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ERDENKLANG - Computerakustische Klangsinfonie (1982 / ERDENKLANG)

Reflexiono sobre la historia y desarrollo de la tecnología teclistica a grandes rasgos, y me sorprendo de los extraños resultados. Da la impresión de que se haya recorrido una enorme distancia....En círculos. Nos quedamos prácticamente en el mismo sitio. Me explico. 


Si desde los años 30 (y más atrás! ), no se paró de estudiar el efecto eléctrico / electrónico como un instrumento más,  si en los 60 se dio el gran paso comercial, y si en los 70 explotó definitivamente, los logros obtenidos desde entonces parecen estancados. Antes de que salten los depredadores electro-nerds. ......ya sé que no. Desde los 70 ha habido tecnología novedosa y que hace más fácil la vida del sufrido teclista, a porrillo. Pero en ese paréntesis de los 80 hasta la actualidad, me atrevería a decir que ha habido más cagadas y palos de ciego que logros. Con el fin de incorporar los ordenadores al sistema de teclados, llegan trastos como el Fairlight y el Sinclavier. Claramente un "quiero y no puedo" porque la ciencia está gateando todavía  a ese respecto. De característico  (y odioso por saturación), sonido. Llega con ello el digital sound. Fino, enclenque, frío como el pie de la parienta en tu tripa, y tan débil como si tuviera el Dengue. Y en un alarde de impresionante clarividencia, la humanidad despierta de su modorra y descubre que.....anda! Resulta que lo analógico mola mucho más. Vale, los sintes de ahora (en realidad digitales pero de sonoridad viejuna ), son más accesibles, baratos, completos, seguros, fiables y ligeros. Pero son unos "repitemonas" de los originales armatostes  de los 70. Un caso similar al vinilo. Porque hace unos años ibas a comprar un sintetizador analógico y se te reían. Como cuando pedias "el último disco de", en vinilo. Ambos casos me han ocurrido. Quién se ríe ahora, pedazo de merluzos?!!! 

En ésa loca carrera por llegar al mismo inicio, traemos a Erdenklang. Dúo formado por los austríacos Hubert Bognermayr y Harald Zuschrader, ex teclistas de Eela Craig. El primero, junto al productor del grupo, Ulli Rutzel, ponen en marcha el sello también llamado Erdenklang. Que editará abundante material electrónico en los 80 de Johannes Schmoelling, Jade Warrior, Kristian Schultze o Klaus Prunster.

"Computerakustische Klangsinfonie" ("Sound of Earth - Computer Acoustic Sound Symphony"), fue el tercero de los discos del dúo tras dejar Eela Craig y crear sus propios estudios de grabación. Se trata de una sinfonía tocada enteramente con el nuevo y carísimo trasto de moda, el Fairlight CMI. Y estrenada la obra en el ARS Electrónica Festival 1982, usando cinco computadoras musicales en directo a tiempo real, junto a un ballet. Hay que decir que Hubert Bognermayr fue uno de los fundadores de los festivales ARS Electrónica en 1979. Y que llegó a trabajar estrechamente con Herbert Von Karajan, en la creación de efectos de sonido para alguna de sus óperas. También Mike Oldfield requirió en 1984 los servicios de Erdenklang , como programadores del Fairlight en su "Discovery" Tour.

El disco que hoy traemos supuso una pequeña revolución en los círculos electrónicos,  al estar hecho íntegramente por la bicha esa.
"Erdenleicht" (6'11) abre con sonoridades no alejadas de Jean-Michel Jarre (que seguro se apuntó al cacharro también). La elección de sonidos, así como su inteligente construcción,  la hacen una pieza muy válida. El sonido del disco es excelente, pues estamos ante uno de los primeros vinilos DMM (Direct Metal Mastering), que sobresalía la acústica electrónica.  "Erdentief" (11'18) se presta a la grandilocuencia sinfónica de unos The Enid en su primera etapa, (y hasta guardan similitudes físicas). Otra fantasía electrónica de acertados resultados. No olvidemos que estos dos sintetistas tienen un gusto exquisito, además de venir de una de las grandes bandas del rock sinfónico europeo. La influencia de Walter Carlos es evidente y convincente.


Para el lado B, "Erdung" (6'25) está justo en el límite fronterizo entre el kosmische reflexivo y el coñazo New Age que se avecina. Por fortuna no llega a lo segundo por la inteligencia y competencia del dúo. Nuevamente Jarre como guía descriptiva. "Eden" (6'41) es como una demostración comercial del aparato. Con sonidos a troche y moche, y no todos afortunados, pero es lo que tiene la innovación. Su naturaleza experimental es meritoria de todos modos, y deja un buen sabor en el enfermo cerebelo del oyente. A pesar de que sus ínfulas futuristas hoy produzcan una mueca de risa socarrona. Pero claro, todo es situarlo en el tiempo. "Irden" (4'36) es el último movimiento, con cercanías  TD y una sana vena a lo "Oxygene". "CK" fue un álbum lleno de buenas intenciones, aunque a veces no se consiguieran. Los tipos tenían buen gusto y eran unos profesionales del gremio. Wendy Carlos lo alabó como un hito en la "carrera armamentística" de síntesis. Tras este disco forman la Blue Chip Orchestra, editando unos cuantos más. Hubert Bognermayr murió de esclerosis múltiple en 1999. Harald  Zuschrader continúa en activo, su último trabajo es "Silent Motion" (2016).

