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martes, 3 de mayo de 2016

Darryl Way's Wolf - Saturation Point 1.973

El violín es considerado un instrumento principalmente clásico pero en multitud de ocasiones lo podemos oír en temas netamente rockeros. Notables maestros del instrumento dentro del  rock podrían ser Jerry Goodman (The Flock, Mahavishnu Orchestra) , Robbie Steinhardt (Kansas), Papa John Creach (Jefferson Starship), Eddie Jobson ( Jethro Tull, Roxy Music, U.K., King Crimson, Frank Zappa), Jean Luc Ponty y por supuesto nuestro protagonista de hoy Darryl Way.


Darryl Way (violín, teclados ,voz) después de abandonar Curved Air ( 1.972) con los que había grabado tres discos ("Air Conditioning", "Second Album" y "Phantasmagoria") decide formar su propia banda junto a John Etheridge (guitarra), Dek Messacar (bajo) y Ian Mosley (batería). En el 73 editan dos discos, "Canis lupus" y "Saturation Point", y otro al año siguiente, "Night Music. La banda no tendría mayor recorrido debido a que Darryl decide volver con los Curved Air.


Darryl Way's Wolf nos presentan una virtuosa mezcla de rock, jazz, progresivo y clásica. Teniendo como protagonista el violín de Darryl Way podemos escuchar siete temas donde combinan fuerza, "The Ache", " Game of  X" o "Toy Symphony", con delicadeza de auténtica belleza, "Slow Rag". Un continuo diálogo entre el violín de Darryl y la guitarra de John Etheridge (Soft Machine) acompañados por una excelente sección rítmica, Dek Messacar (CAravan) e Ian Mosley ( Trace, Steve Hackett ,Marillion). Disco prácticamente instrumental que nos puede recordar a gente como la Mahavishnu Orchestra, Caravan y por supuesto a Curved Air.






Temas

1 The Ache 00:00
2 Two Sisters  04:52
3 Slow Rag 09:12
4 Market Overture 14:31
5 Game Of X 18:11
6 Saturation Point 24:00
7 Toy Symphony  30:45
Bonus Tracks
8 A Bunch Of Fives 38:00
9 Five In The Morning 41:31
10 Two Sisters (Single Version) 44:10

Formación
-Darryl Way : violín, teclados
- John Etheridge : Guitarras 
- Dek Messecar : bajo, voces 
- Ian Mosley : batería 

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lunes, 2 de mayo de 2016

Ensayos sobre un sonido (EM): MICKIE D'S UNICORN - Same (1979) (colaboración J.J. Iglesias)

Hace como una semana, tuve que enfrentarme a este disco sin tener ni idea de qué  era. Allí  estaba olvidado en la tienda, sin que nadie se percatara de su presencia. Por fortuna, mi ultradesarrollado sentido arácnido  coleccionista, evolucionado en una mutación fruto de miles de cazas vinílicas, me avisó  a tiempo. Las únicas  pistas que tenía eran que procedía  del sello Innovative Communications, propiedad de Klaus "The Watcher" Schulze. Y que él  mismo lo producía. Vale, el Schulze en 1979 no iba a contratar al rey del reggaetón, eso está  claro. Así  que procedí a llevármelo e iniciar la investigación tranquilamente, en casa. 



En primer lugar, y como pista definitiva, fue que el misterioso "Mickie  D" era ni más  ni menos que Micky Duwe. Agitador underground de los 60 en su Berlín natal. Miembro inicial de Agitation Free y de Ash Ra Tempel. Se le pude oír en el alucinado, literalmente, "Seven Up", junto a Timothy Leary. Viendo su foto de contraportada, en la que parece una mezcla de Arthur Brown y Sacha Barón Cohen, te puedes hacer una idea del individuo. Y en el texto incluido, Schulze alaba su técnica a la guitarra. No es su única virtud. Reputado sintetista y mejor cantante y compositor. De voz cálida entre Andy Latimer y David Bowie. En 1974 edita con su grupo Metrópolis su único  y magnífico  disco. De aquí  se trae al teclista Manfred Opitz. El cual se encarga de las cuerdas en el Polymoog. Mientras que el resto de teclados son cosa de Duwe: ARP Odyssey, Polymoog, Minimoog, PPG Sequencer y EMS Vocoder. Aparte de las planeadoras guitarras y atrayente voz. Helmut Hattler al bajo. El misterioso "Sunshine" en la batería. ...que no es otro que Michael Shrieve. Que de Santana se pasó a éstas  músicas colaborando habitualmente con Stomu Yamashta, Klaus Schulze o Automatic Man. Jon Fride ayuda a las percusiones. Y parece que hasta Manuel Gottsching le echó  una mano en la pre-produccion,en su estudio "Roma".

