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El Tubo Elástico - El Tubo Elástico 2015 (Rockliquias Bandas)

Los orígenes de esta banda jerezana los encontramos en 1995 cuando Alejandro Zenon "el Buho" (bajo) tocaba en un grupo de blues junto a Carlos Cabrera (batería). Tras la disolución de la banda contactan con dos de sus amigos, Dani González (guitarra) y Vizen Ribas (guitarra), para comenzar un nuevo proyecto denominado Les Ainur. Dentro del seno de la formación había dos corriente musicales claramente diferenciadas. Por una parte Dani y Vizen eran fans de Hendrix, Led Zeppelin, Pink Floy e incluso Steve Vai y Satriani. En el otro lado estaban Alejandro y Alfonso que representaban la parte más progresiva con influencias de Camel, Yes, Genesis y por supuesto del rock andaluz tipo Imán Califato independiente o Cai.


Comienzan los ensayos con unos medios precarios haciendo versiones de sus bandas favoritas pero poco a poco van componiendo temas propios. Paralelamente  Carlos, Alejandro y Alfonso formaban un trío musical llamado "Hielo" que tuvo una escasa continuidad.

En 1988 llega su primera maqueta grabada  en Jerez de la Frontera teniendo a Angel Figueroa al mando del Estudio. La grabación contenía tres temas (Esencias, LVSDA y La papa araña) y se presentaron en el festival Barbarian Rock de 1998 junto a grupos de primera línea como Manowar o Napalm Death.


Su segunda maqueta ve la luz en 2000. Un solo tema, "La croqueta cannibal", dividido en tres partes grabado en la Factoría Dalton en San Fernando contando con la colaboración de Juanjo García a la flauta travesera.


Una tercera maqueta se graba en los estudios Laresort. Tres temas ( la alubia ácida, el marciano marihuano y la avispoteka) que nunca llegaron a editarse. Por cierto Alvaro Brady participa como técnico y voz solista..

Durante meses la formación está inmersa en un proyecto muy ambicioso. La realización de una versión de "La marcha de los enanitos" de Imán Califato Independiente. El resultado final se presenta ante el batería de Imán, Kiko Guerrero, en el escenario del Camping Camaleón.


La última maqueta llega en 2004 con cuatro temas (Couldnt Bear, Elastica, Gas trutonio y El enjambre)  grabada en los estudios Laresort con Alvaro Brady.  En ese momento llega el primer parón del grupo debido a temas laborales y de estudios.


Pasados dos años Dani y Vizen regresan de UK y la banda retoma su actividad realizando algunos conciertos destacando su participación en el Festival Músicas Avanzadas en Jerez de la Frontera junto a Imán Califato Independiente. Tras su actuación el grupo vuelve al letargo durante algún tiempo.





Por fin en el verano de 2012 deciden volver al panorama musical con un cambio en sus filas. Alfonso Romero, un viejo amigo de la formación, sustituye al bajo a Alejandro Zenon. Durante varios años realizan  actuaciones por toda España hasta que se deciden a grabar su primer disco. El proceso se realiza en los estudios 33 de MúsicaWorshop y ve la luz el uno de Febrero de 2015. Su trabajo lo presentan en festivales como el Monkey Week, el Totum Revolutum de Barcelona y el clásico del progresivo 2Days Prog + 1 de Veruno, Italia.





Este primer disco de El Tubo Elástico nos presenta un trabajo maduro y cuidado en todos sus aspectos. Desde su bonita portada diseñada por Alex Lorenzo, pasando por la producción de Alfonso Romero hasta llegar al excelente material sonoro. Seis temas instrumentales que nos van cautivando y atrapando en la red tejida por sus guitarras. Sus sonoridades pueden ser definidas por los críticos actuales como un "post rock". La verdad yo no se que leches es eso. Soy más clásico y me suenan mas cercanos a los entramados sonoros creados por Frip y Belew en King Crimson.


