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REALE ACCADEMIA DI MUSICA - Reale Accademia Di Musica (1972)

Esta es otra de esas olvidadas bandas italianas de rock sinfónico que aparecieron en la eclosión del estilo que acaparó con entusiasmo el primer tramo de década. En los setentas solo grabaron dos discos, el que nos ocupa de 1972 y otro en 1974 que no se tiene en cuenta porque en realidad se limitaron a acompañar a un cantautor llamado Adriano Monteduro y fuera ya del estilo progresivo. Una lástima porque este trabajo primigenio es tan bueno como cualquiera de esas gemas perdidas en la Italia sinfónica de las Premiatas y los Bancos. 


Se forman como sexteto en Roma en 1972 y entran rápido en el estudio. Como es habitual en el resto de sus compatriotas la música tiene toda su fuerza en los teclados: Piano y órgano principalmente, en un estilo de tempo medio, pausado y muy similar a veces a los primeros Pink Floyd en ese típico “ritmo lento” de órgano sacro suspendido, que caracterizaba las primeras obras de los británicos psicodélicos por excelencia (para mí las mejores). Lo peculiar del álbum es que el cantante Henryk Topel Cabanés era un español (¿?) cantando en italiano con un toque muy melancólico y abatido, lejos de los tópicos y estreñimientos vocales habituales de la “canzone” a lo Cocciante o el cántico amoroso que tan bien imita nuestro italianizado latin lover Sergio Dalma.

 En esta ocasión tenemos un álbum de 40 mtos y con piezas que llegan incluso a los 9 de duración. Federico Troiani es un teclista que ha prestado mucha atención al órgano de Rick Wright: esos vacíos cósmico celestiales que tan buen provecho sacaban los Floyd hasta el Oscured By Clouds y que poco a poco fueron abandonando hasta el desastroso y plomizo The Wall (al menos para mí). Este disco de R.A.M suena algo polvoriento. Han pasado muchos años y el tiempo es un juez implacable. Ese estilo sinfónico, suave y apacible. Analógico hasta la médula, genuino de una época mucho más inocente que la de hoy, donde la música era mucho más hermosa que la de nuevas generaciones, dentro de su simpleza. Una simpleza que hoy se agradece como si te regalasen un excalextric, un fuerte de madera con indios de goma, un juego de construcción de castillos o un pack de magia para niños. “Favola” desgrana guitarras acústicas y una voz canta perezosa y sin prisas con una pequeña orquestal en los arreglos y debes apoyar bien la espalda en el árbol, el trasero en un buen césped. “Il mattino” sigue por bucólicos caminos mientras el piano te acompaña en el sendero y ligeros arreglos de cuerda apaciguan tu marcha mientras el teclado describe la melodía. Llega un momento en que los primeros Banco aparecen en una creciente aceleración instrumental para que la guitarra solista diga unas palabras. Es uno de los momentos más prog del álbum hasta que se retorna al plácido inicio. “Ognuno Sa” tiene un ligero acento a blues rock filtrado a lo Floyd y “Padre” ya es Floyd hacia el 69, 70, 71 con una hermosa melodía donde la voz y el órgano a la Wright no esconden sus secretos ni tampoco la guitarra solista que transcurren plácidamente como detenidos por el tiempo. 


Estamos en 1972 y es el sonido de ésa época sin trampa ni cartón. Tal cual. “Lavoro In Citta” es más de lo mismo pero en el centro hay un mellotrón y voces que puede recordarnos tanto a los Moody como a la Barclay como al bonito final del “Echoes”. Termina algo más animado hacia el rock-blues. “Vertigine” sigue siendo deudora de su época y del estilo algo más Greenslade o a los primeros grupos proto-prog británicos que sonaban parecidos. Reale Accademia Di Musica tuvieron alguna grabación más reformados en el 2008 y hasta el presente con un reciente trabajo del 2018 que lo dejo a la opción del oyente.
Alberto Torró



Temas
Favola 3:46
Il Mattino 9:19
Ognuno Sa 5:18
Padre 8:42
Lavoro In Citta' 5:56
Vertigine 7:12




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MOON SAFARI - Lover´s End (2010)

Llegar tan alto en un segundo disco suponía un desafío difícil y éste es un dilema y una complicación añadida a todos los grandes grupos y a todos los buenos músicos. 


Si echamos un vistazo a la historia del prog y sus héroes, generalmente las obras importantes y su mejor música se suelen encontrar en los primeros tramos de sus carreras salvo alguna excepción como es lógico. Las discografías más breves y las bandas más fugaces en el tiempo lo tienen más fácil naturalmente porque no sufren el desgaste y el agotamiento del tiempo. Insistir en la tercera edad caso del culebrón de Yes o un desgastado Jethro Tull tocando un millón de veces lo mismo y cada vez peor y con mayor desgana: cuando todos han pasado con creces de los 70 años y se resisten a desaparecer, es realmente patético. Lo bueno de sus inmensas discografías apenas ocupa ya un 20% de su producción y está muy lejos en el pasado, pero ahí siguen y siguen como el conejo de duracel. Cierto es que hay otros ejemplos encomiables como en el caso de IQ y alguno más. De momento no es el problema de la banda que nos ocupa, todavía son jóvenes, aunque también hay que decir que desde 2013 no han grabado nada en estudio. La fórmula por el momento les ha salido perfecta y cada álbum logra mantener el nivel pero no superarlo. 

