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EDGAR FROESE - Ages (1978 / VIRGIN)

Compruebo sorprendido cómo todavía no habíamos traído a ésta sección, al probable responsable de toda la kosmische, en su carrera en solitario. Se le echa de menos al bueno de Froese, desde enero del 2015.


Es poco conocido el dato de que cayera por España con su grupo psych /r'n'b, The Ones, a finales de los 60. En Cadaques conoce a Salvador Dalí y se hacen amigos. El cual le da unas pautas a seguir en su carrera musical. Y Froese las pone en práctica obedientemente al volver a Alemania. Disuelve The Ones en 1967 y monta un grupo donde el surrealismo y la improvisación sean factores dominantes. "El Sueño de la Mandarina"..... No es un nombre terriblemente daliniano? Resultará que el gurú del cosmic-kraut fue el genial pintor? No es descabellado.

Ya con Tangerine Dream a pleno rendimiento, inaugura su carrera en solitario con "Aqua" en 1974. Le siguieron "Epsilon in Malaysian Pale" (1975) y "Macula Transfer" (1976). Para 1978 TD había cambiado radicalmente su formato musical, en cuarteto. Y editaban el posiblemente más rompedor disco de su historia : "Cyclone". Seguían Froese y Franke, pero entraban Steve Joliffe (ex Steamhammer) a la flauta, vientos diversos, teclados y....voz!!! Además de Klaus Krieger en la batería de toda la vida, aunque la suya era una customizada en polyester con gatillos electrónicos percusivos......a saber qué invento! Éste último miembro participará en el doble album de Froese, "Ages", de ése mismo año. Grabado de agosto a noviembre de 1977 en los Amber Studio de Berlín y producido por el propio Froese. 40 años se cumplen ahora de un doble vinilo que es recomendable tenerlo en su formato original. Todas las ediciones posteriores en cd salieron con la falta de algún tema, extrañamente.

"Metrópolis" (11'00) lo abre, inspirado en la misma película de Fritz Lang. Su aspecto maquinal y sombrío lo acerca al Kraftwerk de "Trans Europe Express" o Harmonia. La batería y ritmos orgánicos de Krieger alejan el clásico concepto tangerino, y le da un soplo de aire fresco al contexto. Estaba claro que 1978 era un año clave, de renovación,  para nuestro hombre. Bonito comienzo.
Inevitable es que se note la procedencia de Froese. 

Y en "Era of the Slaves" (8'05) (2018?....) estamos ante la típica pieza a lo TD, evocando espesas y peligrosas junglas aztecas, de asfixiante calor y enigmas insondables. Perfecta para "Sorcerer", la banda sonora para el film de William Friedkin del año anterior, (que llegué  a ver en su estreno en cines). Quizá un descarte?....


Para la cara 2 tenemos la pieza más extensa del álbum y que ocupa todo el lado, "Tropic of Capricorn" (21'06). En ella se aprecia melodía majestuosa y equiparación sonora similar al Vangelis de esos días. Si bien pronto reaparece el misterioso Edgar Froese al que estamos acostumbrados. La pieza cuenta con piano acústico como hilo conductor, donde una maraña de poéticos sintetizadores ejercen de vasos comunicantes sonoros. Como digo, poesía electrónica de corte romántico extraordinario y casi música contemporánea. Con cercanías a Debussy o Schumann. Realmente una faceta poco explotada por Froese hasta entonces, y uno de los puntos altos del disco.

La cara 3 comienza con "Nights of Automatic Women" (9'00), tema éste que adalides del retro-synthwave como Carpenter Brut matarían por haber compuesto. Puro TD-score con la atenta batería de Krieger y secuenciación típica berlinesa actuando al unísono. Su característico estilo a la guitarra aparece en "Icarus" (9'07). Siempre he pensado que Froese ha sido un infravalorado guitarrista. Puede que no un virtuoso, pero tenía algo y sabía expresar con sus psicodélicos solos. Podía haber ejercido como tal perfectamente en una banda.

"Childrens Deeper Study" (4'21) es otra curiosidad en un Froese que cada vez estaba más interesado en las melodías previamente compuestas. Alejándose de la improvisación salvaje que había dominado toda su obra hasta entonces. También en ésta nueva faceta demostró ser un maestro, por lo menos hasta bien entrados los 80.


