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LIFE - When It Comes To The Push 1973

Hasta el último momento he estado tentado de incluir este disco en el apartado de bootlegs pero al final he decidido que su lugar oportuno es la sección de los martes ya que la grabación fue editada y producida por los propios músicos. Cierto es que no se si realmente el grupo se llama Life,  ni tampoco que el título correcto sea "When It Comes To The Push" pero me parecía lo suficientemente interesante para los lectores de Rockliquias.


 Como era de esperar los datos sobre el grupo son casi nulos. Se formaron en diciembre de 1972 y parece ser que eran suizos. La banda estaba formada por Urs Frey (teclados, guitarra), Werner Ammann (bajo) y Toni Huber (batería). Su bajista posteriormente grabó dos discos, "Peace Again " (1980) y Second Sight " (1981) con el grupo Swiss Horns. Nada mas que añadir.

En cuanto a la grabación se trata de la actuación que realizó la banda el fin de año de 1972, tan solo tres días después de su primer ensayo. El "setlist" está compuesto por cuatro  temas totalmente instrumentales que ni siquiera tienen título. Son extensas improvisaciones realizadas en directo en el Jugendhaus Brugg de Suiza. Los temas uno y tres son fundamentalmente rock blues donde la guitarra solista de Frey es la protagonista rivalizando en la tercera composición con un contundente Ammann al bajo. Los temas dos y cuatro son totalmente diferentes, en ellos Frey se sienta en el taburete de su órgano y trata de emular a todo un Keith Emerson, sin duda un contraste singular. 
J.C.Miñana



Temas
1. Untitled - 00:00 
 2. Untitled -  13:27 
 3. Untitled -  23:10 
 4. Untitled - 32:05



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PETER MERGENER & MICHAEL WEISSER - Phancyful - Fire (1985 / IC)

Durante la década de los 80, todos los logros artísticos conseguidos en los 70 se vieron amenazados, cuando no erradicados,  por propuestas más comerciales fruto de la agobiante presión del clúster discográfico. La naciente new age,  el synth-pop, tecno, disco y pop sintético reinaron a nivel masivo. Por lo que hacer algo cercano a la Berlín School se convirtió en un suicidio comercial, paralelamente a hacer rock progresivo. Algunos valientes mantuvieron el estandarte en alto. Los alemanes Michael Weisser y Peter Mergener,  también conocidos como Software, fueron de los pocos en defender la calidad en la síntesis electrónica en aquellos aciagos días. 


Weisser había estudiado arte experimental y diseño en Colonia. Además,  era autor de novelas de ciencia-ficción como "Syn-Code 7", "Digit" y "Offshore", (que bien podrían ser títulos de discos electrónicos). También organizaba eventos multi-media, en unos tempranos días para tal despliegue artístico. Por su parte Mergener era un experto en la naciente tecnología midi,  sampleados y programación secuencial. La fantasía del escritor con la técnica del hombre-laboratorio. Planearon dos carreras paralelas como Mergener / Weisser y Software. Y ficharon por IC (Innovative Communication), sello fundado en los primeros 80 por Klaus Schulze. Sus ediciones ayudaron a que la década de las hombreras fuera un poco más digna en el campo electrónico, (absolutamente expoliado como la tumba de un faraón egipcio). Tres excelentes referencias salieron con los apellidos de sus protagonistas : "Beam-Scape" (1984), el que hoy hemos elegido, "Phancyful-Fire" (1985) y "Night-Light" (1986). Mientras que como Software, "Chip Meditation" (1985), "Electronic Universe" (1986) o "Syn - Code Live in Concert " (1987) , destacaron entre una discografía que fue bajando el listón progresivamente,  a causa del temido estancamiento,  y las blandas propuestas new ager. 

"Phancyful-Fire" es uno de mis favoritos. Olvidando los "modernos" días de su creación,  escapan a tan abulica actualidad con planteamientos "retro" (ni diez años habían transcurrido,  de ahí las comillas), dignos de "Rubicon" y "Ricochet". Sin complejos. Puro nudismo / naturismo electrónico. Con secuenciación imaginativa y en constante mutación melódica,  rivalizando con el propio Peter Baumann. Serpenteos y solos muy melodiosos y fluidos, con fondos puramente kosmische y excelente gusto en la elección de sonidos. El dúo suena un 80% analógico  (o lo parece), pese a que estamos en 1985 y que este tipo de material o no se entendía, o se consideraba "anticuado". Eso lo comprobamos en "Phancyful-Fire" (9'17) con todo lujo de detalles cromaticos.

 "Sunny-ROM-Rise" (13'26) admite símiles con el Schulze de "Dig It", "Trancefer", "Audentity" o "Angst". Otra maravilla berlinesa, también con algún guiño al "oxigenado" estilo Jarre. Y un final simplemente espectacular,  vistoso y de claro ejercicio virtuosistico  (algo no muy habitual en el género).

