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miércoles, 30 de septiembre de 2015

IRON MAIDEN - Maiden Voyage 1.970 (colaboración J.J. Iglesias)

Nunca he comprendido porqué no hubo una ferrea ley que prohibiera el uso de nombres de grupos ya usados. Y me da igual si no estaban registrados. Hay que tener un poco de orgullo y dignidad cuando se trata de hacer cualquier tipo de manifestación artística. Así nos va, que tenemos la historia del rock plagada de repeticiones y de liadas gordas. Y ahí tenemos a Gun, Nirvana, Skid Row, FM, Genesis, Asia ( lo de estos es de traca, algún día lo cuento), Mr. Big, Sotrm, Ghost, Pentagram, Camel, Lone Star y cientos más de bandas con el mismo nombre que no hace mas que llevar a equívocos. En el caso de Iron Maiden ya es la repanocha. Porque no hablamos de dos, sino de tres grupos en Inglaterra, con el mismo nombre y estilo (dependiendo de años). Así se fueron turnando, sin tener nada que ver unos con otros, y coincidiendo en el tiempo hasta "dos Iron Maidens" a la vez.




Los que hoy presentamos fueron los primeros, formados en Basildon por Barry Skeels (bajo, voz, Steve Drewett (voz, armónica), Trev Thoms (guitarra) y Steve Chapman (batería). Inicialmente conocidos como Bum, abrieron conciertos para Fleetwood Mac, The Groundhogs, King Crimson y Jethro Tull. Y posteriormente como Iron Maiden telonearon a The Who, Amen Corner, David Bowie e High Tide. Así que no se codeaban con mediocres. Y es que su estilo, una suerte de hard-blues-psych con proféticos guiños doom encajaba en la marea progresiva perfectamente. Finísima la guitarra de Trevor Thoms, desarrollos inteligentes y sección rítmica entre jazzy y el tándem de Cream. De hecho su bajista Barry Skeels puede recordarte al mismísimo Steve Harris en sus cabalgadas trotantes típicas.¿ A caso el pequeño Steve escuchó este material en su juventud?.
La inicial "Falling" sería perfecta para una versión de los actuales Maiden, y no es la única!. Un material que nunca llegó a salir en forma de álbum en su tiempo. Sino que fue grabado entre el 69 y el 70 en singles y compilaciones de desconocidos sellos.  Hasta que en 1.998 se recopiló para formar parte de lo que hoy conocemos como "Maiden Voyage".


La banda se disolvió en 1.972 con Trevor Thoms trabajando para The Spirit of John Morgan, Steve Gibbons o Pink Wind (banda formada por miembros de Pink Fairies y Hawkwind, y liderada por Twink). Barry Skeels entró como bajista en Zior, otro ilustre nombre un par de "rockliquias" más que coleccionables. Luego fue técnico de bajo para Venon, tour manager de Skyclad y propietario del famoso bar Rock Club.



Si en el 72 nos quedamos sin esta fenomenal banda, desde el 70 llevaba funcionando un power trío de Bolton llamado igual, dándole al hard rock musculoso al estilo de Budgie o Thin Lizzy y comandado por el ya desaparecido Ian Boulton Smith. Estos duraron hasta el 76, y tienen editado el cd "Maiden Flight", , como The Bolton Iron Maiden. Incluye demos, temas live y otras rarezas de la banda. Editado con el permiso de Rod "Smallwood", todopoderoso manager de los actuales Maiden.... El cinismo de la gente de la industria musical no tiene límites. Qué coño de permiso, si fueron ellos antes!! Casualmente, mas o menos a la separación de los de Bolton, es cuando Steve Harris puso en marcha su proyecto. Se rumorea que en el 76 este tuvo una llamada amenazando con tomar medidas legales por el uso del nombre. Pero nada pasó. No estaría mal entrevistarlo sobre este asunto. La cuestión clara es que su luego archifamoso grupo siempre ha flirteado con el rock progresivo. T mas en los dos últimos álbumes.

Volviendo a "Maiden Voyage", estamos ante un tremendo artefacto de proto-doom, psych y hard blues con recordatorios a Wishbone Ash, T", Black Window, Necromandus, Fuzzy Duck y demás monstruos de los de verdad (nada de "Eddies"). Que debieron alcanzar más reconocimiento (al igual que los segundos), y que la suma de éstos se la quedó el grupo jevitrón. Otra injusticia más,,, Pá variar!!



Temas

01. Falling 00:00
02. Ned Kelly 06:13
03. Liar 09:35
04. Ritual 22:02
05. CC Ryder 30:55
06. Plague 37:15
07. Ballad Of Martha Kent 45:46
08. God Of Darkness 52:46

Formación
Barry Skeels: bajo, voz
Paul Reynolds ; batería (tracks: 3 to 8)
Steve Chapman: batería (tracks: 1, 2)
Trevor Thomas:guitarra, voz
Steve Drewett : voz

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lunes, 28 de septiembre de 2015

VUELA, SEÑOR HALCÓN - Homenaje a Antonio Tenas (colaboración J.J. Iglesias)

Me tocó no hace mucho despedirme de Chris Squire. No será, me temo. la última despedida. Pero todavía duele más profundamente cuando se trata de un amigo de siempre. Un alma gemela en un mundo carroñero, lleno de buitres y embrutecimiento absoluto. Él diría de Orcos, dado su desmedido amor por la obra de Tolkien. No le venía de reciente, por la moda de las películas. El era, a su manera, un hippie romántico y apasionado por la belleza. Y "El Señor de los Anillos" fue una biblia para esa generación. Como Hesse y tantos otros que "nos diseñaron", por fortuna.



Lo conocimos Juan Carlos Miñana y yo, dos adolescentes de pelo largo. Uno rubio y otro moreno, cual Zipi y Zape locos por la música, allá por 1.978-79. En Radio Juventud de Zaragoza y su programa "Radio Import". Le caímos en gracia y "nos apadrinó", dejándonos los micros para hacer nuestros primeros escarceos musicales. Cuando vimos su colección de discos (de vinilo of course), fue como ver a una mujer desnuda por primera vez. Alucinante. Aprendíamos, pero picados en nuestro orgullo, también le descubrimos cosas. Era un no parar de cintas TDK!. El me grabó mi cinta de "All the World's a Stage" de Rush... ande andará!!. 



Pero pronto dio su primer bandazo y vendió su colección en el Rastro para comprarse sintetizadores. Por entonces a precios imposibles. Ceo que el primero fue un Siel que nos encantaba aporrear. Se sentaba, y le fascinaba oírnos, simplemente por extraer sonidos de aquel modesto sinte. Nosotros no teníamos ni idea , pero nos creíamos Keith Emerson. Luego fue a más. Korg MS20, MS10, SQ20, Polysix... así hasta montar la banda de synthpop (tecno pop entonces), Vocoder, en los 80. Grabaron con el gurú de la electrónica hispana, Michael Huygen (Neuronieum). Aunque Antonio siempre me dijo que "el tío no hizo nada, mas que cobrar". Llenaron La Romareda con Mecano, y rescataron recientemente su material desde los USA, que cosas!. En Dro los cuidaban,y hubo buena relación con Servando Carballar y sus Obreros Especializados hasta la actualidad, me consta. Fue representante de la compañía indie que se convirtió en un imperio. 



Luego nuevo bandazo. Promotor de conciertos. A él le debemos lo grande ( o casí) que por Zaragoza, y otras ciudades, pasó: Aerosmith, Jethro Tull, Yes, Kraftwerk, Europe y un montón más de inolvidables conciertos.En éste último tuve el honor de ayudarle en tareas de organización. Sin perder nunca esa amistad tan bien fraguada desde los finales 70. 






