Hay que aclarar que IQ nunca han vivido de la música y que cada uno de sus componentes tienen su propio trabajo al margen de ella, aunque Mike Holmes en una reciente entrevista bromeaba con estar pre-jubilado y tener más tiempo (él es algo más joven, pero yo en unos días estaré en la misma situación…¡¡aleluya!!)
La verdad es que cada uno de sus miembros pertenecían a diferentes localidades de Inglaterra y su vida íntima nada tenía que ver con el trabajo diario de un grupo de rock al uso. Esto es más habitual de lo que la gente cree. Dedicarse a hacer la música que a uno le gusta, no da para vivir en el 99´99 % y lo más probable, si te pones cabezón, es que suponga un gasto económico importante más que unos ingresos. Pero te garantizo que no tener que vivir de la música es quitarte una pesadilla. Vivir del arte no tiene nada de lírico ni idealista porque te van a joder igual o peor Se hace por amor al arte, como vulgarmente se dice. No a todo el mundo le toca la lotería de componer en horas de trabajo sin que te vea el jefe o a la hora del almuerzo mientras tus compañeros se te descojonan por friki y de repente un día recibir un importante contrato de grabación, trampolín que te hará millonario en el futuro y mandarlos a todos a la mierda como le pasó a Keith Emerson en su juventud. Eso es prácticamente imposible y escasos son los afortunados. Cada vez que IQ se metía en un estudio de grabación pasaban unos cuantos años y no sé cómo se lo montaban para salir de gira con los compromisos de familia y curro. Esto llevó a diversos cambios de formación cada x tiempo. Pero estamos en 2018 y ahí siguen. Gente voluntariosa sin duda.
La grabación de “The Wake” llevó más tiempo y mejor producción que el anterior y el resultado es muy diferente. La espontaneidad y frescura que destilaba el “Tales From The Lush Attic” ha desaparecido por completo y ahora cada compás, melodía y arreglo instrumental está muy pensado detenidamente, a veces demasiado, por la cantidad de saturación de sonido que hacen de este disco algo oscuro y pesado. Sin embargo, la peña neo prog se desharía en elogios hacia este disco como una reseña progresiva definitoria de los 80´s. Es un buen álbum y muy bien trabajado de eso no hay duda, pero los sonidos imperantes hacia una mayor agresividad y simpleza, pasó factura hasta los 90´s y les pasó a todos después de un primer prometedor álbum en la mayoría de las bandas británicas de neo prog que no es necesario repetir nuevamente. Martin Orford se rodeó de una nutrida paleta de modernos teclados, casi una docena, si veis lo créditos del disco. Tin Esau sacude un pesado bajo casi en primer plano, la batería de Cook, es contundente, seca y dura. La tendencia de la época sobre una percusión exenta de platos, moda muy Peter Gabriel en sus discos en solitario y la machacona forma de tocar de Stewart Copeland de Police hicieron sus estragos. Pero para eso ya están los Watusi y los Masai que lo hacen infinitamente mejor con sus tambores y sus impresionantes ritmos rituales.
La portada de “The Wake” es maja y atractiva y las fotos del grupo en la contraportada no tienen desperdicio. Cadena con gargantilla a lo punk, cardados de fantasía, chaquetillas chillonas con cuello levantado, corbatitas de cuero muy estrechas (yo también tuve alguna) etc etc… Una preciosidad. Eran esos tiempos. No obstante, algunas de las mejores piezas “sinfónicas” de IQ las encontramos en este disco como es el caso de “Headlong” que cierra el disco con un Holmes sublime. Otras como “Outer Limits” que lo inaugura con un tipo de acordes de teclado que se harán muy familiares o la densa, creciente e interesante “Widow´s Peak” con su indiscutible sello Genesis del 77- 78 cuando ya solo quedaban tres. Sin embargo, yo me quedo con la alegre “The Thousand Days” y su bonita melodía y me aburren soberanamente cosas como “Corners” o “The Wake” y a medias “The Magic Roundabout” que, aunque buena pieza, es algo lineal y me recuerdan, salvando distancias claro, un poco al primer Marillion de Fish y cia. Después de las correspondientes actuaciones en el Marquee con live incluido, Peter Nicholls abandona por unos años el grupo, hasta 1991 concretamente, para formar su propia banda Niadem´s Ghosts que apenas tuvo repercusión. Pero la historia del grupo en realidad, no ha hecho más que empezar.
