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GENFUOCO - Dentro L´invisibile (1979)

Este fue un sexteto procedente de la Toscana que duraron juntos un año desde 1979 al 80 pero aún les dio tiempo para parir esta criatura solitaria. 


Esta banda como casi todos los que intentamos montar un grupo a finales de década estaba condenada de antemano. La música en esos años estaba ya completamente podrida y este fue un ejemplo más de los estertores del estilo progresivo. De todas formas, aun fueron unos cuantos los que intentaron resistirse a la sodomización musical de la década en ciernes y aunque la mayoría de bandas progs famosas dilataron bien el esfínter otros protegieron su trasero para terminar al menos con dignidad. Recuerdo que se buscaban alternativas musicales algo dignas, si bien éramos conscientes de buscar un imposible dentro del rock progresivo. Por aquella época muchos nos pasamos al sello alemán ECM, a la primigenia new age, a la música celta que por entonces gozaba de cierto prestigio y a la electrónica alemana o al jazz y en mi caso a la música clásica (llegué a odiar el rock) aparte de lo mencionado. Había más de desesperación que de convicción musical, pero al menos el jazz y la música clásica enriquecieron mi espíritu.

A este disco de Genfuoco podríamos considerarlo de fusión prog. Por aquel entonces músicos como Pat Metheny, Eberhard Weber, La Electrik Band de Chick Corea o el saxofonista Bill Evans entre otros fueron muy apreciados gracias a los que nos sentíamos traicionados por el progresivo mancillado y de alguna forma buscábamos la cada vez más difícil calidad musical. 

“Dentro L´invisibile” es un disco de su época, con su mezcla agradable de pasajes acústicos a doble guitarra, saxo aterciopelado, guitarra solista de distorsión limpia de herencia Floyd sin duda y cortes de jazz rock agradable sin estridencias. El uso del string ensemble del teclista suena deliciosamente demodé y la música parece no querer molestar demasiado a nadie en una especie de jazz rock deluxe inofensivo algo cruzado con folk rock pero sumamente agradable. Las partes cantadas están bastante bien un poco al estilo Branduardi y los declamados de sintetizador son de extrema amabilidad. 


El disco se escucha como una templada vaselina, sin arriesgar nada es cierto, pero hay que entender que estamos en 1979 y las modas veganas y faltas de calorías ya estaban en auge y habían adormecido a las antaño fierecillas antisistema. Este es un álbum que podías escucharlo tranquilamente sentado en un sitio pacífico hoy se diría “lounge bar” o alguna gilipollez parecida. Un disco bonito y de fácil escucha. Reeditado en CD por Mellow Records y el vinilo sí es que queda alguno por ahí será caro supongo.
Alberto Torró 


Temas
A1 Ouverture 6:12
A2 Dalla Tana 4:01
A3 Traspare 6:27
A4 Terra Promessa (1.a Parte) 2:02
B1 Terra Promessa (2.a Parte) 4:35
B2 Galassie 7:04
B3 La Serenata Del Fiume 3:56
B4 Dentro L'Invisibile 5:1




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WOBBLER - From Silence To Somewhere (2017)

Hubo un tiempo en que la música era un arte respetado y todo aquel con sensibilidad y una buena formación podía incluso vivir de ello. La música no es una cosa que se “aprenda” o se “obligue”. Se nace con ello.

 Nunca que se ha “forzado” la música ha dado buenos resultados. Padres empeñados en que un niño toque un instrumento o machacarlo para que un día sea un futbolista de élite o un prestigioso médico o abogado no sirve absolutamente para nada. Las capacidades en la vida nos son innatas, y o nacemos con ellas o no nacemos. Por qué un niño o una niña con poca edad sin apenas conocimientos puede tocar con fluidez un instrumento. El que sea. Y otros machacados con horas y horas de férrea disciplina jamás llegarán a nada, es un verdadero misterio. En la vida nada se impone, todo surge de manera natural. Se puede llegar a odiar una cosa si te obligan a ello. La disciplina es un absurdo si no existen capacidades para la materia que sea. Ahora bien, si le perdemos el respeto a esas capacidades humanas y no allanamos inteligentemente el camino para esos individuos que realmente valen, la mediocridad y el desastre la tendremos asegurada. Hoy ese desastre lo podemos ver en todo lo que la inútil mano del hombre ha creado. Nada que no sea negocio importa: políticos iletrados y poderes públicos solo interesados en que nadie piense. La cultura no interesa porque es mala para el negocio y las humanidades un peligro para quienes ostentan el poder. Pan y circo. 

