Entramos en el rico panorama sintetista de Rusia. Lo primero que hay que advertir es que aquí, la forma de proceder es muy distinta a Occidente. Si bien la Berlín School está muy marcada en algunos de sus compositores. No es éste el caso. Será por su punto de vista ante la vida, condiciones meteorológicas, sociales o políticas, pero la prog-electrónica rusa, realmente, es diferente. También porque en muchos casos utilizan sus propios aparatos de fabricación nacional, los cuales tienen su particular sonoridad.
Alexei Borisov comenzó como guitarrista en los primeros 80 en bandas new wave, mod y rock (Night Prospekt, Center). En los 90 estuvo en diversos efímeros proyectos art / noise / industrial (Joint Commitee, Atomic Bisquit Orchestra, Sever). O colaborando con grupos-performance como North (Rusia), KK Null (Japón ), Jeffrey Surak (USA) o Leif Eggren (Suecia). También con video-artistas como Román Anikushin. Ha sido Dj en clubs y radio, además de periodista en diversas publicaciones musicales. En el 2002 editó su primer álbum, "Before the Evrorement". Siendo el que hoy traemos su continuación del 2004.
Extraños sonidos cibernéticos entrecortados nos presenta "Revlon" (5'26). Música para un imaginario documental desquiciado y enloquecido, en el que las inquietantes imágenes en b/n transcurren a toda velocidad. Al menos así me lo imagino.
"Old and Metallic" (3'01) fue grabado en vivo en Tallinn, en 2003. Experimentación extrema que deja a Conrad Schnitzler convertido en un popero.
"Dense Drift"; (5'39) es la vibración revolucionaria de una nave industrial vacía, donde las máquinas se lamentan con propia vida de su esclavo destino.
"Blue Vinyl" (2'29) tiene visos de un sketch psicológico para patologías profundas peligrosas. "After the Prime Time" (2'54) parece música lounge del siglo XXX, con susurros del propio Borisov. En "Dew" (4'09) chocan frontalmente la bonita voz de Angela Manukjan y la gamberra electrónica anarquistoide de Borisov. Temible.
"Opuscule" (1'20) burbujea alguna sustancia orgánica de otro mundo, como nacimiento de un ser alienígena. Natalja Bessarabova (joder con el apellido!), incluye susurros en "L. Y. Match"(2'52) como una emisión perdida de otro mundo, flotando durante eones en la infinidad espacial. "Zaraza (Volume 1)" (9'34) nos muestra un mundo desolado, habitado sólo por inexpresivos ectoplasmas mutantes, con emisiones de radio en castellano de algún programa olvidado sin audiencia humana que lo escuche. Imaginación al poder.
"Polished Surface of a Table" (4'25) podría parecer el sonido cabreado de las máquinas ciberneticas amotinadas al hombre , fusionandose con la propia naturaleza humana. Acaso no lo están intentando ya?
"Rotor" (3'00) sería el éxito de ése motín, en un mundo dominado por cerebros orgánico - nano - chip sometiendo a una humanidad derrotada por sus mismas enseñanzas.
"My Voices" (4'23) sugiere un post - caos de ciudades arrasadas y vacías. Como en "Omega Man", vaya. Finalizando con "Bridal Book" (2'00) y más sonidos electrónicos desagradables.
Esto sería la "anti-new age", porque Alexei Borisov busca la belleza de la catástrofe, la estética feista del ruido electrónico afectando tus neuronas. Es un ciber-punk sintetista. Tres discos más lo corroboran, siendo "Elektrokooperativ" (2010) su último atentado sonico. Desde entonces, se ha unido a Fake Cats Project, editando cinco álbumes con ellos del 2015 al 2016.
"Polished Surface of a Table " es una obra arisca y difícil, de muy retorcida escucha. No recomendable para gente no iniciada ni personas impresionables. Su mensaje oculto, casi psiquiátrico, lo hace un disco peligroso para los estados de ánimo. Hecho por un verdadero terrorista del sonido. Quedan advertidos.