Más tarde se involucró en la asociación Tolkien España. Como siempre dándolo todo al 100 %. Me pidió que hiciese una conferencia sobre la música rock en el universo Tolkien, allá por los 90. Y aquel muchacho (yo) que lo más que sacó en el colegio fue un borrador del profe volando por mi cabeza, dió una conferencia en el aula magna de Filosofía y Letras. Con Antonio todo era posible. En los últimos tiempos, semi retirado pero siempre lleno de ilusión, seguimos con nuestras colaboraciones mutuas. Volvimos a dar una conferencia, esta vez juntos, en una Expo. Pinchamos en Linacero Bar, siempre música relacionada con Tolkien. E incluso teníamos en mente crear nuestro propio dúo electrónico, esta vez totalmente kraut. En 2.014 hubo ensayos positivos y un nombre: Audio Generador Mordor and Moroder. El título lo dice todo. Incluso una copia de la maqueta que hicimos (sí, solo una), debe de andar por algún rincón de su estudio. 


Quedábamos casi todas las semanas, y en los últimos tiempos habíamos retomado a otro futuro miembro, otro "historico", Albedrto Torr'o. Batería y voz de Zigermaz y Audrey (bandas progresivas de los 70). Y defensor a ultranza, como nosotros, de estas músicas. Fundador del mítico fanzine Lunar Suite en los 90, en el que colabor'e, y de donde saldría su escisión, mi propio fanzine Atropos. Ambos son recordados hasta hoy en foros de la web. Nuestro propio "Tangerine Dream" estaba casi diseñado...





El último día en su casa, estuvo muy profundo. Nos habló de la vida, la muerte y sobre todo, de la salud. Había tenidoun amago, que él me dijo"lipotimia". Nos puso fotos de su infancia, con su hermano pequeño, también fallecido. Y otras que yo no había visto en las que salía él con RAlf y Florian (Kraftwerk) y Jon Anderson (Yes). Me dejó el documental "Baron Rojo: LA Película", diciendome: "Tienes que verla, es una partida de culo". La he visto. Pero no me rio. Es mi último recuerdo de Antonio Tenas. No el único. Me regaló un disco duro lleno de archivos personales, fotos, memorabilia de Vocoder, así como toas sus maquetas, hasta con Carmen Paris. Y muchos sentimientos e ideas positivas. Ahora ya eres libre de todo aquello que te oprimía. El mayor fan de Quicksilver Messenger Service t ante todo, Hawkwind, ya vuela alto, muy alto. Vuela, Señor Halcón.



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domingo, 27 de septiembre de 2015

A FOOT IN COLDWATER - A Foot In Coldwater 1972

A Foot In Coldwater (termino inglés que significa mala suerte) fue una banda canadiense que no tuvieron el reconocimiento que merecían y que alcanzaron cierta popularidad con el tema "(Make Me Do) Anything You Want".


El grupo se formó  en los inicios de la década de los 70 en Toronto como resultado de la unión de  Paul Naumann (guitarra) y Alex Machin (voz) del grupo Island, y Hughie Leggat (bajo), Danny Taylor (batería) y  Bob Horne (teclados) del grupo Nucleus. En el 72 lanzan su primer disco "A foot in Coldwater" que contenía "(Make Me Do) Anything You Want" que llegó a los primeros puestos de las listas canadienses.  Un año más tarde editarían "A Second Foot In Coldwater " y en el 74 " All Around Us" no llegando a alcanzar el éxito deseado. En 1.977 fichan por la discográfica Anthem y editan "Breaking Through", diversos cambios en su formación precipitan el fin de la banda.



Primer disco de esta banda canadiense que contiene su gran éxito "(Make Me Do) Anything You Want" una gran balada con un conocido  solo de guitarra, La banda realiza un buen rock  teniendo al frente la gran voz de Alex Machin apoyado en todo momento por la guitarra de Paul Naumann y los teclados siempre presentes de Bob Horne. Otros temas destacados podrían ser "On the Wind", "Yalla Yae" o "In Heat" con buenos riffs de guitarra. En "Fallen Man" volvemos a tener una delicada balada.




Temas

1 On The Wind 00:00
2 Yalla Yae 04:05 
3 Deep Freeze 07:57 
4 (Make Me Do) Anything You Want 11:44 
5 Who Can Stop Us Now 16:55 
6 Alone Together 20:14 
7 Fallen Man 23:21 
8 In Heat 27:17
9 Lady True 33:26

Formación
Hughie Leggat: bajo
Danny Taylor :batería
Paul Naumann :guitarra
Bob Horne: teclados
Alex Machin: voz

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viernes, 25 de septiembre de 2015

BROKEN GLASS - Broken Glass 1.975 (colaboración Christian Jiménez)

Hay momentos en la vida de una persona en los que resulta inevitable sufrir un flechazo en el mundo del arte. Puede ocurrir con el film de ciencia-ficción de Kubrick "2.001: Una Odisea en el Espacio", con la novela negra de Richard Stark "A Quemarropa" o con el cuadro "cubista-analítico" de Feininger "La Señora de Malva".
Esos diversos elementos reflejan nuestros valores y buenos gustos a la hora de hablar sobre el arte y el talento que se expresa en ello.
Así que con la música pasa igual. Uno puede quedar maravillado con el 4.º movimiento de la 9.ª sinfonía de Beethoven o con las sensibles notas de "...While my Guitar Gently Weeps" de los Beatles.

...Pues justo eso me pasó a mí cuando escuché este disco. Disco que encontré hace unos dos meses y que creo que he escuchado demasiadas veces para el tiempo que ha pasado desde entonces. Pero es que lo merece, desde luego.



Aunque para hablar de él primero hay que escarbar en la Historia, saber quién es su artífice y el hombre que formó la banda que lo desempeña, Broken Glass...y hablamos de Stanley F. Webb.
Este experimentado guitarrista/vocalista nació en el Suroeste de Londres, en Fulham, y llegó a ser parte nada menos que de la primera alineación de la banda de "blues" Chicken Shack, formada en 1.965 junto a Andy Silvester y Alan Morley.
En el '68, Chris Perfect se une y Dave Bidwell sustituye al otro batería Morley y juntos sacaron bajo el sello Blue Horizon Records "Forty Blue Fingers, Freshly Packed and Ready to Serve", que llegó al puesto 12, cuando el "R&B" pegaba fuerte en Inglaterra. Ese grupo, con innumerables cambios en la formación continuó acumulando buenos álbumes de ritmos "blues" en su discografía.
Más tarde en el '71 Silvester y Bidwell se mudan a las filas de otra formación de "blues" que también estaba empezando a cosechar cierto éxito, Savoy Brown, una que vio un auténtico ir y venir de cambios (por donde pasó gente como Martin Stone, Dave Peverett, Bill Bruford, Robert Hall, Roger Earl o Paul Raymond) y en la que el propio Webb fue guitarrista y vocalista para el LP "Boogie Brothers" que saldría en el '74.

Con ese ritmo de vida, de proyecto en proyecto, cual alegre abeja libando néctar yendo de flor en flor, Webb decide desmarcarse de otras bandas y crear la suya en un alarde de inspiración.
Y así llegamos aquí, a 1.975. Webb se marchó de Savoy Brown y se reunió con Rob Rawlinson (Ian Hunter Band) al bajo, Rob Blunt (Silverhead) y Miller Anderson (Dog Soldier) a las guitarras y Mac Poole (Warhorse) a la batería y bajo la producción de Edward Anthony Ashton y el sello Capitol Records editaron un único álbum, uno. Pero es uno que vale para recordarse por siempre, para definir el "rock" en el año 1.975 junto a otras joyas como "Caught in the Act", "Sabotage", "High Voltage", "Hair of the Dog" o "Force It", por nombrar sólo unos pocos.



Este "Broken Glass" es un álbum del que te enamoras al instante, sin duda. Teniendo en cuenta el origen de la alineación de músicos que hay aquí el resultado seguro que será bueno y, sobre todo, muy disfrutable y entretenido.

