mayor abanico cromático del álbum. El broche final con "Music Box", es a base de ensoñación acústica acompañada de glockenspiel, una fantasía élfica de bosque encantado, digna de T. Rex, Pentangle, Fotheringay o Led Zeppelin, un pequeño viaje entre esencias a patchouli y marihuana. Delicada forma de despedirse, para un disco absolutamente perfecto dentro de sus planteamientos retro-hippies, (....y del que me siento orgulloso de aparecer en sus agradecimientos, algo que había olvidado después de 20 años!).


En un paréntesis que durará unos cuantos años, Triceratops reaparecen en 2003 con "Feelin ' Fine", con cambio de compañía pero inalterable en su formación. De todas formas, ya es "otra banda" que ha cambiado hacia un pop rock actual, de indudable calidad, pero nulo interés para mis gustos. Por el camino han perdido personalidad, a favor de una comercialidad que les da sus frutos : Estrella Galicia elegirá su tema-título para uno de sus spots. E incluyen una versión del "Me And the Farmer" de The Housemartins que dice mucho sobre sus actuales tendencias. Habrá cambios de personal y posterior separación.  De sus cenizas sale Meu, power-punk es ahora su nueva propuesta......Demasiado picoteo estilístico. Cuando su "hábitat" natural fue, claramente, el homónimo "Triceratops". No lo arregles si no está roto.
J.J. IGLESIAS

Nota: imposible encontrar material sonoro en ninguna de las plataformas habituales. Recomendamos entrar en el blog dedicado a la música gallega http://galizaenmusica.blogspot.com

P.D: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                    
que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

AVIVA OMNIBUS - Peer Gynt in Favour (2010)

Edvard Grieg fue el compositor romántico más famoso de Noruega. Su obra más conocida fue la música incidental para Peer Gynt y al igual que su colega finlandés Sibelius adaptó la temática folk y las sagas de sus países de origen a la mayoría de sus obras y poemas sinfónicos. 


Que el rock progresivo haya tendido puentes con la música clásica es algo de agradecer porque gracias a ello una parte de las nuevas generaciones ha tenido la oportunidad de entrar y apreciar la Gran Música como yo siempre la he definido. En ello hubo naturalmente mayor o menor fortuna. Por un lado, se hacían adaptaciones rimbombantes más o menos respetuosas, por otro, fatuas horteradas pachangueras sin pudor, pero también algunas veces esa influencia clásica servía de puente para composiciones absolutamente originales dándole una orientación distinta. Ha habido de todo. Las bandas famosas de rock sinfónico utilizaban muchas veces breves fragmentos clásicos como apertura de sus conciertos en vivo. Pero el rock y lo clásico no siempre se llevan bien. Dicho esto “plastificar” un sonido orgánico clásico con teclados electrónicos nos hace gracia como ocurrencia, pero no es lo correcto. El japonés Isao Tomita y sus célebres adaptaciones clásicas, que las tengo todas dicho de paso, entretiene, es divertido a veces, pero deviene como superficial y aséptico. Uno puede crear una sinfonía hoy en día con un ordenador por supuesto algo que para mí no tiene el más mínimo valor, porque seamos serios en esto, no es lo mismo estudiar 8 duros años de piano y armonía que aprenderte unos acordes y unas escalas y hacer truquitos con un secuenciador. Reconozco que es divertido pero nada más. Entiendo también que, si no se conocen las composiciones originales, la tecnología es una forma más fácil y accesible de entretener, pero los teclados electrónicos por muy fantasiosos que sean sus sonidos, no están a la altura de una gran orquesta sinfónica. 


En el caso de Aviva el teclista Dmitri Loukianenko es ahora el único instrumentista. Es decir, nos encontramos con una obra de música electrónica y con una adaptación clásica caprichosa. Para los “puristas” clásicos naturalmente es una aberración. Pero también lo fueron los Cuadros de una Exposición en manos de ELP por mucho que a mí me guste. Si alguien ha escuchado la orquestación que hizo Maurice Ravel de la obra original de Mussorgsky notará la enorme diferencia. Si te gusta Peer Gynt u otras obras del maestro Grieg esto te sonará muy friky y nada respetuoso y conste que nos encontramos con un teclista académico y bueno. 

