KHAZAD - DOOM - Level 6 1/2 (1970 / LPL)

Cuando éste fino cuarteto de Illinois editaron ésta rodaja hippie - nerd en el comienzo de los 70, ya habían pasado por sus filas 29 miembros desde 1964. Eso sin contar nombres como The Vibratos o The Laymen. En ése loco cálculo de probabilidades,  surgió la química al fin.  Su líder,  el guitarrista y cantante Jack Eadon, se aseguró una más que destacable alineación  con la que seguir batallando. En ella estaban Al Yates (órgano,  piano, voz), Steve "Crow" Hilkin (batería,  voces) y Tom Sievers (bajo y voces). Tal frenética actividad previa, había dejado algunas grabaciones de 1968 de pura fantasía beatleliana, que aparecerían posteriormente como "Cherrytown".

Aunque aquí lo que nos interesa es el único álbum editado por la banda en su momento. "Level 6 1/2" es uno de esos "holy grail" de coleccionista que lo reúne absolutamente todo. Su rareza absoluta, ya que tan sólo 180 copias fueron editadas a través de la independencia.  Su sonido, en una perfecta y engrasada balanza que integraba elementos garage, psicodelia y proto-progresivo. Su precio..... un anónimo japonés se llevó no hace mucho en E Bay un original por 2200 pavos. Añadase que es un album conceptual de fuerte carga tolkiana, (el nombre del grupo es una ciudad de la Tierra Media). Y es que "Lord of the Rings" fue por aquellos días una de las biblias hippies junto a los libros de Herman Hesse o Carlos Castaneda.

La reedición vino de Void Records en 2007, con la aprobación y ayuda del propio Jack Eadon, que también fue el productor del artefacto en su día.  En ésa ocasión tampoco es que lanzaran muchas copias (800), con lo que si sumamos todos, todavía no llegarían ni a los 1000 editados. Salvo cds y piratadas varias que escapan a nuestro control informativo. 

El disco está dividido en Act 1 y Act 2 (las caras), y 9 "escenas", (las canciones, de las que una pertenece a un segundo álbum nunca editado). "Excerpts from the Hunters, the Prelude" (12'15) es la perfecta exposición del sonido Khazad - Doom : órgano prominente, excelentes voces y armonías y una mezcla entre psych y prog primerizo de primer nivel (más de "6.5"). Equiparables a productos de su tiempo similares, como Wizards from Kansas, Touch,  Mandrake Memorial, Clearlight o Listening. El órgano se entrega a desarrollos generosos, (cosa que no hace la guitarra, curiosamente ), sustentado con seguridad por una solvente base rítmica. 

"In This World" (2'40), "Nothing to  Fear" (2'45) y "Music" (3'35), siguen con la racha de colorines aceitosos y alucinaciones marca Iron Butterfly, Doors o Zerfas. 

El "segundo Acto" comienza con un terciopelo vocal de majestuosos aires "In the Court of the Crimson King", con "In the Den" (4'25). Unas cuidadas voces que no desentonarian en un clásico álbum de Moody Blues.

Khazad - Doom a estas alturas ya te tienen en su nirvana particular, con la boca abierta y babeando como un bobalicon Homer Simpson. Estas a su merced, y sólo un inspector de Hacienda o el "Salvame" podrían sacarte de ése placentero letargo. "The Golden Yellow Meadow" (7"05) o "Narcissus" (5'53) son más momentos que definen ese proto-prog tan magnético y perfecto, obra de estos deliciosos colgaos de Chicago. 

El disco es en suma, una maravilla para perderse entre sus surcos y no dejar bajo ningún concepto que nadie moleste tu meditación regresiva. Los alegres días del incienso, el patchouli, el sexo libre y las drogas de verdad quedarán lejanos. Recrearlos con Khazad - Doom es una buena manera de revivirlos. Aunque sea acompañado tan sólo con una buena cerveza.