El siglo XXI en el que nos encontramos, es y será la panacea del mal y la imbecilidad congénita. Y no tienen solución ninguna. Se avecinan guerras,horrores y represión sin límites. Ni el arte, ni la literatura, ni la filosofía, ni la música van a salvarnos porque el plan del mundo es cargárselos para siempre. Esta perfectamente diseñado por el neoliberalismo y los fascismos emergentes del signo que sean. Los gobernantes actuales dan miedo porque su coeficiente está por debajo de cero coma cero. Son ridículos ciertamente pero también peligrosos. ¿Y a qué viene todo esto que os cuento y que probablemente os aburra…? A que aprovechéis el tiempo que nos queda. La música que queda y lo poco de hermoso que queda en este mundo como este álbum final, al menos de momento, de los noruegos Wobbler.


Cuando uno escucha un disco espera una chispa que lo ponga en funcionamiento. Pocos lo consiguen a día de hoy y este “From Silence To Somewhere” es uno de ellos. Desde el primer corte con sus 20 mtos hasta el final de esta aventura sonora, parece que todo lo tremendamente pesimista que os he relatado en líneas anteriores solo ha sido un mal sueño. Ojalá así fuese. La música de éste álbum es preciosa, exquisita y una inflexión incluso superior a sus anteriores discos.  Como un buen vino envejecido y grandioso. La música te lleva a donde quiere de manera amable, emocionante. Los ecos del pasado de la humanidad y de su música más hermosa están presentes. No quieren estar “al día” como tampoco yo quiero. Detesto los tiempos que nos tocan vivir y al igual que toda la buena música de siempre, intento escapar mientras lo escucho. Lo he hecho siempre, ya sea con Mahler o con Coltrane, con Copland o ELP, con Sibelius o Yes, o con Stravinsky o Soft Machine o con Ravel o Anthony Phillips. En realidad, todos nos llevan al mismo sitio o a la eternidad o a la miseria. A lo que “es” o a lo que podría “haber sido”. El eterno misterio de la música y de la vida.
 Alberto Torró









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KIMIO MIZUTANI - I - A Path Through Haze (1971 / POLYDOR)

Como mucha de la prehistoria del rock japonés,  poca información disponemos de éste sensacional guitarrista que publicó en 1971 éste histórico  e instrumental, "A Path Through Haze". Cotizada pieza de coleccionista y álbum a considerar en nuestro particular Rockliquias Museum. Mi copia en vinilo fue reeditada por el sello Therapeutic Records, aunque no viene la fecha.


Kimio  Mizutani procedía de la escena rock 60s. Siendo un adolescente forma la banda Out Cast en 1966, pioneros del garage psych japonés. Posteriormente crea dos proyectos paralelos, Love Live Life + One y People. En el 71 ficha con Polydor editando el disco que hoy traemos.

Después ha sido conocido como un muy activo músico de sesión.  Más recientemente y con otro histórico,  Hiro Yanagida, ha formado MA - YA, grabando el álbum "Floating" (2003). Además de Mizutami en las guitarras, en éste disco contaba con Masaoki Terakawa (bajo), Takeshi  Inomata (batería), Masahiko Satoh (Hammond Organ, piano, Moog), Hiromasa Suzuki (piano eléctrico) y un grupo de invitados, entre ellos un cuarteto de cuerda y otro de viento. 

"A Path Through Haze" (5'57) inicia éste viaje con Hammond y sintes vintage en conjunción con bajo, en una línea parecida al primer Mike Oldfield, Bo Hansson o Vangelis. Aunque la evolución del tema nos lleva más a territorios Camel, con un inesperado arrebato hard rock por parte de Mizutani. Los teclados dotan a la pieza de abrigo espacial, como un "Moonmadness" psicodélico.  

El cuarteto de cuerda inicia una intro en "Sail in the Sky" (7'18), con delicadas pinceladas de Rhodes. No muy alejado todo del "Snow Goose". La guitarra entra con toda la banda en sonoridad del primer Robert Fripp o Phil Miller, contestada por flauta travesera. El piano eléctrico juguetea en clara orientación Canterbury. Parecidos con Hatfield & the North tienen aquí su doble mérito,  pues los ingleses ni se habían formado. 

Por parecidas sendas anda "Turning Point" (3'46), una especie de "nana prog" con arreglos a la Gentle Giant. "Tell me what you saw" (4'54) se lanza al denso vacío de los primeros King Crimson en esquizoide jazz rock paralelo a Wigwam,  Tasavallan Presidentti y otras agrupaciones escandinavas de parecido linaje. El aspecto técnico de éstos músicos es altísimo,  así como saben enganchar con inspiradas composiciones muy emocionales. 

La cara B entra con "One for Janis" (6'25), que afortunadamente no cuenta con una japonesa histérica pegando gritos con la típica voz que por allí se gastan. En su lugar encontramos jazz rock - hard en la línea de Janne Schaffer, Jukka Tolonen o Socrates. Mucho nivel. 


