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Stoneground ‎– Live In Haight-Ashbury 1971

Stoneground fue uno de los máximos exponentes del movimiento hippie junto a Grateful Dead y Jefferson Airplane. Su origen lo encontramos en un suburbio de San Francisco llamado Concord en 1968.


La banda comenzó como un trío con Tim Barnes (guitarras, vocales), Craig Randall (bajo, vocales) y Mike Mau (batería) incorporándose posteriormente hasta siete miembros mas: Sal Valentino (Voz), John Blakey (guitarra, bajo) y cuatro cantantes femeninas Annie Sampson, Lynne Hughes, Lydia Phillips, y Deirdre LaPorte. El último en unirse a la formación sería el bajista Pete Sears (Jefferson Starship, Hot Tuna). En 1970 intervienen en la película patrocinada por la Warner, "Medicine Ball Caravan" sustituyendo en el proyecto a Grateful Dead. El film mostraba las peripecias y actuaciones de una especie de caravana del amor. Algunos lo llamaron el "Woodstoock on Wheels". Con este evento tuvieron la oportunidad de girar por América y Europa. Su primer disco llega en 1971, "Stoneground" y ese mismo año editan "Family Album", un disco doble conteniendo grabaciones en vivo y en estudio. En el 72 publican "Stoneground 3" con numerosos cambios en su formación. En 1973 Warner rescinde su contrato discográfico y la banda sufre numerosas deserciones. Tim Barnes siguió liderando la banda con diversas formaciones hasta los inicios de la década de los ochenta. En ese periodo editaron cuatro discos más:  "Flat Out (1976), " Hearts Of Stone (1978), Play It Loud (1980) y  Bad Machines and Limosines (1982).  En 2004 volvieron a resurgir.


La grabación corresponde a la actuación de Stoneground en los estudios de radio KSAN-FM en San Francisco en marzo de 1971. La música que encontramos es pura psicodelia mezclada con buen rock y toques bluseros destacando las intervenciones de sus guitarristas Tim Barnes y John Blakeley. Un buen puñado de temas que nos trasladarán a la costa oeste de los Estados Unidos a principios de los 70. El sonido es bastante bueno pero el "DJ" es bastante pesado interviniendo en numerosas ocasiones. Amor, paz y sobre todo buena música.
J.C.Miñana



Temas
1 It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry 3:29
2 Stroke, Stand 4:53
3 DJ Babble 0:37
4 If You Gotta Go, Go Now 3:19
5 DJ Babble 3:21
6 Dreaming Man 5:01
7 DJ Babble 0:53
8 Come Back Baby 3:50
9 DJ Babble 0:10
10 Don't Waste My Time With Your Jive 3:59
11 Added Attraction (Come & See Me) 2:53
12 DJ Babble 0:50
13 Brand New Start 3:45
14 DJ Babble 0:59
15 Strange Change 3:09
16 DJ Babble 1:29
17 Bad News 3:40
18 Roll On Elijah 3:55
19 Gypsy Lover 4:27
20 Colonel Chicken Fry 4:57
21 Total Destruction To Your Mind 4:53
22 Corrina 5:52
23 Rainy Day In June 2:46
24 Have You Seen My Baby? 3:56
25 DJ Babble 0:45



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SLAP GURU - Diagrams Of Pagan Life (2018) (Entrevista-Análisis) (Rockliquias Bandas)

Slap Guru es una gran banda de hard rock con tintes psicodélicos y progresivos y con profundas raíces en el rock de los 70. Hace unos días editaron su segundo disco "Diagrams of Pagan Life", por ello nos pusimos en contacto con ellos para analizar su obra.


Rockliquias.-¿De Dónde viene el nombre de la banda, Slap Guru?

Alberto - Buscábamos un nombre que hiciera referencia a dos cosas. La primera, el poder que tiene la música de remover las tripas y hacerte sentir. Y la segunda el modo en el que puede servirte para ver la realidad desde un punto de vista que no habías tenido en cuenta. De ahí surgió la idea buscar un nombre que tuviera relación con el koan, un método que utilizaban los maestros zen para provocar shock mental en el alumno de forma que alcanzara el satori, la iluminación.

Rockliquias.- ¿Cuándo se formo el grupo y cómo fueron vuestros primeros pasos?

Alberto - El grupo se formó en 2015, pero se podría decir que todo se había ido cocinando a fuego lento durante años. Javi, José y yo habíamos compartido proyectos de todo tipo, y con Willy había tocado miles de veces cuando nos daba por viajar. De hecho en uno de esos viajes, después de una jam en Khatmandú con músicos de allí, se nos ocurrió la idea de formar una banda de rock. Por suerte Willy vino a vivir a Madrid una temporada y pudimos hacer realidad esa idea. Después todo fue bastante rápido. El primer álbum lo grabamos apenas cuatro meses después de juntarnos.


Rockliquias.- ¿En qué otros proyectos habéis participado?

Willy - Tengo otro proyecto en Italia, por el momento está en pausa. Se llama Galaverna, es un proyecto acústico, folk con atmósferas oscuras y nórdicas enriquecida con sonidos de prog 70's. Estas son canciones mías que he orquestado con algunos amigos músicos. Lo tomaré en la mano pronto porque me dio mucha satisfacción.

Alberto actualmente toca en la Rural Blues Band, un grupo de Madrid que se refiere a los clásicos del blues insertando textos gamberros y dando un carácter rural al conjunto.

José ha tenido muchos proyectos, pero por ahora ha decidido, como yo, poner toda su energía en este proyecto. En el pasado ha tenido grupos de funk-rock, blues y de metal con referencias a los meshuggah. 