J.J. IGLESIAS

Temas

 Before Khazad Doom: The Laymen

1 Cherry Town 3:09

2 Love Which We Share Among Us 2:08

Early KD: Level 6 1/2

Hunters

3a The Prelude 12:18

3b In The Den 4:25

3c The Golden Yellow Meadow 7:05

4 Narcissus 5:04

5 In This World 2:39

6 Nothing To Fear 2:44

7 Excerpt From Uncle Gilroy's Crazy Son 2:54

Later KD: Khazad Doom, The Album

8 Stanley's Visit To Kerkle Morff 12:24

9 Can't Find Love Alone 2:48

10 Dirrt 1:50

11 Paper Bus 4:01

12 Frozen Faces 3:35

After Khazad Doom

13 Come With Me 4:13

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JAMES TAYLOR QUARTET - Live At The Jazz Cafe 2008

Fueron muy afortunados los que tuvieron la posibilidad de ver a James Taylor Quartet el pasado mes de Junio en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gazteiz. Para los que no pudimos asistir nos puede servir de consuelo escuchar este magnífico directo de 2008.

James Taylor creció en una familia de músicos. Su madre y su abuela eran pianistas clásicas, fue esta quién le compró su primer piano a los seis años y le dio sus primeras clases. A los 14 años Taylor comienza a escuchar a gente como Booker T. & the MGs y queda prendado del sonido Hammond. Su pasión por el instrumento le lleva a comprar discos de Brian Auger y Keith Emerson. Su primer teclado llega a los 15 años, un Casio 202. En el 82 entra a formar parte de The Prisioners con los que graba cuatro discos "A Taste of Pink"(1982), "The Wisermiserdemelza"(1983), "The Last Fourfathers" (1985) y "In From the Cold" (1986). Por fin se decide a formar su propia banda, James Taylor Quartert, y edita en la discográfica Acid Jazz su primer EP, "Mission Imposible" (1987), conteniendo temas de famosas películas (Alfie, Mres Robinson, Goldfinger, Blow-up, Mission Imposible,Joyhouse, The Stooge). Su discografía contiene más de veinte grabaciones y una reputación internacional fuera de toda duda. En la actualidad Taylor posee cinco Hammond's (M100, dos C3, A100  y un modelo de transistores X5 de principios de los 70).

La grabación nos muestra la actuación de James Taylor Quartet en el famoso Jazz Café. La música de la banda es lo que se denomina acid funk jazz. Al margen de esta enrevesada etiqueta Taylor nos ofrece virtuosismo con su Hammond con un "groove" increíble. Desde el primer tema "Picking Up Where We Left Off", nuestros pies se moverán al son de la música. Taylor a conseguido el sonido perfecto para su C3, estuvo años experimentando para lograrlo. Junto a James tenemos unos excelentes músicos.  Por una parte tenemos a Nigel Wallace Price, excelente guitarrista con un sonido jazz que nos trasladara a los sonidos de los grandes de este género. Las sección rítmica formada por Andrew McKinney (bajo) y Adams Betts (batería) es realmente genial su interpretación va más allá del mero acompañamiento y en diversos momentos de la grabación lo podemos comprobar. Como invitados tenemos a la sección de viento formada por Nick Smart y Rob Townsend que intervienen a partir del cuarto tema, "Joe's Diversions". La percusión latina de Noda Oreste también está presente. La cantante Yvonne Yanney participa en dos temas, "Tore My Heart Out" y la versión del tema de Carol King "I Feel the Earth Move". En definitiva una grabación especialmente indicada para los amantes del sonido Hammond.

