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viernes, 27 de mayo de 2016

DOKKEN - Tooth and Nail (1.984) (colaboración Christian Jiménez)

El grupo liderado por aquel carismático vocalista llamado Donald M. Dokken será uno de los más recordados de la época ochentera.
Siempre se tienen en cuenta antes otros nombres que representaron el “heavy metal” americano de mediados de década, tan dispares como Mötley Crüe, WASP, Quiet Riot, RATT o los glamurosos Bon Jovi, pero DOKKEN no sólo lo personificaron también, sino que además lo definieron, con cuatro LP's de una calidad apabullante, despuntando con este, su segundo, como una formación de puro “heavy” con un gancho comercial muy particular.

Nada menos que a mediados de los '70 estaba dando guerra ya Don Dokken, con su banda Airborn, donde se encontraba la base rítmica de la futura alineación de RATT, Juan Croucier y Bobby Blotzer, aunque siempre hubo cambios en el seno del grupo.

Al final de década grabaron su primer “single”, “Hard Rock Woman”, respaldados por el productor Drake Levin. Uniéndose al cantante angelino el guitarrista Greg Leon, el bajista Gary Link y el batería Gary Holland, el nuevo conjunto se fue a hacer las germanías y allí conocieron al productor e ingeniero de sonido de ACCEPT, Michael Wagener.

Éste decidió marchar a Los Ángeles para tomarse unas vacaciones, junto a la banda, que aprovecharon el momento para grabar algunas canciones más con Wagener tras los controles, cosa que luego lamentarían, ya que éste pondría ilegalmente en circulación bajo el sello Repertoire Records ese EP un poco más tarde, con el nombre de “Back in the Streets”.



Pero la línea se volvió a romper, yéndose Leon a probar suerte con unos tipos llamados Quiet Riot y Holland aterrizando en la primeriza formación de Great White. El experimentado guitarrista George Lynch (influenciado por gente como Michael Schenker, Muddy Waters y Randy Rhoads y pionero del “tapping” a dos manos incluso antes de que Eddie Van Halen lo popularizase) y el batería Mick Brown, llegados de una banda llamada Xciter, unidos al regreso de Croucier, pusieron rumbo junto a Don para seguir girando, y pasaron otra vez por Alemania, intentando fichar por alguna compañía. Les llegó la suerte al poco tiempo, gracias a Wagener y al manager de ACCEPT, Gaby Hauke, con los que siguieron grabando, siendo apadrinados por la discográfica francesa Carrere Records.


De esa fructífera conexión nació el primer disco del grupo, “Breaking the Chains”, grabado en los estudios Dierks en 1.981. Varias curiosidades sobre las acciones de los integrantes envuelven a este LP, como que las primeras ediciones no salieron bajo el nombre de DOKKEN, sino de Don Dokken, o que Peter Baltes, bajista de sus amigos ACCEPT, tocaría en casi todos los temas. Mientras, Dokken ponía su voz para los coros del “Blackout” de Scorpions, que estuvo a punto de sustituir a Klaus Meine por la afección de garganta de éste, y Lynch, Croucier y Brown se convertían en músicos de sesión ayudando al vocalista Udo Lindenberg.

“Breaking the Chains” hizo que los chicos empezaran ganándose a los “metalheads” europeos de la nueva década, antes que a los de los EE.UU., curiosamente, con un trabajo que recogía el testigo de la N.W.o.B.H.M., sonando un poco como una mezcla de los primeros Def Leppard y los RAINBOW del “Difficult to Cure”. Trallazos como “Live to Rock, Rock to Live” y “Breaking the Chains” se veían cara a cara con los más comerciales “I Can't See You!” o “Seven Thunders”, adelantándose a lo que las bandas americanas ofrecerían uno o dos años más tarde. Se podría decir que muy pocos sonaban como DOKKEN en aquel momento.

De vuelta a América se encargó del management Cliff Bernstein, quien les hizo entrar en Elektra Records con la idea de que se reeditara aquel primer álbum, cambiando el orden de las canciones y dándoles más publicidad.

El 18 de Septiembre de 1.983 salió la 2.ª publicación de “Breaking the Chains”, pero no fue el triunfo que la compañía se esperaba (sólo llegó al 136 en el Billboard, en un momento en el que “Metal Health” se alzaba con el primer puesto), quienes pretendían despedirlos y pasar a otra cosa.

