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viernes, 30 de octubre de 2015

Rockliquias en los 80: 1.982 Part. 1 (colaboración Christian Jiménez)

Como dije la anterior semana, la lista que nos ocupa, nombrando esta vez 10 plásticos de 1.982, va a ser, quizás, la más interesante, curiosa y desconcertante, porque no se va a regir por la aprobación de las masas de sus LP's, sino por la calidad interna que guardan muchos de ellos y que sólo los oídos más exigentes y selectivos pueden aceptarlos alzando los pulgares a su favor.


Me he tomado la libertad de llamar a 1.982 "El Año del "Comeback" ", porque parece cosa de brujería que un cuarteto de grupos, que ya iré desgranando, que venían de la década anterior, con integrantes curtidos en cientos de batallas y que tenían más "rock" en sus venas que algunos ídolos de la época llamados "rock stars" por los ingenuos y sensacionalistas, coincidiesen aquel año con las que serían sus mejores obras a principios de una década donde el germen de la N.W.o.B.H.M., el cuero, las tachuelas, los "hits" de la radio americana y los teclados dominaban en todas las esquinas del "rock". Mirara donde se mirara, casi todos se habían modernizado, se habían adaptado al cambio; otros no y quedaron relegados al ostracismo, siendo llamados "dinosaurios" y siendo esclavos de la anterior etapa musical donde sí que llegaron a lo más alto.



Los tiempos cambiaban muy rápido, pero ellos demostraron que se podía pasar de una década a otra con la cabeza muy alta y sin perder un ápice de carisma y calidad. Algo que no harían sus vecinos de menos edad, de largas melenas cardadas, ropa llamativa, videoclips chulísimos que salían en la MTV (cuando la MTV era una buena cadena), actitudes desafiantes intentando copiar, a veces descaradamente, a sus ídolos de anteriores épocas musicales y disfrutando de un éxito efímero si tenemos en cuenta que el 97% de las bandas de los '80 fueron engullidas en los '90 por otras nuevas tendencias musicales que surgirían.

Así que en este 1.982 se van a recoger tanto esfuerzos hechos por veteranos para hacerse un hueco en el negocio como obras más contemporáneas y novedosas convertidas en rotundos éxitos discográficos:



        -Primeros del "comeback", puede que esta sea una de las mejores combinaciones de "hard rock" clásico y "AOR" que se hicieran en los '80, todo venido de un grupo escocés que comenzó sus andaduras más de diez años antes.


Publicado el acaramelado día del 14 de Febrero, Nazareth pusieron a la venta el que sería su mejor LP hasta nada menos que el 2.008 cuando salió "The Newz", así que este "2XS" es una de sus mejores obras. Obviamente hay opiniones encontradas, ya que en los '80 el grupo cambió radicalmente su estilo musical, enfocando sus miras hacia un "rock" comercial, descafeinado y totalmente americanizado, para que sonara en las emisoras de radio, fusionándolo con elementos de "AOR" y "pop". Muy atrás quedaban viejas glorias como "Hair of the Dog" o "No Mean City".
Pero no así, la amalgama de estilos dentro de este álbum es lo que lo hace interesante, variado, arriesgado, a la vez que coherente y consistente, y lograr eso es algo complicado. Con esa premisa se pueden disfrutar de auténticos viajes al pasado del grupo con temas de puro "rock 'n' roll" como "Gatecrash" o "Take the Rap", dos de sus mejores cortes, viéndose las caras con las más "pop" "Lonely in the Night" y "Games", de repetitivos estribillos y grandes melodías, y otras más duras, como "Boys in the Band" o la abrasiva "Back to the Trenches", cercana al "heavy metal" que había en la época.




Pero si por algo destacó fue por los "singles" "Love Leads to Madness" y la inmortal (si en algo siempre la clavaban Nazareth era en sus baladas) "Dream On", sonata fundamental de los '80 que llegó al Top Ten, que a cada dos por tres se escuchaban en la radio, siendo grandes éxitos. Así se incorporó "2XS" a los Billboard y quedó como la obra maestra que es.



Que lograra más o menos atención es otra cosa, teniendo en cuenta todo lo que empezaba a salir en aquellos productivos años, pero la calidad brillaba intensamente en las dos caras de este fantástico LP donde se demostraba muy bien que siendo de los '70 se podía mantener un sobresaliente nivel en los '80, y Nazareth lo consiguió con creces.

Mejor canción: "Dream On"


        -Cuenta la leyenda que el cantante de Sepultura Max Cavalera se compró este disco creyendo que era de una banda de "thrash metal" y de la decepcionante sorpresa que se llevó cuando empezó a sonar lo sacó del tocadiscos y lo lanzó por los aires de la rabia.


Segundo del cuarteto del "comeback", este grupo veterano de Londres ya se había hecho un nombre entre muchas otras míticas formaciones de los '70, con clásicos musicales como "Look At Yourself", "Return to Fantasy" y "Demons And Wizards". Ahora es una auténtica leyenda de aquellos años en el ámbito del "hard rock" y el "rock" de corte progresivo. Pero tras la marcha de David Byron en la banda se vio un auténtico baile de miembros a partir del año 1.976, y la entrada en los '80 no parecía augurar nada bueno. Nadie daba un céntimo por este grupo que para todos había pasado a mejor vida.


Repentinamente, el 1 de Marzo, una grotesca portada naranja en donde aparecía el rostro esperpéntico de un demonio con la boca abierta sería la confirmación de un error tremendo. Si daban por perdida a Uriah Heep, éstos demostraron que todos se equivocaban con "Abominog". Fue una auténtica sorpresa, una arrolladora respuesta de una banda que estaba totalmente reformada, con Peter Goalby, de Trapeze, a la voz, Bob Daisley al bajo y John Sinclair a los teclados junto a Lee Kerslake y Mick Box.




