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John Dummer Blues Band - Cabal (1969)

John Dummer Blues Band fue una banda por la que pasaron multitud de músicos, de los cuales podemos destacar a Graham Bond, Tony Topham (primer guitarrista de The Yardbirds) y sobre todo el genial  Tony McPhee que ya pasó por nuestro blog cuando hablamos de THE GROUNDHOGS . El grupo también acompaño a notables bluseros,  Howlin 'Wolf y John Lee Hooker, en algunas de sus giras.


En 1965 John Dummer (armónica, voz) junto a Roger Pearce (guitarra) y Pete Moody (bajo), Bob Hall (piano) y Dave Bidwell (batería), forman el grupo. Cambios de personal desde el principio, Moody se va y entran los hermanos Walker , Tony (bajo) y Regine (voz).  Consiguieron actuar de forma habitual en el Studio 51 en Londres. En ese tiempo Dummer había pasado a la batería y se habían renovado la banda con  Dave Kelly (guitarra),Tony McPhee (guitarra),  Iain "Thump" Thomson (bajo) y John O'Leary (armónica). Firman contrato con Mercury Records y su primer disco, "Cabal", se edita en 1969. Al poco tiempo McPhee los deja para integrarse en The Groundhogs. Que lío de nombres y de formaciones. Editaron cinco discos más: "The John Dummer Blues Band" (1969),  "Famous Music Band" (1970), "Nine By Nine" (1970), "Blue" (1972) con portada de Roger Dean, "Oobleedooblee Jubilee" (1973) y "Lost 1973 Album" grabado en 1973 y editado en 2008 con la participación de Graham Bond. El grupo se separó en 1974.



John Dummer Blues Band nos ofrecen doce temas cargados de buen rock blues británico.  En el "setlist" encontramos verdaderos clásicos del blues: "Sitting And Thinking" (M. Waters), "Blue Guitar" (J.L. Hooker), "Young Fashioned Ways" (W.Dixon), "Hound Dog" ( J. Otis). "Welfare Blues  (L. Thompson). Gran labor vocal de Dummer con gran sentimiento que se alterna en algunos temas con Jo-Anne Kelly. El armonicista Jhon O'Leary también juega un papel importante en casi todos los temas. En cuanto a los guitarristas, Dave Kelly y Mcphee, fineza al cuadrado, como decía B.B. King "menos es más". Temas destacados " Low Down Santa Fe" ,"Welfare Blues",y por supuesto "Blue Guitar", sentimiento blusero por los cuatro costados.
J.C. Miñana




TEMAS
01. I Need Love 2:40 
02. Just A Feeling 2:50 
03. No Chance With You 3:12 
04. Young Fashioned Ways 3:11 
05. Sitting And Thinking 4:02 
06. Low Down Santa Fe 5:40 
07. When You Got A Good Friend 3:27 
08. Welfare Blues 4:10 
09. Hound Dog 2:59 
10. Blue Guitar 5:44 
11. After Hours 2:36 
12. Daddy Please Don't Cry 3:37 

MÚSICOS: 
John Dummer - drums 
Dave Kelly - guitar, vocals 
Tony T.S. McPhee - guitar, vocals 
John O'Leary - harmonica 
Keith Tillman, Thumper Thompson - bass 
Jo-Ann Kelly - vocals 
Bob Hall, Steve Miller - Piano



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ATTILIO MINEO - Man In Space With Sounds (1962 / JACK DIAMOND) (Serie Pioneros)

El 28 de Agosto de éste año, Attilio Mineo cumplirá 100 años. Convirtiéndose probablemente en el pionero electrónico vivo más longevo. Mineo venía de una formación clásica,  pero despunta en el mundo de las grandes big bands swing al estilo de Duke Ellington o Count Basie en los años 30 y 40. Aunque él estuvo en agrupaciones más humildes y menos conocidas. Compuso cinco sinfonías y cuatro cuartetos de cuerda, además de primeros scores  para los inicios de la televisión.  También destaco en el género del Musical, junto a su mujer Tony. 