Alberto Torró
Temas
1. Outer Limits (8:15)
2. The Wake (4:11)
3. The Magic Roundabout (8:18)
4. Corners (6:20)
5. Widow's Peak (9:12)
6. The Thousand Days (5:12)
7. Headlong (7:25)
8. Dans Le Parc Du Chateau Noir (7:37)
9. The Thousand Days (Demo) (3:55)
10. The Magic Roundabout (Demo) (6:27)
11. Corners (2010 Remix) (5:33)
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Cuando veo artefactos como el que nos toca hoy recuerdo un tiempo feliz no muy lejano, en que podías toparte con algo similar en cualquier rastro o mercadillo basuril, y pillarlo a cuatro perras. Ya digo, eran tiempos felices para los pocos "crate diggers" que husmeábamos cajones escondidos con las manos negras. En Zaragoza la sorpresa no era imposible, ya que la base americana y su actividad vinílica nos dejó rarezas impensables, en cualquier rincón. A veces comprabas algo así, sin tener ni pajolera idea de lo que pillabas, tan sólo haciéndole caso a ese sexto sentido desarrollado a base de muchas horas buscando algo raro, diferente, curioso. Lo que le daba un plus de emoción a la cosa. Tampoco sabías si era un "santo grial" coleccionista, ni su precio real en esos mercados. Generalmente nos guiábamos por catálogos de ese tipo, que nos daban valiosa info en un mundo sin Internet. Hoy todo ha cambiado. Cualquier tendero es "un entendido en la materia" visitando el oráculo Discogs. Y más de uno se sube a la parra por la primera referencia encontrada, sin importarle estado, edición ni perrito que le ladre. Sigo buscando con ilusión (no diré que como el primer día porque mentiría), pero todavía se puede uno llevar sorpresas.
Los californianos Starfire editaron ésta joyica en prensaje privado en 1974, de no más que 200 copias. Hasta 350 pavos se han pagado por un original. Aunque fue reeditado por Radioactive Records.
Ellos eran Chris Muis (cantante), Robert Mitchell (guitarra, coros), Robert Sephton (bajo, coros), Dennis Hovenden (batería) y Randy Kelley (teclados). Su estilo estaba centrado en un hard rock con todavía un fuerte poso psicodélico.
"Comfort Me" era como mezclar a Vanilla Fudge con Deep Purple o Uriah Heep. Su cantante demuestra carisma vocal, y el grupo tiene un fuerte carácter de equipo. "My Love is Gone" sigue teniendo marcada influencia de los primeros Heep, época "Very 'Eavy, Very 'Umble" o "Salisbury". Mientras Chris Muis está entre Byron y Gillan, con sus propias maneras. Fuerte presencia organistica refuerza todo lo dicho."Many Moods Ago" cuenta con potente melodía vocal y músculo guitar/organ interlude, no alejados de Warhorse.
Seguimos por senderos púrpura con mayor influjo progresivo, en "Birth of the Sun" (7'01). El tema más desarrollado del álbum, muestra pinceladas acústicas, armonías vocales, soberbio soporte rítmico, Hammond como guía (junto al bajo), y una casi Blackmore demostración guitarristica. Starfire se han ganado mis simpatías desde hace rato. Iron Butterfly mid-70s, los de "Scorching Beauty" y "Sun and Steel", también son aproximaciones fiables. Hay quien dice que ésos son "malos discos", pero nunca he estado de acuerdo con eso.
En la cara B, "Islands" da comienzo con un tratamiento que, en dos o tres años, va a ser asumido como Pomp rock. Es un hard rock psych muy melódico y asequible, que ya intuye lo que pronto se llamará AOR. "Slippery" es demasiado psico para 1974, pero parece no importar mucho a la banda. Los entiendo. Suena fresca aún hoy día, con ése blues flavour de enigmáticos aromas.
"Merry Crises '74" demuestra que también les importaba la problemática socio-política del momento. Y el hard rock gana aquí la partida. Es como si Michael Sadler de Saga, cantara al frente de Atomic Rooster o Captain Beyond. Uno de los (muchos) buenos momentos del álbum. Finalmente "To Wonder Life Alone" (5'40) es otro ejemplo de personalidad destacada en ésta desconocida banda. De fuerte calado general british, vuelven a destapar esencias Uriah Heep, Argent, Indian Summer, Fuzzy Duck o Julian's Treatment. Pienso que sus melodías Cali-rock hacen el resto para que el condimento suene así de espontáneo y natural.
Una maravilla de esas que no me encontraré en un rastro a diez pavos, no!!!
