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BLUE DREAM - Volume Won (2018 / TREEHOUSE)

Aparte de ser una gama de mandanga herbal de la wena, Blue Dream es el nombre de un cuarteto de Illinois, Chicago. Con él retomamos novedades que van destacando en el panorama rockliquiano. Esto es, retro-rock en cualquiera de sus formas, de personalidad alta y bien definida en los 70, más o menos.


"Volume Won" es su primer larga duración,  teniendo previamente una "Demo" del 2014. Justin Sanetra (cantante solista), Anthony Cook (guitarras), Jimmy Russell (bajo) y Danny Awisha (batería) son sus cualificados componentes.

En éste debut, optan como intro, titulada misteriosamente "!" (1'10) por emular las eclosiones nucleares de Frank Marino en sus Mahogany Rush. Para entrar en materia con "Ufo" (3'08) y advertir que la sección de ritmo tiene mucho que decir en el sonido de Blue Dream. No sólo parece el bajo de Jack Bruce, sino que el tema explica una melodía muy Cream, sin perder el don de la actualidad. Y el batería es, por decirlo pronto y rápido,  una mala bestia salida de los avernos percusivos. Además de contar con un sonido característico. 

"Freedom Eyes" (2'40) es puro Hard Psych viajando por el vortice temporal con descansada comodidad. 

El aplastamiento craneal que supone Iz What it Iz" (3'43), - hazlo con cascos y me lo cuentas-, vuelve a la resurrección a ilustres zombies como Poobah, Stonewall, Sir Lord Baltimore o Morgen. Brutos pero con cabeza. Con detalles psico-progresivos inesperados. 

Como en "Locked in a Dazed" (3'38) y su inteligente acidez, subliminalmente destroza-psiques. Su cantante no es un lanzamiento de la NASA en cuanto a espectacularidad , pero se cree lo que canta, y yo también. Y eso ya es bastante.

Vuelve esa máquina rítmica que es Danny Awisha, cogiendo las riendas de "Turn on & Tune in" (3'22), con una original perspectiva stoner jazzyficada que me levanta la boina. Con preciosa wah wah y sentido de la agilidad en el tema. 


"Dropouts" (1'42) es un detalle con un instrumental de muy buen gusto. Psicodelia con todas las letras y enigmática exposición conlleva "Swiss Alps" (4'41), al que contribuye un pedal muy efecto-teclados bien certero y colocado, literal. Otra pequeña joya.

 "Sippin' the Sauce" (2'44) es un bucle espiral absurdo y hasta comercial, en su irreal procedencia. Digno de una paranoia fruto de Guru Guru. 

El monstruo del lago Ness de éste disco se llama "The Battle of Cicero" (12'17). Una especie de "Moby Dick", u homenaje a ésta. Para aquellos que dicen odiar los solos de batería,  les recordaré que aquello surgió por derivación - extensión de las formas del jazz. Y pasa lo que pasa. Que los hay buenos y malos. Soberbios y aburridos. Con chispa o sosisimos. Escuchar éste tema y a su protagonista,  el grandísimo Danny Awisha, es placer de los dioses del Olimpo. Grabado en vivo, en analógico y en cinta, estilo viejuno (como todo el disco),  con un sonido muy especial. Y con la fiereza, rapidez, reflejos, agudeza, astucia,  sorpresa, energía,  técnica,  rabia, fuerza, odio, aptitud, actitud, calidad y mala hostia propios de un batería sagrado de los 60 - 70s. Te tumba de la silla, lo juro. Digno de Christian Vander, pero en Stoner Psych contexto. Una sobrada maravilla que no me canso de escuchar. Con el añadido condimento de efectos guitarreros fuera de éste plano existencial, y sonidos urbanos de la puta calle. NADIE hace esto hoy día en su debut de estudio. Olé sus cojones. Y John Bonham riendo orgulloso con su eterno cubata en la mano, como el chatico de "Trailer Park Boys". Descomunal hazaña.

Aún nos queda "Vibrations" (3'50) para darnos la  puntilla a base de wah wah - stilette y ritmo apisonadora. Otro agujero negro para perderse y no volver.....a no ser que ya hayan sacado el "Volume Too"..... 


Éste disco salió el 31 de Diciembre del 2017. El mejor de ése año? De éste?  Nos acordaremos a la hora del recuento final al acabar 2018? Aseguro que con ésa portada, sí. Una de las mejores que he visto en mucho tiempo. Con su inquietante simplicidad que te da que pensar, como aquellas joyas del comienzo del equipo Hipgnosis en los primeros 70. Hasta en eso sorprenden Blue Dream. Más "Batallas de Cicero", quiero. O al menos su misma rebelde valentía. Que sigan así y el rock puede dormir tranquilo.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.  ! - 0:00
2.  UFO - 1:16
3.  Freedom Eyes - 4:24
4.  Iz What It Iz - 7:03
5.  Locked In A Daze - 10:44
6.  Turn On & Tune In - 14:22
7.  Dropout - 17:47
8.  Swiss Alps - 19:39
9.  Sippin' The Sauce - 24:11
10. The Battle Of Cicero - 26:56
11. Vibrations - 39:10





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Champion Jack Dupree ‎– The Hamburg Session 1974

No se sabe a ciencia cierta cuando nació Willian Dupree, se especula que fue entre 1909 y 1910. A los ocho años se quedo huérfano pasando una temporadita en una institución para niños en su misma situación. Curiosamente Louis Armstrong coincidió con Dupree en ese centro de recogida. El inquiero Willian aprende a tocar el piano de forma autodidacta. 