La segunda cara es ocupada por "Wind-Flute-Chromatics" (21'14), única pieza pletórica en delicadeza cósmica y lenta evolución en el devenir musico-espacial. La flauta travesera de Toni Schneider es invitada para el meticuloso adorno de la suite.  No se aleja de las excelencias flauta-electronics de Steve Joliffe, Deuter o Mythos. Que en conjunción con una siempre acertada secuenciación,  colchones cósmicos que ríase de "Lo Monaco", y alquimias sintetizadas rozando la pura emoción,  la convierten en otra pieza clave del álbum. Si no la principal. En unos días en que cualquier tipo de profundidad filosófica era motivo de mofa y chufla, el mérito de Mergener / Weisser es altamente valorado.


"Phancyful-Fire" revivia el espíritu perdido de Tangerine Dream, (hasta ellos andaban lentamente aproximándose al precipicio), y supone un agradable descubrimiento emocional escuchado hoy. A mí me encanta.
J.J. IGLESIAS



Temas
Phancyful-Fire 9:20
Sunny-ROM-Rise 12:45
Wind-Flute-Chromatics 21:10








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Crawler - Live Agora Club 1978

La muerte de Paul Kossoff el 25 de abril de 1975  supuso la disolución de su banda Back Street Crawler pero el resto de los miembros del grupo quisieron seguir adelante bajo el nombre de Crawler. La aventura duró tres años.



 John 'Rabbit' Bundrick (teclista), Tony Braunagel (batería), Terry Wilson (bajo) y Terry Slesser (voz) comenzaron a buscar un nuevo guitarrista para la formación. El primer candidato fue Mick Taylor que acababa de dejar a los Rolling Stones pero declinó la oferta. El segundo en la lista era Peter Green  que tampoco quiso entrar en la banda . Por fin se contactó con Geoff Whitehorn ex guitarrista de IF. El grupo ya tenía nuevo "guitar hero" ahora les tocaba buscar compañía discográfica. Tras arduas negociaciones llegaron a un acuerdo con Epic que les gestionó una gira por el Reino Unido junto a Boxer y Moon. Su primer disco, "Crawler", llegaría en 1977 obteniendo un notable éxito con el tema "Stone Cold Sober" en las FMs americanas. . Su segundo disco, "Snake, Rattle & Roll " (1978), tiene como productor a Gary Lyons. Realizarían diversas giras teloneando a Robin Trower, Kansas, Cheap Trick y Foreigner entre otros. En 1978 el abandono de  John Bundrick  supuso el fin de la banda.




La grabación corresponde al concierto de Crawler en el Agora Club, Ohio, en 1978. En cuanto a la música podemos escuchar buen rock y algo de funk sin duda un tipo de sonido donde encajaría a la perfección el malogrado Tommy Bolin sin menospreciar a Geoff Whitehorn que en cada tema realiza muy buenos solos. También podemos destacar la labor del cantante Terry Slesser una mezcla entre Paul Rodgers y Rod Stewart. En cuanto al "Setlist" temas fundamentalmente de su primer disco ("Crawler"): "Without you babe", "You got money", "You and me",  "Pastimer Dreamer", "Never loved a woman"y "Stone cold sober".  Como  destacados podríamos mencionar "You got money" y fundamentalmente "Blue Soul". El sonido es bastante aceptable.
J.C.Miñana.




Temas
1 Without You Babe 00:00
2 You Got Money  03:23
3 Keep On Running  06:45
4 You And Me 12:00
5 You Are My Saviour 18:26
6 Pastime Dream 23:15
7 Never Loved A Woman  27:43
8 Blues My Guitar 32:15
9 Worn Out Dream 38:42
10 Stone Cold Sober  43:15
11 Blue Soul 47:15
12 Selfish Lover 57:00





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SADIA - La flor del opio (2018) (Entrevista - Análisis) (Rockliquias Bandas)

Recién salido del horno nos llega el nuevo disco de nuestro amigo Iván Sadia, "La flor del opio". Diez temas  cargados de buen rock'n'roll. Lo analizamos en profundidad.


Rockliquias.- Nos puedes contar ¿Cómo te iniciaste en el mundo de la música? 

En mi casa la música ha sido protagonista desde siempre. Recuerdo que, cuando tenía cinco o seis años, construía torres con las cassettes de mi padre, que poseía una gran colección. Él es cantante y fue quien me inició, a mí a mis hermanos. Fui a clases de solfeo con siete años, pero aquello era tedioso y me piraba algún día. A los diez años, más o menos, me regaló una guitarra clásica. Al principio yo no quería saber nada de ella y la olvidé encima del armario. Él de vez en cuando la cogía y me decía: ¿por qué no lo intentas? Poco a poco empecé a sacarle algún sonido, a ir a algunas clases y a tocar con él en un grupo familiar de música folk. Así empecé a engancharme.

Rockliquias.- ¿Cuáles son tus principales influencias?