La cara 4 también depara sorpresas agradables. "Ode to Granny A." (4'39) recuerda a la Tonto's Expanding Head Band, dúo del que hablamos la semana pasada como pioneros. "Pizarro and Atahualpa" (7'30) toca un tema muy del gusto kraut (recuérdese a Popol Vuh y su "Aguirre", por ejemplo). Las percusiones de Klaus Krieger son definitivas, bien soldadas a las líneas tangerinas de síntesis que tan bien describían en los exóticos pasajes de ésa época. 

Finalmente "Golgatha and the Circle Closes" (8'30) es otra exhibición de guitarra, secundada por secuenciador, batería y sinte de cuerdas. Una especie de "bolero electrónico" de fascinante desarrollo puramente froesiano. Su epílogo final parecía un outtake del "Soon" de Yes. "Ages" es uno de mis discos favoritos de Edgar Froese. Realmente todos de los 70 lo son.

En sus últimos meses, Froese dejó colgado un proyecto con Steve Hogarth,  (al modo que estaba haciendo éste  con Richard Barbieri). "Dicen" que pretendía volver al sonido Berlín y así lo dejó testamentado a los actuales TD. Yo creo que es cosa de ellos para darle veracidad a la actual formación. Aunque no estoy en contra, conste. Froese hacía muchos años (décadas), que se había alejado de las fantasías cósmicas sintetizadas berlinesas expuestas en éste magnífico "Ages". Aún así,  se le echa de menos.

P. D - "No existe la muerte. Sólo es un cambio en nuestra dirección cósmica" EDGAR FROESE
J.J. IGLESIAS








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Chicago Transit Authority - Fillmore West 1969

Chicago Transit Authority, es posible que esta denominación no os llame la atención pero si os digo que corresponde a la banda Chicago la cosa cambia. Esta agrupación no sólo cambio su nombre, su música poco a poco fue evolucionando hacia un sector cada vez más comercial. Hoy los recordaremos en una de sus mejores épocas.


La banda comenzó llamándose "The Big Thing", cambiaron de nombre, "Chicago Transit Authority", cuando se trasladaron a Los Ángeles en junio del 68 y firmaron por la Columbia Records. Eran habituales sus actuaciones en el  Whiskey a Go Go y abrieron sendos conciertos para Janis Joplin y Jimi Hendrix. En 1969 editan su primer disco, "Chicago Transit Authority", un doble disco que llegó al puesto 17 en el Billboard 200. Por problemas legales con la operadora de transporte público de Chicago (CTA), tuvieron que acortar su nombre. A partir de ese momento serían Chicago. Una dilatada carrera llena de éxitos.


La grabación nos presenta la actuación de Chicago (Chicago Transit Authority), en el Fillmore West el 17 de Agosto de 1969. Esa noche también actuaron The Youngbloods y Colosseum. El "setlist está compuesto por temas de su primer disco editado a principios de ese año (Does Anybody Really Know What Time It Is?, Poem 58, Someday, Questions 67 & 68, Beginnings, Questions 67 & 68, Introduction, Listen, I’m A Man, South California Purples, Liberation) y un adelanto de su segundo disco, "Chicago", con su éxito "25 Or 6 To 4". En cuanto a su música nos encontramos con psicodelia cargada de experimentación y buenos desarrollos instrumentales con una poderosa sección de viento y un guitarrista , Terry Kath, que se sale. Recordemos que incluso Hendrix quedó impresionado con la capacidad guitarrera de Terry. Sonido aceptable aunque algunos temas aparezcan cortados.
J.C. Miñana



Temas
CD1
01. Poem 58 (10:37)
02. Freeform Intro (00:48) 
03. Does Anybody Really Know What Time It Is? (3:25)
04. It Better End Soon (9:01)
05. Someday (cuts) (2:38)
06. Questions 67 & 68 (5:17)
07. 25 Or 6 To 4 (7:16)
08. Beginnings (original version with dropout) (6:19)
09. Questions 67 & 68 (original version with dropout) (5:13)
10. The Road (original version with dropout) (3:19)

CD2
01. Introduction (7:49)
02. Listen (4:43)
03. The Road (3:15)
04. I’m A Man (6:25)
05. South California Purples (6:10)
06. Beginnings (6:15)
07. Liberation (16:57)




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GALADRIEL - Muttered Promises From An Ageless Pond (1988 / DAGA - MINDCHILD) (Rockliquias Bandas Classic)

Compruebo que ya tenemos muy al día la actualidad nacional  (aunque nunca lo suficiente). Así que retomo la sección viejuna, que será intermitente. Y qué mejor que con un verdadero "classic" de nuestra historia reciente. Además ahora que se cumplen 30 años de su edición.


