DETECTIVE - Detective 1977

Es posible que  aquellos que peinan canas recuerden a Murdoc, asesino internacional y maestro del disfraz, que salía en la serie MacGyver. El actor que interpretaba ese papel era Michael Des Barres el cantante de Detective.

La banda se forma en 1975 en Los Ángeles.  Integrada por Michael Des Barres como cantante (Silverhead), en las guitarras Michael Monarch (guitarrista original de Steppenwolf), a los teclados Tony Kaye (Yes, Badger), al bajo Bobby Pickett (Sugarloaf) y a la batería Jon Hyde (Hokus Pokus, Monarch). Fichan por una Swan Song apadrinados por Jimmy Page y en 1977 editan su primer disco, "Detective".  Ese mismo año llega su segundo trabajo, "It Takes One to Know One, y se van de gira con Kiss que incluso consideraron grabar uno de sus temas, "Ain't None Of Your Business". En 1978 cambian de compañía, "Atlantic Records", para grabar su tercer disco que nunca vería la luz. Se publicó de forma promocional una actuación de la banda en los estudios de Atlantic en 1978. El grupo se disolvería antes de entrar en la década de los ochenta.

Este primer disco de Detective está cargado de buen hard rock con influencias a lo Zeppelin, cuatro de sus temas están producidos por Jimmy Robinson (Jimmy Page). El disco se inicia con "Recognition" moviéndose por terrenos de "hard soft" mezclando toques funk y soul. "Got Enough Love" podría trasladarnos a sonoridades a lo Bad Company pero sin Paul Rodgers. "Grim Reaper" es la primera andanada a lo Zeppelin. La tierna balada nos llega con "Nightingate", un tanto lacrimógena. "Detective Man", hard rock con buenos riffs.  "Ain't None Of Your Business", la segunda andanada Zeppelin/Company. Incluso tenemos un instrumental, "Ain't None Of Your Business", para el lucimiento del guitarrista Michael Monarch bien secundado por los teclados de Tony Kaye. "Wild Hot Summer Nights", funky rock al gusto de Tommy Bolin. Por último, "One More Heartache", con una entrada que no puede ser mas John Bonham, la tercera andanada Zeppelin.

J.C.Miñana

Temas

A1 Recognition 00:00 

A2 Got Enough Love 04:30  

A3 Grim Reaper 08:11 

A4 Nightingale 12:33 

B1 Detective Man 17:28 

B2 Ain't None Of Your Business 20:58 

B3 Deep Down 25:30

B4 Wild Hot Summer Nights 28:37 

B5 One More Heartache 32:54

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HAWKLORDS - Brave New World (2018 / HAWKLORDS)

Totalmente asustadito me dejó el nuevo experimento de Netflix, vía la peli "Black Mirror : Bandersnatch". Si la serie ya es inquietante  (y cojonuda), éste invento interactivo lo es todavía más. Resulta que con el mismo mando o ratón, puedes decidir el futuro del prota y alguno de sus numerosos finales. 

Vale, hacer de dios desde el sillón de tu casa atrae a cualquiera. Lo que ya no es tan atrayente es qué diablos harán con los datos y perfil que dejamos en esos putos algoritmos que van a la Big Data de Netflix. Que te hagan elegir entre dos marcas de cereales, deja claro que como instrumento de marqueting no tiene precio. La pregunta del millón es dónde estaba la "supuesta comercialidad",  entre elegir dos álbumes rarunos  de los 70, en una banda sonora llena de synth pop. Y que fueran "Phaedra" de Tangerine Dream y "The Bermuda Triangle" de Isao Tomita, sólo me lleva a una conclusión. Ahí entraban ya en el pleno examen de psicoanálisis. Es legal, lo de Netflix? Porque yo ya me siento violado psicológicamente.  Vale, para no mosquearme me ponen "Phaedra" generosamente,  que para eso fue mi elección. Al final resulta que con quien juegan es contigo, miserable cobaya humana.

