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Tennessee Farm Band ‎– Communion 1977

La comunidad de The Farm fue fundada por Stephen Gaskin, una especie de visionario, en la década de los 70. Gaskin y una comuna de más de trescientos seguidores se establecieron en el condado de Lewis en Tennessee. Entre sus preceptos estaba el voto de pobreza, no usar anticonceptivos artificiales, nada de tabaco y alcohol pero si marihuana que era considerada como un sacramento. Pues bien esta comunidad tenía un grupo de rock que se encargaba de predicar sus enseñanzas por medio de la música. Dicho grupo era The Farm Band.


The Farm Band realizaba conciertos gratuitos y llegó a editar de forma privada cuatro discos: 'The Farm Band' , 'Up in Your Thing', 'High on the Rim of the Nashville Basin' y 'Communion'. En los 2000 fueron distribuidos por Mantra Records y Akarma Records. Sus actuaciones se caracterizaban por incluir largas jams al estilo Grateful Dead. En la última fase de su recorrido cambiaron su nombre por el de Tennessee Farm Band.


La grabación nos muestra el cuarto trabajo de Tennesse Farm Band. En ese momento la banda estaba integrada por Michael Sullens (bajo),  David Chalmers (batería),  Walter Rabideau (guitarra voz), Linda Hershfield (voz) y  Thomas Dotzler (voz, teclados, saxo). En cuanto a la música se mueven dentro de l rock con marcado tintes sureños. El disco comienza con "Electric Glue", con la gran voz de Linda y una muy buena instrumentación con buenos riffs y solos de teclados. Un gran tema sin duda. "King Tut's in Chicago" es un gran blues al estilo Mayall. La cara A finaliza con el campestre "The First Time. El primer tema de la cara B es una Medley,  "Hot Tofu Medley", compuesta compuesta por temas tan conocidos como "Walk Don't Run", "Apache", el tradicional "Tennessee Hoedown" y los propios "Fried Chunks" y "Magic Boogie". Ambiente sureño.  El disco finaliza con "Makin's Up For Los Time" nuevamente cantando Linda. Al margen de los mensajes que puedan transmitir en sus letras, totalmente inocuos, la instrumentación es excelente.
J.C. Miñana 



Temas

A1 Electric Glue 00:00 5:12
A2 King Tut's In Chicago 05:15 
A3 The First Time 10:24 
Hot Tofu Medley 16:38 





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VICTOR CERULLO - Visions - A Homage to Andrei Tarkovsky (2003 / ELECTROSHOCK)

Todo tiene su conexión. Victor Cerullo,  sintetista italiano dedicado al space-ambient, editó éste "Visions - A Homage to Andrei Tarkovsky", en el sello ruso del hijo de Edward Artemiev, Artemiy Artemiev (también sintetista). Se da la circunstancia de que el binomio Tarkovsky / Artemiev, imagen y música, funcionó a tal punto de exaltación a la belleza que crearon varias obras maestras del séptimo arte : "Solaris", "Mirror", "Stalker". Una de las últimas producciones de Tarkovsky antes de su temprana muerte, "Nostalghia" (1983), fue rodada en Italia. Otra conexión con Cerullo. Así que no es de extrañar que un músico italiano rinda homenaje al "más grande de los directores", en palabras de Ingmar Bergman. Y que lo haga en un sello ruso especializado  en electrónica seria. ...... Con un programa nacional de tv dedicado a éstas músicas. Igual que en Occidente. 



Victor Cerullo gusta de utilizar software de última generación,  más por comodidad. Porque la lista de instrumentos imitados es absolutamente tradicional y afín a los 70 : ARP 2600, Mellotron, Synclavier, Chamberlin, Minimoog o Hammond B3, entre otros. 

Un oximoron como título para el primer corte, "Last Scene" (1'11), reflexivo y perfecto, en la línea de pensamiento estético tarkovskiano. Que sigue encadenado, como toda la obra, en "Crepuscular Rays" (3'40), con cantos de monjes y sonidos de agua, junto a soundscapes entre inquietantes y de total paz interior.....la muerte como final feliz? Gusta de incluir pequeñas frases spoken word, lo cual le da ése toque humano / divino que refleja su música. Sigue con "Flashback" (1'45), en esa imaginaria película  de puro estilo Tarkovsky que Cerullo recrea desde su cabeza, a sus teclados maestros Kurzweil K2500 -S. Corales religiosas magníficas forman parte del global sintetizado, en un grandioso resultado casi apocalíptico. 



