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CLARA ROCKMORE - The Art of the Theremin (1977 / DELOS) (Serie Pioneros)

Con la thereminista Clara Rockmore, ponemos fin temporal a nuestro particular homenaje a las mujeres pioneras en electrónica. Su verdadero nombre era Josefa Reisenberg y procedía de Lituania, donde estudio violín y posteriormente,  el famoso Theremin.


 Aparato fantasmal tocado interponiendo ondas en el aire con las manos, (dicho zafiamente). Y que todo el mundo ha visto en el film "The Song Remains the Same", tocado gamberramente por Jimmy Page. Bastante mejor se lo vi tocar a Joe Bonnamassa. En 1921, Clara Rockmore se traslada a USA. Siendo vista durante los años 30 y 40 como virtuosa de éste instrumento "futurista", con orquestas por Europa, New York y Filadelfia. Haciendo giras de costa a costa y siendo increíblemente popular por esos días. Conoce al propio inventor del aparatejo, Leon Theremin, pero contraerá matrimonio con Robert Rockmore.

Su único disco en vida, (algo del todo increíble y que clarifica el poco caso hecho a las mujeres en éste campo musical), fue apadrinado y producido por Robert Moog y su primera mujer, Shirleigh Moog. Bob también se interesó en el desarrollo, restauración,  amplitud de funciones y modernización,  y  posterior comercialización del aparato en los recientes años 90.


"The Art of the Theremin"conserva intacto el espíritu etéreo y "ectoplasmico" de su sonido. Perfecto para la música romántica contemporánea,  que Clara Rockmore interpreta junto al piano de su hermana mayor Nadia Reisenberg. Obras de Rachmaninoff, Falla, Stravinsky, Ravel, Tchaikovsky o Glazunov ofrecen un perfecto escenario musical para la hipnótica y fascinante sonoridad del curioso aparato. Y la destreza y virtuosismo de la Rockmore era evidente,  a la vez que sorprende verla en acción, por lo inusual de la ejecución al "violín imaginario". El lirismo fantasmagórico del Theremin fue utilizado innumerables veces para bandas sonoras de misterio y ciencia-ficción,  en las series B de los años 50. Entre el delicado sonido de un violín y una nostálgica mezzo-soprano,  es perfecto para retratar enigmas, dramas o los momentos más tristes de una secuencia de Charles Chaplin.

Recientemente se descubrió otra grabación de Clara Rockmore, "Lost Theremin Album" (Bridge Records), editado en 2006. Murió el 10 de Mayo de 1998 a los 87 años, en New York. Y se le hicieron algunos documentales biográficos. 

En los finales años 30, aparecieron algunos inventos cercanos al Theremin. El Sonorous Cross fue una derivación de éste. Mientras que teclados electro - acústicos como el Electrochord y el Novachord comenzaban a emerger. El Theremin tuvo más aceptación en los USA. En Francia crearán  otro instrumento más a su gusto,  pero de "la misma cuerda", las Ondas Martenot, especialmente favoritas del compositor Olivier Messiaen.


El Theremin ha sido (y es) muy utilizado en el ámbito del rock progresivo, dada su misteriosa naturaleza sonora y alta belleza melódica. De la que Clara Rockmore fue su más ferviente defensora.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Vocalise 3:46
A2 Song Of Grusia 4:16
A3 The Swan 2:56
A4 Pantomime 3:45
A5 Hebrew Melody 5:23
A6 Romance 4:47
B1 Berceuse 3:08
B2 Habanera 2:42
B3 Berceuse 4:14
B4 Valse Sentimentale 2:06
B5 Sérénade Mélancolique 7:39
B6 Chant Du Ménestrel 3:58







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Mahogany Rush - Live in Cleveland 1974

Frank Marino es otro de los guitarristas que ocuparía los primeros puestos en la lista de "guitarras infravalorados". Poco mas de una década de cierto reconocimiento para en 1993 retirarse temporalmente. Afortunadamente en 2000 regreso y hasta el momento sigue activo. En 2005 un grupo de guitarristas (George Lynch, Ronnie Montrose, James Byrd, Randy Hansen, Audley Freed, Jennifer Batten, Karl Cochran, Jeff Cloud, Rick Ray yJohn Norum) grabaron "Secondhand Smoke" un reconocido tributo al gran Frank Marino.


Mahogany Rush se forma en Montreal en 1970 teniendo en sus filas a Frank Marino (guitarra, voz), Jimmy Ayoub (bajo) y Paul Harwood (batería). En 1972 graban su primer disco "Maxoom" al que le seguirian dos mas "Child of the Novelty" (1974) y "Strange Universe" (1975). En el 76 se trasladan a Los Angeles editando con Columbia seis vinilos mas: "Mahogany Rush IV" (1976), "World Anthem" (1977), "Frank Marino y Mahogany Rush Live" (1978), "Tales of the Unexpected" (1979) , "What's Next" (1980)  y "Power of Rock 'n' Roll" (1981). El punto mas alto de popularidad lo alcanzaron en el California Jam II (1978).


