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CHEETO'S MAGAZINE - Amazingous (2019 /CM) (Rockliquias Bandas)

Hace cuatro años, los barceloneses Cheeto's Magazine dejaron boquiabierta a la parroquia progresiva. La de verdad, la menos snob postdjentmathshoegazealt. Con aquel extraordinario "Boiling Fowls" que todavía resuena como uno de los mejores trabajos prog de aquí,  en ésta década que termina. Pero lo va a tener difícil con la competencia de su nuevo hermanito. Ya tenemos su segundo, "Amazingous", y la espera aunque larga, mereció la pena. 


Las chuches más prog del país están formadas hoy por Esteban Navarro (voz, teclado, producción), Manel Orella (guitarras, sitar), Matías Lizana (teclados), Alex Marqués (bajo) y Gerard Sala (batería,  percusión). Han contado con invitados a la voz femenina, trompeta, saxo tenor y trombón. Siguen con su look entre hombres -gominola y parientes pobres de los Power Rangers, pero qué diablos, Cheeto's Magazine prestan especial atención al sentido del humor, al surrealismo dadaista y al sano cachondeo. Salud mental. No es extraño entonces, que sus dos puntos de referencia base sean Frank Zappa y Spock's Beard. 

La irreverencia de lo clásico  con la técnica de lo actual. "Chili Guillermo" (6'40) comienza como un outtake de los Beard con Neal Morse, para seguir con tratamiento vocal propio de personajes de Hanna - Barbera. Bienvenido al mundo de la fantasía Cheeto's. Dos teclistas en la banda ofrecen suficiente magnitud sinfónica como para satisfacer al más exigente. Con la potencia habitual de su vigorosa sección de ritmo y guitarras hard bien insertadas en el contexto. Magnífica pieza. 



En la misma tesitura se inaugura "Cheese Cheater" (6'33), las piezas del puzzle zappero no son enmarañadas,  de tal modo que al siguiente paso pueden parecer una banda AOR por lo exquisito de sus trabajadas corales. La perfecta armonía entre experimentación,  arreglos vanguardistas, hard rock y orientación mainstream, es tan natural, que casi aseguro es su mayor virtud. Nada fácil. Con superior técnica y un alegre desenfado que agiliza cualquier escucha que se propongan. 



Nueva aventura nos trae "Outflow" (7'09), que se acerca a los Yes de los comienzos, con voces de opereta, giros "Speedy González" y diversos cachondeos made in Mothers of Invention. Territorio Cheeto's, cuidado, risas aseguradas. Los cambios de ánimo y feel son tan rápidos y bien compuestos, que son perfectamente capaces de atreverse con un musical de Broadway con la mayor espesura progger. Un concept álbum tal vez se vaya imponiendo.



Como la apertura de un primer día de rebajas, en tromba, así entra "Ready To Rumble" (5'06). Combina riffs cuasi Nu / Power metal, con sintes a lo Mark Kelly old style. Es otro bonito capítulo prog, aún a pesar de que ésta banda podría desenvolverse tranquilamente en el género que quisiera.


"Close your Eyes" (5'16) conserva esa fragilidad melódica beatle que tanto gusta a Neal Morse. Para pasar a otro momento surreal con vientos, casi circense y felliniano, propio de Samla Mammas Manna. Su resolución es puro sympho rock genesiano, realmente extraordinaria.


Instrumentalmente, "Scum" (4'48) es como un thriller policíaco con una guitarra a lo Petrucci. Brutal quedada.


"A. W. K. W. A. R. D." (3'54) sin embargo, podría ser de los Génesis 80s en su comienzo, para ser propiedad estilística intransferible de Cheeto's Magazine : Los pitufos rockeros como backing -  band de Zappa. Enlaza con la monstruosa épica de "Big Boy" (25'07). Recomiendo su escucha aislada del resto. Demasiado detalle por asimilar. Sin nada que envidiar a los reyes de éstos colosales maratones compositivos, dicese de Transatlantic, The Flower Kings, The Tangent o Spock's Beard. 



Si éste grupo fuera británico,  los de la Prog estarían haciendo la ola, bebiendo los vientos, haciendo reverencias, dando galardones y otras "aspiraciones" impublicables.


Muy difícil lo va a tener todo aquel que quiera subir al trono de mejor disco del año por éstas tierras. Cheeto's Magazine son en su terreno, sencillamente insuperables.
J.J. IGLESIAS




Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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CONSORZIO ACQUA POTABILE - Il Bianco Regno Di Dooah (2003)

Ya metidos en el siglo XXI CAP editan su tercer CD en línea continua con sus antecesores. Temática medieval, bonito dibujo de portada y estética preciosista en la línea más radical del sinfonismo RPI. Es decir, de los míos. 