La preciosa mañana con la que se inicia la obra original suena como un desajuste intestinal de algún marciano perdido. Por momentos aparece algún brillo fantasioso y ensoñador a lo escuela berlinesca matizada a lo Terry Riley. Un capricho lo dicho. “Ingrid” utiliza ingredientes de grabación académica con frialdades ambient. “ El rey de la montaña” del que ya hizo apaños el Rick Wakeman suena entre un cruce tecno y un atasco en el wc de tu casa. Las disonancias adrede pueden ser muy snob pero no ayudan. La hermosa canción de Solveig parece aquí una avería en una central térmica y como la radiación te va volviendo verde.


 La danza de Anitra era otra deliciosa y juguetona pieza en su versión original pero aquí no se lo que estoy escuchando y supongo que hay una pretendida línea intelectual cibernética que destroza por completo cualquier atisbo de romanticismo. Soy consciente de que este disco va a gustar a los amantes de la electrónica y de los sonidos de laboratorio. Sin ninguna duda. Pero para alguien que respeta a los compositores clásicos como yo es un completo desastre. Vosotros mismos.
Alberto Torró





Temas
1 Peer Gynt's Morning 5:38
2 Ingrid 3:49
3 Mountain King And His Daughter 4:49
4 Solveig 4:03
5 Long Arabian Way 5:08
6 Anitra 5:02
7 Ese 7:47
8 Skalds' Hymn 1:54
9 In Favour 5:17




Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

IZZ ‎– Everlasting Instant (2015)

Conforme pasa el tiempo escribir sobre música no es una temática de la cual se puedan decir cosas nuevas o sorprendentes. En realidad, muchas de nuestras largas parrafadas solo sirven para al final decir que esto o aquello es bueno malo o regular.


 El riesgo de repetirte en cada artículo cuando llevas varias décadas utilizando una parecida terminología es muy alto. En realidad, en lo que a mí respecta cada crítica o comentario me lo planteo como una redacción que debe tener cierta variedad de argumentación y no terminar siendo como el hombre del tiempo en la TV. Pero generalmente se tira por lo esquemático. Es lo más fácil y rápido y casi siempre la mayoría de reseñas discográficas si os dais cuenta tienden a ser generalidades y tópicos previsibles. Por otra parte, la literatura musical de antaño siempre que naturalmente escribieses de música con cierta calidad y no en revistas pop o rock barato, el nivel era como más vehemente y más centrado. 

En los setentas el rock progresivo se estaba inventando sobre la marcha. La música que escuchabas era ciertamente nueva y cada grupo tenía una personalidad propia. Un rasgo definitorio. Eso para un comentarista musical era un campo infinito donde utilizar literatura sin límites. Hoy no. No existe esa originalidad y el desafío para un comentarista musical de esa época de expresar en palabras sonidos desconocidos y estilos nuevos que era toda una fascinación y también una trampa para meter la pata hasta el fondo o decir cursiladas y anacronismos. Pero tenía su gracia. Hoy tenemos mucha información y un archivo enorme de referencias. También es cierto que no me lo tomo tan es serio como solía hacerlo. El entusiasmo no es el mismo. Hoy la música es una mezcla química de ingredientes dispares. En tiempos el vino se hacía tradicionalmente con una sola uva, envejecía y conseguía su denominación de origen. Hoy el vino es un producto híbrido de laboratorio que además de caro ya no sabe a vino. Os digo esto porque casi toda la música que hoy se hace es un proceso similar. También se dijo en su momento que el rock progresivo era un producto de laboratorio con la sutil diferencia de que los ingredientes eran de calidad.