En cuando puede se traslada a Chicago y se pone a trabajar de cocinero. En Detroit conoce al boxeador Joe Louis quien lo introduce en el mundillo pugilístico llegando a pelear 107 combates con el apodo de "Champion Jack". Su vida musical comienza a los 30 años cuando empieza a colaborar como músico de sesión con gente como  Big Bill Broonzy y Tampa Red. La segunda guerra mundial interrumpe momentáneamente su carrera ya que es apresado por los japoneses durante dos años. Al finalizar la guerra obtiene cierto éxito con el tema "Walkin 'the Blues". En los 60 se traslada a Europa fijando su residencia en Alemania. En el 73 participa en el festival de Montreux  publicando el disco "King Curtis & Champion Jack Dupree: Blues at Montreux". Se traslada a Inglaterra donde reside en los 80. En 1992 muere debido a un cáncer. A lo largo de su carrera publicó más de una decena de discos realizando multitud de colaboraciones con gente como John Matall, The Band, Mick Taylor, Eric Clapton, Alexis Korner, etc.


La grabación nos muestra diversas sesiones grabadas en Hamburgo por Jack Dupree junto a músicos Alemanes. Todos estos artistas militaban en grupos bastante conocidos del panorama musical alemán. En las sesiones participaron Rainer Baumann (guitarra) de Frumpy, Achim Reichel (guitarra) de Rattles y Wonderland, Gaggy Mrocek (guitarra) de Kin Ping Meh, Steffi Stephan (bajo) de Udo Lindenberg Panikorchester, Jean-Jaques Kravetz de Fumpy, Atlantis y Randy Pie, y por último Ringo Funk (batería) de Atlantis. En cuanto a la música nos movemos por los terrenos del blues. Tenemos boogie-woogie en temas como "Woodpecker " o "Jumping In The Wood", rurales como "Big Birtha`s House", más rockeros como "I`m Going Home" y algunos donde sólo interviene Dupree al piano. En definitiva un disco curioso donde se mezcla el sentimiento blusero americano con músicos alemanes.
J.C. Miñana



Temas
A1 Woodpecker 00:00 
A2 Jumping In The Wood 04:05
A3 Big Birtha`s House 07:15 
A4 Cold Cold Winter 10:48 
A5 Creole Kids Dance 16:39 
B1 Who Threw The Gin In The World? 20:40 
B2 Kick Allee (Living In The South) 28:18 
B3 Florida Diary 29:10  
B4 I`m Going Home 33:16 
B5 I`m Gonna Hang Up My Dancing Shoes 37:40 

Formación
 Steffi Stephan: bajo
Ringo Funk: batería
 Gaggy Mrocek: guitarra
 Achim Reichel, Rainer Baumann: guitarra
 Stefan Wulff: teclados
 Jean-Jacques Kravetz: teclados
 Champion Jack Dupree: piano, voz



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THIERRY FERVANT - Univers (1980 / PHILLIPS)

A sus 73 años, al suizo Thierry Fervant  (Ginebra) poco le queda por hacer en cuanto a música se refiere. Compositor de formación clásica,  editor, productor de discos desde 1964. Ejecutivo de Disques Barclay. Innumerables encargos para televisión y cine. Miembro del Consejo de Administración de SUISA, (como la SGAE de Suiza y "su Teddy Bautista", pero en limpio). Más de 100 discos como productor, desde 60s chanson française  a las teatralidades genesianas de Ange, pasando por el poderoso metal de Vulcain. Sí,  se podría decir que Thierry Fervant fue un sintetista sólo "a tiempo parcial". No hay suficientes horas en el día para él.  Se inició en solitario en 1972 con "L'Aube Ne S'est Pas Encore Levee", pero el grueso de su obra  fue hecho durante la década de los 80.

Cinco interesantes discos del que el conceptual "Univers" fue el primero de ellos. Y junto al último, "Legends of Avalon" (1988), tal vez los mejores.

"Univers" captura toda la magnificencia de su académica formación,  rodeado de sintes todavía  (por fortuna) analógicos,  pues lo digital estaba dando sus primeros pasos. "Le Jardín Aux Fables" (6'33) nos lo emparenta instantáneamente con Space Art, por proximidad. Pero también con Vangelis, en su elegante pomposidad. Bien es cierto que Fervant posee su propio estilo, en el que también roza conexiones con el influyente Jean-Michel Jarre. Es un sinfonismo electrónico lleno de belleza y deudas a la clásica contemporánea de Debussy o Sir Peter Maxwell Davies (en sus acercamientos y técnicas medievales y trabajos cinematográficos,  por ejemplo con Ken Russell). Una preciosa tonada, magistralmente interpretada. 

Sin silencio que fracture,  se le encadena "Univers" (3'37) , una especie de "Oxygene Part IV" muy sui generis , y "fervantizada" para la ocasión. La coral mellotronica es apropiada, al igual que la radiable melodía. 

Sonidos acuáticos hacen de puente para "Empyree" (4'36), electrónica magnífica con tendencia al tremendismo de formaciones niponas al estilo de Vienna, Motoi Sakuraba, Fromage o Asturias.

"La Ronde de Nuit" (3'18) lleva batería  y secuenciación,  con lo que es muy rítmica y llena de dinamismo sinfónico.  Como una mezcla de los Tangerine Dream de "Cyclone" y Space Art. Una buena sintonía para un programa prog de radio.