"Timelapse 1" (10'49) entra en dimensión Schulze cerca de "Dig It", "Trancefer" o "Audentity", esto es, los primeros 80. Una buena descripción sónica de una tormenta de iones en descarga magnética estelar, eso en el caso de que el sonido se escuchara en el espacio. "Andrei Tarkovsky " (7'05) expresa toda la fascinación que le produce el personaje a Víctor Cerullo, con alargadas notas de síntesis flotante dignas del mejor Vangelis.  "Timelapse 2" (10'02) nos envuelve como en una banda sonora alternativa de "Solaris". Música flotante para almas flotantes. Y no hace falta que te fumes Jamaica. Esto entra sólo. 

"Lullaby for a Distant Son" (5'18) conlleva encantadora melodía minimal a lo Kitaro, con emulación de instrumentos de cuerda astutamente dispuestos. De siniestro / patético final, casi al gusto de Beethoven. "Timelapse 3" (10'15) vuelve al vacío reinante y la nada absoluta, como lugar apropiado para denominar , "cielo". Paz eterna en su más grandioso significado. Con paralelismos, en alguna estela sónica,  de Eno y sus músicas casuales. En el corto espacio de "Behind the Mirror" (1'41) volvemos a la reflexión existencialista por medio de cánticos de liturgia y sonidos de profunda operística,  con breves spoken words en el lote.



"Artificial Dream"; (3'44) genera la eterna pregunta sobre que es la realidad. Es la Matrix, algo más que una película de acción hollywoodiense? Nos intentan decir algo, un mensaje real, en algunos filmes para el gran público?  Existen los Ingenieros de "Prometheus" y descendemos de unos "dioses de segunda" ?......La música de Víctor Cerullo facilita la formulación de éstas y otras preguntas, mientras digieres tu perfecta dosis de garbanzos y espinacas. "Revelation" es apenas un minuto de epifanía reveladora, que sólo tú descifraras en tu imaginada secuencia. Mientras que el final, "Sacrifice" (4'28), muestra como todo debe de ser destruido, para volver a crearlo. De otra manera. Que también será destruido. Así hasta el final de los tiempos. Que tambien serán destruidos. De otra manera...... (Bucle temporal). Sin conexión terrestre. Bienvenidos al "Event Horizont". Final de trayecto.
J. J. IGLESIAS




Temas
1 Last Scene 1:11
2 Crepuscular Rays 3:40
3 Flashback 1:45
4 Timelapse 1 10:49
5 Andrei Tarkovsky 7:05
6 Timelapse 2 10:02
7 Lullaby For A Distant Son 5:18
8 Timelapse 3 10:15
9 Behind The Mirror 1:41
10 Artificial Dream 3:44
11 Revelation 0:56
12 Sacrifice 4:28




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Sharks - Rainbow Theatre London 1973

Nos remontamos  a 1972, Andy Fraser acababa de abandonar Free por segunda vez y junto a su amigo Marty Simon (Batería) se pone en contacto con el guitarrista Chris Spedding para formar Sharks. Necesitaban un cantante y después de rechazar a  Robert Palmer y Leo Sayer se deciden por un joven procedente de Yorkshire, Steve Parsons (Snips).


La banda debuta en Islington al norte de Londres, realizan una pequeña gira por Europa y posteriormente hacen diversas actuaciones en Inglaterra teloneando a Roxy Music y participando en el programa de la BBC, " Old Grey Whistle Test". Su primer disco, "First Water", llega en 1973 pero Andy Fraser abandona el grupo para formar su propia banda. Es reemplazado por  Busta Cherry Jones. También se incorporara el teclista Nick Judd. Con está formación realizan diversas actuaciones por el Reino Unido y en el 74 graban su segundo LP, "Jab It in Yore Eye".  Después de girar por Estados Unidos entran en el estudio para grabar su tercer álbum  pero Marty Simon  es sustituído por Stuart Francis y Cherry Jones regresa a los Estados Unidos después de vender una de las guitarras de Spedding para pagarse el pasaje. . Las grabaciones no gustaron a la compañía discográfica, Island Records, y en octubre de 1974 deciden disolver la banda. En 2016 se editaría este disco de forma no oficial bajo el nombre de Car Crash Tapes.. Posteriormente y en por lo menos dos ocasiones quisieron reflotar la banda pero sin obtener ningún resultado memorable.