Respondía a JJ Iglesias en los comentarios del disco anterior de las peculiaridades de adentrarse en la tercera edad. Además añadiría, que son muy parecidas a cómo te ven los demás en la infancia. Son dos caras de la misma moneda. De crío nadie te hace caso y eso nos hacía llorar y patalear. De mayor pasa lo mismo. La diferencia es que ahora jubilados ya nos obvian por completo, pero eso nos causa risa y satisfacción y lo mejor de todo: alivio. Dejan de darte por el culo. El maravilloso don de lo políticamente incorrecto. Se cierra el círculo y te das cuenta de que los únicos momentos válidos y reales en la vida son la niñez y la vejez. Todo lo que acontece entre medio es una mascarada teatral y falsa. Nacemos sin prejuicios. Luego nos drogan y manipulan mentalmente durante las siguientes cinco décadas y terminamos de payasos anarquistas en el individualismo más extremo y liberador. Es curiosa la evolución, aunque no a todos les ocurre evidentemente. A los 20 años de edad las posibilidades de escuchar música son inmensas y variadas, pero a los 65 hay que seleccionar lo imprescindible según el gusto de cada uno. Más que nada porque el tiempo se agota y uno ya ha encontrado su zapato más cómodo y agradable. Todo lo demás es una pérdida de tiempo. Os hablaría de un “pragmatismo útil”. Emplear el tiempo que nos queda a los más veteranos en escuchar exclusivamente la música que nos gusta. Esto es fácil de entender con una mínima lógica.


CAP están dentro de esa música que quiero seguir escuchando. Ya tengo apartados muy definidos. La música que estremece y que nos hace sentir mejor. Claro que son muchos desde luego, toda una vida escuchando música crea un pesado fardo, pero llega un momento que hay que separar el grano de la paja. Nada tan reconfortante como un cómodo sillón, un par de gatos encima, un reposa pies, un buen tabaco, un té aromático, una copa de buen reserva de lo que sea, una chimenea con brasas y a Maurice Ravel con cascos. Espíritu aristocrático sin duda. Importante encontrar la posición donde no te duelan las articulaciones y un buen antinflamatorio y ansiolítico a mano por si acaso. Ya veis todo rock & roll.


El blanco reino de Dooah es una delicia de principio a fin. De clásico rock sinfónico setentero donde ves desfilar todas las influencias del estilo con el que crecimos. Las melodías hermosas, los pasajes cautivadores, las orquestaciones suntuosas, los ritmos de cadencias variadas y entretenidas. Anciana música de eterna juventud intemporal. Casi 70 mtos del jardín de las delicias musicales. Incluidas largas suites y riqueza que ofrecer. Cuanto respeto a las formaciones que son fieles a su estilo. Que no echan a perder lo conseguido previamente en otros discos. La inestabilidad creativa o vender el alma al diablo es una enfermedad que corroe a muchos grupos a lo largo de la historia del rock progresivo. En caso contrario es mejor parar a tiempo. CAP lo han hecho bien. Poco pero bueno. Como debe ser.
Alberto Torró


Temas

Intro 1:24
Opener 7:56
L'Attesa 3:31
L'Illusione Della Sfera 8:51
Luna Impigliata Tra I Rami 2:21
La Danza 3:34
Ginevra: Regina Senza Regno 6:32
Grande Ombra Gentile 4:12
Pastelli 7:18
Il Regno 22:15
Dooah 6:46




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ZAMLA MAMMAZ MANNA - Familjesprickor (1980)

He de reconocer que el nombrecito del disco se las trae. Tengo que deletrear para escribir el título correctamente. Es curioso que conforme ZMM avanzan en el tiempo su música es más jodidamente complicada. 

De todos los trabajos hasta ahora comentados este puede que sea el más interesante en términos de música pura. Aquí ya están muy cerca de Henry Cow, los últimos Egg e incluso Magma. El estilo es a veces bastante más extremo y difícil, pero por otra parte no pierden cierto atisbo melódico y organizado mucho más asequible que los despiadados Henry Cow o Art Zoyd y ya no digamos Univers Zero que a veces hielan la sangre entre lo incomprensible y fúnebre. Juro que lo he intentado con todos ellos y conste que los Henry Cow me gustan bastante por su proximidad al Canterbury, pero en general con otros me ocurre como con el insufrible Schoenberg y con su famosa escuela de Viena o con los aburridos vanguardistas, serialistas y aleatorios de mediados de siglo XX que incluido el último Zappa, son insoportables.                                                                 