 El lado B entra con "Spirale" (6'58), que nada tiene que ver con el tema de Vangelis, pero sí bastante con Goblin y Claudio Simonetti. Perfecta música para un "slasher" al uso, ya recién entrados los 80. La "sección de cuerdas" de su parte final es digna de un cuarteto de cámara,  y su resolución final es sencillamente genial, ( a veces las complicaciones no son más que obstáculos ).

"Le Château De Feuilles" (4'23) con sus pajarillos y lejanas campanas de monasterio, nos traslada a cualquier remoto lugar del pasado, ese que viviste en otra vida y ahora no te acuerdas, pobre mortal. Es un tema para reflexiones patafísicas de ésa índole,  lleno de sinfonismos de esos que encantan a mi compi Alberto Torro.

La sana comercialidad de "Le Bal Des Animaux" (3'39) le da más riqueza de matices al trabajo, el cual se me antoja magnífico. 

Y que acaba con "In Fine" (4'40), otra majestuosa melodía de "créditos finales" a la que, si le pones la voz de Jon Anderson, sonaría a su "Olias..."o a Jon & Vangelis. 

Thierry Fervant construyó un bello lienzo electrónico lleno de colores medios, ni chillones ni gris-oscuros. Con la inmensidad en mente y un acabado instrumental excepcional. Una maravilla atemporal para disfrutar en cualquier momento. Sublime.
J.J. IGLESIAS


Temas
01 - Le jardin aux fables 00:01
02 - Univers 06:38
03 - Empyrée 10:04
04 - La ronde de nuit 14:39
05 - Spirale 17:58
06 - Le château de feuilles 24:49
07 - Le bal des animaux 29:15
08 - In fine 32:50





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FREE WILL - Live at Jabberwocky 1970

Buceamos en la historia hasta llegar a finales de 1966, en ese momento Joe Whiting (voz, saxo) se asocia con el guitarrista Mark Doyle ( en los 80 trabajaría con Meat Loaf, Bryan Adams, entre otros) para reformar los Ridgewood formando los New Ridgewood. Tras diversos cambios de personal entran en la banda el batería Tom Glaister, el guitarrista Chuck Baron y el bajista Barry Maturevitz. Ya tenemos a los "Free Will".



Durante algún tiempo estuvieron realizando multitud de conciertos por la zona de New York consiguiendo cierta reputación como banda de "directo".  Realizaron memorables actuaciones en Wheels, club nocturno de Manhattan.  Firman un acuerdo por 35.000 dolares para grabar tres discos con la RCA, pero la discográfica les pidió amablemente que cambiaran su nombre por el de "Jukin`Bone".   su primer disco, "Whiskey Woman", ya fue comentado en Rockliquias . 


La grabación nos traslada a 1970, concierto de Free Will en el Jabberwocky, un doble Cd de extraordinaria calidad. Por la red circulan otros bootlegs de la banda (Live at Jordan Elbridge, Cold, Cold Morning)  que algún día rescataremos.  En cuanto a la música la banda se mueve por los caminos del rock blues al estilo de Savoy Brown o Fleetwood Mac. En el primer Cd encontramos  temas de no muy larga duración donde brilla con luz propia su guitarrista Mark Doyle. En el segundo Cd las composiciones llegan a superar  algunas de ellas los 10 minutos mostrando la faceta improvisativa blusera de la banda. En "Free Will Boogie" tenemos una especie de "Medley" de diversos rock'n'rolls. En definitiva un gran documento histórico para los amantes del rock blues.
J.C. Miñana



Temas
Tune Up 00:00 
Good Rockin’ Tonight  00:29 
Big Boss Man 05:06 
Someplace Is Something 10:09 
Handbags To Gladrags 14:06 
The Hunter 20:22 
Help Me 24:56 
Carry Me Home 28:42 
Candy Man 35:11 
Big-Legged Woman 39:16 
Country Road 42:41 
Stormy Monday 46:36 
Needle And Spoon 55:08 
Free Will Boogie 01:05:08 
Bright Lights Big City 01:17:30 
Dink Soup 01:22:10 
Mother Earth 01:28:50  
Ridin’ With The Devil 01:39:23 
Swingin’ Shepherd Blues 01:46:53 

Formación
Joe Whiting - voz, saxo
Mark Doyle - guitarra
George Egosarian - guitarra
John DeMaso - bajo 
Tom Glaister - batería




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ATAVISMO - Inerte (2017) Entrevista (Rockliquias Bandas)

Atavismo es una banda procedente de Algeciras formada por Sandra (batería, voz), Mateo (bajo, coros) y Poti  (guitarra, voz).  En 2014 publican su primer disco, "Desisntegración", editado a nivel internacional por Temple of Torturous.  En diciembre de 2015 graban el tema "Split con Grajo". Dos años más tarde ve la luz su segundo LP, "Inerte".


En Rockliquias queremos seguir evolucionando por ello decidimos lanzarnos a la piscina de las entrevistas. Aquí tenéis el resultado:



Rockliquias.- ¿Cuales fueron vuestros orígenes musicales?

Pues empezamos muy jovencitos, en los 90s, con grupos y bandas de la zona, haciendo pocos conciertos, pasándolo bastante mal y sin ninguna infraestructura musical.

Rockliquias.- En que año se formó la banda y cuales fueron vuestros primeros pasos

La banda se formó en 2014, después de la disolución de nuestra anterior banda Mind!, empezamos dando algunos conciertos por la zona y grabando nuestro primer disco Desintegración que salió a finales de 2014.