J.J. IGLESIAS
Temas
1 Comfort Me
2 My Love Is Gone
3 Many Moods Ago
4 Birt Of The Sun
5 Islands
6 Slippery
7 Merry Crises
8 To Wander Life Alone
Formación
Robert Sephton: Bajo, voz
Dennis Hovenden: batería
Robert Mitchell: guitarra, voz
Randy Kelley: teclados
Chris Muis: voz
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Matt Schofield es uno de los mejores guitarristas del blues británico actual. Admitido en el salón de la fama del Blues Británico ha llegado a actuar con gente como Buddy Guy y Robben Ford. Mención especial a sus colaboraciones con Dana Gillespie, Earl Green, Lee Sankey, Ian Siegal, entre otros.
Matt Schofield nació en Manchester en 1977, comenzó a tocar la guitarra a los 12 años. Cuenta Matt que su padre antes de emigrar a Estados Unidos le dejó un vídeo de BB King que lo marcó de por vida. Su primer concierto llegó a los 18 años y en Londres estuvo como acompañante de artistas experimentados del blues británico. Su primer disco es un "en directo", The Trio Live", grabado en el club Bisdhop's Blues. Como le gustó el resultado un año más tarde graba otro "live", " Live at the Jazz Cafe". Posteriormente ha grabado cinco discos en estudio el último, Far As I Can See" (2014).
Este segundo disco en directo de Matt Schofield está grabado en el London Jazz Cafe en Abril de 2005. La música que nos ofrece está llena de sonoridades donde el blues y el jazz se mezclan de forma perfecta. Referencia obligada podría ser Robben Ford. El "setlist" está compuesto por grandes versiones: Uncle Junior (Alan Evans), It's Your Thing (The Isley Brothers), Cissy Strut ( The Meters), Travellin' South y Lights Are On But Nobody's Home (Albert Collins), esta última una autentica maravilla. También podemos escuchar dos temas propios: All You Need y On My Way. La réplica perfecta a los riffs de Matt la ofrece su organista Jonny Henderson con sonido a lo Jimmy Smith. La banda la completa el batería Evan Jenkins. Disfrute total.
J.C. Miñana
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Al igual que otro recordado dúo, los siempre sorprendentes Silver Apples, Tonto's Expanding Head Band aparecieron en los primeros 70 con su histórico "Zero Time" (1971/ EMBRYO). Dos locos de los modulares tuneados por ellos mismos, formados por el británico Malcolm Cecil y el norteamericano Robert Margouleff.
Estos tipos estaban muy por delante en cuanto a conocimientos y medios de muchos otros nuevos "sintenautas" del boom Moog exploitation. Más serios en su propuesta que los gamberretes Silver Apples, y sin duda precursores de lo que pronto va a ser el ambient, kosmische y demás acepciones derivativas. Para 1972 editan "It's About Time" (POLYDOR), pero hasta ahí llega su legado. Parece que de "Tontos" tenían bien poco los amigos. Viendo un futuro esplendoroso como mercenarios de estudio de grabación.
Las nuevas técnicas electrónicas estaban siendo reclamadas por todos, y ellos eran expertos en la materia, además de contar con muy poca competencia en el sector. Gracias en primer lugar a Stevie Wonder, que como buen friki electrónico que es, los contrata para sus más legendarios discos de mediados 70. De ahí es un no parar, incidiendo primero en la música negra, y trabajando para Richie Havens, Wilson Pickett, Billy Preston, The Isley Brothers o Quincy Jones. Sus armatostes comienzan a interesar también a los blanquitos del rock, entre ellos a Doobie Brothers, Gene Parsons, Dave Mason , Little Feat, Stephen Stills, o hasta más progresivos como Weather Report y Steve Hillage (ver las fotos del inserto de "Motivation Radio"). Hay que decir que las siglas de T. O. N. T. O. significan "The Original New Timbral Orchestra". O sea, eso. Un modular synth tuneado como la moto de un hippie por perros viejos que se las saben todas.
En 1996 y con el nuevo formato digital-posavasos, salen editados sus dos discos en un sólo cd como "Tonto Rides Again". Al parecer los temas del segundo álbum son retitulados por problemas legales, (aunque en el libreto del cd dice que son inéditos. ....)
A pesar de que éste material se compuso en el nacimiento del instrumento como tal, suena maduro, completo, nada primitivo, trabajado, muy profesional y extraordinariamente melódico cuando procede. Hasta el punto de comparación con unos Tangerine Dream de primeros 80! "Cybernaut" (4'31) sorprende en su madurez compositiva. "Jetsex" (4'12) podrían ser los modernos Zombi. "Timewhys" (4'56) se adelanta a Klaus Schulze unos años , (observese el título. ...). "Aurora" (6'47) sería un perfecto score sci-fi actual. "Riversong" (7'58) nos anticipa a Kitaro y Popol Vuh. "Tama" (5'16) estaría perfecta en un "Albedo 0.31" o "Spiral", de Vangelis.