La grabación se inicia con uno de los temas que más me gustan, "Pandora". Capas sonoras de guitarras que fluyen sin apenas darnos cuenta. Otra referencia que me viene a la cabeza sería la banda de Chicago, Russian Circles, aunque algo más light e incluso si me apuras podrían sonarme a The Re-Stoned quitando su vertiente psicodélica e incorporando sonidos progresivos. Puestos a etiquetar lo definiríamos con "stoner light progresivo". Toma ya!


"Camaleón" es una composición más relajada  pero con su entramado sonoro como todas las composiciones de este disco. Algunos ritmos me podrían sonar a los creados por Satriani en sus últimos trabajos.


"Ispra" es otra de mis favoritas. Música sumamente descriptiva que nos invita a apagar la luz ,abrir la ventana y mirar a las estrellas o mejor al infinito. El uso de los sintetizadores le da cierto aspecto espacial. 


"Rojo" me traslada a otra referencia sonora, esta vez mucho más cercana. los madrileños Toundra. Es posible que El Tubo Elástico  navegue por aguas más progresivas.



"El Emjambre", acordes sin estridencias que poco a poco van dando paso a riffs tranquilos y serenos protagonizados por sus dos guitarristas, Daniel González y Vizen Rivas, llegando a un éxtasis final en sus últimos segundos.


El disco se cierra con "Vampiros y gominolas", aire entre lo espacial y lo rockero. Magnífico broche final para este entramado sonoro.
J.C. Miñana





Contacto:




P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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PREMIATA FORNERIA MARCONI (primera parte) (Clásicos)

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (RPI) TEMPORADA UNO: CLÁSICOS

La primera vez que escuché a la PFM y por consiguiente el progresivo del país de la tarantela, fue a través de los ELP y su sello Manticore. Supongo que esta historia será afín a todos los de mi generación progresiva y no es nada original. Los mismos que recordarán las famosas “sinfonolas” aquí en España o los “Jukebox” si sois de fuera. 


En 1974 se editó “Photos Of Ghost” en nuestro país y por una moneda de cinco pesetas (creo recordar) metida en la ranura escuche el single “Celebration” en aquellos aparatejos con luz, algo horteras y encantadores que entonces existían en los bares de las ciudades. El mini moog saltarín basado en esas danzas pegadizas del folk italiano, llamó terriblemente mi atención porque hasta entonces sólo al gran Keith Emerson le había oído ese sonido. Conseguí el vinilo en la versión inglesa con textos de Pete Sinfield claro y el resto ya es historia. Una historia interminable diría yo, porque el rock progresivo italiano o RPI según se dice ahora, ya es un estilo en sí mismo, con la proliferación de bandas más grande que existe en el mercado de este tipo de música. Consciente de que este es un jardín sonoro que llega hasta el infinito y más allá, intentaré no ser un pesado y no explayarme en biografías y datos que puedan llegar a la abulia y al coñazo, porque para eso ya existen libros especializados puntuales de mucha de esta gente. No aquí en España claro, porque no hay un interés en casi nada referente a cultura musical. Como buen friki que soy, prefiero todo el progresivo italiano cantado en su idioma y en sus versiones originales. La pronunciación inglesa de los italianos, al igual que la de los españoles, es terrible, y conste que cuando la usan en las canciones lo hacen bastante mejor que nosotros. Lo nuestro ya no tiene perdón. Sencillamente no hay nada más hermoso que escuchar los discos de la Premiata, de Banco o de Le Orme o de cualquier otro, en italiano.