J.C.Miñana

Temas

1.- Picking Up Where We Left Off 

2.- No Way 

3.- Easy Time 

4.- Joe's Diversions 

5.- The Exorcism 

6.- Tore My Heart Out 

7.- Never In My Wildes Dreams 

8.- Blow Up 

9.- Jan Jan 

10.- I Feel the Earth Move 

11.- The Theme from Starsky and Hutch

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PATRICK GLEESON - Patrick Gleeson's Star Wars (1977 / MERCURY) (Serie Pioneros)

.......En el último episodio de la saga "Ensayos...." dejamos a Herbie Hancock creando una joya del jazz de vanguardia como fue "Sextant" (1973). En ella encontrábamos al Dr. Patrick Gleeson que ya había participado en el anterior, "Crossings" (1972), asesorando a Mr.  Hancock sobre sintetizadores, y colaborando él mismo con sus ARP. También gira con él ayudando en la promoción del proyecto Mwandishi.

Gleeson ya llevaba su camino andado en éstas materias. Nacido en California, ingresa a mitad de los 60 en la San Francisco Tape Music Center,  fundada a comienzos por Pauline Oliveros, Morton Subotnick y Ramon Sender. Toda una institución como academia de músicas avanzadas y con la electrónica como primera prioridad.  Allí desarrollan el modular Buchla, y es frecuentado habitualmente por Terry Riley o Steve Reich, entre otros. Patrick Gleeson se introduce de lleno en ese nuevo y fascinante mundo. Por esas fechas escucha el "Switched On Bach" de W. Carlos y se lanza a por un Moog Modular de cabeza. Y no era capricho barato. Además crea los Different Fur Studios, donde se grabarán "Sextant" y "Headhunters" de Hancock, por ejemplo. Al parecer éste corre la voz, y sus próximos clientes serán Lenny White, Freddie Hubbard, Charles Earland o Eddie y Joe Henderson. 

El debut de Gleeson será "Beyond the Sun - An Electronic Portrait of Holst's The Planets" (1976) en donde participa con unas notas de texto W. Carlos. Su seguimiento será algo mucho más comercial, a priori. Un punto de vista muy particular y "sui generis" de la banda sonora de Star Wars.

"Patrick Gleeson's Star Wars" reinterpreta la música de John Williams, en el mismo año de su estreno, pero llevada a su propio terreno. Lo cual ya no es tan comercial. De hecho se aleja del sinfín de discos-tributo que saldrán por esas fechas, todos con la temática galáctica del fenómeno del momento. Desde jazz hasta disco (Meco), que se editarán  en avalancha ése año.

Miembros de Tower of Power o Headhunters (Harvey Mason en la bateria), así como una sección de cuerda, colaboran junto al arsenal electrónico  más actual para 1977. Si bien el comienzo con "Star Wars Theme (Luke's Theme)" (5'49) guarda respeto al original, su tratamiento dominado por sintetizadores le da claramente un aura de autenticidad futurista que resulta totalmente acertada para la ocasión. 

"The Tatooine Desert" (6'25) podría formar parte de cualquier concept-album de Rick Wakeman o Patrick Moraz. Los arreglos arriesgados la trasladan al terreno del prog rock electrónico, y suena tremendamente descriptiva. 

"Death Star" (5'29) en cambio pasaría por un soundtrack de Keith Emerson, por su aspecto más oscuro y siniestro, incluyendo voces femeninas al estilo de "Inferno", que hiciera el desafortunado teclista para Dario Argento.  Es un punto álgido en un disco sin bajones, con pasajes sintetizados dignos también de Larry Fast / Synergy. 

La segunda cara la inaugura "Star Wars Cantina Music"(3'15), puede imaginarse fácilmente lo que da de si ésa música pasada por sintetizadores de todo tipo. Aquí sí que Moraz la hubiera gozado, incluyendo fragmentos de alegre bossa y música brasileira. El desmadre "charlestoniano" se conserva, faltaría más. Otra curiosidad resulta "Princess Leia's Theme" (4'03), no muy alejada de Isao Tomita y sus homenajes cibernético -debussyanos.

"Droids" (2'18) casi roza la electrónica kraftwerkiana, vocoder incluido. Y finalmente "Ben Kenobi's Theme" (7'07) entrega otro imaginario sonoro al que no le hacen falta imágenes. En un tremendo despliegue épico con analogía sintetizada por doquier, de culturista musculatura. Casi al nivel de Jürgen Fritz en Triumvirat.