"Ferryboat" (4'59) nos descubre la Berlín School antes que los berlineses......También hay apuntes electronic-avant a la Conrad Schnitzler o Moebius/Roedelius, como en "Pyramodal" (2'09), "Cameltrain" (3'54) o "Freeflight" (2'23).
"Judgementor" (4'40) tiene maneras be-bop a la "Blade Runner". Mientras que "Tontomotion" (5'48) y "Tranquillium" (5'56) parecen un homenaje a Isao Tomita.
Todo esto en 1971, cuando la mayoría de los nombrados estaban en pañales creativos. No amigos, este par de "Tontos" ni un pelo.
Tonto's Expanding Head Band fue una anomalía de la historia que, bien mirado, la hace polvo. Obligando a reescribirla con ellos como jefes absolutos de la "cosa nostra" sintetizada. Los verdaderos padrinos.
J.J. IGLESIAS
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En mi adolescencia-juventud tenía por costumbre ir los sábados por la tarde a la tienda de discos para escuchar y en algún caso comprar las novedades discográficas. Recuerdo perfectamente que en una de esas tardes un amiguete me comentó: "Tienes que escuchar a este guitarrista es de otro planeta". Me coloque los auriculares y efectivamente ALUCINÉ. Un "alien guitarrero" había aterrizado en mi existencia. El disco "Surfing with the Alien" de Joe Satriani.
En Julio de 1993 Deep Purple edita " The Battle Rages On", una gran disco en su apartado musical pero que refleja las tensiones pasadas, presentes y futuras entre Gillan y Blackmore. Comienzan la gira de promoción por Estados Unidos y Europa, y las cosas no mejoran. Blackmore hace de las suyas realizando desplantes a sus compañeros en diversos conciertos. El último concierto de este renacido Mk II se realiza el 17 de noviembre de 1993 en Helsinki, Finlandia. El grupo quiere finalizar la gira y para ello llaman a Joe Satriani que acababa de publicar su cuarto álbum, "The Extremist". Joe estudia a contrareloj el "Machine Head" y debuta en el 2 de Diciembre en Nagoya, Japón. Los aficionados japoneses esperaban encontrar a Blackmore aún así de las 80.000 entradas vendidas sólo se devolvieron 2.000. Los resultados son excelentes y la banda recupera su vitalidad y alegría. Todo esto lleva a proponer a Satriani como miembro fijo de la banda. Lamentablemente los compromisos discográficos de Joe le hacen declinar la invitación. Finalizada la gira japonesa y una veraniega por Europa, Satriani se despide el 5 de Julio en Kapfenberg, Austria.
La grabación nos traslada a la actuación de Deep Purple en el Festival Open Air en St. Gallen de 1994 donde eran cabezas de cartel. El "setlist" está compuesto fundamentalmente por temas del "Machine Head" (Maybe I'm a Leo, Pictures of Home, Lazy, Space Truckin, Smoke on the Water). También tenemos clásicos como Woman From Tokyo, Fireball, Knocking At Your Back Door, Perfect Strangers o When A Blind Man Cries. Joe aporta su "Satch Boogie" y en la parte final tenemos el "Paint It Black" de los Rolling. Naturalmente los "solos" correspondientes de teclados, batería y guitarra. Un Satriani perfectamente integrado con un estilo propio que nada tiene que ver con Blackmore. Sonido soportablemente bueno. J.C. Miñana
Temas
1. Ramshackle Man
2. Maybe I´m A Leo
3. Fireball
4. Perfect Strangers
5. Pictures Of Home
6. Keyboards Solo
7. Knocking At Your Back Door
8. Anyone´s Daughter
9. Guitar Solo
10. Anya
11. The Battle Rages On
12. When A Blind Man Cries
13. Lazy
14. Drums Solo
15. Satch Boogie
16. Space truckin´
17. Woman From Tokyo
18. Paint It Black
19. Speed King
20. Smoke On The Water
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Big Yuyu es un grupo mallorquín con mas de diez años de carrera y con cuatro discos a sus espaldas, el último, "Soulify Girl", publicado en 2017. En la actualidad la banda está compuesta por Jordi Alvarez (Guitarra, voz), Juan Amaro (bajo) y Esteve Huguet (batería).