A grandes rasgos PFM como tal, nacen en Milan el año de gracia de 1970, versioneando a grupos ingleses como King Crimson o Jethro Tull, que por entonces ya eran dioses que comenzaban a idolatrarse. Los músicos italianos proceden de una vasta cultura, tienen raíces en la música medieval, renacentista, barroca, operística y en el folk de corte mediterráneo y danzas populares lo que, unido al rock y al jazz, les va a dar un perfil distinto y original. En los primeros 70´s las bandas italianas no fueron conocidas fuera de su país de origen y hay grandes discos de 1970 a 1973 de carreras truncadas de muchas bandas que tan solo grabaron uno o dos discos, aunque de ellos hablaremos más adelante. PFM fueron formados en un principio por músicos de los de verdad, de los estudiosos y de los formados. Flavio Premoli ya era un teclista galardonado siendo un crío. Mauro Pagani, un virtuoso del violín y la flauta. Franco Mussida un guitarrista de jazz-rock de los mejores y el támden rítmico del batería Franz di Cioccio y el bajista Giorgio Piazza rubricaba una música inspiradora de pasajes preciosos y sinfónicos, como no. Yo disfruté mucho con Photos Of Ghost, pero más con su émulo original “Per un Amico” al que escuché algunos años más tarde. Pero había un primer disco llamado “Storia di un minuto” y aquí empieza la leyenda de la Premiata.


Storia se publica a finales de 1971 bajo el sello italiano Numero Uno y una de sus canciones “Impressioni di Settembre” y su mellotrónico desarrollo, se convertiría en un clásico inmortal del sinfónico al estilo de aquel Epitaph crimsoniano. “La carrozza di Hans” es un claro ejemplo del potencial instrumental y variaciones de la banda, aunque el estilo refinado de estos italianos lo encontramos en la deliciosa “Dove…Quando” con todo el perfume poético y mágico que destila el clasicismo y el folk italiano y “E´ Festa” sería posteriormente el famoso “Celebration”, una “tarantella prog” que incita al baile y a la alegría desaforada. El camino del panorama vanguardista del país de la pizza y el vermut rojo estaba abierto al futuro y durante los 70´s las alegrías sonoras serían muchas y muy variadas.
Alberto Torró


Temas
1 Introduzione 00:01
2 Impressioni di settembre 01:11
3 È festa 06:53
4 Dove...Quando... ( Part 1) 11:42
5 Dove....Quando (Part II)  15:50
6 La carrozza di Hans 21:50
7 Grazie davvero 28:37





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ISILDURS BANE - Cheval: volonté de rocher (1989)

Ferdinand Cheval fue un cartero rural francés nacido en 1836 y fallecido en 1924 que dedicó 33 años de su vida a ir recogiendo piedras de diferentes tamaños por los caminos de su ruta cotidiana mientras con la paciencia y la locura de un friki auténtico, iba construyendo lo que él denominó el palacio ideal con sus propias manos. En aquellas zonas del drôme, departamento francés, lo llamaban “el tonto del pueblo”, alguien mal vestido y raro que recoge piedras.  En 1879 comenzó su laboriosa locura y durante las dos primeras décadas a partir de ese año, llegó a construir todos los muros exteriores hasta llegar a terminarlo completamente 13 años más tarde ya en los albores de la primera gran guerra mundial. André Breton el icono del surrealismo y hasta el propio Pablo Picasso se interesaron en esa extraña construcción abarrocada y fantasiosa. En 1969 el entonces ministro de cultura francés André Malraux declaró la obra de Cheval como patrimonio cultural. Todo un detalle hacia alguien que hoy día, sería considerado un outsider o artista marginal


Un tema original para dedicar un disco o eso debieron pensar los miembros de Isildurs Bane, claramente más interesados en todo lo relativo a la época modernista y al desarrollo industrial de principios del siglo XX. Una época fascinante agriada por una de las contiendas más desgarradoras y crueles que costó la vida a toda una generación de jóvenes y a muchos artistas y músicos. A mediados de los 90 yo no tenía ni idea de esta banda sueca y alguien de Madrid que por entonces regentaba la tienda Diskpol y conocía mis gustos, tuvo a bien recomendarme este CD y enviármelo por correo. La original portada era terrible. Lástima porque la construcción es sumamente atractiva y hay fotos muy hermosas. No es un tema que cuiden especialmente en este grupo, pero la música atrajo mi atención desde el primer momento. Siempre he dicho y más últimamente, qué, si el rock no hubiese cambiado la historia de la música, yo habría sido un amante irredento de aquella época mahleriana, straviskyana, debussysta o raveliana y de hecho lo soy, aunque también un hijo de mi tiempo y de mi generación. La emoción no ejerce el mismo efecto cuando escucho música de hace 100 años a cuando escucho la de mi tiempo. No hay cosa que defina mejor lo que es ser “sinfónico”.