Todo esto viene a cuento porque en la "realidad" interactiva de la vida, también puedes elegir entre tres bandas que podrían ser una. Tienes a los Hawkwind de toda la vida, liderados por su "Capitán Kirk" de siempre, Dave Brock. Los Space Ritual (y múltiples proyectos más) de su enemigo mortal, Nik Turner. Y luego están los neutrales, que se llevan bien con los Klingon, los Skrulls y los Shy'ar, Hawklords. En teoría,  banda de un sólo disco en el 78 y reunidos en recientes tiempos como spin-off de la nave nodriza. Tan sólo Harvey Bainbridge queda de aquel debut, entonces como bajista,  y  ahora como cantante / sintetista. Co-lidera los Hawklords del siglo XXI junto a Jerry Richards, (guitarra y voz), otro perteneciente al histórico árbol genealogico de la nave Halcón.  Completan Dave Pearle (batería) y Tom Ashurst (bajo, voz). Éste reciente "Brave New World" hace ya su séptima entrega, lo que significa que se lo han tomado en serio desde su reunión. También es el segundo de una trilogía que comenzó con "Six" (2017).

Su comienzo nos ofrece en "Devil in your Head" (7'37) un innegable regusto a la banda - nave madre. Justo lo que los Hawkwind más recientes de "Into the Woods" (2017), tratan de evitar a toda costa. Nada que objetar por otra parte, si está hecho con convicción y buenos mimbres espaciales. Y éstos Caballeros Halcón dominan esas artes tan bien como la banda de Brock. Quizás hasta con más melodía. Guitarra y teclados son pura lisergia Jedi, y la sección de ritmo tiene sus propulsores en constante ignición. 

"Standing Still" (4'14) suena como unos Stones en la Taberna Galáctica. Con un Richards, (errrrr, Jerry, no Keith), de finísimo toque bluesero - cósmico. 

En "Flight Path" (4'59) toman el sendero cinemático - instrumental y se marcan una pieza elegante de veras. 

"Listening for Life" (5'21) es una etérea recreación  de Hawkwind en sus planeadores primeros 90, etapa "Palace Springs" / "It Is the Business of the Future  to be Dangerous". 

De igual modo comienza "Brave New World" (10'06), casi como unos TD de finales 70, y predominio absoluto de los sintes de Bainbridge, mezclados con sampleados spoken word. La guitarra con pedigrí aparece en los minutos finales, en una pequeña pugna contra los dictatoriales teclados. 

En realidad, si les quitas toda la costra cibernética,  Hawklords son una buena banda setentera de rhythm'n'blues, y su guitarrista no lo disimula para nada. "End of the Line" (6'11) es otro fino exponente de lo dicho. Claro que también eran las bases de los Hawkwind Zoo, primera formación de finales 60. Así que la tradición se conserva.

"A Walk in Albión" (7'32) finaliza ésta aural peli sci-fi con otro instrumental de apabullante psicodelia cósmica - hard rock. Retando a la banda madre a que supere su actual propuesta, e imposibilitando cualquier favoritismo Halcón por cualquiera de sus tres facciones.

Por muchos inventos del demonio que nos pongan en la tele....Vade Retro.

J.J. IGLESIAS

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TREARURE - Live at Botton Line 1977

La banda Treasure estaba formada por Felix Cavaliere, ex vocalista y teclista de The Rascals con los que grabó mas de media docena de discos del 66 al 72. En las guitarras teníamos a Vinnie Cusano que años mas tarde se convertiría en Vinnie Vicent con su entrada en KISS. Por último en la batería, Jack Scarangella, de The Fabulous Rhinestones.

El grupo se forma en 1977 con formato de trío: Cavaliere, Cusano y Scarangella, posteriormente entraría el bajista Rick Laird. Firman por la discográfica Epic grabando su único disco, "Treasure", ese mismo año contando con la participación del bajista Rick Laird, que había acompañado a gente como Wes Montgomery, Buddy Rich, Sonny Rollins y formado parte de The Brian Group y The Mahavishnu Orchestra hasta 1973. Muy malas críticas y los proyectos personales de sus miembros  precipitan su disolución en 1979.

La grabación nos traslada al concierto de Treasure en el Botton Line de New York el 11 de diciembre de 1977. La música que nos ofrecen es un hard muy light con claras incursiones en el AOR. El "setlist" está compuesto por temas de su único disco "Treasure" (1977) y un fin de fiesta con solos de batería, bajo y guitarra. En este concierto el bajista era Marty David (Holy M;oses, Van Morrison). Lo mas destacados son los riffs de un incipiente Vinnie Cusano (Vinnie Vicent). La grabación pertenece a la FM y el sonido es bastante aceptable.