En este “final amoroso” se han preocupado muy mucho de que las cosas sigan al mismo nivel y cabe decir que incluso han mimado un mayor énfasis en el trabajo coral y quizás un acercamiento algo más “pop” y entiéndase el entrecomillado. Es decir, siguen siendo una banda de rock sinfónico, pero con muchos detalles más próximos al rock melódico (no AOR cuidado). Las composiciones no son tan ambiciosas como en el “Blomljud” y hay un mayor perfil al formato canción. Hay dos piezas no obstante con la suficiente carga de profundidad sinfónica como son “ A Kid Called Panic” con sus buenos 14 mtos y “Crossed The Rubicon” con cerca de 10. El chaval llamado pánico tiene unos primeros 4 mtos que lo acercan demasiado a un comercialismo beat cercano a la ELO con ligeros tintes a lo Flower Kings más alegres, aunque a mi juicio lo mejor de esta pieza es su desarrollo instrumental donde los teclados están gloriosos mientras el rasgueo acústico y la base de piano transcurren a placer para que el moog solo haga de las suyas. Muy bonito este pasaje realmente. 


La otra pieza larga que cruza el Rubicón lo hace en similares características, pero la melodía vocal es mucho más hermosa y radiante, de las más bellas que tienen. El acompañamiento casi folky de las guitarras rubrican una pieza de ensueño. El resto del álbum se reparte en las partes 1 y 2 de “Lover´s End” donde la melodía me resulta completamente familiar, sin decir que ello sea una copia de algo que conozco desde luego. Me recuerda… pero ahora sinceramente no caigo el qué. El resto son bonitas canciones con más o menos atractivo. Otra “a capella” aparece en “Southern Belle” con su melancólico final. “Los mejores soñadores del mundo” es una canción de agitar pañuelito y sí, que francamente me resulta tan linda como algo empalagosa o como una canción de cuna. El sr Wakeman parece estar jugando un rato. “La chica veraniega en New York” suena a una festiva canción USA con inevitables perfumes de costa oeste añadidos con guitarras en esa onda y una coda de cabaret. “Heartland” nos devuelve al mellotrón y al moog al unísono en una casi pegadiza canción tan bien hecha como predecible hacia los terrenos del neo-prog británico, pero que tiene no obstante un efectivo desarrollo instrumental casi a la IQ. Un álbum entretenido y muy bien producido, aunque a mi juicio, no al mismo nivel que el anterior.
Alberto Torró






Temas
1. 00:00 - Lover's End Pt. 1
2. 06:42 - A Kid Called Panic
3. 20:39 - Southern Belle
4. 24:25 - The World's Best Dreamers
5. 30:12 - New York City Summergirl
6. 34:20 - Heartland
7. 40:06 - Crossed The Rubicon
8. 49:51 - Lover's End Pt. 2




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DESPERTAR ANTOLES - Alimañas (2014 / DA)

No conviene descuidar la actualidad de según qué sitios, por su continua y fecunda cosecha musical. Italia estresa, hasta en la actualidad, por ejemplo. Lo mismo me ha pasado con mi querida Argentina. Pasa que su (en apariencia), "escena indie", tira la cabra al monte y se nos retuerce en psicodelismos porteños de herencia inequívocamente rioplatense. Palabras mayores, me digo. Y de repente, en un abúlico domingo de plena canícula,  donde el único incentivo es el vacío,  me restriego los ojos y oídos ante la avalancha de excelente material que me viene de "asha"......Sig Ragga, Huevo, Bandidos Chinos, Las Luces Primeras, Pomelo Rosado, 1915, Roman,  Conociendo Rusia......obligo a mi persona prometer hablar de algunos de éstos temibles pibes. Y elijo primero a Despertar Antoles,  porque el primero fue que descubrí. 


Banda formada en Buenos Aires un 2009 que también para mi fue feliz. Ellos : Matías Olivera Avellaneda (voz y guitarra), Marco Fasano (guitarras), Joaquín Miguens (bajo, piano), Tomás Manuel Villarrazo (teclados) y Julián Ropero (batería). Su debut, "Alimañas", ya salió en 2014, sin que tenga más noticias al respecto. Salvo ese himno al pacifismo, o una forma de decirnos "todavía estamos aquí ", que fue el tema (zo) "Canción del Trovador" (2016). Mute Magazine los nombró entre las 50 mejores bandas nuevas argentinas en 2016.....50. No diré más.  Un año antes habían participado en el Lollapalooza argentino.

Definen así su música : "Evitando cualquier tipo de etiqueta, generan una sensación onírica que en algún momento u otro llega por nuestro sistema nervioso y nos hace viajar inmóviles. Su música no cuenta experiencias, su música es una experiencia".
Aún con todo, se autodenominan "neosoul" (para evitar ser denominados).....Pero acto seguido se desenmascaran con un ....."Despertar Antoles se nutre del verdadero amor por el sonido y la experimentación ". Ya me cuadra todo más. Y echando un vistazo a su inquietante,  enigmática y maravillosa carpeta, uno sabe que el mundo de incontables planos astrales es su hogar querido.


A los 13 segundos exactos de "Lobizon" (6'28) te reencuentras con el bromista espectro del flaco Spinetta, santo patrón del buen gusto porteño, y ya no nos deja en todo el tiempo. Qué lujo. Sin mediums ni ouijas terrenales. Letras y notas juegan a dioses creando universos de oniria permanente, con el fino y delicado tacto del tocado divino.

Buceen en su "landscape" interior, porque es clase fuera de lo normal. Efectivamente,  "Distinto" (4'31). Un tema para conservar tu atención en "on" eterno, tanto por su arropo poético,  como por su imprevisible vaivén instrumental. Trip Hop? Post Rock?.... O simplemente rock progresivo ORIGINAL, sin parecidos razonables e irracionales? Sibilinamente sí,  el triste canto de una sirena en forma de trompeta be bop a la Chet Baker, nos atrae a "Otro Lugar" (2'50). Y casi nos parece una jam entre Chuck Mangione y Santana, en una abstracta y erótica fusión. 