Javi también tenía muchas bandas, pasando del blues al jazz y al hard rock. Actualmente toca con Alberto en una banda funky que acaba de empezar a hacer sus propios temas.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Alberto - Muchísimas ya que a los cuatro nos apasiona la música y no nos conformamos con escuchar tan solo un género. Están las evidentes: los grupos de rock progresivo de los setenta, como King Crimson, Jethro Tull, Pink Floyd, Soft Machine... los clásicos del blues rock como Cream, Led Zeppelin o Hendrix y por supuesto grupos metal o stoner más actuales como Graveyard, Elder u Opeth, Pantera y The Ocean. Pero también hay otras influencias que quizá no se perciben tanto pero que están ahí. Por ejemplo el funky clásico de The Meters, figuras del jazz experimental como John Coltrane, Alice Coltrane o Sun Ra, Rock Alternativo estadunidense como Jeff Buckley o Soundgarden, maestros de la música indostaní como Ravi Shankar o Nikhil Banerjee…


Rockliquias.- Hace unos días habéis editado vuestro segundo disco, "Diagrams of pagan life", ¿Cómo ha evolucionado vuestra música respecto a vuestro primer LP, "Cosmic Hill"?

José - Para explicarlo voy a utilizar un símil, "Cosmic Hill" fue una relación de verano, todo va muy rápido, hay mucha pasión e intensidad, tienes ganas de conocerte, de disfrutar pero se acaba el verano y te queda el recuerdo de lo que pasó, en "Cosmic Hill" esta amalgama queda reflejada por la diversidad de canciones y texturas, fruto de las diferentes influencias de cada uno.

 Con "Diagrams of pagan life" la relación se formaliza, ya os conocéis y queréis remar hacia un mismo destino, se ponen en común las diferentes ideas musicales, rítmicas y melódicas, se empieza a componer buscando un paso más, "Diagrams of pagan life" tiene una evolución mayor, vas a encontrar canciones que te recuerden a "Cosmic Hill" y otras que te llevan a otros lugares.

En fin, sin esperarlo, suena mas “heavy” y progresivo.

Estamos muy contentos con el resultado final y esperamos que a la gente le guste tanto o más como lo hemos disfrutado nosotros.

Rockliquias.- Nos podéis contar detalles de la grabación 

Willy - Decidimos grabar "Diagrams ..." en Headroom Estudio de Madrid, donde también grabamos “Cosmic Hill". Conocemos a los que trabajan allí, José Carlos Gómez y Lorenzo Matellán, ambos músicos y fanáticos del rock 70, prog y blues. Esto fue de gran ayuda, cuando todos tienen una pasión musical común facilita las cosas en el estudio. Grabamos el álbum tocando a la vez la base rítmica, en vivo, luego introducimos los solos y la voz. Hacemos esto para transmitir más energía a los temas. En cuanto al sonido, para darle más calidez utilizamos amplificadores de válvulas muy antiguos. Solo con decir que mi cabezal de válvulas es un viejo amplificador de un cine italiano de 1956... Mi padre, Paolo Goattin, es un apasionado reparador de sistemas antiguos a válvulas y lo convirtió en un cabezal potente con un sonido particular, muy cálido y suave. Además, los pedales de efectos que utilizamos han sido hechos a mano por Lorenzo de Headroom estudio, un verdadero ingeniero de sonido, con el que podemos lograr una comprensión muy profunda del sonido que queremos de nuestros instrumentos. Alberto creó los sonidos espaciales en casa con el sitar y otros instrumentos orientales, mientras que Lorenzo y yo hicimos la mezcla del álbum.


Rockliquias.- El disco se inicia con "Akasa", una gran introducción con acústica, guitarras dobladas y aires exóticos. 

Alberto - Akasa es un término hinduista que se refiere a un elemento sutil que se lo llena todo y es la esencia del universo. Las vibraciones de este eter generan nuestra realidad. La introducción es una forma de representar cómo desde la soledad de un vacío (que serían los arpegios de la guitarra clásica) se inicia una vibración que da comienzo a todo. Las guitarras armonizadas sugieren esa vibración germinal que termina en un estallido, el big bang, que da inicio a esta danza cósmica en la que estamos envueltos.

Rockliquias.- El tema que da título al disco, "Diagrams of Pagan Life" está cargado de buen hard rock setentero, poderosos riffs, contundente voz y sección rítmica sin contemplaciones. ¿Cómo planteáis la composiciones de los temas?

José - A veces partimos de una idea preestablecida, otras veces surgen de manera casual. En el caso del tema que da título al disco "Diagrams of pagan Life" la canción se forjó cuando estábamos preparando el ensayo, afinando, colocando los pedales, probando el amplificador, así surgió el riff principal. Otras canciones llevan tiempo dando vueltas en las diferentes cabezas y se plasman en un ensayo. Siempre somos muy autocríticos cuando estamos componiendo, grabamos las diferentes ideas y después las escuchamos, así nos ponemos del lado del oyente, donde tenemos una perspectiva distinta, que a veces es difícil ver cuándo solo estás tocando.

Rockliquias.- "My Eeire Universe" va en la onda hard blues pesado uniendo conceptos de grupos como Mountain, Black Sabbath o Whitesnake. ¿Qué podéis comentar al respecto?

Alberto - A la hora de elaborar un tema las influencias de los grandes grupos siempre están operando, aunque ni siquiera seas consciente de ello. Con este tema en concreto los conceptos los fuimos introduciendo según nos lo pedía la canción. La cosa fue más o menos así. Willy trajo la estrofa central y buscamos otra parte que pudiera intercalarse con ella. Enseguida nos dimos cuenta que lo que mejor empastaba era desarrollar un riff blues a medio tiempo. Una vez que teníamos esto, vimos que el tema nos pedía elaborar un final con más épica. Por eso decidimos probar con un riff pesado, cercano al doom, buscando antes un puente que desembocara en él, de forma que pudiésemos finalizar el tema con un solo largo en el climax como se solía hacer tanto en los setenta.


