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WOBBLER - Afterglow (2009)

Si bien es cierto que el panorama de prog moderno actual está lleno de bandas pesadas y aburridas o acólitos seguidores del oportunista Steven Wilson, de vez en cuando encontramos gente honesta que hace rock sinfónico como debe ser. Naturalmente es una opinión personal. A pesar de lo que pueda parecer yo no niego la evolución en el rock progresivo, en absoluto, tan solo pido que la música tenga “sustancia e ingredientes” y lo más importante que no sea aburrida y pesada. 


El neo-prog o hermano pequeño del progresivo cumplió la función de que las cosas no se fuesen del todo a pique en los malos momentos de este estilo de música. El problema de hoy es que se le ha perdido el respeto a la denominación de origen y todo lo que tenga más de dos acordes ya es progresivo. A tal punto de miseria y falta de ideas hemos llegado y es probablemente por la degradación paulatina y falta de educación musical promovida por la industria a las nuevas generaciones. Esto no ha pasado de la noche a la mañana, sino que se ha ido gestado lentamente a partir de los años precedentes. La oferta musical de hoy es enorme, es cierto, pero todo lo que tiene de grande lo tiene de también de malo y degradante con sus lógicas, aunque escasas excepciones. Entiendo que una persona de 20 años no piense como yo, ni debe hacerlo, si no el mundo se estancaría. Es ley de vida. El problema de la edad es que conforme envejeces tienes muchos más puntos comparativos de referencia y un mayor archivo donde elegir. Si antes no oíste lo bueno del género lo de ahora te parece lo mejor porque es lo que te venden. Esto es completamente normal. En resumen: la ventaja de varias décadas de música nos perfila el gusto y nos da experiencia, pero no tiene por qué darnos la razón.

Wobbler tardaron cuatro años en editar este siguiente álbum, que por su duración bien podría ser un EP. Sus 34 minutos de música a día de hoy es una oferta escasa, lo que pasa es que es tan buena que para mí resulta más que suficiente. Al parecer “Afterglow” fueron temas compuestos antes de su primer CD y entiendo qué dada la calidad de la música, optasen por recuperarlo. 


El álbum se compone en realidad de dos largos temas: “Imperial Winter White” de 15 mtos y  “In Taberna” de 13. Las otras tres pequeñas piezas son una especie de interludios. Si te gustan como dije en el anterior artículo los sonidos y las formas musicales con instrumentación analógica y cortes y cambios constantes a la vieja usanza, vas a disfrutar como un enano. Pueden recordarte a Gryphon o a Gentle Giant o incluso a las partes más complejas de los Jethro Tull instrumentales y algo a ELP. El trabajo de guitarra clásica es excelente al igual que la cantidad de teclados de pura raza que se emplean: Hammond, Mellotron, Mini Moog, ARP, Solina, Hofner, Rhodes etc. La música es muy compleja y de corte clásico y folkie que no defraudará a cualquier veterano en estas lides. La sección rítmica de bajo-batería es de nivel alto y alta precisión. No es música para despistarse ni un momento y exige a músicos muy competentes. Instrumentos antiguos como el crumhorn, el recorder o flauta de pico y los añadidos de cello, vibes y glockenspiel le dan a todo la riqueza necesaria para una música llena de matices. Ecos antiguos medievales y del renacimiento son constantes en las composiciones y a veces se acercan un poco a sus vecinos suecos Isildurs Bane o Anglagard y tienen incluso su groove jazz y clásico contemporáneo, pero ya os dije que obvian en buena parte el sonido mortecino de estos últimos. 


Decir que es música de repetidas escuchas se da por descontado y nada comercial por supuesto. Un álbum corto pero muy intenso. Música grande y excelente.
Alberto Torró








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NEEDLEPOINT - The Diary of Robert Reverie (2018 / BJK)

Se acerca el final del año y como siempre, el inevitable balance.....que cada vez me cuesta más hacer. Porque al final acabas poniendo como "tu disco del año" alguno de notable, por no tener un claro ganador. No en ésta ocasión. Probablemente sea éste MI disco, en el 2018.


Needlepoint son noruegos y por allí arriba todavía tienen claro de que van éstas cosas. O no tienen a una revista influyente en el negocio, haciéndoles la pelota constantemente y apoyando músicas metal ramplonas y basurilla de moda con nuevos nombres raros.