Aquí se conjugaban los sonidos más barrocos y progresivos de "Sweet Freedom" y "Return to Fantasy" con las influencias de la recién creada N.W.o.B.H.M. sin olvidar el cariz melódico y comercial que siempre llevó la banda. Primero nos encontramos con un himno veloz y abrasivo como es "Too Scared to Run", donde destacan electrizantes "riffs", ritmos potentes y una voz que conjugaba muy bien con el estilo, cosa que seguía de cerca "Running All Night with the Lion". La susodicha melodía y comercialidad haría buen acto de presencia en "Hot Night in a Cold Town", "That's the Way That It Is", Top 20 en los "charts", y la "aorera" "On the Rebound", emparentada con las miras que adoptaron bandas como Foreigner o RUSH, por poner un ejemplo.




Posiciones casi ocultas, como la 34 en Inglaterra, aunque habría sido un desastre para una banda debut, para un grupo formado más de doce años antes que ya ni figuraba en las listas o lo hacía en lugares irrisorios, fue todo un logro teniendo en cuenta la cantidad de grupos novedosos que salían. Así fue como este "Abominog" se convirtió en otra piedra angular de Uriah Heep, siendo uno de los mejores de su discografía.


Mejor canción: "Too Scared to Run"


        -Uno se llamaba John Wetton y venía de King Crimson, Roxy Music y un fugaz paso por Wishbone Ash; había dos, Steve Howe y Geoff Downes, que venían de YES y el último, Carl Palmer, llegó de ELP y Atomic Rooster, y este cuarteto tomó al Mundo por sorpresa con su debut "Asia", que salió el 18 de Marzo llegando al 1.er puesto de los Billboard, certificándose con Cuádruple Platino en EE.UU. y con "singles" en los más altos puestos. Ellos cogieron el legado de todas las bandas sinfónicas en las que militaron en el pasado y lo adaptaron a los '80, creando magia al instante con una serie de temas soberbios.



Grandilocuencia y espectacularidad, eso era lo que daba este "Asia". La voz tan melódica de Wetton, la habilidad de Howe a las seis cuerdas, la contundencia de Palmer a la batería y el ampuloso sonido que creó Downes con sus teclados refulgían como parte de un todo, un compendio repleto de virtuosismo e ingenio, a medio camino entre "rock" sinfónico, progresivo y el requerido y aún embrionario "AOR" americano de comienzos de década.



Himnos de marca mayor, muy coreables y adictivos, como "Here Comes the Feeling", "Heat of the Moment", triunfal "single" que llegó al 4.º puesto en el Billboard Hot 100, "Only Time will Tell" (principal influencia para Europe y su "Final Countdown") o "Sole Survivor" se cruzan con auténticas evocaciones progresivas a YES, ELP o KANSAS como son "Wildest Dreams" o "Without You", pero eso sí, llevado a un nivel elevadísimo de inspiración y agudeza musical. Hasta la portada de Roger Dean recuerda a esos paisajes imposibles y esotéricos de las cubiertas de Uriah Heep y YES.



Nueve semanas se mantuvo este colosal debut, no sólo como una de las obras capitales del "AOR" sino como un disco que llegó a crear un sonido propio. Muchas bandas posteriores que practicaron el mismo estilo que este supergrupo tendrían lo que se denominó "sonido Asia".

Mejor canción: "Wildest Dreams



        -¿Quién no ha tarareado alguna vez el "riff" principal de "Run to the Hills"?, ¿quién no se ha emocionado con el estribillo de "Children of the Damned"?, ¿a quién no le ha subido la tensión con el solo de "Hallowed be thy Name"?


Todo estaba en un álbum mítico, que hizo historia y que le dio otro concepto a lo que era el "heavy metal" en los '80. Puede que hubiese reminiscencias a RAINBOW, por eso de que el productor era Martin Birch, y aunque se aprecia esa velocidad de ejecución y ese matiz épico en los temas, la banda de Steve Harris llevó todo eso a otro nivel y todo el mundo dio cuenta de ello cuando el 29 de Marzo salió "The Number of the Beast".





Causaron una sensación apabullante, y no sólo por la escalofriante portada (con un Eddie manejando al Diablo como una marioneta mientras éste manejaba a otro Eddie más pequeño), sino porque ya no estaba Paul Di'Anno en las filas de Harris. El vocalista de pelo rizado y actitud "punk" ya no encajaba en aquel monstruo que se movía a pasos cada vez más agigantados...por eso y porque ya estaban hartos de todas las drogas que le dio por consumir. Así que de los lares de SAMSON llegó el totalmente opuesto Bruce Dickinson, alguien con una técnica vocal infinitamente superior a la de Di'Anno, una voz más operística y profunda y una conducta más comprometida.




Y con letras que evocaban pasajes históricos, abordaban temas filosóficos y acentuaban el carácter épico de la música, el LP llegó a lo más alto. Iron Maiden estaban en la carretera cuando fueron avisados de que su disco era n.º 1 en Inglaterra. Aparte de eso llegó al Top Ten en Canadá, donde fue certificado con Triple Platino, y otras listas internacionales, recibió el Platino también en Inglaterra y EE.UU. y sus numerosos "singles" abarrotaban los primeros puestos. Parece mentira que un grupo con tan poca aprobación por parte del sector americano más conservador (por eso de las imágenes satánicas y las alusiones al Diablo utilizando pasajes de La Biblia...algunos grupos se lo pasaban en grande organizando hogueras públicas y quemando los discos de Iron Maiden) consiguiera amasar tanto éxito en tan poco tiempo.


Un éxito basado en estandartes como los anteriormente mencionados sin olvidar "The Prisoner", "The Number of the Beast", "Total Eclipse" (la copia descarada del "Snowblind", de Black Sabbath) y la continuación de la historia de la prostituta Charlotte "22 Acacia Avenue". Fastuosas piezas rebosantes de virtuosismo que bordaron a este "The Number of the Beast" en la leyenda del "heavy metal" con letras de oro.

Mejor canción: "Hallowed be thy Name"




        -El mejor disco de "pop" de los '80, sin duda, y poco me importa que ese mismo año saliera el "Thriller" de Michael Jackson.