Badfinger fue un grupo maldito. Por una parte fue prematuramente etiquetado como los abanderados del "power pop", una especie de mezcla entre rock y pop, Por ese motivo no estaban muy bien vistos por los rockeros. Si ha eso unimos todos los problemas que tuvieron con su manager Stan Polley y el cobro de derechos de autor que llevo a dos de sus miembros al suicidio (Pete Ham y Tom Evans), tenemos como resultado un olvido general de lo que significó la banda. Hoy recordaremos su parte más rockera, que la tuvo.
La banda se formó a principios de los 60 bajo el nombre de The Iveys teniendo como miembros fundadores a Pete Ham (guitarra), Ron Griffiths (bajo) y Dai Jenkins (guitarra). Fichan por la compañía discográfica de los Beatles, Apple Records, e incluso Paul McCartney les cede una de sus canciones, "Come and Get It", que editan como sencillo, obteniendo un notable éxito. En ese momento y tras diversos cambios en su formación, entra Joey Molland (guitarra) y cambian su nombre por el de Badfinger. En 1969 llega el primer disco con esa denominación, "Magic Christian Music", y al año siguiente editan "No dice" donde incluyen dos de sus temas más conocidos, "No Matter What" y "Without You". Este último sería versioneado por Harry Nilsson obteniendo ventas millonarias. Posteriormente Mariah Carey volvería a encumbrar el tema en los 90. Por otra parte ese mismo año contratan como manager a Stan Polley personaje que a la postre resultaría el cáncer de la banda. Un nuevo disco, "Straight Up", producido por George Harrison y Todd Rundgren, vería la luz en el 71. En 1972 Polley, el malvado manager, decide romper el contrato con Apple y firmar por la Warner. Su primera grabación en esta compañía sería "Badfinger"( 1974) que casí se solapa en el tiempo con material editado por Apple, "Ass". Todo un desconcierto para sus seguidores.
En 1974 llega "Wish You Were Here" y posteriormente grabarían "Head First" (1975) que no vería la luz hasta el 2.000. A mediados de los 70 Stan Polley se fuga con todas las ganancias de la banda llevando al suicidio a Pete Ham que moriría ahorcado a los 27 años de edad. Esto supuso la ruptura de la banda pero en el 78 Joey Molland y Tom Evans quisieron reflotarla con el álbum "Airwaves" y tres años más tarde con "Say No More " que constituyó un notable fracaso. Al final acabaron a tortas y en los tribunales. El 19 de noviembre de 1983 Tom Evans se ahorcaba. Era el fin definitivo de la banda.
Como curiosidad podemos citar la aparición del tema de Badfinger, "Baby Blue", en la última escena de la serie Breaking Bad.
La grabación contiene dos conciertos de Badfinger celebrados en el Paris Theatre de Londres . Los siete primeros temas corresponde al año 1972. En este concierto podemos escuchar a los Badfinger más rockeros con la inicial "Better Days" y siguiendo con las versiones de Dave Mason (Trafic), ""Only You Know and I Know" y ""Feelin' Alright", gran instrumentación guitarrera donde Pete Ham y Joey Molland muestran todo su potencial sin olvidar a Tom Evans (bajo) y Mike Gibbins (batería) . Por supuesto también tenemos temas tranquilos como " We're For The Dark" o "Sweet Tuesday Morning".
El segundo concierto pertenece al año 1973 y contiene siete temas más. En el "setlist no aparece ninguno de sus grandes éxitos lo que no implica que no disfrutemos con el material. Personalmente prefiero la grabación del 72. Para finalizar se incluye "Come And Get It ", grabada en el show "Top of the Pops".
Badfinger – BBC In Concert 1972-3 nos da una visión diferente a la que estábamos acostumbrados de la banda.
J.C. Miñana
Temas
1 Better Days 00:00
2 Only You Know And I Know 03:55
3 We're For The Dark 10:23
4 Sweet Tuesday Morning 15:07
5 Feelin' Alright 17:58
6 Take It All 27:06
7 Suitcase 31:29
8 Love Is Easy 39:06
9 Blind Owl 42:15
10 Constitution 46:54
11 Icicles 51:00
12 Matted Spam 53:36
13 Suitcase 57:23
14 I Can't Take It 01:03:27
15 Come And Get It 01:08:05
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Our Next Movement nos llegan desde tierras valencianas. Una formación integrada en este momento por Paco Solera (batería), Juan Suay (bajo, cello, voz), Fran López (guitarra) y Sergio Santoro (guitarra, voz). En 2016 editaron su última producción, "119", y este año participaran en el prestigioso Bergmal Festival de Zürich. Nos pusimos en contacto con ellos para conocerlos mas a fondo.