Rockliquias.- ¿Cuales son vuestras influencias?

Tenemos muchas influencias, pero ninguna de un estilo en concreto, nos gusta todo tipo de música siempre que sea de calidad... desde la psicodelia o el punk hasta el blues o el jazz.


Rockliquias.- En 2014 llega vuestro primer disco, "Desintegración",  como contactáis con  Temple of Torturous

Nos escribieron ellos ofreciéndonos la edición del disco y así fue.

Rockliquias.- En este disco hacéis uso del mellotron y Theremin, contarnos un poco como se planteo el utilizarlos.

Son instrumentos que ya habíamos utilizado en anteriores protectos y bandas, así que no hubo que plantear nada, simplemente siempre han estado ahí para utilizarlos.

Rockliquias.- Independientemente del gran esfuerzo y trabajo que dedicasteis a este primer trabajo posteriormente lo valoró el público.

La cosa fue bien más o menos desde el principio, ya que somos músicos que llevábamos mucho tiempo con otros proyectos y más o menos la cosa empezó a ir rodada desde los comienzos.

Rockliquias.- Como fueron la promoción y los conciertos

La promoción en España es bastante pésima, aunque se hizo lo que se pudo y en los conciertos fue bastante bien, así que ese es el panorama que vive el rock en nuestro país.

Rockliquias.- A finales de 2015 llega Split 7" With Grajo, hablarnos algo sobre este tema

Fue una medió improvisación que salió en un rato y se grabó directamente en el local.

Rockliquias.- Después de dos años llega vuestro último trabajo, "Inerte", cual ha sido la evolución musical del grupo.

No sabría explicarlo, simplemente es una evolución lógica de todo lo que veníamos haciendo.

Rockliquias.- El disco contiene cinco temas con una gran mezcla de estilos incluyendo sonidos propios de vuestra tierra. La tradición musical progresiva andaluza ha sido una de vuestras grandes influencias?

Realmente no, como te he dicho antes tenemos muchas influencias muy dispares, aunque si es clara la influencia del flamenco en nuestra música, no de la música progresiva andaluza, porque realmente solo nos gustan 3 o 4 grupos de Rock Andaluz.

Rockliquias.- Que tema destacarías como el más emblemático del disco.

Ninguno, pienso que el disco hay que oírlo en orden, cada uno tiene un sentido y te expresa una cosa.

Rockliquias. La portada es una bella ilustración, nos podrías decir su autor 

La portada es de Antonio Ramirez, cabeza y mentor de la página web Mentes de Ácido.

Rockliquias.- Desde Rockliquias estamos constatando que el movimiento de bandas progresivas-psicodelicas es muy importante en España. Que pensáis sobre ello?


Movimiento??? No creo que haya muchas bandas de ese estilo en España y encima no nos tienen en cuenta... España es un país donde funciona el fascismo musical y donde el público no tiene cultura por la infraestructura que tenemos desde hace años... hoy en día o eres moderno y vas a la moda o te comen con patatas.

Rockliquias.- Como animarías a los lectores de Rockliquias a escuchar vuestra música

Pues simplemente decirles que lo que hacemos lo hacemos con el corazón en la mano y con mucho trabajo.

Rockliquias.- Por último, cuales son proyectos mas inmediatos.

Tenemos varias bandas paralelas, como Híbrido, R.O.L.F o Galvao... a día de hoy grabar y tocar todo lo posible, como siempre.


Desde Rockliquias sólo nos queda recomendar este magnífico trabajo que os trasladará por pasajes sonoros psicodélicos progresivos con aires andaluces mezclados con algo de space rock. Gran instrumentación con un Poti que se sale a la guitarra y una sección rítmica marcando las bases de los ritmos hipnóticos   que van fluyendo a lo largo de la grabación. 
J.C. Miñana



Temas
1. Pan Y Dolor 00:00
2. El Sueño 8:28
3. La Maldición Del Zisco 19:50
4. Belleza Cuatro 26:08
5. Volarás 31:27



Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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PREMIATA FORNERIA MARCONI: (undécima parte) - IL Suono Dil Tempo (5 CD Box 2014)

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

Acercándonos al final de esta prodigiosa banda no podía dejar pasar este regalo grabado los días 30 y 31 de mayo de 2014 en Tokyo. Yo lo interpreto como un auto-tributo a lo que fueron ya que se trata de sus 5 primeros discos completamente regrabados y revisitados en directo y eso incluye las dos versiones inglesas. “I lSuono Dil tempo” es el legado definitivo de la PFM conscientes ellos mismos de que no pudieron superar aquel primer empuje progresivo que los hizo famosos en los primeros 70´s, por muy buenos discos que con contadas excepciones realizaron.