"In Times of the Unicorn" (6'14) no anda lejos de los Gong de "You" por sus hillagescas guitarras. Incluso se acerca a unos Camel bañados en ácido. "The Witch" (4'54) utiliza como columna vertebral sonora un coqueto secuenciador rociado de perfume lisérgico guitarrero. Las melodías  vocales son extremadamente cuidadas. Hawkwind no anda lejos. Brillante. La breve "Sundayborn Child" (2'40) casi podría  ser Richard Sinclair en sus Caravan más sobrios. 

Mientras que "The Searcher" (5'31) sin dejar de ser kraut electrónica,  abre una puerta a los 80. Acercándose  a maneras próximas  de Ultravox, Magazine, Tubeway Army o Japan. Todos deudores de la corriente alemana.

En la otra cara Duwe se encarga de todo en "Little Red Riding Hood" (3'57), reggae cósmico  con similitudes al "Another Brick in the Wall". Pura secuenciación  Tangerine Dream abre "Black Riders" (5'06). La guitarra vuelve a acercarnos a Hawkwind, por su símil a Huw-Lloyd Langton. Shrieve motoriza la pieza, muy dispuesta para el directo.

En "West of the Moon" (3'35) también es Duwe el encargado de todo, desde el novedoso Vocoder a su mutación en balada acústica -sintetizada, algo esquizoide. Piensa en los comienzos de Eno. Por último "A: Elbereth" (6'08) es otra sobresaliente exhibición  space,  con finas guitarras y tratamientos electrónicos  elegantes. Incluye cello y oboe.

La voz, muy Sinclair, te recordará  a éste  con Camel. Pero al amparo de una instrumentación definitivamente kosmische. Un bonito disco, (la portada de Arnd Maibaum contribuye a ello), de notable alto, en mi veredicto final. Y yo sin saberlo. Micky Duwe colaboró  en el "Departure from the Northern Wasteland" de Michael Hoenig, (ya reseñado).

Y en trabajos de Conny Plank, Manuel Gottsching, Klaus Schulze, Mike Shrieve o Jaki Liebezeit. Luego grabó algún  disco más,  dedicandose principalmente  a la producción de bandas sonoras para documentales y encargos similares.

Una vez más,  mi sentido vinilo-arácnido no me falló.

P.D.
"Lo divertido es que la gente hoy piensa que esto es revolucionario y copian los sonidos que nosotros utilizamos en los viejos tiempos"
LARRY FAST




Temas

A1 In Times Of The Unicorn 00:00
A2 The Witch 06:15 
A3 Sundayborn Child 11:07 
A4 The Searcher 13:44 
B1 Little Red Riding Hood 19:15
B2 Black Riders 23:12 
B3 West Of The Moon 27:39 
B4 A: Elbereth 31:50




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domingo, 1 de mayo de 2016

Dickey Betts Band - Lone Star Roadhouse 1988

Dickey Betts, gran guitarrista sureño, que estuvo a la sombra de Duane Allman hasta que este  murió y tuvo que asumir el liderazgo de los Allman Brothers. Temas tan representativos de la banda como  "In Memory of Elizabeth Reed", "Blue Sky","Jessica" o "Ramblin' Man" llevan su nombre..


En 1.988 Dickey Betts ya había editado un disco en solitario, "Highway Call " (1.974), y dos discos más con su banda Great Southern, "Dickey Betts & Great Southern" (1977) y "Atlanta's Burning Down" (1978). En octubre de ese mismo año publicó su tercer disco con Great Southern, "Pattern Disruptive". También durante ese año estaría en conversaciones con Gregg Allman para la vuelta a la carretera de The Allman Brothers.


La grabación nos presenta la actuación de Dickey Betts en el Lonestar Roadhouse, Nueva York, el 1 de noviembre de 1.988. El sonido es excelente ya que está tomada de la FM. El Setlist lo componen fundamentalmente la totalidad ( excepto "Stone Cold Heart" y "C'sst la Vie") de su disco "Pattern Disruptive", editado en octubre. También podemos escuchar temas míticos de su etapa con los Allman: "Blue Sky", "In Memory of Elizabeth Reed", "Jessica", Statesboro Blues" , "One Way out" y " Southbound". Dickey está acompañado por Warren Haynes (Slide guitar), Johnny Nell (teclados), Matt Abts ( batería) y Marty Privetle ( bajo). El fin de fiesta lo encontramos en el segundo CD donde se unen Rick Derringer, Jack Bruce y Mick Taylor. Dos clásicos más "Rock & roll Hoochie Coo" y " Spoonful". En definitiva rock sureño en su máxima expresión.