La grabación corresponde a parte de la actuación de Sharks en el Rainbow Theatre, Londres, el 31 de Marzo de 1973.. En ese momento la banda estaba formada por Snips (voz), Andy Fraser (bajo, piano), Chris Spedding (guitarra) y Marty Simon (batería). De los cinco temas que podemos escuchar cuatro de ellos pertenecen al primer disco de la banda, "First Water" y el quinto "Colour" vería la luz muchos años después en el "Car Crash Tapes". En cuanto a la música está muy cercana a la onda Free aunque con menos influencia blusera. La grabación está tomada de la FM por ello el sonido es bastante bueno.
J.C. Miñana




Temas
1. Snakes And Swallowtails
2. Follow Me
3. Ol' Jerry Roll
4. Colours
5. World Park Junkies




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JUZZ - Juzz (2018 / JUZZ) (Rockliquias Bandas)

Una más que interesante banda nos llega desde Pontevedra, liderada por el guitarrista y compositor,  Virxilio Da Silva. Músico inquieto que no para, y que también suele pasear su guitarra por bandas como Foxy Freire, Loiros,  Fuzz o Steel Sheep. Completando la formación están Rosolino Marinelo (saxo tenor), Alex Salgueiro (Hammond B3), Xan Campos (Rhodes), Félix Barth (bajo) e Iago Fernández (batería).


El disco fue grabado entre Portugal y Galicia en 2016 y en su densa música podemos encontrar, según sus protagonistas, elementos del psych rock, pop experimental, stoner, noise o jazz. Pero describamos con más detalle éste atractivo y original debut según nuestro criterio. 

"Rathenow Towers" (9'10) entra espectacular,  como una absurda e improbable mezcla de Henry Cow y Deep Purple. Pronto advertimos que en la primera referencia se encuentra una pista a su sonido. Ese que llamaran Canterbury en los felices 70, y que tan ídem nos hiciera a unos cuantos locos. Su vertiente más arriesgada es en la que parece sentirse más confortable Juzz. Toma posiciones pues, entre el universo ilimitado del catálogo del sello Cuneiform, e incluso del paralelo de ECM en ocasiones. La guitarra de Da Silva exprime notas contaminantes en gérmenes de buena salud creativa, como un Terje Rypdal gallego y musicalmente deslenguado. Es contestado por el expresivo saxo tenor, de estupenda dicción jazz. Mientras, la sección rítmica rockea con una profunda pegada y los teclados admiten a trámite adornos perfectos e imprevisibles. Rico entrante, mon dieu. 

Para "Lamento Fuzz" (9'08) se suma la presencia de Joao Mortagua al saxo alto como invitado. De gusto crimsoniano en un principio, el juego de saxos con escapadas organisticas,  nos llevan a una alucinación colectiva de prog experimental con añejo, pero exquisito, sabor retro que enamora. Con cartesianas conversaciones de ambos instrumentos de viento , muy bien posicionados. La sección rítmica corretea constante por el parque de acidos colores tridimensionales,  y todo sube de intensidad a límites emocionales peligrosos con el decisivo aporte de las seis cuerdas de Da Silva. Todo vuelve al principio, a los tiempos de "Red", concluyendo pletoricamente. 


"Outro Tempo" (10'03) dispara rayos hipnóticos con procedencia Soft Machine, Nucleus, French TV o Hatfield and The North, de belleza melódica incuestionable. Otro behemoth de fantasía astral exuberante e instrumentación laberíntica.  Sin perder de vista algo tan vital llamado "emociones". Eso que nos diferencia de un montón de chatarra de hierros retorcidos, plástico y chips, y que dicen nos suplantara en un futuro próximo.  

Finalmente "Dead Water" (7'35) es otro leve recordatorio carmesí al intransferible estilo Juzz (Jazz + Fuzz ?.....), con interludios aptos para la improvisación,  que en directo puede subir muchos enteros en la bolsa del buen gusto y apreciación artística del personal. Arrebatos de piano eléctrico en ataques espasmodicos fulgurantes,  y la eléctrica charlando calidamente con el saxo amigo. 