"Muttered Promises From An Ageless Pond", primer álbum de los madrileños Galadriel, fue un hito heroico para unas fechas tan antipaticas. En 1988 decir que "eras progresivo " era motivo de burla y lapidación. Otra cosa. Si su líder,  letrista, cantante, teclados y único miembro original en la actualidad, el canadiense Jesús Filardi , se entera de que en Rockliquias aún no ha aparecido su banda, nos encorre a gorrazos tanto a Alberto Torro como a éste escriba sentado. Más de 25 años de amistad desde los peores tiempos nos unen, como sólo la música (prog) puede hacerlo. Habiendo vivido grandes experiencias juntos. Como cuando hice de "roadie" en la presentación de "Mindscapers"  en Madrid, y luego no me dejó entrar al concierto el "profesional" portero de la entrada. País! También fue Jesús Filardi quien se brindó a escribir un prólogo en mi "Guía del Progresivo Español - Hijos del Agobio", que tan buena acogida tuvo en 1997. 

Galadriel se forma en Diciembre de 1985 con Jesús Filardi (voz, ex Algor), David Aladro (teclados, ex Dantalion), Óscar Pérez (batería,  ex Dantalion), Pablo Molina (bajo, ex Dantalion), Manolo Macia  (guitarras, ex Galdalus) y Manolo Pancorbo (guitarras, ex The Magic of Fire). Precisamente debutan en vivo con éste último nombre, al no tener todavía ninguno. Sorprenden por sus máscaras,  disfraces y la pura teatralidad de la que siempre ha hecho gala en directo Jesús Filardi. En 1986 graban la casete "La Escalinata". En 1987 se va Óscar y entra el brasileño Cidon Trindade, percusionista de la Sao Paulo Symphonic Orchestra. También ese mismo año graban el tema "Summit" para la recopilación inglesa de grupos progresivos, "Exposure". Allí conocerá a un tímido muchacho que también participa con un tema de su banda No Man Is An Island......Así que no te extrañe ver en la lista de agradecimientos de "Muttered..." a un tal, Steven Wilson!

"Muttered Promises From An Ageless Pond" se grabó en cuatro estudios diferentes cuando se pudo, y fue producido  por el propio grupo. Tres son las fuertes influencias que en él se perciben. Yes, por la andersoniana voz de Filardi. Genesis,  por los bucolicos,  románticos y delicados pasajes. Y el rock Progresivo Italiano, (PFM, Locanda delle Fate,  Murple,  Il Castello Di Atlante.....), por su fina lírica mediterránea y musicalidad extraordinaria.

La cara A es llamada "The Day Before the Harvest" y consta de tres temas. "Lagada" (8'50) lleva una gruesa línea de bajo a la Chris Squire, los sintes parecen el propio Wakeman y la cálida voz de Filardi entra en universos afirmativos,  con pinceladas medievales de guitarra a la Howe que lo hacen encantador. También Steve Hackett en su primer disco en solitario es una influencia. Y hasta el prog USA 70s tiene símil aquí,  con parecidos a Pre, Starcastle,  Infinity,  Surprise o Pentwater en determinados pasajes. Por otra parte, el violín invitado de Alfredo García Demestres (ex Heimdal), aporta un decisivo sabor italiano al festín. Una maravilla. "Virginal" (2'26) es un delicioso apunte acústico digno de Anthony Phillips, procedente de los tiempos de "La Escalinata".

"To Die in Avalon" (10'00) está llena de impresiones y sentimientos, a menudo con delicada textura nostálgica. Piano clásico a la Keith Emerson, guitarras desgarradas a la Robert Fripp.....o la riqueza de la Premiata en preciosistas momentos de majestuosidad innegable. Magia entre los surcos de un vinilo, ya muy valorado.

