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AMERICAN TEARS - Hard Core (2018 / ESCAPE)

Seguir la carrera del teclista,  multiinstrumentista, cantante y compositor Mark Mangold, es hacerlo con la lógica del buen gusto en la evolución del rock americano.


Desde los psicodélicos días de Valhalla en los finales 60, con un homónimo único álbum. A los progresivos  American Tears en formato trío  (teclas - bajo - batería), y con sonido USA a lo EL&P, con "Branded Bad" (1974) y "Tear Gas" (1975). Para aumentar a cuarteto con guitarra en el definitivo "Powerhouse" (1976), que los llevará a ésa cosa maravillosa inventada por los yanquis llamada Pomp rock (hard rock + prog). Y que llegará a la cumbre del estilo en el único album de Touch en 1979. Una obra maestra que tuvo un seguimiento no editado y producido por Todd Rundgren. Algunos todavía rezamos a los dioses Pomp para que se edite algún día. Entrados en los 80, Mark Mangold se hizo de oro (Man - gold) como sesionero y compositor para los más grandes del AOR que dominaba el mundo. A la par que creaba el dúo - grupo Drive She Said, con el excelente vocalista Al Fritsh (recientemente fallecido). Con un puñado de álbumes que elevaban el Pomp AOR a las alturas galacticas de lo mejor de los 80. Mangold ha seguido con multitud de proyectos, pero nadie esperaba que fuera a resucitar el de los 70, American Tears, con edición este año de "Hard Core". En realidad,  la resurrección del nombre es más por motivos estilísticos,  ya que todo en éste álbum ha sido tocado por el propio Mangold. Listo como pocos,  y sabedor de las tendencias del rock y sus vaivenes,  ha visto como el rock progresivo salía de su condenado exilio, y levantaba de nuevo el vuelo del Fénix. Para ello ha desempolvado sus vetustos sintes, Hammonds y demás vintage trasterio que a buen seguro estaba criando arañas en algún garaje desde hace 40 años. También se ha encargado del bajo, batería,  micrófono,  producción,  mezclas y composición. Le ha salido barato, vaya. Realmente un disco en solitario, el añadir lo de American Tears tiene su explicación. 



El tema título "Hard Core", que podría ser perfectamente una canción de Kiss, es disfrazada con sintetizadores de cuerda, salvajes mini moogs y otros sonidos de la jungla analógica que respiran nueva vida. La "analogía zombie", que tantas alegrías nos está dando.


"Carnivore" saca el lado psych de los tiempos de Valhalla, y el toque impresionante de Emerson en The Nice. Tan buen teclista como batería,  (sí,  también lleva un Palmer dentro!), esto es gloria bendita para los sinfo - aficionados al verdadero sonido progresivo. El de profunda raíz de esencias clásicas y jazz. 




El apropiadamente titulado "Lost in Time" es puro Atomic Rooster del principio. Y con una letra que podría haberse escrito en plenos años 60. Una maravilla de "recreación histórica".




 Una táctica que sigue con descaro en "Fyre", en homenaje directo al "Fire" de The Crazy World of Arthur Brown. Que con el añadido de sintes, me recuerda también a su siguiente grupo, Kingdom Come, y su teclista Víctor Peraino. Incluye los coros de Jake E, única aportación  fuera de las manos de Mangold. 




El olorcillo a Deep Purple de "Smoke and Mirrors" tampoco es casual. La guitarra la suple un moog en posesión demoníaca,  con Hammond poderoso y voz similar a Gillan. 




"The Ferryman" es un power hymn que en otro tiempo se la hubiera vendido al mejor Michael Bolton. Pero con éste "disfraz prog" parece Saga o Three (paralelismos entre Mangold y Robert Berry). 



En la instrumental "Nuclear", (con algo de recitado), se le va la mano un algo a nuestro amigo, y esto casi suena a bacalada 90s. Con artillería analógica de rigor, pero con trasfondo de Electronic Dance que no me hace ninguna gracia. Extraño experimento que salva un poco un Mellotron break,  arreglando el desfase.



"Tear Gas 2017" es una nueva versión del tema que bautizó al mismo álbum en 1975. Poderoso influjo del añorado Keith Emerson en otra bonita revisión al pasado.




"Lords of Light" es especial......yo la veo como Kraftwerk haciendo AOR (?!), algo del todo improbable. 




En "Deplorable" (cuanta razón! ) , advertimos de nuevo arrebatos "bacalao 90s" con psicótico y esquizofrénico resultado.... Ahora que recuerdo, en la reedición cd de "Tear Gas" (1999 / Frontiers), añadieron dos extraños bonus track que nada tenían que ver con el estilo del grupo. Y sí con Funkadelic. Será que Mangold tiene querencia por las pistas de baile y las bolas de espejos?....



El tema más extenso del álbum es "Bottoms Up" (7'12), o una hábil mezcla de Alice Cooper con Vincent Crane. Los mini moogs retozan por el prado hard prog, libres de ataduras. 