Rockliquias - ¿De dónde viene el nombre de la banda?
“Our Next Movement” es el título de un tema del grupo japonés de rock instrumental Toe, que nos encanta, y que escuchábamos muchísimo cuando estábamos montando la banda. Lo escogimos
porque nos gustaba cómo sonaba, y como homenaje a ellos.
Rockliquias - ¿Nos podéis comentar qué variaciones en la formación se han producido desde que empezasteis?
Comenzamos siendo 4 miembros: Fran, Víctor, Sergio y Paco. Víctor, que tocaba bajo y teclados, dejó la banda en cierto momento, y entonces incorporamos como bajista a Juan, que hasta el momento había hecho colaboraciones puntuales con nosotros al cello. Un poco más tarde se unió a la banda Carlos Plata como teclista/voces, y con esta formación hicimos nuestra primera tanda seria de conciertos. Carlos dejó la banda para ir a estudiar al extranjero, y desde entonces hemos mantenido la formación clásica de 2 guitarras, bajo y batería.
Rockliquias - ¿Cuáles son vuestras influencias?
Tenemos muchísimas. Principalmente son bandas de países con una escena instrumental fuerte, como Reino Unido o Japón: Enemies, And So I Watch You From Afar, Toe, Lite… nos gustan también mucho bandas como Mutiny on the Bounty, de Luxemburgo, o aquí en España Jardín de la Croix, que son compañeros de sello.
Rockliquias - Vuestro primer trabajo "Polyhedral Trails" ve la luz en Septiembre de 2014. ¿Nos podéis dar detalles de la grabación?
Grabamos el EP en 5 días en Barcelona con Sergio Picón, la persona detrás de Aloud Music. Lo hablamos con él durante una gira de Exxasens que pasó por Valencia y Murcia y en la que abrimos para ellos los dos conciertos. Era la primera vez que entrábamos en serio a un estudio y estábamos bastante nerviosos, pero la experiencia nos sirvió para conocer un poco más y mejor a Sergio. Por todo lo que pasó después, diríamos que mereció bastante la pena.
Rockliquias - ¿Qué tal la colaboración con Cesc Céspedes?
Cesc era el bajista de Exxasens, lo conocimos durante la gira que te he mencionado antes. Compuso y grabó los bajos de varios de los temas del EP, que por algunos problemas no pudimos grabar bien
mientras estuvimos allí. Es un gran profesional, un bajista enorme y un muy buen amigo de la banda.
Rockliquias - Dos años más tarde llega vuestra segunda producción, "119". ¿Cómo fue la grabación?
El 119 lo hicimos con Santi García en Ultramarinos Costa Brava. Santi ha grabado discos míticos de bandas que nos molan, como Viva Belgrado, Nothink o Nueva Vulcano, y teníamos claro que en
este disco queríamos trabajar con él. Estuvimos con Santi 10 días grabando y mezclando y fue una pasada. Aprendimos un montón de cara a futuras grabaciones, y como banda nos fuimos de allí teniendo mucho más claro qué era lo que queríamos hacer.
Rockliquias - ¿Cómo ha evolucionado vuestra música?
Si te refieres a después del 119, ahora mismo estamos trabajando en consolidar un sonido que sea característico de la banda y en hacer temas más compactos. 119 fue un experimento guay, ecléctico, en el que probamos diferentes estilos. Nos gustaría que el próximo trabajo tuviera una línea más coherente en cuanto a composición, hacer un disco más “hilado”.
Rockliquias - Los temas suenan muy frescos y dinámicos. ¿Denotan el estado de la banda?
Desde el principio hemos tenido claro que queremos componer temas que nos suenen originales y diferentes. Siempre hemos hecho música pensando primero en nosotros mismos, en mejorar como músicos y como banda, que ninguno somos grandes virtuosos. Si además después hay gente que recibe bien nuestro trabajo, eso nos alegra muchísimo, que es en el directo donde mejor lo pasamos, y donde creemos que se representa mejor el espíritu de la banda.