La grabación nos traslada al concierto de Mahogany Rush en el famoso The Agora de Cleveland el 3 de febrero de 1974. Frank y su banda nos apabullan con su excelente rock blues con grandes fuegos de artificio y por supuesto siendo un alumno aventajado del Hendrix. En el "setlist" tenemos "A New Rock'n'roll", el homenaje a Hendrix con "Red House", "Hey Joe", Third Stone From the Sun"  y "Voodoo Chile", y las explosivas versiones de "Nobody Loves Me The Way You Do" y "Crossroads". Está grabado de la Fm con un sonido aceptable.
J.C.Miñana



TEmas
1 - A New Rock N Roll
2 - Red House
3 - Hey Joe
4 - Third Stone From The Sun/Jam
5 - Nobody Loves Me The Way You Do
6 - Voodoo Chile
7 - Crossroads



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ARTI E MESTIERI - Acquario (1983)

Nos hemos metido ya de lleno en los 80´s y en esa estética superficial y urbana donde las portadas de discos ya no son imaginativas y ahora prácticamente son las fotos de grupo y poses fashion lo que mola. Las vestimentas reflejan la época: pantalones de pinzas, americanas llamativas, foulards, corbatitas, camisas y zapatos limpios y nada de la guarrería del disco anterior. Estamos en 1983 y a la máxima expresión filosófica que se llega es a la cultura del gyntonic la gente vacua de plástico y las luces de neón.


 La música va a la par, sin embargo, en algunas ocasiones no siempre el envoltorio coincide con el interior y en el caso que nos ocupa la música de este disco es bastante superior al “Quinto Strato” de 1979. La formación italiana ha cambiado por completo salvo el batería que sigue siendo Furio Chirico pero el nivel de los nuevos músicos está a la misma altura. El teclista Beppe Crovella ha sido sustituido por Antonio Salerno compositor principal en la mayoría de los nuevos temas. Al bajo sin trastes tenemos a una máquina llamada Umberto Mari. La elegante sección de viento la ocupan Siro Merlo y Guido Scategni y a la guitarra tenemos a Luigi Tessarollo. Un combo jazz-rock-funk-fusión de alto calibre. En los 80´s el jazz fue el refugio de muchos y en mi caso como ya he dicho en varias ocasiones, mucho más la música clásica de la primera mitad del siglo XX. Eso me mantuvo vivo porque por entonces dimos por muerto y finiquitado el rock progresivo y sinceramente nunca pensamos y ni siquiera creíamos en la posibilidad de que algún día podría resucitar como pasó al principio de los 90´s de lo cual nos alegramos como no podía ser de otra manera.


 Acquario es un buen disco en un mal momento. Esto sucedió en más de una ocasión junto al habitual escepticismo en torno a las ediciones discográficas del momento que estaba más que justificado. Con todo, la situación daba para un margen de tolerancia dentro de ese mundo tan superficial que me tocó vivir, y en esa desesperación y hambre de música de entonces llegué a admitir incluso adquirir en algún caso otras músicas que hoy tiraría a la basura sin contemplaciones ni remordimientos: Police, Dire Straits, Peter Gabriel, Roxy Music, Bruce Springsteen, Van Morrison, Asia, incluso Marillion (que me gustaron) o los terribles Yes del 90125 o Big Generator. Salvaría sin embargo y por siempre a mi querida Kate Bush y a unos cuantos más que pensé podrían ocupar el enorme hueco que quedaba en mi interior. Pero en general craso error. En realidad y con alguna excepción, nunca soporté toda esa música y esa época aunque evidentemente respeto a sus fans, pero en los 80´s había que elegir entre los múltiples horrores lo menos malo. Debemos agradecer hoy a la red la oportunidad de escuchar cosas decentes de entonces de las que no teníamos ni idea y que fueron sepultadas o desaparecieron en la ignominia y que como en el caso de Arti e Mestieri al menos grababan discos de música de verdad con pasajes instrumentales, solos y cambios y muy lejos del pop de luxe monocorde y a veces pedante que aburría a los culebrones.
Alberto Torró







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MATS-MORGAN BAND - Thanks for Flying Whith us (2005)

El título de este álbum podría ser extensible a todos los que nos seguís diariamente en estas páginas musicales. No sé si unas veces acertamos y otras no. El caso es que nos gusta la música e intentamos que sea la mejor dentro de lo posible. No somos un blog que esté a la moda, ni pretendemos que sea un lugar poseedor de la verdad. No estamos en esto para contentar el gusto de los tiempos. Los tiempos cambian y la forma de engañar también. Yo veo sin que tampoco me interese demasiado lo que se pretende que se escuche en aras de la modernidad de los tiempos. La palabra rock progresivo ya es un saco sin fondo. 