Nos pusimos en contacto con Jordi para que nos contara la vida y milagros de la banda
Rockliquias.- Big Yuyu, curioso nombre ¿Tiene algún significado?
Un “Yuyu” es algo que popularmente asociamos al miedo. Todo el mundo tiene temor a estar triste o tener el Blues…pero el Blues todo lo cura! O por lo menos ayuda a pasarlo…
El nombre vino, a raíz de cuando estábamos grabando nuestro primer disco y un día, ya bien avanzada la grabación, el ordenador del estudio petó! Flavio, el ingeniero dijo: “Qué Yuyu!” y yo dije…”Big Yuyu!” a lo que él respondió: “Buen nombre para un grupo!” con media sonrisa e intentando quitar peso al problema del odenador, que finalmente se pudo solucionar sin más!
También siempre me ha hecho gracia eso de “te va a dar un YUYU!” JEJEJE
Rockliquias.-¿Cuáles son vuestras influencias?
Son muchas y muy variadas. A cada uno le gustan varias cosas y estilos, pero es precisamente en la conjunción de ello en lo que se basa nuestro estilo.
El Blues en todo su esplendor y diversidad, el Rock clásico, el Soul, el Rhythm’n Blues, el Jazz…pero no dejan de ser etiquetas y nos gusta o bien intentamos huir de ellas, si es posible!
El otro día después de un concierto, hablando con la peña, a Juan Amaro le preguntaban si tenía a algún grupo o artista favorito, a lo que él, con la sabiduría que le da la experiencia respondió que eso es imposible y menos hoy día.
Rockliquias.- A lo largo de más de once años de carrera por la banda han pasado diversidad de músicos . Nos podríais comentar las diversas formaciones.
En origen, la banda se creó en formato trio, con Jaume “Trostky” a la batería, además de Juan Amaro al bajo y yo a la guitarra y voz. Luego, en algunas ocasiones incluíamos a Llorenç Barceló al teclado. Posteriormente, decidimos crear una formación paralela a la que llamamos Big Yuyu & the Hot Nite Band, que además del quarteto incluía una sección de tres metales y un segundo batería-percusión. Pero, primero la crisis y luego la imposibilidad de mantener el proyecto con tanta gente involucrada y tan poca salida, hizo inviable el proyecto y decidimos volver al formato original de trío, esta vez con Esteve Huguet a la batería.
Todas estas etapas han sido enriquecedoras y responsables de lo que somos hoy día. De nuestro sonido y de nuestro estilo. Son parte indispensable de nuestra historia y trayectoria.
Rockliquias.- En 2007 llega vuestro primer trabajo, "Big Yuyu", once temas cargados de buen blues. ¿Qué recordáis de esa primera experiencia?
Fué maravilloso! De echo, el proyecto empezó verdaderamente ahí. Juntamos esos temas que nos gustaban, les dimos nuestro sello y nos pusimos a grabar. El álbum fué un éxito, y sorprendentemente fué elegido por la prensa cómo uno de los diez mejores álbumes de Baleares de ese año. Nos abrió muchas puertas. Y dio nombre al grupo!
Rockliquias.- Tres años después llega la aventura con Lorenzo Thompson, J.L. Pardo y Quique Gómez. y la grabación de "Do the Siesta". ¿ Cómo surgió el proyecto y que datos nos podéis aportar de la grabación?
Me llamó José Luís Pardo, con quien hemos trabajado y mantenemos una gran amistad, que iba a estar girando con Lorenzo Thompson por el país y que tenían una fecha en el Festival de Blues de Palma. Me dijo, que estaría muy bien, aprovechar que estaban por aquí unos días y que teniendo yo el estudio en casa, podríamos aprovechar el tiempo y grabar con él, sin más pretensión que tocar unos temas en directo, estar a gusto y si surge, sacamos el disco. Hasta esa fecha, Lorenzo no tenía ningún disco editado, lo cual me parecía sorprendente tratándose de un cantante y artista cómo él! Y así fue! Lo grabamos en un día y medio, todo en directo, primeras y segundas tomas. Al escuchar los resultados, decidimos sacar adelante el álbum! Fue fantástico a muchos niveles! Tocar con un Bluesman americano, en el estudio, todo fluyó! Ahí está el honesto resultado! Y Lorenzo probó las lentejas con chorizo de casa y le encantaron! jejeje
Rockliquias.- Colaborasteis con Bob Margolin
Qué gran experiencia! Estuvo girando por la península con Tota Blues, él me llamó…”tenemos un sábado libre, podemos hacer algo en Mallorca?”