J.C.Miñana

Temas

01 Love Me Tonight 00:00

02 Innocent Eyes 06:01

03 My Lady Once Told Me 09:18

04 Treasure 16:08

05 I Wanna Love You 24:30

06 When The Sun Shines 29:58

07 Jubilation 35:48

08 Drum Solo 39:54

09 Bass & Guitar Solo 43:14

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TARANIS - Taranis 1985

Hoy nos tomamos un pequeño receso en nuestra aclamada sección de Rockliquias Bandas para retornar a los ochenta de la mano de un grupo gallego que se empeño en unir el folk con otras corrientes musicales como el funk, jazz e incluso el progresivo. Me estoy refiriendo a Taranis.

El grupo procedía de Lugo y se formó  en 1980. En sus filas podíamos encontrar a Manuel Pajón (bajo, pandeiro), Pedro Vila Carreira (voz, guitarra), Rodrigo Moreno (Voz, teclados), Leandro Fernández (voz, batería) y Enrique López (saxo, gaita). Ese mismo año llega su primer disco, "Ith-Gael", editado por el sello Ruada (Outeiro, Milladorio) y producido por Paco Rivera  con la participación en los arreglos de Eduardo Leyra director de la orquesta de Radio Televisión Española.

El disco se hizo muy popular debido a que programas de radio y televisión utilizaron algunos de sus temas como sintonía.  Esto les llevo a realizar multitud de actuaciones por toda España siendo una de la bandas mas contratada dentro del folk fusión.

Temas

1º- Bailadela 00:00

2º- Cantiga do castiñeiro 04:07

3º- Thor 08:00

4º- O viaxe 12:14

5º- O noso xeito 17:41

6º- Ith Gael 21:01

7º- Mestura 27:20

8º- Libertade 31:08

Durante tres años estuvieron inactivos por motivos laborales. En 1985  bajo la colaboración y el patrocinio de la Diputación Provincial de Lugo publican  su segundo disco, "Taranis", con algunos cambios en su formación. Cándido Díaz había sustituido a Enrique López  y se había incorporado Begoña Díaz en los teclados. La presentación oficial se realizó en la sala Estudio-3 de Lugo

En este segundo disco la banda había enfatizado su afán por la fusión de estilos como consecuencia de ello podemos encontrar temas como "Keltia" o "Antroido" donde la unión entre el folk y el rock es perfecta llegando a sonar muy al estilo de lo que hacía Mike Oldfield en "Ommadawn". En "Romanza" se une la música medieval con los aires gallegos y cierto toque rock. Su aspecto mas progresivo lo encontramos en temas como  "Desencontro" o Entre o lusco i o fusco", donde sus raíces siguen muy presentes , o por supuesto en "Outono" donde nos pueden llegar a sonar a Camel. El aspecto más pop lo tenemos en "Espellismo".  El tema mas jazz rock Mediterráneo es sin duda "Noites no xardín". El disco se cierra con "Os druídas" una mezcla de todas sus tendencias.

Temas

1º- Keltia 00:00

2º- Romanza 04:45

3º- Desencontro 08:06

4º- Entre o lusco i o fusco 10:59

5º- Espellismo 13:36

6º- Antroido 17:13

7º- Outono 19:51

8º- Noites no xardín 27:01

9º- Os druidas 31:09

En 1990 llegaría su tercer LP "Sinfonía do Cebreiro" editado por el sello Sons Galiza. Musicalmente continuaban fusionando con mucho mérito sus raíces gallegas con sonidos propios del rock y del jazz. Ese mismo año certificarían su disolución

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ARTI E MESTIERI - Murales (2001)

Este es un álbum de reunión tras nada menos 16 años de parón discográfico. Probablemente ya nadie se acordaba de estos italianos jazzrockeros pero tarde o temprano la cabra tira al monte para los que en algún momento de la vida hemos sido músicos.

 Es difícil prescindir de lo que te da vida y eso le pasa supongo que a la mayoría de instrumentistas. No hay nada más triste que escuchar eso de “me he retirado” o “ya estoy mayor”. Evidentemente que si la salud no acompaña no está el cuerpo para verbenas ni jolgorios, pero aun así, lo que fuiste pide volver siempre de alguna forma en todo lo que esté relacionado con la música, al fin y al cabo, lo único decente que ha creado el ser humano. En otros conceptos del arte me reservo la opinión porque al igual que la mala música, me produce alergia ver mierdas colgadas de las paredes, libros idiotas o películas infumables. Es lo que hay.