"Sabbath Day's Sable" (4'00) cuenta con bellos arreglos casi barrocos del cuarteto de cuerda. Siempre con lucimiento del gran Kimio Mizutani,  en un tema que me recuerda a nuestros Smash. Vuelven los efluvios jazz rock prog a la Jeff Beck embotellados  en "A Bottle of Codeine" (7'18), derrochando exquisitas esencias. Mención especial para el batería Takeshi Inomata, que se marca un tremendo trabajo a lo largo de todo el disco.

Pone el punto final "Way Out" (3'58) con más sabor Canterbury o Pekka Pohjola, (porque el bajo también tiene su fuerte relevancia en este sonido). Entre estas dos últimas referencias, y algunas de los guitarristas.más espectaculares,  estaría el único álbum de Kimio Mizutani.

No soy muy dado a comentar discos con poca info, salvo que su  inmensa calidad me obligue. Éste es el caso.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. A Path Through Haze (0:00)
2. Sail In The Sky (5:55)
3. Turning Point (13:13)
4. Tell Me What You Saw (17:01)
5. One For Janis (21:55)
6. Sabbath Day's Sable (28:23)
7. A Bottle Of Codeine (32:25)
8. Way Out (39:44)




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Sam Dice - Dutch Disease 1977

Nos tomamos un respiro de grupos americanos y anglosajones y nos dirigimos a los Países Bajos de la mano de Sam Dice, banda que después de algunas rupturas todavía la podemos encontrar girando por Europa. 


El origen del grupo lo encontramos a finales de los sesenta en la localidad holandesa de Losser. Los hermanos Ekkel, Frits (guitarra, voz) y Arie (guitarra, voz) , después de curtirse en otras formaciones deciden formar la banda. Tras varios cambios en la formación el grupo se consolidad con el hermano pequeño, Harry, a la batería y Kees Reinders (bajo).  En 1977 son contratados por la discográfica Ivory Tower Records y al año siguiente llegaría su único legado, "Dutch Disease".


Esta banda holandesa  nos ofrece un excelente hard rock con alguna pincelada de rock blues. Su guitarrista principal, Frits Ekkel se marca solos y riffs que en algún momento nos pueden sonar a lo realizado por Blackmore. Basta con oír los primeros compases de "A Kind, Kind Love You Gave Me " o el desarrollo de "Oh, Suzy" donde el bajista Kees Reinders y el batería Harry Ekkel reclaman su minuto de gloria. Otro tema destacado podría ser la inicial "A Diff'rent Town, A Diff'rent Sweetheart". El disco se cierra con el rock blues de siete minutos "Tears Are Wasted All The Time".  Poco mas de 30 minutos de música pero como se suele decir "lo bueno, si breve, dos veces bueno".
J.C. Miñana



Temas
A1 A Diff'rent Town, A Diff'rent Sweetheart 00:00
A2 Cannot Get The Next Plane Home 03:28
A3 You're In My Selection 09:25
A4 Trouble Is Not What I Wanted 16:02
B1 A Kind, Kind Love You Gave Me 18:44
B2 Oh, Suzy 23:27
B3 Tears Are Wasted All The Time 29:22



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DOUBLE FANTASY - Universal Ave (1987 / IC)

Los chanchullos y zancadillas, malos rollos y sucias tretas,  siempre aparecen en cuanto hay algo de money a ganar. Pasa en el mainstream y en el underground, porque el ser humano es mezquino en cualquiera de ésos ámbitos. Y los sellos discográficos,  al final, no entienden de arte, ética,  moralidad ni etiquetas elitistas.


Al proyecto Double Fantasy , compuesto por los alemanes Robert Schroeder, (aquí con el sobrenombre de DREAMSTAR), y Charly McLion (que también huele a seudónimo), les pasó esto precisamente. Schroeder ya llevaba una excelente carrera como sintetista sólo,  desde su debut "Harmonic Ascendant" (1979 / IC). Apoyado desde el principio por Klaus Schulze y su sello Innovative Communication. Pero hasta éste tiró la toalla cuando comenzó a observar irregularidades en el terreno económico y administrativo del sello.