Formados en 2010 y debutando ese mismo año con "The Woods are not what they seem" (2010). Seguido de "Outside the Screen" (2012) y "Aimless Mary" (2015). "The Diary of Robert Reverie" es lo nuevo tras tres años de silencio. Es con el que los he descubierto y me han volado la testa y el corazón. Tendré que investigar los anteriores. Needlepoint lo componen Bjorn Klakegg (voz, guitarras, ocasional bajo, letra y música. .......líder? ). Nikolai Haengsle (bajo, guitarras y producción), David Wallumrod (Hammond, Clavinet, Rhodes, Juno 60, Prophet 5 y ARP Pro-Soloist) y Olaf Olsen (batería y percusión).

Algo me dice que es un álbum conceptual, los temas no pasan de los cuatro minutos, formando entre todos el global de la obra. Es el único "pero" que le veo, que aquí hay claros desarrollos instrumentales auto-censurados. ....O es que me gusta demasiado. 



"Robert Reverie" da inicio al disco con un inequívoco sabor psico - Canterbury facción early Soft Machine, Egg o Matching Mole. Todos los integrantes demuestran altas dosis de inteligencia en su ejecución,  y la voz contiene esa magia especial olvidada de los grandes del género. Teclados / Hammond en estado de gracia viejuna, batería estratosférico,  guitarra sinuosa y sorprendente........todos los sentidos alerta. 






"On the Floor" y su bajo - fuzz a la Hugh Hopper, junto al superior ritmo de Olsen, en una intro divina. Armonías vocales que no conocen el stress majara e inútil  de la ciudad, en pequeños laberintos instrumentales llenos de imaginación y sentido. Invocando a las musas de "The Rotters Club" o "Little Red Record".



"All Kinds of Clouds" entra en un paraíso de Rhodes, para acercarnos a regiones del "Softs" o "Bundles". Donde reinan en una paralela Tierra Media de Canterbury, entre hobbits colgaos y elfos hippies. La parte más sensible la aportan las voces a lo Caravan. Pero Needlepoint andan fuertemente armados con material complejo de nivel Hatfield / Egg / Gilgamesh y hasta Gong.




La MARAVILLOSA "Will It Turn Silent" mezcla voz a la Pye Hastings  con guitarras del primer Génesis con Anthony Phillips . Eres un "prisionero - invitado" de éste imaginario reino donde sólo el buen gusto es considerado sagrado. Y no quieres irte de aquí, claro.



"In my Field of View" conserva la pura esencia psicodélica naif, sin ninguna malicia, que hacía de éstas músicas algo ensoñador y cálido,  como un recuerdo de la infancia.



"Grasshoppers" se nos va todavía más atrás en la máquina del tiempo. Cuando "anónimos" grupos como Tomorrow, The Pink Floyd o Mighty Baby pululaban por el UFO, el Middle Earth y otros cubículos como puertas dimensionales a las estrellas.



En "Beneath my Feet" el órgano domina junto al poderoso Olaf, el vikingo percusivo,  en una línea Greenslade, Cressida, The Nice o Quatermass. 




"In the Sea" se viste de majestuoso terciopelo rojo psych para entregar otra joya rival con el tesoro de Moody Blues, Fantasy,  England, Procol Harum o Spring. 





Por último "Shadow in the Corner" vuelve a la tierra del rosa y gris con la naturalidad del que siente éstas músicas como suyas, al margen de edad ni efímeras tendencias.



Needlepoint demuestran que no todo está perdido. Que se pueden seguir haciendo joyas sin mirar las modas "progresivas" del momento. Y que sólo hace falta amor por la música y disfrutarla. Me inspiran fe y positivas esperanzas. Que ya es decir.
J. J. IGLESIAS







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Necromandus ‎– Orexis Of Death 1973

Necromandus fue una banda apadrinada por Tony Iommi que no pudo ver su trabajo editado en 1973 y que por fin en 1999 vio la luz. Un gran trabajo que reclama su derecho a estar en Rockliquias.


La banda se forma en la localidad de Cumberland al noroeste de Inglaterra en 1970. El grupo estaba compuesto por Dennis McCarthy (bajo), Frank Hall (batería), Barry Dunnery (guitarra) y Billy Branch (voz). En uno de sus  conciertos tienen la suerte de ser visto por Tony Iommi que se convierte en su padrino ante la discográfica Vertigo y los contrata para realizar diversas actuaciones de teloneros de los Sabbath. En el 73 entran en los estudios Morgan de Londres para grabar "Orexis of Death" teniendo como productor al propio Iommi. Ozzy también se fija en ellos y en una de sus discusiones con Iommi decide llamar a los miembros de Necromandus (excepto a su cantante) para forma su nueva banda. Al final la compañía discográfica media en el asunto y las aguas en los Sabbath vuelven a su cauce dejando a los Necromandus en la estacada. Posteriormente algunos de sus miembros coincidirían en Hammerhead. En los ochenta muere Bill Branch, posteriormente en 2008 lo haría Dunnery y finalmente en 2004 le tocaría el turno a Dennis McCarthy .