                                                                                  La música de estos suecos es tan impredecible como cabría esperar de un grupo de Rock in Opposition pero no llega a lo inasequible en términos de audición. No han perdido del todo su gusto por lo circense y animado teñido de folk marciano, pero lo mejor de todo es que instrumentalmente han subido mucho el nivel y las composiciones están como mucho más elaboradas. Que haya músicas pesadas no quiere decir que haya que tener miedo a lo complicado: Magma por ejemplo son difíciles y raros, pero están tocados por la gracia divina y por lo fascinante. Sin embargo, la otra cara de lo vanguardista es el aburrimiento y la pesadez y si además al menos no hay algo de humor o sentido del absurdo, asistimos a un velatorio. La música puede ser todo lo difícil que queramos, pero debe tener alguna chispa y algún atractivo. Si le dices esto a un engreído snob contemporáneo te llamará ignorante con toda seguridad. A mí me ha pasado y no es nada extraño ni molesto. Los raritos es un mundo aparte, aunque a decir verdad casi todos los que estamos metidos en la música lo somos de alguna manera. Hay que admitirlo.     


 Los Zamla han conseguido aquí un disco vigoroso, las críticas lo definen como el mejor y probablemente lo sea. Tanto el guitarrista Eino como el teclas Hollmer hacen diabluras: la estupenda “Smedjan”. El tándem rítmico corre a la par y es que la música se ha acelerado, ha cobrado mayor brillantez y pulso. El trato vocal está más “musical” propiamente dicho. No hay tanto gamberrete de taberna como en otras ocasiones salvo en alguna cosa: “Tralen”. Las referencias a los Mothers más instrumentales también se pueden apreciar. Como curiosidad algunas partes del álbum fueron grabadas en vivo. Un buen disco en una época difícil. De todas formas, a los “opposition” no les afectaban en absoluto las modas y los tiempos. Como debe ser.
Alberto Torró 



Temas
Fem Holmgångar (Five Single Combats) - 00:00
Ventilationskalkyl (Ventilation Calculation) - 05:54
Smedjan (The Forge) - 11:00
Trälen (The Thrall) - 16:11
Den Flämtande Novellen (The Panting Short Story) - 21:20
Pappa Med Vetorätt (Pappa With Right Of Veto) - 25:14
Drängen (The Farmhand) - 29:44
Kärna I Kort Och Lång Rockad (Kernel In Short And Long Castling) - 37:20
Klossa Intro Ikarien (Live Bonus Track) - 43:13




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PURSER DEVERILL - Square One (2018 / MIGHTY MUSIC)

El guitarrista Fred Purser y el cantante Jon Deverill cruzaron sus caminos hace más de 35 años en la banda Tygers of Pan Tang.  En aquel tiempo, Purser venía de los punks Penetration, nada menos que a sustituir a John Sykes. Hoy parece un movimiento de ficha surrealista. Pero no olvidemos que la NWOBHM se había asentado sobre los mismos principios que el punk. Nueva energía al rock e independentismo editorial. Claro que los nuevos metallers tenían ideas mucho más musicales que sociales.


 El caso es que "el punky" Purser revolucionó el sonido de los Tygers, bien al contrario, sofisticandolo. Llevandolos hacia un Pomp / AOR en "The Cage", (1982 / MCA), que provocó un cisma en la banda. Su conversión los llevó incluso a adaptar "Rendez Vous", un tema de los pompers USA, RPM. Después de todos estos años, la vieja amistad entre Purser y Deverill ha dado un nuevo fruto, "Square One", heredero directo de aquel "The Cage" que provocó la primera disolución de Tygers of Pan Tang.

Jon Deverill conserva en muy buena forma su carismática voz, después de haberse dedicado al oficio de actor durante todo éste tiempo. Fred Purser aporta su guitarra, bajo, teclados y coros. Y Jeff Armstrong es el batería  (con un apellido perfecto para su cometido), que completa el proyecto. Las ideas del dúo no sólo persisten desde los 80, sino que se acercan al prog sin disimulo. Así se comprueba en la espectacular intro de "Square One", que podría ser cosecha de los más recientes Kansas o Spock's Beard. 



La clase de Fred Purser como guitarrista muy melódico y perfeccionista, aunado a sus teclados y armonías vocales, con la preciosa voz de Deverill, convierten al tema título en un corte que convence a la primera. Esto es lo que procuraron hacer los Tygers en su segunda vuelta, con "The Wreck-Age" (85) y "Burning in the Shade" (87), - en los que ya no estuvo Purser -. Llevandolo más por el terreno del AOR para "disimular" en los metálicos 80. Ahora libres de modas y presiones, el sinfo-pomp del dúo goza de carta blanca, y se beneficia de ésa libertad creativa.



