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MOM'S APPLE PIE - Mom's Apple Pie (1972 / BROWN BAG)

Aquí traemos un disco que ha pasado a la historia más por su portada, que por su excelente música. Y es que la ocurrencia del ilustrador Nick Caruso de "disimular" una vagina en el "pastel de manzana de mamá", tuvo su polémica.  Aunque casí esté al nivel del pecho de la libidinosa señora. Algo más propio de éste país que de los por entonces, libertinos USA. Mucho más aparentes en ése sentido serían las portadas del "Come an 'get it" de Whitesnake, o el "Cherry Pie" de Warrant. Éste directamente inspirado por el arte del disco que nos ocupa,  pero con el "pastel en el sitio correcto". Hasta un par de portadas distintas saldrían en posteriores ediciones, siendo tan coleccionables como la original.


Mom's Apple Pie eran una banda de diez miembros procedentes de Warren, Ohio. Una multi-banda con sección de viento,  al modo imperante del éxito de las dos formaciones que encabezaban esa fuerte corriente Brass Rock : Chicago Transit Authority y Blood Sweat & Tears. Hubo muchas más,  de hecho, algunas de las menos conocidas ya han aparecido por ésta casa. La parte "huracanada" estaba compuesta por Roger Force (saxo y flauta), Fred Marzulla (trombón) y Bob Pinti  (trompeta, voz). Con dos cantantes, Tony Gigliotti y Bob Fiorino (destacando éste último). Dos guitarras,  Joe Ahladis y el tremendo Bob Miller. Dave Mazzochi era el teclista y voz. Pat Aulizia el batería  y Greg Yochman el bajista. Y creo que no me dejo a nadie. Fueron descubiertos por el mánager  (algo mafiosillo él ), Terry Knight. Efectivamente,  el que encumbró a Grand Funk Railroad, y luego los llevó de calle. También a Bloodrock. Pero a diferencia de estos, que los enchufo en Capitol, a Mom's Apple Pie los metió en su pequeño sello, Brown Bag Records. De ahí la dificultad del disco.

Con todos éstos datos, no sorprenderá que la inicial versión de Willie Dixon, "I Just Want Make Love to You" (5'32), sea una hábil mezcla de Chicago y Grand Funk. Con una guitarra de tinte hendrixiano en su comienzo, y avalancha Hammond / Horns section en su continuación. La voz de Fiorino tiene ese fuerte acento Soul que tan bien sabían imitar algunos blanquitos en éste contexto, Blue Eyed Soul, que se llama. Un comienzo lleno de fuerza y buen solo de saxo, muy buen trabajo de guitarras y gran apoyo del órgano.

 "Lay Your Money Down" (5'50) es proto-prog de excelente coral, elástica rítmica,  (atención al bajo), y guardaespaldas cualificados en el Hammond y viento. Veo claramente la semilla de lo que luego desarrollarán bandas como Kansas.

La faceta campestre, con acústicas y flauta, viene dada por "Good Days" (4'39). Con deliciosa voz y armonias, flauta a la Ian McDonald y excelente hippie feel.

El blues psicodélico se cuela con "People" (4'28), otro punto fuerte del momento, con instrumentación poderosa al estilo de Pacific Gas & Electric o hasta los primeros Deep Purple,  (voz y guitarra nada tienen que envidiar a Evans / Blackmore). Y los soplidos quedan como arreglos, en un segundo plano muy de agradecer.


Damos la vuelta al "pastel vinilico", y "Dawn of a New Day" (3'52) es otro poderoso corte entre Vanilla Fudge y Heaven. Con la guitarra haciendo diabluras dignas de Terry Kath. Lo mismo tenemos en "Happy Just to be" (2'57) y "Secret of Life" (3'39). Ésta en una primera onda Bloodrock, con su poderosa sección de trompas, puro BS&T (época "New City"). Dinamita marca acme.
Finalmente una versión del "Mr. Skin" (5'32) de Spirit llevada a su terreno, concluye un redondo debut que tendría seguimiento al año siguiente con "Mom's Apple Pie II". Girando activamente y tocando desde con Doobie Brothers a David Bowie. Desde el Whisky A Go Go angelino, hasta el Madison Square Garden en NY.