Temas
CD 1: 
1. Rock Bottom 00:00 
2. Blue Sky 07:00 
3. Time To Roll 15:25
4. Duane's Tune 21:40 
5. The Blues Ain't Nothing 28:20
6. Far Cry 32:40 
7. Heartbreak Line 38:00
8. In Memory Of Elizabeth Reed 43:20 
9. Loverman 58:03
10. Jessica 01:03:20 
CD 2: 
1. Under The Guns Of Love 01:19:25
2. Statesboro Blues * 01:26:30 
3. One Way Out * 01:33:20
4. Rock 'n Roll Hoochie Coo * 01:42:50 
5. Spoonful ** 01:47:55 
6. Southbound ** 01:59:40

Formación
Dickey Betts: guitarra, voz
Warren Haynes: Slide guitarra, voz
Johnny Nell, teclados, voz
Matt Abts: batería
Marty Privetle: bajo

Invitados:
Rick Derringuer * / **
Jack Bruce: **
Mick Taylor **

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sábado, 30 de abril de 2016

Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: CUARTO MENGUANTE (colaboración de Félix Jota)

Grupo sevillano formado en 1978 por el cantautor Paco Urizal, que recluta a los Ex-Tiza Pedro Menchén y Valentín Ponce, con la idea de hacer música instrumental, que queda plasmada en una maqueta que presentan a la discográfica Movieplay, la cual les ofrece un contrato para grabar tres discos. 


El primero de ellos “Rompehielos”, publicado en 1980, en el que destacan las tres piezas instrumentales. “El Jovo”, nombre de una calle sevillana en el que pueden recordar a Imán, “La Roda”, último corte del Lp con buena percusión a cargo de Pedro Castro, y el tema más largo de casi diez minutos que titulan con el nombre del grupo, que puede ser el más brillante, acercándose tímidamente al sonido de Guadalquivir. Eso si, salvando las distancias. Los otros tres temas, ya cantados, desvirtúan un poco este primer trabajo, con letras un tanto insulsas, que se dejan ver, por ejemplo, en el tema que abre el disco, que es “Canción de la luna”.


 El grupo no queda contento con el resultado final, ni con las labores de producción a cargo de Gonzalo de la Puerta. Para colmo de males, les roban el equipo por dos veces, pero deciden seguir adelante, sacando al mercado un nuevo LP.


   “Buscando la sombrita” se lanza en 1981 y con solo ver la portada ya se puede adivinar que no será tan bueno como el anterior. El sonido es más que decepcionante, alejado totalmente de las raíces andaluzas, excepto en el tercer corte “Peineta”, con una duración de más de siete minutos y que cierra la Cara A. “En “Celeste”, último tema de los siete que componen el disco, cuentan con la colaboración de Gualberto al sitar. “Bolero”, adaptación de un tema de Maurice Ravel, editado en single acompañado de “Como si fueras el sol”, les trae algún contratiempo. Movieplay retira su promoción por conflictos con la editorial propietaria de los derechos de Ravel, después de haber hecho giras y varios conciertos por toda España. Anteriormente habían logrado colocar la canción en la lista de los 40 Principales del mes de Noviembre de 1981, eso si, en la última posición.


  Pierden el apoyo de la discográfica, y lo que se iba a convertir en el último de sus discos para cumplir así su contrato, se queda en proyecto. Quizás hubiera sido el más interesante y progresivo, puesto que era todo instrumental y con sonidos más experimentales. Ahí acaba la historia del grupo, con la carta de libertad debajo del brazo. Habrá que confiar en que algún día vean la luz esas grabaciones. Y también en que se reediten sus dos obras. No son de arte, pero no estaría nada mal una buena remasterización.

  Paco Urizal y Valentín Ponce graban conjuntamente un Lp en 1986 con el nombre de L.U.T.O. (La Única Tribu Organizada) con el título “The story of nipper”, con buenas guitarras y teclados pero muy alejados del sonido andaluz, haciendo una música electrónica y experimental. Ponce edita trabajo en solitario en 1995, “Mi paraíso privado” y colabora en varias grabaciones de estudio como músico de sesión (Kiko Veneno, Raimundo Amador, Lole y Manuel…). Urizal falleció en el mes de Abril de 2005. El tema “Bolero” está incluido en los recopilatorios “Hijos del Agobio y del Dolor” (Dro Atlantic 2006) y ”Pioneros, lo mejor del Rock Andaluz” (Warner Music 2016).