Cuando apareció Double Fantasy y su "Universal Ave.", Schulze ya había abandonado un barco a la deriva, dejándolo en dudosas manos. Schroeder "DREAMSTAR" se encargaba del PPG Wave 2, Moog Synthesizer, Sequencer & drum computer y DX7.McLion tocaba guitarras eléctrica y acústica,  Poly 61, PPG Wave 2.3 y DX7. Lo típico por esos días. Por uno de esos azares puñeteros del destino, el disco entra por el oído bueno a más gente de la esperada. Tampoco es que hubieran cambiado de chaqueta, ni nada de eso. Puede que su aspecto en la contraportada parezca el de una banda synth-pop, pero aquello olía a Berlín School de la buena. El caso es que vendieron 200.000 copias y fue #18 en las listas de Billboard. Lo que para éstas músicas es una barbaridad, ( a no ser que seas una vaca sagrada del gremio). Así que los problemas contractuales surgieron. El dúo se niega a convertirse en una versión germana de Azul y Negro, y entran en la inevitable tela de araña judicial y desquiciante, que a un artista (y al que no lo es), lo hace polvo. Como resultado, queda prohibida la marca "Double Fantasy" ( a no ser que hagas pelis porno, digo yo). En su lugar, IC contrata a Chris W. Williams y Curtis McLaw como Dancing Fantasy. Con una carrera discográfica bien surtida durante los 90......A evitar.  O no. Puede que seas masoca o paladeador de sobredosis edulcoradas New Age / Techno Soft, listas para ambientar ascensores en edificios de oficinas.

"Universal Ave." , el disco que empezó el embrollo, es una más que bonita exposición de las enseñanzas de Manuel Gottsching en los últimos 70. Con aquella inolvidable tríada que supuso "New Age of Earth" (77), "Blackouts" (78) y "Correlations" ((79). La inicial "Heartbreaker" (8'07) es una fidedigna prueba, con finísima guitarra por parte de McLion y ensamblaje secuencial mágico, ( y muy Gottsching en ambos cometidos). Una especie de planeador "Trans Europe Express" , más apropiado para hacer parapente que para mirar por la ventana de un vagón de tren. 

"Universal Avenue" (5'48) no deshecha influencias floydianas en una guitarra muy Gilmour. Su evolución casi roza los mejores Ultravox, en su fílmica ambientación synth - wave. 

La rítmica hipnótica de "Endless Running" (7'40) retoma el pulso AshRa de inmejorable modo. Esto sí que me lo imagino a orillas de un atardecer en Ibiza, y no otras ramplonas musiquillas posteriores inherentes a su entorno. Tiene un símil mediterráneo al estilo de Santi Picó o Máx Suñe. Me transporta. ....

"Food for Fantasy" (7'49) abre la cara B con estrategias similares. Es fácil comprender el éxito de este disco, porque su línea melódica es agradable a la vez que "planante", nada estridente ni marciana. El espíritu de Gottsching sigue presente en el Newsound - Studio, mientras lo cocina a fuego lento Mr. Schroeder.

"Lost Control" (8'19) se recrea en ese "synth-wave kosmische" , en un perfecto balance british-teutón  con obligado vocoder. Casi redefinen el género electrónico. 

La final "Children of the Universe" (4'10) es un bello ejercicio space-ambient que guiña un ojo a Fripp & Eno.


Tras semejante vórtice judicial, no habrá más Double Fantasy........hasta el 2006. Cuando Schroeder retoma la idea primigenia y crea el seguimiento como Food for Fantasy : "The Secret of Dreamin'" (Spheric Music). Veinte años lo separan de su idea inicial. Pudo hacerlo antes.
J.J. IGLESIAS



Temas
00:00 Heartbreaker 7:58
08:00 Universal Avenue 6:01
14:01 Endless Running 8:11
22:15 Food For Fantasy 7:56
30:12 Lost Control 8:19
38:32 Children Of The Universe 4:24
42:56 Strangers In Space 12:03







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V.A. Greasy Truckers - Live at the Dingwalls 1973

Greasy Truckers era una organización integrada por gente que seguía la filosofía de los Diggers. Estos personajes se definían como "anarquistas comunitarios" y  tenían como centro de operaciones el barrio de Haight-Ashbury de San Francisco. Organizaron diversos conciertos en Londres, dos de los cuales fueron publicados. El primero de ellos fue en 1972 y contaba con la actuación de Man , Brinsley Schwarz ,  Hawkwind ,y el músico Magic Michael. El segundo se celebro en 1973 teniendo como participantes a Camel, Henry Cow , Global Village Trucking Company y Gong.


Posiblemente los lectores de Rockliquias conozcan sobradamente a Camel, Henry Cow y Gong. El cuarto grupo, Global Village Trucking Company, que en realidad no tenía nada que ver con los anteriores , puede que sea el mas desconocido por ello hablaremos un poco de su biografía.

Global Village Trucking Company fue una banda formada por James Lascelles a principios de los años setenta. Eran una especie de comuna donde los músicos y familiares vivían juntos en una granja. Realizaban conciertos gratuitos y rechazaban a las compañías discográficas. En 1974 grabaron un disco en los Rockfield Studios. La BBC les dedicó un documental que podéis ver a continuación.