"En el Fondo de un Tintero" (4'59) ejerce art rock vocal con sabiduría suiza, y el mecanismo relojero instrumental clava cada sonido en tu alma. Y Pedro Aznar henchido de orgullo. "Que bien me comen los polluelos",  debe estar pensando. "Fieras del Fondo" (5'04) es otra virtud ineludible en la amplitud psicomagica de ésta banda. Cambia de ambientes sin que se den de tortas, con la naturalidad del agua por manantial. Y todo suena mágico,  místico,  consecuente y sí,  además,  ROCK. Pero de otro modo. 


Pasajes casi floydianos entran en el puzzle sonico como piezas fabricadas expresamente para su perfecto encaje, en "El Hombre sin Sombra" (3'41). Abstracción hecha belleza que invoca a demonios como Fripp, Eno  o Cluster, sin que te enteres. Porque ellos son sus propios demonios. Y un imparable tren nos adentra en "Prisa" (4'26) con antigravitatoria pereza, en clave de blues pesado y lisergico. Con guitarra y Hammond arrasando neuronas paranoicas de urbanita desquiciado y desesperado. 

"Buey" (4'36) marca el final de trayecto en éste viaje interior a universos en constante expansión creativa. Blues psicodélico extraterrestre que sería la envidia de cualquier invasión alienígena despistada,  (mira que querer invadirnos......). Porque estoy implacablemente seguro de que no existe raza ahí fuera que sepa irse a pasear el coco mejor y con más elegancia que Despertar Antoles. Ellos los despertaron bien......joder, qué buenos!!!!
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Lobizón 00:00
2. Distinto 06:28
3. Otro lugar 10:59
4. En el fondo de un tintero 13:50
5. Fieras del fondo 18:51
6. El hombre sin sombra 23:51
7. Prisa 27:36
8. Buey 32:01






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Lobby Loyde – Plays with George Guitar 1971

Sin ninguna duda se puede considerar a Lobby Loyde como uno de los guitarristas pionero del rock  australiano. Su paso por numerosos grupos (Devil's Disciples, The Stilettos,The Impacts,  Purple Hearts, Wild Chemes, Billy Thorpe & the Aztecs, Colored Balls, Rose Tatto, Southern Electric, Dirt ) marcó un antes y un después. Hace algún tiempo comentamos "Summer Jam" de los Colored Balls.


Lobby Loyde (John Baslington) nace en 1941 en Longreach, Australia. De familia de músicos, Lobby aprende a tocar el piano, violín y guitarra. Con 18 años se une a Devil's Disciples y en el 63 entra a formar parte de The Stilettos y un año después es el guitarrista solista en The Impacts y actúan como teloneros de The Rolling Stones en su gira australiana de 1965. Por problemas legales cambian el nombre a The Purple Hearts y graban varios singles y un EP, "The Sound of the Purple Hearts", separandose en 1967. Ese mismo año entra en  Wild Cherries moviéndose por los terrenos de la psicodelia  y al año siguiente se une a  Billy Thorpe & the Aztecs y a pesar de su corta estancia en la banda ( 14 meses) cambia por completo el sonido del grupo. En 1971 llega su primer disco en solitario "Plays with George Guitar" y en el 72 forma Colored Balls editando su actuación en el Sunbury Pop como "Summer Jam". Telonean a Marc Bolan por Australia y publican  "Ball Power" (1973) y "Heavy Metal Kid" (1974). La banda se disuelve a finales del 74. Loyde forma Souther Electric con excompañeros de bandas anteriores y se embarcan en la banda sonora de una obra concepto de una novela (Beyond Morgia: The Labyrinths of Klimster) que había escrito el propio Loyde.  Semejante proyecto es rechazado por la discográfica y vería la luz muchos años después (2007). Diversos viajes  a Reino Unido donde produce a grupos de new wave y vuelta a su querida Australia para  unirse en 1979 a Rose Tatto tocando el bajo y graba el single ""Legalize Realize"  realizando giras por Estados Unidos y Europa. En Septiembre de 1980 abandona la banda dedicándose a partir de ese momento a labores de producción. En esas labores colabora con más de una treintena de bandas hasta su muerte en 2007.



Plays with George Guitar es el primer disco en solitario del guitarrista australiano Lobby Loyde. La banda la completan Teddy Toi (bajo) y Johnny Dick ( batería). Su música nos lleva por los caminos de la psicodelia con abundantes riffs y con algunos tintes bluseros y por supuesto experimentación sonora. El disco se abre con "Everybody Come Together" toda una declaración de intenciones. Acompañamiento de guitarra "wah wah" mientras van surgiendo los riffs. A partir del minuto tres apoteosis "guitar hero". " Feels Good" es un blues lento donde la guitarra y los solos de Loyde brillan con luz propia. "George" es psicodelia pura con toques "hendrixianos". "Dream"  nos puede sonar incluso a Roy Orbison. "What I Want" un rock'n'roll  en toda regla. "Evolution " el ambiente "Hendrix" se vuelve a respirar en este tema cargado de guitarra "fuzz". El disco se cierra con "Herreni" poco más de un minuto de desfase.
J.C. Miñana



Temas
01. Everybody Come Together - 0:00
02. Feels Good - 5:11
03. George - 13:13
04. Dream - 20:19
05. What I Want - 28:44
06. Evolution - 32:33
07. Herreni - 39:34

Bonus:

08. I Am The Sea (Stop Killing Me) (single A-side, 1971) - 40:43

09. Daily Planet (single B-side, 1971) (Johnny Dick, Teddy Toi, Lobby Loyde) - 44:12



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STEPHAN WHITLAN - Map of Reference (1996 / FAIRY NUFF)

Ahora es todo un señor de la electrónica,  pero cuando lo entrevisté para Atropos en 1996 a raíz de su debut, lucia como un joven londinense estudiante de arquitectura,  que andaba loco por coleccionar hardware de síntesis.  La colección que ya desplegaba en éste primer álbum era para asustar a cualquier bolsillo. "O me monto un museo del sintetizador, o saco un disco. Así que opté por esto último". 