"At Last" finaliza como un instrumental de Wakeman factura y que nos deja expresión bobalicona de felicidad. Personalmente hubiera preferido que esto fuera un grupo de verdad, (dudo que presente el disco en directo). Y me sobran un par de "experimentos con gaseosa". Pero quedan 10 esplendorosos cortes para salir un rato de la Matrix. Que falta hace.
J.J. IGLESIAS





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SOUTHERN CROSS - Southern Cross 1976

Southern Croos no tienen nada que ver con el rock sureño (Southern) ni con aspectos religiosos (Cross), son un grupo australiano de mediados de los setenta ¿Deberíamos preguntarnos cuántos grupos conocemos de ese país? Os aseguro que hay vida mas allá de AC/DC o Rose Tattoo.


Para encontrar el origen de esta banda debemos hacer referencia a otra que ya pasó por Rockliquias, Buffalo ("Volcanic Rock"), dos de sus miembros, John Baxter (guitarra) y Alan Milano (voz), forman Southern Cross en 1975. Junto a ellos encontramos a Michel Brouet (bajo, voz) y Jeff Beacham (batería).  Baxter a los pocos meses abandona el proyecto siendo sustituido por Bruce Cumming. En 1976 editan "Southern Cross" en el sello independiente Living Sound/Laser y un año más tarde publican un single conteniendo "Queen Of Rock And Roll B" y "W Stormy Lady". Durante algún tiempo estuvieron abriéndose camino entre las bandas que circulaban por Sydney hasta su disolución en 1977.


En esta grabación de los australianos Southern Cross podemos encontrar buen hard rock mezclado con un incipiente sonido AOR. El disco se compone de ocho temas teniendo en dos de ellos ("You Need it" y "Games") como coautor a John Baxter (guitarra), miembro fundador que abandono la banda en 1976. El disco se inicia con uno de sus mejores temas "Money Maker", hard mezclado con buen rock'n'roll y con un Cumming como protagonista. "You Need It" me recuerda lejanamente al estilo de Bad Company. "Jessie " me trasladan a sonoridades a lo Tommy Bolin en "Teaser".  En "What Am I Waiting For?" volvemos a la onda de los de Paul Rodgers, sin duda uno de los temas destacados. "Harris Street" se mueve por los caminos de funky rock. La balada llega en "Story Teller". "Games" es el tema mas largo de la grabación , casi 10 minutos, y el mas atípico,  nos pueden sonar a los Wishbone Ash. Finalizan con "Stormy Lady", tema típico de hard rock.
J.C.Miñana




Temas
Money Maker  00:00 
You Need It 04:30  
Jessie 09:43 
What Am I Waiting For? 14:55 
Harris Street  20:14 
Story Teller  24:57 
Games 30:10
Stormy Lady 39:08




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WEST SPACE & LOVE - West Space & Love II (2016 / WSL)

West Space and Love forman parte del colectivo cósmico sueco - danés,  Oresund Space Collective. Una agrupación que llevan editados una treintena de discos, (si contamos el de éste año, "Live in Berlín"), desde 2006. Está claro que no paran de generar pesadillas radioactivas espaciales, y ahora también con éste nuevo spin-off que a mí me ha atrapado sin remedio. Ellos son K. G. Westman (sitar, bajo, Ibanez Double Neck guitar, Hammond L-100 y sintes variados), Love (batería y cajón), Dr. Space (Custom Modular Synthesizer,  Korg Monotron, Roland SH-100 y sintes surtidos) y Ki Gonki (percusión,  voz y Roland SH-100). Intervienen diversos invitados al violín,  delay pedal y santur. El disco, instrumental, fue grabado en Estocolmo en 2015 y por lo que deducimos,  es el segundo de la banda.


Un regreso al pasado-futuro se produce ya en las primeras notas volátiles de "Floyd's Dream" (11'09) que, aún a pesar del título,  no me suena muy floydiano, pero sí de fuerte sabor berlinés. El juego arpegiado de guitarra,  pedales y sintes analógicos es de obligada referencia teutona y con AshRa muy en mente. Pedal de bombo y secuenciador acompañan los paseos espaciales de zigzagueantes sintetizadores y rítmicas cuerdas, ahora con superior influencia  de los Tangerine Dream post-1975. Un estupendo entrante. 



"Khan Paan" (5'07) conlleva fuerte sabor étnico,  con sitar solista de Westman y violín de melodía orientaloide, acercando posturas a obras de Shankar, Zakir Hussain y otros ilustres magos de la factoría ECM.  


Las percusiones del cajón se mezclan con espirales dronicas de magnética analogía,  en "2002" (3'23), con una melodía casi de Far West años 40. Corto pero bien estructurado. 




Lo mismo que "Pig in Space" (2'30) y su enjambre de sonidos cósmicos con símil de samba vulcaniana. 



Vuelven los efluvios místicos del sitar en "Oscillation in D Minor" (10'57), a pesar de su difícil técnica, K. G. Westman sabe como exprimir bellos sentimientos reflexivos, y se nota que lo que toca, no lo utiliza para hacerse el "exótico cool" dentro del sonido del grupo. Con moderados arreglos sintetizados, es otro de esos momentazos psych - kraut de excepcional interés.  Con clara influencia de Popol Vuh, Embryo, Yatha Sidhra u Okko Bekker, y un final apoteósico. 