 El término “crossover” o “eclectic” han invadido el estilo hoy día y como es lo que hay debemos ceñirnos a ello o en caso contrario dedicarnos exclusivamente a las bandas de hace 40 o 50 años. Sin esperar nada nuevo bajo el sol hay ciertas bandas que pueden alegrarnos el día e IZZ es una de ellas. La peculiaridad de su estilo cambiante se vuelve a hacer presente en este nuevo disco que sigue manteniendo el nivel de calidad alto. Podrán gustarte más o menos las bandas modernas, pero si tengo que decir algo bueno de ellas, al menos de las más interesantes, te diré que mantienen en su discografía cierta constancia en hacer bien las cosas y no bajar el nivel de un disco a otro. No fue así en el pasado. Se hicieron obras antológicas que perdurarán en el tiempo, pero esos mismos crearon también mierdas históricas impresentables. Claro que a un fan ciego de un grupo en concreto no se le puede decir esto. David Gilmour llegó a decir en una ocasión. “da igual si hacemos buena o mala música, lo aplauden todo” 


Este “Eterno Instantáneo” de 2015 cierra la trilogía iniciada en 2009. Puedes interpretarlo que podría editarse como caja en triple CD junto con “El atropello de la noche” y “La habitación oscura”. Musicalmente los tres trabajos están al mismo nivel. Si hacemos un balance general este último me resulta más melódico y pausado que los anteriores. Las voces como siempre son fantásticas y las melodías enganchan fácilmente. Instrumentalmente perfectos.
Alberto Torró


 







Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

STEW - People (2019 / RIPPLE)

Adelantamos en ésta ocasión la máquina del tiempo hasta el presente, para presentar a un joven power trío que viene de Lindesberg, Suecia. Como no, la nueva tierra prometida del rock'n'roll, que está salvando de la abulia y el aburrimiento al resto del planeta. 


Stew lo componen Markus Asland (voz solista y bajo), Nicklas Dahlgren (batería) y Nicklas Jansson (guitarras). En 2018 presentan su EP "Hot", y es ahora con "People", cuando lo hacen en un larga duración. Nada de paja ni relleno en éste redondo,  todo aprovechable. Gustan en su estilo de un muy melódico hard blues con pinceladas psych, que no se conforma con las típicas tonadas del blues al uso, abriendo el espectro hacia vertientes progresivas. Y eso me gusta. 

Una intro de espacial guitarra propia del "Electric Ladyland", nos mete en harina con "Right on Time", y advertimos que la voz de su bajista es tan apta como su técnica al bajo. Pesado hard rock bluesero de recuerdo para los primeros Black Crowes, aunque más concretamente,  los veo más centrados en la Inglaterra 70s de Groundhogs, May Blitz o Clear Blue Sky. Para empezar......TOCAN, y cómo. "People" sigue en ésa onda que han revitalizado en los últimos tiempos Zodiac, Siena Root, Three Seasons o Magnolia (y medio millón más).


En "Newborn" continúa la eterna esencia de los 70, convincentemente lograda, sobretodo en sus inesperados cambios y giros arreglisticos. Realmente progresivos, poderosos y muy emocionales. Aquella magnífica banda americana llamada Cry of Love me viene a la mente al escuchar "Endless Journey", e incluso Whitesnake (old times) en su cambio melódico.  Por ahí suena algo muy parecido a un órgano de fondo, que se suma a la riqueza de ideas que exhiben Stew. La guitarra es de estudiados solos y líneas melódicas con sentido. No se me va de la cabeza la banda de Coverdale en "Play the Fool", la antigua, basada en blues rock musculado y firme base soul. Sección de ritmo que da gusto seguir, y una solista que que gusta recordar al tío Stevie Ray en más de un guiño. "Goddess" recula a la psicodelia ácida británica de Steamhammer, Samuel Prody, Leaf Hound o Armageddon, en iguales tesituras de calidad instrumental / sentimental. Una auténtica gozada para los sentidos la que proponen éstos tres suecos. Que en vivo éste material tiene que irradiar fuego sagrado, no te quepa la menor duda. 