Esto recayó en el tour que tuvieron que dejar por falta de fondos, siendo teloneros de Blue Öyster Cult, debido al fracaso de aquella maldita reedición. Gracias a los managers, que suplicaron a los ejecutivos de Elektra, DOKKEN fueron colocados entre la espada y la pared con la obligación de hacer un trabajo de éxito o irse a la puñetera calle lo más rápido posible (a veces, bajo circunstancias de presión, llegaban a salir muy buenos discos). Pero antes de seguir con ellos, Juan Croucier se fue otra vez a ver si tenía más éxito con Mickey Ratt, posteriores RATT, siendo reemplazado por Jeff Pilson, que venía de Cinema.

Además hay que nombrar la cantidad de veces que George Lynch era despedido y readmitido por el vocalista, el cual no llevaba bien la continua lucha de egos que ambos se disputaban. En esos lapsus, Don probó con Warren DeMartini (que si ya existía tensión con Lynch habría sido interesante ver a este guitarrista lidiando con Dokken) antes de que éste eligiera también RATT. George, por su parte, hacía demostraciones frente a Osbourne, quien perdió contra Jake E. Lee, para sustituir al recientemente fallecido Randy Rhoads.

La realización del segundo esfuerzo musical de los angelinos no sería precisamente un paseo por un camino de rosas (más bien sería por un campo de minas antipersona). Por los problemas de arrogancia de Lynch y Dokken la composición se dividió en dos grupos, por un lado estaban George Lynch, Mick Brown y Jeff Pilson y por otro este último y Don Dokken.

Por si fuera poco, el cantante quería que su (por aquel entonces) amigo Wagener se encargara de la producción, no obstante todos los demás se negaron, de modo que Elektra contrató al veterano Tom Werman, que había trabajado con Ted Nugent, Molly Hatchet y Mötley Crüe, entre otros.

Sin embargo, para aquel nativo de Boston la situación fue de lo más ardua, ya que tuvo que lidiar con los encontronazos de Dokken y Lynch en cada momento, sin contar sus ataques de ira descontrolados por el alcohol y cocaína que se metían entre pecho y espalda, y con el ingeniero de sonido Geoff Workman, cuyo comportamiento no hacía sino agravar la situación. Werman se acabó marchando de vacaciones, mientras Michael Wagener era inmiscuido secretamente por Don para ayudarle en sus partes vocales y Elektra se encargaba de meter en el ajo al también experto Roy Thomas Baker en sustitución de Werman...sin duda una auténtica jaula (musical) de grillos.


Y con todo eso, el 14 de Septiembre de 1.984 salió por fin el resultado de tantísimos conflictos y horas de insomnio; con una enorme tenacidad empleada y la lucha contra el despido como aliciente principal obtuvieron su recompensa, que se llamaría (muy apropiadamente) “Tooth and Nail”. Sin duda Elektra tuvo lo que buscaba, con el LP subiendo 87 puestos en el Billboard (desde el 136 del “Breaking the Chains” al 49 de este último), llegando a Platino en EE.UU. y con tres “singles” situados en puestos más que decentes en el Mainstream Rock Tracks, facturando (aunque accidentalmente) uno de los más espectaculares discos de “heavy metal”, con una combinación arrolladora de fuerza y comercialidad a partes iguales, resultado de haber contado con tres productores musicales de distintas miras y enfoques, adivinándose el lado más puramente “rockero” de Werman, con algunas vertientes de “speed” que son influencia directa de Wagener y ese toque final de escarceos melódicos entre “pop” y “glam” que sin duda era la marca de la casa de Baker.

Ese revoltijo de estilos hizo que DOKKEN se colocasen como una de las formaciones americanas clave para entender el paso del “heavy metal” más crudo al “glam metal” tan “light” y adictivo que tanta gloria alcanzaría poco después. Definiéndolo, su estilo podría catalogarse como “heavy metal” melódico.

Sus nueve canciones son perfectas muestras de calidad compositiva; asimismo, cuando uno conoce bajo qué circunstancias fueron compuestas llegan a estimarse aún más:


-Un intenso “riff” de guitarra acústica “in crescendo”, “Without Warning”, comienza para meternos en el sonido del disco. Se funde con unos teclados y una épica guitarra eléctrica, que rápidamente se queda en primer plano, haciendo que la tesitura del sonido crezca paulatinamente. Entonces llega, de forma inesperada, el tema que da título al disco, con Mick Brown desenfrenado y una muestra de “speed metal” que parece hecha por ACCEPT.