Enumerar todo el equipo que gasta el chatico sería hasta aburrido, y con éste calor, como que no me apetece. Resumiré diciendo que el Sr. Moog, el Sr. ARP Odyssey y el Sr. Prophet 5 son los "Reservoir Dogs" en éste emocionante homenaje al sonido berlinés. Whitlan tardó lo suyo en estrenarse con disco, pero ya en 1985 apareció en vivo en UK Electrónica  junto a la llamada "Sheffield Mafia" (ciudad donde entonces residía), junto a Shaun D'Lear o John Dyson. En 1997 edita su segundo, "Inertial Moments". Y hasta doce años después no aparecerá  su seguimiento,  "Triangulation" (2009). Eso sí,  hubo colaboraciones como K2 Project en 1998 (con Keith Corbett) o Narcosis en 2007 (con Steven Jenkins). También con Graham Getty registra dos álbumes entre 2014 y 2016. Siendo "Travelling Light" (2010) lo último editado a su nombre. Con Ron Boots,  lanzó el año pasado "Seven  Days".


"Map of  Reference" le llevó sus diez años de construcción,  pasito a pasito y sin prisas. Dando como fruto un extraordinario debut. No extraña que la crítica dijera de él  que "probablemente,  es el más fino álbum de EM nunca producido por un artista británico". Pueden parecer gruesas palabras, pero si nos adentramos en los 20 mts de la inicial "The Second Band Swept Away the Time that Could Never be Recovered", comprobaremos que el amigo Whitlan,  ya era cosa sería. La madeja electrónica es sólidamente progresiva, de inusual melodía siempre acertada, con sinfonismos inesperados y puntillosa ejecución en cada detalle que ofrece. No es de los que gusta repetirse. Cada segundo cuenta, como reza el título,  y el desarrollo resulta actual, pero firmemente clásico. El icónico Tangerine Dream trío,  pero con las mejoras melódicas de los 80. Un Jean-Michel Jarre sin ánimos lucrativos, o un Schulze no tan cerrado en sí mismo. Su arma secreta y que lo define con respecto a muchos sintetistas, es su facilidad para "solear" casi en un entorno rockero. Dícese de un teclista con amplia técnica  (comenzó muy joven al piano), metido a sintetista.  Lo cual le da el plus completo para hablar de un extraordinario músico. Sus solos de mini Moog se acercan a un Rick Wakeman o Manfred Mann, dentro de una total ambientación berlinesa.


 En "Darker It Gets (The Faster we drive)" (5'11), la influencia es de un absoluto Vangelis (etapa RCA), con su misma misteriosa mística. Supongo que "Freak of Geometry" (10'05) se refiere a su época de aspirante a arquitecto, que abandonó tras la crisis del ladrillo, para beneficio nuestro. De fuertes pilares secuenciales y resolutiva melodía andalusí, muy inspirada, algo así como un dúo entre Peter Baumann y Tim Blake, si es que eso es posible. "The Last Place God Made" (10'47) es majestuosa música muy compuesta y estudiada, más cercana a lo que hizo posteriormente Rod Argent al disgregar su grupo, con predominio de piano.

"Idleness in Monkeys" (10'11) posee las cadencias de "suma y sigue" que suele incorporar con efectos y sonidos el primer Jarre. Finalizando con " Into the Greenwood" (9'50) en comparativa melódica similar a los TD con Johannes Schmoelling. Aún encontramos una "hidden track" oculta, (muy de aquellos días), con el "It's Not Unusual" de Tom Jones,  en instrumental onda exótica - space age - easy listening 50s, para que no se diga que el Whitlan no le echa humor a la cosa.


Realmente,  "Map of Reference" inició una carrera con altibajos y silencios prolongados, pero hablamos de una pequeña obra maestra. A la cual pediría una obligada escucha. Un disco al que le tengo un cariño especial.
J.J. IGLESIAS










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GEORGIA SATELLITES - Live at the Ritz 1987

Nos adentramos en los años ochenta de la mano de los Georgia Satellite que nos cautivo  con temas como " Keep Your Hands to Yourself ". Un grupo que sin duda mereció una mayor repercusión.

La banda se forma en Atlanta, Georgia, en 1980 de la mano del guitarrista Dan Baird que junto a Rick Richards (guitarra),  Keith Christopher (bajo) y  David Michaelson (batería) se reúnen bajo el nombre de Keith and the Satellites. Con cambios en su formación, nuevo bajista, Dave Hewitt (Babe Ruth), y batería, Randy Delay, graban una maqueta con seis temas bajo el nombre de Georgia Satellites. A pesar de la ayuda en la producción de Jeff Glixman ( Paul Stanley , Kansas , Gary Moore , Yngwie Malmsteen, Black Sabbath, etc) no consiguen contrato discográfico y optan por disolverse. Su manager no se rinde y consigue editar la maqueta en un pequeño sello de Yorkshire. La prensa y la radio se hacen eco y se ven obligados a volver firmando en 1986 por Elektra Records. Su debut llega ese año con "Georgia Satellites" obteniendo un notable éxito con " Keep Your Hands to Yourself", emitida numerosas veces en la MTV cuando aún merecía la pena. En el 88 graban la versión " Hippy Hippy Shake " (The Swinging Blue Jeans) para la película "Cocktail" y editan su segundo disco, "Open All Night" incluyendo un tema de Ringo Star, "" Do not Pass Me By ". Su tercer álbum, "In the Land of Salvation and Sin", llega al año siguiente obteniendo escasa repercusión comercial y ocasionando la salida de Dan Baird en 1990 para iniciar su carrera en solitario. En el 93 vuelven a realizar actuaciones y en el 97 se edita "Shaken Not Stirred" con regrabaciones de material anterior y ocho nuevos temas.