"Anybody Out There" (6'08) es una excursión por gentileza de vuelos Floating Trankimacin, de innegable sabor "Ummagumma" y el Schulze más planeador. Va enlazada con la final "Time Compression" (5'60), donde vuelve a sumarse el sitar a la electrónica vintage, con el Hammond en primer plano y el instrumento hindú dirigiendo otra inspirada melodía casi flamenca. Recuerda a nuestro Gualberto. Sucedida de nuevo por el órgano  (ahora con Triana feel), en un climático final. Pienso que el Hammond L-100 debería haber sido más explotado a lo largo del álbum. 



No estamos ante un desfase hipster sin sentido para hacerse los molones cósmicos. West Space & Love saben con qué materia tratan y la recrean con total respeto e imaginación. Si éste disco hubiera salido en la Alemania de los 70 bajo el amparo de Brain, Ohr, Bacillus, Pilz o United Artists,  hoy estaría en cualquier enciclopedia Kraut con destacados galones. Curioso que con internet dominando el mundo, éste tipo de grupos estén en el más cruel de los anonimatos. 
J.J. IGLESIAS










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NATIONAL HEALTH - Live at Dundee 1976

National Health fueron uno de los máximos exponentes del sonido "Canterbury". Recuerdo que hace muchos años (1979) actuaron en Zaragoza pero lamentablemente ni J.J. Iglesias ni yo pudimos asistir, eramos muy jóvenes y nuestros padres velaban por nuestra "seguridad". Alberto Torró si estuvo allí y me ha contado algunas cosas. El evento se realizó en la discoteca Liverpool ante poco más de cien personas. Alberto colaboró en la entrevista realizada por Gonzalo de la Figuera al grupo. Me comenta que Alan Gowen ya se le veía bastante deteriorado y que estaban bastante enfadados con Dave Stewart que los había dejado el año anterior para unirse a la banda de Bruford aunque volvería para la grabación de "DS Al Coda". Después de la entrevista se fueron de cervezas con Pip Pyle (batería)


El grupo se formó en julio de 1975 con miembros de Hatfield and the North (David Stewart (teclados), Phil Miller (guitarra)) y de GILGAMESH (Alan Gowen (teclados), Phil Lee (guitarra)), completando la formación con el bajista Mont Campbell (Egg) y la cantante Amanda Parsons.  Les faltaba un batería y en octubre reclutan a Bill Bruford.  Phil Lee abandona la banda para irse con Charles Aznavour de gira. En diciembre Bruford fue reemplazado hasta enero por Richards Burgess. En esas fechas realizan ensayos junto a Steve Hillage que reemplazaba temporalmente a Phil Lee y realizaN su primera gira por Inglaterra. El culo inquieto de Bruford no puede estarse quieto y se va con los Genesis de gira mundial siendo sustituido por  John Mitchell (ex-Arthur Brown, Mirage & Julie Tippetts Group). En junio del 76  actuan en París junto a Caravan, Daevid Allen & Euterpe, Lol Coxhill & Gerry Fitzgerald y Mahjun. Ese mismo mes Mont Campbell y John Mitchell dejan el grupo entrando en julio Neil Murray al bajo y vuelve Bruford a la batería. Nueva gira por Reino Unido durante tres meses hasta que en diciembre realizan una audición para Island Records. En enero del 77 Bruford abandona definitivamente la formación entrando en su lugar Pip Pyle. En febrero giran por Europa y un mes después Alan Gowen y  Amanda Parsons abandonan. En abril de ese año comienzan los ensayos para su primer disco, "National Health", que no vería la luz hasta febrero del 78. Neil Murray había dejado el grupo en enero para incorporarse a Whitesnake y entrando en su lugar  John Greaves. En marzo llega la gira de presentación por Francia y en abril y mayo hacen lo propio en Inglaterra acompañando a Steve Hillage. En julio comienzan a grabar su segundo disco, "Of Queues And Cures", teniendo como invitados a Georgie Born, Peter Blegvad,Jimmy Hastings y Phil Minton. La grabación sale al mercado en diciembre pero los cambios de formación continuaban, habían entrado Lindsay Cooper y Georgie Born y Dave Stewart se había ido en octubre para trabajar junto a Bruford. Pero como ya estamos viendo estos músicos son muy inquietos y Stewart regresa en enero del 79 para realizar una presentación televisiva y también vuelve Alan Gowen. En marzo nueva gira por Europa que incluiría España (Barcelona, Zaragoza).En noviembre actúan por Estados Unidos y Canadá. En Mayo de 1981 muere Gowen y Stewart decide regresar junto a Phil Miller (guitarra), John Greaves (bajo), y Pip Pyle para grabar "DS Al Coda" (1982) teniendo como colaboradores a Jimmy Hastings (flauta) y Richard Sinclair (voz).