Lo es, porque lo que encontramos aquí es un cúmulo de buen "feeling" y sonidos que te llevan a diversos rincones setenteros del mundo de la música, pasando por "rock", "blues", "country" y hasta "funky", y que te recuerdan a FACES a ratos, a Grand Funk Railroad a veces, a J.J. Cale en alguna ocasión, a Creedence Clearwater Revival escuchando bien...
En fin, al buen "rock" de siempre, al de toda la vida, al que te hace moverte, al que te pone las pilas, al que sobrevive por encima de tendencias y modas absurdas...al que te gusta sí o sí.
Y eso lo tenemos en las dinámicas "Standing On the Border" y "Crying Smiling", con Webb sonando enteramente como Rod Stewart; "Take the Water", que nos transporta a las tierras sureñas de Lynyrd Skynyrd y la muy pegadiza "It's Alright", con ecos de los escoceses Stealers Wheel y que, de algún modo, presagiaba lo que iban a hacer Dire Straits unos años más tarde.
"Jersey Lightning" nos da un animado, directo y entrañable "country rock" en la más pura línea americana de CCR para luego seguirle una dura "It's Evil!", que puede inevitablemente recordarnos al cruento "rock" de CACTUS, por ejemplo.
La preciosa "Broken Glass" cierra el disco con una voz nasal y una melodía exquisita que parece sacada del "Stand Up" de Jethro Tull, pudiendo ser una lejana pariente de aquella "Back to the Family".

Aunque yo destaco tres por encima de todas:
        -Primero una extraña aunque entretenida "Keep your Love", una genial muestra de alegre "rock", "soul" y "reggae" de la que Bob Marley y Joe Hicks estarían orgullosos a partes iguales. Es difícil no relajarse e incluso entrar en fase REM con las buenas vibraciones del profundo ritmo del bajo, los coros y la suave voz de Webb en este comercial corte sin ningún desperdicio.
        -Luego "Ain't no Magic", un espeso tema de retazos "funk" sobre una base repetitiva, ritmos y melodías bailables y a la vez experimentales, y una atmósfera levitante, intensa si se prefiere, que consiguen que sus 5 minutos se pasen muy rápidamente. Además, prestando atención y escudriñando en lo que se está oyendo esta composición podría ser un presagio de géneros tan distantes como el "garage rock", el "space rock", el "grunge" o hasta el mismísimo "stoner" que se pondrían de moda en los '90 emulando a la psicodelia setentera.
        -Y por último el mejor: el añejo "blues" de Humble Pie que se encuentra en "Can't Keep you Satisfied", tema que pondría los pelos de punta a Steve Marriott, Leslie West o Rick Danko. Esta es una canción con energía infinita que se mueve lenta pero agresivamente entre crudas guitarras, perfectos teclados y una rasposa voz que nos hace respirar la atmósfera "rockera" de los pubs californianos: sus olores de humo y whiskey, de sudor resbalando por los mástiles de las guitarras, del calor que desprendían los amplificadores, de la electricidad y distorsión que se pegaba en las correosas paredes, etc.

Razones más que suficientes hay para acercarse a esta auténtica obra maestra, porque no se la puede llamar de otra manera, descubrirla paso a paso y asimilarla mientras se escuchan una multitud de ramificaciones musicales en sus 39:25 minutos, que se pasan volando, y que te hacen volver a querer escucharla.
No es que la venta de este disco fuese masiva, porque la promoción del mismo fue bastante limitada, así que Webb volvió con sus antiguos compañeros de Chicken Shack...
¡aun así!...sería una auténtica lástima no buscar este disco tan irrepetible, tan ingenioso y tan variado, porque es de esos que enganchan, que si se recuerdan es por algo, que te gustan y que no llegan muchas veces a nuestros oídos.
Es de esos que hay que escuchar antes de morir...y no exagero para nada.

Mientras, Webb, ya con 69 años, sigue demostrando aún ser un genio de la guitarra como lo hizo en su álbum en solitario de 2.001. Y es que, por muchos grupillos y personajillos que siguen saliendo hoy en día, y que los ignorantes y difamadores del mal gusto les dan el nombre de "artistas" (podría hincharme a decir, pero no viene al caso), jamás se podrá olvidar a verdaderos artistas como el que nos ha ocupado hoy y a otros muchos de su época que hicieron historia, a miles de años luz de la pobredumbre musical que hay actualmente a nuestro alrededor.




Temas

1 Standing On The Border 

2 It's Alright 
3 Keep Your Love 
4 Can't Keep You Satisfied 
5 Jersey Lightning 
6 It's Evil 
7 Ain't No Magic 
8 Crying Smiling 
9 Take The Water 
10 Broken Glass

Formación
 Miller Anderson : guitarra, voz
 Rob Rawlinson: bajo
 Mac Poole: batería
Robbie Blunt: guitarra
Tony Ashton: teclados
 Stan Webb : guitarra, voz
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miércoles, 23 de septiembre de 2015

TERRY BROOKS AND STRANGE - Rock The World 1.980 (colaboración J.J. Iglesias)

Si yo fuera una buena persona, os recomendaría que le hincarais el diente para empezar a conocer a este señor, a sus dos primeros discos: "Translucent World" (1.973) y "Raw Power" (1.976). Pura psicodelia hard que bien podría ser la respuesta americana a Hawkwind. Pero como tengo muy mala baba, pues me voy derecho a este desfase de guitarra exagerada y power trío bruto y rural. Que sé que os gusta.


Este doble álbum  no se editó hasta 1.998. Y fue por la cabezudería de dos hermanos italianos, poseedores del sello Akarma. Vía contacto directo con Pat Ernst, conocido vendedor de vinilos de segunda mano en los USA, que fue quien les presentó a Brooks. El tira y afloja hasta la publicación de "Rock the World" duró hasta finales del siglo XX. Pero esta grabación pertenece al tour del álbum "To Earth with love" (1.980). Y que fue grabado en Orlando, Florida, en los famosos Criteria Recording Studios, ante un (intuyo que) reducido público tan friki como su protagonista.
Y como veo que por estos pagos os va eso de los power trios viejunos, os endilgo la madre de todas las degeneraciones guitarreras. Porque aquí Terry Brooks no da tregua desde el minuto uno del partido.





 Comienza la cara A noqueando piños con "Mr. Strange" (7:57) y "Child of the City" (8:11). Ambas unidas y gracias a que el señor de la mesa de mezclas se mete una bajada de fader, que si no ahí lo tendrías al tío, dándole sin parar. La cara 2 estangula (de verdad) con los 17;35 minutos de "You will be love". Donnie Cappetta (batería9 y Mark Bishop (bajo) son sus perfecto esbirros. Ofreciendo una base rítmica-raga-petrificada ideal para sus sobradas, feedbacses cortantes, efectos aulladores y mala ostia sin contener que exhibe este hombre.... Se diría que haya conocido al ministro Montoro. En el interior del álbum inserta una cita de Jimi Hendrix.

Pero creo que Brooks está mas cerca de las incontinencias sónicas de Ted Nugent o Frank Marino. "Rock the World" deja a "Double Live Gonzo" convertido en música para ascensores. Es mucho más bruto, guarro y casi cercano a los Stooges, por lo menos en lo que se refiere a la voz. En realidad es una punkarrada-psicodélica-mega-stoner inmisericorde con tus neuronas.

La cara C abre con "Rock the World" (13:49), ahora exagerado en plan instrumental por si no tenías bastante. Seguida de un blues (?) o así, titulado "Down and Dirty Blues"(7:21) para que no haya dudas. La última ráfaga en la cara D nos entrega cuatro cortes: "Rock'n'Roll Woman" (5:51)esta sí, mas en territorios de Nugent, "Botton Line" (7:02) podría estar en los primeros discos de Kiss (Ace Frehley se incluye como influencia), si no fuera por la jam-desfase central. En "Dream"(4:53) por fin se nos tranquiliza, con lo más parecido a una balada cósmica, con tecladode fondo, y que me recuerda a Eloy o Jane. Finalizando con "Nwe YorkConnection" (4:39), tema comercial hard rock, con coro femenino, y que no me parece que pertenezca a la misma sesión de directo. 