Veo blogs que no respetan lo más mínimo el concepto. El hecho de meter en el saco un tercer acorde, unas voces saturadas, un ritmo épico y pesado y un modo compositivo para generar solemnidad en un trance monocorde me deja seco en la vacuidad más absoluta. Tanto metal prog, alt prog,  tech prog, oscure prog, modern prog y kaka prog y nula imaginación es un ruido que me aburre. Luego aunque como siempre aquí no venga al caso, veo otras cosas: exaltaciones aldeanas patrióticas como único recurso intelectual. Retrocesos sociales y políticos que se consagran varias décadas atrás en el tiempo y que parecían superados, pero va a ser que no. La política de mi país es como la novela “Rebelión en la Granja” de Orwell. Vergüenzas sin nombre que tan solo se apañarían con un poco de lectura, educación y formación. Debería estar acostumbrado ciertamente, pero es difícil. De todas formas, como 2019 no va a ser mejor que este año que termina sino todo lo contrario y peores todavía los años subsiguientes, que dios nos coja confesaos como se dice por estas tierras. A cenizo que no me ganen…jejeje.  El verdadero rock and roll está por llegar y no hablo en términos musicales. Al fin y al cabo, gracias por volar con nosotros (la Orquesta Mondragón tenía una canción así) y ese es precisamente el título del disco que nos ocupa.

Otras 16 piezas de música creativa que no transigen con nada. Cada álbum de Mats-Morgan puede gustar más - menos o no gustar nada. Todo depende del refinamiento del oído de cada uno y ponen de relieve la capacidad de asimilación musical de cada persona. Esto es así o lo tomas o lo dejas. La ventaja de estos señores es que salvo su devoción declarada por las disciplinas de Frank Zappa se salvan de cualquier otro tipo de comparación con otras músicas gracias a su originalidad. Si deseas que nadie te critique musicalmente, haz lo que nadie hace, más que nada porque los dejas sin argumentación posible y después que hablen lo que quieran. Su música como siempre es tan compleja como cachonda y tan descarada como fascinante. Es una forma en constante evolución y no hay excesivo parecido entre un disco al siguiente. Todo es diferente pero siempre bajo el prisma de la misma matemática sonora y si buscas obviedades o algún tipo de regla académica habitual en términos de composición, olvídate por completo porque es como leer un libro con una forma literaria desconocida. 


Lo curioso de esta banda es que no se puede recomendar un trabajo por encima de otro. Acordaros de la “continuidad conceptual” de la que hablaba Zappa aunque en el fondo de la cuestión estaba cambiando continuamente de estilo de música y ninguno de sus discos se parecía a otro. Lo que no cambiaba nunca era su personalidad y su sello particular a la hora de componer. Mats-Morgan Band parten del mismo concepto, podemos hablar de jazz futurista, rock de cámara, forma experimental o pura vanguardia fuera de tiempo y lugar. Pero de seguro que no acertaremos con ninguna etiqueta y ese es el mayor piropo que se le puede dar a la imaginación musical. Tu escucha y luego decides.
Alberto Torró



1. Sinus (0:00)
2. Thanks for Flying with Us (4:56)
3. Adat Dropouts I Love You (9:30)
4. Not Us (12:31)
5. JF's Tati-Car (15:04)
6. La Baratte (19:13)
7. Softma (25:04)
8. Wounded Bird (28:36)
9. Proppeller Häst (33:11)
10. Allan in the Rain (37:04)
11. Wenjie (41:07)
12. Please Remain Seated (44:19)
13. Coco (47:33)
14. Live Neff (50:46)
15. Alive in Enskede (58:39)
16. Ivan (1:06:41)






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HOKUS POKE - Earth Harmony (1972 / VERTIGO)

Volvemos a la siempre bien considerada factoría Vertigo (subsidiaria prog de Phillips), por la puerta de atrás. Hubo unos cuantos nombres que aún a pesar de ser fichados por éste prestigioso sello, no tuvieron repercusión alguna. Sólo ahora son buscados como el Santo Grial del coleccionismo,  en esos viciosos circuitos. Uno de esos casos fue el único álbum de los londinenses Hokus Poke. Sus miembros ya habían tenido actividad durante los 60.

Smith Campbell (bajo) había estado en Clear Blue Sky  (otra banda de culto made in Vertigo). Roger Clarke (guitarras y steel guitar) procedía de Sailing Shoes. Clive Blenkhorn (guitarra, voz) y Johnnie Miles (batería) completaban el cuarteto. El disco fue grabado en los AIR Studios de George Martin en 1971. Y es de esos perdidos tesoros que equilibran calidad e implícita rareza.

"H. P. Boogie" (3'39) tiene una clara orientación dual - guitar y vocalización conjunta (ignoro qué más miembros cantaban). Inmediatamente nos viene a la mente Wishbone Ash por parecidos planteamientos. Muy agradable la voz de Blenkhorn, con matices que pueden parecer propios del southern / country rock, y además con la steel ejerciendo. 