Orexis Of Death es el único trabajo de Necromandus en estudio. Su música se mueve por los caminos de heavy progresivo. El disco se inicia con la intro "Mogidismo", básicamente armónicos de guitarra.  Le sigue "Nightjar" con ritmo típico a lo Iommi sin duda uno de los temas destacados. "A Black Solitude" nos da una buena muestra de las actitudes de su guitarrista Dunnery con diferentes cambios de ritmo entre lo acústico y lo rockero. "Homicidal Psychopath" progresivo con cierta base "jazzistica". "Still born Beauty" los Sabbath progresivos . "Gypsy Dancer " es otro de los temas estrella del disco donde vuelve a brillar su guitarrista en un solo central de muchos quilates. En el tema que da título al disco, "Orexis of Death" participa Iommi en el solo de guitarra junto al guitarrista de la banda Dunnery. Finaliza la grabación con una vuelta a "Mogidismo". En 2005 se reeditó conteniendo "Judy Green Rocket" en versión demo y grabada en directo en The Casino de Blackpool.
J.C.Miñana



Temas
1 Judy Green (Previously Unreleased Demo) 00:00
2 Mogidismo 03:40
3 Nightjar 04:11
4 A Black Solitude 08:25
5 Homicidal Psychopath 12:58 
6 Stillborn Beauty 16:23
7 Gypsy Dancer 20:28
8 Orexis Of Death 27:21
9 Mogidisimo (Reprise) 31:53
10 Judy Green Rocket (Live, Previously Unreleased) 33:09



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SPECTRUM - Forever Alien (1997 / SPACE AGE)

Spacemen 3 fue un dúo formado por Peter Kember y Jason Pierce que fundaron las bases, durante la segunda mitad de los 80, de la neo psych británica de los 90. En el 91 se separan, Pierce forma Spiritualized y Kember edita "Spectrum" , con el seudónimo de Sonic Boom. Al poco editará "Soul Kill (Glide Divide)" (1992) ya como Spectrum. En paralelo comienza otro proyecto, E. A. R. (Experimental Audio Research), en ésa década. 


Con un armamento vintage a base de EMS synthy,  AKS & VCS3, ÓSCar,  Theremin, Serge Modular Music System, Vocoder y vibrafono,  pretende emular a los pioneros de la "cosa nostra electrónica", con toda la fidelidad posible. Le ayudan Alf Hardy (Voltage Controlled Synthesizers, Vocoder y vibraphone), y Pete Bassman (Programming Vibrations). 

El resultado obtenido en los Cabin Studios de Coventry, con producción de Peter "Sonic Boom" Kember y Alf Hardy, será "Forever Alien", doble álbum de imborrable recuerdo......para el que se enterara. Porque en mi caso,  éste disco me pasó totalmente desapercibido. Y eso que por entonces mis tentáculos informativos operaban al máximo,  estando inmerso en la edición del fanzine Atropos. Sólo hasta hace poco que cayó en mis manos una preciosa reedición americana en vinilo del 2016 ( sello 1972), no tuve constancia del artefacto en cuestión. También podría pasar por un producto de nuestra serie Pioneros, a juzgar por lo retro real de la propuesta.

Que ya luce válvulas incandescentes en las primeras notas de "Feels like I'm Slipping Away" (5'32), con borbotones analógicos e inquietante Theremin de peli en blanco y negro sci - fi de los 50. La voz es pasada por Vocoder  (durante todo el álbum), que le da todavía  más el efecto deseado "otherwordly". Los calamares babosos alienígenas de Los Simpson se emocionarían con esto.


"The Stars are so far (How does It feel?)" (7'01) nos conecta con el primitivo minimalismo algo gamberro de Silver Apples. Eso mismo recrean aquí Spectrum con total credibilidad. Como en "Close your Eyes and you'll see" (6'03), la congregación de sonidos / voces cibernéticos suenan a una secreta conspiración  de las máquinas,  para derrocar a ése ser imperfecto y odioso llamado "humano". Asimov en sonidos y estado puro.

La segunda cara lo dice todo con su primer tema, "Delia Derbyshire" (4'29), un directo homenaje a la pionera del Radiophonic Workshop. Agradecidos estos Spectrum. Con delirios maquinales en experimentación salvaje. "Owsley" (5'43) puede que les sobrara del anterior álbum,  "Songs for Owsley" (1996) en mutación despiadada entre Suicide y Silver Apples. "Forever Alien" (4'26) es dark deep electronic,  o la simbiosis perfecta entre The Doors y Conny Plank, de haber sucedido........y aseguro que hubiera sido un éxito creativo. "Matrix" (5'00) zumba como la colmena humana de la misma película.  Conrad Schnitzler en alucinación colectiva con los Cosmic Jokers, Cluster y Harmonia. Que no es moco de pavo. 