Ocho discos componen la carrera de Patrick Gleeson, además de su inmensa lista de colaboraciones, soundtracks  ("Apocalypse Now", "Crossroads", "The Plague Dogs", "The Bedroom Window"), o series para TV.

Su particular "Star Wars" resulta mucho más interesante de lo que pueda parecer a un primer golpe de escucha.

Todo un secreto muy bien guardado.

J.J. IGLESIAS

Temas

A1  Star Wars Theme (Luke's Theme) 5:49

A2  The Tatooine Desert 6:25

A3  Death Star 5:29

B1  Star Wars Cantina Music 3:15

B2  Princess Leia's Theme 4:03

B3  Droids 2:18

B4  Ben Kenobi's Theme 7:07

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BLUE ÖYSTER CULT – LIVE IN THE WEST 1975

Sin duda "(Don't Fear) The Reaper" es el tema más conocido de los BOC, incluido en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos realizada por la revista Rolling Stone, pero esta magnífica banda es mucho mas que un éxito solitario. Hoy los recordaremos en su gira de 1975.

En 1975 la banda ya había editado tres discos en estudio: "Blue Öyster Cult" (1972) , "Tyranny and Mutation" (1973) y Secret Treaties (1974). Ese mismo año editarían su primer en directo oficial, "On Your Feet or on Your Knees" (1975). Su gran éxito llegaría al año siguiente con "Agents of Fortune", llegando a ser disco de platino.

La grabación nos muestra diversos conciertos de BOC realizados en el Civic Auditorium, Redding, CA (3/07/1975), Paramount North West, Portland, OR (4/07/1975), Paramount North East, Seattle, WA (5/07/1975) y el National Guard Armoury, Medford, OR (8/07/1975). La banda estaba integrada por: Eric Bloom (voz, guitarra),  Donald "Buck Dharma" Roeser (guitarra), Allen Lanier (teclados, guitarra), Joe Bouchard (bajo) y Albert Bouchard (batería). En cuanto al "setlist" tenemos cinco temas del "Secret Treaties", disco que estaban promocionando en ese momento, tres del "Tyranny and Mutation", dos de su primer disco "BOC" y por último dos extras, "Buck's Boogie" y Maserati GT (Ain't Got You) que solían tocar en directo.  En cuanto a la música tenemos excelente hard rock con el toque personal de los BOC. Buenos riffs y  grandes momentos guitarreros. Temas destacados "Seven Screaming Diz-Busters", "Astronomy", "Buck's Boogie" y por supuesto Maserati GT, una extraordinaria versión del tema "Ain't got you" (Calvin Carter) popularizada por The Yardbirds. Se rumorea que las grabaciones salieron de la propia banda para repartidlas entre sus amigos. Por otra parte tenemos el aliciente de escuchar cinco temas ( "Stairway To The Stars", "O.D'd On Life Itself", "Flamin 'Telepaths", "Dominance & Submission" y  "Astronomía") no incluidos en .el directo oficial de la banda "On Your Feet or On Your Knees".

J.C. Miñana

Temas

01. Stairway To The Stars 00:00 

02. OD’d On Life Itself  04:15 

03. Harvester Of Eyes  09:12 

04. Flamin’ Telepaths  14:30 

05. Dominance And Submission  20:50 

06. Subhuman 26:50  

07. Seven Screaming Diz-Busters 35:19 

01. Astronomy 48:54 

02. Cities On Flame  58:20

03. Buck’s Boogie  01:04:08 

04. Hot Rails To Hell  01:17:35 

05. Maserati GT (I Ain’t Got You) 01:23:50

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Peter Roar & Lucky Gurí ‎– We Are Digging The Beatles 1972

Nuevamente estamos ante una "Rockliquia" de los 70 rescatada en 2009 por la discográfica Picap. La grabación fue editada originalmente en 1972 y retirada una semana después por problemas legales con la compañía de los de Liverpool.