Aviso: este no es un gran disco. Es un disco GRANDE. En su exageración, desfases y excentricidad mastodóntica. Entretenido y notable, pero en pequeñas dosis. A mí me gusta la longaniza, pero no me comería una ristra entera. Pues a eso voy. Take it easy, man!







Temas
1 Mr. Strange 00:00 
2 Child Of The City 07:57 
3 You Will Be Love 16:09 
4 Rock The World 33:44 
5 Down And Dirty Blues 47:34 
6 Rock And Roll Woman 54:54 
7 Bottom Line 01:00:52 
8 Dream 01:07:50 
9 New York Connection 01:12:42

Formación
Donnie Cappetta: bajo
Mark Bishop : batería
Terry Brooks: guitarra, voz

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domingo, 20 de septiembre de 2015

JANE - Live At Home 1.976

Jane fue una banda de krautrock que incluso llegó a ser comparada con los Pink Floyd, afirmación , en mi opinión, un tanto excesiva a pesar de su gran calidad.


Sus orígenes los podemos encontrar en Hannover en 1.970. Después de la disolución de "Justice for Peace", Peter Panka (voz, batería), Klaus Hess guitarra), Werner Nadolny (teclados). Charly Maucher (bajo) y  Bernd Pulst (voz) formaron Jane. Su primer disco tardo en llegar dos años, "Together". con el que obtuvieron un notable éxito. con numerosos cambios en su formación graban "Here We Are" (1.973) y un año más tarde llegaría "Jane III", disco netamente guitarrero. Nuevamente cambios y más cambios en la formación llegando a grabar "Lady" en el 75. Con el regreso de Nadolny a la formación editan su obra más representativa "Fire, Water, Earth and Air " (1.976), tras la cuál volvió a abandonar la banda. Ese mismo año graban su primer disco en directo "Live at Home".  Sus dos siguientes discos mantuvieron el nivel, "Between Heaven and Hell" (1.977) y "Age of Madness" (1.978). Su octavo disco en estudio, "Sign No. 9" sería un autentico fracaso. En los ochenta realizaron algunas grabaciones de inferior calidad ("Jane" (1.980), "Germania" (1.982) y "Beautiful Lady"(1.986)).


La grabación nos muestra a Jane en directo en su ciudad natal el 13 de Agosto de 1.976. Realizan todo un repaso a su obra hasta la fecha. Temas memorables como "All my friends", "Lady", "Out in the rain" o "Fire, Water, Earth & Air" rayan a gran altura pero sobre todo los pasajes instrumentales de "Hagman" y "Windows" con más de 18 minutos de buen krautrock. Totalmente recomendable.






Temas
1.- All My Friends 00:00
2.- Lady 04:58 
3.- Rest of My Life 08:43
4.- Expectation 13:25 
5.- River 18:54 3:15
6.- Out in the Rain 22:53
7.- Hangman 29:00 
8.- Fire, Water, Earth & Air 41:05 
9.- Another Way 45:00
10.- Hightime for Crusaders 50:45 
11.- Windows 55:30

Formación
Klaus Hess : voz, guitarra
Martin Hesse : bajo, voz
Peter Panka batería, voz
-Manfred Wieczorke : teclados, voz

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viernes, 18 de septiembre de 2015

BANG - Bang ! 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

En muchas ocasiones hemos podido ser testigos de cómo la carrera de una banda se acababa tras realizar uno o dos álbumes y desaparecía sin dejar el menor rastro.

Tenemos algunos ejemplos como el de Armageddon y su debut de 1.975, Leaf Hound con su "Growers of Mushroom" en el '71 o WARPIG en el '70. Unas veces porque eran tildadas de imitar a otras formaciones más importantes, otras por discusiones entre sus miembros y otras porque, simplemente, no tenían ni carisma ni éxito entre el público.

Pero los sucesos que le ocurrieron a este grupo original de Philadelphia no podrían haber sido más injustos y crueles.




En 1.969 los jóvenes Frank Gilcken (guitarrista) y Frank Ferrara (bajista/vocalista) se unieron con Tony Diorio a las baquetas, que casi les doblaba en edad, para conformar así un "power trio" llamado The Magic Band tras descartar la colaboración de un teclista en su grupo.

Ellos, más que seguir la estela del "hippie rock" americano y psicodélico de la época que practicaban Jefferson Airplane o Grateful Dead quisieron continuar por el sendero que trazaron Blue Cheer en San Francisco y Deep Purple en Inglaterra, por lo que se vieron muy influenciados también por el "rock" británico de corrientes progresivas al que tanto contribuyó King Crimson en 1.969.
Poco después, Diorio cambiaría el nombre del grupo por el de BANG, gracias a un artículo que estaba leyendo en la revista musical "Rolling Stone" y que rezaba, en paráfrasis, "The British groups bang in U.S.A.".

Tras promocionarse durante un tiempo viajaron a la costa Este de América y en un evento conocido como East Coast Concerts, que se celebraba en Florida, pudieron presentarse ante el público, llegando a compartir escenario con nada menos que gente de la talla de FACES, Deep Purple o Steppenwolf.
Precisamente el azar estuvo de parte de los chicos y el promotor de aquel acontecimiento musical les fichó y se convirtió en su manager, haciendo que tocasen con artistas como Mountain, Uriah Heep e incluso Jethro Tull.

Así se meterían en el estudio en 1.970 para decidir grabar ya su primer álbum, y fue "Death of a Country".
En él encontramos una influencia totalmente progresiva, enfocada al "rock" imperante que se hacía al otro lado del charco. Este primer LP puede traernos a la cabeza el sonido de Wishbone Ash y Raw Material por lo progresivo y también de Sabbath por la oscuridad de su sonido y letras. Temas como "Certainly Meaningless", "No Trespassing" o la que abría el álbum con 10 minutos de duración, "Death of a Country", les convertía en herederos de aquellos grupos.
Y aquí somos partícipes de lo malas que pueden ser las decisiones de una compañía. En este caso Capitol Records fue su discográfica, pero ellos no querían el álbum. Así de sencillo; no les gustaba porque no era comercial, porque sonaba "demasiado británico".
Habría sido inútil discutir con los jefes de aquella importante casa, así que se volvieron a meter entre las cuatro paredes del estudio y nació el álbum que nos ocupa, su debut oficial llamado como ellos, "Bang!", en 1.971.
Si aquellos casposos directivos querían un álbum más comercial y ligero no pudieron darse contra un muro de manera más rápida, ya que este disco es totalmente lo contrario. Lo que tenemos aquí es una especie de costilla flotante sacada de la columna vertebral de Black Sabbath, porque BANG decidieron cambiar su "rock" progresivo por ese sonido tan atrayente, pesado y agresivo que empezaban a hacer los de Birmingham.




De ahí que muchas de las composiciones nos traigan recuerdos de los británicos como el comienzo "Lions, Christians", que podría verse como una versión ligera del "Behind the Wall of Sleep", con Frank Ferrara sonando enteramente como Osbourne. Pongan a uno al lado del otro y si no parecen gemelos poco les falta, aunque el vocalista de BANG efectuaba unos tonos más agudos y rasgados. "The Queen", que es más de lo mismo; una buena muestra de "rock" pesadísimo, por algo este grupo son considerados uno de los pioneros del "heavy metal" en América, junto con los canadienses WARPIG (y creadores de lo que más tarde se llamaría "doom metal").
"Red Man", "Come with Me" y "Our Home" no se apartan nada de la línea. En general el sonido del álbum está marcado por su pesadez, ritmos machacones y profundos y "riffs" potentes, donde también nos encontramos la balada "Last Will", que evocaba el progresivo de su "Death of a Country", sonando esta vez como Wishbone Ash.
Pero los dos mejores temas son los más "sabbathianos" del disco: "Future Shock", que da comienzo con un fuerte "riff" y con el grito que pega Ferrara pareciendo declarar "¡pues si ese Ozzy se cree que es el único que sabe pegar berridos!...", y uno que llegó como "single" a los Billboard Hot 100, "Questions", que no es sino un giro más comercial del "N.I.B." de Sabbath.