La segunda cara se denomina "The Year of the Dream" y consta de dos temas, uno muy corto y una macro suite. "Limiar (Winter's Request)" (1'20) es otro pequeño dibujo acústico naif. 

"Landhal's Cross" (20'04) es la gran apuesta del álbum. Seis partes subtituladas que recogen herencia de todos los grandes de los 70, y que además,  sigue sonando a ésa década. Considero erróneo juzgar éste disco como "neo-progresivo", como he visto por ahí. Resulta una apreciación realmente superficial. "Landhal's Cross" es una construcción en perspectiva 70s, de una música "que había muerto sola", (como dice Andy Tillison), en los ingratos 80. Vista por el personal ojo de Galadriel. De hecho ésta epic-track contiene elementos clave que se irán desarrollando de otras maneras, en los siguientes trabajos del grupo. Teniendo en cuenta que todos sus discos son distintos. "Chasing The Dragonfly" (1992), "Mindscapers" (1997) y "Calibrated Collision Course" (2008). Todos deben a ésta larga pieza de una u otra manera. A modo de gran collage, o propio "Supper's Ready", que va a marcar la carrera y el estilo del grupo.

La versión cd se editó en 1990 por Musea y contenía otras dos gemas. La citada "Summit" (11'27) y la encantadora "Nunca de Noche" (3'13).

"Muttered...." es una pequeña gran obra maestra del progresivo de aquí más internacional. Un disco que ha ganado con el tiempo, (curiosamente mucho más  que otros más contemporáneos de la banda). No entiendo cómo pudieron expresar y plasmar ese puro sentimiento 70s tan estupendamente, en tiempos tan pésimos para la lírica prog. Una delicada joya atemporal (parezco un anuncio de "galería del coleccionista"), que recomiendo desde la más sincera de las sugerencias.

......Lo que no quita para que Filardi me pague unas birras!!!
J.J. IGLESIAS


Temas
1. The Day Before The Harvest: Lágada (8:30) 
2. Virginal (2:26) 
3. To Die In Avalon (10:00) 
4. The Year of The Dream: Limiar (Winter's Request) (1:26) 
5. Landahl's Cross (20:04) 
6. Summit (11:27) 
7. Nunca De Noche (2:20)



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LE ORME - Contrappunti (1974)

Este álbum me pareció verlo editado en España en algún momento, aunque no estoy muy seguro. Para muchos es el punto álgido de la banda, aunque el anterior se llevó la gloria progresiva. 


En esta ocasión se convierten en cuarteto con la inclusión del pianista Gian Piero Reverberi que junto con Pagliuca realizan en la pieza de apertura el disco de Le Orme más “emersoniano”  de su carrera. Aquí incluso y concretamente en este primer corte, se pueden parecer ligeramente a los alemanes Triumvirat con su “Illusions on a Double Dimple” del mismo año. Contrappunti es un LP bastante más sinfónico que sus anteriores trabajos y difiere mucho del Felona. 

Los contrastes acústicos y melódicos de Aldo Tagliapietra con ese perfume campestre casi folky y ensoñación mellotroniana la encuentras en la bonita “Frutto Acerbo” y cantando casi “a pelo” en “India” y con mucho efectito de teclados en la parte instrumental.

 “El fabricante de ángeles” es otra bonita canción con arreglos muy cantábiles de teclados y Emerson-Jurgen Fritz siguen colándose por los recovecos. La reflexiva “Notturno” a lo Chopin y con sus arreglos de “baja intensidad” sinte aquí…órgano allá, nos meten de nuevo en terrenos de órgano rugiente en la pieza final de casi 9 minutos “Maggio” donde un hermoso pasaje sinfónico de sintetizador juega con algún que otro capricho experimental, pero sin salirse de madre. Esta pieza es una de las mejores del grupo y sumamente agradable de escuchar. Lástima que como siempre cuando le estas cogiendo el gusto el disco se termina. Otros escasos 33 minutos. 