“Le initiation” es un ejercicio pianístico-percusivo con su épica ritualística y ya el grupo ha dado un salto tremendo hacia la excelencia musical. Ya no puedes sustraerte “a la que se avecina” y a la composición musical exquisita. La sombra de Fripp en la guitarra toma un color diferente. 

La brevísima “L´objet” mima el sonido con susurros vocales en francés para meternos de lleno en ese fantástico viaje al pasado que es “L´interprete” y su música descriptiva con una instrumentación que nos aproxima a los primeros Enid y a los Kraft más sinfónico modernistas que puedas imaginar. Ya no hay peros ni dudas, es música sin tiempo, eterna y totalmente contraindicada a post progres metaleros de portales exquizofrénicos. La alegría se impregna en vena y no hay mejor definición cuando oyes música. Cuando el sonido te esboza una sonrisa y empaña tus ojos. Cuando la música es grande y llena de virtudes. Pero es música de nuestro tiempo arrancada de lo extraordinario. Me gustaría encontrar el adjetivo exacto,  pero es una complicada labor. 



“33 ans” es otra mini suite que parece recordarnos a Borodin o a Rimsky Korsakov con ese trasfondo eslavo en su melodía, preciosa, obscura pero lírica, Renaissance al fondo con su Scherehazade parece apuntar algunos trazos y colores y hasta el bueno de Latimer quiere participar en sueños. 

“Le Cicerone” parece recordarnos a la banda francesa Ange en su discurso y en épica, y aquí el lenguaje rock fusión hace un pequeño inciso llevándonos hasta tiempos más actuales.

 Le “Viellard” nos lleva a esos tiempos metheny de guitarra acoustic jazz con fílmicas instrumentaciones y susurros vocales femeninos con atemporales formas musicales que podrían inscribirse en diferentes épocas. 



Una pieza muy descriptiva. Los dos minutos de “Present” se definen en una extraña forma de vanguardia funk rock fuera de cánones o estructuras musicales habituales. 

La “8 Merveille” se despide de forma “Emerson-cinematográfica” y el final del disco nos deja un regusto a poco. Demasiado bueno y demasiado breve. ¿Acaso las obras maestras no son a veces así…? Esta lo es y ¡ay! del sinfónico que no conozca este disco de finales de los 80. Un pecado.
Alberto Torró

 



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KEITH CROSS & PETER ROSS - Bored Civilians (1972 / DECCA)

La influencia de la West Coast fue marcada en el deambular diario de los músicos hippies en las Islas Británicas. Claro que no es lo mismo acatar el estilo con clima soleado, playero, surfista y ligón,  como en San Francisco, a hacerlo en la siempre lluviosa Gran Bretaña. La cosa cambia en mucho. Así,  la "british Costa Oeste" de bandas como Cochise, Heads, Hands & Feet, Help Yourself, McGuiness Flint, Sutherland Brothers o Brinsley Schwartz, tenían su inequívoco tono tristón directamente conectado con el clima, aunque su personalisimo folk también ayudara a ello.



Keith Cross, que venía de crear un muy distinto monstruo progresivo con T2 hacía muy poco, pareció interesado en cambiar de aires. Buen cantante y mejor guitarra, se une con Peter Ross, (hermano de roles), procedente de los rock blueseros Hookfoot, a veces banda de acompañamiento de Elton John. Consiguiendo un nuevo contrato con Decca tras el ninguneo incomprensible de su anterior aventura  en T2. Hay gente que no escarmienta.

Reúnen un buen puñado de canciones y se juntan con eficaces músicos de su microcosmos. Nick Lowe,  guitarra de Brinsley Schwartz. B. J. Cole,  pedal steel guitar de Cochise. O los vientos siempre oportunos de Jimmy Hastings, de Caravan. Sí,  los ingleses fusionaban con total naturalidad el country rock soleado con el brumoso prog británico,  y al invento, o a una parte de él,  lo llamaron "pub rock". Normal. Donde pasan más rato? En la "soleada playa" va a ser que no.