Este LP les hizo ganar bastante popularidad entre nuevos fans y la crítica, aunque los comparasen con Tony Iommi & Co.
Pero un vuelco truncaría la prometedora carrera que habían iniciado. Para empezar el productor Jeff Cheen no quería a Tony Diorio como batería para el próximo trabajo así que le sustituyó un tal Bruce Gary y salió a la luz un extraño "Mother/Bow to the King" en 1.972 donde se enfocaron a unas miras más comerciales y livianas, haciendo un "rock" más a lo Rolling Stone como se puede apreciar en los cortes "No Sugar Tonight" y "Mother" aunque conservando el estilo de Sabbath en algunos temas como "Idealist, Realist" o "Tomorrow". Este esfuerzo no estuvo nada mal, incluso me atrevo a afirmar que es un buen disco, ya que se mezclan melodía y rudeza a partes iguales.
Pero Capitol Records seguía insistiendo en que hicieran un sonido más comercial, más para meterse en las listas y en los "charts" y tras unas reflexiones Diorio volvió esta vez como el manager de BANG y por última vez empezaron otra sesión de grabación...y "Music" fue el resultado.
En esta ocasión ya no quedaba nada del auténtico carisma que les había caracterizado, sólo había un puñado de melodías de corte clásico con aires "pop/folk" con la que hacían homenaje a los Beatles, Small Faces o Mott the Hoople por poner un ejemplo. Esto no gustó nada a los directivos de la discográfica que sencillamente dejaron de apoyarles y finalizaron su contrato de un plumazo.

Encontrándose sin contrato, sin girar, y con un álbum ya acabado sin poder haberlo promocionado como era debido, los chicos no tuvieron más remedio que acabar con el negocio...
hasta nada menos que en 1.999 cuando regresaron de entre las cenizas con su "Return to Zero" en un esfuerzo por revivir lo que fueron: una buenísima banda de "heavy metal" que, con el apoyo necesario, podrían haber llegado muy lejos, pero que por culpa de las ambiciones y el cinismo de los mandamases de las compañías, que lo único que tenían fluyendo por sus embotados cerebros era el símbolo del dólar, se vieron obligados a desaparecer, quedándose ahora como uno de tantos otros grupos que tienen que cargar con el dicho del "pudo ser y no fue".
Aún siguen juntos y hasta en 2.011 salió aquel disco de debut que no pudo editarse en 1.970, "Death of a Country", con la esperanza de que los fans del "rock" más clásico les hicieran un hueco en su memoria.




Temas
1. "Lions, Christians"
2. "The Queen"
3. "Last Will" 
4. "Come with Me"
5. "Our Home"
6. "Future Shock"
7. "Questions"
8. "Redman"

Formación
 Frank Ferrara: voz, bajo
 Tony D’Iorio: batería
Frank Glicken: voz, guitarra

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miércoles, 16 de septiembre de 2015

TRILLION - Trillion 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

Un curioso fenómeno se gestó en los USA durante los 70, que mutaría en su fase final en lo que se conoce como AOR. La corriente del rock progresivo estaba dando superlativos frutos en su contexto más ortodoxo (Fireballet, Happy the Man, Cathedral, Myrthrandir, Ligt, Pentwater, Babylon, Polyphony y muchos más). Pero de esta corriente surgió una derivación más orientada al mainstream sin dejar de ser, evidentemente, progresiva. Se llamó Pomp Rock y se trataba de un eficiente híbrido, ideal para las FM americanas, de hard guitarrero y teclados balsámicos de esencias británicas. Sus influencias más claras venían de Queen, Supertramp, 10 C.C., Mr. Big (los ingleses 70's), Uriah Heep, la parte mas amable y menos experimental de los Yes o los guitarrazos llenos de testosterona de Martin Barre.
En la punta del iceberg aparecieron tremendos exponentes del nuevo monstruo de dos cabezas hard-prog: Kansas, Styx, Journey, Starcastle, primeros Foreigner o los definitivos Boston.



Trillion aglutinaba todas esas esencias para fabricar una fórmula espectacular. Voz inmaculada en la persona del grandísimo Dennis "Fergie" Frederiksen. Coros celestiales del bajista Ron Anaman y el guitarra Frank Barbalace. Bill Wilkins era un sólido y técnico batería. Y pat Leonard un factor imprescindible en sus siempre imaginativos teclados. Con la ayuda del productor Gary Lyons (Foreigner, Queen, Crawler, Wet Willie) graban en un año clave para el género, 1.978, su incontestable debut para Epic Records. No se le pede poner un "pero" a semejante deroche de talento. Frederiksen me recuerda en sus agudas tesituras vocales al gran Frank DiMino de los titanes Pomp, Angel. Los teclados son fílmicos, grandiosos y sí, pomposos. Las guitarras emulan con precisión a Tom Scholz y Brian May. Y la sección de ritmo es puro granito hard rock. Las armonías vocales tienen su base en las "rapsodias bohemias de un mercurial cantante". 



La épica intro y posterior desarrollo melódico de "Hold On" atrapan a la primera. "Big Boy" tiene un sabor midwest que recuerda  a los inolvidables Headeast, otros colosos pomp rockers. El medio tiempo "Give me your money, honey" es el single perfecto. A Roger Hodgson le hubiera gustado firmarla. Y "Never had it so good" entra de lleno en territorios Queencerca de sus "títulos-hermanos Marx". Fabulosa. Finaliza la cara A con la contundente "May as well go", similar a la cosechade Triumph, otros adelantados de esta escuela.

El lado B se abre con "Fancy Action", de arreglos muy Yes y un bajo marca Chris Squire. Los teclados de Leonard juguetean picaronamente en este bonito tema. "Hand it to the wind" y "Bright Night Lights" reinciden todavía más en la faceta progresiva del grupo, con un Barbalace emulando en sus acústicas a Steve Howe. Y finalizando con el corte más largo "Child Upon The Earth" (6:06) reivindicando a Trillion como una seria banda progresiva a pesar de sus aspiraciones comerciales (entendidas en el buen término). 




Año y medio después aparecería su segundo y último álbum, "Clear Approach". Otra maravilla a la misma altura, si no más, que este debut. Con nuevo y muy capaz cantante, Thom Griffin, sustituyendo a Fergie Frederiksen. El cual se iría a los geniales LeRoux, después sustituiría a Bobby Kimball en los icónicos Toto ("Isolation" 1.984) y seguiría una brillante carrera en solitario hasta su muerte el año pasado. Por su parte Pat Leonard ayudaría al estrellato a Madonna ( compuso "Like a Virgin"), Jewel y otras luminarias pop del calibre de Elton John. Aunque su mayor logro fue participar en "A Momentary Lapse of Reason" de Pink Floyd y "Amused to Death" de Roger Waters. Trillion fue una banda de gigantesco potencial, inmenso talento y escaso reconocimiento. Merecieron más.





Temas
01. Hold Out 
02. Big Boy 
03. Give Me Your Money Honey 
04. Never Had It So Good 
05. May As Well Go 
06. Fancy Action 
07. Hand It To The Wind 
08. Bright Night Lights 
09. Child Upon The Earth

Formación
Ron Anaman: bajo, voz
Frank Barbalace: guitarra, voz
Fergie Frederiksen: voz
Patrick Leonard : teclados
William Willkins: batería
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domingo, 13 de septiembre de 2015

HOOKFOOT - Live in Memphis 1.972

Los músicos de sesión son una parte fundamental en el mundo musical. Muchos grandes músicos comenzaron su carrera ejerciendo como músicos de sesión. Hookfoot estaba compuesto por este tipo de músicos de extraordinaria calidad.


