La escena rockera holandesa durante la década de los 70 fue muy rica en la producción de buenos grupos. Detrás de los que copaban los primeros puestos como Focus o Golden Earring había un buen número de bandas de indudable calidad. Hoy hablaremos de Apartment 1.
El grupo se forma en 1967 en Hilversum, ciudad de la región de Het Gooi en Holanda. En un principio se hacen llamar Serpentine. Pasan tres años y diversas formaciones hasta que pueden editar su primer disco, "In The Grass", teniendo en sus filas a Peter van der Sande (voz, bajo), Onno Lopupulalan (guitarra), Ralf Dragstra (teclados) y Frank van Tijn (batería, voz). Por problemas legales tienen que cambiar de nombre por el de Apartment 1 y en 1971 editan "Open House" que a la postre sería su última producción. Posteriormente Peter van der Sande se uniría a Solution e incluso algunos dicen que estuvo en Focus pero sinceramente es un dato que no he podido contrastar.
La banda holandesa Apartment 1 nos presenta en su "Open House "de 1970 un buen número de sonoridades. Por una parte tenemos progresivo de la mano de temas como "Step Inside" que nos puede sonar a Wakeman en su "White Rock", o "Dragstream" con base de órgano y guitarra a lo Focus. La psicodélia está muy presente en composiciones como "Fuzz Buzz", "Going Up Town" o "Try and Bye a Try" recordándonos alguno de los himnos de Argent. Sus paisanos Cosmic Dealer realizaban una música bastante parecida aunque un poco más hard.
J.C.Miñana
Temas
Step Inside 00:00
Fuzz Buzz 04:10
Eternal Moralist 07:01
Dictionary 10:03
Summer Term 12:26
Dragstream 16:11
Like A Queen 19:16
Going Up Town 22:21
Try And Bye A Try 25:25
What's Going On 28:38
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Afortunadamente, la "New Berlín School" existe. Aunque sea en las cavernas del underground. Músicos fascinados por las nebulosas germánicas de los 70, que se niegan a que ese multiverso sonoro se pierda en fáciles trucos y odiosos chunda-chunda de laptops + turntables preparadas.
El equipo del "moderno electrónico de hoy". Mucho sampleado y música "prestada", ritmos maquinales de media neurona repetidos hasta la saciedad o el mismo cansancio del que los pone. He observado a éstos supuestos "magos de la electrónica" en su hábitat. Siento decir que es un fraude absoluto. Mi hermana tuvo en los 90 una discoteca en Calatayud. Un día le falló el "diyai" y se plantó ella a "hacer la sesión", ni corta ni perezosa. Y tan ricamente que le salió, la cosa esa. Claro, claro, y a un mono borracho. Poner un ruido de ambiente supuestamente "moderno" y a la última, con unas cuántas palabrejas que "lo definan", para darle cierto aura de credibilidad. Y et voila!, ya tenemos la "cultura de club". Cuanta mentira, falsedad y postureo. Dejemos a los "David Jeta" de la vida y centrémonos en lo nuestro. Donde las palabras "arte" y "creatividad" se puedan decir bien alto.
Después de un silencio de ocho años, los holandeses Kubusschnitt volvieron a la carga con éste "Entropy' s Evolution" autoeditado. Su primer album data de 1999, "The Case", y como unos nuevos paladines de la tradición kosmische, tomaron el relevo para el siglo XXI con toda convicción. Al principio fueron un cuarteto formado por Ruud Heij, Tom Coppens, Andy Bloyce y Jens Poschke. Pero para el 2010, eran un dúo con Heij y Coppens, al mogollón hardware (+software), ayudados por el prestigioso sintetista Gert Emmens y el guitarra Jan Dieterich. Siempre en constante homenaje al vintage sound, con dominantes secuenciadores, ingeniosas melodías sintéticas, de verdadera lírica poética, y algo de e- guitar como condimento rockero psych. Kubusschnitt fabricaron una decena larga de álbumes perfectamente recomendados para la parroquia kosmische.
"Uncertainty of Entropy" (18'12), comienza este retro - festín como si los Franke - Froese - Baumann todavía estuvieran abduciendo sueños y esperanzas. Hablo del período late 70s, o primeros 80 de TD. Tampoco muy lejos del prog instrumental más cósmico, por una rockera guitarra planeadora sobre llanuras de incandescente lava cibernética. Con dominio secuencial y analogía efervescente galore. Factor primordial resulta la melodía, que además es siempre de grata composición. Nada rebuscada ni difícil. Lo que quizás sume mérito al trabajo del grupo. Un largo tema de bello acabado, que a mí se me hace corto.