"Hypnotise" podría estar en cualquier disco de los canadienses Saga, por similares planteamientos. Que en "Travel the World" se confirman en magníficas canciones de no muy largo minutaje, pero llenas de detalles a descubrir. 




"Beat Them? Join Them?" conserva poso hard rock en arreglos no ortodoxos para el género,  casi en una mezcla con funk negroide de Parliament / Funkadelic meets Kiss (!?). La guitarra de Purser se muestra tan expresiva como la del mejor Gary Moore. Al que también  me recuerda al comienzo de "Make it True", combinado con el estilo de Al Di Meola, en un breve pero bonito instrumental, algo extraño, donde se incorporan voces de fondo como un instrumento más. 




"Without You" se nos va por los Yes del "90125" / "The Biig Generator" como influencia lejana, que Purser Deverill reciclan hacia su propio sonido, en una atractiva tonada AOR / Pomp. Aviary,  Touch, Rose o Zon como referencias a otro estupendo acierto. Los extraños arreglos futuristas de "Factor X" me traen recuerdos de los Queensryche en "Rage for Order", para cambiar en algo muy melódico,  donde brilla la voz de Deverill.



"Captured in Freefall" / "Lost in Space" lleva el feel de Rush en los primeros 80, época "Signals" o "Grace Under Pressure", siempre llevado al terreno de Purser Deverill, los cuales tienen muy definido el sonido del dúo. Sabiendo que en la hábil mezcla de AOR, Pomp y Prog ( light y mainstream, pero Prog), está la alquimia de su estilo. 




Deverill vuelve a recordarme a Michael Sadler de Saga en "Darkest Cloud", donde le acompaña un piano a la entrada, explotando en un poderoso tema, casi con reminiscencias Queen o Mr. Big  (UK). La final "Apocalypse Then" resulta la más bombastica y Prog del lote, en su brevedad. Casi roza los histrionismos instrumentales de las japonesas Ars Nova.




 Esperemos que no pasen otros 30 y tantos años y éste proyecto se consolide, porque Purser Deverill pueden darnos todavía muchas alegrías , (InsideOut, esto es material de tu interés! ). Mucha clase.
J.J. IGLESIAS








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CORBY YATES BAND - Fungus Blues 2006

A veces la vida es realmente injusta con algunas personas. Este es el caso del guitarrista Corby Yates con un increíble talento natural la enfermedad (esquizofrenia) lo llevo a quitarse la vida el 24 de Septiembre de 2012 con tan solo 31 años. Hoy lo recordaremos en Rockliquias


Corby nace el 1 de Mayo de 1981 en South Lake Tahoe, California. A los 6 años su familia  se traslada a Pineridge donde comienza sus primeros pasos a la guitarra de la mano de su padre que toca el bajo. Su primer concierto lo realiza a los 14 años y tres años después gana el concurso nacional "Jimi Hendrix Award" en Seattle.  En 1996 autoedita un EP conteniendo tres temas. En 2001 firma un contrato discográfico que por diversas circunstancias no fructifica y  tiene que volver ha autoeditarse su primer álbum, "Corby Yates Band". Nueve temas que nos trasladan al mejor Stevie Ray Vaughan. Su segunda producción, "Back From Yesterday", (2003) continua el camino marcado por su anterior trabajo. Tres años más tarde llega el que sería su último LP, "Fungus Blues". Su enfermedad avanza y tiene que pasar largas temporadas retirado en su casa de Brownsville rodeado de montañas, con su perro y su padre. Finalmente decide quitarse la vida en 2012. Postumamente se edita, "Inside Oblivion", con temas en los que estaba trabajando antes de su muerte. Durante su carrera tuvo la suerte de actuar junto a John Lee Hooker, Robin Trower, Johnny Winter, Indígena, Truco barato, The Mermen, Chris Cain, Robben Ford, Tinsley Ellis, Joe Louis Walker, Richard Johnston, Tommy Castro, Jimmie Vaughan, Freak Kitchen, Coco Montoya entre otros muchos.


Fungus Blues es el segundo disco en la corta discografía del genial Corby Yates . La banda la completan su padre Jim Yates al bajo e Ian Blesse a la batería. La música de Yates nos lleva a la mejor época de Hendrix en los estudios Electric Ladyland. Desde el primer tema "Sweet Fire" pasando por "Frequency" o "The Hook" la atmósfera es "hendrixiana" total. También tenemos notables referencias a Steve Ray Vaughan en "Falling Sky" , "Lazy Bones" o "Dogma". Sin duda el tema estrella es "Fungus Blues" en donde al binomio Hendrix-Vaughan unimos el de Iommi, más de 11 minutos de éxtasis rock blusero guitarrero. Bestial. Una pena que nos dejará tan pronto.
J.C.Miñana



 




Algunos vídeos de Corby Yates




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SEVENTH WAVE - Things To Come (1974 / GULL)

Ésta banda - dúo se formó de las cenizas de dos grupos psych / prog ingleses, Secondhand y Chillum. En ambas formaciones, la fuerza musical era su teclista - compositor, Ken Elliott. Que junto al batería Kieran O'Connor, procedente de los mismos combos, crearían Seventh Wave a mediados 70 con una clara orientación electrónica.