El concierto se celebró el 8 de octubre de 1973 en el Dingwalls Dance Hall en Camden Town, Londres. En realidad solo dos de las bandas, Camel y Global Village Trucking Company, aparecen en la grabación. La de Henry Cow se realizó en los estudios Virgin's Manor y las de Gong en Tabarka en Túnez  y en el ayuntamiento de Sheffield, Inglaterra. En cuanto a la música lo mas destacado es la actuación de Camel, el tema "God Of Light Revisited". que fue un descarte de su primer disco y que vería la luz en los bonus tracks de la reedición de 2002. También es digna de mención la actuación de Global Village Trucking Company con su excelente country - southern rock. En cuanto a las otras dos banda por un lado Henry Cow es una verdadera anarquía sonora solo para verdaderos adictos, habían editado su primer disco en agosto de ese mismo año. Por su parte Gong en su primer tema, "General Flash Of The United Hallucinations" llegan a emular a los Tangerine Dream y en el segundo "Part 32 Floating Anarchy" es un fiel reflejo de su título. Sin duda una grabación bastante curiosa.
J.C.Miñana



Temas

01 - Camel - God Of Light Revisited (00:0o)
02 - Henry Cow - Off The Map (16:30)
03 - Henry Cow - Cafe Royale (24:40)
04 - Henry Cow - Keeping Warm In Winter (27:58)
05 - Global Village Trucking Co - Look Into Me (37:50)
06 - Global Village Trucking Co - Earl Stonham (45:41)
07 - Global Village Trucking Co - You're a Floozy Madam Karm (49:20)
08 - Global Village Trucking Co - Everybody Needs A Good Fri (54:47)
09 - Gong - General Flash Of The United Hallucinations (01:00:47)
10 - Gong - Part 32 Floating Anarchy (01:14:16)




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WILD RIPPLE - Wild Ripple (2017 / WR)

Y parecía que esto del "Rockliquias Bandas" iba a ser algo limitado, en un principio......Se agolpan las formaciones jóvenes con sabor 70s (remozado o no), en la editorial del Rockli. Nunca había visto tanta actividad a nivel nacional,  y creo que nunca también, tan underground. El doble filo de que ya no existan las discograficas tal y como las conocíamos. Hay plena libertad creativa, pero nadie la impulsa ni la fomenta, excepto los propios interesados y los que buscamos joyas incansablemente. Y de eso está el panorama sembrado en la actualidad.


Hoy nos vamos a Valencia con Wild Ripple, banda formada  en 2015 y con disco editado el pasado año. Mario Aguilera (batería), Miguel Izquierdo (bajo), Manolete Blanco (voz, guitarra) y Jorge Valle (teclados) son sus integrantes. El single "Opalo" (2017) fue el toque de atención de la banda a nivel grabación. 



Un tema que no saldría en su disco de largo del mismo año. El cual comienza con "Intro / Bitches" (5'00) asegurando desde el principio lisergia sonora en formas ectoplasmicas space rock.

 "Vietznam" (2'36) endurece la propuesta sin perder sus claros modos stoner psych. Todo un buen bofetón decibelico. El garage psico se abre paso en "Mofetto" (3'17) con decisión propia de veteranos de la escena, y andanadas a la Flamin' Groovies o Pink Fairies.



"Space Shit" (3'15) es eso precisamente,  material incandescente space rock de contundencia Hawkwind meets Monster Magnet (primera época). Por esos mismos vericuetos siderales y abrasivos circula "Antares" (9'09), a ritmo de bulldozer cósmico y guitarrazos no alejados de la ilustre nobleza del cuelgue, dicese de Nebula, Atomic Bitchwax, Electric Wizard o Sundial. Un épico instrumental con destacada solera. 

"En el Long" (5'25) es un cruce mutante y freak de los primeros Black Sabbath, Pentagram, Danava y Radio Moscow. Fiereza hard alucinada para un headbangin' elegante y estilista. Que la finura no está reñida con la mala hostia. Riffs como cuchillas de adamantium nos trae "Marte" (5'38), otro huracán stoner que arrasa cerebros al estilo de Lords of Altamont. "Weez" (4'35) se cuelga medallas de cadetes del espacio en lucha junto a la Confederación Halcón. Puede que su nave sea más modesta, pero patea culos como la mejor y más aguerrida spaceship halconiana.

Finalmente "Outro" (12'14) es un ejercicio no apto para todos públicos de noise - terror, energía eléctrica desbocada (los hp de Endesa frotándose las manos), feedback psicofonico, drones voltaicos, kraut terrorista, ambient psicotronico y exagerados desfases efectistas que a Hendrix le hubieran hecho babear guarramente. 