Me imagino que la música que más te llega es la que se queda dentro de ti, y de alguna forma aflora cuando compones o interpretas tus canciones. He escuchado rock en todas sus vertientes desde que era adolescente, pero es muy curioso pensar que el hard rock de Aerosmith, el rock sureño de The Black Crowes o el blues rock de The Rolling Stones, que fueron los primeros grupos que escuchaba a principios de los 90, siguen siendo constantes en mi música. A partir de ellos descubrí de donde venía todo, así hasta llegar al Delta. En este viaje te vas deteniendo y aprendiendo de los que admiras.

Rockliquias.- ¿Cómo ha evolucionado tu sonido a lo largo de todos estos años?

He pasado por muchas épocas de mil cosas distintas pero brevemente puedo decir que en este viaje del que hablaba, nada tiene sentido si no lo haces tuyo y lo interiorizas. Por eso, en esta evolución, lo que trato es de encontrar cada vez más mi propia voz, mi propio fraseo en la guitarra, mi propia forma de componer, etc. Las coordenadas en las que me muevo son blues y rock and roll, y ahí es donde intento encontrar mi sitio.

Rockliquias.- En 2014 llega el EP "Cruce de Caminos" que fue premiado en el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León. ¿Cómo viviste todo aquello?

Ilusionado, a sabiendas de que ganar una batalla no te hace ganar una guerra, pero las pequeñas victorias hay que saborearlas. Tuve junto a mis hermanos un premio importante que nos dio la oportunidad de tocar en FACYL 2015 en la Plaza Mayor de Salamanca teloneando a M-Clan. Aquello me colocó un poco en el mapa y me dio impulso para seguir. Cuando peleas tanto por algo, te gusta que se te reconozca.

Rockliquias.- En 2016 llega una trágica noticia a tu vida que trastoca todo. ¿De qué forma te ayudo la música para seguir adelante?

La noticia de que mi hijo de cuatro años tenía leucemia fue un golpe de tal magnitud que pocas cosas me sirvieron de alivio. El disco que hoy tengo en mis manos da testimonio de lo importante que fue la música para mí durante este tiempo; me aferré a ella como a un salvavidas. Recuerdo llegar a casa del hospital, después de pasar el día con mi hijo, y ponerme a tocar como si aquello pudiera consolarme, ¡y vaya si lo hacía! Descubrí en ella un nuevo sentido, tocar solamente para aliviar el alma, ¡el verdadero sentido del blues!

Rockliquias.- Dos años más tarde vuelves a retomar el proyecto pero con una nueva orientación. ¿Cuéntanos un poco como lo gestaste?

Afortunadamente mi pequeño respondió positivamente al tratamiento y poco a poco fui retomando mi carrera artística. Una enfermedad grave y larga como esa te abre los ojos, es como si durante toda tu vida hubieras estado ciego para vislumbrar las cosas importantes que realmente merecen la pena. La música, sin duda, es una de ellas para mí.

Hasta entonces mis hermanos y yo habíamos funcionado como grupo pero, en realidad, este asunto siempre había sido cosa mía. Por eso les comuniqué mi intención de seguir adelante como solista con banda, en lugar de como grupo. Manuel (batería) decidió no continuar, al menos por un tiempo, y Mario (bajo) me dijo que adelante. He tenido que empezar de cero en muchas cosas. Sin la ayuda de los que me rodean no hubiera sido posible. Javier Romero también fue clave. Conté con él para grabar la batería en el disco y enseguida se enroló en la banda.  


Rockliquias.- Hace unos días has editado tu primer larga duración, "La flor del opio". ¿Qué detalles nos puedes contar de la grabación?

La grabación la realizamos en GuitarTown Recordings, el estudio que Hendrik  Röver tiene en Cantabria. Desde mucho antes de hacer todo esto tuve claro dos cosas: la primera es que quería a alguien al otro lado de la consola que entendiera el concepto, que conociera el terreno que piso y me ayudara producir el disco, y la segunda que quería grabarlo en directo, como se hacían los discos en la edad dorada del rock and roll. Así que Hendrik, con su bagaje musical y su forma de trabajar era la persona idónea. Un estudio artesanal, tres músicos tocando en la sala y él guiando y supervisando lo que estábamos haciendo.  En tres días teníamos la grabación y hubo muy pocos overdubs.

Rockliquias.- ¿El disco esta coproducido por Hendrik?  

Bueno, la producción realmente ha corrido de mi cuenta, pero Hendrik dejó su impronta en el álbum, su opinión ha tenido mucho peso, dirigió en muchos casos las sesiones y tocó la guitarra en algunos temas. Todo ello le otorga un papel mayor que el de técnico de estudio ¿no?, de ahí su rol de coproductor.  

Rockliquias.- Cuentas con notables colaboraciones.

Es cierto. Otra de las cosas que quería para este álbum era que participaran otros músicos . Nosotros somos un trío de blues rock, la formación clásica de voz, guitarra, bajo y batería, y algunos temas sugerían otros instrumentos claramente. De ahí que le ofreciera a Iñigo Uribe (M-Clan, 69 Revoluciones) hacer el piano de Sam “el loco” y Abierto hasta el amanecer y a Lucas Albaladejo (Loquillo, Carlos Vudú) el hammond de Verdadero amor y de Bajo nuestra piel, y el resultado en ambos casos es excelente. Ha sido un lujo tenerlos en el álbum.