 Fichan por Gull, y editan en 1974 "Things To Come" con clara orientación instrumental, aunque no desechan las voces, con cuatro piezas cantadas. El arsenal de Ken Elliott no escatimaba en lindezas tecnológicas retro - futuristas de época : piano y electric piano, clavinet, ARP, Moog & EMS Synthesizers, Mellotron, percusiones y voz. Kieran O'Connor no se conformaba con la bateria y también incorporaba una cantidad ingente de artilugios de percusión. Además de producir el álbum. Los dos músicos habían arreglado sus diferencias en un pub propiedad de Glen Cornick (Jethro Tull), pero parece que quedaron cabos sueltos por aclarar.....Habían conseguido contrato de distribución en USA con Janus, pero al negarse a girar, (cagada gorda), el disco obtuvo unas pobres ventas. Para el segundo, "Psi - Fi" (1975), - con Hugh Banton de VDGG como invitado, entre otros,- la promoción se hizo en UK mientras giraban por USA (al fin se habían decidido). Aquello fue un desbarajuste total. Nuevas broncas entre Kieran y Ken llevaron a la ruptura definitiva. Éste primer album es una suerte de ART Rock realmente original y trabajado. Mucho mejor que los primeros álbumes de Eno,  de un estilo similar.

"Sky Scraper" es rock electrónico - sinfónico al modo de The Enid o Synergy. Montones de micro-sonidos procedentes de las teclas y percusiones en un todo perfectamente combinado y conjuntado. "Metrópolis" es una de las piezas magníficamente cantada por Elliott, con elegante y descriptiva instrumentación. Éste dúo tuvo el poder para generar hits en la onda de Godley & Creme, lástima de corta carrera, porque el potencial era inmenso.

"Intercity Water Rat" mezcla espacial kraut con ciber - sinfonismos onda Larry Fast. Enlaza directamente con "Old Dog Song", en una oda al mejor amigo del hombre, (con lo cabron que es con ellos), y que conecta con el mejor Bowie de esos días. "Smog, Fog and Sunset" es un devaneo electrónico similar al clasicismo de Wendy Carlos, de apropiada elección de sonidos casi barrocos. 


"Fail to See" vuelve a contar con letras cantadas por Elliott. En éste aspecto es curiosa su aproximación al glam mediante arropo electrónico. Una especie de híbrido en constante mutación entre 10 CC, Sparks, David Bowie,  Todd Rundgren o los canadienses FM. Repito que muy bien compuesto y amueblado, sólo con electronics y percusión. La segunda cara viene más instrumental, iniciandose con el cinemático y experimental "Premonition", casi de corte alemán, entre Faust y primeros Tangerine Dream. Se encadena a la alegre "Festival", que no anda lejos de los arrebatos eufóricos brasileiros de Patrick Moraz en solitario. De nuevo sin silencios, "Ever So Lightly" es preciosista ART Rock entre Utopia y Buggles  (adelantándose a éstos unos cuantos años). La última con la voz de Elliott, muy sinfonica e incluyendo coral mellotronica,  además de excelente teclistica en la línea de Rick Wakeman.

"Communication Skyways" podría estar en cualquier disco de Dave Greenslade, Stardrive o Symphonic Slam, (algo extensible a todo el álbum). También va enlazada a las breves "Things to Come" / "1999 1/2" / " Dance of the Eloi" en un sprint electronic- sinfo - progresivo de estupenda resolución. Como también lo fue su "Psi - Fi" (1975), más progresivo y de perspectiva mucho más grupal, (hasta una decena de invitados), pero sin perder ésa fuerte influencia arty. 