Estamos ante la grabación del concierto de Georgia Satellites en el Ritz (Club) de New York el 22 de Febrero de 1987. El evento fue retransmitido por la radio local WNEW. La música de Georgia Satellites es como si metes en una coctelera a Blackfoot yStatus Quo. Buen rock'n'roll con ambiente sureño. El "Setlist" está compuesto por temas de su primer EP (Keep The Faith) y de sus dos primeros discos (Georgia Satellites y Open All Night). Los temas van llegando a nuestro cerebro como si fuesen lanzados por una ametralladora, no hay tregua ni descanso, todo es buen rock. Otra referencia la podemos encontrar en la versión del tema "No Money Down" (Chuck Berry) con claros sonidos a lo George Thorogood. Excelente sonido.
J.C.Miñana



Disc One
1. I Washed My Hands In Muddy Water
2. The Myth Of Love
3. School Days
4. Battleship Chains
5. Rocket in My Pocket
6. No Money Down
7. Over And Over
8. Long Black veil
9. Red Light
10. Something Else
11. Don't Pass Me By
12. Nights Of Mystery - I'm Waiting For My Man
13. The Race Is On
14. Dunk N' Dine

Disc Two
1. Band Intros - Not Fade Away
2. Just Like tom Thumb's Blues
3. Crazy
4. Amazing Grace - Can't Stand The Pain
5. Keep your Hands To Yourself
6. Railroad Steel
7. Every Picture Tells A Story - Gasoline Alley
8. Shake, Rattle & Roll



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EL TUBO ELÁSTICO - Impala (Entrevista-análisis) (Rockliquias Bandas)

Nuestros  amigos de El Tubo Elástico están de estreno, el pasado Julio editaron su segundo disco, "Impala". En su día ya comentamos su primer trabajo, "El Tubo Elástico". Por ello nos hemos puesto en contacto con el grupo para analizar conjuntamente su nueva producción.


 Rockliquias - La primera pregunta es un clásico en las entrevistas de Rockliquias. ¿A qué hace referencia vuestro nombre, "El Tubo Elástico?

¡Jajaja! Pues eran los comienzos del grupo y , una noche de fiesta, viendo un concierto, a alguno de nuestros amigos que se le ocurrió decir que aquello sonaba como “un tubo elástico” (???) Luego pensamos que eso de “el tubo elástico” era un buen nombre para el grupo y hasta hoy. :)

Rockliquias - En Rockliquias ya analizamos vuestro primer larga duración publicado en 2015. Supongo que habéis recorrido un largo camino para llegar a vuestra nueva producción, "Impala". Nos podéis relatar como ha sido ese camino (conciertos, festivales, dificultades, etc)

Pues lo cierto es que el tiempo transcurrido entre nuestro primer disco hasta llegar a IMPALA nos ha traído cosas muy buenas que nunca hubiéramos imaginado. 

Grabar un disco auto producido sin muchas pretensiones  a priori y que funcione tan bien es un gustazo, la verdad. Nos quedarán unas 10 o 12  copias del primer disco y hemos enviado vinilos por todo el mundo. Así que Genial!! 

En cuanto al directo, pues hemos tocado junto a bandas que admiramos desde niños (Screaming Headless Torsos, Ozric Tentacles, Uriah Heep,…) y hemos tocado en festivales  muy importantes  como Sonicarte (Teruel),  Totúm Revolútum (Barcelona)  ó  2days prog + 1 festival (Italia). Ademas hemos hecho amigos geniales y conocidos a músicos increíbles por el camino.


Con respecto a las dificultades, os podéis imaginar que llevar un grupo de este tipo para delante hoy día, es algo bastante complicado. Ninguno vivimos de esto. Tenemos nuestros trabajos, familias y problemas e intentamos sacar tiempo, esfuerzo y dinero, para hacer lo que más nos gusta. Si además, recuperamos algo de  los costes de “fabricar” discos o nos llaman para tocar en sitios chulos (y  hasta nos pagan) pues más que contentos. 

Rockliquias  - "Impala" llega en Julio de 2018, ¿Nos podéis contar los detalles de la grabación?

En estos años hemos ido invirtiendo en material y hemos montado nuestro propio estudio de grabación en la sala de ensayo que tenemos en musicaworkshop de Jerez. Por diversos motivos, para nosotros sería bastante complicado eso de ir a un estudio y grabar y mezclar en una semana… Así es que Alfonso se encarga de tirar cables, poner micros y de darle a REC a Protools. Nos ponemos a ello con tiempo por delante y partimos de material pre-maquetado en el local. Durante el proceso de grabación los temas se terminan de producir y se arreglan hasta llegar a lo que escucháis en los discos.
Podéis ver  un video extenso que recoge el making of de la grabación en nuestro canal de Youtube.



Rockliquias -¿Cómo ha evolucionado la banda desde vuestro último trabajo?

Bueno, los que han escuchado IMPALA dicen que es un trabajo mucho mas elaborado, mejor arreglado. más maduro. Estamos de acuerdo. En cierta medida, hemos intentado acercar el sonido de IMPALA algo más al directo del primer disco. 

Rockliquias - El disco se inicia con "Ingrávido" un tema donde los entramados ritmos de guitarra van evolucionando poco a poco hasta llegar al éxtasis final. Ambientes sonoros por los que os sentís muy a gusto. Podéis comentarnos algo sobre esta composición.

Es un tema que está basado en una melodía principal que aparece recurrentemente a lo largo del desarrollo del mismo. Todo lo demás “va jugando” alrededor de este motivo y, ciertamente, el climax va in in crescendo hasta el final.  Lo curioso es que está melodía “principal” a veces aparece de forma más clara y otras veces hay que rebuscarla en el entramado de capas sonoras que conforman el tema, pero esto es rock elástico! :) 

Rockliquias - "Antihéroe" es el segundo corte de la grabación, vuelve la tela de araña guitarrera a atraparnos. ¿De qué forma están presentes vuestras influencias en vuestra música?