Rockliquias.- "Into The Gloom" es el segundo instrumental de la grabación donde prima el virtusosimo guitarrero onda primeros discos de Satriani. ¿De que forma os han influído este tipo de guitarristas?

Alberto - A mi personalmente me han influido más guitarristas como Peter Green o David Guilmour, que no son precisamente grandes técnicos como lo pueden ser Satriani o Steve Vai. Está claro que estos dos últimos siempre tienen algo que enseñar y son fundamentales en la concepción de la guitarra moderna. Pero si hablamos de guitarristas virtuosos, me siento más cercano a los guitarristas de los grupos de rock progresivo de los setenta o del jazz; Steve Howe, Robert Fripp o John Mclaughlin por poner algunos ejemplos.

Rockliquias.- "To Forget is to Forgive" nos muestra una sección rítmica impresionante acompañada de grandes riffs . Es uno de mis temas favoritos desprende fuerza por los cuatro costados 

Willy - Esta canción me vino a la mente por la noche, después de que de repente me desperté y no pude dormir más. Lo mismo me sucedió con "My Eerie Universe" y "Streams on a Plain". A menudo, en estos momentos particularmente creativos, imagino todos los instrumentos junto con la voz y esto ayuda a tener una idea clara del desarrollo de la canción con su dinámica. En este caso, la experimentación de la sección de ritmo fue fundamental porque permitía dividir la pieza en muchas micro partes con su propia peculiaridad, lo que la hacía adquirir más tensión, un sentido hipnótico y al mismo tiempo energía. Las letras se refieren al carácter vengativo y no muy pragmático del ser humano. Es un análisis de su resistencia obstinada a querer aprender de la historia, atesorar la enseñanza que se deriva de las consecuencias de las grandes tragedias históricas.

José - Buscábamos en esta canción una sensación circular, muy hipnótica en la que el ritmo lo envuelve todo, no queríamos un ritmo al estilo Doom más estricto, queríamos arriesgar un poco más. El juego rítmico entre bajo y batería va modificando el sentido del tema a medida que este avanza. Más tarde incorporamos un obligado que desemboca, ahora sí, en un riff mucho más Doom, para después continuar con un juego de guitarras con un carácter más progresivo. Es una canción con muchas partes que a cada persona le producen sensaciones diferentes. Incorporamos un 7/4 al final para darle un carácter más psicodélico con un ostinato de guitarra y un solo muy orgánico, para finalizar la canción cómo empezó, con el juego rítmico entre bajo y batería, creo que está forma de estructurar la canción se acercaba mucho a la idea que Willy nos quería transmitir.

Rockliquias.- "Contemporary Blankness" tiene cierto carácter latino debido al sonido de la guitarra sin olvidar los buenos golpes hard y nuevamente las guitarras dobladas. Todas vuestras letras están en inglés ¿Apostáis por una internacionalización de vuestro proyecto?

Willy - Sí, esta canción es definitivamente la que más recuerda nuestras orígenes latinas. Es bueno poder "jugar" con estos sonidos, experimentar, salir del contexto pesado y luego mezclarlo, retorcer la canción y volver al punto de partida. Es divertido y demuestra que si quieres, todo puede convertirse en hard rock, también en su extrema particularidad. Con respecto a la otra pregunta, las letras están en inglés por varias razones. En primer lugar porque soy italiano y mi español tiene que mejorar mucho. Mi esposa es finlandesa y entre nosotros hablamos en inglés, así que afortunadamente estoy familiarizado con este idioma. Finalmente, creo que un lenguaje que casi siempre termina con una consonante, en manera seca y que tiene palabras cortas y rápidas para pronunciar es mucho más adecuado para las características musicales del hard rock que las lenguas latinas o eslavas. Seguramente todo esto también puede alentar un mayor número de escuchas en el extranjero. Es lo que ya está sucediendo, tenemos muchos más compradores de EE. UU. que españoles en bandcamp, por ejemplo. Nuestro sello es suizo y muchas críticas, entrevistas o canciones en la radio son solicitadas por fanzines, radio y sitios alemanes, escandinavos, ingleses y estadounidenses.


Rockliquias.-¿ Podríamos considerar "Earth Cycles" , "The Same Old Way (Diagrams Of the Solar System), " A Daily Loser ( Dropping Electrons In A Hydrogen Atom) y A Wornout Tool (Diagrams on a Blaze) como una suite compuesta por una introducción y tres partes?

Alberto - No exactamente, pero sí se puede decir que la estructura del disco entero sigue una idea global. Tanto la intro como el outro hacen referencia al inicio y el final de nuestro universo. El resto de canciones hablan del ser humano, tanto de sus inicios primitivos, con su visión pagana más cercana a todo lo que le rodeaba, como del hombre moderno y los diversos problemas que tiene que enfrentarse en este mundo neurótico. Y entre estas canciones está el universo que nos observa, representado en los sonido del sistema solar, los ciclos terráqueos o en el baile de las llamas de las primeras hogueras que hizo el ser humano.

Rockliquias.- ¿De dónde sacáis los títulos de vuestros temas?

Willy - Los títulos de las canciones con las letras son básicamente un resumen extremo del significado (o imagen) que el texto quiere dar. En este álbum estos también se utilizan como capítulos de episodios porque todo el LP tiene un desarrollo cronológico.