Rockliquias - ¿Cómo van los conciertos, hay público para este tipo de música?
Nosotros hemos tenido algunos conciertos muy buenos y otros peores en cuanto a afluencia de público se refiere. Unas veces hemos tenido casi doscientas personas viéndonos, y otras, ni cinco.
No son números monumentales. En España cuesta en general que la gente se mueva a ver conciertos que no sean de bandas con un gran nombre. De todas maneras, nos alegra mucho ver a bandas del país haciendo instrumental a las que les está yendo muy bien, como pueden ser Toundra o Jardín de la Croix.
Rockliquias - ¿Cómo surge la oportunidad de tocar en el Bergmal Festival de Zürich?
Fue gracias a Mau, el otro jefe de Aloud Music. Contactó con el festival y les debió de interesar la propuesta, porque ahí estamos. Va a ser la segunda vez que salimos de España a probarnos y el cartel es una pasada, tenemos muchísimas ganas.
Rockliquias - ¿Para cuándo nuevos temas?
Ahora mismo estamos centrados en la composición de temas para el próximo disco. Tenemos ya dos temas nuevos cerrados, que estamos probando en los directos y creemos que funcionan bien, y otros cuantos empezados que nos molan. Hay ganas de sacar música nueva, la verdad.
Rockliquias - ¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona? ¿Surgen bandas nuevas?
Valencia es una ciudad grande y continuamente están apareciendo grupos nuevos. Nosotros conocemos a gente que está tocando en bandas bastante jóvenes a las que les está yendo muy bien, como pueden ser La Plata o Badlands. Ellos hacen otros estilos, pero si hablamos de instrumental, los chicos de Dûrga han hecho muchísimas cosas en apenas dos años, desde grabar dos discos a hacer conciertos por México y Estados Unidos, y nos parecen brutales.
Rockliquias - ¿Qué les diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?
Bueno, nuestros discos se pueden descargar de forma gratuita en nuestro Bandcamp, así que por esa parte no hay excusa posible. Y en cuanto a los directos, nosotros estamos convencidos de que es ahí donde la banda se expresa mejor.
El último trabajo de Our Next Movement nos ofrece ocho temas que según los sesudos críticos musicales actuales se mueven por los caminos del math rock con ciertos tintes post-rock. Menuda explicación. Para los que ya peinamos canas es mejor hacer referencia a los clásicos como el "Red" de los Crimson pero actualizado al nuevo milenio. Música donde los pasajes instrumentales van cambiando sutilmente para envolvernos en una maraña de sonidos cautivadores. La grabación se inicia con uno de los temas más potentes "Michael's Secret Stuff", ritmos entrecortados donde las guitarras de Fran y Sergio se coordinan con una precisión digna del mejor reloj suizo. "Sr. Shemyrs" nos demuestra la destreza técnica de los miembros de esta banda valenciana. Sigue la fuerza instrumental combinada grandes riffs.
Who the Fuck Invited Murphy?, curioso título. ¿Alguién sabe quién fue?. Uno de los pocos temas donde aparecen voces en forma de coros. "Ihan Kaunis" es la composición más larga de "119" con un sutil tratamiento del cello y con voces que se desmelenan entre tanto entramado sonoro. Llegamos a uno de mis temas favoritos, "·", escueto pero extremadamente bello donde cello y guitarra acústica se combinan magistralmente. "Goodbye, Dusty Harry" ,magnífica labor de su sección rítmica, Paco y Juan, sin olvidarnos de su teclista, Carlos, que actualmente ya no está con el grupo. "The Japanese Standoff", otro de los destacados. Finalizan con "Last Night's Grandpa", gran alarde instrumental.
Procedentes de Génova, Latte e Miele son tres chavales muy jóvenes que se fundan en 1971. Fueron un trío que de alguna forma parecen emular a sus compatriotas Le Orme y por supuesto a ELP que eran en ese año las estrellas sinfo-progresivas del momento.