“Tooth and Nail” es la carta de presentación perfecta; acelerado, épico y con un poder “metálico” sin igual. Todo suena perfectamente cohesionado y los integrantes demuestran lo que valen como músicos, aunque sin duda el que se luce como nadie es George Lynch, con su solo a toda pastilla lleno de vertiginosos “licks”. La letra, muy apropiada para el momento que vivía el grupo, tampoco desmerece: “Una vida desesperada, conduciéndome a la locura, se va poner muy difícil. Todas nuestras esperanzas se ven colisionadas y los sueños que una vez tuvimos sólo vemos que se desploman. Desgarrando por el día, quemando por la noche. ¿Cuánto tiempo llevará romper este maleficio?; hay que ir a lo más alto luchando a brazo partido”. Convertida en estandarte desde que se compuso, este es, sin temor a equivocarse, el mejor y más famoso tema de DOKKEN, una pieza legendaria del “heavy metal” de los '80.


-“Single” muy popular en la época llegando al 27 en el Mainstream, “Just Got Lucky” crea un gran contraste con la anterior, siendo una de las más comerciales del LP.
Un estilo más “pop” y “glam” se desarrolla en el tema con ese “riff” tan conocido. La letra, que habla de una relación amorosa fallida que termina de manera muy melancólica con la chica, va perfecta con el sonido, con un aire a Def Leppard, aunque evidentemente más “heavy”.
-Podría haber sido “single”, pero no lo fue. Se nota que Roy T. Baker metió mano aquí.


“Heartless Heart” es otro corte de aires melódicos, con un estilo que presagiaba lo que Bon Jovi o ICON iban a hacer en años venideros, uniendo “heavy” y una vertiente muy “glammie”(coros incluidos) bastante emparentada con lo que habían hecho Quiet Riot en su “Metal Health”, por compararla con algo. No hay solo, pero la música y los estribillos son tan adictivos que uno se olvida de eso.


-El espíritu de Michael Wagener aparece en “Don't Close your Eyes”, un tema que no iría mal para los Scorpions o incluso para los Judas Priest de la era “Turbo”.
Goza de un estilo más “metálico”, sin embargo no tan duro como el “Tooth and Nail”, y la técnica de Mick Brown y Jeff Pilson, creando esa base rítmica tan armoniosa, es lo que más destaca de esta canción. Don Dokken sigue demostrando lo bueno que es, dentro de sus propias limitaciones, como vocalista.
Atención a la estructura, porque XYZ, grupo producido por el propio Don Dokken y que sacó su debut en 1.989, hace un “pequeño homenaje” a esta composición en su “Take What you Can”.


-Pesada y con la influencia de la producción de Tom Werman, “When Heaven Comes Down” es una pieza que no queda eclipsada por las otras. Tiene un ritmo más lento pero sus “riffs” y ambiente están llenos de ampulosidad y vigor.

Resulta un vaticinio curioso, donde DOKKEN parecen presagiarse a sí mismos y ofrecer un adelanto del sonido que practicarían años más tarde en su LP de 1.987 “Back for the Attack” (de hecho hay cierto parecido entre ésta y “Lost Behind the Wall”).

Las letras también son muy interesantes, rompiendo el cliché de la típica canción de “heavy” de la época (“Una confusión total, un pecado final, la religión y la codicia de alguien. Los accidentes suceden y a alguno hay que culpar, ¿quién tiene las respuestas que necesitamos? No sé en quien creer, pero sé quien me va a liberar, porque estaré esperando...¡cuando el Cielo se desplome! Hasta el día siguiente, ¡cuando el Cielo se desplome!”).



-De nuevo, en gran contraposición con la anterior, y en la misma línea que “Just Got Lucky”, se expone “Into the Fire”, pero se nota mucho la maña de Baker aquí.
La guitarra acústica de Lynch con unos envolventes sonidos de teclado unidos a la energía propia del tema, apoyada sobre todo en el solo y el tándem Pilson/Brown, hicieron de este corte un buen “single” que se puso el 21.º en el Mainstream Rock y que además formó parte de la banda sonora de la 3.ª parte de la saga de “Pesadilla en Elm Street”, junto a la otra también de DOKKEN, “Dream Warriors”.


-Quizás con “Bullets to Spare” la fórmula de comercialidad y poder “metálico” tan imperante en el LP empieza a repetirse demasiado.
Parece ser la canción de relleno, una casi clavada a la anterior “Into the Fire” y que si se mantiene decentemente es por su coreable estribillo, el solo tan épico de Lynch y, quizás la letra, que habla de una tórrida noche entre un hombre y una mujer, utilizando la metáfora de que él tiene un arma cargada, con su objetivo fijado, su mano a punto de apretar el gatillo y con la chica sin sentir miedo por lo que va a ocurrir (los músicos de L.A., como siempre, manifestando su sensibilidad).


-La que triunfó en los “charts” fue la épica “power-ballad” “Alone Again”, llegando al 20.º puesto en el Mainstream y al 64.º en el Billboard Hot 100.