Que buenas, esas charlas. Con la elegancia dadaista de los que se sienten protegidos del violento mundo, por la certera verdad de la música. Ritmos algebraicos y asilvestrados nos dejan los poros boquiabiertos e inconsolables. Porque esto se acaba y yo quiero una colección de Juzz de veinte volúmenes,  para ir abriendo boca. Nada exagerado. Porque esto es escandalosamente bueno.
J.J. IGLESIAS





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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METAMORFOSI: Trilogía. “Inferno” (1973) “Paradiso” (2004) “Purgatorio” (2016)

Este cuarteto se fundó en Roma en 1969 y fueron de los primeros en formar parte del RPI y al igual que la mayoría de ellos sus raíces se encuentran entre el pop y la primigenia psicodelia italiana de finales de los sesentas. 


En un principio suenan como un grupo beat hasta que un cantante de nombre Jimmy Spitaleri originario de Sicilia se une a ellos y comienzan a elaborar un primigenio rock sinfónico algo hard. Su primer trabajo aparece en 1972 “E fu il sexto giorno” en esa línea, y con una importante dosis de teclado por parte de Enrico Olivieri a medio camino entre Uriah Heep y ELP. La voz de Spitaleri pronto es la marca registrada de la banda. Una voz potente, lírica y con la suficiente dosis de dramatismo para adentrarse en la temática del segundo disco que les haría pasar a la leyenda progresiva. Tanto la épica como los temas grandilocuentes y profundos fueron la fuente de todo sinfonismo setentero. Hoy resultaría ridículo hablar de temas bíblicos o religiosos o poético-metafísicos, pero la mente de los progres de antaño y de la hippilandia porrera era más proclive a creer en criaturas fantásticas, ovnis y en blancanieves y los siete enanitos. Si la obsesión de los neoprogs en los 80´s fue básicamente la literatura de Tolkien, en los setentas los temas metafísico-religiosos tuvieron su furor, así como los libros lisérgicos de Carlos Castaneda o toda la parafernalia indú que afecto a mentes tan infantiloides como la de Jon Anderson que decía que creía en las hadas y los duendes. Parte del odio y la crítica hacia el rock sinfónico viene por causa de estas chorradas y ridiculeces propias de sus creadores. Italia tenía sus propias fuentes literarias y una de ellas fue Dante Aliguieri, el famoso poeta que vivió entre el siglo trece y parte del catorce y escribió la Divina Comedia. Metamorfosi utilizó la trilogía dantesca del infierno el paraíso y el purgatorio pero tardó unos cuantos años de diferencia en grabarlo todo. En realidad, los temas medievales también tenían su hueco e importancia en el mundo del progresivo como todos sabemos. 

“Inferno” aparece en 1973. 12 cortes cuidadosamente elaborados donde los teclados y la voz reinan adecuadamente en cada una de las composiciones. Los amantes del poderío analógico disfrutaran de lo lindo. El nivel instrumental de la banda no tienen nada que envidiar al resto de sus compatriotas ya encumbrados. Desde la primera pieza la habilidad y los sonidos sacados del sintetizador son bastante más originales para su época incluso si lo comparamos con la PFM o Banco. Alta calidad en las composiciones y una extraordinaria ejecución hacen de este álbum uno de los mejores de su época. Davide Spitaleri (su nombre original) es uno de los mejores cantantes italianos de su tiempo y ya lo demostró cuando lo hizo en los últimos días de Le Orme. Su voz no ha cambiado con el paso del tiempo y no es muy habitual ya muy pasados los sesenta años. Su forma de cantar está muy próxima al mundo clásico académico. Muy varonil ciertamente, nada que ver con Tagliapietra o Branduardi por poner ejemplos y en el lado opuesto a Di Giacomo. Sin embargo cuando se pone lírico es realmente emocionante. Hay mucha influencia Emerson cuando Olivieri toca el piano en base jazz. La flauta y el clavecín, son otros de los instrumentos que aparecen en las partes más relajadas del disco curiosamente la guitarra aparece los créditos, pero yo realmente yo no la oigo por ningún sitio. Es un cuarteto bajo, voz, teclados, batería y el teclista como digo es el rey en el 100 %. 