Un buen disco este, en suma, que igual no, mejor, se podía haber hecho con los "gordos análogos sounds" de los Moogs de los 70. Pero así es la moda, y las tendencias del momento. Claramente era una tecnología caduca y hoy, obsoleta. Pero a veces para avanzar un paso,  hay que retroceder dos. Y en ello estaban Erdenklang.
J.J. IGLESIAS



Temas
01 Erdenleight 02 Erdentief 03 Erdung 04 Eden 05 Irden




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Steve Miller Blues Band - Carousel Ballroom Abril 1968

Seguramente cuando oímos el nombre de Steve Miller Band inmediatamente nos llegan a la memoria los sonidos de temas como "The Joker", Fly Like an Eagle" o "Abracadabra", pero a finales de los 60 los terrenos por los que se movía la banda eran bastante diferentes. Hoy lo comprobaremos en su concierto en el Carousel Ballroom de 1968.


Steve Miller (voz, guitarra) forma la banda en 1966 en San Francisco. Steve se había ganado cierta reputación como guitarrista y por ello consigue un gran contrato discográfico con la Capitol. El resto del grupo estaba formado  James Cooke (guitarra),  Lonnie Turner (bajo),  Tim Davis (batería) y Jim Peterman (teclados). A los pocos meses se incorpora  Boz Scaggs (guitarra). Se trasladan a Inglaterra para grabar su primer disco, " Children of the Future" (1968) teniendo como productor a Glyn Johns. En 1969 editan dos nuevas producciones, "Brave New World" con la colaboración de Paul McCartney y "Your Saving Grace". Un año más tarde llega "Number 5". El gran cambio se produce con "The Joker" (1973), la banda abandona la psicodelia y el blues. Obtiene un notable éxito con el single "The Joker". En 1973 se afianza en la cima con la publicación de "Fly Like an Eagle" y con temas como "Fly Like an Eagle" y "Rock'n Me". A partir de ese momento Steve Miller Band ya no abandonaría el Olimpo de las estrellas reforzando  su éxito con "Abracadabra".


Estamos ante la grabación del concierto de la Steve Miller Band en el Carousel Ballroom el 28 de Abril de 1968. La banda estaba integrada por Steve Miller (voz, guitarra), Boz Scaggs (voz, guitarra), Jim Peterman (teclados), Lonnie Turner (bajo) y Tim Davis (batería). En cuanto a las sonoridades son netamente bluseras al estilo de lo que hacían en sus primeros discos  Peter Green's Fleetwood Mac. Curiosa la metamorfosis que sufrieron estas dos bandas En cuanto al "setlist" un buen puñado de buenos blues entre los que podemos encontrar "Born in Chicago" ((The Paul Butterfield Blues Band), "Got Love If You Want It" (Slim Harpo), "(I'm Not Your) Steppin' Stone (Paul Revere And The Raiders) entre otros hasta un total de trece. El sonido es bastante aceptable. Bueno os toca decidir a vosotros que época de Steve Miller Band os gusta mas. Yo, lo tengo bastante claro.
J.C. Miñana



Temas
Temas
CD 1: 
1. I Got My Eyes On You 
2. Born In Chicago 
3. Highway Child 
4. Fannie Mae 
5. Got Love If You Want It 
6. Steppin' Stone 
7. Blues With A Feeling 
8. I Worry About My Baby Too Much 
9. Yonders Wall 
10. Mercury Blues 

CD 2:
1. Living In The USA
2. Blues For The Goldberg/Miller Blues Band a/k/a Song For Our Ancestors 
3. Key To The Highway



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On The Raw - Big City Awakes 2017 (Rockliquias Bandas)

On The Raw es una banda procedente de  Barcelona integrada por Alex Ojea (batería), Jordi Amela (teclados), Jordi Prats (guitarra), Pep Espasa (saxo, flauta) yToni Sánchez (bajo). En 2017 editaron su primer disco "Big City Awakes".  


Rockliquias se puso en contacto con  Jordi Prats para conocer algunos aspectos de su trabajo


Rockliquias.- ¿Qué significado tiene para vosotros el nombre de la banda, On The Raw?

Es una expresión inglesa no demasiado común, que podría traducirse más o menos como “en lo más íntimo”

Rockliquias.- El grupo lo componen miembros de Harvest, Apple Smell Colour y La Banda Puig. ¿Cómo surgió el proyecto?

Hacía algún tiempo que tres de los miembros de Harvest (Jordi Amela, Álex Ojea y Jordi Prats) teníamos la idea de llevar adelante un proyecto instrumental más orientado al jazz/fusión, sin dejar de lado nuestra influencia prog/rock. Teníamos claro que necesitábamos una “sección de vientos” y tuvimos la suerte de que a Pep Espasa (Apple Smell Colour) le encantó el proyecto. En este punto, ya tuvimos la sensación de que On the Raw iba a funcionar, pero cuando Tony Sánchez (La Banda Puig) se incorporó finalmente, la idea de “ya estamos todos” fue total! 


Rockliquias.- ¿Cuáles son vuestras influencias?

Hay mucho de todo, desde rock clásico, pop ’80, prog, fusión ’80 y ’90, electrónica, groove-jazz, folk … nos interesan sobre todo estilos que son mezcla de otros, los territorios fronterizos.

Rockliquias.- En Marzo de 2017 ve la luz vuestro primer disco, "Big City Awakes", autoproducido. ¿Como fue la experiencia?

La mayoría de los temas de Big City Awakes estaban más o menos adelantados cuando Pep y Tony se unieron al proyecto, por lo que … ¡sólo podían mejorar! Desde el minuto uno tuvimos muy buena armonía, y creo que eso se refleja en la atmósfera del álbum.

Rockliquias.-¿Cómo definiríais vuestra música?