La grabación pertenece al concierto de National Health celebrado en Dundee, UK, el 22 de febrero de 1976. La banda nos ofrece cinco largos temas prácticamente instrumentales ya que la voz de Amanda Parsons la podemos considerar como un instrumento más. La  música navega por las aguas de los sonidos "Canterbury" con las incursiones características en el jazz rock y donde los teclados de Alan Gowen y Dave Stewart son los reyes. El resto de la formación la componen Phil Miller (guitarra), Mont Campbell (bajo) y Bill Brufurd (batería) que como he dicho anteriormente estuvo saliendo y entrando en el grupo en diversas ocasiones. El sonido es bastante bueno.
J.C.Miñana



Temas
1. Tenemos Roads 00:00
2. Paracelsus 08:58
3. Trident Asleep 15:00
4. Clocks And Clouds 34:28
5. The Lethargy Shuffle 45:42
6. Agrippa 56:11
7. Elephants 01:05:45




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HERE THE CAPTAIN SPEAKING, THE CAPTAIN IS DEAD - Here the Captain Speaking, the Captain Is Dead (2018 / Autofinanciado) (Rockliquias Bandas)

De entrada, con un nombre como éste,  inspirado en un clásico tema de Hawkwind, la cosa pinta bien. Luego observo  que su debut ha sido grabado en los Carcosa Studios de Valencia, de donde proceden y orbitan. Ato cabos. Aquí es donde hicieron "su ritual" Kamadeva, viejos conocidos ya de nuestra sección. Resulta que su batería Lucas, es el mismo para ésta banda.  Buen gusto por ambos combos. Completan el trío Dela al bajo - taladro y Adrian en las guitarras, sintetizadores, efectos y otros agujeros de gusano sonicos. Ya han compartido escenario con los legendarios nipones Acid Mothers Temple.......todavía tengo reciente el shock psíquico que me endilgaron en las últimas fiestas de El Pilar !!!
Imagino que una doble dosis junto a Here the Captain Speaking....puede ser un arma de destrucción masiva.


Es lo que se intuye en las primeras notas de ruido blanco en "Odyssey" (6'48) , con el motorik percusivo bien engrasado y al rojo, junto a capas mellotronicas en bucle cósmico constante de considerable lisergia. Los Hawkwind de "Hall of the Mountain Grill" y "Warrior on the Edge of Time" están bien representados en éste devaneo instrumental (como toda la obra). El bajo golpea mandíbulas al más puro estilo Lemmy pre- Motorhead, y una avalancha de lava líquida electrónica desemboca en hendrixianos ejercicios de guitarra asilvestrada.



La sección rítmica resulta insolente en los inicios de "Cult of Youth" (6'22). Adornada por feedbacks y efectos que rodean como una valla electrificada éste caos magnético de violenta intensidad.


"Michael Faraday" (6'25) mete en su coctelera a Neu, Can, primeros Kraftwerk, Harmonia, Cluster y toda la baraja "de la barriada" Dusseldorf. En un portentoso ejercicio de estilo no exento de astuta melodía y extraordinariamente bien tocado. Porque ésta gente se sale con sus instrumentos. "Hallogallo" valenciano con sabor a paella. Y momentazo personal favorito de éste escriba.


Otra maravilla de orientación germánica es "Interlude" (3"06), un trocito de paraíso kraut disfrazado de outtake de Achim Reichel.




Por último tenemos "Event Horizon" (8'34), - pedazo de peli, me encanta -, ésta vez en los plenos dominios del averno cósmico de Irmin Schmidt y sus Can más trance-hipnóticos. La guitarra exhibe paroxismo taranteliano a lo Karoli. Y los teclados devoran y corroen toda la nave instrumental.  Con un continuo bombeo rítmico que erosiona cerebros no adaptados a éstas peligrosas exposiciones radioactivas. 


Esto es demasiado bueno para ser tan corto, (poco más de media hora, eso sí,  bien densa).  Necesito más mensajes de ultratumba de éste capitán del más allá. 
Os habéis sobrado tres galaxias.
J.J. IGLESIAS




Contacto

P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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DE DE LIND - “Io Non So Da Dove Vengo E Non So Dove Mai Andrò, Uomo È Il Nome Che Mi Han Dato (1973)

Este grupo italiano sacó el nombre de una modelo de Play Boy de principios de los años sesenta y para no ser menos que el resto de bandas de un solo disco grabaron este largo título que no pienso repetir por ser un verdadero culebrón. 



Como en otros casos, estos músicos provenientes de Milan pasaron de sacar algunos singles pop a evolucionar hacia el rock progresivo que como vengo diciendo hacía furor en la Italia de los primeros 70´s. Todo fue visto y no visto pero se las arreglaron para grabar un curioso álbum donde confluyen rock psicodélico, progresivo y hard pero de manera bastante interesante y original.

 A algunos el tema del principio incluso les sonará a las viejas estructuras de Rush pero algo matizadas a la Jethro Tull también de la primera época ya que la guitarra bastante distorsionada y flauta se alternan con pasajes acústicos bastante folk. Es música de su época que escuchada a día de hoy suena tan encantadora como rancia. Hay cosas muy recomendables no obstante como podemos apreciar en la segunda pieza “In Dietro nel te” con una iniciativa muy próxima a mezclar ingredientes contrastados entre la propia tradición popular folk, el hard y ligeros aires de jazz rock bastante rústico. Melódicamente es típicamente italiano y la forma bastante personal e imaginativa en la manera de utilizar la percusión. Hay momentos acústicos muy pastorales con otros que contrastan con cierta dureza rock. Esto era muy habitual en las primeras bandas progresivas de aquellos años y podemos encontrarlo en la mayoría de los grupos de entonces. Quizás abusen demasiado de momentos solistas de flauta y estructuras muy similares a veces a mister Ian Anderson y los Tull. Recordemos que en los primeros Jethro había una dosis importante de hard-rock-blues y que por entonces ejercieron mucha influencia tal como podemos apreciar en esta grabación. El fuzz de guitarra es tan añejo como cabría esperar. 