Su separación tendrá lugar a mitad de década, no sin antes dejar grabado material para un tercer álbum nunca editado.......hasta el 2011 !!! Existen planes para una edición conjunta con los tres elepes,  que no estaría nada  mal, en un triple vinilo.

Al margen del "asunto coñeril", éste disco es una estupenda rodaja chorreante (ejem) de buen brass rock, proto -prog y algún latigazo hard, de sabor exquisito.
Que aproveche,  el pastelito.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 I Just Wanna Make Love To You 5:32
A2 Lay Your Money Down 5:50
A3 Good Days 4:39
A4 People 4:28
B1 Dawn Of A New Day 3:52
B2 Happy Just To Be 2:57
B3 Secret Of Life 3:39
B4 Mr. Skin 5:32




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TARGET - Target 1976

Cuando hablamos de Target nos referimos a la banda formada en Memphis, nada que ver con el grupo de thrash de origen belga de mediados de los ochenta, ni tampoco de otra banda surcoreana del mismo nombre. Su cantante Jimi Jamison  posteriormente entraría a formar parte de Survivor.


El grupo nace en Memphis en 1974 teniendo en sus filas a Tommy Cathey (bajo), David Spain (batería), Buddy Davis (guitarra), Paul Cannon (guitarra) y Jimi Jamison (voz). Consiguen contrato discográfico con A & M Records y en 1976 editan su primer disco "Target". Realizan giras teloneando a grupos como Black Sabbath, Boston, y Kiss. Un año más tarde y sin la presencia de Buddy Davis graban su segundo álbum "Captured". Las escasas ventas ocasionan la ruptura con la discográfica y su disolución en 1978. Posteriormente Jimi Jamison formaría Cobra junto a  Mandy Mayer (ex-Krokus), Tommy Keiser, Jack Holder  (ex-Black Oak Arkansas) y el baterista Jeff Klaven.


En este primer disco de Target podemos escuchar sobre todo buen hard rock con algún aire sureño al estilo de los sonidos de Molly Hatchet. Su cantante Jimi Jamison me recuerda en ocasiones a Paul Rodgers. Diez temas de corta duración entre los que podemos destacar la inicial "Love Just Won't Quit" , "Let Me Live" una de mis favoritas o "Can't Fake It " con un riff inicial a lo Judas Priest, por citar algunas. Disco que te transmite buenas vibraciones y garantiza pasar un buen rato.
J.C. Miñana



Temas
A1 Love Just Won't Quit 00:00
A2 Bad Boy  02:52
A3 Let Me Live  05:34
A4 Just A Little Too Much  10:57
A5 Can't Fake It  14:30
B1 99 1/2 17:47
B2 You Need A Woman  20:24
B3 Let Me Down Easy  23:30
B4 Workin' Song  27:24
B5 Are You Ready 31:02




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SPACE GHOST - Swim (2015 / SG)

Acostumbramos a traer por aquí sintetistas con tremendos arsenales teclisticos,  equipos de última generación  o vetustos y mega - caros modulares vintage.  Lo de hoy va más como un ánimo para el que se sienta atraído por iniciarse en éstas artes, pero le eche para atrás esos altos presupuestos. Para hacer un buen disco de prog-electrónica,  no los necesitas, créeme.  O mejor cree a Space Ghost. Que además de ser un personaje de dibujos animados de Hanna-Barbera en los 60, es el alias de Sudi Wachspress. Un tipo que se lo guísa y se lo come tranquilamente,  desde su casa en Oakland. 



Comenzó su andadura en 2013 con "Patient Mind". "Swim" lo grabó  entre 2013 - 2015, (mente paciente, como él dice), en su propia habitación y sin necesidad de mucho artilugio. Tan sólo un Korg Mono/Poly, una Fender Telecaster y varios pedales. Ayudado por algo de software, es todo lo que Sudi necesitó  para entregarnos un álbum agradable y bien hecho. 12 cortos temas sin desmesuras ni grandes excentricidades, que transcurre con calma y buenas vibraciones.

"Earlier Last Year" es su inicio entre radiantes ondas analógicas. "Hyperfeelings" utiliza la guitarra tímidamente,  como un sonido más en el deambular minimalista de la composición.  Muy bonito y de grato sonido introspectivo. 