 A sí pues: “Un Minuto” (34 mtos”) no necesita presentación. Lo mismo “Un Amico” (32 mts). Su punto culminante: “A Ghosts” (40 mtos) y las dos versiones “Un´Isola” (37mtos) y “The World” (41 mtos). Tenemos suerte los occidentales de que Japon sea nuestra reserva oriental progresiva. Ellos aman sin reservas la música que los occidentales hicimos en los 70´s y tiramos a la basura en los 80´s. Nos dan lecciones de gusto y de amor por la música y ellos tienen mucho que ver en que esta música no haya sido defenestrada. Un grupo progresivo europeo recibe un trato de honor y de respeto en el país del sol naciente. No son tan mezquinos como nosotros lo somos con nuestra propia música. A los occidentales nos queda mucho que aprender. Debería parecernos vergonzoso que en los países orientales nos valoren por nuestra música y en nuestro propio patetismo hablemos casi siempre mal de lo poco que hemos hecho bien. En música los europeos y sus críticos en cada época hemos sido brutalmente desconsiderados con la buena música que hemos hecho. Hemos auto-ridiculizado el rock sinfónico y progresivo, siempre, hasta lo indecible. Por contra hemos elevado las peores músicas en cada cambio generacional. Sobreponemos las tendencias de moda al arte y aun siendo conscientes de que la industria discográfica solo es un negocio inculto que le importa una mierda la música y si eres “músico” o no, seguimos haciendo lo que se nos dice, no lo que queremos hacer realmente. El músico que quiera hacer buena música que se olvide de vivir de ello. Se pudo en los 70´s, es cierto, pero aquello yo lo considero una “anomalía histórica”.

Volviendo a la Premiata ellos pudieron permitirse el lujo de dejar este legado en 2014. En Europa no habrían podido hacerlo y de hecho su último álbum “Emotional Tatoos” de 2017 hasta el título rezuma moda, es un producto bien hecho pero que no va a contentar a nadie salvo si lo metemos en los terrenos del AOR y olvídate de RPI. No voy a comentar este álbum y prefiero dejar la historia de la PFM con la última entrega de Mussida en sus filas y con esta caja de 5 discos impecables y respetuosos con su pasado. ¡¡¡Salve césar morituri te salutant!!!
La próxima semana nos espera Banco del Mutuo Soccorso.
Alberto Torró




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MAGMA - KÖHNTARKÖSZ (1974)

La forma de actuar de Magma en sus conciertos era presentar piezas nuevas que estaban en período de gestación y con un amplio margen a la improvisación digamos que controlada, porque cada música y track en directo se convertirían posteriormente en las grandes composiciones de estudio. Una forma de proceder atípica como casi todo lo que concierne a este extrovertido y genial personaje llamado Vander. La semana pasada hablamos de una de las partes que componen la primera gran trilogía épica y vuelvo a nombrarlas porque con la cronología de Magma es muy fácil perderse y el origen de una composición puede estar muchos años atrás de la grabación definitiva y la edición oficial en estudio. Mekanïk Dëstruktïw Kommandöh fue el tercer movimiento de otros dos : el primero Theusz Hamtaahk se grabaría completo en 1980 nada menos. El segundo Würdah Ïtah lo haría en 1975. Un poco lioso ya lo sé, pero así es esta historia.


Köhntarkosz de 1974, el disco y personaje que nos ocupa hoy, se gestó a la par que Mekanïk pero musicalmente es completamente distinto al anterior. En esta ocasión sería el primer movimiento de la segunda trilogía, y me da la sensación de estar hablando de Richard Wagner y la saga del anillo por la forma en que sucede la historia de Magma, pero nada que ver por fortuna musicalmente con el visionario germano. Fueron muchas las composiciones previas a este trabajo como iremos viendo a lo largo de los artículos semanales y todo encajará, o eso espero, al final de esta fascinante historia. Köntarkosz es un personaje de la mitología Kobaiana y me remito a los “literatos magmáticos”, que como los de Star Trek o Dune, controlan hasta el color de la ropa interior de sus héroes. Mi caso es hablar de música y poco más. A grandes rasgos la historia relata el descubrimiento de la tumba de Emehntteh Ré. Una antigua deidad o leyenda egipcia que conoció los albores de la civilización de Kobaïa y de la visión metafísica que ese descubrimiento le produce. Fúmate un buen porro y unas copas de cognac francés caro y a lo mejor entiendes algo de esta locura. Yo insisto en la música y esa es mi función.

Köhntarkosz es un disco muy difícil del cual yo no recomiendo empezar si no has oído nada de la banda. Un desafío en toda regla incluso para mí. Me ha costado lo suyo penetrar en su telúrico mundo de tensión y oscuridad. Una bajada a los infiernos. No obstante, si pasas esta prueba, estás ya preparado para disfrutar de esta banda el resto de tu vida. Reconozco que con los años cada vez más me gustan las músicas difíciles, quizás porque ya lo he escuchado todo, por la vejez, la rutina, lo previsible, la falsedad de todo, no lo sé. En Magma veo algo auténtico, insobornable, incluso con algunas concesiones fáciles que hicieron en los 80´s porque nadie está libre de pecado. Köhntarkosz tiene mucho de misterioso, de diferente, de música de otro mundo y no hay concesiones a la bondad. Es como un viaje al mundo de Tanatos, al mundo de la oscuridad y la muerte y al mismo tiempo un empuje de rebeldía, de ira. Un trance entre el temor a lo desconocido y a la iluminación.