“Cimiterio di guerra” sigue en la misma línea de guitarra acústica, flauta y voz casi recitativa que se mezcla muy bien con vapores psicodélicos y cierta épica final. Curiosamente el uso del teclado: algo de piano y órgano está relegado a un segundo plano y solo como arreglos poco perceptibles. Es cierto que en la mayoría de bandas del RPI hay una profusa intervención de teclados, pero este no es el caso. También aparte de la flauta encontramos algunos ratos al saxo tenor. En general la base compositiva recae en guitarras acústicas en fuerte contraste con la eléctrica y la voz no está mal teniendo en cuenta la forma tan característica y personal de los cantantes italianos. Evidentemente es un disco de coleccionistas e imagino que el LP original será muy caro. Al parecer existen reediciones en doble formato digital y vinílico.
Alberto Torró



Temas
01-Fuga e morte--00:00
02-Indietro nel tempo--07:20
03-Paura del niente--11:40
04-Smarrimento--19:19
05-Cimitero di guerra--27:19
06:Voglia di rivivere--32:39
07:E poi---36:14



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Änglagård ‎– Epilog (1994)

Animados por las unánimes críticas positivas de su debut y con el importante bagaje de convertirse en una banda de culto casi inmediatamente, me imagino que los integrantes de esta banda sueca se vinieron arriba orgullosos de su trabajo y no es para menos.

 No obstante ser un músico prodigioso y con la bendición que solo da la naturaleza a unos pocos, es la situación más desagradecida que pueda imaginarse. Todo arte es desagradecido y solo el que es consciente de que lo tiene de verdad es el que peor lo pasa. Al mundo le es indiferente lo maravilloso que pueda ser uno en alguna materia específica. Intentar forzar que la sociedad aprecie lo que haces, es una vana ilusión, salvo que lo que hagas sea una fuente de dinero para terceros y se convierta en un negocio seguro. Cuando un cuadro vale millones de la moneda que sea o un disco es un superventas o un libro se convierte en best seller, automáticamente todo deviene en una mierda y en una falsedad. En los siglos precedentes un artista sobresaliente era valorado de forma más honrada y franca, porque se apreciaba el arte y la creación. Había una sensibilidad artística que a día de hoy el mundo de la hipertecnología y carente de todo humanismo ha borrado de la faz de la tierra, probablemente para siempre. En su momento la humanidad creo la palabra “genio” para englosar todavía más la estupidez humana y elevar a los altares a idiotas consumados. Un orfebre en lo que sea en la vida no necesita la definición de “genio” y seguramente no quiere saber nada del mundo. Nadie es un genio, tan solo hace cosas que otros no saben y por eso es un privilegiado pero nada más. El hacer la mejor música que pueda hacerse es inversamente proporcional hacia su aceptación. Cuanta peor música se haga más posibilidades de negocio y fama. Dicho de otra forma a mayor exquisitez mayor rechazo. Ese es el mundo en que vivimos hoy y os diré más: si la buena música fuese mayoritaria llegaría a odiarla. El verdadero valor de las cosas es su pequeñez, su exclusividad. No sé si hace falta llegar a cierta edad para comprender esto, pero lo bueno de la vida es incompatible con la sociedad que vivimos.


“Epilog” nos muestra una portada inquietante, un espíritu gris extraviado en un bosque yermo, frío y solitario. Es un disco incluso más hierático que el anterior y la influencia clásica casi de música de cámara puede apreciarse al lado de una mayor incidencia del progresivo puro y como no, el mellotron y el sempiterno órgano hammond. No es música para recién llegados a este tipo de música pero para quienes estén familiarizados con la música escandinava del siglo XX y con las ásperas estructuras del prog sinfónico más ortodoxo y complejo van a disfrutar de unas composiciones complejísimas de una ejecución impecable. Este un álbum instrumental y solo a través de un conocimiento algo amplio de la música clásica se puede disfrutar al completo de un “rock sinfónico” serio y original. De otra forma la audición va a resultar dura y siempre he dicho que este es un paso previo casi obligatorio y la pieza “Hostejd” de 15 mtos es buena prueba de ello. 


En realidad no es música rock, es música neoclásica hecha con instrumentos rock que no es lo mismo. King Crimson siempre hicieron música contemporánea elitista en esta misma forma y si exceptuamos sus excesos “tecno” comerciales de los 80´s su propuesta siempre ha sido vanguardista. Anglagard realizaron progresivo de vanguardia donde las etiquetas habituales son inútiles. No se puede aplicar aquí una mentalidad “pop” como la que tienen una buena parte del sinfónico progresivo ya sean Genesis, Yes, Pink Floyd y sobre todo Barclay o Moody Blues. Esto es otra historia y no conviene mezclarla. Aquí no vas a encontrar melodías que cantar y sí mucha música pura y excitante que conviene oír con mucha atención. 
Alberto Torró



Temas
1. Prolog 0:00
2. Höstsejd (Rites of Fall) 2:00
3. Rösten (The Voice) 17:33
4. Skogsranden (Eaves of the Forest) 17:47
5. Sista Somrar (The Last Summer) 28:36
6. Saknadens Fullhet (The Fullness of Longing) 41:47

Bonus 

7. Rösten 43:48 *




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STYX - The Mission (2017 / UNIVERSAL)

Por culpa de la prensa tan asquerosa (sí,  no se me ocurre otra palabra), que ésta banda ha tenido siempre en éste país,  nunca han gozado de la repercusión y respetabilidad que sí tienen en el resto del mundo. Imperio de paletos, que decía el Molina...