Rockliquias.- La grabación se inicia con "Listo para el rock and roll", toda una declaración de intenciones.

Sí ¿verdad? Creo que fue la última canción que compuse para el disco, quería abrirlo con un tema que condensara mi actitud hacia el rock and roll y de alguna forma implicara la oyente. También en la letra aparece el símbolo del tren, que es una constante en el blues y el rock sureño. Es el primer single del disco y está funcionando muy bien. Hicimos un vídeo clip de la canción y en él se ve de qué va todo esto.



Rockliquias.- Continuamos con "La flor del opio" con una gran letra ¿En qué te inspiras para escribir estos temas?

Muchas gracias. Mi forma de componer parte de la música, después trabajo los textos. El riff de la guitarra (en el disco utilizo un sitar eléctrico) y la melodía de voz me sugirieron el título. Bruce Springsteen dijo un vez que si tienes un buen título ya tiene más de la mitad de la canción hecha, y tiene razón. Es una apología de los paraísos artificiales inspirada en una lectura que me fascina como es Las flores del mal de Baudelaire. A su vez tiene mucho contenido de rock and roll, alguien que se refugia en las drogas para escapar del mundo y encontrarse a sí mismo. ¡La lista de escritores y músicos enganchados al opio y derivados a lo largo de la historia es enorme!


Rockjliquias.- "La mentira o la verdad" es sin duda la mas "hendrixiana". Los grandes guitarristas de los 60 y 70 están muy presentes en tu música.

Me encanta que me digas esto porque quería hacer evidente el guiño a Changes de Band of Gypsys, una canción de Buddy Miles que me fascina. La mentira o la verdad tiene ese riff setentero y un cierto aire soul de cosas como Delaney and Bonnie o Mad Dogs and Englishmen, pero también de Tedeschi Trucks Band o Marcus King. Adoro a estos tipos. Es un tema que me encanta interpretar en directo.



Rockliquias.- "Verdadero amor" es uno de mis temas favoritos con ese aire setentero total que recuerda en algunos de sus acordes al "Knockin' on Heaven's Door" y con el "Hammond" de fondo. 

Gracias otra vez. Esta canción lleva conmigo muchos años, y ya tenía muchas ganas de grabarla. En efecto, el germen de la canción está ahí, en cosas como el clásico de Dylan, me encanta la versión Clapton del 75 con ese aire reggae, o Soulshine de los Allman. ¡Se trata de una canción de 6 minutos y la grabamos en una toma! Una letra sincera, una guitarra muy lírica, la base rítmica marcando las dinámicas y el hammond haciendo de colchón y aportando a la canción todo el cuerpo que necesita. 





Rockliquias.- En "90/60/90" caminamos por los senderos del blues, sin duda una de tus mayores influencias. 

Sí, soy un apasionado del blues. Durante años no escuché otra cosa, sobre todo guitarristas. Me gusta todo, desde Charlie Patton a Gary Clark Jr. Este tema es un shuffle un poco en la onda SRV, un blues eléctrico con una melodía muy BB King. Se trata de una canción que funciona muy bien en directo, tiene una letra muy sugerente y al ser un estándar en 12 compases es perfecta para improvisar y variarla cada noche.  



Rockliquias.-  El "rock sureño" lo tenemos presente en Sam “el loco" y sobre todo en la adaptación que haces del tema de los Allman Brothers, "Jinete a Medianoche", que ya tocabas en tus directos.

Sí, Sam “el loco” tiene ese aire sureño, con el piano de Uribe y con Hendrik en la guitarra barítono. Por cierto, me llamó la atención una cosa que Gregg Allman dijo una vez sobre esto, decía que era redundante llamar al rock sureño de esa forma, porque el rock es sureño desde su origen, y tiene parte de razón. A él no le gustaba esa denominación, pero lo cierto es que esa etiqueta designa un tipo de música en la que confluyen el blues, el rock and roll, el country, el gospel o el soul, es un crisol fascinante. Me interesa enormemente la música del sur de Estados Unidos, hay mil bandas por descubrir, pero si hay que colocar una al frente esta es sin duda The Allman Brothers Band. Por eso, para mí, es un orgullo haber hecho esta adaptación del clásico Midnight Rider de Gregg Allman. Tengo el permiso de los editores y herederos de la obra y creo que es un homenaje muy digno. La letra encaja perfectamente en la temática del disco, habla de un hombre que huye y se oculta en la noche, una especie de forajido. Una delicia de canción.






Rockliquias.- La entrada de "La calle azul"  nada tiene que envidiar a los "hits" de rock de los setenta. Gran labor guitarrera con un impresionante final que me recuerda a  Dickey Betts. ¿Como estructuras la composición musical?