Alberto - Y respecto a los títulos de los temas instrumentales, todos tienen que ver con el fenómeno que describen. En ellos intenté plasmar la idea de la música de las esferas de la que hablaban los pitagóricos. Todo fenómeno oscilatorio tiene asociado una periodo y una frecuencia, y esa frecuencia es un sonido (audible o no). En Earth Cycles, por ejemplo, a partir del periodo de rotación, traslación y de precesión, calculé frecuencia la asociada. Después transporté dicha frecuencia a una octava audible por el oído humano. Esas frecuencias son muy cercanas a notas de nuestra escala temperada. Entonces superpuse esas notas con las frecuencias transportadas y las toqué con el sitar. Hice cerca de cincuenta tomas, aproximándome las notas mediante bending, ya que en el sitar puedes hacer estiramientos de hasta cinco notas (es decir si pulsas un do puedes llegar estirando la cuerda a la nota sol, pasando por todas las que hay entre ellas, sin necesidad de cambiar de traste). Mi intención con esto era generar un sonido orgánico, basado en algunas ideas de música aleatoria de John Cage, intentando de plasmar con sonido el desplazamiento que realiza la tierra en el vacío.

Hice lo mismo, pero solo con los periodos de translación, con los planetas del sistema solar en  Diagrams Of the Solar System. Y en Dropping Electrons In A Hydrogen Atom seguí el mismo proceso pero utilizando las frecuencias que poseen los fotones que emite un átomo de hidrógeno. En concreto utilicé la serie de Lyman, que corresponde a los fotones emitidos cuando un electrón salta del nivel n=2 al n=1. La idea aquí era tratar de “pintar” con música la luz del sol que nos llega. Como más del setenta por ciento del sol es hidrógeno, la luz del sol que nos llega, en el caso de poder escucharla, sonaría de forma similar, o al menos a mi me gusta imaginarlo así

Rockliquias.- "Streams on a plain" tiene claras influencias del "Little Wing" de Jimi Hendrix. ¿Qué nos podéis comentar?

Willy - Incluso en nuestro álbum anterior puedes escuchar las influencias de Hendrix, me gusta la idea que ese genio de esas dimensiones pueda “revivir” de vez en cuando en canciones contemporáneas. Lo que creo que realmente falta en la música de hoy es la frescura, la libertad del sonido de Hendrix. Si hay algún temas nuestro que hace pensar en Jimi, es un honor para mí. Lo importante es que no parecen copias, eso me haría sentir mal. Pero estoy bastante convencido de que nuestro camino es original, con referencias al pasado pero muy explorador para revisar los 70 con un vestido nuevo.

Rockliquias.- El disco finaliza con "AnahataNada" ¿Recordando Katmandú?

Alberto - En la música clásica hindostaní se habla de que existen dos tipos de sonido, los sonidos físicos (AhataNada en sánscrito) que son los que se producen por un pulso, y los sonidos no pulsados (AnahataNada), que serían las vibraciones del eter (Akasa). De nuevo se trata de esa vibración que hace que exista todo. Pues bien, esta canción surge de imaginar el final del ciclo de nuestro universo, a lo que se denomina muerte térmica del universo, donde la entropía es máxima y no existe vida, ni planetas ni estructuras ordenadas; tan solo queda energía vibrando a escala cósmica. Todo esto termina en el gran colapso o big crunch. Y de nuevo quedaría el eter, Akasa, a la espera de que una perturbación encendiera la chispa para iniciar el nuevo ciclo.


Rockliquias.- ¿Tenéis previsto gira de presentación? ¿Podéis confirmar algunas fechas?

Willy - Sí, la gira de presentación del nuevo disco ya ha comenzado. Las siguientes fechas son (https://slapguru.com/tour/ )

13 oct GETAFE @ Macondo (SP)

18 oct BRESCIA @ Red dog (I)

19 oct TREGNAGO @ Sottosopra (I)

20 oct LUZERN @ Bruch brothers (CH)

22 oct GENEVE @ Champmeslé (CH)

23 oct INS @ Schuxenhaus (CH)

24 oct VERONA @ Arci Canara (I)

25 oct TRIESTE @ Il Covo di Jameson (I)

26 oct BASEL @ Werkstatt (CH)

27 oct LAUSANNE @ The Rockies (CH)

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos ?

José - Que apuesten por la música original, que apoyen a las bandas locales, que vayan a ver música en directo. Hay mucho trabajo detrás de un disco, muchos altibajos y muchas alegrías. Han sido 9 meses intensos muy productivos, de deshacer ideas, de reorganizar conceptos. Slap Guru es una formación que no tiene miedo en arriesgar, y eso se ve reflejado en la diversidad de canciones que forman "Diagrams of pagan Life", independiente de las influencias personales de cada uno. No puedes perderte un concierto, tenemos mucho feeling entre nosotros y la mayoría de la gente que nos descubre y disfruta de nuestro show, acaban repitiendo .

(Willy) Si os gusta el hard rock de los 70 y su desarollo psicodelico y progresivo creo que “Diagram…” sea un disco que escuchar. Ademàs, como dicen ya algunas resenas, lleva una brisa fresca en el mundo del hard rock. En vivo suena todo màs contundente, la energía de los conciertos dobla la del cd en nuestro caso. Bueno, esto es algo que deberías confirmar vosotros :)






Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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L´UOVO DI COLOMBO - L'Uovo Di Colombo (1973)

El llegar a grabar un solo LP en la Italia setentera yo creo que partía más de una voluntad de apuntarse y parecerse a los mitos de la música más cool y moderna que es la que se estaba haciendo en ese momento. Esa era la idea. Como entonces la música progresiva estaba en la cresta, allá que vamos. No hubo tiempo para reflexionar de que hacer en lo que realmente gustaba. Lo interpretaron como moda. Lo cual esto tiene una lectura a día de hoy que roza lo patético.