Tras su separación,  Ken Elliott seguirá como proveedor de música para jingles y TV. Y Kieran O'Connor entrará en varias blues rock bands, hasta su muerte por alcoholismo en los mediados 80. Tanto Seventh Wave , como sus bandas anteriores Secondhand y Chillum, son merecedoras de una recomendada atención. 
Seventh Wave pudieron ser grandes.
J.J. IGLESIAS


Temas
A1 Sky Scraper 2:17
A2 Metropolis 4:25
A3 Intercity Water Rat 0:48
A4 Escalator 0:26
A5 Old Dog Song 4:12
A6 Smog, Fog And Sunset 3:11
A7 Fail To See 4:05
B1 Premonition 3:15
B2 Festival 2:05
B3 Eversolightly 4:33
B4 Communication Skyways 4:42
B5 Things To Come 1:46
B6 1999 ½ 1:09
B7 Dance Of The Eloi 1:45






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KEVIN AYERS and the whole wide world - Live At Drijbregen, Holland 1970

La figura de Kevin Ayers siempre ha suscitado opiniones muy dispares. Para algunos es un lunático cargadito de sustancias "espirituosas", sin embargo para otros es un genio  y uno de los músicos fundamentales del movimiento "Canterbury". Al margen de todo esto hay que destacar su discografía con más de una docena de discos manteniéndose casi activo hasta su muerte en febrero de 2013.


A finales de los 60 Kevin Ayers había actuado con Soft Machine como teloneros de The Jimi Hendrix Experience en su gira por Estados Unidos. Cansado se retira junto a su amigo Daevid Allen a la idílica Ibiza . Es en esa isla donde Ayers compone su primer disco, "Joy to Toy", que sería lanzado por Harvest en Noviembre de 1969. Para la gira del disco Kevin forma The Whole World agrupación integrada por músicos amigos suyos que también participarían en su segundo disco, "Shooting at the Moon" (1970). Tras una pequeña gira promocional la banda se disuelve.


La grabación pertenece al concierto de KEVIN AYERS and the whole wide world en Drijbregen, Holanda, el 30 de Julio de 1970. En ese momento la banda estaba integrada por: Kevin Ayers (voz, guitarra), un jovencísimo Mike Olfield (bajo) que tres años mas tarde asombraría al mundo con su "Tubular Bells", David Bedford (teclados) creo que no necesita presentación, Lol Coxhill (saxo) que había destacado por acompañar a músicos como Rufus Thomas, Mose Allison, Otis Spann y Champion Jack Dupree, y ser miembro de  Carol Grimes and Delivery, Robert Wyatt (batería) compañero de Ayers en Soft Machine y por último la cantante de folk inglesa  Bridget St. John. En cuanto al "setlist" tenemos fundamentalmente temas de sus dos primeros discos en solitario. Como nota curiosa el tema "Colores para Dolores , recordando sus experiencias en Ibiza. La música nos muestra a Kevin Ayers en estado puro . Por un lado temas con gran belleza debido a su atractiva voz y al acompañamiento de St. John. Y por otro lado anarquía sonora con muchos toques "canterburianos" donde la paranoia musical de Lol Coxhill navega a sus anchas. El sonido es bastante bueno.
J.C.Miñana


Temas
01. Interview Kevin Ayers
02. The Oyster And The Flying Fish
03. We Did It Again
04. Hat Song
05. Audience
06. If You've Got Money
07. Clarence In Wonderland
08. Rheinhardt And Geraldine / Colores Para Dolores
09. Why Are We Sleeping
10. Lady Rachel




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HÍBRIDO - I (2019) (Rockliquias Bandas)

Comenzamos el año con buen sabor de boca de la mano de un grupo de músicos procedentes de Algeciras y curtidos en mil batallas (Atavismo, Viaje a 800, Los Bradlys, etc). Híbrido nos presentan su primer trabajo publicado en Enero. Hablamos con ellos para conocerlos un poco mas.


Rockliquias.-¿Cómo os decidisteis por el nombre de la banda, Híbrido?

 Pues creo que fue Poti quien lo propuso y nos pareció fantástico por que engloba muy bien lo que queremos proponer y lo que hacemos.

Rockliquias.- Nos podéis contar  ¿Cómo surgió la formación de la banda? y quienes la integran.

 Pues la idea inicial fue de Poti (bajo) y mía, Zoa (guitarra). Queríamos hacer una banda en la cual tuviera cabida todo tipo de estilos un concepto tipo "motorpsycho" pero a nuestro rollo. Rápidamente contactamos con Sandra (batería) que nos pareció la batería ideal y mas tarde al mes o poco mas se incorporo Jose Angel (guitarra) y hasta hoy.

Rockliquias.- ¿En qué otros proyectos han participado los miembros del grupo?

Proyectos jejeje. Si me pongo a enumerar no acabamos la entrevista. Llevamos mas de 20 años en esto de la música de uno ú otro modo. Hemos tocado juntos antes, separados y revueltos. En fin son innumerables unos conocidos y otros no tanto pero en muchísimos.

Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

Pues principales no se si escuchas el disco puedes encontrar influencias desde rock 70, 80, 90, folk, rock andaluz, jazz, progresivo y hasta black metal. Hibrido es como una cocktelera en la que intentamos hacer buenos bloody marys.