Clásica secuenciación se adueña de "ARP Directions", con sonidos y ambiente que puede recordar al "Crystal Machine" de Tim Blake. "Lovely Not Compelling" enseña cartas del mismo palo que otra de sus fuertes influencias, el Brian Eno más setentero. Los planteamientos naive no impiden que su música respire inteligencia y buenas intenciones. Quizá es algo "deja-vu" ocasional, pero nadie hace esto así en la actualidad. Con ese aire aparentemente inofensivo. 

"Instructional Video" usa secuenciación clásica a lo Tangerine Dream o cualquier otra referencia clásica berlinesa. "Swim" regresa a la calma interior, ésa tan difícil de hallar y que te deja en un estado que ni la mejor de las drogas. "Youandi" sigue sin interrupción y con los mismos efectos sedantes. Puro tranquimazin electrónico para perderse en un universo mental y psicológico,  pero alejado de pretensiones "sanadoras" New Age. "Work than Sleep" sigue ese hilo encadenante de increíble sencillez, pero extraordinarios resultados musicales. Sudi no es un virtuoso ni pretende crear un armagedon electrónico de proporciones universales. Lo suyo es la finura y sobriedad, con melodías sencillas pero bonito equipaje instrumental.

"Neón Sphere" es otro acercamiento berlinés a Ash Ra Tempel o Klaus Schulze, pero sin pretensiones crepusculares. Con la parsimonia del astuto músico que conoce sus limitaciones, y además les saca provecho. Y qué bien le sale. Sin silencios, entra ahora "Nites Over Oakland" con cadenciosas ondas cósmicas,  leve ritmo hipnótico y apacible, pero señorial, pasaje bucólico espacial. Excelente material, debo añadir. "New Room" y "Learningtobemyself" concluyen sin prisas. Al modo de hacer de este fantasma espacial que tan bien domina el espacio exterior......y más el interior. La primera con ocurrente secuenciador y parsimonia melódica. Michael Hoenig se sentiría orgulloso de éste pupilo norteamericano. La segunda , también de juguetona secuenciación en la línea de Peter Baumann o Manuel Gottsching. Algo de lo que parece querer alejarse en su nueva propuesta para éste 2018, "Endless Light". Algo más retro-synth wave,  por lo poco que he podido escuchar. 



"Swim" es un disco hecho claramente,  para el autor. Para su uso y disfrute. Luego si a alguien le gusta, es por añadidura. Se nota el placer de crear música artesanal a la vieja usanza y con ganas de transmitir bellos onirismos electrónicos. Recomendado para la consulta del psicólogo. 
J.J. IGLESIAS







Temas
01.[00:00] Earlier Last Year
02.[01:33] Hyperfeelings
03.[06:42] Arp Directions
04.[09:15] Lovely Not Compelling
05.[12:25] Instructional Video
06.[14:51] Swim
07.[15:50] Youandi
08.[18:54] Work Then Sleep
09.[24:42] Neon Sphere
10.[28:26] Nites Over Oakland
11.[33:03] New Room
12.[38:18] Learningtobemyself



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SEA LEVEL - Live in Chicago 1977

Está claro que bajo la sombra de Allman Brothers se cobijan un buen número de buenos músicos. Entre ellos Jai Johanny "Jaimoe" Johanson , Chuck Leavell y Lamar Williams todos ellos presentes en la banda sureña en 1976 cuando se separaron por primera vez.


 Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (batería) , Chuck Leavell (teclados) y Lamar Williams (bajo) simultaneaban su participación en Allman Brothers con la formación "We Three" que estuvo abriendo algunos conciertos de la "banda madre" durante la gira de 1975. Tras la separación de Allman Brothers en 1976 reclutan a Jimmy Nails y se renombra  como "Sea Level". Fichan por Capricorn Records y editan su primer disco, "Sea Level", en 1977. Ese mismo año publican su segundo álbum, "Cats on the Coast"(1977, con la participación de  Davis Causey ( guitarra ), George Weaver ( batería , percusión) y Randall Bramblett ( saxofones , teclados y voces ). Su tercera producción "On the Edge" (1978) se graba sin la presencia de Jaime que vuelve a los Allman ni de Weaver que es sustituido por Joe English. Con esta misma formación sale al mercado "Long Walk on a Short Pier (1979)" que no vió la luz en Estados Unidos hasta pasados veinte años.  Para su último disco, "Ball Room"(1980)  incorporan al percusionista Matt Greeley. En 1981 darían por finalizado su recorrido.