Como intro sinfónica se presenta "Perpetual Chaos" (14'08), sin perder de vista secuenciación en constante cambio como hilo conductor. Sin avasallar. Fluida como el agua cristalina de un riachuelo salvaje, que transcurre sin prisa, paladeando cada segundo, sin stress ni urgencias sonoras. Las seis cuerdas ofrecen elegancia eléctrica de marcado rockerio, que a veces hasta conecta con eternos space - cadets como Ozric Tentacles. Su epílogo final en los tres últimos minutos podría perfectamente iniciar un nuevo tema de interesante planteamiento.
"Entropy's Evolution" (19'11) comienza como una pieza sympho-rock de misterioso entramado mellotronico. Que continúa en teutonico feel cerca de "Exit" o "White Eagle". Una bella ofrenda a la música de Edgar Froese. Finalmente "All Things Lost" (13'46) circula por parámetros ideales para un "slasher" de los 80, con un claro reflejo de John Carpenter. En un inteligente modo de proceder con la prog - tronica en oleada absoluta, más secuencia predominante guiando las multi - melodías de la pieza. Todo natural.
Otra joya que anda por ahí perdida, en el ingrato cosmos de la indiferencia. Mientras otros se forran apretando botoncitos pre-grabados y "luciendo virtuosismo" a golpe de ratón. Hay que joderse.
J.J. IGLESIAS
Temas
1 Uncertainty Of Entropy 18:14
2 Perpetual Chaos 14:09
3 Entropy's Evolution 19:11
4 All Things Lost 13:46
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The Rascals fue una banda americana con origen en la ciudad de Garfield, New Jersey, y con un recorrido entre 1965 a 1972 aunque posteriormente se reunieron en diversas ocasiones. Inicialmente el grupo estaba constituido por Felix Cavaliere (teclado, voz), Gene Cornish (guitarra), Dino Danelli (batería) y Eddie Brigati (voz). Su música se movía por los caminos del soul, algo de funk y en su última etapa se adentraron en el jazz.
En 1971 The Rascals ya había editado seis discos: "The Young Rascals" (1966), "Collections" (1967), "Groovin' "(1967), "Once Upon a Dream" (1968), "Freedom Suite" (1969) y "See" (1969). El nueve de enero de ese año publican su séptimo LP, "Search and Nearness", que sería el último con la formación original. En mayo vuelven a editar un nuevo disco, "Peaceful World", ya sin la presencia ni de Brigati ni de Cornish que fueron sustituidos por Robert Popwell (bajo), Buzzy Feiten (guitarra) y las cantantes Annie Sutton y Molly Hott. Su última producción llegaría al año siguiente, "The Island of Real".
La grabación pertenece al concierto de The Rascals en el Fillmore West el 20 de Mayo de 1971. En ese momento el grupo estaba formado por Felix Cavaliere (voz, teclados), Annie Sutton (voz), Dino Danelli (batería), Robert Popwell (bajo), Buzzy Feite (guitarra) y Molly Holt (coros). Acababan de publicar su octavo disco, "Peaceful World", por ello en el "setlist" podemos escuchar "Sky Trane", "Love Me", "Happy Song", "Love Letter", "Little Dove" y "Getting Nearer", todos ellos pertenecientes a ese LP. El concierto se completa con "Right On" (Search and Nearness), "Groovin'" (Groovin'), "People Got To Be Free" (Freedon Suite) y la versión del tema "Superstar" (Leon Russell & Bonnie Bramlett) magníficamente interpretado por Annie Sutton. En definitiva buen soul con toques funk y por supuesto buen rock. Excelente sonido.
J.C.Miñana
Temas
01 Right On 00:00
02 Love Me 05:23
03 Groovin' 09:32
04 Love Letter 14:33
05 Sky Trane 19:43
06 Little Dove 27:33
07 Getting Nearer 33:30
08 Superstar 42:22
09 Happy Song 47:58
10 People Got To Be Free 51:58
11 Mustang Sally (fades out) 01:01:45
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Hace cuatro años, los barceloneses Cheeto's Magazine dejaron boquiabierta a la parroquia progresiva. La de verdad, la menos snob postdjentmathshoegazealt. Con aquel extraordinario "Boiling Fowls" que todavía resuena como uno de los mejores trabajos prog de aquí, en ésta década que termina. Pero lo va a tener difícil con la competencia de su nuevo hermanito. Ya tenemos su segundo, "Amazingous", y la espera aunque larga, mereció la pena.