Rockliquias.- ¿Cómo os definiríais musicalmente?

Pues un grupo que intenta buscar su propio camino intentando absorber lo mejor de cada época o lo que mas nos gusta de cada época. En un mismo tema puedes encontrar varios estilos. Que cada oyente nos ponga la etiqueta que mas le guste.


Rockliquias.-  En Enero de 2019 llega vuestro primer disco, "I". ¿Nos podéis dar detalles de la grabación? 

Buenos pues la grabación se hizo en estudios Trafalgar en el Palmar (Cádiz) a manos de Curro “Snortil” Ureba. Colaboraciones si hubo, a los teclados Koe Kasas y la voz black de ente la metió Jorge de Adrift desde aquí darle las gracias a esos dos pedazos de cracks. La sensación fue buena en general como en toda grabación hubo momentos para reír y llorar pero que seria una grabación sin esos momentos. Fue un parto duro pero al final estamos muy contentos y orgullosos del resultado.

Rockliquias.- ¿Quién es el autor del apartado gráfico? 

Pues Antonio Ramires (Mentes de Ácido). El hizo trabajo para mucha gente (Atavismo, Bourbon, Viaje a 800 y un largo etc. Es un maestro todo lo que hace me encanta es una pasada y con nuestra portada la clavo. Muchas  gracias Antonio.

Rockliquias.- La grabación se inicia con "Pensando En Un Eco De Instinto Interior", sin duda una buena presentación de la banda ¿Cómo  estructuráis la labor compositiva en el local de ensayo?

Pues depende del tema en este tema en concreto salió de una jam que hicimos en el local de ahí salio el riff principal y después  fuimos dando retoques. Hay otros temas que lleva alguien la idea general y después entre todos ponemos nuestro granito de arena.


Rockliquias.- Continuamos con “Nada Nadie”, mezclando toques psicodélicos con guitarras hard.  Cantáis en español , ¿las letras son importantes en vuestra música o son un elemento más en todo el conjunto sonoro?

En nuestra música todo es importante. El conjunto de todo hace que un tema sea bueno o no. Pero para nosotros todo cuenta.



Rockliquias.- “Escarlata”, continúan los aires psicodélicos con diversos cambios rítmicos.  ¿Qué nos podéis contar del tema?

Pues la verdad es un tema que esta pasando un poco desapercibido o al menos esa es la sensación que tenemos. Cuando para mi es uno de los temas mas redondo y que desde el principio siempre sonó bien. Es un tema que para mi gusto tiene uno de los mejores riffs del disco y mola mucho tocarlo.



Rockliquias.-  Para mi gusto “Les Pilutes Verdes” es el tema destacado del disco. La primera parte me recuerda a nuestros queridos Bloque mezclando sonoridades andaluzas y psicodélicas. En la parte central tenemos unos memorables solos de guitarra que poco a poco se van transformando en laberintos rítmicos "krimsonianos" para finalizar. 

Es el tema que engloba mas estilos en si. Va desde la parte del principio mas pesada, pasando luego por una estrofa y estribillo con aires de rock andaluz, después una especie de puente que termina con un solo brutal de mi hermano J.Angel y después esa parte marciana en fin de todo un poco.



Rockliquias.- El disco finaliza con "Ente", nuevamente un crisol de estilos que te deja ganas de más. ¿Qué tal Spinda Records?

Spinda es un sello de aquí y para mi eso ya es un plus. Poder tenerlo cerca en todo momento mola. Además Berto es un tío que se desvive con esto y lo vive mucho se parte la cara. Solo podemos estar agradecidos de que haya querido contar con nosotros. Es un fenómeno.



Rockliquias.-  ¿Tenéis fechas concretas para la presentación?

Bueno tenemos varias y mas que se irán anunciando por ahora podemos anunciar día 2 de marzo en la TPOP La Línea de la Concepción y día 9 de marzo en el Perro Madrid.

Rockliquias.- ¿Qué opináis del panorama musical en Andalucía?

Hay muchas bandas buenas en Andalucia, siempre las hubo. Ahora mismo hay grandes bandas como Atavismo, Bourbon, Medicina, Santísima, The Agapornis y muchas mas. Hay mucho talento solo hay que apoyarlo y abrir un poco la mente y los oídos.

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el cd y fueran a vuestros conciertos?

Bueno que nos pongan en spotify y se dejen llevar y si les mola pues se lo compren a Berto por la web de Spinda ó a nosotros cuando pasemos por su ciudad.





Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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CONSORZIO ACQUA POTABILE - Robin Delle Stelle (1998)

Con una preciosa portada y un programa de más de una hora se edita en 1998 el segundo CD del grupo.