 La primera parte son 15 mtos estáticos y extraños. Su ritmo se acentúa en los tiempos débiles del compás, una demencial marcha a contratiempo donde la música no se sabe si avanza o retrocede. El efecto es raro, atípico y el que sepa leer música se dará cuenta de la genialidad de la composición. Un oído convencional, lo más probable no podrá soportarlo porque lo interpretará como una música monótona. Se quedará desgraciadamente en lo superficial, porque ahora más que nunca la música precisa de nuestra atención al 100%. Las voces “no cantan” tocan, son un instrumento más y esto es muy importante resaltarlo aquí: Las voces en Magma son un instrumento más y este disco es fundamental para entender esto. Magma te hace traspasar una puerta a la que no estás preparado e incluso replantearte tu forma de sentir y escuchar música. Casi nadie consigue esto. Nos vamos a los otros 16 mtos de la segunda parte. La tensión acumulada debe deshacerse, porque nadie aguanta tanto peso de grava, telarañas, oscuridad, escarabajos sagrados y olores marianos bajo tierra y la visión inerte de la tumba hace pensar a nuestro héroe Köhntarkosz en el mensaje de la divinidad asesinada en los albores de los tiempos pre-kobaïanos y todo despierta: la ansiedad, las voces antaño histéricas encuentran un halo de luz y esperanza y una repentina euforia de la locura visionaria se desborda. La música corre ahora como un río estancado que revienta por siglos de putrefacción y muerte, las voces enloquecidas desaparecen y la música se lanza rompiendo la opresión y la pesadilla. Hay un camino a la superficie y hay que recorrerlo rápido y con entusiasmo. 

Un instrumento inusual en Magma es el órgano mientras el Rhodes define quien manda. Las voces se lanzan al éxtasis y a la evolución rítmica se acelera en uno de los pasajes instrumentales más cargados de jazz free avandgarde – rock que puedas imaginarte. La música es áspera y fantástica a la vez. La guitarra de Brian Godding no se atiene a parámetros y quema literalmente. Hacia el final vander recita gritos kobaïanos y las estructuras iniciales corren rápido en compases que se van frenando entre susurros rituales e incómodos. 


Dos piezas engordan el escaso minutaje de los 32 mtos de la pieza: Ork Alarm de Jannick Top con su cello incisivo y sus voces tribales y Coltrane Sundïa donde el voltaje general y la histeria bajan hacia el relax pianístico del propio Vander. Una recomendación es que no oigas a Magma por vez primera en este disco. Tirarás la toalla y probablemente le cojas manía. Es completamente natural. Magma no hace música para oídos convencionales. No lo oigas si no te apetece, seguirás en el mundo amable y agradable de la música. No pasa nada. Pero si entras en esto, no volverás a escuchar la música de igual manera en tu vida. Elige lo que quieras.
Alberto Torró



Temas

A1 Köhntarkösz Part One
A2 Ork Alarm
B1 Köhntarkösz Part Two
B2 Coltrane Sündïa






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CURTIS KNIGHT ZEUS - The Second Coming (1974 / DAWN)

El entrañable Lemmy solía tener razón en casi todo que decía, pero se equivocaba en algo. "No entiendo cómo no se venden nuestros más recientes discos. Sólo venden los clásicos". Esto solía repetirlo en las entrevistas como un mantra maldito. En realidad,  era fácil de entender. Nadie estuvo más capacitado para el puesto en Motorhead, que Philthy Animal Taylor y Fast Eddie Clarke. El puesto de batería no requería de una técnica perfecta espectacular, típica del mundo del heavy metal. Bastaba con el machaque punk, garagero y descacharrante de Taylor.....y su actitud peligrosa. En realidad, era un intuitivo Keith Moon. En el caso de la guitarra pasaba lo mismo.  No puedes hacerte el rocker viniendo del heavy. Y a pesar de que Phil Campbell lo disimule muy bien, de allí provenía.  En cambio el recién desaparecido Eddie Fast Clarke, era sinónimo de autenticidad elevada a la enésima potencia.


El último miembro que quedaba del "Ace of Spades - Team", nos dejó con la sensación  de que aquellos discos históricos, eran algo más que el ilimitado carisma de Lemmy. Clarke sí que aportaba Rock'n'Roll, Blues, Psicodelia y ese influjo, (nunca papel carbón), de Hendrix,  que le daba un plus de aura de sinceridad.

El listo de Curtis Knight,  que en los 60 se había recorrido todo el circuito de clubs de música negra con sus Squires  (y un desconocido Jimi Hendrix), por Estados Unidos, veía ahora con envidia insana cómo su ninguneado guitarra solista había triunfado en solitario. Y tras su muerte, el mundo lo había canonizado. Otro que quiso apuntarse a su estela para sacar tajada.


Primero editando un par de libros al estilo "yo lo vi primero". Luego trasladándose en los 70 a Inglaterra, como él,  tratando de vivir de "su" leyenda. Por si no era suficiente, se había montado un negociete junto al mánager de los 60, Ed Chalpin. Vendiendo cintas de Curtis Knight & the Squires como discos de "Jimi Hendrix". Cientos de bootlegs inundaron el mercado con su rhythm 'n'blues mal grabado, y un Hendrix abandonado en una esquina. Por otro lado, para su aventura londinense monta Curtis Knight Zeus con la idea de heredar el sonido de su antiguo asalariado. Más expolio. Para "The Second Coming" necesitaba  un guitarrista de parecidas aptitudes. Ese fue un desconocido Fast Eddie Clarke. John Weir (bajo), Chris Perry (batería) y Nicky Hogarth (órgano y teclados) eran el resto de la banda. Knight se encargaba de la voz solista,  guitarra rítmica y producción. "The Second Coming" se grabó en los CBS y Olympic Studios en 1974, (éstos  últimos verían nacer "Bomber" cuatro años después). Su eclecticismo es la gran baza de este entretenido, aunque algo truculento,  álbum. Pero sin duda, su "ace of spades" era Fast Eddie Clarke.


Su comienzo con "Zeus" (2'17) declara las intenciones hendrixianas desde un principio. La forma de cantar de Knight es descarada. No tanto la intachable guitarra de Eddie Clarke, que ya distinguimos perfectamente., y más cuando ataca el wah wah. La sección rítmica también es destacable, con un mini-sólo phaser de batería incluido.
Es una tremenda entrada Hard Psych. 