Realmente, TOTO estaban siendo presionados por la CBS para hacer otro trabajo, debido al bajón de ventas que pegaron sus dos discos anteriores, y se pusieron manos a la obra, pero, aunque parezca pretencioso este "IV", con arreglos perfeccionistas y muy virtuosos, y la banda, haciéndolo así a propósito y a sabiendas de que iban a llegar a las listas, nada más lejos de la realidad. Aquí pusieron todo su empeño en crear sensacionales melodías, su madurez a nivel de composición mantuvo a los miembros del grupo sonando coherentes y compenetrados y utilizaron la más alta tecnología para lograr un sonido pulido de lo más grandilocuente, además de rodearse de un buen puñado de colaboradores en distintos ámbitos instrumentales (añadiendo los arreglos de cuerda de la orquesta de Martyn Ford), haciendo espectaculares temas que ya lo eran de por sí...pues lo que no imaginaban era que llegarían tan lejos.




Doble Platino en Canadá, Francia y Alemania, Triple Platino en EE.UU., cuatro "hits" coronando las listas, ganador de seis Grammies, incluyendo el de "Álbum del Año", 1.ª posición en Canadá, 4.ª en Gran Bretaña y EE.UU., ¿se le puede pedir algo más?

  

Salió el 8 de Abril y reventó la escena musical del "AOR", el "rock" más comercial y el "pop", elementos que se hallaban perfectamente hilvanados en el álbum, creando un sonido cálido, envolvente, emocionante y sin duda disfrutable y entretenido de escuchar. Para demostrarlo tenemos joyas como "Lovers in the Night", "Rosanna" (2.ª en el Billboard Hot 100 por 5 semanas); la balada de baladas "I Won't Hold you Back" (Top Ten en el Hot 100), que recoge la esencia de las grandes baladas "soul" de los '70, con uno de los solos de guitarra más cautivadores y preciosos de la Historia; la de aires "funk" "Waiting for your Love" o la ya emblemática "Africa" (1.ª en el Billboard Hot 100), de ritmos exóticos, bellos teclados y un estribillo que está hecho para que no se vaya jamás de la cabeza.




Con este último tema, broche de oro para un disco redondo, se cierra un LP de excelsa calidad, una producción de lo más nítida y que pondría a TOTO en los primeros puestos de la historia del "pop rock", y el "rock" a secas.

Grandes, muy grandes.

Mejor canción: "Africa"

Seguiremos la semana que viene


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jueves, 29 de octubre de 2015

KANSAS (colaboración Eduardo Segura)

 Kansas. Un estado que parece la quintaesencia de lo estadounidense, de la mal llamada “América profunda”; un grupo de rock extraordinario nacido ‘in the middle of nowhere’: Topeka. 



Fundada como banda en los mágicos y convulsos años 70, Kansas conseguiría una enorme popularidad gracias a ‘Dust in the wind’ —inicialmente, un ejercicio técnico para acústica—. Pero el grupo existía desde 1974, cuando tres muchachos decidieron rebautizarse con el nombre de su estado y abandonar su antiguo apelativo, ‘White Clover’.




El terceto original, residente en Topeka, estaba compuesto por el guitarrista y enorme compositor Kerry Livgren, el bajista David Hope y el infravalorado pero extraordinario baterista Phil Ehart. A ellos, justo antes del cambio de nombre, se unió el prodigioso cantante y teclista Steve Walsh, el violinista Robert Steinhardt y el guitarra Richard Williams. Todos ellos virtuosos, todos ellos piezas de un ensamblaje musical de claras influencias clásicas y lleno de ideas renovadas donde se fusionaba parte del espíritu country con el rock, el sinfónico y el progresivo naciente en piezas maestras como ‘Song for America’ o ‘Hopelessly Human’.



Su primer disco, homónimo, fue publicado en 1974, y mostraba cierta influencia de Genesis desde las bases del rock clásico americano. Este rasgo progresivo continuó en su segundo disco, el magnífico ‘Song for America’, un LP que consiguió popularizar su nombre y llenar sus conciertos a pesar de no obtener demasiado reconocimiento en ventas.



Más exitosos fueron ‘Masque’ (1975) y, sobre todo, “Leftoverture” (1976), disco que contenía su single “Carry on Wayward Son”; y ‘Point of Know Return’ (1977), donde destacan temas como ‘Closet Chronicles’ o ‘Portrait (He Knew)’.






Aún habría tiempo para otras obras mayores, como ‘Two for the show’ (1978), ‘Monolith (1979) y ‘Audio-visions’ (1981), antes de que Steve Walsh decidiera iniciar una carrera en solitario compleja y, en ocasiones, muy interesante bajo mi pobre punto de vista. ‘Glossolalia’ es un ejemplo ilustrativo.


Poco después de ‘Drastic Measures’, Kerry Livgren retomó su carrera en solitario iniciada en 1980 con ‘Seeds of change’ y marcada por letras de temática religiosa y un sonido más acerado. Su banda actual, Proto-Kaw, indaga en las insondables fronteras compositivas del genio de Livgren.


En 2000 tuvimos un último gran regalo de Kansas: ‘Somewhere to elsewhere’, un disco realizado por el sexteto original tras veinte años sin trabajar juntos.






El año pasado el grupo publicó un DVD producido por Phil Ehart en el que se cuentan los orígenes del grupo; una verdadera joya llamada ‘Miracles Out of Nowhere’. Nowhere? ¡Qué va!: Topeka, Kansas.



Discografía
Kansas (1974)


Song for America (1975)


Masque (1975)

Leftoverture (1976)

Point of Know Return (1977)

Monolith (1979)

Audio-Visions (1980)

Vinyl Confessions (1982)

Drastic Measures (1983)

Power (1986)

In the Spirit of Things (1988)

Freaks of Nature (1995)

Always Never the Same (1998)

Somewhere to Elsewhere (2000)



y de propina un concierto del grupo


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miércoles, 28 de octubre de 2015

SPY - Spy 1.980 (colaboración J.J. Iglesias )

Esta reseña viene a ser la segunda parte de la anterior dedicada a Zazu. En realidad, guardo ambos vinilos en la misma funda, por afinidades varias. Como si de un doble álbum inédito de Kansas se tratara. Aunque en este caso, debería decir "pero menos".