Las chuches más prog del país están formadas hoy por Esteban Navarro (voz, teclado, producción), Manel Orella (guitarras, sitar), Matías Lizana (teclados), Alex Marqués (bajo) y Gerard Sala (batería, percusión). Han contado con invitados a la voz femenina, trompeta, saxo tenor y trombón. Siguen con su look entre hombres -gominola y parientes pobres de los Power Rangers, pero qué diablos, Cheeto's Magazine prestan especial atención al sentido del humor, al surrealismo dadaista y al sano cachondeo. Salud mental. No es extraño entonces, que sus dos puntos de referencia base sean Frank Zappa y Spock's Beard.
La irreverencia de lo clásico con la técnica de lo actual. "Chili Guillermo" (6'40) comienza como un outtake de los Beard con Neal Morse, para seguir con tratamiento vocal propio de personajes de Hanna - Barbera. Bienvenido al mundo de la fantasía Cheeto's. Dos teclistas en la banda ofrecen suficiente magnitud sinfónica como para satisfacer al más exigente. Con la potencia habitual de su vigorosa sección de ritmo y guitarras hard bien insertadas en el contexto. Magnífica pieza.
En la misma tesitura se inaugura "Cheese Cheater" (6'33), las piezas del puzzle zappero no son enmarañadas, de tal modo que al siguiente paso pueden parecer una banda AOR por lo exquisito de sus trabajadas corales. La perfecta armonía entre experimentación, arreglos vanguardistas, hard rock y orientación mainstream, es tan natural, que casi aseguro es su mayor virtud. Nada fácil. Con superior técnica y un alegre desenfado que agiliza cualquier escucha que se propongan.
Nueva aventura nos trae "Outflow" (7'09), que se acerca a los Yes de los comienzos, con voces de opereta, giros "Speedy González" y diversos cachondeos made in Mothers of Invention. Territorio Cheeto's, cuidado, risas aseguradas. Los cambios de ánimo y feel son tan rápidos y bien compuestos, que son perfectamente capaces de atreverse con un musical de Broadway con la mayor espesura progger. Un concept álbum tal vez se vaya imponiendo.
Como la apertura de un primer día de rebajas, en tromba, así entra "Ready To Rumble" (5'06). Combina riffs cuasi Nu / Power metal, con sintes a lo Mark Kelly old style. Es otro bonito capítulo prog, aún a pesar de que ésta banda podría desenvolverse tranquilamente en el género que quisiera.
"Close your Eyes" (5'16) conserva esa fragilidad melódica beatle que tanto gusta a Neal Morse. Para pasar a otro momento surreal con vientos, casi circense y felliniano, propio de Samla Mammas Manna. Su resolución es puro sympho rock genesiano, realmente extraordinaria.
Instrumentalmente, "Scum" (4'48) es como un thriller policíaco con una guitarra a lo Petrucci. Brutal quedada.
"A. W. K. W. A. R. D." (3'54) sin embargo, podría ser de los Génesis 80s en su comienzo, para ser propiedad estilística intransferible de Cheeto's Magazine : Los pitufos rockeros como backing - band de Zappa. Enlaza con la monstruosa épica de "Big Boy" (25'07). Recomiendo su escucha aislada del resto. Demasiado detalle por asimilar. Sin nada que envidiar a los reyes de éstos colosales maratones compositivos, dicese de Transatlantic, The Flower Kings, The Tangent o Spock's Beard.
Si éste grupo fuera británico, los de la Prog estarían haciendo la ola, bebiendo los vientos, haciendo reverencias, dando galardones y otras "aspiraciones" impublicables.
Muy difícil lo va a tener todo aquel que quiera subir al trono de mejor disco del año por éstas tierras. Cheeto's Magazine son en su terreno, sencillamente insuperables.
Ya metidos en el siglo XXI CAP editan su tercer CD en línea continua con sus antecesores. Temática medieval, bonito dibujo de portada y estética preciosista en la línea más radical del sinfonismo RPI. Es decir, de los míos.