La continuación psicotrópica durante la tercera cara con "Like....." (5'04), "The New Atlantis" (5'29) y "The End" (5'14) es altamente expansiva y con peligro de no volver. Recreación histórica kosmische con fuerte carga personal y valiente en propuestas. Que culmina magníficamente en la cuarta cara con "Liquid Intentions" (14'56) y "Sine Study #1" (3'30). En una especie de homenaje al "Phaedra" lleno de nebulosas abstractas y jeroglíficos sonoros indescifrables y enigmáticos. Cosa fina.


En el booklet  del cd original se añadía una parrafada del filósofo Francis Bacon. Y los mismos Spectrum te lo ponían fácil para encarar tan estimulante obra : "Aterriza y date cuenta de que el mundo es una buena mierda......Haz la revolución! !!!" Amen.
J.J. IGLESIAS



Temas
1 Feels Like I'm Slipping Away 5:33
2 The Stars Are So Far (How Does It Feel?) 7:01
3 Close Your Eyes And You'll See 6:04
4 Delia Derbyshire 4:30
5 Owsley 5:43
6 Forever Alien 4:26
7 Matrix 5:01
8 Like.....
Written-By – Sutcliffe*, Kember*
5:09
9 The New Atlantis
Arranged By – Kember*
Written-By – Trad.*
5:29
10 The End 5:15
11 Sounds For A Thunderstorm (For Peter Zinovieff) 5:03
12 Liquid Intentions 14:56
13 Sine Study 3:30




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DANNY GATTON AND THE FAT BOYS - Live at The Childe Harold Washington 1974

Danny Gatton recibió diferentes apodos a lo largo de su carrera. "Telemaster" por el excelente uso que hacía de su guitarra Telecaster". "The world's greatest unknown guitarist" por tener una extraordinaria calidad y ser casi un perfecto desconocido. Y por último "The Humbler" (El humillador) porque era capaz de dejar a la altura del barro a cualquier guitarrista dispuesto a enfrentarse a él en una "jam session". Lo cierto es que la revista "Rolling Stone" lo incluyo en el número 63 de su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y la marca de guitarras Gibson lo tenía en el puesto 23.


Danny Gatton formó The Fat Boys  a finales de  1974 junto a Dick Heintze (teclados), Robbie Magruder (batería), Steve Wolf (bajo) y Ralph McDuffie (saxo). En 1975 grabaron un único disco, "American Music", que no obtuvo ninguna repercusión. Posteriormente Gatton comenzó su carrera en solitario grabando poco mas de media docena de discos. En 1994 se quitaría la vida.


La grabación nos traslada al concierto de Danny Gatton and the Fat Boys en el Childe Harold de Washington en 1974. En cuanto a la música podemos escuchar rock, blues, jazz y country interpretado con una excepcional maestría.. En el "setlist" encontramos temas jazz como la inicial "All About Girl" con un gran  Ralph McDuffie (saxo) o "American Music" que daba título al disco que editaron en el 75. Buen rock'n'roll lo tenemos en "Hand Clappin" o en "Troubles Troubles Troubles". El blues llega en "If You Should Lose Me" y el country tiroles en "Wainting for a train ". Tenemos que destacar las versiones de "Maybeline ", "Whinter Shade of Pale" y del "Stormy Monday" y por supuesto los instrumentales "Song for my Father" y "Harlem Nocturne" donde Dick Heintze (teclados) está sublime. El sonido es aceptable mejorando en los últimos temas.
J.C.Miñana



Temas
101 All About My Girl 00:00 
102 If You Should Lose Me 07:00
103 Waiting For a Train (All Around the Water Tank) 12:11 
104 Hand Clappin' 17:07 
105 "Ain't That a Shame  26:23 
106 Troubles Troubles Troubles 29:20
107 Harlem Nocturne 32:36 
   
- set break -

Disc 2 50:17 minutes
201 Maybelline 40:39 
202 American Music 43:50 
203 Stormy Monday 46:30 
204 I'm Ready 58:26 
205 You Belong to Me 01:02:30 
206 Song For My Father 01:07:49 
207 Whiter Shade of Pale 01:19:40 
208 Orange Blossom Special 01:25:05




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RED BOOSTER - Fusión Lenta (2017 / RB)

Van un valenciano, un jerezano y un argentino, y graban un disco en español en Berlín. .......No, no es el típico chiste. Resulta que es verdad y se llaman Red Booster. 