El álbum está grabado el 2 de Julio de 1977 en el Ivanhoe Theater de Chicago. La música de Sea Level está cargada de buen rock, jazz rock, algo de funk y por supuesto buen rock sureño. El "Setlist" cuenta con numerosas versiones: "Scarborogh Fair" (Simon & Garfunkel), el mítico blues "Hideaway", los temas de la época de Allman Brothers "Hot 'Lanta" y "Statesboro Blues" . También podemos escuchar temas de su primer disco "Tidal Wave",  "Rain Spain" y "Grand Larceny", un gran tema de jazz rock  y  "Midnight Pass " de su segundo álbum "Cats on the Coast". Completan el "setlist" el patriótico y curioso himno "Patriotic Flag Waver" nuevamente en clave jazz rock y por último y a modo de "encore" "I'm Ready" con un gran "slide guitar" a cargo de Jimmy Nails. Excelente sonido.
J.C. Miñana



Temas
1. Tidal Wave (6:04)
2. The Rain In Spain (6:34)
3. Scarborough Fair (5:51)
4. Hideaway (3:36)
5. Hot 'Lanta (7:02)
6. The Patriotic Flag Waver (9:16)
7. Grand Larceny (5:45)
8. Statesboro Blues (4:10)
9. Midnight Pass (5:38)
10. I'm Ready (3:07)

y de propina
Recorded Live: 2/11/1977 - Capitol Theatre (Passaic, NJ)



Temas
0:00:00 - Tidal Wave
0:06:25 - Rain In Spain
0:13:28 - Shake A Leg
0:18:04 - Hideaway
0:21:43 - Scarborough Fair
0:27:34 - Hot 'Lanta
0:34:58 - Lawman
0:39:10 - Grand Larceny
0:45:19 - Tuning
0:47:01 - Country Fool
0:50:45 - Statesboro Blues (incomplete)
0:54:31 - Encore Break
0:56:04 - I'm Ready




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NUEVE TUERCAS - Historias de la Calle de Abajo (2015 / RINCON LA FABRICA EDICIONES) (Rockliquias Bandas)

A lo largo de mi extensa ya, carrera como comentarista, me habré enfrentado a discos de toda calaña y pelaje. Y algunos realmente difíciles de hincar el diente. Vamos, que me las he visto de todos los colores. Pero esta es nueva. Nunca creas que lo has visto / oído todo, hermano.

Nueve Tuercas es un proyecto one - man - band guisado, comido y digerido por Miguel Laguna Crespo. Especial personaje con programas de radio, editor de libros y discos y músico multiinstrumentista.  Su anterior experiencia como rompedor de silencios se llamó Miguel y los Hesputos Mutantes, con alguna grabación a sus espaldas. Su "La Pesadilla" (2010), es a mis maltratadas orejas una suerte de punk art rock sin comparación posible en el universo conocido. Pronk, que dicen los anglos para definir prog + punk. Más concretamente a sus inigualables Cardiacs. Nueve Tuercas es más de aquí,  en ése sentido. Madrid 2013 vio su nacimiento artístico.  Un nuevo proyecto en el que sintetiza, fusiona, y de nuevo, con naturaleza mutante, crea un rock progresivo / sinfo / psicodélico con elementos urbanos y algún guiño a hesputos pasados.

Su homónimo mini álbum sale en 2014. Siendo "Historias de la Calle de Abajo" su segunda entrega urbanita con fines escapistas. "Popurrí para banda #1" (6'48) es un estupendo instrumental, lleno de recursos e ideas, donde Miguel demuestra su dominio y compenetración sonora con los instrumentos. Puedes compararlo con nombres italianos de los 90, cuando la restauración prog se estaba consolidando : Arpía,  Mangala Vallis, Mary Newsletter, Odessa, Court, Jet Lag. ...


"Amanecer de la Aurora" (4'02) incluye riffs hard rock que reafirman lo dicho, con poética letra pero estilo vocal cercano al rock urbano. Que digo yo que viniendo de Madrid, capital mundial que inventó ése género a nivel planetario, también es "normal". O algo. Musicalmente permanece el fino gusto y los matices inesperados.