Quiero un disco entero de esto. Pero mientras, me quedo satisfecho con éste festín lujurioso para decorar una ejecución en la silla eléctrica. Temibles.
J.J. IGLESIAS





Temas
1.Intro 
2.Bitchos 
3.Vietznam 
4.Mofetto 
5.Space Shit 
6.Antares 
7.En el long 
8.Marte 
9.Weez 
10.Outro 



Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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ALUSA FALLAX - Intorno alla mia cattiva educazione (1974)

Este es uno de esos álbumes curiosos que comparten por igual una excelente crítica con otras menos favorecedoras. Naturales de Milan, incluía un quinteto de bajo, batería, guitarra  teclados y vientos. Iniciaron su andadura en 1969 y se separaron diez años más tarde. Su aventura en el mundo de la música se redujo a este único álbum de escasa promoción y muy buscado por coleccionistas. 


Es dramático para un grupo grabar un solo trabajo en una década de existencia pero como vengo diciendo casi todos los viernes en Italia pasaba algo raro que no acabo de comprender muy bien. En un país con grupos como para recoger setas en otoño, raro era el que conseguía una segunda oportunidad discográfica. Curiosamente el nivel de instrumentistas bien dotados (ojo con las confusiones) era más bien alto. En general casi todas las bandas de las que voy hablando cada semana tenían buenos músicos en sus filas. Muchos con estudios académicos. El progresivo en los setenta estaba muy de moda en ese país. Imaginaros si cada uno de ellos hubiera grabado una discografía más o menos completa: el mercado progresivo hoy día estaría a reventar en las estanterías tanto en CD como en vinilo. Bien es cierto que en su momento pocos lograron traspasar fronteras y eso en parte claro que responde a mi pregunta pero, aún así, el efecto e interés que tuvo el estilo prog en ese país fue muy superior a otros puntos de Europa. Génesis, ELP, Gentle Giant, Van Der Graff y tantos otros fueron venerados en los primeros 70´s, cuando en otros países apenas eran todavía conocidos exceptuando claro está su país de origen. Los italianos nos llevaban mucha ventaja a la mayoría en este terreno. En países como Japón el RPI es considerado un género de culto y en general hoy día todo el prog en el país del sol naciente.


El sonido de este álbum, como en la mayoría de los casos similares de la época no es muy brillante, es cierto, pero lo suficientemente decente como para degustarlo. 13 piezas enlazadas a modo concepto sin interrupción ocupan 44 mtos (bastantes para ser una grabación italiana) y tengo que decir que una vez escuchado resulta sumamente entretenido y variado desde jazz a clásico y todo en el típico sinfónico italiano con su voz inconfundible muy similar al cantante de Locanda Delle Fate. Voz amarga pero lírica a la vez. En la cuestión musical encontramos diferentes formas y tendencias en una composición ciertamente compleja y variada. Por una parte los sonidos de fusión rock por el empleo de instrumentos de viento por el otro la típica declamación dramática italiana en sus peculiares sinfonismo de herencia folclórica y clásico-barroca. Los clásicos strings ensemble de la época se entremezclan con acústicas, pianos, moggs y flauta. La tradición y los entonces modernos sintes analógicos se van sucediendo en pasajes de diferentes medidas rítmicas y estilos dando al significado prog su razón de ser. Es cierto que algunas las formas melódicas suenan algo anticuadas o demodé con esa forma trovadora que se usaba en esa época en muchos de los sinfónicos italianos con su peculiar sensibilidad kisch mediterránea y sus ecos culturales. A veces las partes percusivas tienen un ligero sabor latino y consiguen atraparte en formas muy atractivas y animadas. Lo cierto es que el disco entra de tirón y no aburre (un virus devastador para la música en general). 



Los tres hermanos Cirla en bajo, batería+voz y vientos y un portentoso teclista Massimo Parreti unido al guitarrista Guido Parret dan a Aluxa Fallax los suficientes ingredientes para que este disco se convierta en un clásico del RPI con un buen arsenal de motivos musicales y suficiente entretenimiento para el oyente. La portada muy sencillita y algo naiff. Pero me pregunto qué harían en diez años…tocar para los amigos entre risas, quedadas y fiestas…? Pues probablemente.
Alberto Torró


Temas A1 Soliloquio A2 Non Fatemi Caso A3 Intorno Alla Mia Cattiva Educazione A4 Fuori Di Me, Dentro Di Me A5 Riflessioni Al Tramonto A7 Il Peso Delle Tradizioni A8 Carta Carbone B1 Perche' Ho Venduto Il Mio Sangue B2 Per Iniziare Una Vita B3 E' Oggi B4 E' Cosi' Poco Quel Che Conosco B5 Cio' Che Nasce Con Me B6 Splendida Sensazione







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WOBBLER - Rites At Dawn (2011)

El otro día medio en broma medio en serio comentaba con otro viejo amigo confinado como yo en el viejo arte de las musas divinas inspiradoras (ya muy ajadas) de que en realidad la música no había avanzado nada en los últimos 40 años. Así de rotundos y flemáticos nos pusimos. Batallitas de sexagenarios. 