El único álbum de ésta reunión,  "Bored Civilians", es una de esas raras joyas que se deben a la conjunción de los astros. Las acústicas son para seguir atentamente. Y las voces celestiales conectan con lo mejor de CSN, Seals & Crofts, Brewer & Shipley, America o toda la mafia de Laurel Canyon. 


"The Last Ocean Ride" (6'57) se adelanta unos años a las languideces perezosas  de The Eagles, con el mismo orgullo instrumental, si no más. Dan Fogelberg o Firefall en cruce mutante con Pink Floyd y Caravan. Eso se llama imaginación. El tema-título es una pequeña delicatessen que sirve de entremes para el gran festín. 


"Peace in the End" es tomada prestada a Trevor Lucas y Sandy Denny, de sus incomprendidos Fotheringay, para formar una pieza más en concordancia con The Band.


"Story to a Friend" (11'06) es otro de los platos fuertes. Los ritmos de Steve Chapman (batería) y Sid  Gardner (bajo), con la complicidad teclistica de Peter Arnesen y la deliciosa flauta de Jimmy Hastings, crean una textura policroma a la altura de Traffic o Manassas.



La excelencia compositiva sigue en la otra cara con elegantes rolas del calibre de "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o " Bo Radley", que ponen en serio compromiso al material de Bread en sus dos primeros discos. Y eso es echarla bien gorda. Finalmente "Fly Home" (7'02) es otra maravilla acústica  para días lluviosos (pero con esperanza)......"simply irresistibol".




Afortunadamente puedes evitar que te echen de casa por comprar un original (entre los 400 / 800 machacantes), y hacerte con la golosona reedición en cd + bonus de los samaritanos Esoteric.
Tu alma, corazón y vida, te lo agradecerán. 
J.J. IGLESIAS



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Maypole - Maypole 1971

Todo el mundo sabe lo difícil que es que una discográfica se interese por tu trabajo. Si al final consigues grabarlo y editarlo es un gran logro. Pero si a los pocos días de su salida la compañía cierra, todos tus esfuerzos van directamente a la basura. Esto es lo que les paso a esta banda a comienzos de la década de los 70.


Demian Bell (voz, guitarra) procedía de Chicago, muy pronto comenzó su interés por la música. Primero piano a los 7 años y mas tarde la guitarra a los 13 . Su primer concierto llega a los 15 con "The Rogues". Las circunstancias de la vida lo llevan a Baltimore donde se integra rápidamente en la escena musical. Primero con "The Moss", posteriormente llegarían "The Pychedelic Propellor", "Good Grief", Moulty y The Barbarians. Entre tanto le había dado tiempo de ir a Londres  durante 6 meses y unirse a "The Attack". En el 69 se junta con Paul Welsh (voz, batería) para formar Maypole. El resto de la banda estaba compuesta por Steve Mace (voz, guitarra), Kenny Ross (voz, percusión) y John Nickel (voz, bajo). En el 71 editan su único disco, "Maypole", obteniendo muy buenas críticas y realizando una gran promoción junto a artistas de la talla de Bob Seeger, The Nazz, etc. Incluso realizan una mini gira por Holanda. Pero los excesos y los múltiples cambios de formación ocasionan su prematura disolución en el 72.