Respondía a JJ Iglesias en los comentarios del disco anterior de las peculiaridades de adentrarse en la tercera edad. Además añadiría, que son muy parecidas a cómo te ven los demás en la infancia. Son dos caras de la misma moneda. De crío nadie te hace caso y eso nos hacía llorar y patalear. De mayor pasa lo mismo. La diferencia es que ahora jubilados ya nos obvian por completo, pero eso nos causa risa y satisfacción y lo mejor de todo: alivio. Dejan de darte por el culo. El maravilloso don de lo políticamente incorrecto. Se cierra el círculo y te das cuenta de que los únicos momentos válidos y reales en la vida son la niñez y la vejez. Todo lo que acontece entre medio es una mascarada teatral y falsa. Nacemos sin prejuicios. Luego nos drogan y manipulan mentalmente durante las siguientes cinco décadas y terminamos de payasos anarquistas en el individualismo más extremo y liberador. Es curiosa la evolución, aunque no a todos les ocurre evidentemente. A los 20 años de edad las posibilidades de escuchar música son inmensas y variadas, pero a los 65 hay que seleccionar lo imprescindible según el gusto de cada uno. Más que nada porque el tiempo se agota y uno ya ha encontrado su zapato más cómodo y agradable. Todo lo demás es una pérdida de tiempo. Os hablaría de un “pragmatismo útil”. Emplear el tiempo que nos queda a los más veteranos en escuchar exclusivamente la música que nos gusta. Esto es fácil de entender con una mínima lógica.
CAP están dentro de esa música que quiero seguir escuchando. Ya tengo apartados muy definidos. La música que estremece y que nos hace sentir mejor. Claro que son muchos desde luego, toda una vida escuchando música crea un pesado fardo, pero llega un momento que hay que separar el grano de la paja. Nada tan reconfortante como un cómodo sillón, un par de gatos encima, un reposa pies, un buen tabaco, un té aromático, una copa de buen reserva de lo que sea, una chimenea con brasas y a Maurice Ravel con cascos. Espíritu aristocrático sin duda. Importante encontrar la posición donde no te duelan las articulaciones y un buen antinflamatorio y ansiolítico a mano por si acaso. Ya veis todo rock & roll.
El blanco reino de Dooah es una delicia de principio a fin. De clásico rock sinfónico setentero donde ves desfilar todas las influencias del estilo con el que crecimos. Las melodías hermosas, los pasajes cautivadores, las orquestaciones suntuosas, los ritmos de cadencias variadas y entretenidas. Anciana música de eterna juventud intemporal. Casi 70 mtos del jardín de las delicias musicales. Incluidas largas suites y riqueza que ofrecer. Cuanto respeto a las formaciones que son fieles a su estilo. Que no echan a perder lo conseguido previamente en otros discos. La inestabilidad creativa o vender el alma al diablo es una enfermedad que corroe a muchos grupos a lo largo de la historia del rock progresivo. En caso contrario es mejor parar a tiempo. CAP lo han hecho bien. Poco pero bueno. Como debe ser.
Alberto Torró
Temas
Intro 1:24
Opener 7:56
L'Attesa 3:31
L'Illusione Della Sfera 8:51
Luna Impigliata Tra I Rami 2:21
La Danza 3:34
Ginevra: Regina Senza Regno 6:32
Grande Ombra Gentile 4:12
Pastelli 7:18
Il Regno 22:15
Dooah 6:46
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He de reconocer que el nombrecito del disco se las trae. Tengo que deletrear para escribir el título correctamente. Es curioso que conforme ZMM avanzan en el tiempo su música es más jodidamente complicada.
De todos los trabajos hasta ahora comentados este puede que sea el más interesante en términos de música pura. Aquí ya están muy cerca de Henry Cow, los últimos Egg e incluso Magma. El estilo es a veces bastante más extremo y difícil, pero por otra parte no pierden cierto atisbo melódico y organizado mucho más asequible que los despiadados Henry Cow o Art Zoyd y ya no digamos Univers Zero que a veces hielan la sangre entre lo incomprensible y fúnebre. Juro que lo he intentado con todos ellos y conste que los Henry Cow me gustan bastante por su proximidad al Canterbury, pero en general con otros me ocurre como con el insufrible Schoenberg y con su famosa escuela de Viena o con los aburridos vanguardistas, serialistas y aleatorios de mediados de siglo XX que incluido el último Zappa, son insoportables.