El vídeoclip, que no dejaba de ser un cliché por entonces, con la banda tocando el tema en directo y sólo el cantante metido en la historia que narra la canción (la depresión que sufre un hombre tras una ruptura) tuvo mucha rotación en la MTV.

En general, vista con perspectiva, en la época de las “power-ballads”, esta composición tan melódica y poderosa merece permanecer entre las mejores de los '80 y de la discografía de DOKKEN. Don canta como nunca, con una profunda voz pletórica de fuerza y, como siempre, Lynch deslumbra a las seis cuerdas.


-Para terminar con un par de narices, como la buenísima banda de “heavy” que son, se desmelenan y rompen la calma de “Alone Again” con una muy cercana a “Tooth and Nail”, “Turn On the Action”.

De nuevo el “speed” influenciado por la producción de Wagener hace que los angelinos se pongan al rojo vivo para dejar a los fans sin respiración. Un fastuoso corte lleno de velocidad que resultaría el mejor para acabar con un concierto, con toda la audiencia haciendo “headbanging” y las yemas de Lynch volviendo a quemar las cuerdas de su Charvel.

Muchas revistas como Kerrang! alabaron a los chicos, infinidad de críticos colocaron a “Tooth and Nail” como un estandarte en el “heavy metal” y vital para comprender la transición que el género sufrió a mediados de la década de los '80 y los vídeos para los “singles” no dejaban de emitirse en la MTV. Y aunque 1.984 fuese un año en que surgían trabajos de bandas del mismo rollo a mansalva (tales como los debuts de Alcatrazz, Black 'N' Blue o RATT, y otras buenas obras como “Walkin' the Razor's Edge”, “Sign in, Please” o “The Blitz”), intentando competir unas con otras, fue DOKKEN una de las que más destacó.

A esto siguieron multitud de conciertos con otras enormes bandas (Y&T, KISS, Twisted Sister, DIO, LOUDNESS, etc.), la calurosa acogida de los jóvenes fans del momento, convirtiendo a DOKKEN en uno de los bastiones del género, y el hecho de que Don y George Lynch tenían que soportarse como fuera por sus fans, algo que seguiría percibiéndose en el seno del grupo.

Luego vendría el también Platino “Under Lock and Key” ('85), más enfocado hacia el “glam metal” y fueron subiendo cada vez más posiciones en el Billboard, hasta que llegó “Back for the Attack”, que quedó 13.º...
pero para ese entonces DOKKEN ya eran muy grandes.

(Mejor canción: “Without Warning/Tooth and Nail”).





Temas
1.Without Warning 00:00
2.Tooth and Nail 01:33
3.Just Got Lucky 05:14
4.Heartless Heart 09:48
5.Don't Close Your Eyes 13:18
6.When Heaven Comes Down 17:27
7.Into the Fire 21:12
8.Bullets To Spare 25:36
9.Alone Again 29:13
10.Turn On The Action 33:34




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jueves, 26 de mayo de 2016

Rock Progresivo en Japón: CINDERELLA SEARCH (colaboración Alberto Torró)

Entramos en una de las bandas típicas del sinfónico japonés de los
90 y por consiguiente muy occidentalizadas en su sonido. De entrada cantan en inglés y los pasajes no andan muy lejos de los
grupos que todos llevamos en la cabeza, tipo Marillion, Pendragón, IQ etc . No obstante los japoneses en general, ponen su característica y no vulgarizan todo en mera copia. 


En realidad si los escuchas atentamente, no se parecen demasiado a los grupos mencionados y son bastante más ricos en arreglos y composición de lo que a primera vista pudiera parecer. Yo diría que tienen bastante más gusto que unos Marillion o Pendragón por ejemplo y los arreglos, repito, como en el caso que nos ocupa, son bastante más elegantes y sofisticados. Ponen en lo que hacen una delicadeza que ni de lejos los neoprog británicos poseen.

El primer álbum de Cinderella Search es una pequeña joya sinfónica. Sin pretensiones ni exabruptos la música camina calma, con un violín solista cadencioso y amable en unas melodías muy cuidadas y deliciosas. El cantante sin ser nada del otro mundo, incluso algo lánguido, se ajusta perfectamente al entramado sonoro general y no hacen falta los gritos del Fish (Marillion) en ningún momento. El estilo romanticón por que no decirlo, te permite disfrutar de 50 mtos de música realmente bella y agradable. La pieza Remember You es antológica. Lástima que grabaron tan sólo dos discos. 
Discografía: 
Cinderella Search (1993)