FORMACIÓN
PACO URIZAL: Guitarras y Voz
VALENTÍN PONCE: Guitarras y Coros
PEDRO MENCHÉN: Bajo y Coros
JESÚS JIMÉNEZ: Batería y Percusión
PEDRO CASTRO: Percusión

DISCOGRAFÍA:
Rompehielos 
(Movieplay 1980) Referencia 17.1592 LP





Buscando la Sombrita 
(Movieplay 1981) Referencia 17.2915 LP


Singles
Canción de la luna/El Jovo
(Movieplay 1980) Referencia 02.1456 SINGLE

Madre hay en Sevilla/La Roda
(Movieplay 1980) Referencia 02.2110 SINGLE

Bolero/Como si fueras el sol
(Movieplay 1981) Referencia 02.2915 SINGLE



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viernes, 29 de abril de 2016

Nazareth - The Catch 1.984 (colaboración Christian Jiménez)

Ya lo comenté en su momento:

A mediados de los '80 la industria musical pegó un vuelco de tres pares de narices, y las modas imperantes del momento cambiaron el rumbo de muchísimas bandas, que se veían impotentes ante sus competidores más jóvenes, que iban surgiendo a cada segundo que pasaba en aquella década.

Muchos grupos tradicionales intentaron experimentar con los sonidos y estilos que más pitaban y, o muchos se pegaron el castañazo, o por suerte consiguieron gustar a las nuevas generaciones.

Están los casos de ZZ Top, Uriah Heep o YES, que sí fueron alabados por sus seguidores de toda la vida y por una legión de fans con sangre fresca que les acogieron con los brazos abiertos...pues esa no fue precisamente la situación para los escoceses Nazareth.


Este puñado de “rockeros” de pura cepa originarios de las tierras de Dunfermline se alinearon a finales de los '60 y la verdad es que no inventaron nada nuevo, pero explotaron como nadie el “hard rock” más potente y clásico que tan en boga estaba en los '70, derivado de gigantes como Led Zeppelin, FACES, FREE, etc..

Además ellos aprovecharon todas sus influencias y en cada uno de sus discos se podían escuchar interesantísimas mezcolanzas del “rock” más básico, “boogie rock”, un sentimiento muy “country” y “blues”, pinceladas de “soul” (que Otis Redding sea el cantante favorito de Dan McCafferty tiene mucho que ver) y una vena “popera” que resaltaba su lado más comercial.

Durante toda esa década se hicieron un nombre en la historia de la música, y aunque siempre quedaban por debajo de otros monstruos como Purple, Sabbath o Tull, es innegable la aportación que hicieron al género con una serie de álbumes ya emblemáticos, como “Razamanaz” ('73), con el que consiguieron su primer éxito en los “charts”; “Hair of the Dog” ('75), su obra maestra que les hizo coronarse como una banda de primera clase gracias a perlas de la talla de “Changin' Times”, “Love Hurts”, o “Whiskey Drinkin' Woman”, y “No Mean City”, en el que añadieron al guitarrista venido de Tear Gas y de la Sensational Alex Harvey Band, Zal Cleminson, y facturaron sin duda su trabajo más duro y además pionero de la posterior N.W.o.B.H.M. que vendría en los '80, entre otros muchos más trabajos de gran calidad como “Close Enough for Rock 'n' Roll”, “Loud 'N' Proud” o “Expect no Mercy”.

Su época dorada duró esos diez años, ya que al entrar la nueva década se volcarían de lleno en un dulcificado “AOR” muy enfocado a las emisoras FM con “Malice in Wonderland”, que aún resultaba decente y no sólo eso, sino que en realidad gozaba de gran atractivo musical e interesante escucha. Cleminson se largó del grupo, quizá por diferencias musicales, y entró por primera vez, un teclista oficial, John Locke, que se encargó de tal labor en “The Fool Circle”, un disco que ya muestra el camino que iban a seguir Nazareth, con secuencias y efectos de batería y tonos muy “aoreros” y “poperos”, aunque sin duda era más “rockero” que el anterior.

De repente entró otro miembro en el barco, el joven guitarrista Billy Rankin, y así, el sexteto realizó en 1.982 su mejor obra en la década tras el mítico álbum en directo “'Snaz”, “2XS”, una espectacular combinación de puro “hard rock”, “pop” directo para la radio y el “AOR” más ochentero. “Love Leads to Madness” y “Dream On” fueron de los cortes más recordados, aunque hay otros buenos momentos.