"Sunrise Sunset (The Sunset)" (2'23) tiende en su composición a mirar de cerca a Traffic, siempre con un gusto exquisito en las guitarras. La sección de ritmo es eficiente al máximo,  y digna de seguir.

 "Big World Small Girl" ('7'47) posee encantadora melodía vocal muy de primeros Yes, con guitarra a la Howe y estilo Anderson. Psych / Prog en la línea del "Time and a Word" o "The Yes Album". Con audaces e inteligentes cambios, ritmos de corte jazzy,  buenas voces de apoyo y soberbio sólo de guitarra con feroz wah wah y contestación de una segunda. Mi favorita del álbum, una auténtica maravilla. 

Termina este lado del vinilo con "Down in the Street" (5'00), una delicadeza de sutiles aromas campestres a la Bronco, Heads, Hands & Feet o McGuiness Flint. Lo que significa que The Byrds,  CSN & Y y la West Coast ejercen gran influencia en la ejecución. Bellos ambientes de total ambientación hippie rural impregnan ésta bonita canción. 

La cara B entra también fenomenal con "Hag Rag" (3'53) continuando ese vitaminico sabor Costa Oeste estilo Poco, Seatrain o Souther Hillman Furay Band. Preciosas guitarras dobles entran en acción,  además de piano y Hammond de fondo.

"Living in Harmony" (5'38) vuelve al british prog de Home,  Juicy Lucy o Baker Gurvitz Army, flirteando con el hard y acid rock. Otro de los fuertes de ésta banda.  También  abordan el blues boogie tan de moda en el 72, como unos Savoy Brown, Climax Blues Band o Fleetwood Mac. De obligada visita. "Time & Space" (4'19) podría  ser, justo en ésa tesitura, un tema de  primeros AC / DC o incluso de Lynyrd Skynyrd. Aunque Hokus Poke le imprimen su personal estilo, que toma un poco de todo lo que había en el momento. Construyendo canciones sólidas,  de fino toque y evidente clase. Como la final "The Poke" (4'31), que vuelve a la pura escuela Wishbone Ash, la cual bordan al mismo nivel que los de "Argus".


No parece que fuera suficiente para el estresado comprador de discos de la época,  y el grupo desapareció de la escena como había venido. Dejándonos éste atractivo álbum que recomiendo si gustas de las referencias expuestas. No defrauda.
J. J. IGLESIAS



Temas

A1 H.P. Boogie
A2 Sunrise Sunset (The Sunset)
A3 Big World Small Girl
A4 Down In The Street
B1 Hag Rag
B2 Living In Harmony
B3 Time And Space
B4 The Poke







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PANAMA RED - Limited 1981

Nuevamente estamos ante una banda perdida en el tiempo y en el recuerdo   que condensaron todo su buen hacer en un único disco autoeditado en 1981.


Klaus Altstetter (guitarra) nace el 25 de enero de 1959 en Augsburgo, Alemania. En 1976 es una de las bandas más famosas de su ciudad, "Mirkwood". Tres años mas tarde forma Panama Red junto a Dieter Zimmermann (bajo), Buddy Brudzinski (guitarra), Peter Falch (batería) y Joschi Janosch (voz). En el 81 editan su único disco "Limited", llamado así ya qye solo tuvieron tres días para grabarlo. A los pocos meses se separan. Posteriormente Klaus entraría en Groove City Band y en el 85 junto a su hermano Norbert formaría Partypack.


El disco contiene ocho temas donde podemos encontrar progresivo, jazz rock, blues y rock todo ello sazonado con el buen hacer de su guitarrista Klaus Altstetter. La grabación se inicia con "Mr. Madman", uno de los mejores temas del LP. Buenos riffs, cantando en inglés (lo van alternando con el alemán) y con una buena sección rítmica. "Elmeloh City" tiene cierto aire latino a lo Santana pero con el estilo propio del grupo. Sonoridades flamencas llegan en "Spanier", con ese título no podía ser de otro modo. Me recuerda lejanamente a las sonoridades de "La guitarra Flamenca" de Iceberg. En "Tomorrow is Another Day" vuelve la mezcla de estilos prog-jazz-rock. "Suicide" es otro de los temas destacados con un gran nivel de toda la banda con trepidantes riffs y una parte final donde su bajista, Deter Zimmermann, se emplea a fondo. "Jetzt Langt's" con letra en alemán vuelve a incidir en buenos momentos guitarreros. "Just Stay (Wait a minute)" con un magnífico "groove" bajo-batería y con cierto tinte blusero. Finalizan con "November" en plan acústico.
J.C.Miñana



Temas
A1 Mr. Madman 
A2 Elmeloh City 
A3 Spanier 
A4 Tomorrow Is Another Day 
B1 Suicide 
B2 Jetzt Langt's 
B3 Just Stay (Wait A Minute) 
B4 November




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ANTHONY PHILLIPS - 1984 (1981 / RCA)

Cambiamos levemente de registro pero no de instrumento.  En una sección donde el sintetizador manda no podía faltar éste entrañable álbum del ex- Genesis. Disco éste que sorprendió a todos, acostumbrados como estábamos  a sus pastorales y delicados pasajes acústicos. En su sexto trabajo nos salió con un álbum dominado plenamente por sintetizadores. Aunque esto ya había comenzado el año anterior, con el primero en solitario de Mike Rutherford, "Smallcreep's Day", donde Ant se encargaba de todos los teclados. La mejor obra del bajista, sin ninguna duda. 