La música de estos suecos es tan impredecible como cabría esperar de un grupo de Rock in Opposition pero no llega a lo inasequible en términos de audición. No han perdido del todo su gusto por lo circense y animado teñido de folk marciano, pero lo mejor de todo es que instrumentalmente han subido mucho el nivel y las composiciones están como mucho más elaboradas. Que haya músicas pesadas no quiere decir que haya que tener miedo a lo complicado: Magma por ejemplo son difíciles y raros, pero están tocados por la gracia divina y por lo fascinante. Sin embargo, la otra cara de lo vanguardista es el aburrimiento y la pesadez y si además al menos no hay algo de humor o sentido del absurdo, asistimos a un velatorio. La música puede ser todo lo difícil que queramos, pero debe tener alguna chispa y algún atractivo. Si le dices esto a un engreído snob contemporáneo te llamará ignorante con toda seguridad. A mí me ha pasado y no es nada extraño ni molesto. Los raritos es un mundo aparte, aunque a decir verdad casi todos los que estamos metidos en la música lo somos de alguna manera. Hay que admitirlo.
Los Zamla han conseguido aquí un disco vigoroso, las críticas lo definen como el mejor y probablemente lo sea. Tanto el guitarrista Eino como el teclas Hollmer hacen diabluras: la estupenda “Smedjan”. El tándem rítmico corre a la par y es que la música se ha acelerado, ha cobrado mayor brillantez y pulso. El trato vocal está más “musical” propiamente dicho. No hay tanto gamberrete de taberna como en otras ocasiones salvo en alguna cosa: “Tralen”. Las referencias a los Mothers más instrumentales también se pueden apreciar. Como curiosidad algunas partes del álbum fueron grabadas en vivo. Un buen disco en una época difícil. De todas formas, a los “opposition” no les afectaban en absoluto las modas y los tiempos. Como debe ser.
El guitarrista Fred Purser y el cantante Jon Deverill cruzaron sus caminos hace más de 35 años en la banda Tygers of Pan Tang. En aquel tiempo, Purser venía de los punks Penetration, nada menos que a sustituir a John Sykes. Hoy parece un movimiento de ficha surrealista. Pero no olvidemos que la NWOBHM se había asentado sobre los mismos principios que el punk. Nueva energía al rock e independentismo editorial. Claro que los nuevos metallers tenían ideas mucho más musicales que sociales.
El caso es que "el punky" Purser revolucionó el sonido de los Tygers, bien al contrario, sofisticandolo. Llevandolos hacia un Pomp / AOR en "The Cage", (1982 / MCA), que provocó un cisma en la banda. Su conversión los llevó incluso a adaptar "Rendez Vous", un tema de los pompers USA, RPM. Después de todos estos años, la vieja amistad entre Purser y Deverill ha dado un nuevo fruto, "Square One", heredero directo de aquel "The Cage" que provocó la primera disolución de Tygers of Pan Tang.
Jon Deverill conserva en muy buena forma su carismática voz, después de haberse dedicado al oficio de actor durante todo éste tiempo. Fred Purser aporta su guitarra, bajo, teclados y coros. Y Jeff Armstrong es el batería (con un apellido perfecto para su cometido), que completa el proyecto. Las ideas del dúo no sólo persisten desde los 80, sino que se acercan al prog sin disimulo. Así se comprueba en la espectacular intro de "Square One", que podría ser cosecha de los más recientes Kansas o Spock's Beard.
La clase de Fred Purser como guitarrista muy melódico y perfeccionista, aunado a sus teclados y armonías vocales, con la preciosa voz de Deverill, convierten al tema título en un corte que convence a la primera. Esto es lo que procuraron hacer los Tygers en su segunda vuelta, con "The Wreck-Age" (85) y "Burning in the Shade" (87), - en los que ya no estuvo Purser -. Llevandolo más por el terreno del AOR para "disimular" en los metálicos 80. Ahora libres de modas y presiones, el sinfo-pomp del dúo goza de carta blanca, y se beneficia de ésa libertad creativa.
"Hypnotise" podría estar en cualquier disco de los canadienses Saga, por similares planteamientos. Que en "Travel the World" se confirman en magníficas canciones de no muy largo minutaje, pero llenas de detalles a descubrir.