Así que encontramos la complicidad para traerlo al Blue Jazz Club (Hotel Saratoga) de Palma. Para esa noche juntamos también a Richard Vinton, un gran pianista de Florida, que lleva muchos años viviendo aquí. A Bob, le encanta el piano! No hubo ensayo, no había setlist. Probamos sonido, fuimos a cenar y arrancamos puntuales! El Blues es así! Fue una noche maravillosa, la tenemos marcada en la memoria y en el corazón! Bob es un tipo fantástico, muy afable y campechano! Fue un placer acompañarle. Poder tocar con uno de tus referentes y que te arrope en el escenario no tiene precio!
Rockliquias.- Vuestro tercer trabajo llega en 2011, "Burnin'up", mezcla de estilos (funk, soul, blues, boogie). Nos puedes comentar algo sobre el mismo?
Era el momento! Con la Hot Nite Band a tope y por primera vez, con nuestras propias canciones. La banda estaba lista para todo, pero vino la “crisis económica” y al final se convirtió en una “crisis existencial” para todo el mundo! Por cierto? Ha acabado ya? Jejeje
Es un trabajo muy completo, a nuestro entender, en el que todos aportamos lo mejor que pudimos. Son buenas canciones, están bien interpretadas y son tal y cómo las pensamos en su concepción. La base es el Blues, pero como bien dices, mezcla estilos…éramos 8 músicos y todos teníamos voz. Una democracia, vamos!
Se grabó en mi estudio y luego lo mezclamos y masterizamos en Swing Estudis de Palma con el maestro Toni Pastor.
Nos abrió también muchas puertas, a tocar en Festivales, programas de televisión, giras…fue una época maravillosa, pero también es complicado hoy día mover un grupo de 10 personas y más si hay que salir de una isla en avión o barco…
Rockliquias.- Por cierto resulta bastante difícil encontrar vuestros tres primeros discos.
Siempre llevamos en nuestros conciertos! Jeje
El “Do the Siesta” lo podéis encontrar en la web de Gaztelupeko Hostak, que es la discográfica que lo edita. El resto, o bien en nuestros conciertos o bien en las principales webs de venta y descarga digital de audio.
Rockliquias.- Pasan seis años hasta la grabación de vuestra cuarta producción, ""Soulify Girl", supongo que la crisis también os afectaría.
No fue cuestión de la crisis…en 2012, entró a formar parte de la banda, Esteve. Él, ha aportado mucho al sonido y estilo del grupo desde entonces. No sólo con la batería (él es además un gran guitarrista), sino que también ha aportado madurez y contundencia. Nos íbamos yendo cronológicamente atrás en el tiempo en cuanto a estilo y sonoridad. Buscando las raíces del grupo y la crudeza del estilo. Eso llevó tiempo y perseverancia. Además, la tarea de composición no es fácil cuando haces cada año más de 200 conciertos. No es una excusa, pero es así en nuestro caso y muchos lo entenderéis. Cuando tuvimos los temas correctos para esa nueva etapa que queríamos mostrar y estuvieron listos, decidimos grabar. Right place, right time!
Rockliquias.- ¿ Qué detalles nos podéis aportar de la grabación? (lugar de grabación, productor, colaboraciones, etc)
Nunca antes lo habíamos hecho, pero esta vez, decidimos que había que traer un productor, alguien de “fuera” de nuestro entorno pero a la vez, que conociese bien el estilo y sonido que necesitábamos para esos temas y pudiese aportar más luz a esas composiciones. Al hablar de nombres, el primero que salió y en el que coincidimos los tres fue el de Santiago Campillo. Y así fué! Le mandamos la maqueta, le gustó la idea y se vino a hacer la producción!
Grabamos de nuevo en mi estudio (Sa Grava Estudi). Estuvimos diez días intensos y emocionantes de grabación. Casi encerrados en el estudio diría yo! Santiago realizó un trabajo de producción impecable y sacó lo mejor y lo peor de nosotros y de nuestras posibilidades y guió en todo momento cada una de las canciones del disco y también nuestras emociones. No podemos estar más agradecidos con él, su trabajo y con el resultado final.
En este trabajo, queríamos mostrar el “nuevo trío”. No por ello, íbamos a descartar a nuestra “familia Yuyu” en las colaboraciones que iban a dar el toque dónde hiciese falta. Así, hay un tema soulero con The Hot Nite Band (metales, hammond y percusión), la armónica de uno de nuestros colaboradores habituales, el francés residente en Mallorca, Antonin Bastian, la excitante percusión de Rogerio Santos Silva, Hammond a cargo de Emili Gené y Llorenç Barceló, coros a cargo de Jordi Planiol y Marga Ros y por supuesto, le pedimos a Santiago Campillo que se tocara algo, y así se grabó ese maravilloso y emocionante solo en “I Believe”.