"Hijo del Barrio" (6'45), con majestuosa entrada de mini moog, vuelve a recordarme al prog italiano. Si Rosendo se hubiera vuelto un proghead en vez de un nuevaolero, sí,  un nuevaolero, para su segundo disco con Leño, quizá el resultado sería parecido a esto.

"Popurri  para banda #2" (2'28) tiene también su punto after punk, con teclados-sinfonia, de vírica anti-críticos de la vieja escuela. Parálisis Permanente en mutación neo progresiva, o así. ....

"El Quijote de la Avenida" (7'40) termina esta desconcertante e interesante grabación,  con más elementos a priori contrarios, y que conviven en el mundo de Nueve Tuercas con total armonía. Corrosiones eléctricas junto a serpenteantes melodías de moog. Fondos de solina y baterías pesadas hard. Killing Joke junto a Camel. Extremoduro junto a Bloque. No sé. ...por decir algo.


El siguiente envío grabado fue "Rarezas" (2016), con material sobrante. Y estamos a la espera del recién cocinado "A la Sombra del Árbol" (2018), al caer. Del que hoy mismo, mientras escribo esto, se ha adelantado el tema "No es un Sueño". Y parece que la bipolaridad estilística continúa.  Todo un sello personal ya en Nueve Tuercas. Imagina que a un punk del rock radical vasco, previa administración de electroshock bestia y trepanacion minuciosa, se le introduce en el cerebro todo el catálogo de Musea. Sale esto seguro.
J.J. IGLESIAS





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - Contaminazione 1973

Debo aclarar que esta banda italiana comenzó realizando dos álbumes previos a este en una línea hard rock más similar a Zeppelin o a Black Sabbat que a cualquier otra cosa que podamos denominar progresiva. En efecto su primer disco llamado “La Biblia” de 1971 suena muy pesado y para colmo no llevan teclados y lo mismo pasa con el segundo trabajo “Io Come io” y no es que lo hagan mal, sino que pertenecen a otro género diferente al RPI. 


Otra cosa es “Contaminazione” de 1973 donde parecen un grupo completamente diferente. La inclusión del teclista Franco Di Sabbatino cambia por completo la música del grupo que incluso parecen a ratos una orquesta de cámara del barroco tocando a Bach filtrado por unas guitarras a veces agresivas otras realmente elaboradas en lo acústico, y por otra parte, el tremendo órgano omnipresente con el uso además de varios tipos de sintes más los arreglos de cuerda que le dan una visión retro-proto-prog algo extraña y original. Otra cosa a resaltar es el continuo empleo de cambios de ritmo y estructuras que le dan una gran variedad a los 13 cortes que componen el disco. Las voces son bastante aceptables, desde momentos líricos y relajados con sus arreglos corales hasta carreras instrumentales y pasajes clásico-sinfónicos en el sentido literal del término. Es un trabajo muy diferente a cualquier otro producto progresivo de su país en esa época y en lo que a mí respecta lo veo muy entretenido y atípico. Quizás podrían aproximarse ligeramente a los New Trolls en la forma académica con que desarrollan las piezas pero sin el tufillo pop de éstos últimos. 


Muy curiosa la sección llamada “Scotland Machine” donde el propio Emerson parece haberse vuelto loco:  porque en tan solo 3 mtos los cambios musicales apabullan por su variedad y complejidad al igual que la siguiente “Cella 503” donde pareces encontrarte en una orgía en la corte de Louis XIV con J.S. Bach borracho y Emerson y Wakeman abducidos al pasado y acompañándole a los teclados mientras van quitando pololos y corsets a las damas de la corte. Las partes se “empalman” una con otra y este disco debe oírse de un tirón sin fisuras porque así está pensado. No han abandonado del todo el trallazo hard rock que está perfectamente ensamblado con diferentes estilos de música que aparecen casi sin darte cuenta: “Alzo un muro elettrico” que nos devuelve de inmediato nuevamente al barroco en “Sweet Suite”. 