Styx siempre fueron los más sinfo entre los pompers famosos, (con permiso de Kansas, otros que han vuelto pisando fuerte). Sus increíbles muros corales y cantantes solistas, probablemente en paralelo con Queen, les hicieron liderar las arenas del rock melódico mundial. En un difícil arte de conjugar hard rock, (que lo hacen), con prog, West Coast, Soft, AOR o hasta soul ballads. Quizá por esa filosofía,  - en mi opinión equivocada -, de que una banda veterana "no necesita nuevo material, porque sus fans quieren escuchar las clásicas de siempre", Styx han pasado 14 años sin entregar un disco fresco. Cuando los verdaderos fans de un grupo, SIEMPRE están ávidos de escuchar algo nuevo de sus bandas de cabecera. Eso las mantiene vivas, en el presente, y no supeditadas al pasado, en un mero tributo de sí mismas. Aquel "Cyclorama" de pinkfloydiana portada, nos trajo excelentes vibraciones en un ya lejano 2003. A los clásicos Tommy Shaw  y James "JY" Young (guitarras y voz), se repescaba otro histórico como es Chuck Panozzo (bajo, voz) aunque fuera para un par de temas. Completaban el poderoso batería Todd Sucherman, el respetado AOR man, Glen Burtnick (bajo, guitarras y voz), y el verdadero motor que revivió a ésta banda, regalandoles una segunda juventud, Lawrence Gowan (teclados y voz). Aprovecho para recomendar sus discos en solitario pre - Styx. 

Durante estos 14 años han demostrado que en directo son, ahora mismo, una de las bandas de los 70 con más actividad, poder, jovialidad y algo importante, buena forma física y visual. No, no parecen unas momias aztecas recauchutadas. Parece que Panozzo continúa junto al sustituto de Burtnick, Ricky Phillips (The Babys, Bad English), en las labores bajistas, (quizá uno para estudio y otro de directo....). El resto siguen en sus posiciones dentro de la nave Khedive......dentro de éste concept-album sci fi titulado "The Mission". Donde tendrán que afrontar su primera misión a Marte en un cercano futuro. Para continuar y repostar en la quinta luna de Plutón, conocida como Styx. El productor Will Evankovich (sintetizadores, efectos,  guitarras), ha sido parte fundamental en éste álbum. Completando equipo de composición junto a Shaw, Gowan y Young. Y los resultados, a la vista están. 



Con una "Overture" digna de sus clásicas obras de los 70, en concreto "The Grand Illusion" o "Pieces of Eight".



"Gone Gone Gone" atrapa la atención con los cilindros de la nave/banda en ignición y subiendo con fuerza arrasadora. Seguros de reencontrarse con su glorioso pasado. "Hundred Million Miles from Home" casi sabe a West Coast  a lo Shaw & Blades, James Gang o Fleetwood Mac......desde luego han sabido capturar el espíritu 70s, meterlo en un bote, y perfumarse cada vez que han entrado al estudio. 

El Pomp Rock que los hizo grandiosos en ésa década retoza por los surcos de "Trouble at The Bug Show" (y por todo el álbum), con total alegría. "Locomotive", apodo de uno de los miembros de la tripulación / banda, insufla ecos floydianos indirectos, sin dejar de sonar mil por mil, Styx. Hammond, guitarras,  ritmos, abrazan a la voz solista y la visten con armonías baroque pop y sintes espaciales, mientras un gilmouriano sólo aporta el añejo sabor definitivo. Qué buena.

"Radio Silence" tiene un delicioso tratamiento acústico - coral digno de Poco, Loggins & Messina, CSNY o América,  en otra winner song perfecta. Su hard rock break,  que flirtea con Purple / Heep, es un absoluto clímax. "The Greater Good" te sonará a Queen, Wings,  Eagles o incluso a ELO,  pero esto es Styx en su mayor punto de inspiración desde aquel inolvidable "Paradise Theatre".

En "Time May Bend" podrían ser parte de otra aventura paralela en las Ayreon - series. Y el corto interludio de "Ten Thousand Ways", (muy Yes, por cierto), nos adentra en el tema más largo, "Red Storm" (6'04). Siguen sonando pelín afirmativos,  con acústicas e imperativo bajo a la Squire. Si no fuera por ese marcado "trademark" vocal de la casa, esto podría formar parte de un "Keys to Ascension" o " The Ladder". Y no me parece nada mal. De hecho la intro al piano de "Khedive" es pura Wakeman school y su guitarra / voces , Queen de los Hermanos Marx.

"The Outpost" conserva la robótica melodía de "Kilroy Was Here", en soberbio AOR muscle. Y "Mission to Mars" pone el broche de oro a éste bello reencuentro con su mejor estilo, en una proggy track que no se aleja de los Starcastle de "Citadel". 