"New Horizons" (3'57) posee acústico hippie feel made in Laurel Canyon,  con aporte coral femenino que ofrece pinceladas Soul.

"Silver Queen" (6'13) vuelve a su particular manera de enfocar su "Hendrix way". Con voces souleras aquí,  teclados a lo Manzarek allá,  y la avispada guitarra de Clarke dando el verdadero punch de calidad Hard Psych Blues.  Que, digámoslo ya, hace de un disco que iba para "correcto", un muy buen ejemplar.


Un ejercicio de puro Mountain nos presenta "Mysterious Lady" (2'44), y Fast Eddie saliéndose,  en su salsa.

"Road Song" (4'36) lleva un troton ritmo blues al estilo de "Tobacco Road". Que incluye las negroides voces en clave The Supremes, con mobiliario Doors, y la incendiaria guitarra de nuestro hombre, qué coño, el verdadero protagonista del disco. Inmenso. 

"People Places and Things (2'52) podria pasar por cosecha de Rory Gallaguer, con un hacha del mismo nivel. Ahora entramos en una de esas curiosas paradojas del rock. 

Este "Cloud" (8'26)....aparte de ofrecer un tremendo trallazo Hard Blues Psych, es un auténtico esbozo del "Capricorn" y "América", himnos eternos de Motorhead. Eddie lo ataca del mismo modo, y te hace pensar mucho, mucho. Probablemente es el mejor corte del álbum,  con fuerte carga progresiva y un desarrollo instrumental que recuerda a los mejores momentos de Patto. 

La cosa no queda ahí,  porque en "Eyes of a Child" (2'44) uno parece estar ante un outtake de los propios Motorhead. Hasta Curtis Knight canta desaforadamente,  como si Lemmy lo hubiera poseído. De hecho, esto es puritito proto-Motormyth sound!!!!


"The Confession" (5'51) desprende el sibilino arrastre rítmico de los primeros ZZ Top, en su rattlesnake hard rock blues. Que Fast  Eddie borda sin esfuerzo en otra maravillosa intervención. 

"Oh Rainbow" (2'36) y su hendrixiano sabor, (Funkadelic también en el punto de mira), ponía punto final al disco. 

Aunque la reedición cd incluye "The Devil Made Me Do It" (2'36), que fue cara A de single en ese mismo año. Un pedazo de lisergia bluesera ácida  con dominio funk de Clavinet, coral afro y Sly & the Family Stone en mente. Clarke no se priva de lucirse.
Curtis Knight  murió de cáncer en 1999 a los 70 años.

Experience Hendrix family consiguieron por fin los derechos de su obra junto a Hendrix.

Y Fast Eddie Clarke se merece un monumento a la derecha de Lemmy Dios Padre.....me partiría la cara defendiendo a éste ante cualquier ofensa. Pero si crees que los discos clásicos de Motorhead  fueron sólo obra de Lemmy. ....Piénsalo otra vez.
J.J. IGLESIAS

PD - "Prefiero haber compuesto "Ace of Spades" que tener un millón de libras en el banco. Porque "Ace of Spades" seguirá ahí cuando me muera"
FAST EDDIE CLARKE



Temas
01. Zeus (3:19)
02. New Horizon (4:00)
03. Silver Queen (6:15)
04. Mysterious Lady (2:47)
05. Road Song (4:38)
06. People Places and Thing (2:55)
07. Cloud (8:27)
08. Eyes of A Child (2:47)
09. The Confession (5:54)
10. Oh,Rainbow (2:47)
11. The Devil Made Me Do It (bonus) (2:36)



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Blues Image ‎– Blues Image 1969

Los Blues Image procedían de Florida concretamente de Tampa, en 1966 se formaron teniendo en sus filas a Mike Pinera (voz, guitarra) ,  Manuel  Bertematti (voz, batería),  Joe Lala (voz, percusión) ,  Emilio García (teclados) y  Malcolm Jones (Bajista). Emilio García no duró mucho ya que abandonó la música para ser piloto, su puesto lo ocupó Frank  Konte.


En 1968 se trasladan a Miami donde fueron grupo "soporte para el local "Thee Image" donde llegaron a actuar bandas como Cream, Grateful Dead o Blood, Sweat and Tears. Su primer disco llega en 1969 de la mano de Atco Records y un año más tarde llega, "Open", su segundo trabajo con el que obtienen un notable éxito con el tema "Ride Captain Ride" vendiendo más de un millón de copias. Mike Pineda abandona la banda para unirse nada menos que a los Iron Butterfly en el otoño de 1969. Entran a formar parte de la banda  Denny Correll (voz) y  Kent Henry (guitarra), En mayo de 1970 llega su tercer álbum, "Red White & Blues Image", y su disolución. Bertematti entró a formar parte de New Cactus Band junto a su compañero Mike Pineda. Konte se unió a Three Dog Night y Lala tuvó una exitosa carrera tocando junto  a  The Byrds ,Crosby, Stills, Nash & Young , Manassas , The Stills-Young Band , The Bee Gees , Whitney Houston , Joe Walsh , Andy Gibb, etc.