Recordemos quienes fueron los protagonistas de este proyecto:

- Lucky Guri (piano, teclados), excelente pianista catalán que comenzó su carrera a principios de los 70 con New Jazz Trío que posteriormente se transformaría en  Barcelona Traction. En 1975 graban su primer disco y participan en el emblemático Canet Rock. En 1976 entra a formar parte de Música Urbana estando presente en su primer disco. En los 80 comienza su carrera televisiva en programas como  "Tres picos y repicó" y colabora con Andreu Buenafuente y Ángel Casas. Ha seguido realizando actuaciones fundamentalmente de jazz y con diversas formaciones hasta la actualidad.

- Peter Roar, saxofonista que colaboró con diversos grupos en la década de los 70 participando en el disco en directo de Máquina.

- Carles Benavent  uno de nuestros más afamados bajistas y con una larga trayectoria pasando por grupos como Crac, Máquina, Música Urbana, etc. Notables colaboraciones con  Chic Corea, Camarón de la Isla, Kitflus,  Michel Camilo y una interminable lista de  músicos de todo el mundo.

- Salvador Font otro histórico batería del rock español en grupos como Crac, Mantequilla Group, Máquina, Música Urbana y muchos más.

- Max Sunyer uno de los mejores guitarristas catalanes de todos los tiempos y uno de mis favoritos. Participó en excelentes grupos que han marcado la historia del rock en nuestro país (Guitarras Mestizas, Iceberg , Max Sunyer Trio, Pegasus, Tapiman, Vértice, etc).

La grabación se realizó en los estudios Gema teniendo como ingeniero de sonido a Joan Sirvent. El disco contiene diez versiones de temas de The Beatles en clave jazz. A parte de los músicos mencionados anteriormente (Guri, Roar, Benavent, Font y Sunyer) también podemos encontrar a Miguel Garriga (banjo), Oriol Carreras (banjo), Ricardo Solís (trombón), Carlos Avallone (trompeta), Tomás González (saxo) y Ricard Gili (trompeta). Se trata de un curioso intento de llevar la música de The Beatles por otros terrenos musicales.

J.C. Miñana

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BAFFO BANFI: “Galaxy My Dear” (1978) & “Ma, Dolce Vita” (1979)

Giussepe Banfi “Baffo” para los amigos, fue un teclista excelente que formó parte de Biglietto Per L´inferno una banda progresiva fundada en Lecco en 1972 y que lanzó dos excelentes álbumes progresivos. La idea inicial de este artículo era hablar de ellos, pero me ha parecido más interesante hablar de los dos trabajos instrumentales de su teclista. 

Hasta ahora no me había dado por hablar de electrónica cósmica, para eso ya tenemos a J.J. que controla este tema y también es verdad que a ambos nos da por enredar con aparatejos que lleven teclas para hacer marcianadas y sonoridades que acojonen en los múltiples sentidos de la palabra. El tema de la electrónica siempre ha llevado a controversias. Dentro de los ámbitos más serios de los músicos “de verdad”, pianistas y virtuosos concretamente, la música electrónica deviene como algo “engañoso”, artificial. Yo recuerdo los comentarios de un amigo músico que en los 70´s vio en directo a Tangerine Dream. Recuerdo su sentencia como si fuese ahora: “creo que esto es una tomadura de pelo”. Yo estaba encantado con TD y aquello me sonó muy duro. Incluso afiló la crítica para decir: “me gustaría verlos con tres pianos a ver si son capaces de tocar “algo”. Esto me hizo pensar en que en parte, realmente tenía razón. Posteriormente se habló del término de “no música” cuyo principal exponente fue Brian Eno. Pero todo este tinglado venía de lejos y de los laboratorios donde se experimentaba con “ruiditos” a mediados del siglo XX. Desde luego no es lo mismo un “sintesista” que “un teclista”. Vale. Claro que a mi me encantaría tener ocho años de piano y conocimientos de armonía y composición. ¡A que músico con pretensiones no le gustaría!... Sería la hostia a la hora de enfrentarme a un sintetizador porque lo esencial estaría cumplido. Un sueño a día de hoy imposible. Pues fijaros que este es el caso de Baffo Banfi. Un tío competente a nivel técnico metido a sintesista. Una ventaja a la hora de hacer música es tener conocimientos, esto es importante y no siempre ocurre, aunque otra cosa es la imaginación. Hay buenos intérpretes, pero malos compositores y viceversa y gente mediocre y sin puta idea pero muy lista que se han hecho millonarios. La historia de la música está llena de estos ejemplos. 