"Beat Them? Join Them?" conserva poso hard rock en arreglos no ortodoxos para el género, casi en una mezcla con funk negroide de Parliament / Funkadelic meets Kiss (!?). La guitarra de Purser se muestra tan expresiva como la del mejor Gary Moore. Al que también me recuerda al comienzo de "Make it True", combinado con el estilo de Al Di Meola, en un breve pero bonito instrumental, algo extraño, donde se incorporan voces de fondo como un instrumento más.
"Without You" se nos va por los Yes del "90125" / "The Biig Generator" como influencia lejana, que Purser Deverill reciclan hacia su propio sonido, en una atractiva tonada AOR / Pomp. Aviary, Touch, Rose o Zon como referencias a otro estupendo acierto. Los extraños arreglos futuristas de "Factor X" me traen recuerdos de los Queensryche en "Rage for Order", para cambiar en algo muy melódico, donde brilla la voz de Deverill.
"Captured in Freefall" / "Lost in Space" lleva el feel de Rush en los primeros 80, época "Signals" o "Grace Under Pressure", siempre llevado al terreno de Purser Deverill, los cuales tienen muy definido el sonido del dúo. Sabiendo que en la hábil mezcla de AOR, Pomp y Prog ( light y mainstream, pero Prog), está la alquimia de su estilo.
Deverill vuelve a recordarme a Michael Sadler de Saga en "Darkest Cloud", donde le acompaña un piano a la entrada, explotando en un poderoso tema, casi con reminiscencias Queen o Mr. Big (UK). La final "Apocalypse Then" resulta la más bombastica y Prog del lote, en su brevedad. Casi roza los histrionismos instrumentales de las japonesas Ars Nova.
Esperemos que no pasen otros 30 y tantos años y éste proyecto se consolide, porque Purser Deverill pueden darnos todavía muchas alegrías , (InsideOut, esto es material de tu interés! ). Mucha clase.
J.J. IGLESIAS
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A veces la vida es realmente injusta con algunas personas. Este es el caso del guitarrista Corby Yates con un increíble talento natural la enfermedad (esquizofrenia) lo llevo a quitarse la vida el 24 de Septiembre de 2012 con tan solo 31 años. Hoy lo recordaremos en Rockliquias
Corby nace el 1 de Mayo de 1981 en South Lake Tahoe, California. A los 6 años su familia se traslada a Pineridge donde comienza sus primeros pasos a la guitarra de la mano de su padre que toca el bajo. Su primer concierto lo realiza a los 14 años y tres años después gana el concurso nacional "Jimi Hendrix Award" en Seattle. En 1996 autoedita un EP conteniendo tres temas. En 2001 firma un contrato discográfico que por diversas circunstancias no fructifica y tiene que volver ha autoeditarse su primer álbum, "Corby Yates Band". Nueve temas que nos trasladan al mejor Stevie Ray Vaughan. Su segunda producción, "Back From Yesterday", (2003) continua el camino marcado por su anterior trabajo. Tres años más tarde llega el que sería su último LP, "Fungus Blues". Su enfermedad avanza y tiene que pasar largas temporadas retirado en su casa de Brownsville rodeado de montañas, con su perro y su padre. Finalmente decide quitarse la vida en 2012. Postumamente se edita, "Inside Oblivion", con temas en los que estaba trabajando antes de su muerte. Durante su carrera tuvo la suerte de actuar junto a John Lee Hooker, Robin Trower, Johnny Winter, Indígena, Truco barato, The Mermen, Chris Cain, Robben Ford, Tinsley Ellis, Joe Louis Walker, Richard Johnston, Tommy Castro, Jimmie Vaughan, Freak Kitchen, Coco Montoya entre otros muchos.
Fungus Blues es el segundo disco en la corta discografía del genial Corby Yates . La banda la completan su padre Jim Yates al bajo e Ian Blesse a la batería. La música de Yates nos lleva a la mejor época de Hendrix en los estudios Electric Ladyland. Desde el primer tema "Sweet Fire" pasando por "Frequency" o "The Hook" la atmósfera es "hendrixiana" total. También tenemos notables referencias a Steve Ray Vaughan en "Falling Sky" , "Lazy Bones" o "Dogma". Sin duda el tema estrella es "Fungus Blues" en donde al binomio Hendrix-Vaughan unimos el de Iommi, más de 11 minutos de éxtasis rock blusero guitarrero. Bestial. Una pena que nos dejará tan pronto.
J.C.Miñana
Algunos vídeos de Corby Yates
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