En “Murales” vuelven a estar la formación original casi al completo: Venegoni, Crovella, Gallesi y Chirico y sí, no tienen la fuerza creativa de la juventud, pero si la experiencia y la elegancia acumulada para hacer un disco de jazz-sinfónico fino y preciso. La portada es horrible desgraciadamente, pero eso es lo de menos. Aunque siempre he considerado lo importante que es el envoltorio. Os puede parecer una tontería por mi parte, pero no escuchas de la misma manera si la portada es hermosa o atrayente. Ya lo dije en alguna ocasión. Es psicológico evidentemente, pero a mí me afecta quizá por mi condición de dibujante, no lo sé. 

El sonido de este disco es espectacular en términos de producción y noto que han cuidado la cuestión melódica en perjuicio quizás de mayores efectismos o piruetas instrumentales. Todo está fantástico: teclados, guitarras, batería. Hay dos teclistas por cierto: Beppe Crovella y Marco Cimino y por esta vez han prescindido de instrumentos de viento y han “sinfonizado” bastante el sonido (es lo que tienen los teclados). Las incursiones de hammond de Crovella son aplastantes así como la guitarra clásica y eléctrica de Venegoni  más la colaboración del violinista Corrado Trabuio. La forma de composición la encuentro muy diferente. Han cambiado hacia bastantes estilos muy variados pero todos ellos adaptados de manera exquisita. Son músicos de verdad donde la perfección lo implica todo a la hora de enfrentarse a composiciones ya muy alejadas de los macarrillas 80´s y donde el “estilo elegante” sí importa, un poco en ocasiones parten hacia terrenos a lo Pat Metheny y Lyle Mays. 

Es un disco largo de más de una hora y al parecer, con el paso de tanto tiempo, tenían un buen material que ofrecer y la escucha se agradece. El trabajo entra solo, sin forzar, de una delicadeza absoluta. Bonito es la palabra.

Alberto Torró

Temas

A1 Arc En Ciel 3:52

A2 2000 7:36

A3 Astortango 4:18

A4 No Fly Zone 4:40

A5 Ali 2:01

B1 Alba Mediterranea 6:32

B2.a Nove Lune Prima 1:05

B2.b Zoetrope 2:34

B2.c Bonaventura Moon 2:01

B3 Terra Incognita 5:48

B4 Strade 4:43

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SAMLA MAMMAS MANNA: (Suecia) Introducción.

Con el año ya comenzado seguimos con bandas fuera del ámbito de lo que la mayoría del oído medio está acostumbrada a escuchar y en este caso lo hacemos con una de las agrupaciones más particulares y extrañas que ha dado el progresivo sueco.

 Probablemente los SMM (abreviaremos) fueron una de las bandas más veteranas de Escandinavia y una de las primeras en lo que varios años más tarde se denominaría rock en oposición (RIO). Como ya comenté la semana pasada algo tiene que tener este estilo libre de música para que de vez en cuando, me atraiga personalmente. Probablemente el culpable de todo esto sea, para variar, el irreverente de siempre y sus madres de la invención. Ya dije que hacer música ardua de forma seria es una experiencia que con los años y con un bagaje más que suficiente de horas de música escuchada, acabas por aborrecer salvo que lo que oigas sea completamente diferente y políticamente incorrecto o sencillamente que conecte con alguna parte de tu yo más auténtico de lo que a veces no somos ni conscientes. Lo que de joven molaba, más que nada por hacerte el interesante, acaba siendo un lastre por acumulación y por tener una enorme paleta comparativa. Sí claro, lo que es bueno es bueno y se acabó, pero al final acabas quedándote con aquello con lo que te identificas o consigue atraparte por algún motivo desconocido. También cualquier pasión desmedida por alguna cosa termina siendo una enfermedad patológica y no son tan diferentes un ludópata y un melómano os lo aseguro. Ahí entraríamos en la psicología y el carácter de cada uno. Además, con la edad te puedes permitir ciertos lujos porque ya has pasado por carros y carretas y adquieres cierta sana insolencia como para cargarte todo tipo de ídolos e idolatrías musicales. Es decir, haces lo que te da la gana y lo que te sale de las profundidades históricas de tus glándulas biológicas.