"The Mission" es tan redondo y les ha quedado tan, tan Styx, que de verdad, es difícil de creer. Sí,  estamos ante una "gran ilusión", hecha realidad.
El mejor homenaje al Major Tom. 
J.J. IGLESIAS







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HUNGRY WOLF - Hungry Wolf 1970

Hungry Wolf estaba formado fundamentalmente por muy buenos músicos de sesión (en realidad ¿hay algún músico de sesión que no sea bueno?) que posteriormente formaron sus propios grupos y participaron en numerosas grabaciones de artistas de reconocido prestigio.


La banda británica se forma a finales de los sesenta teniendo como integrantes a Alan Hawkshaw en los teclados (The Checkmates, The Mohawks,  The Shadows, Fancy), Alan Parker como guitarra principal (The Mohawks, Blue Mink, C.C.S., Rumplestiltskin, Ugly Custard, The Philarmonics), en la batería Clem Cattini ( The Pirates, The Tornados, Jeff Beck Group, Donovan, Yardbirds, Roy Harper, Love Affair, Rumplestiltskin, Ugly Custard, Beggars   Opera, Amazing Blondel), Herbie Flowers al bajo (Jimmy Jacobs And The Nite Spots, Blue Mink, Panhandle,  C.C.S., Rumplestiltskin, T.Rex , Sky) y Peter Lee Sterling como cantante ( The Bruisers, The Salon Band, Rumplestiltskin, Brass Monkey). En 1970 graban en Lansdonewne Studios y en los Morgan Studios su único disco, "Hungry Wolf".


Este disco de Hungry Wolf es un compendio de sonoridades psicodélicas, rock, algo de progresivo y toques jazz y funk. En definitiva tenemos de casi todo. La banda está acompañada por una sección de viento compuesta por Bobby Haughty, Tony Fisher y Derek Watkins en las trompetas, y  Cliff Hardy, Ken Gouldie y Johnnie Edwards en los  trombones. El disco es prácticamente instrumental Peter Lee Sterling (voz ) solo interviene en dos temas " Like Now" y "Revolution???". Por cierto Sterling bajo el nombre de Daniel Boone consiguió hacerse famoso en 1972 con el tema "Beautiful Sunday". Gran labor de Alan Hawkshaw con el sonido hammond que tanto apreciamos. Como temas destacados podríamos mencionar la inicial "Melanie" con una poderosa sección de viento, "Custards Last Stand " gran  hammond o "Sleepy" intimista y con Hawkshaw y Alan Parker brutales.
J.C.Miñana




Temas
A1 Melanie 00:00
A2 Watching And Waiting  03:07
A3 Custards Last Stand 06:32
A4 Country Wild 09:25
A1 Waiting For The Morning Sun 14:08
B1 Like Now 17:12
B2 Hole In My Shoe 20:02
B3 Sleepy 25:28
B4 The Drifter 30:43
B5 Revolution??? 34:08




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KLAUS SCHULZE - Silhouettes (2018 / SPV)

Mal se planteaba el futuro para el Odin de la Electrónica, Klaus Schulze, en los últimos tiempos. Rumores de muy mala salud,  conciertos cancelados y abandono definitivo de los escenarios, además de un inquietante silencio, hacia presagiar malas noticias. Inesperadamente,  vemos que el hombre ha "echado el mal pelo fuera", que se dice en mi tierra, (aún a pesar de estar sometido a fuerte tratamiento de diálisis). Y nos entrega un nuevo trabajo después de cinco años de silencio, algo que nadie esperaba.


 "Silhouettes" se compone de cuatro largas piezas (titulada cada una en un idioma), construidas desde la introspección y reflexión profunda. Volviendo a lo básico. Sin excesos ni pistas llenas de efectos que puedan distraer la atención del oyente. Casi como un retorno al principio, cuando la cosmic-kraut music gateaba con tecnología escasa, pero muchas ganas de crear e innovar. Esto último ya no es posible, pero sí está presente la mano creadora del más grande del género. 



El tema título ofrece en sus 15'41 mts una sobria mirada de su propio estilo. Como un pequeño resumen de su vida musical, mirando muy de cerca a sus inicios. Podría ser una perfecta continuación de "Timewind", con su señorial toque casi wagneriano. Con esas densas capas que van introduciéndose progresivamente,  poco a poco, sin estridencias ni cambios bruscos. Melodías de notas alargadas totalmente recicladas en fraseos perezosos que inspiran paz y reconciliación con uno mismo. La nada existencial como un todo al fin,  perfectamente entendible, de eterna quietud y sosiego. Eso transmite "Silhouettes". En sus minutos finales nace un riachuelo secuencial, que insufla vida a la pieza y la conecta con la realidad terrenal...... (seguro?.....). Para elevarse hasta el infinito. Sublime. 




Ése místico hilo narrativo continúa en "Der Lange Slick Zurück" (22'09), con coral cibernética de ángeles  (o demonios) en apocalíptico canto sacro. Dará paso a oleadas cósmicas de intenso placer sintetizado. Siempre con el tacto exquisito de Schulze y su "gracia" a la hora de relevar unas capas de otras, en continua trascendencia. Hacia mitad de tema comienza un crescendo ayudado por un sinuoso sonido de moog secuencial. Aquí se enredan más pistas de lo previsto,  aunque el efecto conseguido es delicioso y aparentemente  más minimalista de lo que es. Un secuenciador será el vehículo que nos lleve en nuestra visita por las profundidades descriptivas dignas de una obra de Dante, con toda la tragedia y épica  que ello puede transmitir. Me pierdo en devaneos filosóficos interiores escuchando ésta pieza, y me siento tentado en escribirlos, pero tengo piedad de los lectores, que no tienen culpa de nada, y sigo "atormentándome" con el fondo sonoro del Genio y su sonido palpitante. 