Pues en esa telaraña de la que habláis es posible  encontrar a Hendrix, Björk, Yes, Imán Califato Independiente, Nitin Sawhney, Ozric Tentacles, Zappa, Pink Floyd, The Mars Volta, Camel, Led Zeppelin, Genesis, Porcupine Tree, Muse, … el tubo elástico es una coctelera en la cabe todo lo que hemos escuchado desde niños cada uno de nosotros más lo que vamos escuchando, pero sin un intento consciente de imitar nada de lo que hay dentro de dicha coctelera y sin ningún tipo de prejuicio estilístico.

(Foto: David Cabrera)

Rokliquias - En "Turritopsis nutricula" participa el  stickista Guillermo Cides un músico que es un engranaje prefecto en vuestra maquinaria sonora. ¿Cómo surgió esta colaboración ? Por cierto ¿ a qué se debe el curioso título del tema?

Alfonso ,nuestro bajista, lleva algunos meses estudiando Stick y tomando clases con Guillermo por Skype. Le propuso colaborar en algún tema y aceptó encantado. Ha sido un verdadero honor poder contar con el.  Además de un extraordinario músico, es un tipo sencillo y encantador. Un tío muy GRANDE!  ( http://guillermocides.com/)

La Turritopsis nutricula es un tipo de medusa que tiene la particularidad de tener un ciclo de vida en el que se revierte a pólipo después de llegar a su maduración sexual. Teóricamente, este ciclo puede repetirse indefinidamente, presentándose como biológicamente inmortal.

Rockliquias - Nuevamente un título más que original, " El acelerador de picotas", el tema más largo de  la grabación ¿De qué forma os han podido influir guitarristas como Robert Fripp o Adrian Belew?

King Crimson ,en todas sus formaciones y etapas,  es un referente fundamental para todos nosotros, algo habrá en esa coctelera de la que hablábamos arriba :)

Rockliquias - En " La avispoteca" contáis con las percusiones de Ant Romero, nuevamente una colaboración que encaja perfectamente. ¿Nos podéis contar algo sobre esta colaboración?. Ciertos aires space-flamencos también están presentes.

Ant es amigo de la infancia. Ha tocado la batería y grabado percusiones por medio mundo en grupos muy importantes como “el hombre burbuja” , “Benjamin Escoriza” (Radio Tarifa), “El Barrio”… Es un super músico , especializado en percusiones étnicas , capaz de encajar de forma casi mágica en cualquier estilo que se proponga. Es increíble la sensibilidad y técnica que tiene en esas manos.  Os recomendamos que veáis algún video suyo (más bien todos) en su web http://antromero.com/


En cuanto a “la avispoteca” es un tema de una época anterior del grupo que hemos retomado dándole una vuelta de tuerca…Los amantes de las etiquetas dirían que es “post-rock andaluz” , si :) 

Rockliquias - El disco se cierra con "Impala formidable", ¿Qué aspectos nos podéis comentar sobre esta composición?

Impala formidable es un tema con un marcado carácter  cinemático. Musicalmente a nosotros nos suele interesar crear una imagen o atmósfera musical. Un pasaje ambiental sonoro en el que poder sumergirse y descubrir matices y “colores” que a lo mejor no son perceptibles en una primera escucha. Era una buena manera de finalizar el disco, también.

Rockliquias -  La portada es preciosa nos podéis dar detalles de la misma.

Nuestra música es una amalgama de sensaciones, matices, ritmos, capas,… La mejor manera de definir esto gráficamente es un collage y tenemos un amigo que es el número uno haciéndolos. En la portada hay alusión a cada tema del disco, quizás hay que buscar un poco para descubrirlo todo, igual que en nuestra música. :) En la carpeta del Vinilo se verá muy bien todo ;)

Rockliquias - ¿Cómo van los conciertos de presentación?

De cara al próximo otoño estaremos ultimando el directo para empezar a llevar nuestro IMPALA por el mundo.

Rockliquias -¿Qué opináis del panorama musical en vuestra zona? ¿Surgen bandas nuevas? 

Hay mucho bueno por aquí abajo (The Electric Alley, The Shooter, Atavismo, Glazz, Malabriega, Sherish, Mystic Queen, Lemniscata, Bourbon,…) y mucha gente joven que viene haciéndolo genial!

Rockliquias - ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se descargasen el CD y fueran a vuestros conciertos?

Creemos que hacemos un estilo original con una base solida de Rock Progresivo pero en el que caben otras muchas cosas. Música instrumental para los sentidos… Y somos buena gente aunque no cantemos :)

Si os gusta nuestra música podéis seguirnos en todas las plataformas digitales y escucharnos en streaming de forma gratuita. También podéis comprar nuestros discos en CD o en Vinilo+CD y venir a nuestros conciertos. Si os gusta más otro grupo, haced lo mismo con ellos.
Muchas Gracias amigos de Rockliquias!!



Contacto
P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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IL VOLO (1974-1975)

Este fugaz grupo duraron el trascurso aproximado de un año y estaba compuesto por miembros de otras bandas de cierto renombre dentro del círculo progresivo que por esos años invadían Italia como “Formula Tre” “Osage Tribe” o “Flora Fauna Cemento” entre otros. Un nombre bastante conocido en ese ámbito sería Alberto Radius, guitarrista y cantante que a su vez siguió su carrera como músico de sesión y formó parte de los albores de la Premiata cuando éstos se llamaban “Quelli”.