Eso siempre es difícil para uno mismo, pero supongo que como jazz-rock con esencias de prog, de folk y de electrónica, por ejemplo…

Rockliquias.- Una de las características más notables de vuestros temas son los continuos cambios rítmicos.

Sí, es un recurso que utilizamos como parte del discurso musical, como también nos apoyamos en melodías que sean bien identificables … en general, y pese a los cambios, los solos, la ausencia de voz, etc, buscamos una cierta coherencia interna en los temas.

Rockliquias.- ¿Podríais destacar algún tema con el que estéis especialmente satisfechos?

Pues la verdad es que todos los temas nos identifican de un modo u otro con ese o esos momentos en que los trabajamos entre todos. Luego, es más bien el público quien se decanta más por unos o por otros, pero para nosotros no hay favoritos.

Rockliquias.-¿Cómo va la presentación del disco? ¿Contáis con una buena agenda de conciertos?

Hemos podido tocar en bastantes sitios desde que empezamos a presentarlo, por suerte, y de momento los directos han tenido muy buena acogida. Ahora tenemos también el reto de presentarlo fuera de nuestras fronteras, y nos hace mucha ilusión poder decir que tocaremos en un gran festival como es Crescendo en Francia este mes de Agosto.

Rockliquias.- ¿Cómo pensáis que está el ambiente musical en Barcelona?

Supongo que no hay una sola opinión sobre esto….por mi parte, pienso que en general en nuestro país hay poco interés por lo nuevo, a no ser que venga de una promoción claramente mainstream. Lo que más vende en directo son las bandas de covers, las de tributo, y las que ya hace décadas que triunfan. Es un entorno difícil para abrirse camino con música propia, porque sin curiosidad no hay novedad. Pero hay que moverse sabiendo que esto es así, y aprovechar cada oportunidad de presentar tu propuesta en directo. Además, ese público que si tiene interés por escuchar y valorar algo nuevo también existe, y hay que decir que es muy entusiasta.  

Rockliquias.- ¿Qué le diríais a nuestros lectores para que se compraran el Cd y fueran a vuestros conciertos?

Amigo/a que amas la música: si entras en nuestro Bandcamp y te gusta lo que escuchas, comprándolo nos ayudas a seguir creando música. Y si te ha gustado, te aseguro que ¡en directo te va a gustar aún más!! Próxima parada: Totum Revolutum en Barcelona el vieres 11 de Mayo en Barcelona, sala Calabria66. ¡¡Te esperamos!!


El primer trabajo de On The Raw  esta lleno de múltiples sonoridades. En cada tema desarrollan una buena paleta de estilos por los que se mueven con elegancia y maestría instrumental. En su dossier de prensa nos mencionan a Supertramp y Pink Floyd como referencias. En mi modesta opinión me suenan más a lo que hacia Jan Hammer o más recientemente Snarky Puppy. Su primer tema "Big City Awakes" es una buena prueba de ello. Por otra parte en el tratamiento de los teclados y de los vientos veo referencias claras a lo que hacían Peter Bardens y Mel Collins en Camel todo ello actualizado al siglo XXI. Un tema claramente Camel es "Day", ese ritmo de los teclados, bajo y saxo los delata. Su guitarrista Jordi Prats se une a la fiesta con unos riffs cargados de fuerza y sentimiento. Sin duda "Day" es uno de mis temas preferidos con ese magistral cambio de ritmo en mitad de la composición. Músicos con mayúsculas es lo que tenemos en esta formación. Totalmente recomendables.
J.C. Miñana








P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70


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LE ORME - Smogmagica (1975)

A partir de este año y durante los siguientes discos, Le Orme se formarían como cuarteto más o menos estable que incluye un instrumento más con guitarra solista. En este caso sería Tolo Marton, un reputado guitarrista que venía del rock y la fusión pero que a mi parecer no pega mucho con el estilo del grupo y endurece las lindezas compositivas del delicado Tagliapietra. 


Por otra parte, sin embargo, este es un disco demasiado escorado hacia el pop facilón y alguna monería, algo extraño porque estamos en 1975 y aún faltaban unos años para la superficialidad y la tontería. Tampoco me atrevería a decir que es un mal disco, no creáis y viniendo de una banda italiana más bien “tranquila” y sin histerias instrumentales, debes olvidarte de tus “elevados” prejuicios y dejarte llevar. Un error habitual que cometíamos los “sinfónicos jóvenes” de aquella época, hablo en parte por mí, desde luego, y también debido a los limitados cauces de experiencia sonora que por edad teníamos. Dicho de otra manera, estábamos un poco verdes y todo lo que estuviese por debajo de nuestras tres o cuatro idolatradas bandas, nos parecía una mierda hablando claro. Atrevida ignorancia que los años van corrigiendo y un mayor conocimiento musical y sabiduría te van haciendo más sensato y prudente. Muchas de las cosas de aquella época que me parecían mediocres o malas, ahora incluso las escucho con agrado. Dilatación de esfínter o síndrome de abuelo bondadoso y pasota me da igual. Claro que la comparación con ahora y con la bazofia que sale hoy, hace buena cualquier cosa de antaño. Estás viejo Alberto. A todos nos toca. Cuestión generacional pero también fino olfato…jejeje.    
           
                                                                                             Este disco se grabó en Los Angeles. Como otros compatriotas suyos volaron allende mediterráneo llevando los perfumes de Italia y colocando a su país en un referente en este estilo de música. El propio Paul Whitehead autor de las portadas de Genesis y de Van Der Graaf Generator les hace el cover art. No será la única vez como veremos más adelante. Pero el dilema que se nos queda después de un par de escuchas, es que no es un disco prog. Es un disco de canciones bien cuidadas con buen aditamento de teclados y un mensaje amable musicalmente hablando. En realidad, casi todos los discos de Le Orme lo son. Algo “molto particolare” ya sabes, tómalo o déjalo, pero es así.