El primer disco de Blues Image fue editado en Julio de 1969. La grabación contiene nueve temas donde podemos encontrar muy buen rock psicodélico con algo de  blues y curiosas pinceladas latinas. En el apartado psicodélico podemos incluir " In Front Behind You" o "Yesterday Could Be Today". Como blues tenemos "Leaving My Troubles Behind" y "Lazy Day Blues". Curiosos temas con aires latinos y cantados en inglés y español como " Outside Was Night" o excelentes rock como "Take Me To The Sunrise" o " (Do You Have) Somethin' To Say" que nos hacen recordar a Iron Butterfly o la época inicial de Deep Purple. Su teclista Frank  Konte nos puede sonar a Jon Lord. Destacar  la excelente labor de Pineda con las guitarras. El tema que cierra el disco, "Reality Does Not Inspire", tiene un pequeño solo de percusión a cargo de Joe Lala.
J.C. Miñana




Temas
A1 Take Me To The Sunrise 00:00 
A2 Leaving My Troubles Behind 04:15 
A3 Outside Was Night 08:06 
A4 In Front Behind You 12:01 
A5 Lay Your Sweet Love On Me 15:14 
B1 (Do You Have) Somethin' To Say 17:29 
B2 Lazy Day Blues 21:27 
B3 Yesterday Could Be Today 26:17 
B4 Reality Does Not Inspire 28:28



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PERREY & KINGSLEY - The In Sound From Way Out (1966 / VANGUARD) (SERIE PIONEROS)

Según el libro "Incredibly Strange Music Vol. 1", los pioneros en música electrónica  Jean-Jaques Perrey y Gershon Kingsley, (ambos ya aparecidos por ésta sección), crearon dos de los más originales álbumes de los 60. "The In Sound From Way Out" y "Kaleidoscope Vibrations: Spotlight on the Moog". Usando prácticamente tape-recorders y tijeras, en un corta y pega de humorística visión de futuro, la cual no está trasnochada".


Perrey y Kingsley hicieron equipo en USA por 1964, utilizando técnicas de la música concreta y primeros prototipos modulares. Concretamente de Moog, y un steampunk cacharro llamado Ondioline. La revista Down Beat llegó a decir que esto "era el antídoto que necesitaba la música electrónica sería". Y la verdad es que se nota que el dúo se divirtió de lo lindo en la elaboración  de estos discos. La música electrónica había descubierto la ironía y el cachondeo. Seguro que Zappa tuvo noticia de estos discos. En ello entramos nada más comenzar "Unindentified Flying Object", y su irreverente tropical-exotic-lounge-marcianil, hecho con gracia y salero.


"The Little Man From Mars" podría ser el "techno de los 60". Ingenuo, casi de peli de Walt Disney, y con un deliberado intento de huir del elitismo formal de la electrónica contemporánea. Lo que no le quita su dificultad de construcción y sabio manejo de tan primitivos cacharros. 

En la exposición de "Cosmic Ballad" podemos encontrar las semillas de The Residents,  Yellow Magic Orchestra, Devo,  Kraftwerk, The Human League y todo lo que vino con el mestizaje del pop con lo cibernético. 

"Swan's Splashdown" tiene todo el aire de una "sintonía moderna" para programa  tv de estética progre en aquellos alocados y libres 60s. 

No se privan de la experimentación gamberra con sabor clásico en "Countdown At 6", adelantando ideas a lo que hará  un par de años más tarde, Walter (todavía) Carlos.


Una especie de "La Bamba" electrónica,  con sonido a juguete de época  más exotic sounds, es "Barnyard in Orbit", realmente jocosa y sin pretensión alguna.

Vaya currada "secuencial" la demostrada en "Spooks in Space", con todo tipo de ruiditos en bucle loop y estilos ajenos al asunto, realmente original.

 "Girl From Venus" tiene su valentía y riesgo para un 1966. El pop electrónico estaba gateando con exponentes de éste calibre. Porque aquí está el inicio de algo gigantesco, sobretodo para dentro de dos décadas.  

"Electronic Can Can"lo dice bien claro, es una tonada electrónica para beber jarras de cerveza en un Oktoberfest,  sin preocuparse de más. ...profetizando el kraut rock a su manera?...

"Jungle Blues From Júpiter" es eso, un blues marciano (vale, de Júpiter), con proto-synths de inusual sonido, y más por esas fechas. 

"Computer in  Love"  es un temprano esbozo de naif melodía  en adelanto a lo que explotaron con éxito años después Ralf Hutter y Florian Schneider. 

Y "Visa to the Stars" cabalga el espacio a ritmo de bizarre Country & Western al estilo de series como "Bonanza".

Son doce sketches de no más de dos minutos, con la frescura, infantil si se quiere, de lo que se está inventando en el momento. Sin ser muy conscientes, Perrey & Kingsley,  de la caja de Pandora que estaban abriendo.
Para nuestro disfrute.
J.J. IGLESIAS


Temas
1."The Unidentified Flying Object" – 0:00 to 1:57
2."The Little Man from Mars" – 1:59 to 4:23
3."Cosmic Ballad" – 4:27 to 7:50 
4."Swan's Splashdown" – 7:55 to 10:10 
5."Countdown at 6" – 10:15 to 13:03
6."Barnyard in Orbit"(Jean-Jacques Perrey, Harry Breuer, Sam Fiedel) - 13:08 to 15:30 
7."Spooks in Space" –15:35 to 17:36
8."Girl from Venus" – 17:40 to 20:01 
9."Electronic Can-Can" – 20:05 to 22:03
10."Jungle Blues from Jupiter" – 22:10 to 25:03 
11."Computer in Love" – 25:07 to 27:09 
12."Visa to the Stars" (Andy Badale, Jean-Jacques Perrey) – 27:14 to 29:29






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