"Quae Simplex" (21'47) juega en un gran mecano de ritmos disparados en todas direcciones de irracional razonamiento. Música cuántica y sin lógica aparente, para nosotros los mortales, aunque todo tiene su respuesta. Que encierra sentimientos de humanidad dentro del sólo aparente frío computar de las máquinas.  Schulze las moldea y retuerce, hablan, gritan o lloran. Sabe que en sus manos son dotadas de vida y alma. Esto es la música clásica de nuestro presente. No se requiere el lento transcurso del tiempo. Aquí y ahora. YA. Su maestría subiendo peldaños climáticos,  mientras recrea fases espirituales, está a años luz del pobre mortal. Schulze no trabaja con sintetizadores, sino con sentimientos. Los moldea como quiere. Y te instala en diversos niveles espirituales, como si fueras su insignificante oyente /Super Mario Bros. Un conejillo de indias de su practica neurótica. Como toda deidad, te tiene en sus manos. Y como toda deidad, se comportará con tiranía inmisericorde. Haciendo de sus incautos oyentes, meros siervos sumisos a su férrea doctrina electrónica. Larga vida al "tirano",  y que así sea. 





Finalmente "Chateaux Faits De Vent" (15'09) nos deja con ése placido relax mental, como buen masajista de emociones que es, en un nirvana neuronal muy cercano a ésa utopia engañosa llamada felicidad. El viaje por "Silhouettes" ha sido intenso, hasta doloroso, pero ha valido la pena. Como siempre. Porque no es que sea su mejor disco. Es uno más,  de sus mejores discos. Haz el experimento : Después de ésta audición, ponte la tele. Vas a descubrir con pasmosa clarividencia, que "esto" es realmente el infierno. Aunque algunos dioses nos lo oculten con su música celestial.
J.J. IGLESIAS






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Stoneground ‎– Live In Haight-Ashbury 1971

Stoneground fue uno de los máximos exponentes del movimiento hippie junto a Grateful Dead y Jefferson Airplane. Su origen lo encontramos en un suburbio de San Francisco llamado Concord en 1968.


La banda comenzó como un trío con Tim Barnes (guitarras, vocales), Craig Randall (bajo, vocales) y Mike Mau (batería) incorporándose posteriormente hasta siete miembros mas: Sal Valentino (Voz), John Blakey (guitarra, bajo) y cuatro cantantes femeninas Annie Sampson, Lynne Hughes, Lydia Phillips, y Deirdre LaPorte. El último en unirse a la formación sería el bajista Pete Sears (Jefferson Starship, Hot Tuna). En 1970 intervienen en la película patrocinada por la Warner, "Medicine Ball Caravan" sustituyendo en el proyecto a Grateful Dead. El film mostraba las peripecias y actuaciones de una especie de caravana del amor. Algunos lo llamaron el "Woodstoock on Wheels". Con este evento tuvieron la oportunidad de girar por América y Europa. Su primer disco llega en 1971, "Stoneground" y ese mismo año editan "Family Album", un disco doble conteniendo grabaciones en vivo y en estudio. En el 72 publican "Stoneground 3" con numerosos cambios en su formación. En 1973 Warner rescinde su contrato discográfico y la banda sufre numerosas deserciones. Tim Barnes siguió liderando la banda con diversas formaciones hasta los inicios de la década de los ochenta. En ese periodo editaron cuatro discos más:  "Flat Out (1976), " Hearts Of Stone (1978), Play It Loud (1980) y  Bad Machines and Limosines (1982).  En 2004 volvieron a resurgir.


La grabación corresponde a la actuación de Stoneground en los estudios de radio KSAN-FM en San Francisco en marzo de 1971. La música que encontramos es pura psicodelia mezclada con buen rock y toques bluseros destacando las intervenciones de sus guitarristas Tim Barnes y John Blakeley. Un buen puñado de temas que nos trasladarán a la costa oeste de los Estados Unidos a principios de los 70. El sonido es bastante bueno pero el "DJ" es bastante pesado interviniendo en numerosas ocasiones. Amor, paz y sobre todo buena música.
J.C.Miñana



Temas
1 It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry 3:29
2 Stroke, Stand 4:53
3 DJ Babble 0:37
4 If You Gotta Go, Go Now 3:19
5 DJ Babble 3:21
6 Dreaming Man 5:01
7 DJ Babble 0:53
8 Come Back Baby 3:50
9 DJ Babble 0:10
10 Don't Waste My Time With Your Jive 3:59
11 Added Attraction (Come & See Me) 2:53
12 DJ Babble 0:50
13 Brand New Start 3:45
14 DJ Babble 0:59
15 Strange Change 3:09
16 DJ Babble 1:29
17 Bad News 3:40
18 Roll On Elijah 3:55
19 Gypsy Lover 4:27
20 Colonel Chicken Fry 4:57
21 Total Destruction To Your Mind 4:53
22 Corrina 5:52
23 Rainy Day In June 2:46
24 Have You Seen My Baby? 3:56
25 DJ Babble 0:45



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