Guau, muchísimas gracias. Así da gusto. La calle azul nació de una forma diferente al resto, con una melodía distinta a la que tiene. Trabajé mucho para lograr encauzar la canción por donde yo quería, con esas guitarras tan melódicas y un estribillo que fuera como un himno. Quería hablar de Beale Street, que sin duda es la calle más azul del mundo, y quería que tuviera ese trasfondo  de canciones como Proud Mary de la Creedence. Si antes hablábamos de Gregg Allman, ¿qué te puedo contar de Mr. Betts? Se está haciendo poca justicia con él, es un músico enorme, solo con escuchar Jessica te das cuenta de ello, pero la sombra de Duane es casi infinita. Sobre la estructura de las canciones nunca me lo planteo a priori. La canción me va llevando por un lado o por otro cuando la estoy escribiendo, y algunas me piden una coda como en este caso, y hay otras que ni si quiera me sugieren un solo de guitarra. Actúo de forma bastante intuitiva en este sentido.


Rockliquias.- "Bajo nuestra piel" es un gran tema donde le sacas un gran sonido a tu guitarra. Nos puedes comentar algo sobre el equipo que utilizas.
Esta canción es un blues construido sobre un solo acorde, con una melodía y una letra con cierto aire gospel, al estilo de Blind Willie Johnson o de Son House, pero en eléctrico claro. En ella utilizo mi Gibson Les Paul Custom , una reedición del 58, con un ampli Fender Tween 57 de la Custom Shop que es pura crema. Creo que utilicé el Klon Centaur y un bottleneck de vidrio, tipo bote de coricidina. El pedal de wah de la intro es un Clyde McCoy Picture, que suena muy vocal. 

Mis guitarras en este disco han sido esta Les Paul, mi Flying V con pastillas Classic Vintage del 57, y una Fender Stratocaster American Vintage del 57 con pastillas Lollar. Además del Tween 57 utilicé mi 65 Deluxe Reverb en algunos overdubs. Sobre pedales utilizo varias cosas, un fuzz Fulltone 69, el Klon Centaur, un Tube Screamer TS9 sobre todo con la Strato, un Rotosphere, un Mini Deja Vibe…


Rockliquias.- El disco se cierra con "Abierto hasta el amanecer" puro sonido "Stones" o lo que es lo mismo buen rock'n'roll.

El disco empieza y termina con rock and roll, y si en la primera canción hacía una declaración de intenciones, en esta me despido dejando la puerta abierta. Los Stones son los maestros indiscutiblemente, han marcado la trayectoria de la música durante 50 años, son mi modelo a seguir desde joven en muchos sentidos. Soy un gran fan suyo y adoro canciones como Tumbling Dice del Exile. Un buen riff, un ampli viejuno con las válvulas calientes y ese balanceo tan sensual. En Abierto hasta el amanecer además  participa Iñigo Uribe con un excelente piano a la Chuck Leavell que la hace crecer una barbaridad.


Rockliquias.- Tenemos un bonus track, "Sam el Mítico", con Hendrik Röver y Los Míticos Gt’s.

Yo quería grabar con ellos una versión diferente de Sam “el loco”, por probar cómo quedaría con contrabajo y con la barítono de Hendrik, así que una noche después de grabar se pasaron por el estudio Toño y Goyo, que son los Míticos GT, y en un par de horas más o menos grabamos esta versión a la que Hendrik bautizó como Sam “el mítico”. Fue una gozada tocar con ellos y ver cómo manejan el lenguaje del rock and roll. 



Rockliquias.- Nos puedes dar fechas de la gira de presentación.

Presentaré el disco el 23 de noviembre, 22:00H en el CAEM, sala B de Salamanca. En ese concierto estoy invirtiendo mucho esfuerzo y estoy muy ilusionado. A partir de ahí comienza el pistoletazo de salida y presentaremos en otros lugares. La gira la vamos confeccionando poco a poco, las condiciones en las que trabajamos los músicos de salas no nos permiten en muchos casos confirmar fechas con mucha antelación. Podemos decir que estaremos el 1 de diciembre en La Cueva del Jazz de Zamora, y a partir de ahí avanzaremos muchas más fechas en ciudades como Madrid, León, Zaragoza o Cáceres. Irá apareciendo en mi web www.sadiaweb.com.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el cd y fueran a vuestros conciertos?

Antes de nada quiero darte las gracias por esta estupenda entrevista. En tus preguntas demuestras haber escuchado el álbum concienzudamente y saber mucho de este tema. A los lectores también, darles las gracias e invitarles a que se acerquen a mi trabajo,  y si les gusta y creen que merece la pena pues entonces sí, les animo a que compren el cd, que además tiene un trabajo de diseño fantástico de Marc Bello de LevitaStudio, con el disco en acabado vinilo y un libreto de 12 páginas. Y si además quieren verme con mi banda en acción, que no duden en acudir a un concierto cuando tengan la oportunidad, porque me encantará tenerlos allí.