 Yo creo que era más esto, que los propios gustos. Hoy podría pensarse este fenómeno como una situación casi cómico-surrealista. Porque igual pensaban que haciendo esa música super rara que entonces estaba de moda se iban a forrar. Como todo aquello terminó siendo una auténtica ingenuidad por eso existen tantos grupos prog de un solo álbum. Al poco tiempo muchos de ellos o lo dejaron o se apuntaron a bandas de rock convencional o pop o disco y a la maldita hemeroteca me remito. Los conciertos partían de lo mismo: veo a la gente diciendo no tenemos ni idea de lo que oímos, pero mola y nos colocamos.

 Si me plantease escribir un libro sobre la historia de la música moderna desde el impresionismo, pasando por el jazz y el rock y la electrónica me cargaría muchos pedestales, muchas ideas equivocadas, mucho boato, mucho engreimiento, muchos genios que en el fondo solo eran unos miserables peseteros y unos mezquinos con todo el mundo. Y muchas falsedades que han sido convertidas en dioses. Tranquilos que me da mucha pereza y sería una solemne tontería por mi parte. Sin embargo… ¿a alguien no se le ha pasado por la cabeza alguna vez romper con todo y crear una especie de liberación mental cultural de destruir para siempre todo lo que ama…? A mi muchas veces. Una pira con todos los discos, CD´s, libros, instrumentos, escritos, fotos, dibujos, recuerdos, teléfonos, objetos y todo aquello que en realidad no es más que una fuente de sufrimiento. Luego me entra la risa, me fumo un cigarrillo y me tomo una cerveza y se me pasa. Hasta el día siguiente.

El huevo de Colón lo montaron unos tales hermanos Volpini: Enzo a los teclados y Elio al bajo. Las guitarras se las repartían entre ambos. La batería un tal Ruggero Stefani y a la voz y front man Toni Gionta que luego al parecer formo parte de los Cherry Five (pre-Goblin). Al querido Keith Emerson deberían haberlo nombrado hijo adoptivo y embajador cultural de Italia por la importancia musical que su persona ha tenido en este estilo de música. Pocos teclistas en Italia no lo deben de tener de Jesucristo de cabecera en la cama y a mí me parece muy bien porque en los setentas era un guaperas con su moto, su chupa y su paquete marcando en cuero y para las chavalas de la época era un puntazo el tío. Me acuerdo de él escuchando, este disco, pero más de la época Nice o el primer álbum de ELP. 


Ocho cortos temas se reparten en una duración no superior a 34 mtos y si os gusta el hammond organ style y los moogs calcados o incluso los primeros escarceos del Huriah Ken Hensley os lo pasareis bien. El academicismo a lo Bach fue muy recurrente en aquellos organistas del progresivo temprano, siendo el tremendo Brian Auger el padre de muchos modismos y formas como también podréis comprobar en las partes más jazz groove de este trabajo. El problema como siempre es la falta de desarrollo en las composiciones que piden mucha más enjundia y terminan antes de que te tomes un café solo. El hard primitivo también está presente en estas efímeras y entretenidas piezas. 


Como digo al principio hicieron un disco del momento, como para decir estamos aquí y tocamos muy bien pero como a muchos otros de su escudería les faltó rubricar lo ya empezado. Falta de convencimiento en su propio trabajo…? desinterés al poco tiempo…? Solo la historia tiene la respuesta.
Alberto Torró 



Temas
A1 L'indecisione 
A2 Io 
A3 Anja 
A4 Vox Dei 
B1 Turba 
B2 Consiglio 
B3 Vision Della Morte 
B4 Scherzo




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Änglagård - Hybris (1992)

Recuerdo haber encargado por correo este CD a la tienda Pan y Música de Barcelona a mediados de 1993. Me lo recomendaron efusivamente. El local barcelonés y que yo sepa, fue el único establecimiento en España dedicado por completo al rock progresivo. 


Durante varios años tuve bastante buena relación con Esteban Vendrell su dueño y con su secretaria Sandra que nos facilitaron mucho las cosas para mi revista Lunar Suite. Un pequeño santuario por el que desfilamos como diría Jota Iglesias los “Malcolm X” de la defensa racial a ultranza del sinfónico- progresivo. No es broma. Yo nunca tuve que “salir del armario” años después avergonzado de ser un sinfónico de mierda como muchos otros, que solo asomaron la patita cuando despejó la tormenta punkarra y nuevaolera de los años de la “movida”. Aguanté el tirón y las bromas mezquinas de los “amigos” con una convicción a prueba de todo y la música progresiva empezó de nuevo con el tiempo a ser tímidamente aceptada por los antaño chicos duros de bronca, alfileres, peleas y chupa de cuero o bien por los snobs pijohipis modernos bien maqueados y ya adaptados al sistema como votantes convencidos con puesto fijo en la administración o en las empresas. Ya con señora esposa y chavales en la ESO como debe ser todo buen español y muy español. Afortunadamente hoy las nuevas generaciones de chavales respetan lo que mis colegas no hicieron. Yo como buen burgués medio y educado, no fui la excepción a la regla de buscar una cómoda estabilidad y sensatez y cinismo indispensable a toda inteligencia que se precie de ser, pero con la diferencia de que nunca fui contaminado por modas o actitudes generacionales de pose cultureta o contracultureta idiotez a partes iguales. Tampoco me atrajo nunca la política. Todo hoy es de derechas es la moda y lo guay. No soporto la pertenencia a un grupo determinado de tribu urbana. Nunca lo he hecho.  Me gusta demasiado la soledad y el individualismo y prefiero a los gatos que a las personas porque son más civilizados. Lo demás me aburre y me da ya mucha pereza porque el mundo, su gente y sus gilipolleces, se repiten más que el ajo.