Desde Alemania y en 2014, Héctor Verdú  (batería), Álvaro D. Íñigo  (voz, guitarra) y Joel A. Castrillon (bajo) llevan dando a conocer su música por toda Europa. Y no se les ve nada mal organizados. En su propio local se hacen su estudio y graban en vivo, a la antigua y mejor usanza, el material que conforma su debut, "Fusión Lenta". Bautizo que vino a consecuencia de una avería en una válvula de un ampli vintage. Red Booster son un power trío con lo de "power" subrayado y encendido. Simplificando, hacen funk rock, al que le incorporan influencias psicodélicas,  hard, prog y lo que se tercie. Y con un gusto tremendo. 




Al comienzo del disco, con "Amarga Realidad" (3'55), a mi me parecen de escuela Rush a partir de los 80. El bajo corretea el mástil con agilidad,  la guitarra llena de pinceladas y efectos el modern hard rock expuesto, y la batería engrasa con técnica abrumadora. Letras reivindicativas completan el lote Red Booster.  Nada mal, para empezar.




"Ácido Espiritual" (5'23) produce una "fusión rápida" funk / hard, con ambientes urbanos, nocturnos y hasta filmicos con su fondo instrumental. Intensidad demoledora que en "Grace Under Pressure" hubiera encajado sin reservas. Y además también incorporan algo parecido al reggae en el inicio de "La Influencia del Poder" (8'22). "Ese" tipo de reggae progresivo que inventaran los maestros orfebres The Police, otro trío que lo único que tenía malo era el nombre.



Las letras continúan contando "las verdades del barquero", que nunca he sabido cuales eran, pero queda convincente el decirlo. Aquí son manipulación política y social de todo tipo, miedo, temor, inseguridad y malos augurios, en el menú favorito de los "medios de modelación". O porqué te crees que la televisión es gratis? Esas son algunas de las verdades que Red Booster nos cuentan con psych / prog pasajes que musican con gran acierto, tanto grado de chunguez fascista encubierta.




Truenos y lluvia enlazan con "Decir que No" (5'50), otro arrebato furioso con una inicial intro de música de cámara. Ahora son los Rush de "Vapor Trails" o "Test for Echo" la influencia, - o parecido -,  que Red Booster expone como un huracán descontrolado. Que amaina momentáneamente,  volviendo a barroquismos tensos, para retomar el pulso hard prog con atracción de violín invitado (o eso parece...). Una bomba de canción. 



"Abre tu Mente" (4'02) advierte con el título,  a base de riffs y sacudidas slap, como si en Chic tocara Keith Richards. Pero Red Booster tiran del hard rock sin reservas, como unos The New Barbarians del nuevo siglo que ya empieza a no ser tan nuevo. 





Si dejáramos en lo básico "Dulce Gravedad" (3'20), sin efectos ni fuzz, nos quedaría una tonada psicodélica al estilo Quicksilver Messenger Service o The Charlatans. Es hippie music revestida de tecnología actual. 





"Bajo el Cielo Azul" (4'05) es un amago de rock pesado, que muta en rock argentino de inesperado volantazo y sorprendentes arreglos. Que bien combinan éstos tres sus experiencias. 





En "Pájaros Libres" (5'00) casí se visten de Stevie Ray Vaughan, con su tejano Stetson  de plumas y todo, para llevársela a su terreno con la facilidad de un drivle  de Messi. Grandiosa avalancha de rock inteligente.



Despliegue de inspiración a granel muestra "La Escena Perfecta" (4'12), con buenos coros, engranaje perfecto y producción de Héctor y Álvaro,  respetando cada instrumento e impulsándolo en un cómputo global de radiante energía. 



Finalmente "Nuevo Día " (7'12) me vuelve a recordar a los inmensos Rush de los 80 - 90 - 00, lo que significa poder instrumental absoluto, letras con enjundia y alimento vitamínico para el cerebro. Los telediarios te dirían  que "eso es veneno". Red Booster son demasiado peligrosos para el sistema porque son demasiado buenos. Y te harán pensar. Justo lo que no quieren que hagas.

Grandes esperanzas para ésta banda que empezó,  (al menos en mi artículo), como un chiste. Son cosa seria.
J.J. IGLESIAS


Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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ALPHATAURUS - Alphataurus (1973)

Este quinteto se formó en Milan en 1970 y se disolvió a finales de 1973. Se apuntaron al revival progresivo del nuevo milenio en 2012 y como es habitual en toda la escena del RPI dejaron su álbum de debut en 1973 como único legado de los 70´s ya que las pistas inacabadas de su segundo trabajo del mismo año “Dietro L´uragano” no fueron editadas hasta 1992. 