Temas
1.- Siberia of Snow 00:00
2.- Don't You Feel Any Better? 08:48 
3.- I Got My Mystery 13:27 
4.- Fabliaux 19:16 
5.- Voice From the Universe .- Dulce Warning 23:47 
6.- The Grasshoppers Fly High 34:30
7.- Remember You... 40:29


                          Stories of Luminous garden (2001)
                                                      



Temas
1. Led Noa Departure 00:00 
a) Scene of the shelter 
b) March for the departure 

2. Two drifters 02:05
3. Knights of desert 08:59
4. Life's like a Roulette game 13:23
5. Snowfall 19:43
6. When the wind blows on Lavender Hill 26:30 
a) The reminiscence
b) My little blossom 
7. Mon ami Pierrot 35:10
8. Snowfall (Reprise) 39:24
9. Silent fairy dance 41:45
10. 88 46:55



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miércoles, 25 de mayo de 2016

KULTIVATOR - Barndomens Stigar (1980) (colaboración J.J. Iglesias)

Cuando hablamos de la fe y moral de adamantium de los grupos progresivos españoles de los 70, no debemos olvidar que ese mismo mérito  lo tuvieron también en otros muchos sitios. En 1978, en Linkoping, Suecia, unos locos que venían   de tocar en Tunnelbanan, grupo influenciado por Yes y Génesis, decidieron rizar el rizo. O mostrar todavía  más rebeldía en su propuesta.

Así que formaron KULTIVATOR, con influencias aún más  marcianas, extremas, bizarras, pero no por ello menos maravillosas. El sonido Canterbury, el francés  Zeuhl, elementos del folk sueco o el Rock In Opposition. Magma, King Crimson, Hatfield and the North, National Health, Henry Cow, Art Bears, Gentle Giant, Art Zoyd, Univers Zero...en sus propias palabras, fueron algunas de sus influencias. Una nueva "secta sónica " en la que solo cabían  los más atrevidos de orejas y mente. Kultivator se apuntó a ésta corriente, dejando los sinfonismos prog de anteriores aventuras. En un mundo perfecto, el verdadero punk, donde la radicalidad y extremismo instrumental hubieran sido la respuesta a tanta pompa anterior, hubieran sido estilos como los reseñados. No se me ocurre nada más "punk" que el R.I.O.Pero todos sabemos que no fue así. 

Stefan Carlsson (bajo, pedales de bajo), Johan Hedren (Rhodes, órgano, sintetizadores), Jonás Linge (guitarras, voz), Ingemo Rylander (voz solista, recorders, Rhodes) y Johan Svard (batería y percusión ), eran Kultivator. 

La delicada voz de Ingemo, que automáticamente asociamos a las de Bárbara Gaskin o Amanda Parsons, nos adentra en un país de las maravillas canterburyanas. Donde el piano eléctrico ante todo, la fina guitarra eléctrica con sus espasmos de violencia, y las matemáticamente intrincadas andanadas rítmicas hacen que nos sumerjamos en un mundo subterráneo de ensoñación progresiva surrealista sin límites. Son evidentes las influencias que ellos mismos proponen. Pero ponerse a ese nivel es elevar el listón muy alto. Y Kultivator rezuma ganas, técnica, pasión por el estilo y orfebrería churrigueresca artesanal. Todo muy humilde, pero espectacular.


Como un "The Rotter's Club" o un "Of Queues and Cures".
Los desarrollos instrumentales de "Kara Jord" (7"07), "Grottekvarmen " (7'05) o "Novarest" (6'14) no tapan a piezas más breves como "Vemod", "Hoga Hastar", "Varfol","Smafolket" o el tema titulo, donde la esencia folk sueca se deja notar con maravillosas melodías paganas, rústicas y del bosque encantado.
Este disco pronto se convirtió en una sabrosa pieza de coleccionista, llegando a altas cifras en ese mercado.


Ad Perpetuam  Memoriam lo editó en cd en los 90. Incluyendo una antigua composición , "Haxdans" (6'35), que se excluyó del álbum original por falta de espacio, y fue rehecha en el 92. Es otra joya a aumentar en el disco.

Existe un segundo bonus, una pequeña medley de los tiempos de Tunnelbanan, que procede del 79, en su primer concierto con Kultivator. Tan sólo  dieron unos 6 o 7 de éstos. Visto que la demanda popular se acercaba más  al punk y la new Wave. Tiempos erróneos. En un concierto en Motala tocaron ante tres personas, que pronto también se fueron. En esto también me recuerdan a los españoles.

En vista del panorama desolador que ofrecían las nuevas modas, decidieron separarse. Dejándonos esta joya atemporal para mimar, acariciar y visitar muchas veces.