Las caras de los vinilos daban para bastante más, pero en Italia era una constante en la mayoría de las bandas hacer discos cortos y piezas que raramente iban más allá de los 6-7 mtos y en un porcentaje muy alto no superaban el formato canción de cuatro mtos. Quizás sea mi manía por las largas épicas y momentos imbricados y jodidos de tocar y supongo que es una patología musical en muchos sinfónicos.


Con respecto a mi anterior artículo de la semana pasada y como en otras ocasiones, yo intento entretener con comentarios socio-políticos los momentos históricos en que aparecen los discos y a veces los acontecimientos que van asociados a la música para enriquecer un poco la forma rutinaria de hablar de manera mecánica sobre música. Para evitar que alguien más se ofenda, como me ha sucedido, tomo nota de a donde hemos llegado, y a la falta de apertura mental y sentido del humor, y visto el panorama, no mezclaré en lo sucesivo asuntos al margen de la música. Percibo que no se puede hablar de nada que no sea políticamente correcto o no pertenezca a los mundos de Yuppi, debido al retroceso social, mental, intolerante e intelectual en que vivimos. Esto ya no tiene arreglo y no se permite el sentido crítico de las cosas. A veces me pregunto, qué sentido tiene escribir algo con honestidad. Oigamos música pues… mientras podamos. Lo único sensato que queda (de momento).
Alberto Torró





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IQ - The Wake (1985)

Hay que aclarar que IQ nunca han vivido de la música y que cada uno de sus componentes tienen su propio trabajo al margen de ella, aunque Mike Holmes en una reciente entrevista bromeaba con estar pre-jubilado y tener más tiempo (él es algo más joven, pero yo en unos días estaré en la misma situación…¡¡aleluya!!) 


La verdad es que cada uno de sus miembros pertenecían a diferentes localidades de Inglaterra y su vida íntima nada tenía que ver con el trabajo diario de un grupo de rock al uso. Esto es más habitual de lo que la gente cree. Dedicarse a hacer la música que a uno le gusta, no da para vivir en el 99´99 % y lo más probable, si te pones cabezón, es que suponga un gasto económico importante más que unos ingresos. Pero te garantizo que no tener que vivir de la música es quitarte una pesadilla. Vivir del arte no tiene nada de lírico ni idealista porque te van a joder igual o peor Se hace por amor al arte, como vulgarmente se dice. No a todo el mundo le toca la lotería de componer en horas de trabajo sin que te vea el jefe o a la hora del almuerzo mientras tus compañeros se te descojonan por friki y de repente un día recibir un importante contrato de grabación, trampolín que te hará millonario en el futuro y mandarlos a todos a la mierda como le pasó a Keith Emerson en su juventud. Eso es prácticamente imposible y escasos son los afortunados. Cada vez que IQ se metía en un estudio de grabación pasaban unos cuantos años y no sé cómo se lo montaban para salir de gira con los compromisos de familia y curro. Esto llevó a diversos cambios de formación cada x tiempo. Pero estamos en 2018 y ahí siguen. Gente voluntariosa sin duda.


La grabación de “The Wake” llevó más tiempo y mejor producción que el anterior y el resultado es muy diferente. La espontaneidad y frescura que destilaba el “Tales From The Lush Attic” ha desaparecido por completo y ahora cada compás, melodía y arreglo instrumental está muy pensado detenidamente, a veces demasiado, por la cantidad de saturación de sonido que hacen de este disco algo oscuro y pesado. Sin embargo, la peña neo prog se desharía en elogios hacia este disco como una reseña progresiva definitoria de los 80´s. Es un buen álbum y muy bien trabajado de eso no hay duda, pero los sonidos imperantes hacia una mayor agresividad y simpleza, pasó factura hasta los 90´s y les pasó a todos después de un primer prometedor álbum en la mayoría de las bandas británicas de neo prog que no es necesario repetir nuevamente. Martin Orford se rodeó de una nutrida paleta de modernos teclados, casi una docena, si veis lo créditos del disco. Tin Esau sacude un pesado bajo casi en primer plano, la batería de Cook, es contundente, seca y dura. La tendencia de la época sobre una percusión exenta de platos, moda muy Peter Gabriel en sus discos en solitario y la machacona forma de tocar de Stewart Copeland de Police hicieron sus estragos. Pero para eso ya están los Watusi y los Masai que lo hacen infinitamente mejor con sus tambores y sus impresionantes ritmos rituales.