El estilo de este trío genovés en nada se parece a otros de sus compatriotas del momento. En realidad, son un trío clásico muy influenciados por la música barroca y romántica, es decir completamente sinfónicos. El líder de la banda el batería Alfio Vitanza solo tenía 16 años cuando formó la banda, pero esto no es nada extraño, muchos de los que venimos de aquella época empezamos a aporrear instrumentos siendo imberbes y estando en el colegio. Yo tenía 13 años (1967) y ya di la tabarra por conseguir (y lo hice) una vieja y destartalada batería polvorienta de probablemente antes de la guerra del 36, abandonada en un viejo local de baile del pueblo de mis abuelos. Madera muy basta y apolillada hasta en las gruesas baquetas, con parches de tripa, crótalos de madera de diferentes tamaños, caja muy estrecha de tres bordones metálicos oxidados, plato de latón muy sucio y charles terrible con un enorme bombo muy alto, el pedal estaba roto y lo apañé. Solo faltaba un poster sepia desgastado de Josephine Baker en bolas y la mambo orquesta de Perez Prado. Todo horrible de sonido, pero yo más contento que un niño con juguete nuevo. Ya lo creo que hice ruido, naturalmente todavía no sabía tocar, y evidentemente ya no recuerdo donde acabó ese trasto, entre residuos de algún descampado supongo. Hoy sería pieza de museo.
Volviendo al tema los otros dos componentes de leche con miel serían Marcello Giancarlo a las guitarras, violín y bajo y voz solista y el teclista Oliviero Lacagnina con un buen despliegue de piano, hammond, moog, clavecín, celesta, mellotrón, Solina strings y ARP, con lo cual iba bien surtido el mozo. No me explico, como y de que manera, conseguían todo ese material a esas edades.
En 1972 se meten en el estudio y editan “Passio Secundum Mattheum”, tema bíblico para variar y prácticamente un álbum concepto. Empiezan fuertes los chavales y se les nota que han estudiado y han hecho los deberes. El nivel técnico musical es muy académico y la épica está servida, así que los sinfónicos recalcitrantes como yo, a disfrutar toca. Se combinan recitados, cánticos renacentistas, sonidos de clavecín y ambientes de peluca, rape y bisoñé.
Entre una mezcla de Mozart, Bach y Emerson, los 12 cortes transcurren elegantemente realizados y muy bien interpretados. Pueden recordar a los New Trolls en algún momento, aunque sin llegar a tanta afectación algo cursilona. Hay bonitas melodías y gráciles pasajes y la música muy delicada, hay que colocarla en ese contexto del sinfónico italiano de la época.
El siguiente disco “Papillón” de 1973 es una continuación estilística del anterior, pero las piezas están más desarrolladas y ahora sí que suenan bastante a ELP o incluso a Triumvirat. Los amantes de las cabalgadas de teclado tienen aquí una buena tarta de queso cremoso para degustar. “Papillón” es una suite de 19 mtos con siete cuadros que no le hacen ascos a las carreras de cuadrigas y a las legiones romanas avanzando por la Vía Apia: moog, piano y órgano desatados y hermosos momentos sinfónicos que tan solo una voz demasiado afectada y algo ñoña desentona a veces, pero lo perdonamos porque las melodías están muy conseguidas y aún con su toque algo demodé y a veces cursilón consigue alegrarnos la escucha. Resulta bonito y a mí lo bonito no me molesta nunca. Es lo que tiene la esquizofrenia de escuchar a CAN nuevamente en estos días y luego a estos benditos monaguillos con alitas y mofletes sonrosados. La vida es un frenesí…jejeje. Con todo, estos chicos tienen una encantadora forma de hacer las cosas y lo “clásico-modernista” de principios-mediados del XX, que a mí en verdad y lo confieso de corazón, es lo que realmente me gusta por encima de casi todas otras músicas, está presente constantemente en el estilo del grupo.
Tras un divertimento jazz-mellotrónico, la otra gran pieza del disco es otra suite llamada “Patética” en tres partes muy chopiniana al comienzo y muy Nice-ELP para variar en su desarrollo. Hay muchos cambios rítmicos como a mí me gusta y la sombra de Pior Tchaikosky está por ahí revoloteando así como el Barroco y el señor Vivaldi con sus estaciones y algún que otro compositor encumbrado lo que certifica la base académica que tenían estos músicos.