 Al igual que Zazu, Spy (no confundir con Spys, fundados por dos miembros de Foreigner), solo grabaron un álbum. Mi conclusión detectivesca me lleva a decir que la culpa fue de su mecenas, el todopoderoso hombre de negocios musicales Don Kirshner. Que se pasó de listo, vaya. Al tipo le había salido bien la jugada en los 60 descubriendo-montando el tinglado de The Monkees y The Archies. En una jugada de buena suerte descubrió-impulsó a Kansas en los 70 y pegó el pelotazo. En la mitad de los 70, no hubo banda que se considerara exitosa que no actuara en directo en el programa de televisión "Kirshner Rock Concert" de la NBC. Incluidos The Rolling Stones. Echa un vistazo en youtube. Así que al final de la década, viendo que el arsenal de Kansas comenzaba a quedarse sin pólvora (comercial, que no brillantemente compositiva), se sacó de la manga a Spy. Pero no como en los 60, algo salió mal esta vez. La evidente clonación corporativa no tuvo en cuenta la personalidad de los chaticos con los que trataban. Su cantante solista, extraordinario, era John Vislocky. Venía de los tremendos progresivos Mirthrandir. No entiendo cómo su "For you the old women" (1.976) no ha sido comentado todavía por estos lares!!!. Mientras que el guitarrista y también voz solista, David Nelson, procedía de los New Riders of the Purple Sage de Jerry García. Y había estado en la aventura-fase americana de Nektar. Gente poco moldeable, me temo.




Michael Visceghia y Bob Goldman eran el esqueleto rítmico, bajo y batería respectivos. David Lebolt el gran teclista que precisaban para una empresa Pomp Prog de alto nivel. Y Danny Scidenberg el violinista que facilitaba el sonido Kansas. Como éstos, un sexteto con violín y en el sello Kirshner/CBS.... Demasiado descarado. Salvo que, con la perpectiva del tiempo te das cuenta que Spy, aún dentro del género, debía más a otras influencias.

Con la esplendida voz de Vislocky parecida a la de Tommy Shaw, la primera cara parece extraída de los Styx de "Crystal Ball / The Gran Illusion": "Crimson Queen", "Best that we can do" y la obra maestra que es "Ruby Twilight"como ejemplos. "Can't Complain" sería perfecta para un set-list de Triumph. "Love There", que abre la cara B, hubiera sido un bonito corte de la Electric Light Orchestra. Mientras que "Anythime, Anyplace" o "When i find love" (vuelvo a usar el random, o sea , "al voleo"), me siguen pareciendo excelentes canciones de Styx con un violín al estilo de Robbie Steinhardt. Te aseguro que bandas como Zazu, Shooting Star po Private Lighthing, o más actuales, como Enchant, Cryptic Vision, Spock's Beard o Zello se parecen mucho más a los creadores de "Dust in the Wind". Hoy, el homónimo álbum de Spy se ha convertido en un disco de culto. Es respetado como se merece y personalmente tiene todas mis simpatías. A pesar de esos mostachos!!! 



Temas
1 Crimson Queen 00:00 
2 Easy Street 04:30 
3 Best That We Can Do 08:36
4 Can't Complain 12:35
5 Ruby Twilight 16:29 
6 Love's There 20:21 
7 Feelin' Shining Through 24:35 
8 Anytime, Anyplace 28:41
9 When I Find Love 33:38

Formación
 Michael Visceglia: bajo
Rob Goldman: batería
David Nelson: guitarra, voz
Dave Lebolt: teclados
John Vislocky: voz
Danny Siedenberg: violín

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martes, 27 de octubre de 2015

Los teclistas del rock: JON LORD

Vamos por la tercera entrega de esta serie sobre los mejores teclistas del rock, para esta ocasión he elegido a un músico que representó una transición en mi andadura musical. Como ya os he comentado en alguna ocasión mis inicios fueron netamente sinfónicos pero mi afán por buscar y evolucionar me llevó a descubrir el hard rock, por lo tanto pasé de escuchar a Yes, Genesis s o E, L & P, a buscar  grupos más cañeros como Led Zeppelin o Deep  Purple. Por todo ello Jon Lord representó la transición entre estas dos tendencias musicales.




Jon Lord nació en Leicester, Inglaterra, en 1.944. Su padre era músico e intento inculcar el amor por la música a su hijo por ello a la edad de cinco años ya estaba estudiando piano. En su adolescencia empieza  a escuchar a gente como  Jimi Smith, Jerry Lee  Lewis o Buddy Holly y comienza a definir su sonido con el órgano Hammond. En 1.960 se traslada a Londres para matricularse en una escuela de arte. En esa época empezó a actuar en pequeños bares para ganarse la vida y comenzó a integrarse en sus primeros grupos, Red Bludd´s Bluesicians, The Art Wood Combo, Santa Barbara Machine Head, etc. También participa como músico de sesión llegando a tocar el órgano en el primer disco de “The Kinks”. En 1.967 comenzaría a forjarse la leyenda, ese año conoce a Ritchie Blackmore y forman “Roundabout” junto a Ian Paice, Nick Simper y Rod Evans. En 1.968 adoptarían el mítico nombre de “Deep Purple” y ese mismo año llegaría su primer éxito de la mano del single “Hush”. Esta primera época de los Purple se ha denominado “MkI” y comprende la grabación de tres discos, “Shades of Deep  Purple” (1.968), “The Book ofTaliesyn” (1.9689 y “Deep Purple” (1.969). El sonido del grupo en esta etapa estaba muy influenciado por la psicodelia y los guiños continuos a la música clásica.