En 1975 Klaus Schulze se fijó en este italiano, de hecho, su primer trabajo “Galaxy My Dear” de 1978 estaba dedicado al que consideraba su maestro y aquí encontramos todos esos “aparatejos” con los que muchos habríamos soñado tener: mini moog, micro moog, poly moog, ARP Odyssey, Roland, Farfisa, Logan, Solina etc etc… y a volar toca. Este disco puede competir de sobra con cualquier punto álgido en la discografía del ciborg alemán, pero claro el apellido Banfi no es Schulze y salvo fanáticos, este hombre no es muy conocido en el panorama de la música planeadora. Las melodías y los encantamientos de las seis piezas de este trabajo son de verdadero ensueño con un maravilloso empleo de los secuenciadores. Una electrónica celestial que invita al optimismo, llena de hermosas armonías y a perderte por fascinantes y a veces misteriosos parajes. 

Su siguiente trabajo “Ma, dolce vita” de 1979 supera incluso al anterior y ya fue fichado para el sello Schulze “Innovative Comunications”. Las melodías son deliciosas y el pulso de las secuenciaciones te empuja al cosmos para jugar en el vacío y en la flotación mental. Banfi sabe sacar partido a esos maravillosos sonidos analógicos que a veces rozan la ternura. La alegría es barata porque no cuesta nada. “Quelle dolce estate sul pianeta venere” es un ejemplo que lo hermosos que pueden ser los sintes bien empleados, pero la pieza que me pierde de este disco son los 18 mtos de la “fantasía de un planeta desconocido”, un verdadero laberinto de secuencias fantásticas como su nombre indica y una de mis piezas favoritas de toda la música planeadora que se ha grabado en la historia de este estilo. Una épica futurista que corre veloz a través de universos paralelos y agujeros de gusano y que hará las delicias de todo amante de la Berlin School en su lado más amable y menos frío. Preciosa. Banfi grabó un tercer álbum para IC llamado “Hearth” pero las tendencias robóticas de los 80´s ya habían enfermado cualquier atisbo de calidad y dio un paso en falso. Banfi dejó aquí su breve historia musical pero los dos discos mencionados son dignos de habitar en casa de cualquier amante de la electrónica progresiva.

Alberto Torró

Galaxy My Dear 1978

Temas

Galaxy My Dear 13:00

Audio Emotion 6:00

Paradox: Streams 5:00

Gang (For The Rock Industry) 6:00

Goodbye My Little Star 18:00

Ma, Dolce Vita 1979

Temas

Oye Cosmo Va 6:41

Quelle Dolce Estate Sul Pianeta Venere 6:05

Vino, Donne E Una Tastiera 7:14

Astralunato 3:51

Fantasia Di Un Pianeta Sconosciuto 17:57

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CAN - Landed (1975)

Este vinilo vino en el mismo lote que me traje de Andorra en 1976 con “Tago Mago” y así como el Tago me impresionó, éste no me dijo absolutamente nada. Incluso me arrepentí de haberlo comprado. No entendía algo tan diferente en un mismo grupo en una diferencia de cuatro años entre ambos discos. 