La banda tiene su origen a finales de los sesenta y la constituían Roger Pope (batería), Ian Duck (guitarra, voz, armónica), Dave Glover (bajo) y Caleb Quaye (guitarra).  En el 71 graban su primer disco, "Hookfoot" y combinan sesiones de grabación con importantes músicos con giras por Estados Unidos acompañando a Jefferson Airplane y Elton John.  Su segundo LP, "Good times a' comin'" llegaría en el 72. El bajista Dave Glover abandona la banda y es sustituido por Freddy Candy.  Su tercer disco, "Communication", llegaría ese mismo año y el cuarto, "Roarin'" en el 74, año en que decidirían separarse.



La grabación nos muestra una actuación del grupo para la radio en los estudios Ardent de Memphis en 1.972. El sonido es puro rock donde destaca por encima de todo la labor del guitarrista Caleb Quaye. Temas como "Here I Come" o " Nature Changes", nos muestran un  ambiente de jam session con magníficos desarrollos instrumentales. La armónica de Ian Duck también realiza una gran labor en la mayoría de los temas. En definitiva un disco muy ameno y con el que disfrutaras de lo lindo.




Temas

1 Taxman 00:00
2 If I Had The Words 03:25
3 They'll Never Find Us Up There 07:48
4 Here I Come 13:59
5 Cuckoo 30:21
6 Cruisin' 35:28
7 Nature Changes 42;41
8 Freedom 53:30

Formación
Caleb Quaye :guitarra, voz, teclados
Ian Duck :guitarra, voz , armónica
Fred Candy : bajo
Roger Pope : batería, voz

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viernes, 11 de septiembre de 2015

NAZARETH - Expect No Mercy 1.977 (colaboración Christian Jiménez)

Hablar de este disco es algo muy especial para mí, ya que fue el álbum y el grupo que me introdujo en el "rock" clásico y el que me hizo adorar los '70, quedándose para siempre como mi década predilecta, musicalmente hablando.
Obviamente yo ya conocía a AC/DC, Lynyrd Skynyrd, Jethro Tull, Judas Priest, Black Sabbath, Ted Nugent, etc., pero claro, nunca me había dignado a descubrir a estos grupos íntegramente en su parte más clásica, sólo conocía algunos temas sueltos y ya está.
Entonces Nazareth llegó venido de la nada cuando yo me declaraba un fan incondicional del "groove metal" de los '90. Pero fue cuestión de tiempo; Dios vendiga a mi padre que llevaba en el aparato de música de su coche este disco que comenzó a sonar estridentemente con una canción que ya no se me iría jamás de la cabeza, y sería por la contundencia musical, por la voz tan cazallosa y chirriante del cantante o por la potencia de su "riff", pero me cautivó al instante.
Así Nazareth se convirtió en mi grupo favorito hasta la fecha y lo seguirá siendo por los siglos de los siglos.




Y los escoceses merecen un buen reconocimiento por el esfuerzo que hicieron.
En 1.976, tras sacar dos de sus álbumes más experimentales, "Close Enough for Rock 'n' Roll" y "Play'n' The Game", tenían que volver a meterse en el estudio para grabar otro LP; así era la vida en aquellos tiempos: grabar un disco, promocionarlo, hacer su gira correspondiente, grabar otro disco, promocionarlo, etc.
El anterior fue un trabajo muy rápido, con una preparación que no existió, de ahí que hubiera tantas versiones en él. Pero "Expect no Mercy" fue muy distinto.
El manager del grupo les dijo que tenían 6 semanas para el tinglado, así que fueron dos para escribir los temas, otros dos para grabarlos y otros dos para editarlos y juntarlos en un álbum.
Cuando el proceso estuvo acabado, los mandamases de los estudios A&M no aceptaron el trabajo, ya que en él había demasiado "blues" e incluso "riffs" de estilo "country", y les dijeron que no, que querían que volvieran a sus raíces para que los fans reconocieran a los Nazareth de siempre, y no más "blues" suave. Obviamente esa decisión estuvo basada en las pocas ventas que hizo el "Play'n' The Game", y quien tenga el "digipack" de "Expect no Mercy" que salió en 2.010 con aquellas primeras versiones de temas como "Gone Dead Train" o "Kentucky Fried Blues" lo entenderá.

Así que no tuvieron más remedio que agachar las cabezas y volvieron, sin muchas protestas, a entrar en el estudio para rehacer el álbum y añadir otros temas más acordes con lo que hacían en años anteriores; es decir, tuvieron que "Nazarethizar" un poco más el material.
Y vaya si lo hicieron. El quinteto volvió por sus fueros grabando un disco alucinante, de puro "rock" y sin concesiones, a lo "Razamanaz". Nunca habían sonado tan fuerte y de manera tan estridente como lo hicieron en aquel momento.
Fue el álbum más potente de Nazareth hasta esa fecha, porque hasta se acercaron aunque inconscientemente a terrenos más crudos y llegaron a calar entre los seguidores de un género que por entonces Black Sabbath comenzó a explotar y que tendría su máximo exponente en los cada vez más populares Judas Priest: el "heavy metal".
Si los directivos querían que el grupo creara un disco desde el prisma del "rock" lo consiguieron con creces.




Así podemos empezar con la canción que da título al trabajo: 
-Ya un clásico imperecedero del "hard rock" de los '70, donde comprobamos que la guitarra suena más áspera, que la garganta de McCafferty parece más forzada y que la base rítmica de Agnew/Sweet está hecha para destrozar tímpanos. Unas letras que hablaban de violencia y peleas callejeras, un "riff" y un solo incendiarios y unos carrasposos gritos que no hicieron sino darle al disco el comienzo que merecía, para declarar que Nazareth volvían y con más rabia que nunca.
-Tras este puñetazo en la cara nos adentramos en el lado más divertido del grupo con la versión de Crazy Horse de su "Gone Dead Train". Siempre han sabido hacer versiones y no iba a ser menos, porque la canción se amolda perfectamente a la atmósfera del álbum. Se continúa con un ritmo enérgico dando paso a una sorpresa, "Shot me Down".
-Los años del "Close Enough for Rock 'n' Roll" vuelven con ese dulce medio tiempo "aorero" lleno de melodía en la línea de las anteriores "Carry Out Feelings" o "Wild Honey", donde todo pega un cambio para que nos tomemos un ligero descanso, ahora disfrutando de los agudos falsetes del siempre versátil Dan McCafferty.
-Así, después de tres ligeros minutos y medio, nos quita la calma de un plumazo una hermana gemela del "Expect no Mercy", "Revenge is Sweet". Aquí todo suena aún más duro que en la primera, donde lo que más destaca es la racha de baquetazos que pega Sweet a su batería. Seguimos con "Gimme What's Mine", más dinámica y menos hermética aunque en la misma línea de rabia "rockera", con un cambio de ritmo pero que muy interesante a los 1:42 minutos.