Contacto

Web: http://www.sadiaweb.com


P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70



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QUELLA VECCHIA LOCANDA: (1972 Y 1974)

Estos músicos afincados en Roma podrían haber sido una de las grandes promesas del RPI al lado de Banco o PFM pero el destino fatídico de toda la escudería progresiva italiana iba a repetirse como siempre. Yo ya no sé si en este país mediterráneo tenían un pacto con el diablo que les permitía una o dos posibilidades o bien pedían un deseo a la lámpara de Aladino y se acabó. El caso es que la mayoría tenían su Vesubio o su Pompeya particular para sepultarlos en las cenizas de la historia. Esto evidentemente produce cierta tristeza a los amantes de estas corrientes progresivas, pero es lo que hay.


Quella Vecchia Locanda fueron un sexteto polivalente que tocaban diversos instrumentos: cítara, violín, flauta, piccolo, spinet, bajos, acústicas, eléctricas, órgano, mellotrón, moog, percusiones, generadores de frecuencias y otros efectos especiales que daban su particularidad al sonido del grupo. Es de las bandas italianas con cierta originalidad. La verdad es que en los dos años de su existencia se recorrieron Italia a base de conciertos en un estilo de progresivo bastante ecléctico y variado, pero también con una fuerte influencia neoclásica en la interpretación de cada instrumento. Pueden apreciarse en los instrumentos acústicos piano, violín, flauta, clavicordio etc.. una tendencia clara hacia compositores del barroco y los inicios del clasicismo, ya sean Corelli, Bach o incluso Mozart en la mayoría de las piezas. 



Temas
Prologo 
Un Villaggio, Un'Illusione 
Realtá 
Immagini Sfocate 
Il Cieco 
Dialogo 
Verso La Locanda 
Sogni, Risveglio E...



En su primer homónimo disco de 1972 suenan también un poco a los Tull. Es curioso que la flauta se tocaba de forma similar en casi todos los grupos de la época con ese toque jazz rock blues con posible herencia del flautista de jazz Herbie Mann, muy apreciado por entonces por los músicos de rock que decidían incorporar la flauta como en el caso de mister Ian Anderson. Ocho temas de relativa corta duración componen este excelente primer trabajo con influencias como digo muy diversas. A ratos pastoral y en línea muy próxima a los primeros Premiata y muy probablemente igual de dotados técnicamente. Pero a unos les sonrió la suerte y la fama y a los otro no. 


Temas

Villa Doria Pamphili 
A Forma Di .. 
Il Tempo Della Gioia 
Un Giorno, Un Amico 
E' Accaduto Una Notte


En su segundo disco “Il Tempo della Gioia “de 1974 apuestan por una música más desarrollada e interesante que en el anterior. El aspecto melódico es superior habiendo cosas de una sublime delicadeza y épica como la pieza que abre el LP: “Villa Doria Pamphili” que ya no se abandona en todo el álbum, cuidando mucho los detalles, la instrumentación y los arreglos incluso el uso coral. El barroco y el clásico siguen imprimiendo colorido al igual que en el anterior y afortunadamente han alargado la duración de los temas. 

El segundo álbum es posiblemente más sinfónico que el anterior y desde luego ambos no aburren en ningún momento porque no se atascan en ningún pasaje y todo corre como un fluido riachuelo. Hay matices mucho más ricos y con un potencial para la composición deslumbrante y a veces bastante compleja con tonalidades poco habituales y a ratos algo avangarde. Las dos joyas de composición finales de este disco suman ambas 18 mtos y la escritura es compleja: “Un giorno un amico” y “E accaduto una notte” El fantástico violín de la primera y su desarrollo casi impresionista- modernista es una delicia, así como el sobrecogedor movimiento coral del inicio de la última y sus extraños vericuetos pastorales. 

Dos vinilos muy recomendados en caso de que se encuentren y en caso contrario recurriremos al CD. El art work de las portadas es bastante más correcto que en otros casos. Este grupo de haber continuado habrían estado al lado de sus colegas más afamados y sus posibles trabajos de haber existido se me antojan que habrían sido más que interesantes.
Alberto Torró

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WOBBLER - Afterglow (2009)

Si bien es cierto que el panorama de prog moderno actual está lleno de bandas pesadas y aburridas o acólitos seguidores del oportunista Steven Wilson, de vez en cuando encontramos gente honesta que hace rock sinfónico como debe ser. Naturalmente es una opinión personal. A pesar de lo que pueda parecer yo no niego la evolución en el rock progresivo, en absoluto, tan solo pido que la música tenga “sustancia e ingredientes” y lo más importante que no sea aburrida y pesada. 