 La portada de “The Wake” es maja y atractiva y las fotos del grupo en la contraportada no tienen desperdicio. Cadena con gargantilla a lo punk, cardados de fantasía, chaquetillas chillonas con cuello levantado, corbatitas de cuero muy estrechas (yo también tuve alguna) etc etc… Una preciosidad. Eran esos tiempos. No obstante, algunas de las mejores piezas “sinfónicas” de IQ las encontramos en este disco como es el caso de “Headlong” que cierra el disco con un Holmes sublime. Otras como “Outer Limits” que lo inaugura con un tipo de acordes de teclado que se harán muy familiares o la densa, creciente e interesante “Widow´s Peak” con su indiscutible sello Genesis del 77- 78 cuando ya solo quedaban tres. Sin embargo, yo me quedo con la alegre “The Thousand Days” y su bonita melodía y me aburren soberanamente cosas como “Corners” o “The Wake” y a medias “The Magic Roundabout” que, aunque buena pieza, es algo lineal y me recuerdan, salvando distancias claro, un poco al primer Marillion de Fish y cia. Después de las correspondientes actuaciones en el Marquee con live incluido, Peter Nicholls abandona por unos años el grupo, hasta 1991 concretamente, para formar su propia banda Niadem´s Ghosts que apenas tuvo repercusión. Pero la historia del grupo en realidad, no ha hecho más que empezar.
Alberto Torró



Temas
1. Outer Limits (8:15)
2. The Wake (4:11)
3. The Magic Roundabout (8:18)
4. Corners (6:20)
5. Widow's Peak (9:12)
6. The Thousand Days (5:12)
7. Headlong (7:25)
8. Dans Le Parc Du Chateau Noir (7:37)
9. The Thousand Days (Demo) (3:55)
10. The Magic Roundabout (Demo) (6:27)
11. Corners (2010 Remix) (5:33)




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STARFIRE - Starfire (1974 / CRIMSON)

Cuando veo artefactos como el que nos toca hoy recuerdo un tiempo feliz no muy lejano, en que podías toparte con algo similar en cualquier rastro o mercadillo basuril, y pillarlo a cuatro perras. Ya digo, eran tiempos felices para los pocos "crate diggers" que husmeábamos cajones escondidos con las manos negras. En Zaragoza la sorpresa no era imposible,  ya que la base americana y su actividad vinílica nos dejó rarezas impensables, en cualquier rincón.  A veces comprabas algo así,  sin tener ni pajolera idea de lo que pillabas,  tan sólo haciéndole caso a ese sexto sentido desarrollado a base de muchas horas buscando algo raro, diferente, curioso. Lo que le daba un plus de emoción a  la cosa. Tampoco sabías si era un "santo grial" coleccionista, ni su precio real en esos mercados. Generalmente nos guiábamos por catálogos de ese tipo, que nos daban valiosa info en un mundo sin Internet. Hoy todo ha cambiado. Cualquier tendero es "un entendido en la materia" visitando el oráculo Discogs. Y más de uno se sube a la parra por la primera referencia encontrada, sin importarle estado, edición ni perrito que le ladre. Sigo buscando con ilusión  (no diré que como el primer día porque mentiría), pero todavía se puede uno llevar sorpresas.

Los californianos Starfire editaron ésta joyica en prensaje privado en 1974, de no más que 200 copias. Hasta 350 pavos se han pagado por un original. Aunque fue reeditado por Radioactive Records.

Ellos eran Chris Muis (cantante), Robert Mitchell (guitarra, coros), Robert Sephton (bajo, coros), Dennis Hovenden (batería) y Randy Kelley (teclados). Su estilo estaba centrado en un hard rock con todavía un fuerte poso psicodélico. 

"Comfort Me" era como mezclar a Vanilla Fudge con Deep Purple o Uriah Heep. Su cantante demuestra carisma vocal, y el grupo tiene un fuerte carácter de equipo. "My Love is Gone" sigue teniendo marcada influencia de los primeros Heep, época "Very 'Eavy,  Very 'Umble" o "Salisbury". Mientras Chris Muis está entre Byron y Gillan, con sus propias maneras. Fuerte presencia organistica refuerza todo lo dicho."Many Moods Ago" cuenta con potente melodía vocal y músculo  guitar/organ interlude, no alejados de Warhorse. 