El inicio de los 7 minutos de “Los Angeles” nos confunde completamente con una guitarra blues rock fuera de tiesto, aunque la cosa se centra a mitad y pronto las baladas made Tagliapietra se van intercalando y Pagliuca mima el sintetizador y el mellotrón. El sinfónico y el hard en esta ocasión chocan un poco y la pieza suena un poco-bastante “americanizada”. No pasa nada. “Amico di ieri” vuelve a los Orme de siempre con tranquilos y bonitos pasajes melancólicos. La festiva y algo horterilla “Ora o mai piu” nos descoloca pero el sinte tiene su gancho. “Laserium Floyd” ya dice lo que es. Pero aburre, parece un trozo suelto sin continuidad y aunque breve resulta monótono e insípido.  “Primi passi” parece sacada de los sesentas, simplona e inofensiva. Peligrosamente cercana a festivales y con cierto sabor a costa oeste. “Immensa distesa” es puro Orme intimista de canción tristona con rasgado acústico que roza la ternura como siempre que se ponen moñas. Pero es bonita y no tiene contraindicaciones ni efectos secundarios. Todo es corto, muy breve, muy sencillo. “Amante de citta” es algo inconcebible fuera de lugar. El riff y sinte lo arreglan un poco al final. Tutto es brevíssimo. La naiff  “el hombre del pianito” podría cantarla Torrebruno o Nicola Di bari sin problemas. Me lo tomo a bien y un poco a risa, pero se lo perdono por encantador y chorras. “Laurel Canyon” es un rock blues porque ese día los chicos estaban divertidos y de buen humor.  Nada que ver con Le Orme. Es algo como la Barros Blues Band (mi actual banda) que con cuatro cervezas y yo haciendo un “calvo” desde la batería nos partimos la caja de risa. 
Alberto Torró





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IQ - Nomzamo (1987)

Con la marcha de Nicholls en el verano de 1985, la polémica de este nuevo disco estaba servida. Su sustituto Paul Menel entraría al poco tiempo para empezar a familiarizarse tanto con el repertorio viejo como con el nuevo.



 Antes de grabar “Nomzamo”, existen algunas curiosidades como aquel LP doble pirata de 1985 con Menel cantando las piezas de Peter, el “Nine In A Pond Is Here” que llegué a tener importado. El sonido es regulín tirando a decente y tengo que reconocer que el nuevo chaval sale airoso de la prueba.

 Dos años más tarde editan “Nomzamo”. El cambio de música es casi radical, las oscuridades de “The Wake” se convierten en un radiante sonido “moderno” y aquí viene el problema. El nuevo disco es un trabajo “engañoso” pero en absoluto malo o mediocre. No han abandonado el rock progresivo, en absoluto, aunque la primera escucha te diga lo contrario. Estamos en 1987, y si tenemos en cuenta que la música (sin música) solo eran envoltorios de papel cuché con portadas insípidas y alguna foto cursi nuevaolera, podemos entender lo jodido que fue sobrevivir a aquellos tiempos en términos de calidad. Curiosamente la influencia de Genesis, casi había desaparecido por completo, pero mediada la década de los 80´s otro virus infectaba a las bandas neo y ese fue el “90125” de unos plastificados Yes. Recuerdo que a mí me convencieron para verlos en la Plaza de Toros de Barcelona en aquella gira, incluso vino mi mujer. Allí estábamos nosotros, Julio Murillo y gente del Rock de Luxe, Popular 1 y modernillos y advenedizos del momento. Cuando los vi salir al escenario me entró la risa: Anderson disfrazado de príncipe de Zamunda con chaquetilla torera y pedrerías varias. Squire, muy chulito con una vestimenta chillona y plásticos retorcidos a modo de tubería de PVC. White a la batería tan ruidoso y zaborrero como siempre, Rabin, un metalero con mallas ceñidas y posturitas, y un envejecido Tony Kaye embutido en uralita y estética tecno. “Santo Cielo”!!! me dije. El concierto atronador y “salvo alguna cosa” como diría don Mariano, aburrido hasta la solemnidad. 



A qué viene esto con IQ, os preguntareis?...pues sencillamente buscaban con “Promises” un éxito parecido al “Owner of a Lonely Heart” de Anderson y cia. He de decir sin embargo que me gusta más “Promises”. Pero el sonido del moderno Yes huele a barniz metálico que tira para atrás. IQ afortunadamente no tenía el marketing millonario de ventas de luxe de una banda vendida al mainstream como Yes. Si por un casual llegan a triunfar con esto, adiós IQ. Hoy serían otra banda. 



Tanto “Nomzamo” como el siguiente disco de la era Menel, se escuchan con agrado y hay piezas tremendamente sinfónicas y bien compuestas al margen del guiño pop y casi AOR que destila el disco. Yo respeto el AOR,  aunque no me guste, porque algunos de mis mejores amigos y buena gente disfrutan con el estilo y al menos está bien hecho (si no me la cortarán…jejeje). 