Rockliquias.- Algún tema con el que estés más satisfecho
Nos gusta contemplar el álbum completo en su diversidad y amplitud. Te podría decir uno y en una hora te diría otro…estamos muy satisfechos con el global del disco, el sonido, el mensaje, el diseño…y lo más importante de todo, a la gente le encanta! Eso es lo que da más satisfacción.
Rockliquias.- En diversas ocasiones habéis actuado fuera de España ¿ Qué tal el público y la experiencia?
Sí, hemos salido en varias ocasiones de gira fuera de nuestro país. Hemos estado varias veces de gira por Alemania y Holanda, también en Inglaterra y Suiza.
Pues la verdad es que muy bien siempre! Nada sorprendente, teniendo en cuenta que trabajando en Mallorca, estamos muy acostumbrados a tener entre nuestro público a gente de todas partes, a hablar con ellos y hacerles disfrutar con nuestro show. En esos países, la cultura musical está muy evolucionada, llevan muchos años en ello! Y nos llevan ventaja. No estoy diciendo que aquí sea peor ni mucho menos, pero creo que es bueno ser autocríticos y reconocer, que aquí tanto el Blues cómo otros géneros siguen siendo un tanto minoritarios y lejos del alcance de los oídos de las grandes masas…eso ahí, sucede menos, llevan detrás un bagaje que los hace más experimentados.
Rockliquias.- ¿Cómo va vuestra agenda de conciertos?
Pues no te voy a engañar, muy satisfechos! Aunque sí nos gustaría tener más posibilidades y facilidades a la hora de poder salir de Mallorca, pero no es fácil. Pero aquí en la Isla trabajamos bien aunque echamos de menos una “escena” musical más efervescente…no hace mucho que la había, pero por muchas razones se ha diluido. Todavía se basa demasiado en completar la oferta turística y cuando termina la temporada, quedan pocos espacios dónde poder ofrecer buenos productos…es cómo si todo hibernara!
Rockliquias.- ¿Cómo está el ambiente musical por Mallorca?
Aquí, desde los años 60’s y gracias a la permisividad en pro del boom turístico de la que las Baleares gozaban, siempre ha habido muy buenos espectáculos y grandes artistas y músicos. No era extraño que aquí actuaran Frank Sinatra, James Brown, Ray Charles e incluso Jimi Hendrix cuando en el resto del país, todo esto estaba prohibido e incluso era desconocido! Por no mencionar producto local cómo los Bravos, Zeta 66, Joan Bibiloni, Bonet de Sanpedro…
Además aquí han venido grandes músicos de fuera que han acabado viviendo aquí y se les puede disfrutar cualquier noche! Gente de mucho nivel artístico! Eso nos enriquece y nos aporta mucho. Además hay una prometedora cantera de jóvenes músicos, que están estudiando y formándose, que auguran un futuro muy prometedor y esperanzador. Yo creo que la música en directo, nunca morirá…sólo se transformará!
Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos ?
Si os gustan el Blues y el Rock clásicos, queréis escuchar algo fresco y original hecho con el alma os invito a venir a vernos cualquier noche de estas y a vibrar y disfrutar de una de nuestras actuaciones. Prometemos darlo todo para vuestro disfrute! Y si os gusta, llevaros uno de nuestros discos o bien todos a vuestra casa! jejeje
Big Yuyu nos ofrecen diez temas cargados de buen rock blues y mucho más. Con una voz que me recuerda en ocasiones a la de "Stevie", buenos riffs de guitarra, y una precisa y contundente sección rítmica. Como productor Santiago Campillo (guitarrista M-clan, Los rebeldes) que incluso pone su granito guitarrero en "I Believe".
Me encantan los riffs de "No Matter What", muy al estilo de "Vaughan", Muy buenos los músicos invitados destacando en "Sad Way". Difícil destacar un tema en concreto debido a la gran calidad de todos ellos.
No sé si 1973 fue un año mariano glorificado por la santa sede, pero lo que sí es cierto es que fue el año de gloria para la música inteligente y para todo tipo de lanzamientos progresivos y punto álgido del rock sinfónico en todas las producciones. Así fue y así os lo comento para los que todavía no estabais en este peculiar planeta.