En realidad, las tecnologías conforme corrían los tiempos iban “enmascarando” las mismas estructuras sonoras para darles una pátina de modernidad y de rabiosa actualidad. Sin embargo, conforme los medios avanzaban la imaginación disminuía y las musas ya con necesidad de botox y cremas antiarrugas, cada vez hacían menos acto de presencia, hasta llegar al punto de los tiempos actuales para certificar su fallecimiento. La llamada música tecnológica y digital tuvo mucha culpa de ello porque al músico lo volvió cada vez más vago. En su momento hacer marcianadas con sintetizadores y secuenciadores fue muy cool y divertido. Tenía/tiene su gracia, pero no para tomarlo demasiado en serio por mucho que nos guste a los que por aquí escribimos cada semana. Luego se emplearon para las pistas de baile y hoy ya solo para cubrir el coeficiente cero de la vergüenza, el mal gusto y el vacío cerebral. Hay que tener en cuenta que el porcentaje de sensibilidad para la música de cierta calidad en la población mundial puede que no llegue ni al 5%. No es un drama en absoluto tan solo una realidad neutra y un frío dato estadístico. El resto está en términos de mainstream o “corriente popular” porque también debe de existir para entretenimiento general. Si nos vamos a la música “elitista”, el fraude siempre está presente con sus falsificaciones, fuegos fatuos y sobre todo mucho aburrimiento. Todo está inventado. La cuestión está en aprovechar inteligentemente el enorme legado y aquí patinamos constantemente. Puede que en mi caso sea un ejercicio de nostalgia, lo cual admito sin problemas y no es nada fácil contentar el oído añadiendo además el peligro del hastío y cansancio conforme avanzas en edad y los más mayores sabéis de que hablo.

Los que realizan “música prog antigua” como en el caso de los noruegos Wobbler nos aseguran al menos una audición agradable y entretenida. Lo hacen por puro placer. ¿Qué fundamento más lógico si no tendría la música?. Tocar música deprimente y oscura por muy progresiva que sea para mortificarse relatando lo malito que está el mundo, no tiene sentido al menos para mí. Cualquier forma de arte que exprese las miserias de la vida carece de sentido porque para eso ya están las crónicas de la historia y sus atrocidades. Maurice Ravel decía que no había ninguna necesidad de expresar lo feo en música. Todo puro arte es evasión de la realidad y una potenciación de la fantasía y la imaginación. Los de Canterbury por ejemplo jamás se tomaron en serio nada de lo que hacían y sin embargo lo hacían de puta madre siempre que hubiese cerveza, vino, comida, humor idiota y buen ambiente y lo demás venía por añadidura. Gente natural y ciertamente loca, porque la locura es un bien común siempre que no jodas a nadie y te rías del mundo.


Wobbler hicieron su tercer trabajo en 2011 y como era de esperar no defraudaron, sino que subieron el nivel. Siete cortes componen este disco con una fuerte influencia ya en el segundo tema “La Beltaine” de los primeros Yes. Esto se nota bastante más quizá en las armonías vocales que en la composición porque curiosamente cuando lo escuchas no es una copia sino una forma de reinterpretar el estilo, no olvidemos que también los manierismos a la Gentle Giant no andan muy lejos. Pero todo suena a fresco y diáfano. La instrumentación sigue siendo la misma que en los álbumes anteriores. Todo analógico con denominación de origen y han conseguido un sonido realmente claro, producto de una mejor producción. Los teclados están fantásticos porque yo no entiendo un grupo progresivo que no lleve teclados y no haga un uso exhaustivo de ellos como debe ser. Es lo que le da riqueza al estilo por pura lógica. “In Orbit” es espectacular en este sentido con unas partes magistrales. Luego podemos deleitarnos con los siempre pasajes pastorales que incluyen en cada uno de sus discos y los constantes vericuetos instrumentales para que no te duermas o bosteces como en las entretenidas “A Faeries Play” o “The River”. Es progresivo clásico muy bien hecho y eso siempre suele ser una apuesta segura.
Alberto Torró









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KADAVAR - Live in Copenhagen (2018 / NUCLEAR BLAST)

Como sólo hace unas horas que he visto a Kadavar en concierto, y su último lanzamiento es éste "Live in Copenhagen" que me agencie sin pensarmelo mucho, cambio de planes en cuanto al articulo de hoy y me pongo con los alemanes. Me pongo en todos los sentidos. Porque estos tíos embriagan y drogan sólo con oirlos. Lo otro ya es optativo. Lupus Lindermann (voz y guitarras), Tiger Bartelt (batería) y Simon Bouteloup (bajo) te llevan directamente a los primeros 70 sin proponérselo demasiado. Basta con verlos en el escenario, con sus genuinas pintas de hippie-freaks malencarados, (aunque son un "piazo" pan), semilla inequívoca de donde saldría el hoy corrompido, (otros dirán "evolucionado"), heavy metal.