Llegan hasta 1976 y aparece “Aquille e Escoiattolli” la trilogía setentera con algún cambio de formación y algunos músicos nuevos más. Probablemente su mejor disco. El más elaborado y donde el sonido ha cambiado para mejor. Bonitas melodías y algún Floyd-Génesis temprano me suena por ahí. Pero el tema estrella es “Pavana” nada menos que 23 minutos de rock sinfónico en toda regla con todos sus ingredientes master chef del estilo y múltiples cambios para no aburrirte. Su masterpiece sin duda y recomendable para el sinfónico con pedigrí. Las alusiones a las diferentes formas musicales del género son constantes, incluso pasajes a la “canterbury” están presentes. Super agradable de escuchar.
Temas
01 Aquile e scoiattoli
02 Vacche sacre~Falso menestrello
03 Menestrello
04 Opera21
05 Pavana
Latte e Miele se separaron. La cagaron con otro disco en los 80´s para no ser menos horteras que los demás, pero es perdonable. Volvieron a juntarse en 2009 por el corno de llamada de las viejas musas progresivas y con la alineación original con un disco sobre Marco Polo. Muy decente es cierto. Incluso revitalizaron su primera obra la pasión de San Mateo con nueva música. Grupo fino donde los haya y no solo para fanáticos del RPI.
Alberto Torró
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Los días futuros sería el último disco de CAN con el japonés como “cantante”. Damo debió ver alguna extraña luz, abandonó la música en 1974 y se convirtió en testigo de jehová, lo cual resulta francamente incomprensible e imagino las caras del resto del grupo ante tal cruzada de cables. No me imagino al histriónico y convulso cantante, con el pelico corto, cara de buen chico y con una biblia de casa en casa dando el coñazo.
En alguna entrevista reconoce que se casó con una mujer que era testigo de idem. Que lo operaron de un cáncer y como buen seguidor de la secta, se negó a recibir trasfusiones de sangre (no palmó de milagro) y que de vez en cuando evidentemente sigue leyendo la biblia. Cuenta también que cuando CAN le ofreció ser su cantante fue porque lo vieron gritando en la calle como un loco y montando un pollo de cojones como protesta de algo que ignoro. La voz les importaba una mierda, querían un “alien” de front man y lo consiguieron. CAN llegaron a su punto culminante con este disco. No hay un antes y un después de “Future Days” porque es diferente a todos, pero es CAN en estado puro. Si en sus anteriores trabajos podemos hablar de un sonido salvaje y primitivo, en este álbum encontramos un extraño refinamiento y cierta sensación de placidez.
El disco funciona como un organismo propio, como una estructura compacta musicalmente inclasificable. Los ritmos poderosos siguen ahí y el sonido está mucho más enriquecido en medios y detalles. Casi se diría que es un acercamiento a lo “progresivo” y aunque reconozco que es mi disco favorito de CAN, personalmente no los metería en esa clasificación porque son imposibles de etiquetar. Los alemanes tenían su propio estudio de grabación: el “Inner Space Studio” un viejo cine adaptado para ellos y con plena libertad de ensayos y movimiento. De allí salieron muchas horas de locuras musicales y se nota que éste ha sido su disco más elaborado. Rodeados de cachivaches raros, percusiones exóticas, modificaciones de teclado y sus extraños “filtros sonoros” y de los manipulados inventos electroacústicos del Holger Czukay, el alumbramiento de “Future Days” sería su techo creativo porque en los siguientes discos vendría el descenso de mediocre a peor.
“Future Days” es la primera de las cuatro piezas del disco. Nueve minutos de sonido embriagador y adictivo con cantidad de efectos y detalles hasta que poco a poco el ritmo va penetrando en la sangre y ya no puedes escaparte de su embrujo. La lejana letanía de Damo en una languidez vocal más acentuada de lo habitual y en una monótona línea melódica hasta logra cautivar. Liebezeit inenarrable como siempre y la límpida guitarra de Karoli y el “aserramiento” de teclados literalmente expresado, producen una sensación de placer y encantamiento única.
“Spray” (8.29) es un instrumental percusivo absolutamente vanguardista donde Jaki se luce golpeando todo lo que encuentra a su paso en un ritmo endiablado y donde Irmin convierte en incandescencia pura los sonidos de su Alpha 77. El bajo cambia el tren rítmico constantemente y Karoli va posando sus agudas florituras a la guitarra muy próximas a la psicodelia y a los primeros discos de sus paisanos Agitation Free.