Phillips se había comprado un Polymoog y un ARP 2600 y estaba volcado en sus nuevos juguetes (nos pasa a todos). Por desgracia también se hizo con una caja de ritmos Drum Machine Roland CR - 78, empañando un tanto el resultado final de la obra. Ya se sabe que éstas cosas de la modernidad tecnológica son difíciles de evaluar y preveer a años vista. Hoy suena desfasada y pobre, pero en su momento  sería lo más en "avances de sonido".  Y el bueno de Phillips la usó sin mucha maldad, aunque el resultado suene hoy ligeramente mierdoso. Para éste concept álbum instrumental basado en la célebre novela anticipativa, tomó prestados algunos trastos percusivos de Phil Collins y arregló una sesión con Morris Pert (Brand X). Que le hizo todas las labores de percusión en un día......no todo estuvo perdido en éste sentido, como vemos. También Richard Scott echó una mano en éste cometido.

"Prelude '84" (4'19) nos demuestra un sorprendente perfil comercial - bien entendido -, que lo aproxima a los Genesis de esos mismos días. Anthony Phillips era ya a estas alturas un íntegro músico,  muy estudioso, que dominaba cualquier forma de melodía,  armonía y composición. 


Clara muestra nos va a deparar "1984 Part 1" (19' 06), en un estilo electrónico - sinfónico muy parecido al Mike Oldfield de "Platinum", por ejemplo. Con fases melódicas amables, agradables y en algún momento, inevitablemente genesianas. Donde sin embargo se distancia de sus sosegados trabajos anteriores, llenos de bucolismo y candidez pastoral. Los sonidos del Polymoog lo envuelven todo en oleadas de fantasía descriptiva y excelente disposición armónica. Por momentos se acerca a Larry Fast y su proyecto Synergy, y de hecho compartían sello en USA, pues ambos grababan para Passport Records. Los distintos cambios y estados de la suite la hacen amena y muy disfrutable, con cantidad de emotivos momentos y sensibilidad compositiva traspasada con éxito a la electrónica. 

Damos la vuelta a la placa y "1984 Part 2" (15'28) nos sigue llevando por distintas fases en contínuo cambio melódico,  muy compuesto y arreglado, (con ocasionales pinceladas de guitarra). A mí me recuerda a ratos al estilo sinfo de mi compi Alberto Torro, en algunos de sus propios trabajos, (que podéis degustar vía YouTube). Pero es de nuevo Mike Oldfield el modelo inspirativo más visitado por Ant. Ese Oldfield de temas largos de los 80, que trataba de no perder parroquianos apuntando nuevos feligreses, a base de tendencias más actuales de la nueva década. Algo así  (de difícil) trata de conseguir Ant Phillips, y creo que muy bien planteado, desarrollado y resuelto.


"Anthem 1984" (2'29) cierra el disco como epílogo a ésta bonita obra de electrónica fluida , amable y generosa. Fue la cara B del single "Prelude 84", que editaron en UK y....España !!! Doy fe, tengo ése raro 45. En 2016 Esoteric Records editó el álbum en una De Luxe Edition de nada menos que 3 cds. En palabras del propio Phillips,  éste es "su mejor trabajo al Polymoog, sobre todo al final de la cara 2". Y como a éste escriba le llegó a decir, "1984 es un disco que a la gente le gusta o le disgusta, no hay término medio". "Me gustaría mucho embarcarme en algo similar, pero aquello me llevó 7 meses". Bien invertidos Ant, muy bien invertidos.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1. Prelude '84
A2. 1984 Part 1
B1. 1984 Part 2
B2. Anthem 1984






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THE DETROIT WHEELS with RUSTY DAY - Live Michigan 1973

Rusty Day fue todo un personaje a finales de los 60 y durante la década de los 70. Formó parte de  Rusty Day & The Midnighters,  The Amboy Dukes, Cactus, The Band dDetroit entre otros. Rechazó sustituir a Bon Scoott en AC/DC y a Ronnie Van Zant en la Rossington Collins Band. Murió asesinado junto a su hijo, un amigo y su perro en 1982.