Puede parecer que las críticas y comentarios de bandas italianas setenteras de un solo disco se parezcan una a la otra como gotas de agua. Cuando lo escribo es la sensación que me da. A ello se suma la generalmente escasa información sobre la vida y milagros de la mayoría de estos músicos que parecían asumir la fatídica moda de grabar un álbum y desaparecer en el polvo de la historia. La factoría de esta mecánica es inmensa en ese país y ya no quiero imaginar los que se quedaron con las puertas en las narices sin conseguir un boleto progresivo para la historia. 

El Alphataurus de 1973 consistía en 5 temas, tres de ellos bastante largos, su propio teclista y posible líder Pietro Pellegrini lo remasterizó en CD para la compañía Vynil Magic en 1995 y con una nueva edición en 2011. A diferencia de los cover art británicos, las “copertinas” italianas no eran tan buenas y todas ellas tenían algo de expresionismo “tosco molto particolare” supongo que hecho adrede y para diferenciarse en parte de las lindezas sinfónicas vía Roger Dean, Giger  o Paul Whitehead, aunque este último colaboró en algunas de las copertinas de Le Orme y probablemente algún otro. En este aspecto Alphataurus mejoraron mucho en su regreso de 2012 con “Attosecondo” que rescató parte de su segundo inacabado álbum.

En lo musical se encuentran entre dos mundos. Es una banda que tira hacia lo pesado del hard rock pero al mismo tiempo lo combina perfectamente con unas composiciones muy trabajadas y de buena factura progresiva. Puede gustar por igual a los amantes del trallazo como a los sinfónicos recalcitrantes, pero ninguna de las dos facciones puede considerar un estilo determinado. Bastantes grupos a lo largo de la historia caminaban en la cuerda floja con peligro de caerse a uno u otro lado de los estilos. Como una combinación agua-aceite que difícilmente contentaba a todos. Recuerdo que en los afamados 80´s los de las músicas tontas plastificadas y las movidas étnicas nos metían en el mismo saco a heavys y sinfoprogs. No éramos lo mismo evidentemente pero siempre nos llevamos bien y en el staff de rockliquias conviven a la perfección ambos mundos y otros más marcianos porque nos gusta la música en general y somos buena gente. 

El disco abre fuego con “Peccato D´orgoglio” la voz de Michelle Bavaro es fuerte y enérgica y la música posee recio carácter con una activa primera parte entre contrastes rítmicos y acústicos y atractivos pasajes instrumentales de potente órgano clerical, bajo sin trastes, sinte y guitarra eléctrica. La música es oscura, amenazadora y bastante hard pero con rítmicas quebradas y cambios sumamente interesantes que pueden recordarte claramente a los mejores Deep Purple de su etapa más prog, que la tuvieron sin duda. Cantan en italiano como debe ser y en su típica manera.              
                                                            Una tormenta nos adentra en “Dopo L ´uragano” que es un blues rock en toda regla como los propios Tull lo harían en las partes más duras de “Aqualung” (un álbum más heavy de lo que parece). Sorprende la excelente grabación de este disco y la fuerza que imprime en su escucha. Tras el interesante instrumental sinfónico teclístico que es “Croma”, otro tema largo es “La mente vola” (a mí esto me pasa constantemente) aquí sí que ya hablamos de prog en toda su esencia con una fantástica introducción de teclados muy imaginativos casi rozando lo ambiental y cinematográfico porque claro está que la mente debe volar. Con pasaje de piano incluido la voz parece tranquilizarse y esos coros a la “italiana” que ya oímos en otros grupos del estilo (y como se nota que estamos en los 70´s) tornan hacia un aspecto más melódico que al principio alternando sinte solo y breve pasaje de percusión de xilofón afinada. “Ombra Muta” también de nueve mtos como la enterior nos acerca algo a los Pink Floyd incluso a los primeros Nektar del  “A Tab in the Ocean” y el órgano se lanza a la carrera entrecortado con wah wah de guitarra que el sinte se encarga de responder. Uno de los mejores pasajes del álbum. 


Muy buen disco. Casi excelente diría yo y una pena que un grupo con este potencial no hiciesen una carrera más prolija porque eran realmente buenos. No obstante su disco de estudio de 2012 como dije al principio es muy recomendable.
Alberto Torró




Temas
A1 Peccato D'Orgoglio 12:22
A2 Dopo L'Uragano 5:05
A3 Croma 3:16
B1 La Mente Vola 9:20
B2 Ombra Muta 9:4










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WOBBLER - Hinterland (2005) Noruega

Dejamos a Suecia de momento porque hay otros vikingos progresivos que se reparten por Escandinavia tan buenos o mejores que los suecos, aunque estos lleven más fama por ser una especie de “central prog” de la zona y hayan gozado de un mayor y mejor uso del marketing discográfico.