Samla Mammas Manna se forman en Uppsala, Suecia en 1969. Efectivamente la misma ciudad del rubiales Roine Stolt y los Flower Kings, de hecho, el batería Hasse Bruniusson llegaría formar parte de ellos en los 90´s. La base instrumental de esta banda recae en el teclista Lasse Ollmer, el guitarra Coste Apetrea, el bajista Lars Krantz más el mencionado Hasse. El germen del sonido SMM se destila por una parte del folklore escandinavo, la fusión jazz rock, la vanguardia y el “rock de cámara”. Las influencias (si es que las hay) están entre The Mothers of Invention y el canterbury temprano donde caben desde Hatfield and the North a Soft Machine, Henry Cow e incluso Gong en su vertiente más desmadrada, aunque debo aclarar que poseen una originalidad muy difícil de encuadrar, pero soy consciente de que debía agregar ciertas etiquetas para entendernos. La primera vez que los escuchas parecen una surrealista agrupación circense o como si una banda de jazz se hubiese vuelto completamente loca.  Si alguien piensa que las gentes de las frías tierras del norte carecen de sentido del humor se equivocan de punta a punta. Precisamente el punto esencial de este grupo es hacer música compleja y atrayente con un cachondeo casi hilarante. Ahí me atraen efectivamente.

Su primer Lp se grabó en 1971 y lleva el título de la banda como solía ocurrir en la mayoría de los casos y son 12 piezas relativamente cortas: la más larga 6 mtos “Circus Apparata” que está dominada por el Fender Rhodes como la mayoría del disco y por histriónicas voces y efectos sonoros con un encanto melódico raro y extraño: por situarnos mezcla agitada de Robert Wyatt y Maching Mole, Mothers, Gong y los hermanos Tonetti (este apunte es mio). En este primer trabajo no disponen de un guitarrista ya que Coste Apetrea, entraría en el siguiente así pues esta música tan juguetona está en manos de teclas, bajo y batería y un tipo a las congas a medio camino entre el jazz, el cabaret y lo popular con un extraño concepto de ambos estilos y mucho descojone pretendidamente vanguardista. Puede que encuentres alguna estructura rock y algo también formas melódicas de folk tradicional sueco y alguna astracanada, aunque todo ello nada convencional en su tratamiento. 

En general este inicio es fácil de escuchar y el disco lo encuentro muy agradable. Predomina el teclado y cantidad de detalles en la forma de tocar la batería e incluso las voces haciendo el tonto le dan su “toque” especial, pero como todo, si no has escuchado previamente al Zappa de los 60´s el ahora llamado “proto-prog” o el Canterbury primigenio incluso el kraut a la CAN (tema 10 Fittravisan), puede que te quedes en blanco mirando al techo. Naturalmente si solo te gusta el sonido moderno debes abstenerte y en caso contrario bienvenido seas. 

Alberto Torró

Temas

Circus Apparatha 6:02

Pausus 0:18

Vidgat Läge 3:15

Släde Till Satori I 3:24

Släde Till Satori II 0:52

Schekina 2:51

Uvertyr Till Snäll Häst I 2:00

Uvertyr Till Snäll Häst II 0:49

Flickan I Skogen 2:20

Manna Jamma 5:53

At-One-Ment 4:20

Skrik Från Embassy - Live 2:29

Fittravisan 0:59

E' Pop Tai 4:09

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NATURE with DAVE GREENSLADE - Live 1972 (2013 / BELLE ANTIQUE)

El año 1972 fue de transición en la carrera artística del teclista Dave Greenslade. Mientras se acababa de disolver Colosseum, editando como obra póstuma el legendario "Live" de 1971, gestionaba lo que sería su propia banda, Greenslade, en ese 1972.

Por otra parte, la banda sueca Nature practicaba por entonces un heavy psych blues de calidad más que destacable. En la onda británica de Chicken Shack,  Steamhammer o Black Cat Bones,  o de los holandeses Living Blues. Se habían formado en 1970 y sus miembros eran Par David Johnson (bajo), Bosse Skoglund (batería), Lasse Wellander (guitarra) y Mats Ronander (voz solista, guitarra y armónica). Por lo visto Greenslade contaba con tiempo suficiente para unirse a la banda en un pequeño tour por Suecia. Que fue radiado en su día,  y  editado por los japoneses Belle Antique  en su serie "Legendary Swedish Radio Archive Vol. 2", en 2013. Me pregunto cuantas joyas de éste tipo estarán esperando ser rescatadas en polvorientos archivos radiofónicos de todo el mundo. 