De toda la peña progresiva tenemos sus diferentes ramas que se han ido desarrollando a lo largo del tiempo. Para el tema de paz y amor y el plus pal salón tenemos a Yes. En el caso de las batallitas épicas estuvieron ELP. Renaissance se encargaron de cubrir toda la cursilería británica clásico-amorosa y principesca. Gente Giant y Jethro Tull de las historias medievales y la ironía de sátrapas y gobernantes imaginarios. Genesis de fantasías surrealistas y personajes bipolares heredados de ambientes victorianos a lo Lewis Carroll. Pink Floyd del mundo lisérgico y cuelgue psicodélico. Los de Canterbury del jazz imaginativo y la broma absurda. Van Der Graaf Generator de la depresión y el hundimiento. King crimson de todo lo paranóico, esquizofrénico y relativo a la psiquiatría. Para lo marciano e inclasificable tendríamos a Magma y para el terror cósmico al Klaus Schulze o a los kraut germánicos pasaos de rosca. Hay comida sonora para todos de lo que consideramos progresivo o avandgarde. El iconoclasta y misántropo Zappa se encargaría de mezclarlo todo y descojonarse también de todo. En fin suma y sigue.

Anglagard fue de las primeras bandas suecas de la promoción de los noventas en tomarse en serio el sonido progresivo clásico setentero. Atrás quedaba el neoprog low cost de los 80´s tan superficial y a veces hasta torpe. Lo primero que llama la atención  en “Hybris” su primer disco es el empleo absoluto de instrumentos analógicos y típicos de cualquier grupo prog entre 1969 y 1973. Sonido antiguo de piano y mellotrón, Hammond Organ B3, un pianet, un solina y un korg. Un órgano de iglesia. Guitarras acústicas y eléctricas de nylon y acero, Un Rickenbacker bass, una flauta travesera, y un kit completo de batería con mil caprichos percusivos. 


La primera impresión es la de unos King Crimson como muy aventajados y con una música, entre lo sórdido, lo oscuro y lo misterioso. Yo creo que esto fue primordial para que a esta banda se la sobrevalorase casi inmediatamente. Hay que recordar que Fripp y sus carmesís cuya música suena a veces tan tétrica como la fiesta de belzebú, tienen una serie de adoradores y acólitos de los que nunca han gozado otras bandas coetáneas a las que él siempre se refería como la competencia. El mellotrón, ese pesado cajón de madera con sonido rancio y antiguo, siempre ha sido un instrumento perfecto para acompañar exhumaciones: es un sonido de eternidad, de muerte y de desesperanza, que a los maníaco-depresivos y nostálgicos que son otra peña sinfónica, les encanta. El guitarrista de mi banda cuando estaba abatido y triste, que era casi siempre, decía que por su mente pasaban “mellotrones imaginarios” y cuando escuchaba el “Epitaph” de KC siempre vería oscuros carruajes de madera negra barroca tirados por caballos negros acompañando al finado a su descanso eterno.


 La portada del “Hybris” ya te lo dice todo y no hace falta explicarlo. La música de Anglagard contiene todos los ingredientes afines, pero está realizada con un alto grado de profesionalidad y clase. La puerta a las bandas escandinavas se abrió de par en par en la década de los 90´s porque su propuesta musical era mucho más interesante que las historias de bufones británicas y los sonidos híbridos plastificados del neo prog. 

Al poner la primera pieza “Jordrök” ya te olvidas por completo de la década anterior y enlazas directamente con los primeros setentas. La rítmica es tensa y compleja y la secuencia armónica ya emplea una cadencia de acordes y notas mucho más rica y expresiva, pero el lirismo no es alegría es tristeza. La densidad en la composición y la calidad interpretativa está muy lejos de las fáciles propuestas y estos tipos están muy lejos de ser unos meros imitadores de las viejas bandas progresivas y han cogido el relevo perfecto de lo que un sinfónico veterano espera oír. No te van a entrar a la primera, ni vas a canturrear las melodías pero sin duda van a satisfacer al más exigente. La flauta de Anna Hölmgren va a dulcificar mucho la escucha, así como el empleo de pasajes acústicos de guitarra e incluso algún giro folky y vocal que tiene su particular belleza. Pero en general la frialdad de los fiordos y el carácter austero y gris de esas tierras está perfectamente identificado en su sonido. 


Las cuatro piezas que componen este debut son largas construcciones sonoras entre los 8 y 13 mtos y no es ponerte a escuchar y largarte a la cocina a por una birra. Debes estar atento y ofrecerles tu tiempo. Un grupo de culto con el que seguiremos la próxima semana.
Alberto Torró



Temas
1. Jordrök - 00:00 -11:09
2. Vandringar I vilsenhet - 11:10 23:02
3. Infrån Klarhet till Klarhet 23:03 - 31:05
4. Kung Bore -  31:07 - 44:15 



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PLACEBO - Placebo (1974 / HARVEST)