A partir de ahí todo fue cuesta abajo. La discográfica A&M presionó a los músicos para que repitieran el éxito de “Dream On” y así salió lo que salió, un completo abandono de sus raíces para dedicarse en cuerpo y alma al “pop rock”. Tras irse Locke, “Sound Elixir” fue la respuesta a la gran pregunta “¿podían seguir Nazareth?”. Un LP que representa su peor esfuerzo y donde lo único que se puede rescatar es el primer tema, “All Night Radio”, y la balada “Where Are you Now?”.

Nazareth cayeron, fueron relegados al estatus de “dinosaurios”, Rankin se fue para probar suerte en solitario y de nuevo como cuarteto, los chicos firmaron un nuevo contrato con Vertigo. En aquellos momentos estaban despuntado obras tan atrayentes y exitosas como “Pyromania”, “Eliminator”, “Agent Provocateur” o “MCMLXXXIV”. Discos que probaban que adaptarse a las modas no parecía algo tan malo. Pero hay que puntualizar que, por A o por B, ciertas bandas no estaban hechas para tener éxito también en la misma época. Y eso mismo intentaron demostrar los escoceses. Así que en Septiembre de 1.984 salió a la venta “The Catch”, el más “pop” de todos los trabajos que hizo y que haya podido hacer el grupo en toda su carrera.


Y es que, si bien es el disco menos “nazarethiano” que se haya escuchado, como disco de “pop rock” individual tampoco está tan mal, si uno pone en suspenso el conocimiento que tiene de “Expect no Mercy” o “Hair of the Dog”. Es decir, uno haría mal en acordarse de que los tipos que abren con el primer tema del LP son los mismos que daban la caña que daban en “Beggar's Day/Rose in the Heather”.

Así que lo mejor es oírlo sin prejuicios. Asimilado ese gran esfuerzo, “The Catch” resulta disfrutable, divertido, y, dicho sea de paso, poseedor de muy buenos temas. No tiene nada que ver con el anterior “Sound Elixir”, que sonaba muy incoherente, muy inofensivamente “aorero”, muy flojo en sonido.

“The Catch” tiene todo su punto de mira en explotar el filón del “pop” americano en su máxima expresión; grandilocuente, comercial a más no poder, de nuevo haciendo uso de secuenciadores y de las más modernas tecnologías de la época para sonar moderno y fresco, y con retazos “rockeros” muy pronunciados si uno se fija bien. Si en vez del nombre de Nazareth hubiera estado el de una banda novel americana nadie sería tan duro a la hora de juzgarlo:



-El LP comienza con la extensa “Party Down”, “popera” a más no poder y que demuestra la senda que toman los de Dunfermline de una vez por todas. Muy entretenido, de gran ritmo, con teclados despidiendo azúcar glas, una batería electrónica de lo más cuca y McCafferty intentando sonar a lo Lou Gramm (pero sucumbiendo a su cada vez más gastada garganta), se desarrolla durante más de seis minutos, mezclando guitarras eléctricas con acústicas y manteniendo una sección rítmica constante, donde hay un solo de guitarra de Charlton que resulta raro de oír entre tanto secuenciador y un estribillo muy (pero muy muy) repetitivo, con unas letras que hablan de una noche de fiesta lúdica llena de alcohol y chicas...y punto.


-El siguiente es una interesante y emotiva versión del “Ruby Tuesday” de The Rolling Stones, que Nazareth traen a su nuevo terreno súper “popero” y que sacaron como un primer “single” que gozó de algún éxito en los “charts”. Aunque esto no pasa de ser una curiosidad más. Habría estado bien verles versionear este tema en la época del “Play'n' The Game”.


-Mucho más “rockera” se muestra “Last Exit Brooklyn”, con McCafferty haciendo uso por fin de su técnica tan cazallosa de cantar en un tema trepidante y espectacular, nuevamente lleno de ritmo y buen “feeling”. Uno de los mejores del LP, que nos pone de manifiesto que Nazareth siguen siendo capaces de dar caña, aunque sea entre teclados y sonidos muy comerciales.



-Por desgracia, para calmar el asunto, se presenta sin avisar “Moondance”, tímido, suave, entrañable, más propio de los MAGNUM o JOURNEY más “aoreros”, que sin duda resulta el menos interesante del LP. Es de esas canciones que uno espera escuchar acompañando a los créditos finales de cualquier película romántica de los '80.