Más calmado es "Afraid of Getting Nowhere", bluesazo de subida testosterona, cantado con la convicción de los más grandes, - éste Markus Asland podría ganarse el sueldo con las cuerdas vocales, sin necesidad de las físicas-. Y con el refinamiento solista de Jansson reafirmando la tremenda valía de Stew. El soul se encarga de empapar "Sweet and True", con hard blues de contundente pegada, gracias a ésa máquina rítmica  que es Nicklas Dahlgren, y sus baquetas de plomo. Estamos ante un trío como los de antes, con tres imprescindibles elementos en juego.

Esencias hendrixianas se perciben en "Fruits", con progresiva resolución psicodélica,  que saben modelar con tradición de artesano pero aportando frescos planteamientos. Otro de los temas destacados,  y hay muchos aquí. Esto es enteodélico, cosmodélico y psicolítico  (relativo chamánico, que libera el espíritu).


Terminan la sesión con acústicas en el jardín del edén,  y la bella voz acariciando "Morning Again", como un outtake en Bron Y - Aur, que nos deja en paz y con ganas de más material de Stew. Increíble debut, a destacar en éste año que ya entra en su recta final.
J.J. IGLESIAS


Temas

1.Intro 00:32
2.Right On Time 03:08
3.People 03:38
4.Newborn 03:33
5.Endless Journey 03:43
6.Play The Fool 02:53
7.Goddess 04:55
8.Afraid Of Getting Nowhere 04:15
9.Sweet And True 03:29
10.Fruits 03:54
11.Morning Again 03:17







Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias

Peter Frampton Band ‎– All Blues (2019)

La figura de Peter Frampton me trae recuerdos de mi adolescencia cuando, con mi amigo J.J.Iglesias, íbamos todos los sábados a la tienda de discos. No siempre teníamos dinero para comprar algún disco pero  nos habíamos ganado la confianza de la dependienta para que nos dejará escuchar lo que queríamos. En una de esas visitas vi en el escaparate el "Frampton Comes Alive!", un doble cassette (todavía no tenía tocadiscos), que venía en un estuche. Uff el precio inalcanzable para mi en ese momento, unas quinientas pesetas ( no llega a cuatro euros). Rápida visita a mis abuelos, que tengo que decir que contribuyeron notablemente a mi formación musical. La suma de propinas dio el fruto deseado y por fin pude comprarlo y disfrutarlo.


Peter Frampton comenzó el pasado 18 de junio en Catoosa, Oklahoma, su gira de despedida "Farewell Tour" que finalizará el 12 de octubre en Concord, California. Hace algún tiempo el guitarrista había comunicado que padecía Miositis, una enfermedad autoinmune incurable que inflama y debilita los músculos y que a la larga le impedirán tocar la guitarra. 


Este último disco de Peter Frampton está dedicado a versiones de sus temas favoritos del blues. Con una banda integrada por Rob Arthur (teclista), Adam Lester (guitarra) y Dan Wojciechowski (batería), lo grabó en su propio estudio de Nashville coproducido por Chuck Ainlay. La grabación cuenta con colaboraciones estelares como Kim Wilson (Fabulous Thunderbirds) que canta y toca la armónica en  "I Just Want To Make Love To You" (Willie Dixon). También podemos escuchar la guitarra de Larry Carlton en "All Blues" (Miles Davis), Steve Morse en  "Going Down Slow" ( Louis Jimmy Oden) y el slide guitar de Sonny Landreth (Bluesbreakers) en  The Thrill Is Gone (Rick Darnell, Roy Hawkins) La labor del bajo se la reparten   David LaBruyere ( John Mayer) y Glenn Worf (The Snakes, Mark Knopfler). Sin duda una buena oportunidad de escuchar buenos blues en las manos de uno de los grandes. Especial atención a su versión del "Georgia On My Mind".
J.C.Miñana











Notasi te gusta el artículo compártelo (Facebook, Twitter, g+, etc) pulsando en
                                                                                      







que está al final del artículo, de esta forma contribuirás a la continuidad del blog. Gracias


Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...