Pocos discos del prog italiano son tan variados como éste os lo aseguro. “La grande fuga” con la que finaliza es tan exuberante como entretenida: clavicémbalo, sintes, órgano, orquesta de violines y una sección rítmica a la Trace o Ekseption a toda leche. Si no conocéis éste disco os aseguro que os va a encantar.
Alberto Torró

Nota: Por problemas con los derechos de autor solo podemos ofrecer el siguiente documento sonoro




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SIMON SAYS - Ceinwen 1995

Esta banda sueca se forma en 1993 en la localidad de Falköping en plena efervescencia de la nueva oleada de grupos progresivos escandinavos que se gestó en la década de los 90´s. Este nuevo impulso supuso a nivel general, una mayor propuesta que la tímidamente creada en el llamado neo-prog de la década anterior.


 Inglaterra abrió la brecha en los 80’s, es cierto, pero todavía con cierta “timidez” y mezclando estéticas que en parte estaban todavía contaminadas por el punk, la new wave popera y el heavy ochentero. Recuerdo que en esa década declararte abiertamente progresivo en lo musical cerraba más puertas que oportunidades y a muchos les daba miedo “salir del armario”. En los 90´s afortunadamente se acabaron las contemplaciones y declararte abiertamente un sinfónico era motivo de orgullo. En mi caso he mantenido ese “orgullo” toda mi vida incluso en los peores momentos, en los que incluso radicalizaba mis “pretenciosos” gustos. Cuando en aquella época todo dios aborrecía el asqueroso rock sinfónico, yo lo potenciaba hasta llegar a la vanidad y al sentimiento de “superioridad” y no tuve nunca la más mínima duda al respecto. El odio que se vertía hacia la música elaborada en los 70´s me daba coraje y en mi país, me hizo ser uno de sus pocos defensores a ultranza. Hoy lo recuerdo desde el humor, la ironía y la satisfacción personal de haber sido honesto en lo que yo creía y apreciaba. Incluso llegué a pensar en formar una fundación para la defensa del rock progresivo y la buena música en general, como si de una especie en extinción se tratase. Hoy me río de estas cosas naturalmente, porque pienso que lo bueno ha de ser siempre minoritario. Es la única manera de preservar lo realmente excelente de la vida. El exclusivismo está mal visto, naturalmente, como lo está la defensa de la individualidad, porque toda sociedad pretende que tan solo seas un imbécil que no piense… y por supuesto votes.

La primera formación de Simon Says la componían Daniel Fäldt a la voz, Nils Stenström a las guitarras, Stephan Renström a los teclados, bajo y guitarras y Ola Johannson a la percusión. Su propuesta no escondía en absoluto la virtud de apuntarse a una música de altos vuelos con todo el bagaje sinfónico de los 70´s. Recuerdo en los 90´s que cada banda que venía del norte de Europa, daba una patada en el culo a la mayoría de los neoprogres que salían de la factoría como fabricados en serie y este fenómeno iba a ser a partir de entonces una constante. La diferencia fundamental de bandas como Simon Says y de muchas otras provenientes de los fiordos y las tierras del frio comparándolas con otras formaciones europeas del momento, era entre otras cosas su superioridad técnica a los instrumentos y fundamentalmente el cuidado en la composición. A las bandas del norte se les etiqueta como perfeccionistas y meticulosas en la producción. Algo parecido a las bandas japonesas de rock sinfónico que a veces rozan el cristal, aunque en lo musical nada que ver unas con otras desde luego pero muy parecidas en la actitud. Simon Says es el típico ejemplo de superación constante. En dos décadas tan solo grabaron tres álbumes de estudio y ningún directo que yo sepa. Mucho tiempo de disco a disco pero mereció la pena. En su estilo inevitablemente vas a encontrar una forma particular de entender la forma de componer de Genesis que se va a evidenciar en todos los discos, y no solamente, ya que hay momentos algo Gentle Giant o King Crimson y bastante más alejados podrían estar Yes o incluso Van Der Graaf Generator y algo de Camel. Con todo: estilo y forma, van a formar no obstante una fuerte personalidad. Es muy difícil en el rock progresivo y aledaños estilísticos no sonar como fulano o mengano. El progresivo es un estilo completamente inventado y muy definido, es decir al igual que el jazz o la música clásica todo te va a sonar familiar. Este ha sido su logro: crear un estilo concreto que pueda tocar todo al que le apetezca.





Su primer trabajo “Ceinwen” de 1995 es en comparación naturalmente el más flojo del paquete pero es un buen disco. Es muy curiosa la introducción de sinte analógico en la breve “hey” que nos retrotrae completamente al pasado a la Gente Giant época “Acquiring the Taste” .