 Recientemente me he visto las series de Netflix de Vikings y The last Kingdom, ambas recomendables para entender un poco la esencia de estos pueblos y lo que significaron para Europa en la llamada “edad oscura” entre los siglos octavo y noveno de nuestra era. La educación en mis tiempos colegiales con los curas pre-constitucionales obviaba por completo esta parte de la historia de los pueblos paganos y no aparecían en los libros de texto. En realidad en los libros de texto de mi época no aparecía nada interesante salvo la vida de algún santo o el glorioso pueblo español y su reconquista. Había que recurrir a otras fuentes si tenías curiosidad por otras cosas que no fuesen rezar o jugar al fútbol. 

Pero hablemos de los noruegos Wobbler. Si se quiere hacer un progresivo con denominación de origen habrá que recurrir a lo analógico y a lo vintage. Imaginad la música clásica hecha con un teclado Casio o el jazz con un programa de ordenador. ¿Va a ser que no verdad…?. Pues al progresivo le pasa lo mismo. Hoy día se puede hacer música con juguetitos digitales y lo puede hacer cualquiera con conocimientos escasos o nulos de música. Como diversión me vale. Como música no. El 90% de lo que oímos hoy es tan falso como cualquier otro arte o como cualquier programa de entretenimiento de la TV. La música no escapa del artificio ni de la mentira en la que vivimos. Prefiero a mi amigo José, un aragonés de 76 años cantando jotas a pelo, que cuando va borracho es maravilloso por sus tonalidades de voz imposibles, a cualquier grupo rock high tech extreme, indie o alternativo. 

Wobbler lo formaron Tony Johannessen a la voz, Morten Andreas Eriksen a las guitarras, Lars Fredik Froislie en la abundancia de teclados viejunos, Kristian Karl Hultgren al bajo y saxo y Martin Nordrum Kneppen al drums y percusión. Añadir la flauta de Ketil Vestrum Einarsen y la guitarra barroca de Ulrik Gaston Larsen entre alguna colaboración más. En definitiva una banda vintage analógica en toda regla y con toda la pureza del rock sinfónico más exigente. 

Su primer CD “Hinterland” se grabó en 2005. Si a la música de Anglagard le faltaba vida y sangre a la de Wobbler se le puede calificar de más profana, directa y entretenida. Volvemos a los mellotrones, pianos, sintes, guitarras finas y melodías hermosas de pastorales momentos desgranados pero ahora con entusiasmo y ensoñación sin centrarse en el olor a cadáver anglagariano y sí en deliciosos pasajes mucho más humanizados jugando con constantes cambios de ritmo como mismamente lo harían los Gentle Giant porque hay mucho perfume del gigante gentil aquí y un delicado Fender Rhodes sinfonizado como nunca antes. Todo suena a antaño la música era, como en los 70´s más imaginativos, con sus alternancias de prog folk, su órgano pausado, su vida orgánica propia. 



Sus lujuriosos mellotrones sinfónicos y su sintetizador carnoso y real. No parece un disco de 2005 sino grabado en 1972 o 73. Estoy hablando de la suite “Hinterland” y son 27 mtos de música descarada y auténtica. Las pausas, los silencios, los timbres matizados en altura y bajos. La música respira por fin. Nadie intenta taladrarte el tímpano como en el odioso metal. La música trascurre de forma plácida, fuerte cuando se precisa, delicada cuando lo pide guitarra clásica en mano, fantasiosa o paranoica si se requiere. La música es un relato para el oyente sin efectos gratuitos ni salidas de madre. 





“Rubato Industry” nos ofrece un King Crimson salvaje sin necesidad de explicaciones y argumentos, pero la rudeza inicial no esconde sus lirismos personales en el desarrollo del tema. Buenas voces, melodía con carácter y pasajes encantadores en esa medida rítmica que a mí personalmente me encanta en esos 3/4, 5/4 de base jazz a la canterbury y vuelta a pesadillas crimsonianas apetecibles por momentos siempre que no se pasen. 