Las portadas claro, van con los tiempos y no dicen nada. Todo aséptico y funcional, pero este disco tiene cosas como “Still Life” “Human Nature” o “Common Ground” que son deliciosas piezas sinfónicas. En 1987 ya apenas quedaban resquicios progresivos en el planeta. El resto de compañeros británicos de neo prog ya estaban desinflados como un globo o se habían apuntado al macarrismo sonoro. Los viejos dinosaurios eran una vergüenza y la música estaba en peligro de extinción. Yo defenderé a capa y espada esta época de IQ,  e incluso te diría que si este disco lo escuchas hoy, es muy agradable y ha aguantado con dignidad el paso inexorable del tiempo.
Alberto Torró






Temas

01. No Love Lost (6:02)
02. Promises (As The Years Go By) (4:34)
03. Nomzamo (7:00)
04. Still Life (5:57)
05. Passing Strangers (3:47)
06. Human Nature (9:41)
07. Screaming (4:07)
08. Common Ground (6:59)

Bonus tracks :

09. Colourflow (5:26)
10. No Love Lost (Piano/Vocal Version) (4:12)
11. Common Ground (Live) (6:34)



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LAST STRAW - Alone on a Stone (73 - 76 / KISSING SPELL - 1994)

Lo hemos hecho muchas veces, pero no me canso. Homenajear a combos setenteros que no llegaron a grabar nada cuando se merecieron al menos, un álbum como testimonio de su paso por la mejor década  del rock.


Last Straw venían de un sitio tan inolvidable para cualquier fan como Isle of Wight, y se formaron en 1972. Desapareciendo poco después de editar en 1978 su único single "Oh Lady" / "Flyin y Nite", y me puedo imaginar porqué. Ese año ya estaba dominado por la "corrosión M. I. M." (mierder in music), que habían fomentado los "sesudos" (más bien cabezudos) rock critics aliados con las discográficas. Lo hortera mandaba el mundo. Probablemente ése single no represente para nada a Last Straw ni de coña. De hecho, al exhumar las demos que los especialistas en desterrar cadáveres musicales, Kissing Spell, rescataron para éste "Alone on a Stone", ni aparece.

En 1994 salió el artefacto plateado, tiempos todavía underground para el renacimiento prog, pero inmensamente más benignos. Y donde ya se estaba cociendo el guiso que saldría del horno poco después. .....hasta ahora (contra todo pronóstico). La cosecha que aquí nos ofrecen Last Straw pertenece tal vez a su mejor etapa,, de 1973 a 1976. La formación que se detalla es la siguiente: Jack Charles Toole (batería), Peyte Burnan (guitarra, voz), Geoff Taylor (guitarra, teclados, cantante solista), Steve Griffin (guitarra, voz) y Phil Truckel (bajo). Quizá no todos en cada tema, pues al ser un recorrido de años, pueden variar las alineaciones. También el sonido cambia en cada canción,  no olvidemos que es una colección de maquetas, aunque su calidad es bastante aceptable.


Su abanico de estilos era muy completo, saliendo victoriosos en todas sus incursiones, fueran psych, space, prog, hard o sympho. "Terence" (10'47) es mellotronico progresivo de angelicales armonías y tendencias lírico -rurales a la Spring, Fruup o Fantasy. La campiña inspiraba, y más en una isla, alejados de la gran urbe londinense. A éste tipo de grupos se les nota esa descentralización,  que siempre es beneficiosa. A mitad de tema cambian en puros argonautas siguiendo directrices Hawkwind y sus primeras obras classical-space. Aprobando con nota alta en su acceso a la academia halconiana. Con un Master de los de verdad. 

"Life Without Rules" (5'24) contiene bonitos solos de mini moog y progresivo inteligente no alejado de los primeros Camel, (la guitarra es muy Latimer), o Greenslade. Otra de sus grandes influencias es Wishbone Ash, tal vez la mayor, y en "Alone on a Stone" (7'12) la exhiben hasta el punto de competir con los creadores de "Argus". Con el añadido de teclados a su habitual proceder twin  guitar y bellas corales armoniosas. Es un verdadero placer descubrir el tesoro oculto que tenía Last Straw.


Sin embargo en "Fools" (4'40) podríamos estar ante los Camel del primer disco. La melodía vocal es soberbia, aderezada por precisa dual-guitar elegantisima y una rítmica rotundamente capaz. Por senderos similares circula "When August Breaks" (5'01) y añadiría parecidos con Man y bandas de su árbol genealógico como Neutrons o Alkatraz. Otra pequeña joya, "Fly" (3'44), la firmaría Andy Powell gustoso. Vaya clase. "Mirage" (5'45) juega en la misma liga que Dark, Stud, Epitaph o Samuel Prody. Prog de orientación bluesistica donde el cruce de caminos son las cuerdas del mástil,  en una hipnótica telaraña de fluida rítmica,  cortesia de la excelente labor del batería. 

Dos temas live para finalizar. Last Straw giró mucho en sus años de actividad, así que intuyo que debe existir más material en vivo. "Kings Return" (7'47) es hard prog de exquisita factura, cambios imaginativos y nervio tenso en la instrumentación. Y "Theme for Chance" (3'45) parece cosecha del "Mirage" cameliano,  en cruce con el "Pilgrimage" de los Wishbone Ash. Deliciosamente british 70s. Con unas guitarras señoriales y de todo respeto.


Last Straw mereció al menos, un disco que incluyera éste fabuloso material. Siempre podemos escucharlos en éstas demos sobrevivientes al polvo y el olvido.
Que otros,  ni eso.
J.J. IGLESIAS


Temas
1 Terence 10:47
2 Life Without Rules 5:24
3 Alone On A Stone 7:12
4 Fools 4:40
5 When August Breaks 5:01
6 Fly 3:44
7 Mirage 5:45
8 Kings Return (Live) 7:47
9 Theme From Chance (Live) 3:45




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Band Of Light ‎– Total Union 1973

Band Of Light,  banda australiana con una carrera que abarcó desde el 72 al 74. Phil Key (voz, guitarra) fue su fundador junto a su amigo Peter Roberts (bajo). El resto de integrantes eran  Norm Roue (guitarra slide) y Tony Buettel (batería). Roberts aguanto tres shows y fue sustituido por Ian Rilen.