En 1962 se le encargó  una obra para el Seattle State World's Fair. La típica expo para derrochar pasta  a lo tonto,  (80 millones de dólares  de los de entonces, costó ésta), para atrapar al personal con chorradas sin mucho sentido. Nunca he entendido estos ridículos dispendios, a no ser que sirvan para forrarse a alguien de las alturas, y no el "Man in Space", precisamente. Se da la circunstancia de que se van a cumplir 10 años que me tocó trabajar en una, la de Zaragoza, desde adentro. Sé de lo que hablo. Estoy altamente cualificado para echar por ésta boquita, sapos y culebras.....Volviendo al tema, el tío Attlio tampoco se lo curro mucho para la ocasión.  Esto es una constante a lo largo de los años. Entregando un trabajo que había compuesto en 1951. Grabaron la orquesta y un sinfín de efectos electrónicos  (o así ), y el resultado quedó de lo más molón. Claro que estamos en plena era espacial, lo futurista prima en el mundo, los Apollo están en todos los telediarios, y hasta John F. Kennedy asistirá al evento. La conquista del espacio tenía que estar bien presente.

Déjenme decirles que esa "idea futurista" prevalece en las expos mundiales de hoy en día. Pero prácticamente todas tienen su patrón y línea estética  tomada de éstos ilusionantes tiempos sesenteros. La verdad es que la de Seattle sí que era digna de "Futurama". Algo adelantado a su tiempo, con la inocencia de lo nuevo, algo encantador y muy kitsch. "Man In Space With Sounds" se vendía como recuerdo del evento. Pero también se usó para musicar el Bubbleator. Colosal ascensor hidráulico hecho de un cristal acrílico transparente con capacidad para 150 personas. Al fín y al cabo, fue "música de ascensor" para una situación poco convencional.

Descubrir ésta música se hace tan entretenido, que resulta pura diversión. Y un reencuentro con la juventud en mi caso, de cuando me empapaba en series como "Viaje al Fondo del Mar" o "Tierra de Gigantes". Imagina una banda sonora de peli de marcianos con aspecto de Bender, pero de los años 50 en blanco y negro. Una música que reúne influencias contemporáneas,  George Gershwin y todo tipo de arreglos  y efectos electrónicos  propios de Cage o Stockhausen. Es un viaje retro en toda regla, que a veces resulta inquietante y no para todos los públicos,  como estaba previsto su uso. Puro Space Age / Cosmic Exótica en la línea de soundtracks más propios de Bernard Herrmann y pelis del estilo de "The Day the Earth Stood Still", "Forbidden Planet" o "The Time Machine" . La feria ésta  les vino muy bien para fantasear y promocionar el próximo paso de el hombre en la Luna. La obra de Attilio Mineo, considerada hoy como un clásico  de ésa era, fue adecuada y practicamente perfecta.


Aquella maravillosa ciudad artificial futurista  de 75 acres, acabó como suelen acabar todas éstas mierdas, convertida en un estercolero. Y el famoso Bubbleator, (que costó 70000 dólares su construcción ), fue vendido por 5100 y recolocado en una granja privada de Redondo como terranium. El disco de Mineo corrió mejor suerte, ganando fama con el paso de los años y siendo objetivo de coleccionistas de todo el mindo.

Orgullosamente podemos decir que fue la primera referencia de los barceloneses Wah Wah Records en vinilo, allá por 1998. Modern Harmonic lo ha vuelto a editar en el mismo formato hace un año.
Un verdadero artefacto de otro mundo que se escucha hoy con verdadero placer, situándolo en su correcto contexto.
Y una pequeña obra maestra de su tiempo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. 00:00:00 Attilio Mineo Welcome To Tomorrow
2. 00:03:06 Attilio Mineo Gayway To Heaven
3. 00:05:47 Attilio Mineo Soaring Science
4. 00:09:20 Attilio Mineo Mile-A-Minute Monorail
5. 00:10:58 Attilio Mineo Around The World
6. 00:13:59 Attilio Mineo Century 21
7. 00:16:05 Attilio Mineo Man In Art
8. 00:19:50 Attilio Mineo The Queen City
9. 00:22:19 Attilio Mineo Man Seeks The Future
10. 00:25:42 Attilio Mineo Boeing Spacearium
11. 00:29:11 Attilio Mineo Science Of Tomorrow
12. 00:32:05 Attilio Mineo Space Age World’s Fair
13. 00:33:00 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (1)
14. 00:35:50 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (2)
15. 00:38:21 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (3)
16. 00:41:39 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (4)
17. 00:43:01 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (5)
18. 00:45:51 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (6)
19. 00:47:42 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (7)
20. 00:51:16 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (8)
21. 00:53:31 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (9)
22. 00:56:41 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (10)
23. 00:59:51 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (11)
24. 01:02:30 Attilio Mineo Man In Space With Sounds (12)