El glamour mellotroniano nos inicia en “Clair Oscur” que parece una chopiniana pesadilla de gótico romántico a la Goblin ELP and Crimson again con resolución sinfónica bastante densa y épica oscura. Como Cd inicial del grupo lleva bastante especiado sonoro en un progresivo completamente genuino y clásico.
Alberto Torró





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GRINGO - Gringo (1971 / MCA)

La historia de las bandas efímeras con un sólo disco, pero que brillaron con fuerza en una escasa franja temporal, fue habitual en los 70. No sólo en Italia, (donde casi fue una moda), como nos está documentando magníficamente Alberto Torro cada semana.


En Inglaterra, concretamente en Somerset, surgió Gringo entre el 71 y 72, de las cenizas de los 60s, The Toast. Inmediatamente consiguieron un contrato con MCA y giraron con los satánico - progresivos, Black Widow. Ellos eran Casey Synge (voz), Henry Marsh (guitarra, teclados y voz), John G. Perry (bajo, voz) y Simón Byrne (batería,  voz). Todos cantan, además de incluir voz solista femenina y masculina. Sabrosas corales heredadas del sonido West Coast hippie y una rica y muy aprovechada instrumentación en temas de poco más de cinco minutos. Su acertado proceder les debería haber situado en la élite progresiva del momento. Compartían sello con Wishbone Ash, así que no diré más.  

En la inicial "Cry the Beloved Country" , comprobamos que el Canterbury sound campestre y fresco de Caravan, muy psicodélico todavía,  está presente en el estilo de Gringo. Las armonías brillan y dominan, junto a piano eléctrico / organo hechizante, y una melodía vocal digna de figurar en todo un "In the Land of Grey and Pink" caravanero. Los teclados entusiasman en su línea David Sinclair, y todo es encantador, con su particular sello Downer rock.

 "I'm Another Man" sigue con su delicado tacto compositivo puramente británico. Caravan todavía en mente. Accesible, amable,  con psych vibraciones y extraordinaria elegancia. Fairfield Parlour, Moody Blues e incluso los primeros Genesis entrarían perfectamente en ésta mágica ecuación. 

"More and More" mezcla baroque pop al modo de Zombies, con desarrollos más de su tiempo, como los mencionados Wishbone Ash, Fantasy, Fruupp o England.

Y en ésa tesitura, "Our Time Is Our Time" podrían ser los Yes de "The Yes Album", con prominente bajo incluido. La voz de Casey Synge haría las veces de Jon Anderson, y la de Henry Marsh , de Chris Squire. La magia está ahí,  reflejando el momento histórico del prog británico en todo su esplendor. 

"Gently Step Through the Stream" advierte temática folk rock y ambiente rural, con olor a hoguera y longaniza. No está alejado de Jethro Tull, Fairport Convention o Steeleye Span.  La guitarra es finísima,  así como los arreglos y el tratamiento rítmico irreprochable. Curioso que en su intro comience como el "I Am Evil" de Diamond Head......
La segunda parte vinilica no pierde su sensible tacto folk en "Emma & Harry", siempre adornando con maravillosas armonías,  melodías deliciosas e instrumentación progresiva de alto nivel. La campiña de Somerset bien reflejada en la escala pentatonica.

 "Moonstone" tiene un aire Yes del "Time and a Word", mientras que claramente entrarían en la galería del british folk prog. Strawbs con Sandy Denny en jam con Gentle Giant. Algo realmente muy destacable. 

"Land of Who Knows Where" es otra joya canterburyana con raíz folk, nada triste ni bucólica,  con intensidad progresiva y apropiados efectos.

La final "Patriotic Song" mezcla a Claire Hammill, primeros Camel, Marsupilami o Giles, Giles & Fripp con Judy Dyble (primera cantante de Fairport Convention), en exquisita conjunción de sonoridad profundamente inglesa.


La gira de éste único álbum la hicieron abriendo para Barclay James Harvest y sí,  Caravan. Más apropiados a su estilo,  imposible. No sorprenderá entonces que John G. Perry acabara como bajista de Caravan, (además de con Curved Air,  Gordon Giltrap, Quantum Jump o Aviator).

Casey Synge haría voces para Pilot, Lou Reed, Mott the Hoople, Cockney Rebel o Maggie Bell. Henry Marsh ingresaria en Sailor.
"Gringo" fue un magnífico producto de su tiempo. Absolutamente olvidado, pero una delicia para paladares exquisitos. En especial si eres un enamorado de la elegancia progresiva británica. .....Sí,  suena pretencioso, pedante y pedorro......but I like it !
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Cry The Beloved Country 5:54
A2 I'm Another Man 4:26
A3 More And More 4:42
A4 Our Time Is Our Time 5:04
B1 Gently Step Through The Stream 3:55
B2 Emma And Harry 3:56
B3 Moonstone 4:38
B4 Land Of Who Knows Where 4:06
B5 Patriotic Song 5:11




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