Pura sanación reiki-mental para la estupidez urbana diaria.





Temas
1- Höga Häster 3:38
2- Vemod 2:38
3- Småfolket 5:13
4- Kära Jord 7:06
5- Barndomens Stigar 5:13
6- Grottekvarnen 7:02
7- Vårföl 2:53
8- Novarest 6:17

Bonus:
9 Häxdans 6:37
10 Tunnelbanan Medley 2:19
11 Novarest Live 12:23

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martes, 24 de mayo de 2016

TREE FOX – Rough Road (1.978)

Después de unos días  en estado catatónico debido a un virus intestinal, me apetecía escuchar música del tipo de la que realizaba Tree Fox, rock sureño alegre y divertido. 


Tree Fox se movió fundamentalmente por la zona de Albany, New York, durante la segunda mitad de la década de los 70. En el 76 editaron su primer single y en el 78 ve la luz de forma privada "Rough Road" del que se extrajeron dos temas para su edición nacional, “15/20” y “Wanderin’ Man”. La banda estaba compuesta por: Larry Quinn (voz, guitarra acústica),  Rich Ertelt (guitarra),  Leo Muzzy (guitarra, teclados), Eliot Collins (bajo) y  Bruce O´Keefe (batería).


Tree Fox nos ofrecen rock sureño con todos sus ingredientes. Buenas guitarras, gran teclista, magnífica sección rítmica y la gran voz de Larry Quinn. Podemos encontrar influencias de sus hermanos mayores Allman Brothers, The Marshall Tucker Band, etc. Temas destacados: "3 Day Weekend", donde hacen honor a sus influencias. " Some Woman's Man", gran blues con un finísimo guitarrista, Rich Ertelt. "Where Does that Leave Me ?, campestre total. Y por supuesto " Doin' What I Wanna Do", la esencia del rock sureño.






Temas
1. 15/20 00:00
2. 3 Day Weekend 04:04
3. Oh Linda ! 06:40
4. Some Woman's Man 09:27
5. Nothin' Ever Stays the Same 16:40
-
6. Where Does that Leave Me ? 20:26
7. Doin' What I Wanna Do 23:59
8. Wanderin' Man 26:57
9. Leavin' in the Mornin' 30:47
10. Rough Road 35:31

Formación
Larry Quinn :voz, guitarra acústica
Rich Ertelt :guitarra
Leo Muzzy: guitarra, teclados
Eliot Collins :bajo
Bruce O´Keefe :batería

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lunes, 23 de mayo de 2016

Ensayos sobre un sonido (EM):AGITATION FREE - Fragments (1974) (colaboración J.J. Iglesias)

Importantes bandas alemanas psicodélicos fueron la semilla de la que fructificaron los más notables sintetistas kosmische. Así,  de Ash Ra  Tempel saldría Klaus Schulze. De Popol Vuh , Florian Fricke. Organisation daría  pasó a Kraftwerk. Between a Peter-Michael Hamel o Agitation  Free a Christopher Franke o Michael Hoenig.

El verano del amor en 1967, vio nacer en Berlín a uno de los grupos más emblemáticos del luego llamado krautrock, Agitation  Free. Y ciertamente, su fulgor en activo, y estela posterior, han sido de recuerdo histórico. Un mérito,  dado el poco tiempo que se dio la banda. Tan sólo  dos álbumes fueron registrados estando en vida. El exótico y extraordinario "Malesch" (1972) y "2nd" (1973), ambos editados en Vértigo.

Un tercero grabado en vivo en el 74, "Last", se editó  póstumamente en el 76. De esos últimos  días  apareció  en 1995 en Spalax, "Fragments", también  en directo. Esta última  alineación  constaba de los fundadores Michael Gunther (bajo) y Lutz Ulbrich (guitarra). Además  de Burghard Rausch (batería ), -puesto que había  pertenecido antes a Christopher Franke- (hay que ver cuánto batería-sintetista salió  de éste género ), Gustav Luctjens (guitarra) y Michael Hoenig (teclados y un viejo amigo de ésta  sección ).

Esta grabación pertenece al 14 de noviembre de 1974, efectuada en el Studentenclub Eichkampf de Berlín. Un concierto gratuito para celebrar el último  evento musical de la banda. Que contó con casi todos los miembros del pasado e invitados y amigos. Fue una sesión  continua,  tocando en constante cambio de configuración  de miembros, con la improvisación como herramienta fundamental de trabajo. Afortunadamente, Klaus D. Muller (después mánager de Klaus Schulze), grabaría todo el concierto. Del que se eligieron estos temas para "Fragments" : "Someone's Secret" (17'14), "Mickey's Laugh" (10'00) - dedicada a otro visitante de esta sección,  Michael Duwe -, "We Are Men" (10'21) y el tema de estudio grabado para la radio en julio de ese año, "Mediterranean Flight" (4'00). Ésta  última muy en onda Máx Suñe en solitario.
Las jamás son pura lisergia auditiva, aunque no de difícil escucha. Ya que estos músicos coqueteaban, y después  se entregarían a ello de lleno, con el jazz y formas similares.