 Il Volo lo formaron seis experimentados músicos con una nutrida despensa de instrumentos que incluía dos teclistas con el habitual arsenal de la época: órgano, fender rhodes, moog, piano etc. Dos guitarristas alternando eléctricas y acústicas, sitar y mandolina y voces principales más el consabido dúo bajo-batería. Grabaron dos discos estupendos: “Il Volo” (1974) y “Essere o non Essere” (1975). A pesar de que su estilo tenía muchos paralelismos con PFM, Le Orme o Banco, solo se quedaron como banda para coleccionistas futuros del RPI, algo que se repite en la mayoría de los casos que tratamos. Como es costumbre de la época los vinilos italianos son muy cortos en duración. Generalmente en torno a los 10 mtos menos que en el resto de las grabaciones de la época. Si en el resto de Europa los vinilos duraban entre 40 y 45 mtos, en Italia siempre poco más de 30. No sé el motivo francamente. Vuelvo a hablar de Todd Rundgren (caso único) en ese mismo año logró meter una pieza como The Ikon en una sola cara del primer de LP Utopia con casi 31 mtos de duración. Nos sorprendió a todos lo “apretado” del surco y supongo, lógicamente que en los USA la tecnología estaba más avanzada. Hablo de Italia, pero en España sucedía algo parecido. Quince minutillos por cara y poco más. Si lo grabado merece la pena no hay mayor problema y aunque sea una perogrullada y un tópico lo que digo, es preferible poco y bueno que mucho y malo como todos sabéis. 


“Il Volo” de 1974 lo componen ocho temas cortitos pero muy agradables de escuchar. A diferencia de otras bandas más sinfónicas como sus colegas de la PFM y cía, estos músicos se orientaban algo más a la fusión cosa que queda patente en el empleo del piano Fender, que a veces casi se aproxima a un elegante jazz-funk, pero en el envoltorio hay más por el empleo de las guitarras acústicas y los sofisticados arreglos de teclados en la orquestación. Basta escuchar el segundo track “La mia revolucione” para comprobarlo. Las melodías son atractivas y aun siendo un grupo con un potencial más instrumental que vocal, las voces son realmente agradables y la tónica general de su música es más bien relajada. El adecuado y fino empleo de los strings ensemble y la poderosa guitarra solista de Radius le dan ese toque “rock sinfónico” a veces algo pop que faltaba. En general es un trabajo fácil de escuchar. No hay “retorcimientos” sonoros ni raros experimentalismos y casi todas las piezas van por el lado melódico y agradable, elegantemente interpretado.



 “Essere o non Essere” de 1975 dura tan solo 30 mtos. Un EP hoy día y algo más original y elaborado que el anterior. Siete cortes y la tendencia fusión-funk es realmente más marcada que en el anterior disco, pero las partes acústicas siguen fascinando por su finura y el aspecto melódico sigue en la misma línea. La actividad rítmica también es mayor y más pulsante. Con algún toque de sabor a orientalismos. Gana en fuerza respecto al anterior y musicalmente emplean más recursos: hay más sintetizador y sonidos de teclados más activos y briosos. La pena es la brevedad de la propuesta y la falta de desarrollo instrumental que muchas veces lo pide a gritos. Las ideas están demasiado concentradas y algo más de tiempo en las piezas le habrían dado más respiro y un mayor interés. Es una pena porque las composiciones son muy majas pero cortan el camino demasiado pronto. “Alcune Scene” con seis mtos es la pieza más larga en la breve historia de esta banda, la estructura es algo Camel primigenio o a mí me suenan ligeramente por el balanceo rítmico del bajo-batería y el órgano-piano eléctrico van en esa onda que supongo es una simple coincidencia para la época. La tónica general como digo va un poco por los derroteros del jazz-rock y bastante más marcado que en el anterior disco. Aquí se quedó la película de Il Volo como tantos otros de la escena del RPI. Poco pero bueno. Algo es algo.
Alberto Torró


Temas

Come Una Zanzara 4:56
La Mia Rivoluzione 3:05
Il Calore Umano 4:30
Il Canto Della Preistoria (Molecole) 4:15
I Primi Respiri 3:43
La Canzone Del Nostro Tempo 4:07
Sonno 3:58
Sinfonia Delle Scarpe Da Tennis 2:49



Temas
Gente In Amore 
Media Oriente 249000 Tutto Compreso 
Canto Di Lavoro 
Essere 
Alcune Scene 
Svegliandomi Con Te Alle Sei Del Mattino 
Canti E Suoni




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MOON SAFARI - Blomljud (2009) (Doble CD)

Si en un segundo trabajo se atreven ya con 100 mtos de música es que estos tíos van muy sobrados de ideas. En esta animalada de disco vamos a encontrarnos con un equipo de personas que llegan a la decena entre músicos y colaboradores. Y con una paleta instrumental de ensueño: Guitarras eléctricas y guitarras acústicas de seis y doce cuerdas (de nylon y acero). steel guitar, mandolinas, chelo, violín, fiddle. Piano, hammond organ, moog, mellotrón, acordeón. Bajo, batería y percusiones, efectos electrónicos y acústicos. Coros, voces solistas y arreglos de coros. Podéis ver que todo es analógico, que el sonido es completamente natural. A día de hoy un grupo así, sin trampa ni cartón, es un verdadero privilegio. Si a ello añadimos el cuidado y mimo que han empleado en la grabación y el buen hacer tan profesional como excelso y la calidad de cada composición que incluso se supera a lo largo de la escucha, poco más tendría que decir. 


Si un crítico musical se carga este trabajo a nivel técnico es sencillamente tonto, sordo o malicioso. No hablo de gustos porque esa es otra historia. Ese es otro mundo respetable y es muy probable que este plato no sea de todos los gustos. Eso es completamente normal. Pero nadie que tenga un mínimo de formación y conocimientos en el mundo de la música puede objetar nada a este trabajo sencillamente de matrícula de honor salvo que sea alérgico a la pastelería musical en cuyo caso debe ser comedido.