 Pasamos  a “Under The seal” y el órgano es inconfundible junto al uso del mellotrón, esto es 70’s sin complejos del primer quinquenio con raros cambios de tempo con bajo denso y moog vacilón y ya lo primero que nos viene a la mente son las hermosas melodías y pasajes gloriosos casi en postal sepia. El sonido es algo oscuro y la temática nada inocente con corrosividad analógica pura y dura. Lo han clavaó que diríamos los españoles. 

“A bedtime History”…once minutos maravillosamente enclavados entre Foxtrot y a Trick of the Tail pero vistos desde otra perspectiva y enriqueciéndolo con diferentes detalles. La voz de Daniel Fäldt tiene registros interesantes, con el suficiente dramatismo que se requiere en una música que tiene mucho de nostálgico y a la vez de rasgo diferenciador y original. El bajista me encanta, saca un buen arsenal de motivos interesantes, hay una parte entre surrealista y festiva a mitad que entretiene y enriquece a la vez. La guitarra Hackett-Latimer rubrica a un teclista de los buenos de los de verdad que al parecer es también el bajista. Esto me encanta.

 En “Devonian Forest” juegan con los sintetizadores a modo de pieza ambiental completamente encantadora, nada de caídas abismales y negrura. Gentileza al fin y al cabo. 


“Pilgrims Progress” es calma y bonita con las acústicas desgranando y el mellotrón que a su vez deja que el sinte agudo de moog hable por si solo. Una paz recorre tu cuerpo y una gentil melodía te hace recapacitar y decirte que estás en el pasado de una música fantástica…aquella olvidada que murió sola, pero a la que también le dieron un violento empujón. “B.A.J.S Radio” es muy activa y tan retro prog como puedas imaginarte aunque también tiene algo raro indescifrable de banda que suena a muchos de los 70´s y a ninguno a la vez. La suite “Kadazan” de casi 16 mtos se inicia de forma jungla percusiva un poco a la Jade Warrior pero pronto los mellotrones y órganos nos devuelven a Banks y cia mezclados con Kerry Minnear y los Giant y la composición se hace super adictiva y entretenida. Todo es familiar y diferente a la vez. El catecismo progresivo se respeta pero se incluyen nuevas pinceladas y la melodía no se olvida, porque en caso contrario nuestra música no sería lo que afortunadamente es. Un buen trabajo pero es que los siguientes van a ser mejores.
Alberto Torró







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ETERNIDAD - Apertura (1977 / CABAL)

Que una biblia del género sobre rock argentino 70s como "The Magic Land",  (Marcelo Camerlo , Madrid, 1998), ignorara éste disco, dice mucho sobre la hiper - rareza a la que nos enfrentamos. En Discogs te ofrecen cuatro copias en todo el mundo, y el más barato está a 200 boniatos. Esto último no es garantía de nada, más que de su rareza. Pero mire "uste" por donde, en ésta ocasión sí que es un puñetero santo grial. Porque esto es una maravilla lo mires por donde lo mires.



Eternidad fue el típico grupo argentino de sinfo -prog, con todas sus virtudes y ningún defecto. Bueno, esto último siempre hay algún hater ocioso que se encarga de buscar las cosquillas. Pero si te van los Espíritu, Crucis, Alas, Ave Rock,  Arco Iris, Aquelarre, Bubu, Raúl Porchetto, Litto Nebbia, La Máquina de Hacer Pájaros, Soluna o Síntesis , Eternidad deberían estar en ésa pequeña lista que me salió al voleo,  SÍ o SÍ. Nunca mejor dicho. Pero me da a mi que en 1977, "asha" estaban tan abducidos por la punkarrada londinense como aquí. Y claro, a quién se le ocurre editar ese año ésta maravillosa mariconada,  y más en un micro - sello. Lástima,  porque escuchado hoy, en frío,  resulta una pequeña joya al nivel de cualquier grande de aquella escena, llena de genios. Que hasta ellos fueron incomprendidos. O saboteados. Díganme porqué NADIE sabe nada sobre rock argentino en España. Me refiero a los VERDADERAMENTE GRANDES. No a esos que estás pensando, que no, boludo. Siempre me olio mal la tostada.