El ego de Blackmore comenzaba a despertar  y decide con buen criterio que Evans no era el mejor cantante para el grupo y decide contratar a Ian Gillan, procedente de los  “Episode Six”, que pone como condición la contratación de su amigo Roger Glober ocasionando la salida de Nick Samper. Esta nueva formación iniciaría la etapa “MkII” y la abrirían con la grabación de un proyecto de Jon  Lord,  la grabación en vivo del “Concierto para grupo y orquesta” y su publicación en 1.970 les llevaría al estrellato. Esta etapa del grupo fue la mas exitosa con discos como “In Rock” (1.9709, “Fireball” (1.971), “Machine Head” (1.972),  “Made In Japan” (1.972) y “Who Do We Think We Are” (1.973), que contenían verdaderos himnos del grupo, “Smoke on the Water”, “Speed  King”, “Black Night”, etc. Jon lord consolidaba su sonido con el Hammond y desarrollaba largos solos y carreras llenas de virtuosismo junto a Blackmore.



 Paralelamente a Purple, Jon Lord comenzó a publicar discos en solitario, el primero fue “Gemini Suite” en 1.972. 




Un año más tarde Gillan dejaría la banda y Glober sería despedido, en su lugar entraría un jovencísimo  David Coverdale y Glenn Hughes. La sombra de Blackmore era cada vez más alargada y el papel de Lord aunque todavía importante ya no era como al principio. Este periodo es el “Mk III” y se editarían “Burn” y “Stormbringer” (1.974) y por su parte Jon Lord publicaría “Windows” una obra bastante experimental que coqueteaba con la música clásica.

Los aires renovadores de los nuevos miembros no gustaban a Blackmore lo que ocasionó que en  el 75 abandonara la banda, en su lugar entró un prometedor guitarrista, Tommy Bolin, iniciándose el periodo “Mk IV” en el que solo grabarían un disco, “Come Taste The Band”, y se produciría la separación del grupo en 1.976.



Después de la ruptura del grupo Jon Lord seguiría con sus proyectos en solitario realizando colaboraciones y editando un nuevo disco, “Sarabande” en 1.976 hasta que en 1.978 se uniría al nuevo grupo de Coverdale, “Whitesnake”. Este periodo de Lord duraría hasta el 84 editando seis discos en estudio, “Trouble” (1.978), “Lovehunter” (1.979), “Ready and Willing” (1.980),  “Come an´Get It” (1.981), “Saints & Sinners” (1.982) y “Slide It In” (1.984). En alguna ocasión Lord comentó que a pesar de los éxitos  no estaba muy contento con este periodo debido a sus limitaciones a nivel compositivo. También durante este periodo editó un nuevo disco, “Before I Forget”, escribió varias bandas sonoras y colaboro en discos de amigos suyos, George Harrison, David Gilmour, Cozy Powell, etc.



En 1.984, Lord vuelve con los Purple con la mítica formación del periodo Mk II (Lord, Blackmore, Paice, Glober y Gillan) y editan “Perfect Strangers” con el que logran un gran éxito de ventas  realizando giras multitudinarias que culminan en el festival de  Knebworth. Tuve la oportunidad de verlos en Julio del 85 en el campo de futbol del San Andrés y la verdad es que fue genial, aun conservo la camiseta conmemorativa. Pasaron tres años para que el grupo grabara un nuevo disco “The House  of Blue Light” y en el 88 llegará un doble en directo “Nobody´s Perfect”, pero las relaciones entre Blackmore y Gillan no eran buenas lo que ocasionó la salida del grupo del cantante. En su lugar entró un viejo conocido de Blackmore, Joe  Lynn Turner, con el que publicaron “Slaves & Masters”, un gran disco según mi opinión. 




A partir de este momento las cosas se precipitan y los cambios en la formación se suceden. Primero despiden a Turner volviendo a la formación Ian Gillan y editando “The Battle Rages On” (1.993). Después sale del grupo Blackmore que es sustituido brevemente por Joe Satriani y posteriormente por  Steve Morse, Esta formación se estabilizaría y grabaría dos discos en estudio, “Purpendicular” (1.996) y “Abandon” (1.998), y varios en directo. Realizaron en el 99 una gira conmemorativa del 30 aniversario del “Concierto para  grupo y orquesta” la cual tuve el inmenso placer de asistir cuando recalaron en Murcia. Por otra parte en 1.998 Lord edita “Pictured  Within”, un magnífico trabajo que fue apoyado por una gira que dejaba entrever su salida de Deep Purple la cual se produjo en 2.002.



Liberado de los Purple en 2.003 graba un disco en directo “Jon Lord with Hoochie Coochie Men”, cargado de buen blues y nuevamente mostrando su virtuosismo con el órgano. Durante este periodo de su vida combinaría su amor por la música clásica, “Beyond the Notes” (2.004), “Durham Concerto” (2.007), “Boom of the Tingling Strings” (2.008), “To Notice Such Things” (2.010), con sus orígenes blues grabando un nuevo disco con “The Hoochie Coochie Men” (2.007). 




 Lamentablemente en 2.011 le diagnostican cáncer de páncreas y casi un año más tarde se produce su muerte.

Para ilustrar el artículo he decidido colocaros un tema de su época gloriosa con Deep Purple donde demuestra sus habilidades con el órgano Hammond y con algún sintetizador (ARP) que estaba empezando a utilizar. El tema es cuestión es “Space Truckin” lo solían tocar para finalizar las actuaciones.



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lunes, 26 de octubre de 2015

ANGE - Au delà du délire (1974) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

Grupo prolífico, aún en activo que con este 3º Lp en su cuenta alcanzan cotas difíciles de superar en lo que a su sonido se refiere. Formado por los hermanos Francis y Christian Decamps, realizan un rock progresivo y sinfónico original, con sello propio, singular, conjugando a la perfección la firmeza de las guitarras eléctricas con la calidez de la guitarra clásica.