Las guitarras de Ulbrich y Luetjens juegan a entre cosas telas de araña eléctricas,  recordando poderosamente los vuelos sin motor de Jerry García y Bob Weir en Grateful Dead. De hecho fueron estandarte de la primera psicodelia alemana residiendo asiduamente en el Zodiac. La respuesta germana al UFO londinense.

Los teclados de Hoenig apoyan y colorean el espacio con notas tie-die,  mayormente al órgano y piano eléctrico. Ofreciendo junto a una jazzistica  sección  de ritmo, un muy fluido discurrir en sus magníficas improvisaciones.

Otros álbumes de similar factura a éste  son " At the Cliffs of River Rhine" (realmente la continuación  a éste ), o "The Other Sides of Agitation Free".

Lutz Ulbrich vivió durante un tiempo con Nico en Francia. Editó varios lps y se unió a Ashra. Michael Gurther y Gustav Lutjens fundaron la banda Lagoona e hicieron un tour por Dinamarca. Y Burghard Rausch formó  Bel Ami. De Michael Hoenig ya se ha hablado en anteriores "ENSAYOS..."

En el 2004 se volvió  a reunir esta misma formación  (30 años después! ), editando varios discos.


Agitation Free es esencial para entender toda la escena 70s alemana. Mejor comenzar por discos como éste  (o similares). Para luego comprender optimamente su obra maestra "Malesch".
...Porque la Agitación debe ser SIEMPRE Libre!!!

P.D.- " Se puede y se debe usar la máquina. Está  creada por el hombre y tiene alma de hombre". (MICHAEL  KAROLI - CAN).





Temas

1 Someone's Secret 18:13
2 Mickey's Laugh 10:00
3 We Are Men 10:20
4 Mediterranean Flight 4:03




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domingo, 22 de mayo de 2016

JIMMY SMITH - Root Down 1.972

Hammond B3 , instrumento maravilloso que durante las décadas de los 60 y 70 fue imprescindible en los grupos de rock. Uno de los pioneros que marcó el camino de su manejo fue Jimmy Smith representando una notable influencia para músicos de la talla de  Jon Lord, Brian Auger, Keith Emerson, etc.


Jimmy Smith nació Norristown, Pennsylvania, en 1.928. Un auténtico niño prodigio que a los nueve años ya ganaba concursos musicales. Se matriculó en la Hamilton School of Music para estudiar contrabajo. A principios de los 50 comenzó a desarrollar su amor por el Hammond B3 trasladándose a New York. En el 55 forma su propia banda, un trío. llegando a actuar en el Festival de Newport. Ficha para Blue Note y en el 56 edita su primer disco, "A New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ". Durante esta década realizó importantes grabaciones con estrellas del jazz,  Kenny Burrell, George Benson, Grant Green, Stanley Turrentine, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean, Grady, etc. También realizó grabaciones para bandas sonoras , "The Sermon" para la película. " Get Yourself a College Girl". Durante los 70 realizó multitud de giras influyendo notablemente en los teclistas del rock. Murió en 2.005. En definitiva un gran músico con una amplia y variada discografía.

La grabación nos muestra un pletórico Jimmy Smith actuando el 8 de Febrero de 1.972 en el Bombay Bicycle Club de los Ángeles. Su música navega fundamentalmente por el jazz con notable pinceladas blues y funk. El ambiente está claramente dominado por el sonido Hammond y el virtuosismo de Smith. Temas largos tipo "jam" donde tímidamente quiere abrirse paso Arthur Adams, guitarra, el cual pone su toque blues. La percusión de Buck Clarke también quiere participar de la fiesta. Temas destacados "Sagg Shootin' His Arrow" y por supuesto su gran éxito  "Root Down (And Get It), tema que los  Beastie Boys samplearon para su  "Root Down.".