La grabación se realizó en tres días en los estudios A&R. Doce temas cargados de psicodelia y armonías muy propias del "West Coast".  Lo cierto es que para mi es demasiado blando, tirando incluso a "pop" o por lo menos "psicodelia light" y más aun teniendo en cuenta el potencial de su guitarrista Demian Bell que se codeaba con el mismísimo Roy Buchanan. Lo dejo en vuestras manos para que lo valoréis en su justa medida. Por cierto en posteriores ediciones se incluyeron dos bonus.
J. C. Miñana




Temas
1.Glance at the Past
2.Show Me the Way
3.Henry Stared
4.Changes Places
5.Under a Wave
6.Look at Me
7.Johnny
8.Comeback
9.You Were
10.In the Beginning
11.Dozy World
12.Stand Alone





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TRANCE- Dystopia (1979 / TRANCE)

Para 1979 la fiebre kosmische se estaba diluyendo en Alemania, al menos en los objetivos de las multi. O buscando nuevas y curiosas fórmulas,  como el funk, que aportaran más riqueza sonora al género,  (y de paso comercializar el "producto", para que fuera más vendible). A partir de la siguiente década las compañías se encargaron de simplificar, - todavía más  -, y a niveles infantiles, el uso de los sintetizadores. Vino el tecno, synth pop, new romantics o mierda con un lazo, y hasta Peter Baumann picó. A otros les dio por inventarse la "nueva era" que ya estaba inventada, de verdad, desde los 60.


Así que los valientes que se atrevían a meterse en éste berenjenal onírico,  lo tuvieron que hacer independientemente,  con 155s,  risas, burlas y mofas de los modernos de turno. Esos que hacía poco compraban discos de Ohr,  Bacillus o Brain. .....oiggghh, que cosa más "demode"!!!

El dúo Trance, formado por Jurgen Petersen y Armin Wischnewski, fueron de esos que llegaron tarde, pero todavía a tiempo. Ambos multiinstrumentistas,  igual le daban a las guitarras, bajos, violines o teclados varios : Roland Synth, Micro-Moog, ARP Solina,  ARP Odyssey  O Fender Rhodes. Siendo su propuesta bastante fresca , de una "planante" marcadamente lírica,  sin muchas extravagancias..


"Sunrise" (4'57) utiliza como arma/alma la acústica  y finas capas de sinte de cuerdas. Similar a los primeros Neuronium o Blonker, con un fino punteo electrico casi cameliano.


Pura secuenciación de la época nos presenta "Conditioning" (5'50), muy electrónica y en la línea espesa de los trabajos de Eroc. Sin embargo su hipnótica melodía es casi folkie, de la Galaxia de Andrómeda,  pero folkie.

Sigue el "Malasyan Airlines Trip" - " viaje con nosotros y desaparezca del mundo!" - , con "Matriculator" (5'03). Un ejercicio cosmic muy académico,  sin molestias, y con una guitarra froesiana que fluye como el "3 en 1" en su desarrollo. Situala por el "Stratosfear" sin problemas.


"Hypnopaedia" (6'16) es un tornado sonoro sci-fi perfecto para una película de Tarkovsky. Con arrebatos eléctricos cuasi - heavy blues que lo acercan a algún puerto propiedad de Manuel Gottsching, pero sin tener que pagar peaje por plagio. 

La segunda cara vuelve a inaugurarse con las acústicas,  que van sumando instrumentos, siendo el violín uno de los principales. Esto se llama "Solidarity Hymn" (3'13).




 En "Romeo & Juliet" (3'19) continúa la delicadeza de formas, hasta demasiado "amable" y oldfieldesca. Una de las primeras cajas de ritmos aborrecibles, lo-fi, patateras y que se podían haber guardado de supositorio, está en "Soma" (7'51). Pieza de puro ambiente psychotronico con entretenido desarrollo, pero a la que le sobra algún que otro elemento externo propio ya de su tiempo, (el vocoder se parece a cuando te hablan por  la ventanilla del cine). Estaban en el centro justo de dos épocas,  ésta gente, y era inevitable. Aún con todo se escucha, ( con una mueca de risa socarrona).


"Park Lane Hospital" (3'27) despide éste autoeditado debut con modos casi sinfónicos de indudable buen gusto folk-cosmic. 