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The Electric Flag - Live at Carousel Ballroom 18/05/1968

The Electric Flag fue un grupo que no llegó a desarrollar todo su gran potencial. Teniendo en sus filas a Mike Bloomfield (guitarra), Nick Gravenites (voz), Buddy Miles (batería,voz), Barry Goldberg (teclados), Harvey Brooks (bajo), Kerbie Rich (saxo barítono) ,Marcus Doubleday (trompeta) y  Peter Strazza (saxo tenor), las drogas y los problemas personales acortaron notablemente su carrera.



El grupo se formó en 1967 moviéndose fundamentalmente por la zona de San Francisco. Su primer proyecto fue la banda sonora para la película "The Trip" teniendo como protagonista al actor Peter Fonda. Mike Bloomfield compuso todos los temas que se grabaron en diez días. Participaron en el Festival de Monterey y los problemas con las drogas empezaron a aflorar. Goldberg abandona la banda siendo sustituido por Michael Fontana que dura unos pocos meses. Continuos cambios de formación hasta llegar a la grabación de su primer disco, "A Long Time Comin'", en marzo de 1968. Los problemas continuaban dando como resultado la salida de Bloomfield y desencadenando el final de la banda. En 1974 lo volvieron a intentar editando, "The Band Kept Playing" pero dado el poco éxito comercial solo dieron algunos conciertos esporádicos.


Nuevamente Bill Graham organizando conciertos en su Carousel Ballroom.  Los días 17, 18 y 19 de Mayo de 1968 actuaron Pacific Gas and Electric, Don Ellis and His Orchestra y por supuesto The Electric Flag. Una buena dosis de buen rock blues jazz fusión con una magnífica sección de viento. El show comienza con dos instrumentales donde Peter Strazza , Kerbie Rich y Marcus Doubleday campan a sus anchas. Por problemas de sonido la guitarra de Bloomfield se oye un poco alejada. Continúan con un tema de su primer disco, "Texas", con Body Miles cantando, sentimiento blusero a tope. "Hey Joe" comienza de nuevo con problemas de sonido, En el siguiente tema, "It Takes Time ", es  Nick Gravenites el que asume el papel vocal. Llegamos a un clásico de Otis Redding, "I've Been Loving You Too Long", donde realizan una versión de algo más de ocho minutos. De "Another Country", un nuevo corte para empalmar con "Ain't No Doctor" con un Blomfield realmente inspirado en sus fraseos bluseros. Nuevamente una gran versión, "Don't You Lie To Me" (Albert King). Finalizan con "Soul Searching", con sonidos funky. A pesar de la deficiencias sonoras creo que merece la pena.

En 2015 la discográfica Rockbeat Records editó un concierto de The Electric Flag celebrado el 21 de Mayo del 68 . El sonido es muy bueno y tiene la participación de Erma Franklin, la hermana de Aretha.
J.C. Miñana




Temas
1. opening instrumental 00:00
2. instrumental 01:40
3. Texas 05:38
4. Hey Joe 12:40
5. It Takes Time 17:17
6. I've Been Loving You Too Long 25:00
7. Another Country 33:23
8. Ain't No Doctor 35:28
9. Don't You Lie To Me 39:48
10. Soul Searching 47:25



Temas
00:00 Uptight (Everything’s Alright) 3:49 
03:49 Day Tripper 3:13 
07:01 Driving Wheel 7:45 
14:46 The Theme 16:12 
30:58 Goin’ Down Slow 2:24 
33:22 Instrumental Jam 8:36 
(Erma is introduced)
41:58 Big Boss Man 3:07 
45:05 Dr Feelgood (Love is a Serious Business) 5:34 
50:39 Medley 4:04 
54:43 Piece of My Heart 3:28 
58:11 Hold On, I’m Comin 7:35 
1:05:46 Everyday I Have The Blues 7:09 
1:12:55 Killing Floor (cuts out) 5:39 



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MOCKER'S - Beats of Freedom (2017 / MOCKER'S) (Rockliquias Bandas)

Desde las frías tierras de Durango (Vizcaya), Mocker's vienen calentando el ambiente allá donde quiera que pisan. Formados en 2010, se trata de un vigoroso power trío formado por Jon García  (voz y bajo), Asier Elías  (batería y percusión) y Ritxi Blanco (guitarra y Hammond).