-Se acaba ese chicle musical y llega una de las mejores baladas jamás hechas por la banda, “Love of Freedom”. Y es que Nazareth lo bordan con sus baladas, no es algo que no se sepa. Esta, en concreto, es un pomposo corte, denso y épico, y con una tensión que se desarrolla poco a poco entre la rasposa y “nueva” voz de McCafferty y los redobles de la batería hasta estallar entre los baquetazos de Darrell Sweet en el minuto 3:52, tras escuchar “Hay muchos momentos para oír los nombres de los amigos que han estado ausentes. Quizás de vez en cuando sigas recordando el dolor, como si fuera ayer”.


-Con esto llega la canción más dura del álbum, la más “rockera” y pesada, que desentona bastante entre tanto caramelo musical, “This Month's Messiah”. La desesperación, la incertidumbre y las ansias de encontrar una salida son las pautas que marcan las líricas: “Sólo soy un forastero buscando la tierra sagrada; sólo soy un cuerpo perdido, pero mi alma puede ser hallada […] Soy un luchador harto de vivir bajo amenaza…¿pero estoy buscando amar o huir? ¿Cuántas millas hay?, ¿cuántas millas quedan hasta Babylon?”.
Un corte que más habría valido dejarlo para el álbum que vendría después de “The Catch”, “Cinema”, mucho más duro y emparentado con el “heavy metal” americano de los '80, aunque también de tendencias “pop”.


-Paréntesis de más de seis minutos para sumergirse en la piscina del “techno pop” y desvaríos “disco” con “You don't Believe In Us”, una canción similar a “Party Down”, con un ritmo constante dominando los secuenciadores y una tímida guitarra eléctrica, además de sustentarse la teoría de que está dedicada al manager de la banda, Jim White, por razones que ya conoceremos. “Nunca te pedí dinero, sólo necesitaba algo de tiempo. Cogiste más de lo que diste y te quedaste al margen […] Nunca me hiciste favores, nunca te debí nada. Nunca sabrás por qué sueñas lo que traerá el mañana. No crees en nosotros, sólo querías nuestras mentes; no crees en nosotros, sólo estás compensando nuestro tiempo”, decían las amargas letras. Pero si por algo se hace este tema más disfrutable que ninguno es por su minuto y 52 segundos del final, donde los empalagosos teclados se unen a una emotiva y casi melancólica guitarra de Charlton, acentuándose el ritmo de la batería y creando un extravagante y bailable espectáculo “pop” que resulta imposible no seguir con los pies.


-El “rock” vuelve, gracias a Dios, con el animado corte “Sweetheart Tree”, de lo mejorcito del LP, que bien podría pertenecer a Night Ranger o a cualquier otra banda de “AOR” de los '80, regalándonos otro momento muy divertido con unas inofensivas melodías la mar de adictivas y coros repetitivos y contagiosos.La magia del sencillo “hard rock” que ha caracterizado siempre a Nazareth se muestra bien esta pieza de poco más de tres minutos.


-Otra revisión que llega para acabar el “track listing” del LP es la del clásico de los '60 “Road to Nowhere”, que firmó el matrimonio Gerry Goffin y Carol King, y que Nazareth versionan magistralmente, porque en eso tampoco fallan los escoceses, a la hora de reinterpretar canciones de otros lo clavan. Meten en terrenos “poperos” y comerciales una pieza que perfectamente sirve para cerrar un plástico de estas características, si uno presta atención al título de la misma (“carretera a ninguna parte”). El grueso bajo de Pete Agnew resuena más aquí que en cualquier otro tema.



-La cara “B” del “single” de “Party Down” traía el adictivo “Do you Think About It?”, otro lúdico momento que tampoco es que se saliera mucho de los parámetros que había trazado la banda, aunque ya podían haber dejado este en el LP en vez del pastoso “Moondance”. El estribillo hace que sea un muy coreable y bailable corte.


-Una rareza posteriormente editada y remasterizada es una pieza que pertenece a las sesiones de “The Catch”, llamada “S.O.S.”, que abusa también del uso de secuenciadores, teclados y baterías electrónicas, pero que a la vez resulta distinta, más densa y oscura y con un sentimiento “rockero” muy emparentado al de “Last Exit Brooklyn”, por poner un ejemplo.

Y aquí se acaba la cosa.

Este disco no se presentó en EE.UU. hasta más tarde, pero tuvo un buen recibimiento en muchos países de Europa, como Alemania o Noruega, no obstante, como es obvio, no obtuvo ninguna repercusión.