Trance fueron una especie de respuesta tardía a Emtidi, otro dúo con discazo clásico en su corta carrera. Como la de Trance. Dos discos más siguieron a éste,  "Here & Now" y "Entrance - The Pond,  A Musical Excursion" (los dos ya sin Armin), y perdiendo paulatinamente su esencia vital de los 70, en favor de los nuevos e imprecisos tiempos.
"Dystopia" es una rareza destacable a pesar de todo, con buenos momentos en una frontera temporal de cambios.
J.J. IGLESIAS




Temas
A1 Sunrise 4:57
A2 Conditioning 5:50
A3 Matriculator 5:03
A4 Hypnopaedia 6:16
B1 Solidarity Hymn 3:13
B2 Romeo & Juliet 3:19
B3 Soma 7:51
B4 Park Lane Hospital 3:27



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HOT TUNA - Long Island Arena, Commack, NY 1976

Hot Tuna fue un proyecto musical de Jack Casady y Jorma Kaukonen, miembros de la  Jefferson Airplane. Cuando todavía estaban en esta banda deciden montar el grupo en 1969. Su debut discográfico llegaría un año más tarde con un disco netamente blusero, "Hot Tuna".  En el 72 abandonan definitivamente la Jefferson para concentrarse plenamente en su banda. Poco a poco su sonido fue endureciéndose hasta llegar a ser el típico "Power Trio" junto al batería Bob Steeler. A lo largo de su carrera editaron más de media docena de disco y se hicieron famosos por sus extensas improvisaciones en directo.


El Long Island Arena fue inaugurado en 1959. Durante los años 60 fue la sede del equipo de hockey de los Long Island Ducks. A finales de los 60 también acogió al equipo de baloncesto de los New York Nets. En los 70 se celebraron multitud de conciertos de rock, Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Styx, Frank Zappa, Deep Purple, Fleetwood Mac y The Who.  El 24 de agosto de 1975  Peter Frampton grababa en sus instalaciones  "Show Me The Way", tema incluido en el exitoso  "Frampton Comes Alive".


La grabación contiene la actuación de Hot Tuna en el Long Island Arena el 11 de Septiembre de 1976. Un concierto de algo más de tres horas con dos bises de una hora cada uno. En total más de cinco horas de éxtasis psicodélico rockero. El análisis pormenorizado de los temas sería una labor de chinos solo al alcance de un J.J. Iglesias. Baste decir que el concierto está lleno de buen rock, blues, psicodelía, algo de folk y sobre todo buenos momentos guitarreros con largas improvisaciones. Indispensable para los amantes del grupo y para los que quieran conocerlo. El sonido es más que aceptable.
J.C. Miñana




Temas
0:00:00 Come Back Baby 6.59
0:06:59 How Long Blues 6.16
0:13:16 I See The Light 10.24
0:23:40 It's So Easy 3.51
0:27:32 Easy Now 9.14
0:36:46 Watch The North Wind Rise 6.28
0:43:14 Bar Room Crystal Ball 7.30
0:50:44 Hot Jelly Roll Blues 10.54
1:01:38 Trial By Fire 6.19
1:07:55 Invitation 27.54
1:35:49 Talking 'Bout You 6.27
1:42:17 Serpent Of Dreams 11.31
1:53:48 I Wish You Would 11.26
2:05:15 Sunrise Dance With The Devil 10.00
2:15:15 Water Song 6.40
2:21:54 Tuning 3.33
2:25:28 I Can't Be Satisfied 8.05
2:33:33 Song From The Stainless Cymbal 4.18
2:37:51 I Am The Light Of This World 6.29
2:44:19 Hit Single #1 7.03
2:51:23 Rock Me Baby 7.14
2:58:35 Bowlegged Woman, Knock Kneed Man 8.25
3:07:01 Funky #7 28.32

Encore 1:
3:35:34 Genesis 6.44
3:42:17 Been So Long 6.32
3:48:49 I Know You Rider 6.26
3:55:16 Feel So Good 17.01

Encore 2:
4:12:17 Police Dog Blues 5.22
4:17:39 Baby What You Want Me To Do 7.43
4:25:22 Walkin' Blues // 29.44

P.D.: nuestro agradecimiento a Master Eddie por su magnífico canal de youtube.


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