A Comienzos de 1973 firman contrato por la discográfica WEA editando en Julio su primer single, "Destiny Song", llegando al puesto 18 del Top nacional. En agosto llegó su primer larga duración, "Total Unión", alcanzando el puesto 13.  Ese mismo año participan de forma destacada en el  Festival de Música de Sunbury. En el 74 editan su segundo LP, "The Archer", y a finales de año Phil disuelve la banda.

Norm Roue se unió a Buffalo. Ian Rilen paso por Blackfeather y fue miembro fundador de Rose Tattoo. Phil Key dejó la música.


Band Of Light nos ofrecen seis temas de rock blues con alguna pequeña pincelada funk. Podríamos decir que su estilo gira entre una mezcla de Free - ZZ Top salvando las distancias. La voz de Phil Key me recuerda, no sé muy bien porqué, a la de  Phil Mogg. Numerosos riffs machacones de guitarra a cargo de Norm Roue, con "guitar slide" por un tubo. En la reedición en CD se incluye su primer single "The Destiny Song"/"Over "B", dos temas de un EP,"Moonstruck"/"The Cat", y un tema en directo. "Messin' With The Kid", grabado en el Festival de Sunsbury del 73.
J.C. Miñana



Temas

1 My First Home 8:05
2 Free Them From Hunger 5:47
3 Spaces Of Time 5:40
4 If 5:40
5 Earthbound Blues 5:44
6 The Four Horsemen Of The Apocalypse 5:36
Bonus Tracks: Singles & Live, 1973
7 The Destiny Song 3:14
8 Over "B" 4:42
9 Moonstruck 3:50
10 Messin' With The Kid (Live at Sunbury)



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EDGAR FROESE - Ages (1978 / VIRGIN)

Compruebo sorprendido cómo todavía no habíamos traído a ésta sección, al probable responsable de toda la kosmische, en su carrera en solitario. Se le echa de menos al bueno de Froese, desde enero del 2015.


Es poco conocido el dato de que cayera por España con su grupo psych /r'n'b, The Ones, a finales de los 60. En Cadaques conoce a Salvador Dalí y se hacen amigos. El cual le da unas pautas a seguir en su carrera musical. Y Froese las pone en práctica obedientemente al volver a Alemania. Disuelve The Ones en 1967 y monta un grupo donde el surrealismo y la improvisación sean factores dominantes. "El Sueño de la Mandarina"..... No es un nombre terriblemente daliniano? Resultará que el gurú del cosmic-kraut fue el genial pintor? No es descabellado.

Ya con Tangerine Dream a pleno rendimiento, inaugura su carrera en solitario con "Aqua" en 1974. Le siguieron "Epsilon in Malaysian Pale" (1975) y "Macula Transfer" (1976). Para 1978 TD había cambiado radicalmente su formato musical, en cuarteto. Y editaban el posiblemente más rompedor disco de su historia : "Cyclone". Seguían Froese y Franke, pero entraban Steve Joliffe (ex Steamhammer) a la flauta, vientos diversos, teclados y....voz!!! Además de Klaus Krieger en la batería de toda la vida, aunque la suya era una customizada en polyester con gatillos electrónicos percusivos......a saber qué invento! Éste último miembro participará en el doble album de Froese, "Ages", de ése mismo año. Grabado de agosto a noviembre de 1977 en los Amber Studio de Berlín y producido por el propio Froese. 40 años se cumplen ahora de un doble vinilo que es recomendable tenerlo en su formato original. Todas las ediciones posteriores en cd salieron con la falta de algún tema, extrañamente.

"Metrópolis" (11'00) lo abre, inspirado en la misma película de Fritz Lang. Su aspecto maquinal y sombrío lo acerca al Kraftwerk de "Trans Europe Express" o Harmonia. La batería y ritmos orgánicos de Krieger alejan el clásico concepto tangerino, y le da un soplo de aire fresco al contexto. Estaba claro que 1978 era un año clave, de renovación,  para nuestro hombre. Bonito comienzo.
Inevitable es que se note la procedencia de Froese. 

Y en "Era of the Slaves" (8'05) (2018?....) estamos ante la típica pieza a lo TD, evocando espesas y peligrosas junglas aztecas, de asfixiante calor y enigmas insondables. Perfecta para "Sorcerer", la banda sonora para el film de William Friedkin del año anterior, (que llegué  a ver en su estreno en cines). Quizá un descarte?....


Para la cara 2 tenemos la pieza más extensa del álbum y que ocupa todo el lado, "Tropic of Capricorn" (21'06). En ella se aprecia melodía majestuosa y equiparación sonora similar al Vangelis de esos días. Si bien pronto reaparece el misterioso Edgar Froese al que estamos acostumbrados. La pieza cuenta con piano acústico como hilo conductor, donde una maraña de poéticos sintetizadores ejercen de vasos comunicantes sonoros. Como digo, poesía electrónica de corte romántico extraordinario y casi música contemporánea. Con cercanías a Debussy o Schumann. Realmente una faceta poco explotada por Froese hasta entonces, y uno de los puntos altos del disco.