El neo-prog o hermano pequeño del progresivo cumplió la función de que las cosas no se fuesen del todo a pique en los malos momentos de este estilo de música. El problema de hoy es que se le ha perdido el respeto a la denominación de origen y todo lo que tenga más de dos acordes ya es progresivo. A tal punto de miseria y falta de ideas hemos llegado y es probablemente por la degradación paulatina y falta de educación musical promovida por la industria a las nuevas generaciones. Esto no ha pasado de la noche a la mañana, sino que se ha ido gestado lentamente a partir de los años precedentes. La oferta musical de hoy es enorme, es cierto, pero todo lo que tiene de grande lo tiene de también de malo y degradante con sus lógicas, aunque escasas excepciones. Entiendo que una persona de 20 años no piense como yo, ni debe hacerlo, si no el mundo se estancaría. Es ley de vida. El problema de la edad es que conforme envejeces tienes muchos más puntos comparativos de referencia y un mayor archivo donde elegir. Si antes no oíste lo bueno del género lo de ahora te parece lo mejor porque es lo que te venden. Esto es completamente normal. En resumen: la ventaja de varias décadas de música nos perfila el gusto y nos da experiencia, pero no tiene por qué darnos la razón.

Wobbler tardaron cuatro años en editar este siguiente álbum, que por su duración bien podría ser un EP. Sus 34 minutos de música a día de hoy es una oferta escasa, lo que pasa es que es tan buena que para mí resulta más que suficiente. Al parecer “Afterglow” fueron temas compuestos antes de su primer CD y entiendo qué dada la calidad de la música, optasen por recuperarlo. 


El álbum se compone en realidad de dos largos temas: “Imperial Winter White” de 15 mtos y  “In Taberna” de 13. Las otras tres pequeñas piezas son una especie de interludios. Si te gustan como dije en el anterior artículo los sonidos y las formas musicales con instrumentación analógica y cortes y cambios constantes a la vieja usanza, vas a disfrutar como un enano. Pueden recordarte a Gryphon o a Gentle Giant o incluso a las partes más complejas de los Jethro Tull instrumentales y algo a ELP. El trabajo de guitarra clásica es excelente al igual que la cantidad de teclados de pura raza que se emplean: Hammond, Mellotron, Mini Moog, ARP, Solina, Hofner, Rhodes etc. La música es muy compleja y de corte clásico y folkie que no defraudará a cualquier veterano en estas lides. La sección rítmica de bajo-batería es de nivel alto y alta precisión. No es música para despistarse ni un momento y exige a músicos muy competentes. Instrumentos antiguos como el crumhorn, el recorder o flauta de pico y los añadidos de cello, vibes y glockenspiel le dan a todo la riqueza necesaria para una música llena de matices. Ecos antiguos medievales y del renacimiento son constantes en las composiciones y a veces se acercan un poco a sus vecinos suecos Isildurs Bane o Anglagard y tienen incluso su groove jazz y clásico contemporáneo, pero ya os dije que obvian en buena parte el sonido mortecino de estos últimos. 


Decir que es música de repetidas escuchas se da por descontado y nada comercial por supuesto. Un álbum corto pero muy intenso. Música grande y excelente.
Alberto Torró








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NEEDLEPOINT - The Diary of Robert Reverie (2018 / BJK)

Se acerca el final del año y como siempre, el inevitable balance.....que cada vez me cuesta más hacer. Porque al final acabas poniendo como "tu disco del año" alguno de notable, por no tener un claro ganador. No en ésta ocasión. Probablemente sea éste MI disco, en el 2018.


Needlepoint son noruegos y por allí arriba todavía tienen claro de que van éstas cosas. O no tienen a una revista influyente en el negocio, haciéndoles la pelota constantemente y apoyando músicas metal ramplonas y basurilla de moda con nuevos nombres raros.

Formados en 2010 y debutando ese mismo año con "The Woods are not what they seem" (2010). Seguido de "Outside the Screen" (2012) y "Aimless Mary" (2015). "The Diary of Robert Reverie" es lo nuevo tras tres años de silencio. Es con el que los he descubierto y me han volado la testa y el corazón. Tendré que investigar los anteriores. Needlepoint lo componen Bjorn Klakegg (voz, guitarras, ocasional bajo, letra y música. .......líder? ). Nikolai Haengsle (bajo, guitarras y producción), David Wallumrod (Hammond, Clavinet, Rhodes, Juno 60, Prophet 5 y ARP Pro-Soloist) y Olaf Olsen (batería y percusión).

Algo me dice que es un álbum conceptual, los temas no pasan de los cuatro minutos, formando entre todos el global de la obra. Es el único "pero" que le veo, que aquí hay claros desarrollos instrumentales auto-censurados. ....O es que me gusta demasiado. 



"Robert Reverie" da inicio al disco con un inequívoco sabor psico - Canterbury facción early Soft Machine, Egg o Matching Mole. Todos los integrantes demuestran altas dosis de inteligencia en su ejecución,  y la voz contiene esa magia especial olvidada de los grandes del género. Teclados / Hammond en estado de gracia viejuna, batería estratosférico,  guitarra sinuosa y sorprendente........todos los sentidos alerta. 






"On the Floor" y su bajo - fuzz a la Hugh Hopper, junto al superior ritmo de Olsen, en una intro divina. Armonías vocales que no conocen el stress majara e inútil  de la ciudad, en pequeños laberintos instrumentales llenos de imaginación y sentido. Invocando a las musas de "The Rotters Club" o "Little Red Record".