La verdad es que este no fue el período más brillante de los chicos, aunque sirve para mostrar el lado más oscuro de su carrera (aunque resulte paradójico, debido a la diversión que está impregnada en este LP), tanto a nivel creativo como a nivel profesional.
Muy acertado comentar eso, ya que su manager (del que hablamos antes) reeditaba y distribuía ilegalmente muchos de los trabajos del grupo en su propia discográfica, Sahara Records, que fueron quitados de en medio en cuanto el cuarteto fue a juicio y ganó el caso.

Tras esta racha de baches infinitos Nazareth reorganizaron sus ideas y junto a su ingeniero de sonido, Calum Malcolm, y Doug Banker, un buen amigo de A&R, hicieron lo imposible para realizar uno de sus mejores esfuerzos en años, “Cinema” ('86), aunque ya es irse muy lejos.

Para la posteridad queda esta rareza de los creadores del “Hair of the Dog”, un trabajo con el que intentaron renovarse para calar en el panorama moderno de aquella década pero que les llevó a fracasar estrepitosamente, además de pronunciarse el desgaste de cuerdas vocales que arrastraba McCafferty desde 1.982.

Bien escuchado, como se ha dicho, es un buen disco. Como disco de “pop rock” no está mal, pero el nombre de Nazareth para nada se identifica con él; así que, que alguno de sus temas fuese interpretado por el grupo en años posteriores en concierto es muy poco probable.

Sin embargo, como dijo un crítico musical hace unos años: “Para sufrir con cualquiera de esas bandas ñoñas de “pop” ochentero me quedo con Nazareth”...yo también opino lo mismo.

(Mejor canción: “This Month's Messiah”).

Nazareth The Catch (Deluxe Edition)

Temas
1. "Party Down"
2. "Ruby Tuesday"
3. "Last Exit Brooklyn"
4. "Moondance"
5. "Love of Freedom"
6. "This Month's Messiah"
7. "You don't Believe In Us"
8. "Sweetheart Tree"
9. "Road to Nowhere"

10. "Do you Think About It?"
11. "Party Down (Single version)"
12. "Last Exit Brooklyn (Alternate version)"
13. "You don't Believe In Us (Edit version)"
14. "Party Down (Live in Germany '84)"
15. "Ruby Tuesday (Live in Germany '84)"
16. "This Month's Messiah (Live in Germany '84)"





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miércoles, 27 de abril de 2016

TOUCH - Touch 1.969 (colaboración J.J. Iglesias)

'Iba por la carretera a las dos de la mañana, en el medio de la nada por Kansas, era el 69 o 70. Y escuché aquella increíble  canción titulada "Seventy-Five". Tuve que parar la furgoneta y asimilar lo que estaba escuchando. Al día  siguiente me compré  dos copias de su album. Una para absorberla y otra para la posteridad". KERRY LIVGREN (KANSAS).

Se ha especulado mucho sobre cuál es el primer álbum progresivo de la historia. Posiblemente sea éste. 

Todo lo comenzó  un geniecillo llamado Don Gallucci. A la edad de 15 años ya estaba componiendo con The Kingsmen. La intro al piano de "Louie, Louie" es Don. Pero no pudo salir con la banda a la carretera por la prohibición  de sus padres, dada su edad. Luego montaría Don and The Goodtimes. El embrión que daría con los definitivos Touch. 

Cuidado con el nombre porque ha sido utilizado por unas cuántas bandas más . Estos eran de Portland, Oregón. Y practicaban una suerte de psicodelia altamente avanzada para su tiempo. Seguramente por el impacto causado por el "Sergeant Pepper" beatleliano. Aunque éstos  rizaron el rizo considerablemente. Que en pleno 1968 es puro proto (de facto) progresivo sin concesiones. Consiguen que London Records/Coliseum, subsidiaria USA de Decca-Deram los contrate y les suelte un adelanto de 25000 pavos de los de entonces. Así  que se encierran en los legendarios Sunset Sound Recorders de Hollywood. El momento y el tiempo oportuno. Aquello es una fiesta continua. Con visitantes como Mick Jagger, Jimi Hendrix o Grace Slick. Jodo. Y sobreviven. Gallucci ya utiliza un audio-generador a modo de sintetizador primerizo. Además de organo y piano, del que es un virtuoso. Debussy o Ravel se escapan de sus dedos a la más  mínima. Apoya la sensacional guitarra de Joey Newman. El bajo cavernoso de Bruce Hauser. La técnica sobrada de John Bordonaro en el kit percusivo. Y una voz de auténtico  lujo con Jeff Hawks. Todos hacen voces, y este es un punto fuerte en las capacidades de Touch. El barroquismo psych te lleva directamente a un prog rock con denominación de origen. 