Su siguiente disco “Paradiso” llegó a componerse en los 70´s pero no a grabarse. Tendrían que esperar a su resurrección en 2004 en uno de tantos revivals progresivos para ver realizado este tercer álbum. Personalmente este paraíso me gusta mucho más incluso que el infierno y no es una obviedad moral o ética por mis palabras sino porque musicalmente estos tíos han conseguido no bajar en la calidad de sus propuestas. Catorce cortes componen esta continuidad conceptual sobre la obra de Dante y yo diría que el sinfonismo es mucho mayor en este caso. Hay preciosidades como “ Cielo della luna” que realmente emocionan a cualquier sinfónico que se precie. Son cortes breves, composiciones que se suceden unas a otras. La música es elegante, pletórica de fino estilo y ejecutada con mucha clase. El pianista se reafirma como un tipo súper-competente que además maneja el sintetizador y el resto de teclados con una clase a la altura de los mejores. La música es clásica en su base estilística y este disco es mucho menos “rock” que lo podrían serlo los anteriores. Las melodías vocales se suceden y son un encanto. Generalmente arropadas por piano, acústicas o colchones orquestales. Todo finísimo y limpio. 


En 2016 culminan la trilogía de Dante con “Il Purgatorio”. En esta ocasión son 19 temas perfectamente ensamblados y con el mismo encanto y prodigio sonoro que los anteriores. Sinfónico poético, intimista si quieres, pero nada aburrido y completamente alejado de modernas corrientes engañosas low cost. 


En 2011 grabaron un hermoso directo en Roma con el nombre de “La Chiesa Delle Stelle”. Metamorfosi fueron uno de los grandes grupos italianos de rock sinfónico y uno de mis favoritos.
Alberto Torró

Inferno


Temas
A1 Introduzione 
A2 Selva Oscura 
A3 Porta Dell'Inferno 
A4 Caronte 
A5 Spacciatore DI Droga 
A6 Terremoto 
A7 Limbo 
A8 Lussuriosi 
A9 Avari 
B1 Violenti 
B2 Malebolge 
B3 Sfruttatori 
B4 Razzisti 
B5 Fossa Dei Giganti 
B6 Lucifero (Politicanti) 
B7 Conclusione

Paradiso

Temas
01 - Introduzione - 00.00
02 - Sfera di Fuoco - 2.14
03 - Cielo della Luna - 3.34
04 - Salita a Mercurio - 6.12
05 - Cielo di Mercurio - 9.02
06 - Salita a Venere - 11.33
07 - Cielo di Venere (Notturno su Venere) - 15.10
08 - Il Sole - 19.00
09 - Cielo di Marte - 21.37
10 - Cielo di Giove - 27.37
11 - Cielo di Saturno - 31.51
12 - Stelle Fisse - 34.56
13 - Empireo - 38.03
14 - La Chiesa delle Stelle - 44.16





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CAN - Ege Bamyasi (1972)

Este álbum supone un punto de inflexión entre la locura y sacudida emocional de “Tago Mago” y el álbum que le precedería: “Future Days”. Estamos en el punto máximo de búsqueda de la banda donde todos los caminos musicales son impredecibles y donde ya han encontrado un sonido definitorio que los hará pasar a la historia como uno de los grupos de culto más originales de “rock experimental” por decir algo. 


Definir a CAN en un estilo de música resulta un ejercicio tan vano como inútil, es como definir la música de Zappa o de Magma de quienes ya hablamos en su momento. Asistir a un concierto de CAN en aquella época debió ser una aventura excitante porque nadie sabía exactamente lo que iba a escuchar. Si os dais cuenta y os interesáis por los directos del grupo, la mayoría no oficiales, veréis que casi siempre el programa es completamente improvisado con piezas que pueden llegar a los 30 mtos de duración y títulos que no aparecen en estudio. Irmin comentó en una ocasión que mientras estaban improvisando en directo, un individuo en estado de trance, subió al escenario con un cuchillo y los obligó a seguir tocando sin parar. Hasta tal punto de locura podía ejercer ese sonido en la audiencia. No es muy agradable que tu integridad física peligre mientras estás tocando, pero cuando realizas una música de tal salvajismo, debes de tener en cuenta que los de abajo pueden ser imprevisibles y no muy normales. Es un riesgo a correr. Máxime si en aquella época la gente se metía de todo y hay músicas que atraen a los psicópatas y enfermos por igual. La música de CAN no era precisamente inocente, ni calmaba a las fieras.