 Durante los años 90 las ventajas del compacto permitían llegar a duraciones de casi 80 mtos de música. Esto podía tener una contrapartida para los amantes de la patología vinílica que siempre se quejaban de la excesiva duración de un CD y si además el nivel de calidad del programa presentado tenía sus altibajos, más a su favor. Acostumbrados a “dar la vuelta” al LP a los 20 mtos, nos permitía un mayor control de lo que estabas escuchando, pero cuando en un CD de 70 o más mtos se acumulaban demasiadas canciones o instrumentales se perdía el hilo argumental salvo que siguieses el pequeño encarte o libreto interior con atención. Esto os puede parecer una chorrada, pero no lo es, porque la psicología del melómano es muy especial. Con el repelente CD había que cambiar el chip en la forma de escuchar música. Yo como ardiente defensor digital por aquella época llegué a considerar los discos de vinilo como molestos cartonajes que ocupaban espacio amén de ser unas antiguallas que acumulaban polvo y odiosa electricidad estática. Fui traidor y posterior converso como muchos de mi generación. Hoy vuelvo a coleccionar esas carpetas que se abren más por nostalgia que por otra cosa porque reconozco que salvo contadas excepciones la mayor parte de mi escucha ya es en mp3 y ni siquiera en compacto. Algún día haré una pira funeraria con todo a modo de liberación y me dedicaré a criar caracoles de invernadero o a mirar a las lagartijas al sol y observar como meditan. En la vida todo cansa os lo aseguro. Hasta lo que más nos gusta.

Bromas aparte este “Robin Delle Stelle” de los CAP es una delicia de principio a fin. Solo cinco temas de 9 a 18 mtos todos ellos. Suites sinfónicas para el sinfónico más recalcitrante del planeta como siempre me he autodefinido y además me crea una perversa satisfacción. Ahora hay un día internacional para cada colectivo o tema social así que debería crear el día del orgullo sinfónico y salir disfrazado de mellotrón. 


La maravillosa “Signori dell tempo” (14.00) con voces siempre en italiano (no me gusta que en el RPI se cante en inglés, al César lo que es del César). Las melodías y oleadas lujuriosas instrumentales se suceden mientras el minimoog proclama su poderío. Ese pequeñajo bicho de madera de tres octavas y media tiene más peligro y cojones que cualquier otro instrumento electrónico y sin él la música prog clásica no tendría su sello inconfundible. Con CAP puedes disfrutar de él a gusto al igual que con el resto de arsenal teclístico y guitarrero que despliegan en una música plena y rica en matices. La ventaja del prog es que conviven varios mundos a la vez y jamás pueden aburrir a un oído acostumbrado a puertas abiertas y variados parajes sonoros. Un viaje mental constante al que otras músicas y estilos no acceden. Mahler decía que su música debía abarcar el mundo entero, todas las cosas, todas las dimensiones. Sibelius por su parte decía que la sinfonía debía ser una “gran melodía” una emoción completa. Pensaban a lo grande y ¿que es el rock sinfónico sino pensar a lo grande?. 

Todas las grandezas de este disco se superan unas a otras o quizás es siempre la misma grandeza: la fabulosa “Robin delle Stelle” (12.52) con sus coros femeninos y sus líneas épicas o la deliciosa “Lontana Lucia” (11.11) con esa poesía sonora típica de la delicadeza sinfónica melódica italiana que culmina con la compleja “Soli sull´Olimpo” (18.05) y la envolvente y adictiva “Robin …again” (9.41). Música expansiva. Quizás una etiqueta más precisa que “progresivo”. Hay ingredientes sonoros que parten de muchas fuentes para que las posibilidades de jugar con ritmos, melodías, acordes, notas, timbres no tengan que clasificar a la música en estilos cerrados. Todo cabe en la imaginación del compositor que al igual que un hábil cocinero debe saber utilizar los ingredientes que tiene a su alcance.


 En música, siempre lo he dicho y lo afirmo, es importante el impacto emocional, la energía y la imaginación, pero no siempre hay manos y mentes que consigan emocionarnos. CAP no son algo diferente que sorprenda por su originalidad. Su música es la de siempre. La bien hecha y realizada con el componente melódico imprescindible para los que gustan de horizontes amplios y viajes épicos, pero es música con mayúsculas y la realizan con honestidad y entusiasmo porque es en lo que creen. En lo que siempre hemos creído los sinfónicos recalcitrantes orgullosos de serlo. Música…la de verdad.
Alberto Torró





Temas
1 Signori Del Tempo 14:00
2 Robin Delle Stelle 12:52
3 Lontana Lucia 11:11
4 Soli Sull'Olimpo 18:05
5 Robin ....Again 9:42



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