Posiblemente la formación más solida en tierras francesas a lo que a este estilo se refiere. Muchos de los que se iniciarán en ese país quedan influenciados por ANGE. Al entrar en la década de los 80 decayó bastante la calidad de sus composiciones recuperándola en buen grado en los últimos tiempos.
Escuchando sus canciones encontramos atmósferas graves, cargadas de momentos tensos generadas en la mayor parte por los teclados de los hermanos Decamps que están omnipresentes a lo largo de la obra. Y a su vez dentro de un mismo tema cambiando radicalmente podemos degustar pasajes líricos que nos recuerdan a ambientes juglarescos, medievales y teatrales creados a través de una amalgama de guitarras acústicas tales como "Godevin le vilain", "Si j'etais le Messie"  y la estupenda  "Au dèla du délire" que claramente se divide en 2 partes, adornada por infinidad de sonidos de la naturaleza que nos transportan a las orillas de un río en plena noche de verano. Refrendado por el violín de Lostau y la carismática voz de Eric Bibonne, plena de matices expresando temor, amor, viveza, ira, dolor, tensión.....

Todo ello dentro de las letras imaginativas, soñadoras y completamente satíricas y burlescas que contienen este álbum y que son cantadas en su idioma patrio.







Temas

1- Godevin Le Vilain 00:00 
2. Les Longues Nuits D'Isaac 02:59 
3. Si J'étais Le Messie 07:13 
4. Ballade Pour Un Orgie 10:16 
5. Exode 13:36 
6. La Bataille Du Sucre (inclus La Colère Des Dieux) 18:36 
7. Fils De Lumière 25:04 
8. Au-Delà Du Délire 29:03

Formación
Eric Bibonne......voz
Jean Michel Brezovar: guitarra, voz
Christian Decamps: Teclados, voz
Francis Decamps: Teclados, voz
Daniel Haas: Bajo, guitarra
Gerald Jelsch: Batería
Michel Lefloch: .Voz
Henry Lostau: Violin

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.

domingo, 25 de octubre de 2015

FREDDY LINDQUIST- Menu 1970

Freddy Lindquist fue considerado por algunos el Hendrix noruego, junto a Terje Rypdal, es  uno de los mejores guitarristas de ese país.


Freddy Lindquist nació en Oslo en 1.946, su amor por la música comenzó en la escuela y fue fomentado por su familia ( su madre tocaba el acordeón y su padre la guitarra). Durante algunos años participó en numerosas bandas (The Giibbons, The Beatnicks, The Vanguards Rypquist, Jumbo, etc.) en 1.970 edita su único disco en solitario, "Menu". Posteriormente alternaría su carrera como músico con la de productor y actor.





La grabación representa el único disco en solitario de Freddy Lindquist que no solo se encarga de la guitarra , también toca el bajo, la flauta y percusiones. Los músicos que le acompañan son amigos del Club 7 de los Arne Bendiksen Studios, Freddy Dahl (voz),  Espen Ruud y Leif Jensen (batería), Geir Wentzel (teclados) y  Kalle Neuman (saxo). Su música nos muestra una especie de progresivo psicodélico, buena prueba de ello lo tenemos en el primer tema, "Sundae Sellers",  En "The green and pink little man" me recuerda bastante a Birth Control. El instrumental "Sharako" es una tierna balada donde Lindquist toca la flauta. Su homenaje a Keith Emerson lo encontramos en "How Nice". Incluso realiza una curiosa versión del conocido tema  "Black is Black". El disco finaliza con aires jazz y blues, "Join in and Freak out".






Temas

1. Sundae Sellers (Birkholm) - 00:00
02. The Green And Pink Little Man (Lindquist) - 04:49 
03. Ridin', Huggin' And Kissin' (Lindquist/Birkholm) - 08:58 
04. Sharako (Lindquist) - 11:41 
05. How Nice (Emerson) - 15:24 
06. Black Is Black (Wadey, Hayes, Graininge) - 19:25 
07. Woman Running Around (Birkholm) - 23:53
08. Join In And Freak Out (Lindquist/Birkholm) - 29:40

Formación
- Freddy Lindquist -guitarra, bajo, flauta, percusión, voz
- Freddy Dahl - voz
- Espen Ruud, Leif Jensen - batería
- Geir Wentzel - teclado
- Kalle Neuman - saxo

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viernes, 23 de octubre de 2015

Rockliquias en los 80: 1.981 Part. 2 (colaboración Christian Jiménez)

Hoy ya se termina la segunda parte del año 1.981, que también viene con algunas obras irrepetibles del año y de la década:

        -Precisamente una banda de San Francisco se haría por fin un hueco en la Historia que estaba deseando desde su formación ocho años atrás: JOURNEY.

Para muchos es el grupo de "AOR" por excelencia, con ventas millonarias y giras apoteósicas, quedando como influencia fundamental para otras formaciones que practicaron su mismo tipo de sonido. Su estilo se basa en la melodía, como no podía ser de otro modo, conjugada con dosis "rockeras", que aunque comerciales, eran de gran ritmo y energía. Sus discos eran muy adictivos y disfrutables y conseguían crear verdaderos himnos del "rock" con estribillos que no paraban de repetirse en sus multitudinarios conciertos.



Tras el genial "Departure" llegó "Escape" el 31 de Julio y conquistaron las listas de éxitos. El álbum llegó al n.º 1 en el Billboard estadounidense, al 6 en Canadá y de él se sacaron "singles" los cuales cuatro de ellos alcanzaron posiciones envidiables. Las ventas se dispararon masivamente. "Escape" se quedó como uno de los álbumes más vendidos de todo 1.981 siendo certificado un poco más tarde con nónuple Disco de Platino.

Prácticamente no había secretos ni fórmulas especiales. En el álbum se encuentra una armonía perfecta de comercialidad y dinamismo, de belleza y fuerza, de emotividad y rigor. Todas sus canciones están hechas para pillarte a la primera escucha, todas repletas de melodía, vitalidad y virtuosismo por parte de los cinco integrantes que las interpretan: el sentimental teclado de Jon Cain abriendo con la clásica "Don't Stop Believin'" (9.ª posición en los "hits"), ese rasgueo inolvidable de guitarra que empezaba "Stone in Love", la cálida voz de Steve Perry en "Still They Ride" (19.ª), los golpes de batería de Smith en la veloz "Dead or Alive", el piano que empezaba la dulce serenata "Open Arms" (2.ª)...