En 1975, todas las bandas clásicas de rock, de rock progresivo o de jazz rock o de lo que queráis en términos musicales, ya habían sacado sus obras principales, maestras o legendarias, según el adjetivo que os guste más utilizar. Entre 1967 y 1975 se hizo “todo”. Toda la cosecha principal de la alegremente llamada “música moderna” en todas sus variantes y estilos se encuentra concentrada en esos 8 años irrepetibles. Pero este período histórico ha sido explotado (y degenerado) sin embargo, para llenar cinco décadas de música. Obviaremos por supuesto el jazz y la música clásica porque ese es otro mundo que afortunadamente va por libre, pero en lo que a “rock” se refiere en términos globales, en ese período se encuentra su templo de shaolin y su oráculo de Delfos. Decirle a la gente que toda la música realizada en los últimos 50 años parte de una simplificación, decadencia, imitación, simulacro y degradación de todo aquello, puede que os parezca radical por mi parte y como diría Bugs Bunny con su… ¿qué hay de nuevo amigo?...absolutamente nada afirmaría. La música hoy, por llamarla de alguna manera, va a la par que el cambio climático, la clase política, los medios digitales y la tecnología del Smartphone, incluida la educación reggaetonera de las escuelas que de aquí a nada todo ello va a convertir el planeta en inaguantable. Un mundo de humanidades en todo su esplendor.      

La portada de “Landed” hace daño a la vista pero tiene su coña. Si la tomas como broma puede decorar incluso la carroza de algún desfile del orgullo alegre o también puede ser el cartel con las fotos de los maestros de una corrida de toros en las fiestas de minglanillas del campo. También tiene su punto de afiche de película Almodovar y su toque cutre cachondo, que para ser alemanes son la hostia y se lo han currao.

La “música” contenida en “Landed” define bien el concepto de esquizofrenia de un grupo inteligente que busca provocar y descojonarse. Este disco es su certificado de defunción y la paradoja del asunto es que quienes han aborrecido el lado anárquico de sus anteriores LP´s van a apuntarse a partir de este disco bendiciendo y laureando sus siguientes trabajos como “Flow Motion” de 1976, “Saw Delight” del 77 y los que siguieron. Yo no voy a hablar de estos álbumes y dejaré a CAN en este último artículo. Por respeto a ellos y a los que les gusta la música imaginativa. CAN quisieron hacer aquí una especie de disco de “rock”. “Full Moon in the Highway” es un ruidoso hard de estructura un tanto convencional con un Karoli desmadrado y agresivo. Adiós a las baterías imaginativas y los bajos pulsantes. “Half pas one” tiene un toque a españolada marciana con guitarra al estilo. Entre lo hortera y la broma decadente a lo spanish-hollywood. Por decir algo. “Hunters and Collectors” podría ser la banda sonora del peor film de 007 en las calles de Hong Kong o una de karate de serie b. También por decir algo. “Vernal Equinox” con sus 8 mtos nos da algo de “vidilla” recordando al CAN que fue pero ahora super enrockerizado con un Karoli sin miramientos. La batería de Liebezeit ya no tiembla como antaño aunque las disonancias y anti-reglas se incluyen aquí. Irmin rasga el órgano sin miramientos y la lejía y el salfumán vuelven a salpicar el suelo que pisas. Etnicismos completan algunas fases del tema que por otra parte es infumable y escuece como una picadura de avispa.  

Das la vuelta al LP y aparece “Red Hot Indians” ni se calificarla. Imagino a Lou Reed borracho y a los CAN aburridos y abúlicos en plan…vaya mierda que estamos grabando. “Unfinished” acaba en forma pesadilla atmosférica sonora en 13 mtos que dicen adiós a lo que fueron, pero que ya no pueden ser, ni quieren. Pieza como perdida entre tumbas de niebla y fuegos fatuos completamente experimental que no pega nada con el resto del disco. A estas alturas yo creo que les daba ya igual todo. Con los años salieron cosas interesantes como las “Peel Sessions” que abarcan del 73 al 75 con excitantes jams e improvisaciones y el “Box Music Live” con piezas del 71 al 77. Ambos bastante recomendables.

Alberto Torró 

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