“Ege Bamyasi” no es de trago fácil. Ningún disco de CAN de la época del japonés lo es. Las bases presentadas en Tago Mago, están aquí más concentradas.

 “Pinch” es otra marcianada con Damo hablando cosas incoherentes y la rítmica ya inconfundible en una especie de funk extraño de alaridos de guitarra, tempo rarísimo y sonoridades caprichosas de teclado. Y definitivamente CAN no sería lo que fue sin su batería. Esto va a ser una constante en la discografía del grupo y no me cansaré de repetirlo. A veces me recuerda de forma lejana, a esa época de Miles Davis cuando decía a sus músicos que tocasen cualquier cosa y cuando lo escuchabas, nada parecía tener sentido. Todo era abstracto e incomprensible. Los últimos años de John Coltrane fueron algo parecido, cuando su saxo se desmadraba y gritaba por completo y la gente salía de los conciertos desorientada. Recuerdo algo parecido cuando me fui aborrecido a mitad de un concierto del pianista Cecil Taylor. “Pinch” es algo parecido. 


“Sing Swan Song” presenta esa desgana porrera y hippiosa de habitación poco iluminada y saturada de humo, sonidos que hoy serían tendencia étnica y olor a te de hierbabuena, o como tirados en una duna desértica al atardecer con un colocón de cojones y olor a caca de camello cercano o metano de pedo de dromedario. Peste y vagancia en estado puro. 

“One More Night” es una de las piezas más atractivas con su ritmo pegajoso y adictivo y tremendamente sexual: cuerpos húmedos desnudos que se rozan entre vapores lascivos y dejadez absoluta sin prejuicios. Pieza “aceitosa” que debía de bailarse en las noches de Sodoma y Gomorra o en la corte de la diosa Circe con Ulises completamente erecto y el cíclope cascándosela viendo la escena. 

Guarrerías aparte, “Vitamin C” es un desquiciado tango imposible y decadente, con una batería que te abre en canal…estoy perdiendo vitamina C dice el Damo como si nada. El sonidillo del órgano es cachondísimo y agradable a la vez. Una jaula de grillos que empalma con “Soup” y todos los locos del psiquiátrico salen de la mano al recreo. La rítmica nuevamente es adictiva y la guitarra vierte ácido sulfúrico por encima. Música inclasificable, indescifrable, loca, borde, malvada. Es como quitarte los puntos de una operación de corazón tu mismo y hurgar con curiosidad tu propia herida. Están locos éstos alemanes. Vaya sopa sanguinolenta y caliente. El japonés completamente ido de madre.  El ácido traspasa el metal al final del tema, como mezclado con una piel quemada por napalm. Ni se te ocurra regalar este disco a tu novia ni a tu mujer ni a amigos normales. No te lo perdonarán nunca. 

“I´m so Green” vuelve a los sonidos cannábicos y a la desgana. “Soy tan verde”…hasta mi mujer me lo dice. Joder estamos en muy mala edad y a veces pensamos con el cerebro de entrepierna. Es decir, el que no piensa. 


“Spoon” es el tema CAN por excelencia. Quizá el más famoso. Otra pieza sensual con un ritmo que se clava en tu cabeza irremediablemente. Suena como una mezcla de danza turca marciana con sonido de templo perdido en la jungla de Birmania. Se hacen muy cortos sus tres minutos en su versión de estudio ya que en directo esta pieza la tocaban hasta los 15 y 20 mtos o más y podéis imaginaros la mandanga y el despiporre. Esto como te guste es más adictivo que el caviar iraní, pero en caso contrario te sabrá como una ensalada de alcachofa cruda con ortigas y aceite de ricino.
Alberto Torró






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CHARLIE DANIELS BAND & FRIENDS - Volunteer Jam VI (1980 / EPIC)

Con el sofocon veraniego me apetece especialmente escuchar buena música sureña. Debe ser que descubrí el género en un lejano verano de 1977, y siempre vuelven esos recuerdos y sensaciones cuando llega éste tiempo. Para hoy he escogido un volumen - año de los llamados "Volunteer Jam" que organiza, (pues sigue en ello), Charlie Daniels desde 1974. Siempre como anfitrión y presentando lo más granado del rock sureño, country rock, country, soul y músicas afines del sur. Éste evento se convirtió en toda una tradición.  El volumen editado en su sexto año en 1980, incluye como de costumbre, a extraordinarios grupos y artistas.