Su primer álbum fue "Percute Animas" (2014), y ya puso sobre aviso a todo aficionado inquieto por el hard rock 70s. Ahora editan "Beats of Freedom", en una revisión de su estilo, bregado en importantes batallas en los últimos tiempos. Al lado de The Darkness, Cápsula,  Los Brazos, The Capaces, o en el Mundaka Festival 2016 con The Waterboys, Danko Jones o The Sheepdogs.

Su juventud les ayuda a crear un monstruo hard blues psych de repertorio superlativo. "Beats of Freedom" fue producido por la banda y Martín L. Guevara (Capsula), y grabado como debe ser, en analógico.  Eso no hace más que embellecer unas canciones ya de por sí poderosas, resultonas y de largo recorrido. No es música "fast food", puedes estar tranquilo. 


"Guilty of Being White" me recuerda, no sé porqué,  a correosos ilustres  australianos como Buffalo, The Human Instinct o  Master's  Apprentices. 

En "Fuzzilic Brain" ese punto macarra power garagero gana puntos con el veneno del wah wah inundando un corte adictivo y definitivo. 

En "One Day" se decantan por un hard rock psicodélico al estilo de The Pretty Things, etapa Swan Song. Bajo y batería marcan bien la huella apisonadora, en otro "mamut sonoro" de eficaz demostración. Ritxi Blanco tira de catálogo Joe Perry, pero eso reivindica la autenticidad rocker del trío. 


El medio tiempo de "New Age", que bien poco tiene que ver con ésas  músicas, alcanza una épica sincera y espectacular. Para acelerar vibraciones Detroit en su parte final. 

Otro trallazo de metralla sonora es "Radio", que me recuerda a los legendarios Angel City, (o The Angels), otra banda australiana a reivindicar, con la que sigo disfrutando como el primer día. 

De nuevo veo influencias bien asimiladas,  y regurgitadas al estilo Mocker's, de los Aerosmith 70s en "Be Mine". Hard blues callejero con la chulería y el desenfado cheli propios de otra joya. En un cofre repleto de ellas. 

"Something Else" le da de nuevo a la palanca retro para llevarnos a sensaciones similares a ilustres tríos hard psych, del calibre de Grand Funk Railroad, Dust, Terry Brooks & Strange o Bang. Magnética y distinta. 


Finalizamos con los casi nueve minutos de "(R) Evolution", incluyendo el fiddle y cello de Ane Ibarra y Nerea Aizpurua. Dando un toque sorprendente de exquisitez y clase compositiva. Mocker's quieren darnos un último mazazo de genialidad, con ésta extraordinaria exhibición de melodías y superior instrumentación. 
Algo que deja abierta la gran interrogante de que la carrera de éste grupo, no ha hecho más que empezar. 

Atreviendose con esto, Mocker's demuestran ambición,  amplitud de miras y universos creativos dispuestos a ser explorados. Excelentes.
J.J. IGLESIAS


Temas
1.
Guilty of Being White 00:00 
2.
Fuzzilic Brain  03:14
3.
One Day  06:05
4.
New Age  09:58
5.
Radio  14:49
6.
Be Mine  18:52
7.
Something Else   23:12
8.
(R)Evolution  28:13



Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - Io Sono Nato Libero (1973)

El tercer álbum sería la culminación de su legendaria trilogía. Habían conseguido tal perfección en su estilo sinfónico, que este disco desborda lo mejor de la banda italiana. No tendría inconveniente en afirmar que es mi álbum favorito de Banco seguido muy de cerca por los dos anteriores desde luego. A Keith Emerson y a Greg Lake les pasó lo mismo. Keith asistió a una audición del grupo en Venecia en torno a 1974 y quedó maravillado de ellos al punto de ofrecerles un contrato para su flamante Manticore Records. Al igual que la Premiata fue el segundo grupo italiano en traspasar fronteras y en descubrirnos a los sinfónicos el pletórico mundo que se gestaba en el país de la pizza y la tarantela.