The Detroit Wheels se formó a comienzos de los 60 teniendo en sus filas a Willian Levise (voz),  Jim McCarty (guitarra), Earl Elliot (bajo) y Johnny Badanjek (batería). En un principio se hacían llamar "Billy Lee and the Rivieras" pero tuvieron que cambiarlo por coincidencia con otra banda pasando a ser Mitch Ryder & The Detroit Wheels. Obtuvieron un notable éxito con el tema "Jenny Take a Ride".  Editan tres discos "Take a Ride" (1966), "Breakout...!!!" (1966) y "Sock It To Me" (1967). Levise (Mitch Ryder) deja la banda en el 67 y aunque Badanjek toma las riendas acaban separándose. Posteriormente Mitch Ryder y Badanjek formaron The Band Detroit junto a Steve Hunter (guitarra), Brent Tuggle (guitarra), Harry Phillips (teclados), W.R. Cooke (bajo) y Dirty Ed (percusión). Grabarían un único disco en 1971.  Ryder y Hunter dejarían la banda entrando Steve Gaines y Rusty Day. 


La grabación corresponde   a la actuación de The Band Detroit (y no The Detroit Wheels) en Detroit el 27 de Marzo de 1973. Ademas de Rusty Day y Steve Gaines (guitarra) la banda cuenta con Bill Hodgeson (guitarra), Terry Emery(Teclados), Nate Peterson (bajo) y Teddy T-Mel Smith (batería). Buen rock blues con aires sureños y con un excelente Rusty cantando acompañado de Gaines que ya apuntaba maneras para convertirse en guitarra de  Lynyrd Skynyrd,  como muestra tenemos el tema "Searching for Something" claramente en esa línea. También podemos destacar "This Old Hear" de James Brown y la Medley final. Como "bonus"  un tema en directo  de 1977 de la banda EXPO teniendo como invitado a Rusty. Sonido de FM.
J.C.Miñana



Temas
1. Don't Want No Bad News Hanging Around (?) 
2. Tryin' (Back On My Feet Again) (?) 
3. Feel Like An Old Dog (?) 
4. This Old Heart 
5. Searching For Something (?) 
6. Medley: Heebie Jeebies / She's Got It / Goin' Back to Birmingham / Bye Bye Baby




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GUZMÁN - El País de la Luz (1978 / CBS)

Dejamos la actualidad por ésta semana, para rescatar un delicioso álbum que descubrí no hace mucho y que me tiene enamorado. "El País de la Luz" fue el primer trabajo de José María Guzmán en solitario. 



Miembro perteneciente a Solera, Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán  y última etapa de Módulos. Si Solera fue la antesala de CRAG, con su auténtica Costa Oeste a imagen y semejanza de Crosby, Stills, Nash & Young, los últimos Módulos aportaron algunos de los temas más progresivos de toda su carrera. Toda ésta experiencia acumulada se ve reflejada en "El País de la Luz". Con la inclusión de estos estilos al modo sinfo - prog, y con un parecido casual a lo hecho por Charly García en Argentina,  en sus proyectos La Máquina de Hacer Pájaros,  Sui Generis y Seru Giran. Además de Guzmán como cantante, letrista,  música y producción,  le acompañan un equipo de músicos de alto nivel, que por sí solos forman parte de la historia del rock español. J. Antonio Galicia (batería), Miguel A. Chastang (bajo y fretless), Tomás S. Miguel (pianos y Fender Rhodes), Luis Cobos "Manglis" (guitarrista de Guadalquivir), Rodrigo García  (guitarra acústica y miembro de CRAG), Luis Cobo (antes de espantar moscas con la batuta, fue el teclista de los progresivos Conexión.  Aquí está al Mini Moog, Yamaha C - 8, Solina y Hammond, cedido por Tomás Bohórquez de Módulos). De éstos tenemos a Pepe Robles y Sherpa (antes de Barón Rojo), a las voces. Gualberto al sitar.....y unos cuantos más. 

Su apertura con "El Pais de la Luz" (5'32) conserva un mucho de la atmósfera hippie West Coast heredada de CRAG. Aquí con aderezo de mini moog y arreglos progresivos. La letra lleva esa poesía bohemia implícita y esperada. Ya no se hacen canciones así,  ciertamente. Su parte final instrumental con sólo de guitarra recuerda a Triana en su mejor forma. 

Mismas virtudes atesora "Mi Joven Amigo" (6'43), con clara influencia del "Deja Vu" de CSN & Y y símiles con Sui Generis o Nito Mestre. Su desarrollo instrumental es sencillamente espectacular, con piano - organo en complicidad muy bien repartida. Mención aparte merece su voraz letra social.....cuánta verdad. Otro temazo completamente atemporal. 

"Dejando el Hogar" (4'48) te atrapa con su habitual brillantez lírica, pero no dejes que te despiste del todo. Presta atención al arropo sinfo de la pieza, casi de tesituras Yes. Y con un sólo de moog que "toma prestada" melodía del "Squonk" de Genesis......que perrete,  el Luis Cobo ! Vale, su arreglo de cuerda es extraordinario,  todo hay que decirlo. El tratamiento vocal a la New Orleans en "Julia"; (2'10), estilo "El Cantor de Jazz", es muy parecido al "Excuse Me" del debut de Peter Gabriel.