Te aburres una tarde cualquiera, (no suelo aburrirme, más bien me da "el mono" ), y salgo de caza vinílica. Soy de la vieja escuela, no lo puedo remediar. Me gusta visitar los cada vez más numerosos rincones donde venden vinilos, (bendita moda, para los que llevamos toda la vida haciéndolo! ). Todavía no me ha podido el gélido acto de comprar a golpe de click de ratón. Eso ya lo hice hace años, y se llamaba venta por correspondencia. El hecho de salir a ver qué se encuentra uno por ahí  (o no), tiene su morbo, al menos para el que escribe. Me gusta patearme tugurios,  pseudo-tiendas, anticuarios o basureros varios, con el plus de surrealismo que conlleva hacerlo en pleno siglo XXI. No me acostumbro a "estar de moda", qué quieren que les diga. En busca de ése disco curioso , raro, que no tiene porqué ser un Grial multipasta. ......y si lo es, pero se trata de una reedición,  pues tampoco le hago ascos. Porque éste en particular,  que fue la pieza cazada ésa tarde, ya es una rareza. Reeditado por Music On Vinyl en 2014, (creo que lo vuelven a poner en circulación éste año en vinilo blanco ), sólo fue para su país de origen, Bélgica. El tercer homónimo-pero-último-álbum de Placebo suele estar entre los 300 y 500 pavos, en su edición original Harvest. No confundir con los comeyogures británicos de los 90. Éstos eran belgas y una multiformacion jazz progger de primer orden.


Liderados por el teclista Marc Moulin, un veterano ya de la escena jazz de los 60, editaron tres soberbios discos a saber : "Balls of Eyes" (1971 / CBS), "Placebo 1973" (1973 / CBS) y éste último para la prestigiosa Harvest. Por ello, quizá el más progresivo , aunque en mi opinión  todos tienen su interés.  El resto del grupo eran, por la parte sopladora,  Nicolas Fissette (trompeta), Richard Rousselet (trompeta eléctrica y fliscorno), y Alex Scorier (saxos,  flauta y acordeón). En el grupo rock convencional completaban Francis Weyer  (guitarra), Yvan De Souter (bajo), García Morales (batería) y J. P. Oenraedt (Percussion). Con invitado estelar en la persona del sensacional Philip Catherine (guitarra). Si, el mismo que sustituiría a Jan Akkerman en Focus.

Eran días de mucha competencia incluso en su país,  con Waterloo, Kandahar, Plus (algunos miembros terminarían en Placebo), Lagger Blues Machine, Arkham, Cos, Pazop, Shampoo, Womega o Mad Curry tomando posiciones en la liguilla progresiva belga. Curiosamente,  casi todos con instrumentos de viento incluidos. Aunque la mayor influencia de Placebo era el Miles Davis del "Bitches Brew", o directamente Nucleus y el búnker de Canterbury.

En su inicio, "N. W." (6'38) parece la banda sonora de una peli policíaca,  con la insuperable acústica de Catherine haciendo virguerías,  un bajo que es el rey del groove  (y el mambo), y la muralla brass contestando. El Fender Rhodes de Moulin pone orden, y la cosa se va por parámetros Soft Machine de aquellos días. Original y con su cosa.

 "Plotseling" (7'37) ya tiene un feel canterburyano acusado. Pletórico Rhodes, guitarra saturada a la Phil Miller,  flautica a lo Jimmy Hastings......Hatfield "y el Norte" tienen un gran significado en ésta pieza. Que va creciendo en intensidad a cada vuelta, hasta derramar todo el líquido percusivo en un mar de esencias Canterbury sencillamente deliciosas. 

Algo que no se pierde en "Bosso" (3'20) ni en "Dag Madam Merci" (3'10). La primera con una sucesión de solos entusiasmantes al sinte, guitarra y flauta, con símiles a nuestros Música Urbana. La segunda vuelve a la sobriedad elegante de Soft Machine, con un fondo funk-jazz sobradamente atractivo.


La cara B abre con la fílmica "Hop Hop" (4'32), de hecho éste álbum tiene cierto "olor a rancio" de Library Music, porque sus surcos pueden adornar cualquier peli de acción de los 70 (Tarantino, atención !!!).

"Tanga" (3'33) no creo que se refiera a la microscópica prenda interior, sino más bien a algún recuerdo argentino. El acordeón resuelve en tono porteño con nostálgico flavour, en pugna con un respondon sintetizador. Y aún hay más,  en poco más de tres minutos. Placebo derrochaban ideas. 

"Stomp" (7'35) se inicia con emersoniano moog, bajo a la Hugh Hopper y batería estilo John Marshall. De nuevo creando un bello groove melódico en denso ambiente jazz progger. Marc Moulin brilla a los sintetizadores, en saludable conversación con las trompetas, algo realmente estupendo. 

Por último "S. U. S." (4'22) cierra este formidable álbum con más esencias divididas entre ambiente "cutre-lux" de boite 70s y teclados a la Bardens / Sinclair.

Marc Moulin editó al año siguiente otra joya a su nombre, "Sam Suffy" (1975 / CBS), de nuevo con Catherine en las guitarras. En el 99 se editó el recopilatorio  "Placebo Sessions 71 - 74", único material del grupo en formato cd.
Merece la pena callejear y ensuciarse las manos si te cae material de éste calibre, vaya que sí......
J.J. IGLESIAS



Temas

A1 N.W. 6:38
A2 Plotseling 7:37
A3 Bosso 3:20
A4 Dag Madam Merci 3:10
B1 Hop Hop 4:32
B2 Tanga 3:33
B3 Stomp 7:35
B4 S.U.S. 4:22




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PRE - Pre 1973

Estamos nuevamente ante una grabación que se perdió en el tiempo y que muchos años después fue recuperada, en concreto en 1994. Rock progresivo hecho en 1973 de muy alta calidad.


El grupo se formó en enero de 1973 en Kentucky y tan sólo tuvo un recorrido de apenas 12 meses escasos ya que desaparecieron en diciembre de ese mismo año. La banda estaba integrada por Alfred Collinsworth (guitarra acústica, voces), Larry Collinsworth (guitarras), Brian Paulson ( teclados), Steve DeMoss (bajo, glockenspiel) y Dwight Dunlap (batería). Poco más que aportar.