Abren el álbum sus "protegidos", The Winters Brothers Band, banda ésta que ya apareció por nuestra redacción.  En un cañonazo Southern titulado "Rich Kids" (3'13), de pura factura Outlaws.  Tremenda slide y conjuntadas voces, para hacer el cabra en Nashville o en Albacete, porque esto es la monda de bueno.

Louisiana's Leroux colaboran con "New Orleans Lady" (4'51). Aquí la banda todavía estaba en su primigenia formación sureña, antes de convertirse en una leyenda del Pomp / AOR, simplemente como Leroux. El tema es de orientación Southern / gospel / soul,  lleno de sentimiento, buenas y cálidas vibraciones. 

El tejano de color, Dobie Gray, demuestra que esto no era una congregación del KKK en estado de embriaguez, precisamente.  Grandioso cantante de Soul, pop y country,  se marca una sobrada de versión del "The Night they Drove Old Dixie Down" (6'58) de The Band, que no sólo es apropiada por el evento, sino por quién la canta. Un hombre de raza negra. Eso dice mucho de la cantidad de clichés,  topicazos y estereotipos injustos con los que se ve a éste lado de USA, desde el resto del mundo. 

La bellísima  (hasta hoy en día ), Crystal Gayle, hermana de Loretta Lynn y prima de Patty Loveless, se lanza por un blues popularizado por B. B. King,  "Same Old Story, Same Old Song" (3'57), sureñizado para la ocasión y la intérprete,  con efectivos resultados. 

La cara 2 es para los jefes del tinglado, The Charlie Daniels Band.
"Funky Junky"(6'55) es una cálida revisión de un clásico de su repertorio. Puro Southern por uno de sus pilares básicos. Poderosa influencia de Allman Brothers (que también participaban), y música gozosa, para deglutir cerveza en una barbacoa, (perdón para los lectores vegetarianos). El himno "Amazing Grace" es unido al clásico  "Will the Circle Be Unbroken" (8'06), al que se une Bobby Jones & New Life con la banda. En una especie de homenaje a Elvis, por el tratamiento que toma la canción. Recuerda que estamos en el profundo sur, bro.


Entramos en la cara 3 con otros infaltables del Southern 70s, Wet Willie  y su "Keep on Smilin" (6'54). Una banda ésta que a mí particularmente me encanta. Abordaban el Soul, jazz o rhythm'n'blues con naturalidad y sin prejuicios. Precisamente todos los que tienen sus detractores. En fin, Wet Willie en su explosiva salsa. 
La Henry Paul Band entregan un "So Long" (5'48) memorable, con el inevitable sabor a classic Outlaws, pero por algo era su cantante fundador. Una banda que ha ido creciendo en importancia con los años. A mí siempre me han parecido brillantes.

Otro negrito vacilón,  el violinista de Hot Tuna, Papa John Creach, le da al "Down Home Blues" (6'33) con la Charlie Daniels Band de backing band y los vientos de The LA Reflection Section. Inimitable. 

Del mismo arropo instrumental disfruta Ted Nugent en la cuarta cara, con su "Carol" (5'23) de Chuck Berry. Será de Detroit, pero el Nugent es la personificación del redneck cowboy hasta la médula. Así que está en éste sarao todo contento y feliz. Y claro, revienta el festi con su hard rock' n ' roll dinamitero.

El gran Rufus Thomas recupera todo el feel de Stax con su hipnótico trance Soul en "Do the Funky Chicken" (7'16). Bien protegido por la sección de viento antes referida, The Charlie Daniels Band y un invitado de lujo al órgano,  Mr.  Al Kooper. Esto echa chispas. 

Finalizando el doble y entretenido live con los extraordinarios Grinderswitch y su "Lady Luck" (5'16), otro ejemplo de calidad sureña 70s, y un favorito personal. La juerga no se quedó ahí.  También hicieron acto de presencia Allman Brothers, Willie Nelson, Delbert McClinton, Mylon Lefevre, Elvin Bishop, Stillwater, Sea Level......Esto fue un Monster of (Southern) Rock y lo demás chorradas. El bar se quedó vacío y mi sitio estaba allí. 
J.J. IGLESIAS




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