 En el primer CD una breve apertura a capella sirve de introducción: “Constant Bloom” donde muestran la intachable calidad de sus voces y te preparan para la avalancha sinfónica que se avecina. Con “Los Niños de Matusalen” nos vamos a los 15 mtos llenos de delicias setenteras melódicas donde el piano y las acústicas nos llevan donde quieren mientras el moog abre el telón para mostrar un paisaje inicial lleno de bellezas sonoras y caminos que apetecen recorrer llenos de gráciles seres de una amabilidad exquisita. Cuando la canción muestra el camino definitivo y las voces y el órgano genesiano abren una paleta de colores, ya estamos enganchados sin remedio en una música que solo puede ser maravillosa. La estructura es de un refinamiento absoluto y los recursos vocales empleados son de una complejidad que sorprendentemente suena tan directa y tan fácil … ufff y esto solo los muy buenos lo consiguen. La pieza es una composición perfectamente ensamblada. No hay pegotes sin sentido, típicos del neo-prog y todo fluye de forma natural. El órgano, el moog (tremendo) y las guitarras acústicas están tan bien metidos qué a uno como músico, le entra una sana envidia. Al final una masa coral y un solo de solista a la hackett te dejan sin palabras. ¡Wow! como diríais los anglosajones. 

“In the Countryside” me hace recordar al mejor folk rock posible y no puedes evitar cantar con ellos mientras cristalinos acordes de guitarra acústica evocan al bueno de Anthony Phillips o al cachondo Rick Wakeman en plan lírico juguetón. No sé si existe el concepto de música “de color blanco radiante con exquisito perfume” pero así me suena. Un encanto. 

En el instrumental “Moonwalk” claro que damos paseos lunáticos en plena declaración de valores sinfo-prog que además se vanaglorian de serlo. Los cambios rítmicos a la Camel-Genesis así como sus destilaciones delicadas y melodías afines no nos molestan en absoluto verdad? ¡¡¡Que van a molestar por dios!!! Si es lo que nos pide el cuerpo con esos dibujos sinfónicos con los que crecimos y con los que muchas veces lloramos. Tu mente ya lo está tatareando y una alegría natural crece en tu interior casi de forma espontánea. 

“Bluebells” tiene ingredientes muy próximos a los tiempos de la florida California. Aunque suena tan country rock americano como folk rock europeo, pero todo llevado a la elegancia que se precisa de ellos. Diez minutos de pura magia vocal e instrumental que levantan a la persona más deprimida y al tío más agrio que te encuentres (es broma, estos no tienen solución jejeje). 

Termina este primer CD con “The Ghost Of Flowers Past” y aquí el moog vuelve a hacer de las suyas. El perfume destila fragmentos de guitarra clásica y mellotrón con una melodía algo más triste y evocadora que añora tiempos de mayor nostalgia. Todo es claramente sinfónico, pero ahora con ribetes más mustios que nos llevarán a una guitarra más Andy Latimer.


El segundo CD en sus primeros minutos se abre como si los Byrds o los primeros Yes se hubiesen juntado. Pronto la riqueza de maravillosas melodías instrumentales se apoderan por completo para que las voces se lancen de nuevo a la aventura y vuelvas a tatarear irremisiblemente. Un fantástico cambio de ritmo acelera la pieza y aquí se lucen órgano y guitarra solista en todo su esplendor. Tremendo pasaje lleno de cambios excitantes y ligero acercamiento al jazz elegante en las intervenciones del piano. Pero el sinfonismo dice quién manda aquí y la guitarra estalla como una rosa reventona de mayo. 

Se me hacen cortos los ocho mtos de esta pieza llamada “Yasgur´s Farm”. De deliciosa podría llamarse la giga céltica de “Lady Of Woodland” con su toque tradicional británico. La tiernísima “A Tale of Three and Tree” es una delicada canción suspendida entre las nubes con cierto sabor demodé a otras épocas. 

La inmensa “Other Half Of The Sky” se va a dividir en cuatro secciones con una duración de 31 mtos. Todo lo Mejor de Moon Safari está aquí: rock sinfónico llevado al delirio en una super suite que casi es una sinfonía con todos los ingredientes que vas a necesitar. Sublimes melodías, pasajes líricos indescriptibles, instrumentaciones de alto nivel. El refinamiento del rock progresivo que ya no es una mera copia de aquello que te hizo “real man” como diría mi querido Todd Rundgren, que por cierto también de alguna forma su música tiene aquí un ligero guiño y de quien hablaremos en su momento. De momento déjate llevar por estos chicos suecos, porque vas a visitar toda esa música que tanto te gusta y siempre en el lado positivo y luminoso de la vida. ¡Todo analógico chaval! Nada de sintes mierdas, ni dobles bombos, ni voces del averno, ni bajos insoportables, ni plásticos-plastas sonoros, ni bronca monótona de los altos hornos del gremio. Es MUSICA hecha con todo el cariño y el amor del mundo, porque tú que has oído ya tanta música te lo mereces y que no te cuenten historias los críticos advenedizos de portales prog, ni hombres esquizofrénicos del siglo XXI. Estos chicos lo cogieron en el día en que la “música murió sola” y que tan ni siquiera le dieron cuidados paliativos y todo para que los sinfónicos sufriésemos su agonía. Le hicieron tanto daño y le hacen a la GRAN MÚSICA que preciso es salvarla y Moon Safari se han encargado con creces y con respeto de que ese patrimonio nunca lo perdamos. 

El arpegiado de “To sail beyond the sunset” te deja en ese paraíso de gloria y bendición. Yo no creo en ningún dios, ni en ningún paraíso, ni en el resto de estupideces humanas, pero estos tipos casi lo consiguen. Terminado el disco vuelves a despertar y a formar parte de esta infamia llamado mundo.
Alberto Torró




Temas
Constant Bloom - 0:00
Methuselah's Children - 1:27
In The Countryside - 17:09
Moonwalk - 22:52
Bluebells - 31:41
The Ghost Of Flowers Past - 41:53
Yasgur's Farm - 51:40
Lady Of The Woodlands - 59:46
A Tale Of Three And Tree - 1:03:23
Other Half Of The Sky - 1:06:51
To Sail Beyond The Sunset - 1:38:36






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