"All Kinds of Clouds" entra en un paraíso de Rhodes, para acercarnos a regiones del "Softs" o "Bundles". Donde reinan en una paralela Tierra Media de Canterbury, entre hobbits colgaos y elfos hippies. La parte más sensible la aportan las voces a lo Caravan. Pero Needlepoint andan fuertemente armados con material complejo de nivel Hatfield / Egg / Gilgamesh y hasta Gong.




La MARAVILLOSA "Will It Turn Silent" mezcla voz a la Pye Hastings  con guitarras del primer Génesis con Anthony Phillips . Eres un "prisionero - invitado" de éste imaginario reino donde sólo el buen gusto es considerado sagrado. Y no quieres irte de aquí, claro.



"In my Field of View" conserva la pura esencia psicodélica naif, sin ninguna malicia, que hacía de éstas músicas algo ensoñador y cálido,  como un recuerdo de la infancia.



"Grasshoppers" se nos va todavía más atrás en la máquina del tiempo. Cuando "anónimos" grupos como Tomorrow, The Pink Floyd o Mighty Baby pululaban por el UFO, el Middle Earth y otros cubículos como puertas dimensionales a las estrellas.



En "Beneath my Feet" el órgano domina junto al poderoso Olaf, el vikingo percusivo,  en una línea Greenslade, Cressida, The Nice o Quatermass. 




"In the Sea" se viste de majestuoso terciopelo rojo psych para entregar otra joya rival con el tesoro de Moody Blues, Fantasy,  England, Procol Harum o Spring. 





Por último "Shadow in the Corner" vuelve a la tierra del rosa y gris con la naturalidad del que siente éstas músicas como suyas, al margen de edad ni efímeras tendencias.



Needlepoint demuestran que no todo está perdido. Que se pueden seguir haciendo joyas sin mirar las modas "progresivas" del momento. Y que sólo hace falta amor por la música y disfrutarla. Me inspiran fe y positivas esperanzas. Que ya es decir.
J. J. IGLESIAS







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Necromandus ‎– Orexis Of Death 1973

Necromandus fue una banda apadrinada por Tony Iommi que no pudo ver su trabajo editado en 1973 y que por fin en 1999 vio la luz. Un gran trabajo que reclama su derecho a estar en Rockliquias.


La banda se forma en la localidad de Cumberland al noroeste de Inglaterra en 1970. El grupo estaba compuesto por Dennis McCarthy (bajo), Frank Hall (batería), Barry Dunnery (guitarra) y Billy Branch (voz). En uno de sus  conciertos tienen la suerte de ser visto por Tony Iommi que se convierte en su padrino ante la discográfica Vertigo y los contrata para realizar diversas actuaciones de teloneros de los Sabbath. En el 73 entran en los estudios Morgan de Londres para grabar "Orexis of Death" teniendo como productor al propio Iommi. Ozzy también se fija en ellos y en una de sus discusiones con Iommi decide llamar a los miembros de Necromandus (excepto a su cantante) para forma su nueva banda. Al final la compañía discográfica media en el asunto y las aguas en los Sabbath vuelven a su cauce dejando a los Necromandus en la estacada. Posteriormente algunos de sus miembros coincidirían en Hammerhead. En los ochenta muere Bill Branch, posteriormente en 2008 lo haría Dunnery y finalmente en 2004 le tocaría el turno a Dennis McCarthy .


Orexis Of Death es el único trabajo de Necromandus en estudio. Su música se mueve por los caminos de heavy progresivo. El disco se inicia con la intro "Mogidismo", básicamente armónicos de guitarra.  Le sigue "Nightjar" con ritmo típico a lo Iommi sin duda uno de los temas destacados. "A Black Solitude" nos da una buena muestra de las actitudes de su guitarrista Dunnery con diferentes cambios de ritmo entre lo acústico y lo rockero. "Homicidal Psychopath" progresivo con cierta base "jazzistica". "Still born Beauty" los Sabbath progresivos . "Gypsy Dancer " es otro de los temas estrella del disco donde vuelve a brillar su guitarrista en un solo central de muchos quilates. En el tema que da título al disco, "Orexis of Death" participa Iommi en el solo de guitarra junto al guitarrista de la banda Dunnery. Finaliza la grabación con una vuelta a "Mogidismo". En 2005 se reeditó conteniendo "Judy Green Rocket" en versión demo y grabada en directo en The Casino de Blackpool.
J.C.Miñana



Temas
1 Judy Green (Previously Unreleased Demo) 00:00
2 Mogidismo 03:40
3 Nightjar 04:11
4 A Black Solitude 08:25
5 Homicidal Psychopath 12:58 
6 Stillborn Beauty 16:23
7 Gypsy Dancer 20:28
8 Orexis Of Death 27:21
9 Mogidisimo (Reprise) 31:53
10 Judy Green Rocket (Live, Previously Unreleased) 33:09



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