Too Much - Too Much (1971)
¿Sabes cuando escuchas una banda por primera vez y te invade una sensación de ligereza, un estado de catarsis pura? Tu alma levita, parece que abandona tu cuerpo y te contempla, llegando a la conclusión de que no somos solo un fragmento de cuerpo orgánico, sino un complejo sistema de sentimientos intangibles a la vista, emociones que inyectan adrenalina y te dejan en puro éxtasis.
La música tiene esta capacidad: te oxigena, te da la mejor etapa de tu vida, te da placer, la droga psicotrópica que necesitamos para superar días turbulentos de tanta incertidumbre. ¿Por qué digo todo esto? Esta banda de la que voy a hablar, sobre la que me dará la difícil pero placentera tarea de escribir, me provoca una explosión de sentimientos, y la descubrí hace poco en una búsqueda aleatoria, o quizás no tan aleatoria, de bandas desconocidas u olvidadas.
Me cautivó tanto que en el último minuto del álbum, aún en un estado de letargo absoluto, desperté con la siguiente frase: «¡Necesito escribir una reseña sobre esta banda, sobre este álbum!». Repetía sin parar: «¡Maravilloso, genial, excelente!».
Y, tras recuperarme de esa avalancha sónica, aquí estoy, documentando mis emociones. La banda se llama TOO MUCH y son de Japón, otra banda japonesa de la que me he enamorado perdidamente. Según algunas fuentes de investigación que reuní para mi texto, leí que a Too Much se le llamaba frecuentemente el "Black Sabbath japonés", lo que parecía estar de moda gracias a lo que Sabbath hacía en aquel entonces, rompiendo paradigmas a principios de los 70, pero que, en este caso, no se parece en nada a la banda inglesa.
El único álbum de Too Much, homónimo y lanzado en 1971, es heavy, un potente hard rock con guitarras furiosas y una sección rítmica potente, pero ahí se queda. "Too Much" incluye generosos toques de blues, rock progresivo e incluso instrumentos de viento y orquesta; sí, violines y todo lo demás.
Un álbum extremadamente versátil que absorbió todo lo que se estaba haciendo en ese momento y que, por supuesto, se estaba construyendo, como el hard rock, el prog rock, etc. Pero antes de hablar del álbum, haré un breve repaso de la historia de Too Much.
La banda se formó en la ciudad de Kobe, a las afueras del puerto de la ciudad, donde los integrantes crecieron escuchando todo lo que producía Occidente en esa época, especialmente la psicodelia, muy popular en países como Estados Unidos e Inglaterra.
El guitarrista Junio Nakahara pasó los últimos años de la década de 1960 tocando blues en The Helpful Soul, una banda de Kioto formada en 1968 que lanzó dos álbumes. Sin embargo, la banda no tuvo mucho éxito y el público no mostró mucho interés, por lo que Nakahara decidió emprender un nuevo camino y abandonó la banda con la intención de crear un proyecto más rockero.
De ahí nació Too Much. La inspiración surgió cuando The Helpful Soul abrió el concierto de otra banda japonesa influyente, la entonces recién formada Blues Creation. Esta banda, durante la gira de su primer álbum (cuya reseña puedes leer aquí: Blues Creation - The Blues Creation (1969) ), tocaba en Kioto. Al ver todo esto, Nakahara se emocionó mucho y decidió crear su nueva banda.
La gira Blues Creation se llamó "Too Much", lo que inspiró el nombre de la banda de Junio Nakahara. Una vez formada, Nakahara invitó al cantante Juni Lush, cambió su nombre a Tsomu Ogawa y trajo consigo a sus compañeros de escuela Hideya Kobayashi en la batería y Masayuki Aoki en el bajo.
Con la banda lista y preparada, firmaron un contrato con Atlantic Records en 1970, y el álbum "Too Much" se lanzó al mundo un año después. Un auténtico himno proto-metal con toques de blues y rock progresivo.
El álbum abre con la imponente "Grease it Out", con un riff pesado, denso y sucio que recuerda al doom metal lento y oscuro. La base de la canción se basa en riffs de guitarra, lo que la convierte sin duda en heavy metal de vanguardia, con voces potentes y limpias.
“Love That Binds Me” es una maravilla bluesera; la guitarra se comunica, canta y llora al ritmo del virtuoso punteo de Nakahara y la voz más profunda de Juni. Un sonido con personalidad y dramatismo.
"Love is You" nos devuelve a las raíces del hard rock con riffs de guitarra sólidos y voces apagadas que cobran velocidad y agresividad a mitad de la canción, recordando al heavy metal de los 80. "Reminiscence" aporta un toque de melancolía al álbum: una balada hermosa y sombría con un solo de guitarra magnífico e inquietante. ¡Un viaje garantizado!
"I Shall Be Released" continúa la balada con un aire más country, destacando la hermosa y limpia voz de Juni Lusch y el solo de guitarra de Nakahara, tan hermoso que casi habla. "Gonna Take You" trae el hard rock de vuelta a la escena, una vez más con riffs que marcan el ritmo y le dan protagonismo, destacando la potente y enérgica batería de Aoki. ¡Un tema vibrante y conmovedor!
Y el final es simplemente apoteósico con "Song For My Lady (Now I Found)". El tema más progresivo del álbum, comienza con la flauta y un delicado punteo en la guitarra, con la orquesta y el violín de fondo y la voz de Juni sobre ella con tanta intensidad y dramatismo, que pone al oyente la piel de gallina de pies a cabeza. Y todo se vuelve más robusto, los instrumentos en perfecta simbiosis con la orquesta, los violines, todo conspira para que las emociones afloren. ¡Espectacular!
El estilo relajado y de inspiración afro de Juni Lusch llamó la atención de los ejecutivos de Atlantic Records, quienes vieron en el vocalista una fuente de ingresos y potencial de éxito. Esto los llevó, aunque indirectamente (o no), a separarlo de la banda, y los demás se convirtieron en meras sombras del cantante. Esto marcó el principio del fin para la banda, que cesó sus actividades poco después del lanzamiento de este magnífico álbum, sin duda uno de los mejores que he escuchado en los últimos años.
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