Temas
1.- Sagg Shootin' His Arrow 11:47
2.- For Everyone Under The Sun 5:54
3.- After Hours 7:46
4.- Root Down (And Get It)  12:29
5.- Let's Stay Together 6:26
6.- Slow Down Sagg 10:30

Formación
Jimmy Smith: Hammond B3 
Paul Humphrey: batería
Wilton Felder: bajo
Buck Clarke: congas y percusión
Arthur Adams: guitarra
Steve Williams:armónica

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sábado, 21 de mayo de 2016

Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad:AZAHAR (colaboración de Félix Jota)

Grupo de Madrid formado en 1977 por el egipcio Dick Zappala,  que venía de colaborar en el disco “Ciclos” de Canarios y en la obra “Jesucristo Superstar”, interpretando el papel de Herodes. Lo acompañaba el músico uruguayo Jorge “Flaco” Barral, que en su país militó en los grupos “Días de Blues” y “Opus Alpha”. Aquí en España participó en el disco de Hilario Camacho “La estrella del alba”, tocó con Bueyes Madereros y junto a Joan Albert Amargós con Música Urbana. Con Gustavo Ros, que graba con Granada en el LP de Diego de Morón, y Antonio Valls, que venía de Paracelso, empiezan a dar forma a Azahar y graban su primer disco para la Serie Gong que dirigía García Pelayo, “Elixir”, en los Estudios Sonoland de Madrid. Música ácida y sinfónica, sin uso de batería.


 Para abrir boca “Campos de azahar”, con buenos riffs de guitarras y tremendas dosis de mellotrón y sintetizadores, de lo mejorcito del disco. A recordar su interpretación en el programa de TVE “Popgrama”. “¿Qué malo hay Señor Juez?” es un tema de denuncia en el que destaca la voz de Zappala y los toques de guitarra española. Le siguen las dos piezas mas experimentales, “¡Es que esto no tiene nombre!” y “Mercaderes”. “Un hombre cansado”, con algún toque flamenco, y “Cántaros de fuego”, con entrada folk y buenos solos de guitarra. Para cerrar la suite “Viaje a Marruecos”, más de once minutos divididos en tres partes, con toques sinfónicos y arabescos y alguna estrofa cantada en marroquí. Algún fragmento de estos temas fue elegido por Pelayo para la banda sonora de su segunda película, “Vivir en Sevilla”.

  Vuelven a meterse en el estudio para grabar “Azahar”, su segundo trabajo, en el que ya no están Flaco Barral ni Gustavo Ros, que ponen en marcha el proyecto Azabache, grabando otros dos discos. Son sustituidos por Manolo Manrique a los teclados y Willy Trujillo en la batería y percusión, antiguo integrante de grupos como Fly o Manantial. Cuentan con la colaboración del guitarrista Enrique Carmona, que anteriormente estuvo con Triana. El LP se abre con el tema más progresivo, “Expreso a Ketama”, con buenas guitarras y teclados. Los cortes siguientes, “La naranja y el limón” y “Noche de primavera” son más al estilo rock andaluz, aunque la voz de Dick Zappala les da un cierto aire moruno. “Zahira”, brillante instrumental con algún toque flamenco y “Bulerías de lujo”, con buen solo de batería de Willy y final jazzístico, dan paso a “El mago acidote”, casi diez minutos de buenos teclados y aires andaluces, el tema más largo y brillante. El disco acaba con “Aire y fuego”, al estilo Alameda y “Expreso de Ketama”, otro instrumental donde destacan los teclados.

  Hicieron varias actuaciones por toda España, siendo las más destacadas la de la Discoteca M&M de Madrid, en 1977 y la de la Plaza de Toros de Marbella en Málaga. Antonio Valls falleció en 2004 y Dick Zappala también nos dejó en Diciembre de 2009. Barral continuó ligado a la música con el grupo Raza, con los que graba un single en 1984, Labanda y el suyo propio Flaco Barral Trío. 

1ª FORMACIÓN:
DICK ZAPPALA: Voz, Solina y “Vasos de Agua”
JORGE “FLACO” BARRAL: Bajo, Guitarra Acústica, Española y Percusión
ANTONIO VALLS: Guitarra Eléctrica, Acústica, Española y Mandolina
GUSTAVO ROS: Piano, Sintetizadores y Mellotrón

2ª FORMACIÓN:
DICK ZAPPALA: Voz
MANOLO MANRIQUE: Teclados
ANTONIO VALLS: Guitarras y Mandolina
WILLY TRUJILLO: Batería y Percusión

DISCOGRAFÍA:
ELIXIR 
Movieplay-Gong 1977 Ref. 17.1235 LP
           Fonomusic 1997 Ref. CD 1402 CD
           Fonomusic/Dro Ref. 5046703222 CD Digipack



AZAHAR 
Movieplay-Gong 1979 Ref. 17.1536 LP
               Fonomusic 1997 Ref. CD 1423 CD
               Fonomusic/Dro 2006 Ref. 5046657795 CD Digipack






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