No hay otra, todos son himnos; de hecho el disco entero es un himno de "AOR" inolvidable e inmortal que a millones de fans les tocó la vena sensible, calificando este LP como el mejor en toda la carrera de JOURNEY y un estandarte en el "rock" de los '80.

Mejor canción: "Don't Stop Believin'"




        -¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya de este grupo que tiene 29 álbumes de estudio, 13 directos, cientos de "singles" y 24 recopilatorios quedándose como una de las bandas más longevas de la historia de la música "rock"? Porque desde 1.964, los Rolling Stones siguen sacando discos y cautivando a un montón de gente; que ya quisieran muchos grupos de ahora mantenerse en tan buena forma dentro de 50 años como estos londinenses creadores de un "rock" que siempre se ha mantenido en lo más alto de las listas, sobreviviendo a todas las épocas y experimentos que han marcado cada uno de sus LP's.



El 24 de Agosto, salido de la ardua colaboración entre los chicos de la banda y músicos de la talla de Ian Stewart, Billy Preston, Pete Townshend y Sonny Rollins entre otros, se publica "Tattoo You", formado por temas anteriormente descartados, y conquistan las listas de todo el mundo, consiguiendo la primera posición en el Billboard, el n.º 2 en las listas británicas y Cuádruple Platino en EE.UU. y Canadá.



"Tattoo You" trajo a los Stones más clásicos y genuinos, regalando a sus fans temas con ritmos y melodías adictivas y muy disfrutables, de puro "rock 'n' roll". "Hang Fire", "Neighbours", "Start me Up!", 2.º en el Billboard Hot 100, y "Little "T&A" " son buenas muestras de ello. El buen "feeling" que desprenden los nostálgicos y vibrantes "Tops", "Slave" y "Waiting On a Friend" hacen de este disco una obra dinámica y divertida por la que el tiempo no pasa.

Una obra irrepetible del "rock" de los '80 donde, aunque hubiese mucha tendencia creciente desligada totalmente del "rock 'n' roll" de toda la vida y mucha dosis metálica por aquel momento, los Stones (que sí sabían hacer "rock") supieron realizar la que fue, sin duda, su última obra maestra, no volviendo a lograr semejantes niveles de éxito con ninguno de sus posteriores trabajos.

Mejor canción: "Slave"


        -Un n.º 23 en las listas de EE.UU., una muy discreta posición en el 64 en las británicas; pero a veces la calidad importa más que las opiniones de la prensa y sus críticos "especializados", porque no así un disco que llevaba una Flying V con dos rayos impactando en su mástil llegó a Platino en tierras estadounidenses y al Oro en Canadá. De allí venían TRIUMPH, de Ontario, y siempre tuvieron que aguantar las comparaciones con sus coetáneos RUSH, cosa ilógica, porque sus miras musicales son bien distintas, pero estos críticos con tal de tocar las narices...



En fin, ellos no salieron con la N.W.o.B.H.M., sino que ya llevaban desde finales de los '70 en el rollo musical haciendo un "hard rock" poderoso de gran melodía, pero el álbum del que hablamos ahora demostró su gran valía en el nuevo reinado de "heavy metal" que imperaba por todos los rincones del Globo.



"Allied Forces" fue el quinto de aquella progresión y salió el 19 de Septiembre, quedando como una de las obras maestras del "hard rock" de aquellos años. La cohesión que consigue el "power trio" entre sus habilidades "rockeras" y su vertiente más melódica es algo magistral. Así salía la severa y potente "Air Raid/Allied Forces" y la "boogie" "Hot Time in this City Tonight" dándose la mano con las más progresivas "Ordinary Man" y "Fight the Good Fight" y las muy melódicas "Fool for your Love" y "Magic Power", que llegó al 8 en los "hits".

La versatilidad y maestría de Rik Emmett a las seis cuerdas y a la voz, la de Gil Moore a la batería y la de Mike Levine al bajo es admirable y queda bien patentado en este disco, la cima creativa de toda la obra musical del trío de compositores que dejó bien claro lo absurdas que eran las comparaciones con RUSH.

Mejor canción: "Ordinary Man"




        -Ya nombrados aquí en el anterior especial, AC/DC vivieron uno de sus momentos cumbre, musicalmente hablando, gracias a un disco con una portada en la que salía un cañón sobre un fondo naranja, en las navidades del 20 de Noviembre. "For those About to Rock, We Salute You" fue para muchos un triunfo, para otros una dudosa intención de querer vender al mismo nivel que "Back In Black", cosa que no iba a pasar, claro está.



Pero no así, tras la pésima decisión del presidente de Atlantic en América, Doug Morris, de poner a la venta el "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" de 1.976 que no se había distribuido en EE.UU. en la época (llegando a ponerse en lo más alto de las listas, cosa que destrozó a la banda, ya que se habían partido las espaldas para presentar a su nuevo "frontman" Brian Johnson), el nuevo LP llegó al n.º 1 en el Billboard y al 3 en Inglaterra, obviamente no llegando a las masivas ventas del anterior, pero cerrando una trilogía dorada que había empezado con "Highway to Hell".

Como dijo Mick Wall, aquello fue mérito, sin duda, de la sobresaliente producción de Robert J. "Mutt" Lange, responsable de obras capitales como el "4" de Foreigner y el "Pyromania" de Leppard, que era un tremendo perfeccionista y que hasta que no conseguía el sonido que tenía en su cabeza no paraba. Así hizo que un puñado de canciones corrientes que parecían sobras de "riffs" reciclados se convirtiesen en joyas del "rock".



Con un enfoque más pesado y en cierto modo más "heavy" que "rockero", se configuraban 10 perlas donde Johnson se quebraba las cuerdas vocales como nunca, los Young facturaban "riffs" enormes de gran calidad y los golpes de Phil Rudd retumbaban con una dureza inconmesurable en cortes típicamente AC/DC como son "Inject the Venom", "Breaking the Rules", "Evil Walks" y "Let's Get It Up". Dos destacan por encima de todos: el adictivo "Night of the Long Knives", al estilo del "heavy metal" melódico que se guisaba en EE.UU. en aquellos '80, con unos potentes y de alguna manera emotivos coros, y el titánico "For those About to Rock, We Salute You!", de lento y machacón comienzo hasta llegar a su final de infarto, con guitarras y baterías atronadoras y restallido de cañones por doquier; uno de los más grandes himnos del "rock" de todos los tiempos que sigue volviendo loco al público hoy en día en los conciertos.