Canciones como "We Feel Fine", "Friendly Birds", "Miss Teach", "Down at Circes Place" y "Alesha and Others" son un puro prólogo a Stories, Procol Harum, Moody Blues, Argent, Gracious, Rare Bird o Beggars Opera. Son temas de no más  de cinco minutos, pero están  llenos de armonías,  cambios de ritmo, duelos guitar-organ, pasajes bucólicos estilo Spring o sección rítmica de regusto jazzy. Por si no era suficiente, te lo dan a borbotones en "The Spiritual Death of Howard Greer" (9'31) y "Seventy-Five" (10'58). Una auténtica  gozada. Porque no se han enterado en El Vaticano, que si no dicen que es "pecao". El disco se edita a comienzos del 69 con muy buenas críticas. La disquera les pide salir a la carretera a promocionarlo y Gallucci se niega. Aludiendo que es imposible reproducirlo tal cual en vivo. Esto provoca la disolución de la banda. Gallucci se hace productor y A&R de Elektra Records. Parece increíble que esté  detrás de la producción de una burrada sónica  como es el "Fun House" de los Stooges!!! Joey Newman se va a Blue Mountain Eagle. Pero en el 74 se alía  con sus viejos compañeros Jeff Hawks y Bruce Hauser. Y con Don Gallucci como invitado lanzan el tremendo único  album de Stepson. Hard rock blues sin compasión y pieza de coleccionista.

"Touch" es un álbum alabado y reverenciado no sólo  por Kerry  Livgren. También  por Yes, Genesis, Uriah Heep ( a éstos  les marcó  especialmente), y últimamente he visto cómo lo reivindicaba Dave Brock (Hawkwind) en un reciente número  de la Prog Magazine.

Unos visionarios con "toque" divino.

Temas

We Feel Fine

Friendly Birds


Miss Teach

The Spiritual Death Of Howard Greer

 Down At Circe’s Place


Alesha And Ohers


Seventy Five


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martes, 26 de abril de 2016

THUNDERMUG - Orbit

Nuevamente una banda canadiense en Rockliquias. Durante la década de los 70 multitud de bandas canadienses quisieron abrirse al mundo y lo cierto es que muchas de ellas lo consiguieron.


Joe de Angelis (guitarra y voz) y Bill Durst (teclados y guitarra) se conocieron en la escuela de London , Ontario, a comienzos de los 70. Para su primer grupo, Pink Orange, contaron con James Corbett (bajo) y Ed Pranskus (batería). Durante algún tiempo estuvieron tocando por los locales de la zona canciones de Beatles, Stones, Led Zeppelin, etc. En una de esas actuaciones Wyn Anderson los escucha y los ficha para Axes Record. Bajo la producción de Greg Hambleton y  Terry Brown graban su primer disco, "Thundermug Strikes", en los Toronto Sound Studios, en la primavera del 72. La grabación contenía una versión del famoso tema de The Kinks, " You Really Got Me". Su segundo disco llegaría en el 72, "Orbit". Ese mismo año editan un disco recopilatorio para el mercado americano.  En 1.974 editan, "Ta-Daa", con una versión de los Beatles, " Drive My Car". Tras su publicación Joe de Angelis dejó la banda que continuó dando conciertos hasta 1.976. A partir de ese momento sus miembros tomaron caminos muy diferentes.


Thundermug nos ofrecen rock puro y duro con algunos toques hard fundamentalmente por los magníficos riffs de guitarra. Disco con diez temas de corta duración totalizando menos de media hora de música. Influencias podrían ser los primeros Who. Combinan temas rockeros con otros más acústicos e innovadores, "Molly-o" o "To Tell The Truth". Destacable el tema "Bad Guy".







Temas

A1 Orbit  00:00 
A2 Molly-o  02:41
A3 Victoria Muse  06:29
A4 Mickey Mouse Club  08:22
A5 The Investigator 11:05
B1 Garden Green 13:32
B2 Boy, You'be Got A Lot To Learn 17:28
B3 We'll Never Forget 20:18
B4 Bad Guy 23:33
B5 To Tell The Truth 27:50

Formación
Joe de Angelis : guitarra y voz
  Bill Durst : teclados y guitarra
James Corbett :bajo
 Ed Pranskus :batería

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