"Kentucky Fried Blues" abría la segunda cara del vinilo. Uno de los "blues" más corrosivos que hay, otra vez con la Fender de Manny Charlton lanzando distorsionados "riffs" como cuchillos mientras McCafferty se desgañita en cada verso.
-"New York Broken Toy" es otro buen tema donde se cruzan tanto guitarras eléctricas como acústicas presagiando lo que vendría en el álbum posterior cuando a los chicos se les uniera Zal Cleminson. Cambios de ritmo y un solo pletórico de fuerza como en "Gimme What's Mine" nos muestra una interesante y disfrutable composición.
-La versión de "Busted" es otra muestra del buen "blues" que ha sabido hacer siempre Nazareth. Es algo que le pega a esta banda, con la voz que pone el vocalista y el americanizado sonido tan añejo que consigue la guitarra. Entonces "Place in your Heart" toma el relevo.
-Otra corta pieza de "AOR" alegre, entrañable y desenfadada para escuchar en la radio en pleno verano dando un paseo por la playa. Un tema que se convirtió en "single" y que fue a las listas fácilmente.
-Y para acabar la balada que nunca puede faltar en el repertorio de la banda, "All the King's Horses". Con un marcado tono épico se da una perfecta y bellísima composición que seguro influenció a las posteriores "power ballads" "heavies" que facturaban los de la "N.W.o.B.H.M." y que tanto pitaron en los '80.


Aparte se sacaron otros "singles" y caras "B", como "Greens" y la "bluesera" "Desolation Road". Aunque mucho más tarde salieron a la luz otros temas que nunca se editaron definitivamente en su momento, como una curiosa "Life of a Dog", muy atractiva de escuchar por su vena de directo; la primera versión más experimental y "blues" del "What's in It for Me?" del siguiente "No Mean City", "Can't keep a Good Man Down", y una rareza que A&M no quiso sacar en el LP porque según ellos no representaba un esfuerzo conjunto del grupo, la demo de la balada "Moonlight Eyes", luego rescatada en el "The Fool Circle" del '81...aunque, sinceramente, yo me quedo con la, menos "pop" y más clásica, primera versión.

Otro punto del que hay que hablar fue la increíble portada, "The Brain", de Frank Frazetta, dibujante metido en el mundo de la fantasía y la ciencia-ficción, del cual pudimos ver obras suyas en clásicos como "Flirtin' with Disaster", de Molly Hatchet y "Hard Attack" de DUST o el más cercano "War to End All Wars" de Yngwie Malmsteen. Nazareth tenían colgado en la pared del estudio aquel poster de esos dos guerreros a punto de cercenarse con sus espadas y pensaron que a los fans les gustaría para el disco. 500 $ fue lo que costó y ese dibujo quedó enganchado en la historia de la música desde entonces.

Y así los de Dunfermline facturaron un intransigente plástico que quedará como uno de sus más consistentes trabajos y uno de los más agresivos demostrando que eran una perfecta máquina de realizar "rock" bien engrasada y que podían pasar sin preocupaciones por encima de modas pasajeras como el "punk", que ya empezaba a pegar fuerte por aquellos años, quizá por eso endurecieron su sonido y nos regalaron 10 perlas inolvidables en forma de canciones de no más de 4 minutos para disfrutar sin muchas pretensiones de su buen hacer en el "hard rock".
Todas estas razones son las que me hacen colocar a "Expect no Mercy" entre mis 10...no, entre mis 5 álbumes favoritos del "rock", no sólo del de los '70, sino del "rock" en general.




Temas

1.Expect No Mercy

2.Gone Dead Train
3.Shot Me Down
4.Revenge Is Sweet
5.Gimme What's Mine
6.Kentucky Fried Blues
7.New York Broken Toy
8.Busted
9.Place In Your Heart
10.All The Kings Horses 
11. Kentucky Fried Blues (Alternative)
12. Gone Dead Train (Alternative)
13. Shot Me Down (Alternative)
14. Life of a Dog
15. Good Man Down
16. Moonlight Eyes (Alternative)


Formación
Dan McCafferty - Vocals
Many Charlton - Guitar
Pete Agnew - Bass
Darrell Sweet - Drums

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miércoles, 9 de septiembre de 2015

DARK - Round the Edges 1.972 ( colaboración J.J. Iglesias)

Como decían antes en los catálogos de discos por correspondencia, "pesadilla de coleccionistas". Posiblemente estamos ante el más caro y raro prensaje privado de la heavy-psych-prog inglesa de los 70. Un inciso: lo de "heavy" lleva a muchos equívocos. No tiene nada que ver con el género metálico. Se refiere a"dura psicodelia-progresiva". Un original de "Round the Edges" vale una fortuna. Y si añadimos que con portada abierta y a color + libreto sólo hicieron 12, imagínense. mi copia es esa tal cual, pero en la reedición de los 90 del coleccionable sello Akarma. Y me conformo, porque la música que contiene es sencillamente extraordinaria. A diferencia de mucho artefacto megapasta que resulta luego un mondongo infumable. 



Dark era un power trío británico en la más fina tradición del género: acid fuzz guitar solos y sección rítmica espectacular. Con una voz algo "stoned" (queda mejor que decir "fumada"), que les aporta "ese" sonido tan difícil de capturar en la actualidad. A pesar de ser un trío formado por Steve Giles (guitarra, voz), Ron Johnson (bajo) y Clive Thorneycroft (batería), son ayudados en tres temas por la soberbia  guitarra de Martin Weaver.



"Darkside" (7:27) abre el álbum com límpida guitarra y exquisito ritmo, mas la dulce y reposada voz de Giles, cantando en un estilo muy progresivo que recuerda (como gran parte del álbum) a los primeros Whisbone Ash. Su desarrollo instrumental es efusivo, inteligente y muy calculado. La intro de "Maypole" (5:02) podría venir firmada por The Who. Ese bajo tan Entwistle les delata, además del fino rasgueo Townshend style. Pero enseguida se convierte en un corte de la cosecha Dark. Marcando un claro break en el que Giles se arranca con un lisérgico wah wah hendrixiano, y un solo en duelo con el bajo-bazooka de Johnson. El tratamiento vocal inicial de "Life for Today" (8:08) vuelve a recordarme al Martin Turner de "Argus" o "Pilgrimage". Da comienzo el desarrollo instrumental entre las guitarras de Giles y el invitado Martin Weaver, ocupándose éste último del sonido más aspero y ronco de los dos. Es un tema con fuerte carga psicodélica, pero un gran ejemplo de cómo este estilo se metamorfoseó por via natural en rock progresivo. La cara B rompe con "R.C.8." (5:05), similar en su estilo a los inolvidables Groudhogs, con arreglos astutos y muy porg, guitarra llena de originales ideas y línea vocal parecida a las del primer Ian Anderson. Algo que se repite en "The Cat" (5:21), con tremendas pugnas por el poder eléctrico entre el bajo y los dos guitarras, mientras el batería se desgañita como un anónimo Keith Moon. Abrumador. "Zero Time " (6:48) es proto-metal cercano a los primeros Black Sabbath (acaso tendría que decir a Earth!), May Blitz, Fat, Cargo, Charlee, Harbour, Sir Lord Baltimore, o los muy celebrados por este blog, Human Beast.



Resumiendo, un discazo que merece todos los respetos de los parroquianos al "Rockliquias". En los 90 se reunieron contra todo pronóstico editando el muy-bien-visto "Anonymous Days". Y se han lanzado discos con material arqueológico de la época de ·Round the Edges", como "Teenage Angst" o "Jam". Y es que si hay una banda reverenciad por la secta coleccionista, esa es Dark. Ojalá todas las sectas y todos sus oficiantes fueran así. Imprescindible y de obligada escucha. Amen.







Temas

1.Darkside 00:00
2.Maypole 07:29
3.Live For Today 12:32
4.R.C.8 20:40
5.Cat - 25:45
6.Zero Time 31:05

Formación
Steve Giles - guitarra
Clive Thorneycroft - batería
Ronald Johnson - bajo
Martin Weaver - guitarra
Colin Bush - bajo

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domingo, 6 de septiembre de 2015

THE PRODIGAL SONS - Emerge From the Void 1.972

The Prodigal Sons , grupo totalmente desconocido rescatado  por una pequeña compañía , Void Records, y con una música muy pero que muy interesante.


Los datos sobre el grupo son escasos. Parece que procedían de Ohio y se formaron a principios de los 70. Las informaciones son muy confusas , algunos dicen que editaron un disco en el 71, "Uncle Bucks", pero no hay ningún dato confirmado y nada se sabe de su formación.