Así acabaría la suerte de AC/DC debido a la baja calidad de sus posteriores discos hasta 1.990. Aquí, todavía, se puede disfrutar de la grandeza de estos inimitables músicos.

Mejor canción: "For those About to Rock, We Salute You!"




        -Hubo muchos discos en directo en el año '81; el "No Sleep 'til Hammersmith" de Motörhead, que llegó al 1.er puesto en las listas británicas, el "Capture" de JOURNEY, el "Reckoning" de Grateful Dead o el "'Snaz" de Nazareth, pero yo no puedo evitar elegir el que hizo un nativo de Michigan llamado Theodore Anthony Nugent y que salió el 1 de Marzo de 1.981.



"Intensities in Ten Cities" es un documento esencial sobre cómo funciona este hombre en un concierto. Cómo hacía sonar las seis cuerdas de su Gibson Byrdland, qué gritos pegaba y cómo vociferaba el público para verle descargar toda su intensidad y energía en el escenario. Además, este plástico tiene algo de especial. Las canciones incluidas son de las diez últimas fechas del tour que realizó Nugent en 1.980; diez temas que no pertenecen a ningún disco de estudio, tocados sólo en directo porque él mismo decidió no grabarlas posteriormente ya que creyó que quedaban muy bien tal como estaban, con la garra que tenía el escuchar la voz del público de fondo.




Detroit, Buffalo, Cleveland, Toronto, Montreal, Boston, New Haven, Pittsburgh, Rochester y Providence fueron los lugares con afortunados que serían testigos de 10 auténticos temazos de "heavy metal" inmisericorde marca de la casa. Es difícil no distinguir la particular manera que tiene este músico de hacer rasguear las cuerdas de su guitarra y de su garganta y dar pie, con su chulería y maestría a partes iguales, a descontrolados trallazos como "Spontaneous Combustion", "Heads Will Roll", "Land of a Thousand Dances", "My Love is Like a Tire Iron" o la instrumental "The T.N.T. Overture".

Acompañado de una banda sencillamente letal con Charles Huhn, Dave Kiswiney y Cliff Davies, y producido de forma perfecta por este último y Ric Browde, este arrasador trabajo fue el último que Nugent realizaría con Epic Records y que llegó al 17 en Canadá, a las listas Billboard y a la de los 10 mejores álbumes en directo de la historia del "rock"...ahí es nada.

Mejor canción: "My Love is Like a Tire Iron"




Hasta aquí llegan los 10 discos otra vez, aunque ese mismo año tampoco se pueden olvidar algunos trabajos que también estuvieron en lo más alto.

Uno de ellos es el soberbio "Come an' Get It" de Whitesnake, para muchos el mejor álbum del grupo, y no precisamente después del "1.987". Otro que estuvo el 1.º de la lista de Pop Albums fue el conceptual y aclamado "Paradise Theatre" de STYX. También Moody Blues alcanzaron el 1.er puesto de los Billboard con su última obra maestra "Long Distance Voyager", el más comercial de la formación, donde significó mucho la entrada de Patrick Moraz y sus teclados.

Por su parte Van Halen publicaron el disco más extraño de su carrera, "Fair Warning", denso y oscuro, y sobre todo confuso para los fans, un reflejo de las tensiones que ya había en la banda. La trituradora Wendy O. Williams publicó uno de los mejores álbumes al frente de sus Plasmatics, "Beyond the Valley of 1.984". Bruce Dickinson también apuntaba muy alto, antes de meterse en Iron Maiden, en el "Shock Tactics" de su grupo SAMSON.

Habían algunos que insistían para hacerse un hueco, como FOGHAT con su "Girls to Chat and Boys to Bounce", primero con Erik Cartwright. Así, el gran Marvin L. "Meat Loaf" Aday llegó con uno de sus mejores trabajos desde el "Bat Out of Hell", "Dead Ringer", más comercial, ágil y no tan difícil de escuchar, donde, como curiosidad, hasta llegó a participar Cher en el tema "Dead Ringer for Love". Reo Speedwagon crearon escuela en 1.981 con un album que fue publicado en Diciembre del '80 llamado "Hi-Infidelity" y que significó su mejor aportación al incipiente mundo del "AOR" ochentero. Y una leyenda del "heavy metal" alemán, Lucifer's Friend, publicó un genial regreso a sus raíces más "rockeras" con "Mean Machine", que también significó el regreso del vocalista John Lawton.

Algunos inauguraban nuevas formas de ver el "heavy", como un "power trio" llamado VENOM que sacó el primer álbum de "black metal" de la Historia: "Welcome to Hell". O los Mötley Crüe, que capitanearían la siguiente explosión de "heavy metal" americano, y que comenzó en aquellas soleadas costas de L.A., con su "Too Fast for Love".

Y en España, aunque el germen musical de las anteriores generaciones más arraigadas a nuestra tierra no se iba ni a la de tres (aquí teníamos a Rocío Dúrcal, Julio Iglesias, Camarón, Jeanette, y ser "heavy" en nuestro país no era lo mismo que serlo en EE.UU., desde luego, y ni estaba tan bien mirado), y se desarrollaba lo que se llamaría Movida Marileña, con gente como Alaska y los Pegamoides y Nacha Pop (y muchos más...que tenían sus seguidores, ¿eh?), bandas como OBUS, Leño, Los Suaves y Barón Rojo dejaban claro que se podía seguir manteniendo viva la llama del "rock", tal como hicieron The Storm o BLOQUE.

Así que aquí termina 1.981. La siguiente lista de 1.982 seguramente sea la más interesante que vaya a hacer, pero eso ya será la siguiente semana. 


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