El monstruo de tres cabezas creado por los tres miembros de Kadavar arrasa y entusiasma. Y ocurre con naturalidad porque no hay pose ni postureo en su propuesta. Nunca vi a Blue Cheer, - los primeros -, pero seguro que no andaban muy alejados en las tablas de lo que exhibe Kadavar hoy.


Corrosiva lisergia y ondas expansivas eléctricas que funden al público en un sólo ente, comulgando obedientemente con sus maestros de ceremonias en liturgia sagrada sobre el altar / escenario del Todopoderoso Rock'n'Roll. Así ha sido siempre y así ha de ser. En cuanto al liderazgo de la banda,  está claro que los focos se dirigen a su guitarra - frontman, pero yo no lo tengo tan claro.....Siento que su gigantesco batería,  literal y técnicamente hablando, es pieza fundamental a todos los efectos. De hecho, su kit percusivo está en primera línea de fuego sobre el escenario. E irradia el aura de los bendecidos por los dioses del Olimpo Rock.

"Live in Copenhagen" ha sido pensado para el vinilo, como debe ser. Cuatro caras con su minutaje correcto, y nada de "maxi singles en formato doble", como es ahora lo habitual. Recoge lo más destacado de su set-list cosechado en sus cuatro álbumes de estudio. Como no podía ser de otro modo, su exquisito primer álbum del  2012 está bien representado. Hasta cuatro temas de los seis que lo formaban. Tan sólo uno de "Abra Kadavar" (2013). Tres del tremendo "Berlín" (2015) y los mismos del último,  "Rough Times" (2017). Y aún quedarán otros tres de diversos formatos single o EP. 

El reciente "Skeleton Blues" inicia la ceremonia sangrienta, con el descacharrante wah wah de Lupus Lindermann segando cabezas sin piedad. Hard blues psych de ritmo pesado......es stoner, Kadavar? Entra dentro de los mandamientos, pero su sincera propuesta retro me hace sentirlos como un grupo "del pasado en el presente". Lo demuestran en "Doomsday Machine", del genial "Abra Kadavar". Conectan con el Hard psych - proto metal de "Lonesome Crow", debut olvidado (no para mí), de Scorpions. Que es por donde debieron seguir, aunque todo lo de Uli John Roth sea territorio sagrado. "Pale Blue Eyes" tenía que reflejar la fuerte herencia hendrixiana del grupo. Tiger B. Smith, Hairy Chapter, Night Sun, Silberbart, Jeronimo y hasta Guru Guru en ocasiones,  son resucitados por estos paisanos de Berlín. Para recordarnos que el prog alemán 70s mandó con autoridad en el mundo, junto con el italiano e inglés. 

Ya lo dice el título, "Into the Wormhole", bastante más doom en sus canciones recientes. La soberbia "The Old Man", que es una mezcla de esos primigenios Scorpions y....."Eye of the Tiger" de Survivor!!! La carismática "Die Baby Die", con un bajo que golpea como un Mjolnir.


La atmosférica "Black Sun"......Hendrix sonríe escuchando "Living in your Head"....En el segundo disco más material que parece editado en 1971. "Into the Night" gana en brillantez y mala baba, - como el resto de sus hermanas-, en este documento en vivo a la vieja usanza."Purple Sage" nos recuerda qué es el kraut , casi kosmische, y quienes lo inventaron. "Tribulation Nation", "All or Thoughts" o " Come back Life", traen al recuerdo a Hawkwind, Mountain o Nazareth, respectivamente,  con la voz deliciosamente alemana y resultona de Lupus. Conste que yo ya me había hecho mis propios bootlegs de Kadavar, "Duna Jam 2012" y "Rock Hard Festival 2016" concretamente, extraídos de filmaciones que pululan por la red. Sabedor de que ésta banda se crece en directo y viven por y para ello.


Bouteloup es poseído por el espíritu de John Entwistle. Bartelt por el de Keith Moon / John Bonham, y Lindermann por el inmortal Hendrix. Menudo trío de ases. Y no me refiero a los "kadaveres", sino a los Kadavar. Esos sí que están muy vivos.
J.J. IGLESIAS








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