La cara 3 comienza con "Nights of Automatic Women" (9'00), tema éste que adalides del retro-synthwave como Carpenter Brut matarían por haber compuesto. Puro TD-score con la atenta batería de Krieger y secuenciación típica berlinesa actuando al unísono. Su característico estilo a la guitarra aparece en "Icarus" (9'07). Siempre he pensado que Froese ha sido un infravalorado guitarrista. Puede que no un virtuoso, pero tenía algo y sabía expresar con sus psicodélicos solos. Podía haber ejercido como tal perfectamente en una banda.

"Childrens Deeper Study" (4'21) es otra curiosidad en un Froese que cada vez estaba más interesado en las melodías previamente compuestas. Alejándose de la improvisación salvaje que había dominado toda su obra hasta entonces. También en ésta nueva faceta demostró ser un maestro, por lo menos hasta bien entrados los 80.


La cara 4 también depara sorpresas agradables. "Ode to Granny A." (4'39) recuerda a la Tonto's Expanding Head Band, dúo del que hablamos la semana pasada como pioneros. "Pizarro and Atahualpa" (7'30) toca un tema muy del gusto kraut (recuérdese a Popol Vuh y su "Aguirre", por ejemplo). Las percusiones de Klaus Krieger son definitivas, bien soldadas a las líneas tangerinas de síntesis que tan bien describían en los exóticos pasajes de ésa época. 

Finalmente "Golgatha and the Circle Closes" (8'30) es otra exhibición de guitarra, secundada por secuenciador, batería y sinte de cuerdas. Una especie de "bolero electrónico" de fascinante desarrollo puramente froesiano. Su epílogo final parecía un outtake del "Soon" de Yes. "Ages" es uno de mis discos favoritos de Edgar Froese. Realmente todos de los 70 lo son.

En sus últimos meses, Froese dejó colgado un proyecto con Steve Hogarth,  (al modo que estaba haciendo éste  con Richard Barbieri). "Dicen" que pretendía volver al sonido Berlín y así lo dejó testamentado a los actuales TD. Yo creo que es cosa de ellos para darle veracidad a la actual formación. Aunque no estoy en contra, conste. Froese hacía muchos años (décadas), que se había alejado de las fantasías cósmicas sintetizadas berlinesas expuestas en éste magnífico "Ages". Aún así,  se le echa de menos.

P. D - "No existe la muerte. Sólo es un cambio en nuestra dirección cósmica" EDGAR FROESE
J.J. IGLESIAS








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Chicago Transit Authority - Fillmore West 1969

Chicago Transit Authority, es posible que esta denominación no os llame la atención pero si os digo que corresponde a la banda Chicago la cosa cambia. Esta agrupación no sólo cambio su nombre, su música poco a poco fue evolucionando hacia un sector cada vez más comercial. Hoy los recordaremos en una de sus mejores épocas.


La banda comenzó llamándose "The Big Thing", cambiaron de nombre, "Chicago Transit Authority", cuando se trasladaron a Los Ángeles en junio del 68 y firmaron por la Columbia Records. Eran habituales sus actuaciones en el  Whiskey a Go Go y abrieron sendos conciertos para Janis Joplin y Jimi Hendrix. En 1969 editan su primer disco, "Chicago Transit Authority", un doble disco que llegó al puesto 17 en el Billboard 200. Por problemas legales con la operadora de transporte público de Chicago (CTA), tuvieron que acortar su nombre. A partir de ese momento serían Chicago. Una dilatada carrera llena de éxitos.


La grabación nos presenta la actuación de Chicago (Chicago Transit Authority), en el Fillmore West el 17 de Agosto de 1969. Esa noche también actuaron The Youngbloods y Colosseum. El "setlist está compuesto por temas de su primer disco editado a principios de ese año (Does Anybody Really Know What Time It Is?, Poem 58, Someday, Questions 67 & 68, Beginnings, Questions 67 & 68, Introduction, Listen, I’m A Man, South California Purples, Liberation) y un adelanto de su segundo disco, "Chicago", con su éxito "25 Or 6 To 4". En cuanto a su música nos encontramos con psicodelia cargada de experimentación y buenos desarrollos instrumentales con una poderosa sección de viento y un guitarrista , Terry Kath, que se sale. Recordemos que incluso Hendrix quedó impresionado con la capacidad guitarrera de Terry. Sonido aceptable aunque algunos temas aparezcan cortados.
J.C. Miñana



Temas
CD1
01. Poem 58 (10:37)
02. Freeform Intro (00:48) 
03. Does Anybody Really Know What Time It Is? (3:25)
04. It Better End Soon (9:01)
05. Someday (cuts) (2:38)
06. Questions 67 & 68 (5:17)
07. 25 Or 6 To 4 (7:16)
08. Beginnings (original version with dropout) (6:19)
09. Questions 67 & 68 (original version with dropout) (5:13)
10. The Road (original version with dropout) (3:19)

CD2
01. Introduction (7:49)
02. Listen (4:43)
03. The Road (3:15)
04. I’m A Man (6:25)
05. South California Purples (6:10)
06. Beginnings (6:15)
07. Liberation (16:57)




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GALADRIEL - Muttered Promises From An Ageless Pond (1988 / DAGA - MINDCHILD) (Rockliquias Bandas Classic)

Compruebo que ya tenemos muy al día la actualidad nacional  (aunque nunca lo suficiente). Así que retomo la sección viejuna, que será intermitente. Y qué mejor que con un verdadero "classic" de nuestra historia reciente. Además ahora que se cumplen 30 años de su edición.