 El “Canto nómada para un prisionero político” con sus 15 gloriosos minutos es una obra maestra del progresivo sinfónico de todos los tiempos. Su riqueza compositiva compite con lo mejor del estilo. Sus ritmos y complejos cambios nos muestran una vez más lo que fueron los setentas y el ridículo ensombrecimiento de los  tiempos actuales. La naturalidad y mano firme con que se hacían aquellas composiciones, que dejaban respirar a la música y a su cadencia natural, sin los atropellos, ni los pegotes forzados de ahora, sin gusto ni feeling, nos descubre porqué entonces la música se hacía con corazón y convencimiento y ahora solo es una mala copia forzada. Yo soy duro y mucho, con el presente del progresivo y mi apreciación hacia nuevas bandas es muy restringida. Me cabrea pensar que los jóvenes del moderno prog piensen que el rock progresivo clásico “ha muerto” como afirmaban en ciertos blogs. Si la música clásica no ha muerto porqué tendría que haber muerto el rock de los setentas…?. Que pasa…? nos cargamos a Prokofiev, a Stravinsky, a Bartok, a Ravel o a Mahler porque están muertos…?. A Zappa, Coltrane o Davis por lo mismo…? a ELP…? a Gentle Giant…? a Soft Machine…? Porque son viejos o ya no existen…? Y a tantos y tantos otros…?. Pensareis que soy un viejo nostálgico de la música. Efectivamente y se lo digo a muchos que pensaban que no había vida antes de los Dream Theater o de Steven Wilson o de Opeth. Me salgo del tema amigos y lo sé, batallitas del yayo Torró. 

“Non Mi Rompete” es quizás la balada más conocida de Banco. Recuerdo que por aquellos tiempos mi buen amigo  el comentarista de la revista Vibraciones Julio Murillo y yo, la comparábamos con el “From The Beginning” de Greg Lake más por el final de moog solo que por otra cosa.


 “La Cittá Sotile” es un sofisticado ejercicio de música intrigante, refinada y misteriosa. Algo muy habitual en Banco cuando parten de cierta seriedad académica y vanguardista al mismo tiempo.

El “drama” casi operístico de “Dopo…Niente e Piu lo Stesso” es un ejercicio complejo de otra forma de entender el rock progresivo hacia aspectos más sinuosos y oscuros y muy lejos de las premisas alegres del prog británico si exceptuamos a Van der Graaf Generator. Di Giacomo tiene un papel vocal difícil y extraño en esta pieza cuidadosamente construida casi al borde de un divo operístico. La base del tema es puramente clásico y preciosista. Una perla en estado puro y solo para músicos de verdad. 

Esta joya termina con Traccia II. Una maravilla sinfónica demasiado breve, que uno anhela en más minutos, pero así fue. Suena como un pasaje del antiguo Imperio Romano, aunque la música pertenece sin duda al estilo barroco. Demasiado corta. Una pena. Obra maestra imprescindible para los sinfónicos.
Alberto Torró



Temas
00:00 Canto nomade per un prigioniero politico
15:45 Non mi rompete
20:52 La città sottile
28:04 Dopo... niente è più lo stesso
37:59 Traccia II





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MAGMA - Üdü Wüdü (1976)

La segunda mitad de la década de los 70´s supone para Magma un cambio un tanto drástico en su estilo y concepción de lo que ellos entienden por música zeuhl. Vander había sufrido una importante desbandada dentro del seno del grupo. No en vano los cambios de formación salvo piezas de ajedrez básicas como Janik Top o Klaus Blasquit, aparecen y desaparecen de un disco para otro, así como nutridas colaboraciones de músicos que se unen en piezas concretas. 

En realidad Üdü Wüdü es un disco sin “banda sólida” con diferentes intervenciones en cada tema. Bien. En este sentido por vez primera Vander abandona sus historias épicas y en la primera cara del vinilo baja el listón hacia canciones cortas e inconexas que incluso sorprenden por sus cambios estilísticos de estilo musical.

 El tema inicial te descoloca totalmente. Sobre un ritmo de corte étnico, africano o incluso caribeño, la melodía resulta pegadiza y hasta bailable. Es una canción estructurada de tal forma, con su coro, estribillo y arreglos festivos de metal. A no ser por lo inconfundible de la voz de Stella, diríase que no son Magma, que nos los han cambiado. No sé que pasaba por la mente de Vander en ese momento pero el giro hacia funk casi salsero nos hace pensar más en un Santana bizarro que otra cosa. Los tiempos empezaban a cambiar y Vander estaba a la búsqueda de nuevos sonidos y nuevas formas de expresión. 