“Moonsake” con sus tres minutillos es suficiente ejemplo del CAN primitivo de “Spoon” y single pegadizo y bailable pero el tema cumbre de CAN será “Bel Air” que ocupará toda la cara b del vinilo con sus casi 20 mtos. La pieza musicalmente es inclasificable. Ronda mucho la experimentación, lo espacial y atmósférico en algunas partes, pero también la psicodelia ácida en su fase más vanguardista. Damo emplea una melodía muy similar al primer tema “Future Days” y por momentos también me recuerdan un poco a Ashra y a Manuel Gottsching con cierto toque que rozan casi los sinfonismos (a la kraut ojo!!), algo difícil de encontrar en este grupo. Es sonido es raro y adictivo con esa tensión eléctrica que imprime casi siempre su música. El bajo es obsesivo y taladrante para dejar a Karoli libre por lisérgicos caminos. La batería es casi imposible de emular. Hacia la mitad el tema cambia hacia mundos inhóspitos habitados por insectos y zumbidos tórridos mientras la música se balancea en un agradable paseo, siendo uno de los pasajes incluso bonitos que sorprende dentro de su habitual aspereza y donde la guitarra se aproxima mucho al estilo de la west coast californiana. Un extraño rock experimental y muy vanguardista repito, dice adiós a la gran época del grupo. El disco les salió perfecto. Una obra imprescindible para oídos aventureros que no temen lo diferente y raro.
Alberto Torró
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Entramos en el enmarañado mundo de los prensajes privados 70s. Terreno prohibido para los mortales hasta hace unos años. Uno de esos grandes logros de internet es acceder y disfrutar de música que, de otro modo, te irías al otro barrio sin paladear por no tener unos cientos de pavos sobrantes. Pero mira, aquí llegan los tejanos Revolver, (no te asustes, no voy ni a mentar a la bicha española), con un (probable) único disco que catalogan de Southern y en mi leonina , (por Leo), opinión, no lo es. A no ser que nos quedemos sólo con el dato geográfico.
Revolver eran Rick Whitley (bajo, voz), Wendell Fry (batería), Kirk Dawtry (teclados, voz), Kent Lohman (guitarra rítmica y cantante solista) y Randall Reeves (guitarra y cantante solista y productor de la cosa). Por lo que intuimos, éste último sería el líder de la banda. También se concluye que aprecian mucho los juegos de voces, con dos solistas e implicación del resto (ya sabemos cómo son los baterías, si no, no serían baterías). También tenemos teclista de relevancia y nivel.
Así que en las primeras notas de "Changing All the Time" el elemento Hard - Pomp resulta ya acusado. En una orientación de maravilla Midwest a la Starcastle, primer REO Speedwagon, y hasta Boston, si me apuras. Cambios muy técnicos, finisimos solos y voces angelicales. Simplemente me encanta. En "In and Out of Heaven" puedes situarlos por los creativos páramos de Uriah Heep cerca de "High & Mighty" o "Firefly". Enérgico sophisto -rock con la potencia magnífica de los de Mick Box.
El tema título posee una Purple intro, pero ese sinte y la aguda voz, similar a la de Rick Sanford (Legs Diamond), se lleva el juego a un finísimo Pomp, típico del momento. Del que se cocinaba con total alegría e impunidad por entonces en yanquilandia. Las guitarras se hermanan y tejen sólidas redes eléctricas para un seguro soporte de la banda. Entusiasman. "Magic in your Soul" , con un ensoñador colchón de cuerdas de un Logan String o un Solina, sinfoniza un tema de calidad progresiva, con caricias Gilmour a veces, y la estupenda voz solista (Reeves o Lohman), recordatoria del gran Frank DiMino (Angel). Es definitivo, podemos aseverar categóricamente que por su parte instrumental, aquí hay indicios de prog orientación descarada. "No Room to Talk" tiene una euforia digna de los primeros Boston. Aunque la voz vuelve a sonar más a Ángel. Lo que me parece de perlas. Explosivo y soberbio está Randall Reeves, en una canción destacable entre un álbum lleno de aciertos.
"Locomotive Lady" abre la segunda cara y esto toma aires a los primeros y fabulosos HeadEast. Los siderales solos de sinte no pueden evitar el parecido con Greg Giuffria. Demuestran buen gusto contínuo en todo tipo de arreglos.