"Muttered Promises From An Ageless Pond", primer álbum de los madrileños Galadriel, fue un hito heroico para unas fechas tan antipaticas. En 1988 decir que "eras progresivo " era motivo de burla y lapidación. Otra cosa. Si su líder,  letrista, cantante, teclados y único miembro original en la actualidad, el canadiense Jesús Filardi , se entera de que en Rockliquias aún no ha aparecido su banda, nos encorre a gorrazos tanto a Alberto Torro como a éste escriba sentado. Más de 25 años de amistad desde los peores tiempos nos unen, como sólo la música (prog) puede hacerlo. Habiendo vivido grandes experiencias juntos. Como cuando hice de "roadie" en la presentación de "Mindscapers"  en Madrid, y luego no me dejó entrar al concierto el "profesional" portero de la entrada. País! También fue Jesús Filardi quien se brindó a escribir un prólogo en mi "Guía del Progresivo Español - Hijos del Agobio", que tan buena acogida tuvo en 1997. 

Galadriel se forma en Diciembre de 1985 con Jesús Filardi (voz, ex Algor), David Aladro (teclados, ex Dantalion), Óscar Pérez (batería,  ex Dantalion), Pablo Molina (bajo, ex Dantalion), Manolo Macia  (guitarras, ex Galdalus) y Manolo Pancorbo (guitarras, ex The Magic of Fire). Precisamente debutan en vivo con éste último nombre, al no tener todavía ninguno. Sorprenden por sus máscaras,  disfraces y la pura teatralidad de la que siempre ha hecho gala en directo Jesús Filardi. En 1986 graban la casete "La Escalinata". En 1987 se va Óscar y entra el brasileño Cidon Trindade, percusionista de la Sao Paulo Symphonic Orchestra. También ese mismo año graban el tema "Summit" para la recopilación inglesa de grupos progresivos, "Exposure". Allí conocerá a un tímido muchacho que también participa con un tema de su banda No Man Is An Island......Así que no te extrañe ver en la lista de agradecimientos de "Muttered..." a un tal, Steven Wilson!

"Muttered Promises From An Ageless Pond" se grabó en cuatro estudios diferentes cuando se pudo, y fue producido  por el propio grupo. Tres son las fuertes influencias que en él se perciben. Yes, por la andersoniana voz de Filardi. Genesis,  por los bucolicos,  románticos y delicados pasajes. Y el rock Progresivo Italiano, (PFM, Locanda delle Fate,  Murple,  Il Castello Di Atlante.....), por su fina lírica mediterránea y musicalidad extraordinaria.

La cara A es llamada "The Day Before the Harvest" y consta de tres temas. "Lagada" (8'50) lleva una gruesa línea de bajo a la Chris Squire, los sintes parecen el propio Wakeman y la cálida voz de Filardi entra en universos afirmativos,  con pinceladas medievales de guitarra a la Howe que lo hacen encantador. También Steve Hackett en su primer disco en solitario es una influencia. Y hasta el prog USA 70s tiene símil aquí,  con parecidos a Pre, Starcastle,  Infinity,  Surprise o Pentwater en determinados pasajes. Por otra parte, el violín invitado de Alfredo García Demestres (ex Heimdal), aporta un decisivo sabor italiano al festín. Una maravilla. "Virginal" (2'26) es un delicioso apunte acústico digno de Anthony Phillips, procedente de los tiempos de "La Escalinata".

"To Die in Avalon" (10'00) está llena de impresiones y sentimientos, a menudo con delicada textura nostálgica. Piano clásico a la Keith Emerson, guitarras desgarradas a la Robert Fripp.....o la riqueza de la Premiata en preciosistas momentos de majestuosidad innegable. Magia entre los surcos de un vinilo, ya muy valorado.

La segunda cara se denomina "The Year of the Dream" y consta de dos temas, uno muy corto y una macro suite. "Limiar (Winter's Request)" (1'20) es otro pequeño dibujo acústico naif. 

"Landhal's Cross" (20'04) es la gran apuesta del álbum. Seis partes subtituladas que recogen herencia de todos los grandes de los 70, y que además,  sigue sonando a ésa década. Considero erróneo juzgar éste disco como "neo-progresivo", como he visto por ahí. Resulta una apreciación realmente superficial. "Landhal's Cross" es una construcción en perspectiva 70s, de una música "que había muerto sola", (como dice Andy Tillison), en los ingratos 80. Vista por el personal ojo de Galadriel. De hecho ésta epic-track contiene elementos clave que se irán desarrollando de otras maneras, en los siguientes trabajos del grupo. Teniendo en cuenta que todos sus discos son distintos. "Chasing The Dragonfly" (1992), "Mindscapers" (1997) y "Calibrated Collision Course" (2008). Todos deben a ésta larga pieza de una u otra manera. A modo de gran collage, o propio "Supper's Ready", que va a marcar la carrera y el estilo del grupo.

La versión cd se editó en 1990 por Musea y contenía otras dos gemas. La citada "Summit" (11'27) y la encantadora "Nunca de Noche" (3'13).

"Muttered...." es una pequeña gran obra maestra del progresivo de aquí más internacional. Un disco que ha ganado con el tiempo, (curiosamente mucho más  que otros más contemporáneos de la banda). No entiendo cómo pudieron expresar y plasmar ese puro sentimiento 70s tan estupendamente, en tiempos tan pésimos para la lírica prog. Una delicada joya atemporal (parezco un anuncio de "galería del coleccionista"), que recomiendo desde la más sincera de las sugerencias.

......Lo que no quita para que Filardi me pague unas birras!!!
J.J. IGLESIAS


Temas
1. The Day Before The Harvest: Lágada (8:30) 
2. Virginal (2:26) 
3. To Die In Avalon (10:00) 
4. The Year of The Dream: Limiar (Winter's Request) (1:26) 
5. Landahl's Cross (20:04) 
6. Summit (11:27) 
7. Nunca De Noche (2:20)



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