Vuelta al vinilo y la barroca intro a la Moody Blues de "Volver a Empezar" (3'53) adorna un mensaje absolutamente depresivo, que Guzmán borda con su emotividad y excelente voz. "26 Años" (3'14) es puro rock sinfónico con letra que insiste en hundirte en la miseria moral más profunda. Las historias de Guzmán eran tristes, reales, y con una nostalgia dramática magnética.  Este hombre era un verdadero peligro......o un gran placer masoca, porque adicciona. Ídem podemos decir de la tremenda y final, "Celia" (11'40). No me cuesta mucho imaginar este tema en un álbum de Steve Hackett. La guitarra suena igual. Luego torna hacia un ladino e irresistible jazz rock entre Brand X y Al Di Meola,  para volver a un clímax instrumental de puro ejercicio Hackett. Algo exhuberantemente bueno, que podría compararse con los Dolores, de Pedro-Ruy Blas. Por supuesto la historia de Celia es para cortarse las venas, para variar. Pero acaso no era éste el sentimiento generalizado que se respiraba en tiempos de la Transición? Porque éste álbum,  con sus virtudes y miserias, es un fiel y brillante reflejo de aquellos grises días,  de esperanzas truncadas, falsas promesas y mentiras bien urdidas. De otros 40 años viviendo en un espejismo intangible, y sin visos de cambiar.
Puro Guzmán. 
J.J. IGLESIAS
Aquí tenemos una pequeña muestra:





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ARTI E MESTIERI - Quinto Stato (1979)

En primer lugar, uno no debe de asustarse por las fotos interiores de este disco en la que aparecen retratados una especie de macarrillas rockeros del barrio de Vallecas meando en la calle y haciendo la “peineta”. 


A simple vista esto no parece ser una banda de jazz rock italiana y no sé a qué viene esa estética tan delicada, más propia del patio de Carabanchel y de unos tíos que te van a dar de hostias. Tanto el chulillo del cover frontal como el interior es horroroso, pero estamos en 1979 y la inmensa mayoría de portadas de discos de esa época eran efectivamente horribles. Quizá el frontal no supere al “Love Beach” de ELP del mismo año y los tres macarras playeros en plan hortera millonario, pero por ahí va la cosa. La moda punk y el rock de alcantarilla que invadía el mercado a finales y principios de los 70´s-80´s influyeron de manera notable en los modales y la estética de la época. Sin embargo la música de este tercer disco de los Mestieri, sin ser tan buena como los primeros, no adolece de calidad. Son buenos músicos y malo sería que de la noche a la mañana cambien de estrategia para contentar el deleznable gusto de las modas y de las compañías que controlaban el negocio discográfico de entonces. 


Hay que apuntar no obstante que la música aquí contenida es más directa y con mayor tendencia al funk y el rock. No han abandonado el jazz por supuesto y los arreglos siguen siendo complejos, pero ahora se parecen más a Herbie Hancock o George Duke que a la Mahavishnu. La voz de un tal Rudi Passuello en tres de las piezas cantadas es bastante áspera y prescindible pero afortunadamente no abusan y la tendencia como siempre es más instrumental. Hay cierto contraste entre unas piezas y otras, siendo las mejores “Vicolo”, “Torino nella mente” o “Mercato”, ésta última con unos pasajes extraordinarios de saxo alto y un bajista tremendo que vuelven a decantarse por la excelencia en la jazzística “Sui tetti” pieza final de este álbum muy corto para variar y con algunos cambios de personal. Malos tiempos para la música, aunque a pesar de todo aguantarían como grupo pero con lagunas de tiempo bastante largas. Seguiremos con ellos.
Alberto Torró



Temas 01 Quinto Stato (Emarginato) 02 Vicolo 03 Arterio (Sclerosi) 04 Torino Nella Mente 05 Mercato 06 D'Essay 07 Arti 08 Sui Tetti






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MATS-MORGAN BAND - Radio Da Da (1998)

Bueno pues en esta ocasión tenemos una máquina de coser de portada, lo cual aparte de lo absurdo, puede tener algo de significado por la cocktelera, puzzle y puntillismo de músicas patafísicas, que de forma tan apabullante nos ofrecen siempre este dúo magistral de afortunados músicos tocados por la varita mágica.


Todo ello para que la música sea tan fácil y tan natural para ellos a pesar de su enorme complejidad. Me dan una sana envidia porque hay gente que nace para ello, que la ves tocar un instrumento casi sin esfuerzo y con una seguridad y precisión que a veces parece humanamente imposible. Este “Radio Da Da” quizás podría ser el paso previo para adentrarse en esta música. Si pasas la prueba claro. 