Eternidad no duró más que un año aproximado. Un año eterno. O un eterno recuerdo para el grupo. Que estaba formado por Daniel Méndez (guitarras, armónica,  voz), Roberto Méndez (guitarras, laúd,  voz), Claudio Pedra (Piano, Fender Rhodes, synth, Hammond organ), Robi Massarotto (bajo, voz) y Luis Yanes  (batería y percusión).

Estas orejas se pusieron como las del señor Spock en cuanto escucharon las primeras notas de "Suite : Pensamientos y Vida" (7'46), y estoy seguro que a las de Monsieur Torro les ocurrirá lo mismo. Esto es PURO YES EPOCA DORADA. Con la grandeza y sentimiento sinfo de sus obras maestras. Las guitarras acústicas y eléctricas se entrecruzan y reparten faenas (como buenos hermanos),  y  el Hammond arropa calidamente con certera wakemania. A la voz no le cuesta mucho dar el punto andersoniano, visto el tono tendente a agudos de los vocalistas "arg". Y las fugas teclisticas se convierten en memorables, junto a las esplendorosas guitarras, las cuales dan vital importancia al desenchufe, tanto como al watio educado. Y - es como si aquí hubiera dos Steve Howes, cada uno en su rol. Evidentemente,  el bajo de Massarotto es Squire hasta la médula  ( me atrevo a decir que también con sonido Rickenbaker). Y la batería sigue a éste alumnado afirmativo con la pericia y profesionalidad requerida. Extraordinaria pieza, pardiez !


"Javier Dejó de Ser Niño" (3'19) tiene un aire Laurel Canyon lleno de acústicas,  armónica y vocales conjuntadas, como Pastoral, Pedro y Pablo o Sui Generis. Ciertamente el folk rock jipioso de la West Coast hizo mucha mella en Argentina, y fue para bien. Para redondear ésta lindeza, los devaneos del mini moog y demás vintage keys,  se salen.

"Cuento de una Niña" (7'00) nos sitúa instrumentalmente entre "Fragile" y "Close to the Edge", con la delicadeza lírica habitual del rock porteño. Incluso más. Esto se agranda por momentos. Los cambios, breaks inesperados e intenso adorno multi - coral, es insuperable. Un triunfo compositivo espectacular, con final a lo BJH.

Los mundos imposibles de Roger Dean,  (tan posibles para la peli "Avatar".....jodo qué morro....), se crean de forma natural y sin pedir permiso en "Más Cerca del Horizonte Eterno" (4'25). Delicadas voces y acústicas como fuerza motriz, ante un lado más rockero y sinfoacentuado hasta la emoción. Si éste tipo de prog te toca la fibra. "Empezando por uno mismo" (3'38) es puro Crosby, Stills & Nash, con parecida brillantez e inspiración,  pero cantado en castellano. Déjenme que les diga algo. Los argentinos con el idioma, lo convierten en plastilina vocal. Puro ARTE y virguería sólo a su alcance. Sepan que les envidio. Como su extraordinaria facilidad para contagiar nostalgia desde la más bella tristeza.

"Ciudad Mirame" (7'27) es un reflejo de un momento social y político muy puto. Todo con mobiliario Yes en un preciosista diseño. Aquí incluso con devaneo jazz rock etapa Moraz, para que no nos falte de nada en el menú. Se incluye bandoneon killer que llega al alma (del que tenga).

Sui Generis en sus comienzos vuelve a asomarse en la bella "Ahora que estamos Solos" (3'30). Un breve suspiro de paz intimista. Finalizamos con "Pausa Para una Ciudad que Espía" (1'22), instrumental de triste pureza casi tanguera. 


Ignoro si la reedición en cd de 2004 (Mandel X) estará disponible, lo dudo. Que alguien haga algo. Esto se merece resucitar en su formato original en vinilo cuanto antes. Esta joya no debería estar perdida y olvidada por más tiempo. Esto sí que es una auténtica Rockliquia !!!
J.J. IGLESIAS



Tema
A1 Suite: Pensamiento Y Vida 
A2 Javier Deja de Ser Nino 
A3 Cuento De Una Nina 
B1 Mas Cerca Del Horizonte Eterno 
B2 Empenzando Por Uno Mismo 
B3 Ciudad, Mirame 
B4 Ahora Que Estamos Solos 
B5 Pausa Para Una Ciudad Que Espía




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