Seguimos por senderos púrpura con mayor influjo progresivo, en "Birth of the Sun" (7'01). El tema más desarrollado del álbum,  muestra pinceladas acústicas, armonías vocales, soberbio soporte rítmico,  Hammond como guía  (junto al bajo), y una casi Blackmore demostración guitarristica. Starfire se han ganado mis simpatías desde hace rato. Iron Butterfly mid-70s, los de "Scorching Beauty" y "Sun and Steel", también son aproximaciones fiables. Hay quien dice que ésos son "malos discos", pero nunca he estado de acuerdo con eso.


En la cara B, "Islands" da comienzo con un tratamiento que, en dos o tres años, va a ser asumido como Pomp rock. Es un hard rock psych muy melódico y asequible, que ya intuye lo que pronto se llamará AOR. "Slippery" es demasiado psico para 1974, pero parece no importar mucho a la banda. Los entiendo. Suena fresca aún hoy día,  con ése blues flavour de enigmáticos aromas.

"Merry Crises '74" demuestra que también les importaba la problemática socio-política del momento. Y el hard rock gana aquí la partida. Es como si Michael Sadler de Saga, cantara  al frente de Atomic Rooster o Captain Beyond. Uno de los (muchos) buenos momentos del álbum.  Finalmente "To Wonder Life Alone" (5'40) es otro ejemplo de personalidad destacada en ésta desconocida banda. De fuerte calado general british, vuelven a destapar esencias Uriah Heep, Argent, Indian Summer, Fuzzy Duck o Julian's Treatment. Pienso que sus melodías Cali-rock hacen el resto para que el condimento suene así de espontáneo y natural.

Una maravilla de esas que no me encontraré en un rastro a diez pavos, no!!!
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Comfort Me 
2 My Love Is Gone 
3 Many Moods Ago 
4 Birt Of The Sun 
5 Islands 
6 Slippery 
7 Merry Crises 
8 To Wander Life Alone

Formación
Robert Sephton: Bajo, voz
Dennis Hovenden: batería
Robert Mitchell: guitarra, voz
Randy Kelley: teclados
 Chris Muis: voz




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THE MATT SCHOFIELD TRIO - Live At The Jazz Cafe 2005

Matt Schofield  es uno de los mejores guitarristas del blues británico actual. Admitido en el salón de la fama del Blues Británico ha llegado a actuar con gente como  Buddy Guy y Robben Ford. Mención especial a sus colaboraciones con  Dana Gillespie, Earl Green, Lee Sankey,  Ian Siegal, entre otros.


Matt Schofield nació en Manchester en 1977, comenzó a tocar la guitarra a los 12 años. Cuenta Matt que su padre antes de emigrar a Estados Unidos le dejó un vídeo de BB King que lo marcó de por vida. Su primer concierto llegó a los 18 años y en Londres estuvo como acompañante de artistas experimentados del blues británico. Su primer disco es un "en directo", The Trio Live", grabado en el club Bisdhop's Blues. Como le gustó el resultado un año más tarde graba otro "live", " Live at the Jazz Cafe". Posteriormente ha grabado cinco discos en estudio el último, Far As I Can See" (2014).


Este segundo disco en directo de Matt Schofield está grabado en el London Jazz Cafe  en Abril de 2005. La música que nos ofrece está llena de sonoridades donde el blues y el jazz se mezclan de forma perfecta. Referencia obligada podría ser Robben Ford. El "setlist" está compuesto por grandes versiones: Uncle Junior (Alan Evans),   It's Your Thing (The Isley Brothers), Cissy Strut ( The Meters),  Travellin' South y Lights Are On But Nobody's Home (Albert Collins), esta última una autentica maravilla. También podemos escuchar dos temas propios:  All You Need y On My Way. La réplica perfecta a los riffs de Matt la ofrece su organista Jonny Henderson con sonido a lo Jimmy Smith. La banda la completa el batería Evan Jenkins. Disfrute total.
J.C. Miñana







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