Es posible que de alguna manera, lo encuentre más asequible de audición que otros trabajos de Mats-Morgan, pero reconozco que esto es completamente engañoso, porque que haya composiciones en apariencia más lineales y desarrolladas no implica que el oído pueda asimilar a la primera la cascada de acordes y notas disonantes que vienen acumuladas ya en la primera pieza: “Har Kommer Bodd” y su complicada matemática aun incluso en un ritmo que parece no cambiar el tempo. 

Papá Zappa vuelve en sus incomprensibles ruedas de acordes atonales y ritmos caprichosos y no es para estar despistado. La originalísima “Forest Man” es en realidad una canción, aunque en una perspectiva que desafía toda norma convencional. Es importante precisar el uso que le dan al sonido de cada instrumento y como encajan a la perfección muchas veces en la forma más extraña y bizarra posible. Lo curioso del caso como dije en otra ocasión, es que no resulta una escucha ardua e intelectual, que en cualquier otro grupo en esta línea avangarde resultaría insoportable. Esta banda logra atrapar al oyente y mira que es música rara de cojones, pero sin embargo, y no me explico cómo, lo consiguen. El maestro bigotudo dejó a dos buenos elementos que han sabido reinterpretar de forma muy original el camino abierto a una música sin corsets ni restricciones académicas o convencionales. Yo quizás la definiría como una forma alegre y desinhibida de hacer música fuera de toda seriedad y reglas porque efectivamente el humor está también presente y no hay nada de oscurantismo en esta música inclasificable. Sin embargo y aunque a muchos os pueda parecer, no es anárquica ni caótica en absoluto. Todo está perfectamente pensado y trabajado como un reloj de precisión. 


“Darling Darling” es un ejemplo delirante de lo que digo y lo mismo sucede con las a veces estrafalarias piezas que se van sucediendo: una locura organizada de a veces diversos caminos como sacados de una realidad musical paralela a la que no es fácil acoplarse y mucho menos familiarizarse. Es música de otro nivel desde luego pero absolutamente adictiva: “Beside The Swamp” “Fialka´s House” “Sigfrid” y tantas otras hasta un total de 16 en un bloque muy largo que llega casi a los 74 mtos. En la terminología vinílica cada trabajo de Mats-Morgan serían todos LP´s dobles. Es música para oídos aventureros y expertos de los que gustan de detalles, vericuetos y aventuras raras y advierto y reitero que nada fácil para los que solo tienen un oído melódico o “romántico” que huirán de esto como de la peste. Pero si decides atravesar la línea de lo convencional y lanzarte a nuevas experiencias sonoras, te va a sorprender y mucho. Experimental sí. Pero para nada aburrida.
Alberto Torró


Temas
1. IB Mouth (0:00)
2. Forest Man (1:53)
3. Här Kommer Bodd (4:52)
4. Täles Logan (13:19)
5. Another E2 (18:34)
6. Moon Dog (20:32)
7. Thunes and Shytts (22:52)
8. Sigfrid (23:48)
9. Fialka's House (28:24)
10. Darling Darling... (37:02)
11. Beside the Swamp (40:39)
12. Bangladesh Shuttpza (46:08)
13. Blobb (49:10)
14. Svarta Kusen Solos (52:24)
15. Ossians Hund (55:09)
16. Kul I Parken (59:33)
17. Djungle Man (1:05:57)
18. Radio Da Da (1:09:24)

The Teenage Tapes

19. JP3 (1:14:41)
20. Chicken Pie (1:15:22)
21. Hej! (1:18:04)
22. Basflärp (1:18:51)
23. Wanna Dance? (1:20:51)
24. Ljumviken Psykos (1:21:42)
25. Bassballs (1:22:07)
26. Iskastaren (1:24:40)
27. Bandet Går (1:26:07)
28. Träffas Erik? (1:35:39)
29. Bombonk (1:37:04)
30. Foxtrot (1:40:05)
31. Diamandvo (1:42:24)
32. Morgan Träffar Cobham (1:45:44)
33. Arpeggio (1:46:30)
34. Hygges 1 (1:49:30)
35. Svår Musik (1:50:45)
36. The Battle Cry (1:51:17)
37. Aulaflash (1:53:06)
38. Ace of Bajs (1:53:27)
39. Avalone (1:54:02)
40. Music Talking Here (1:56:16)
41. Ron (1:59:21)
42. Joel (2:00:37)
43. Gul Bil Lås (2:02:27)
44. Aura (2:04:13)
45. Swingo (2:05:05)
46. Sound Check (2:06:08)
47. Electric Cheese (2:06:59)
48. Lyle (2:10:41)
49. Discotakslåten (2:14:18)
50. Sjutakslåten (2:16:57)
51. Tretaktslåten (2:18:01)
52. Wanna Dance Now? (Remix) (2:21:05)
53. Help (The Ultimate Version) (2:21:59)
54. Tallingrad (2:24:57)






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