La siguiente “Weidorje” cambia completamente de registro, pero tampoco es lo que esperaríamos de la música de Magma, hay algo de convencionalismo en la estructura musical impensable en otros tiempos. El sintetizador hace su aparición en la música del grupo más como un instrumento envolvente sobre coros repetitivos y pesados que no se definen hacia ninguna parte. Magma se contenta con cuatro minutos por canción. 

“Troller Tanz” no mejora la cosa y parece más una broma paranoica que una canción. Textos medio hablados, bajo ultra distorsionado y una melodía que nos resulta casi familiar al estilo Henry Mancini. No acabo de entender lo que pasa en este disco sinceramente.

 “Soleil D´ork” vuelve a mezclar el funk con cánticos tribales que parecen nómadas del desierto en estado de trance completamente monótono que afortunadamente solo dura tres minutos. 


La pesadilla magmática queda para el final con dos piezas terribles de escuchar: “Zombies” para acabar la primera cara y una segunda cara ocupada en 18 mtos con la pieza “The Futura”. Los caminantes muertos están representados en una melodía amenazadora y siniestra llena de fuerza rítmica y que está mucho más próxima al estilo real del grupo. El sonido es denso, áspero, pero logra atrapar al oyente. “Zombies” sería en el futuro un movimiento desarrollado en la épica tercera parte de “Köntarkosz” bajo el nombre de “Ëmëhntëhtt Ré”. “The Futura” es una larga pieza compuesta por el bajista Janik Top y es de un retorcimiento sonoro cercano a la pesadilla o a un futuro distópico de paradojas temporales. El sonido es de una densidad terrorífica con empleo de sintetizadores oscuros, con un bajo monolítico y pesado como una losa funeraria y distorsionado sin piedad alguna en un ritmo casi matemático. Es música terrible, sin esperanza ni luz por ningún lado, pero comparándola con las piezas inocuas y absurdas de la primera cara, podemos hablar con propiedad de que esto sí es Magma. Blasquit es el demonio en persona atormentando a los condenados al infierno. Puedes llegar a odiar esta pieza cuando la escuchas por primera vez, cosa que va cambiando conforme tu mente va aceptando el mensaje casi enfermizo y obsesivo que trasmite. Una de las piezas más duras de Magma sin ninguna duda y al mismo tiempo misteriosamente adictiva, aunque al final ya resulta algo cansina y repetitiva. 

No sé, si los seguidores acérrimos de la banda estarán muy de acuerdo conmigo. Probablemente no. Porque a mí la primera cara de este disco me resulta algo aburrida para lo que estoy acostumbrado de ellos y un cambio tan radical de un disco para otro es un riesgo para todos. Un trabajo de transición. Este disco lo encontré recientemente en una feria, con lo que mi discografía vinílica de Magma va creciendo despacio, pero segura. No son fáciles de encontrar los Lp´s del grupo, maldita sea.
Alberto Torró



Temas
1. Udu Wudu 0:00
2. Weidorje 4:13
3. Troeller Tanz 8:51
4. Soleil d'Ork 12:34
5. Zombies 16:28
6. De Futura 20:44





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YES - Topographic Drama - Live Across América (2017 / RHINO)

Hagamos un pequeño resumen de lo publicado, de lo que nos queda de Yes. Mi grupo favorito de siempre, se resiste a morir. Y la verdad es que ni que estuvieran defendiendo El Álamo. La serie "Like It Is" trajo dos dobles en vivo (en cd). En el 2014 recreaban "The Yes Album" y "Going For the One". En el 2015, "Fragile" y "Close to the Edge". Difíciles plazas. Sirvieron para comprobar que la bonita voz nasal de Jon Davidson pasaba el examen holgadamente. Y que el pobre Geoff Downes aprendía un curso intensivo de "cómo estar a la altura en el puesto de Rick Wakeman, sin morir en el intento". Le vino bien. Hoy es mejor teclista, te lo aseguro. Tras el parón guardando luto en el 2016, nuevamente tenemos doble cd (triple LP), recreando "Drama" y la mitad de "Tales...".