La grabación contiene nueve temas rescatados por la compañía Void Records y parece que datan del 72. Sonidos hard rockeros cargados de buenos riffs, buena prueba de ello lo tenemos en el primer tema "Water Song". Su segundo corte "Right On", me recuerda mucho al sonido de la B.T.O.. En "Lighthing Strikes Twice" volvemos a tener buenos riff y un estribillo super pegadizo. Destellos sureños los tenemos en "Gollem", con una voz al más puro estilo Molly Hatchet. En definitiva un gran disco de una formación de la que solo conocemos su excelente legado.




Temas
01 Water Song 00:00
02 Right On 06:28
03 Lightning Strikes Twice 12:29
04 Gollem 17:25
05 Two Thousand Miles 21:04
06 Movin' On 27:14
07 John's Tune 32:32
08 Saga of Yeti 36:00
09 Goin' Home 38:49

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viernes, 4 de septiembre de 2015

YES- Close to the Edge 1.972 (Colaboración de Christian Jiménez)

¿Cuantísimas bandas de "rock" sinfónico sorprendieron al mundo en la década de los '70? Muchas, es la respuesta.
Tenemos, cada una aportando su estilo propio, a CAMEL, Gentle Giant, Pink Floyd, Genesis, ELP, King Crimson, Candida Pax...y un buen puñado más.




Y en 1.968, uniéndose en Londres, Jon Anderson, Chris Squire, Peter Banks, Tony Kaye y Bill Bruford, se comienza a germinar la semilla de un quinteto, herederos del legado de Crimson, que años más tarde haría historia en el mundo del "rock", y hablamos de YES.
Lo que se hallaba en aquel su primer disco de 1.969 era una combinación de "pop", mucho "hard rock" y toques psicodélicos que garantizaron un comienzo prometedor, pero que no dejaba clara la seña de identidad de la banda. Luego, añadiendo arreglos orquestales, llegó "Time And a Word", tecnificando y puliendo ligeramente su sonido.

Tras una serie de discos que hizo que el grupo modificase la alineación de sus miembros y que aumentase cada vez más su legión de fans, apareció en 1.972 lo que todos los oídos estaban aguardando.
"Fragile" llegó a Platino en EE.UU. y ellos quisieron continuar reforzando su ambición musical, ya que en aquel disco todos los integrantes mostraban su talento tanto individual como colectivamente, y no consistía en que Steve Howe hiciera "jams" con su guitarra porque sí, o que Bruford cogiera las baquetas y se pusiera a darle a la batería sin ningún fundamento, ¡que va! Cada uno de ellos demostraba que YES estaba compuesto por un elenco de instrumentistas verdaderamente espectacular.
Para que nadie se quedara dudando el paso adelante que dieron lo confirmó, y fue "Close to the Edge".




Con Eddie Offord a la producción parieron una obra de arte, una envidiable muestra de genialidad y virtuosismo en sólo tres temas, aunque realmente extensos; el que abre el álbum y que da título al disco, considerado una gema dentro de la carrera de YES y dentro del "rock" sinfónico y progresivo en general, abarca una cara del LP, con más de 18 minutos de duración distribuidos en cuatro movimientos:
-Todo empieza con unos sonidos delicados, canto de pájaros y melodías tintineantes que van aumentando gradualmente hasta que estalla con golpes de batería caóticos y un afilado rasgueo de guitarra seguido de algunos coros, que tienen su conclusión en el minuto 2:46 con un pegadizo y suave "riff" que inicia realmente el primer movimiento, "The Solid Time of Change".
En el 4:24 ya se escucha el mítico estribillo "Down at the edge!, round by the corner! Close to the Edge!, down by a river!" y más tarde escucharemos las voces en eco clamando "I get up!...I get down!".
-Culmen de la primera parte, pasamos a "Total Mass Retain", escuchando la voz de Anderson en estéreo, una base rítmica muy animada con apariencia "funky" y todos los instrumentos en perfecta cohesión.
-Se va apagando el estrépito y otro bombazo de Bruford anuncia "I Get Up, I Get Down". Aquí todo es calma, un paréntesis que nos lleva a otra dimensión para descansar de la pieza anterior, con un órgano y teclados celestiales. Prueben a cerrar los ojos y dejar que la relajante melodía les lleve flotando a paisajes oníricos de ensueño, mientras resuenan las voces tan aterciopeladas de los músicos y Anderson nos repite "I Get Up...I Get Down...".
Voces y órgano se van intesificando para crear un clímax apabullante, inolvidable. De repente el teclado empieza a coger protagonismo y todo regresa a la normalidad.
-La última parte, "Seasons of Man" sirve para despertarnos del sueño en el que nos habíamos sumido y hace que renazca la rabia "rockera" con Wakeman dando lo mejor de sí.
Se repite la estructura de versos de la primera pieza, el estribillo y el conmovedor "I Get Up!!...I Get Down!!..." que nos anuncia el final de un periplo empíreo, de ensueño, volviendo a sumergirnos en los cantos de los pájaros y en las sutiles armonías del comienzo.
Y así es como esta pieza se convierte en un clásico, siendo suficiente para todo un disco, para toda una discografía y para toda una vida. "Close to the Edge" es la cúspide del virtuosismo en su más pura forma.




Pero la cosa no acaba ahí. Unas finas notas nos traen "And You and I", sumándose los teclados y el bajo demoledor de Squire en su primera parte, "Cord of Life". Tras este movimiento que recuerda a sus tiempos del "Time And a Word" viene "Eclipse", que le da aún más emotividad a la composición, elevándose, grandilocuentemente, teclados y órgano creando un momento de gran belleza.
Todo se para y vuelven unos bonitos rasgueos de guitarra acústica; "The Teacher and The Preacher" empieza a sonar con Anderson y Howe ascendiendo con fuerza para más tarde hacer que Wakeman aparezca apoyado en una sólida base rítmica y todo deshacerse de nuevo en "Apocalypse" con la guitarra acústica y los últimos versos citados por el cantante.

Y así el disco cierra con la poderosa "Siberian Khatru", que, tras una breve introducción, llega ese "riff" tan conocido y contagioso, uno de esos que te hacen mover los pies. Quitando algunos pasajes más oscuros, de mucha melodía y opulencia musical, como el que va desde el minuto 5:21 al 6:18 con coros y redobles de batería, esta se queda como la más adictiva y dinámica del disco, finalizándolo con una buena dosis de energía "rockera".
También podemos contar entre este fantástico repertorio el genial "single" "America", original de Paul Simon y donde YES se explayan de maravilla en tan sólo cuatro minutos.

Con todo esto, ya terminado el álbum, Bill Bruford anunció a sus compañeros que se largaba para unirse a la corte de King Crimson y un buen miércoles, 13 de Septiembre de 1.972, "Close to the Edge" se descubrió al Mundo.
YES se ganaron la aprobación masiva de críticos y fans, se alzaron hasta el 3.er puesto en los Billboard y su obra se certificó con Platino, quedándose ya en el tiempo como una intrincada y elaborada obra de arte que hay que oír varias veces para que toda la magnificencia musical que despide se aprecie como es debido.
Sin duda aquí la banda, como reza el título del LP, "rozó el filo" de su creatividad discográfica. Un año después ese filo sería cruzado a grandes zancadas con el difícil, ambicioso y fastuoso "Tales from Topographic Oceans", un "Close to the Edge" elevado a la cuarta donde YES ya no pudieron ampliar más sus miras porque hubiera sido algo musicalmente imposible.




Temas
1 - Close To The Edge
2 - And You and I
3 - Siberian Khatru

Formación
Jon Anderson - vocales
Chris Squire - bajo, vocales
Steve Howe - guitarra, vocales
Rick Wakeman - teclados
Bill Bruford - batería

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