Este es el primer y único disco de la banda estadounidense PRE. Se grabó en 1973 pero no vio la luz hasta 1994. El sonido que desprende es rock progresivo en la línea de los grupos que mas éxito tenían en aquel momento. Las referencias a YES son muy claras con temas como "Ascetic Eros" y "Ballet For A Blind Man", dos largas suites con sus correspondientes "partes" donde la cercanía al grupo británico son mas que evidentes. Puestos a comparar la voz de su cantante Alfred Collinsworth nos podría recordar a la de Jon Anderson. En cuanto al nivel instrumental lo podemos considerar como muy alto. En definitiva tenemos casi una hora de buen rock progresivo clásico.
J.C.Miñana



Temas
1 Path 00:00 
2 Who's Laughing Now 01:36 
3 Water Meeting 05:11 
4 Bowing Down 10:41 
Ascetic Eros 14:20
5.1 A. Ascetic Eros
5.2 B. Hymn Of Transfiguration
6 Firmer Hand  25:40 
7 Child Of Sorrow 34:47 
Ballet For A Blind Man 38:30
8.2 A. Fileds Of Darkness
8.3 B. Is It You Who's Caught The Blues?
8.3 C. Must Have Been Ten Years




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JOHN CARPENTER - Lost Themes (2015 / SACRED BONES)

Tres razones de peso para traer por aquí al director de cine de terror / Sci fi,  pero también músico y sintetista, John Carpenter. 1) Porque ya tocaba. 2) Porque éste mes se celebra ésa tradición chorras yanqui, que tanto gusta también por aquí,  llamada Halloween. 3) Porque se va a estrenar por enésima vez un reboot de dicha peli de miedo, pionera del género slasher en los 70.


Resulta difícil de creer que éste "Lost Themes" sea el primer álbum de Carpenter, propiamente dicho. Después de musicar todas sus películas desde los 70, con algunas de las melodías más iconicas del cine de miedo. Recuérdese además de "Halloween" (78), "Assault on Precint 13" (76), "Escape from New York" (81) o "The Thing" (82), (a medias con Ennio Morricone),  por nombrar unas pocas. En realidad,  detrás de "Lost Themes" hay toda una vasta discografía de scores pertenecientes a sus numerosas películas. Pero es éste "debut", su primer disco "sin imágenes". Aunque su audición fomenta la imaginación del oyente para que se las ponga a las mil maravillas. Se acompaña por su hijo, Cody Carpenter, y su ahijado, Daniel Davies. Asunto de familia. Y entre familia saben perfectamente lo que buscan. No sé si sería justo llamar a esto "Retro Synth Wave", porque casi fue el propio Carpenter su inventor. Lo dejaremos ahí. ....

"Vortex" (4'45) tiene ese aire 80s de ciudad nocturna mojada,  con el reflejo en el suelo de los neones amenazadores......La música de Carpenter, no lo puede evitar ni quiere,  es profundamente fílmica. Y además,  mola. Comparaciones con los Tangerine Dream ochenteros son inevitables. Aunque primordialmente,  esto suena a el,  que es de lo que se trata.

"Obsidian" (8'24)  es el más extenso de ésta engañosa ópera prima, y que excita la mente en descriptivos pasajes de perfecto carácter electronic - prog, casi sinfónico en ocasiones. Aproximaciones a Goblin son claras, y la influencia de Claudio Simonetti creo que ha sido recíproca,  a lo largo de los años. Eso lo hace un material de seriedad incontestable. 

Siguiendo con los títulos de una sola palabra, "Fallen" (4'43) despide su olorcillo a zombie recalentado, a road movie post-apocalíptica o a batalla interestelar contra vampiros de Marte. La elección de sonidos tira más bien a los primeros 80, cuando lo analógico y digital todavía cohabitaban pacíficamente. 


"Domain" (6'33) incluye conveniente actualización,  seguramente propiciada por los acompañantes más jóvenes. Esto podría estar en un repertorio de los Zombi, Carpenter Brut o Perturbator. No olvidemos que hablamos del "padre de la criatura" sonora, así que un respeto.

"Mystery" (4'36) es el prototipo de "música de créditos" para ésta peli imaginaria. Con excelente parte final secuenciada. "Abyss" (6'07) también tiene su gancho, con adornos rockeros no siempre dependientes de la teclistica. Baterías,  guitarras y bajos tienen su sitio en éste álbum.  

Astuta secuenciación y ambientes nos trae "Wraith" (4'30), la cual estaría perfecta en los "nuevos" Tangerine Dream. 

"Purgatory" (4'36) es música sacra del siglo XXI. Al menos produce el mismo efecto introspectivo. .....para dar un brusco cambio a la mitad, y terminar en modo muy berlinés.

 "Night" (3'38) finaliza con más sonidos nocturnos amenazantes, fondo perfecto para el psicópata de turno. Echo de menos éste tipo de música en las películas actuales, plagadas de aprendices de Wagner, o peroratas hip hop de brasa inaguantable. Forman parte de varias generaciones, y por supuesto que tienen su público,  afortunadamente  (ahí tenemos la banda sonora de la serie "Stranger Things", por ejemplo).


John Carpenter no ha perdido el pulso de su música. Compruebese en su siguiente entrega del 2016, "Lost Themes II" (ahora con los títulos compuestos de dos palabras). Tan inmortal como su propio personaje,  Michael Myers. .......majo chaval.
J.J. IGLESIAS



Temas
0:00 - Vortex
4:43 - Obsidian
13:09 - Fallen
17:52 - Domain
24:25 - Mystery
29:01 - Abyss
35:08 - Wraith
39:38 - Purgatory
44:17 - Night









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