"Topographic Drama" fue grabado en distintas localizaciones del Tour por USA. Es el primer disco en la historia sin Chris Squire. Lo hizo bien el hombreton hasta post-mortem. Billy Sherwood es un perfecto sustituto al bajo, y unas cuerdas vocales muy similares.
Ahora me pongo capcioso y un poco borde. Tenemos a una formación con tres miembros de Asia ("Yesia"?) con Howe/Downes/Sherwood. Y dos de World Trade (Sherwood/Schellen, en apoyo a los achaques de espalda de White, que ya no está para muchos trotes, y lo sabe). Ningún miembro original de Yes. A pesar de esto, yo soy de los defensores de los "Like It Is"-series, - aunque éste último no lleve el sobrenombre -. Me gustaron, aceptando que son otros Yes, otro capítulo de la saga-culebrón,  y que tenía que ser así. Porque estaba el jefe que dictaminaba ese paso. Ahora bien, el rey ha muerto. Y otro Yes es posible. Un único Yes.


Con eso no pretendo decir que éste nuevo live no esté a la altura, que lo está.  Casi más que los anteriores. Al fin y al cabo hay tres músicos dueños de "Drama", y eso se nota. Máxime cuando Downes no se ve presionado a ser lo imposible, Rick Wakeman. Así que éste disco se recrea a las mil maravillas. Tampoco Davidson tiene muchos problemas para estar en las botas de Trevor Horn. Incluso se permiten ligeros cambios en arreglos y detalles.


 Elegir éste título fue un acierto,  viendo que el arsenal andaba algo tocado. "Machine Messiah" (11'17) suena poderosa. "White Car" (1'25), demasiado breve. "Does It Really Happen?" (7'21) magnífica, con cuatro cuerdas y coros de Sherwood emulando con precisión al añorado amigo. "Into the Lens" (9'02) eterna y segura. "Run Through the Light" (5'08) es un temazo olvidado y vuelto a descubrir. Y "Tempus Fugit" (5'59) sencillamente increíble,  sin que le afecten los años. Se permiten también traer clásicos de otros discos. "And You and I" (11'14), 'Heart of the Sunrise" (12'18), "Leaves of Green" (6'04) (Howe en estado de gracia, a pesar del tiempo.....cómo lo hace éste hombre?), "Roundabout" (8'35) y "Starship Trooper" (11'45). Revisiones notables, con momentos memorables, casi sin queja alguna.

.....Lo sé,  no son los clásicos Yes, pero eso nunca podrá ser ya. El Tour de Force de "The Revealing Science of God" (21'57) y "Ritual" (24'39) sorprende por su seguridad y buen empastamiento. No muchos músicos de su edad podrían con éste complicado material. Ésta nueva versión de Yes ya lleva un buen rodaje, y se les ve cómodos.  Hasta Downes, en su eterna misión imposible. Probablemente es el mejor de los tres lives de la serie "full albums". 

Aunque si eres un inconsolable, no estarás de acuerdo. Vale, yo también traería de vuelta a Jon Anderson. Y a Oliver Wakeman (pudiendo tener la versión joven, porqué traer a papá? ). Y hasta a Jean-Luc Ponty. Dejaría a Trevor Rabin con sus scores de blockbusters. Y a Downes con sus Asia. Y ya puestos, pondría a John Payne donde por derecho le pertenece, en el micro y al bajo de éstos. Pero quién sabe cómo seguirá la soap -opera afirmativa......De momento, Dylan Howe apoya con sus baquetas a un White que debería hacer lo que Neil Peart o Bill Bruford. Y otra de bombero: Próxima remezcla de "Fly From Here" con Trevor Horn a la voz. Recuérdese que ese disco lo produjo en su día él mismo. Otro absurdo paso en una larga historia llena de ellos. Así son Yes, mon ami. Tómalo o déjalo. 
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Machine Messiah - 00:00
02. White Car - 11:16
03. Does It Really Happen? - 12:40
04. Into The Lens - 20:03
05. Run Through The Light - 29:05
06. Tempus Fugit - 34:14
07. And You And I - 40:13
08. Heart Of The Sunrise - 51:27
09. The Revealing Science Of God - 01:03:40
10. Leaves Of Green - 01:25:27
11. Ritual (Nous Sommes Du Soleil) - 01:31:30
12. Roundabout - 01:56:13
13. Starship Trooper - 02:04:45





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