Yo estaba en plena juventud ya pasada la adolescencia y tuve el privilegio de vivirlo. Incluso aquellas joyas se editaban en España en plena decadencia franquista (que es un decir). Y permitidme un desbarre sociológico y aunque estemos hablando de música: aunque sólo murió el caudillo, hoy tenemos “subcaudillos” y curiosamente y a diferencia de Europa el régimen sigue vivo incapaz de autocrítica y condena y la democracia es un paripé falso y vergonzoso. Hoy para colmo no solo sufrimos un nacionalismo torero español de banderitas, sino también el de provincias, potenciando el primitivismo catalán absurdo y estelado de tribu amarilla que ha falseado la historia. Todo se ha ido a la mierda y la estupidez y la incultura, más que nunca, incluso se potencian. La nueva izquierda es un fraude y los fachas más fachas que nunca. Lo gracioso y surrealista es que casi había más libertad de expresión entonces en 1973 que hoy y sin duda más respeto. ¿A que jode?
Afortunadamente para la música no fueron tiempos tan orwellianos como hoy y ahora y al considerarla “cosa menor” la censura, que no hablaba inglés ni tampoco leía, dejó colarse muchos discos maravillosos con textos y letras que hoy seguramente, porque los malos hoy son más inteligentes y perversos que entonces no os quepa la menor duda, tacharían de ofensivos y probablemente serían pasto judicial y silenciados por atentar contra los principios de una sociedad sana y noble como la que vivimos, pletóricos de alegría. Yo me quejaba de libertades como todos los de mi generación. Ahora que no las hay, casi nadie se queja y los que se quejan son medio tontos. Curiosa paradoja.
Bueno después de esta reflexión docente por mi parte, este disco de Le Orme supuso una de esas piezas gloriosas de los 70´s. “Felona e Sorona” como otras gemas de la época, pasó completamente desapercibida aun saliendo el mismo año que “Photos Of Ghosts” de la Premiata y teniendo de padrino al inefable de Peter Hammil que escribió las letras para la versión anglosajona. Todo un detalle. La historia futurista de este disco, trata de dos planetas: Felona y Sorona. En uno la alegría y la felicidad reinan y en el otro la tristeza y la oscuridad lo acaparan todo. Estamos claro está, en una típica representación idealista happyflower de la época. Sinceramente no creo en un planeta happy ni por asomo, si lo hay, que lo dudo, será tan borde o más que éste. El mal lo acapara todo porque va intrínseco al racionalismo y a la inteligencia y para un pesimista profesional como yo, todo bien resulta al final en un fraude. Es lo que hay y no me lloren. La fantasía es un bálsamo donde escaparse y todo amante de la música lo sabe. Es todo lo que tenemos. Por eso nos gusta la música.
Este álbum concepto de tan solo 33 mtos se abre con “Sospesi Nell´Incredibile. 8 minutos poco habituales en esta banda. La pieza es de una finura entre oscura y exquisita con mellotrón, órgano y moog mandando con un excelente trabajo del batería Michi dei Rossi bien acoplado con un bajo imaginativo y unas melodías excelsas. Ya no hay referencias a otros grupos, es puro Le Orme encontrando su propio camino y poco tiene que envidiar a sus colegas Banco y Premiata en esta ocasión. Es puro rock sinfónico en su mejor época y Pagliuca se desdobla en un trabajo magistral de teclados, todo hay que decirlo. Es un paso de gigante comparado con “Uomo Di Pezza”. Las melodías “italianas” se suceden en acústicos pasajes de guitarra y la producción y arreglos suenan frescas y hermosas con ese toque folky-clásico identitario de Tagliapietra…”la soledad que protege el mundo”… “el equilibrio”. La composición alterna pasajes instrumentales de piano y moog muy interesantes. Jamás hay agresividad en la voz, es una peculiaridad en toda la discografía del trío y un sello identificativo diferente si comparamos con otros cantantes italianos del movimiento RPI. Los cambios son constantes y se nota que la composición ha sido muy trabajada.
Hay dos versiones de este disco: La italiana y la inglesa, ni que decir tiene cual es mi preferida, pero ambas son recomendables para entender que Italia debía dar a conocer su música al resto del continente. Felona e Sorona es un clásico del movimiento e imperdonable no tenerlo si te gusta el progresivo italiano.
Alberto Torró
Temas
Sospesi nell'incredibile –00:00
Felona ("Felona") - 08:41
La solitudine di chi protegge il mondo -10:39
L'equilibrio - 12:38
Sorona -16:23
Attesa inerte - 18:51
Ritratto di un mattino -22:16
All'infuori del tempo -25:45
Ritorno al nulla - 29:54
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