"Bye Now" podría haber sido uno de esos cortes "inesperados"con los que sorprendían los últimos Led Zeppelin. El arreglo de guitarra es más "Blackmore sureño". Con slide y fuerte carga, ésta vez sí, Southern rock. "Send me Home" abre fuego a bocajarro a lo Rick Derringer, Moxy o los mismos Rainbow. Finalmente se deciden por el estilo del primero, con técnica que nada tiene que envidiarle. "Straight Shootin Woman" sí es un boogie típico del sur, al modo Molly Hatchet. Es como si Revolver "aorizaran" con una mano de sofisticación, la rudeza típica del género. Y queda más que bien, aviso.
Termina éste portentoso y codiciado vinilo con "Can't Believe my Ears" (ni yo tampoco!), y su descarada orientación AOR. Que quizá tenga que ver con el título.
Teniendo en cuenta que era 1979 y que la explosión del rock melódico estaba al doblar la esquina, no hace falta ser Nostradamus para profetizar que Revolver, de seguir, se hubieran tirado a la piscina FM Rock. En ésta última pieza, una bella mezcla de Styx, REO Speedwagon y Ambrosia, se puede comprobar el tremendo potencial que atesoraban , ( y como se adelantaron al "Runaway" Bonjovinero). Otros más al limbo de los que pudieron ser grandes, y se quedaron en disco urgente de busca y captura.
J.J. IGLESIAS
Temas
A1 Changing All The Time 5:24
A2 In And Out Of Heaven 3:26
A3 A Piece Of The Action 4:30
A4 Magic In Your Soul 4:34
A5 No Room To Talk 4:32
B1 Locomotive Lady 3:53
B2 Bye Now 3:17
B3 Send Me Home 3:00
B4 Straight Shootin Woman 3:43
B5 Can't Believe My Ears 3:33
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La comunidad de The Farm fue fundada por Stephen Gaskin, una especie de visionario, en la década de los 70. Gaskin y una comuna de más de trescientos seguidores se establecieron en el condado de Lewis en Tennessee. Entre sus preceptos estaba el voto de pobreza, no usar anticonceptivos artificiales, nada de tabaco y alcohol pero si marihuana que era considerada como un sacramento. Pues bien esta comunidad tenía un grupo de rock que se encargaba de predicar sus enseñanzas por medio de la música. Dicho grupo era The Farm Band.
The Farm Band realizaba conciertos gratuitos y llegó a editar de forma privada cuatro discos: 'The Farm Band' , 'Up in Your Thing', 'High on the Rim of the Nashville Basin' y 'Communion'. En los 2000 fueron distribuidos por Mantra Records y Akarma Records. Sus actuaciones se caracterizaban por incluir largas jams al estilo Grateful Dead. En la última fase de su recorrido cambiaron su nombre por el de Tennessee Farm Band.
La grabación nos muestra el cuarto trabajo de Tennesse Farm Band. En ese momento la banda estaba integrada por Michael Sullens (bajo), David Chalmers (batería), Walter Rabideau (guitarra voz), Linda Hershfield (voz) y Thomas Dotzler (voz, teclados, saxo). En cuanto a la música se mueven dentro de l rock con marcado tintes sureños. El disco comienza con "Electric Glue", con la gran voz de Linda y una muy buena instrumentación con buenos riffs y solos de teclados. Un gran tema sin duda. "King Tut's in Chicago" es un gran blues al estilo Mayall. La cara A finaliza con el campestre "The First Time. El primer tema de la cara B es una Medley, "Hot Tofu Medley", compuesta compuesta por temas tan conocidos como "Walk Don't Run", "Apache", el tradicional "Tennessee Hoedown" y los propios "Fried Chunks" y "Magic Boogie". Ambiente sureño. El disco finaliza con "Makin's Up For Los Time" nuevamente cantando Linda. Al margen de los mensajes que puedan transmitir en sus letras, totalmente inocuos, la instrumentación es excelente.
J.C. Miñana
Temas
A1 Electric Glue 00:00 5:12
A2 King Tut's In Chicago 05:15
A3 The First Time 10:24
Hot Tofu Medley 16:38
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