El inconfundible Hammond de Greenslade entra en acción nada más sonar las primeras notas de "Dreams" (7'39), pieza perteneciente al repertorio de Nature, siendo sus autores los fundadores de la banda, Wellander / Ronander. Greenslade se acopla perfectamente a la maquinaria sueca, muy bien engrasada y en plena forma. Surgen los inevitables parecidos con Colosseum, pero también con Hendrix por la característica voz de su cantante. Curioso también el break de la mitad, con fuerte sabor a tango, y un saxo a la Dick Heckstall-Smith que no viene acreditado en el cd. 

"Mr. Monroe" (7'04) es un tema de autoría Greenslade, un blues rock a la Mayall con armónica inclusive, órgano espitoso y guitarra a la altura de los grandes british del género. El Hammond es el gran protagonista de cualquier modo, y a mí me recuerda poderosamente aquí a Jon Lord cuando tiraba hacia el blues, primordialmente en la primera época Purple.

"How Sweet i Roam from Field to Field" (9'26) toma poesía de William Blake para musicarla Nature, en claro estilo progresivo y lleno de matices teclisticos. Bien contestados por una atenta guitarra y superior arropo rítmico,  con el bajista en constante inspiración y los parches derrochando líneas imaginativas. Un grandísimo momento, destacable en una grabación sin desperdicio.

Las dos últimas piezas echan mano del repertorio de Colosseum. Primero con el tremendo "Valentine's Suite" (7'33), en donde Greenslade usa sus primigenios sintetizadores con el nivel esperado, mientras los Nature recrean la pieza de manera excelente y profesional. Con toda la carga clásico -barroca y dramatismo que imprime un poder especial a tan trabajado tema. Por último toman el "Stormy Monday" (8'35) de T. Bone Walker, habitual classic blues en el repertorio de Colosseum. Y se marcan una soberana versión con tremenda armónica,  el fantasmal saxo de antes en un tono muy jazzistico, y una dedicada ejecución grupal.

Es éste un curiosísimo "arte - facto"  que deja al oyente con ganas de más material. Nature editarán 7 lps (8 con éste ), hasta la desbandada en 1977. Poco después de ésta aventura sueca, Greenslade comenzará a rodar su propia banda, con homónimo debut de 1973.

La historia también se escribe con episodios anecdóticos como el que hoy traemos. Total recomendación para iniciar bien el año.

J.J. IGLESIAS

Temas

1 Dreams

2 Mr. Monroe

3 How Sweet I Roam From Field To Field

4 Valentines Suite

5 Stormy Monday

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Fable - Get The 'L' Outta Here 1975

Otra banda canadiense en Rockliquias y nuevamente un grupo que se perdió en el tiempo y que afortunadamente ha podido resurgir gracias a la era  "internet". 

Para encontrar el origen de esta banda nos tenemos que remontar a principios de los 70, en Victoria, Canadá se formaba "Hellbound" grupo integrado por Gary Anderson (batería), Norman Curtis (bajo, voz) y Glen Politano (guitarra). En 1975 deciden dar un nuevo rumbo a su carrera y se trasladan a Toronto. Cambian de nombre, "Fable", y se incorpora un nuevo bajista,  Phil Parmentier. Ese mismo año graban "Get The 'L' Outta Here". Estuvieron activos hasta 1979 año en el que se transformaron en "Task Force" entrando en la banda  Tony Orsi en sustitución de Parmentier.

Fable nos ofrecen sonidos a lo Black Sabbath con un guitarrista, Glen Politano, usando el "Wah Wah" de forma desmesurada con  claras influenciaras "hendrixianas". Desde el primer tema, "Late Again", las referencias a los Sabbath son evidentes. Taladro continuado del cerebro a base de ritmos pesados (heavy) y con un único respiro en "Believe in me" con acústicas y aires medievales muy al gusto de lo que haría Tony Iommi. Temas recomendados "Kacheena", "Battle of the Kneon Knights" y por supuesto"We'll fin a way".
J.C.Miñana

Temas

01. Intro (Late Again) 00:00

02. Kacheena 04:45

03. Why Is It Me 08:12

04. We'll Find A Way 11:00

05. Hear Me Calling 16:50

06. Without Asking 22:22

07. Lady Of The Night 25:29

08. Believe In Me 30:57

09. A Cue Stick 31:38

10. Battle Of The Kneon Knights 37:25

11. And This Day 42:13

12. The Tramp 45:54

13. No Way Out 48:48

14. Kacheena (Again) (alternate radio edit) 49:16

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