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ISILDURS BANE - M.I.N.D VOLUMEN 1 ( 1997)

Hay una considerable diferencia de tiempo desde las líneas marcadas en el extraordinario Voyage y este arriesgado y fascinante MIND. De las líneas tenues y evocadoras del pasado y el modernismo presentes en gran parte del anterior “A trip To Elsewhere”, la música avanza ahora hacia la vanguardia y el desafío en unas composiciones muy complicadas que frenará a muchos prog lovers, habituados a formas más asequibles y amables. A los que no les guste el Zappa más enrevesado, el RIO o el Zeulh deberán frenarse en este disco o bien aventurarse y entrar en un mundo sonoro diferente. Un reto. Nadie dijo que la música tenga que ser fácil. A snobs y pedantes compositores como Pierre Boulez, les encantaba decir que “no hay músicas difíciles, tan solo oídos ignorantes”. El caso de los compositores “contemporáneos” serialistas y atonales de los 50 y 60´s forma parte de otra patología repelente a estudiar que ahora no viene al caso y que en alguna ocasión sería divertido hablar de ella.


Afortunadamente Isildurs Bane no hacen música al nivel de tomadura de pelo, como puedan ser Berio, Cage, Nono, o los iluminados “aleatorios”. Tranquilos pues, que Isildurs “sí es música” compleja y mucho, pero nada que ver con la abulia o el aburrimiento del intelectualismo psiquiátrico o el onanismo sonoro (pajas mentales en lenguaje cotidiano).


MIND comienza con las cinco fases de “The Flight Onward” y si uno conoce bien la obra de Zappa, no va a tener ningún problema. Y como digo muy a menudo “la excelencia” de música que repuebla tu mente, rica en elementos para cerrar los ojos y dejarte llevar. Es progresivo culto y elaborado, no hay duda, pero está hecho para que tu mente juegue, se expanda, se divierta, piense, y por supuesto se emocione. No es música fría, en absoluto. Es deudora de una buena base de técnicas ricas y variadas que van del jazz imaginativo a la clásica moderna abierta y sin “sectarismos” de corrientes enclaustradas y frígidas. El violín o la guitarra acústica de Ataraxia lo dice todo: la complejidad de lo hermoso, de lo honesto, de lo válido… que es una caricia, no una bofetada snob insufrible. Y si alguien piensa que meterse un micrófono en el esfínter para producir nuevas experiencias sonoras es avandgarde le diré que sí, que todo es posible…otra cosa es que sea MUSICA. Eso lo podríamos hacer Jota y yo en el próximo álbum y gozaría de la misma indiferencia que una bonita melodía. Nadie se enteraría. Que quiero decir con esto, que Isildurs es una banda valiente, destinada a muy pocos oyentes, pero buenos aperturistas que distinguen entre “música” de verdad y ocurrencias intelectuales cada vez más falsas, baratas o estúpidas y el descerebrado siglo que nos toca vivir hoy y ahora es cada vez  mas proclive al engaño, y a que lo barato y cutre sea cada vez más caro.


 Si vas avanzando en la escucha de MIND, parece que nos hablan de una realidad paralela, de un grupo que le da una oportunidad a la inteligencia y a la naturalidad. Que “se la suda” el presente de grupos cargantes y aburridos. 

“The Pilot” ha encontrado una nave tranquila, aparcada, no hay mundos que la apetezca visitar hoy. Quedaba cerveza en el pequeño frigorífico de la nave  pero pronto se lo echan en cara. 

“Unity” habla del yo, que está perfectamente solo, observando y muy seguro de sí mismo, disfrutando del vacío y de su propia perfección. 

“Oportunistic Walk” transcurre como un hermoso sueño a veces interrumpido por personajes impertinentes y obsesivos a los que el protagonista desafía con ironía. Un paseo descriptivo lleno de interrupciones e historias parelelas, que el protagonista intentará evitar…huir a toda costa. Lo absurdo de la situación se refleja en una sugestiva música. La guitarra se clava literalmente a la espera de una farmacia que reduzca el dolor, no sirve solo el paracetamol, hace falta algo más fuerte. Una carga de conciencia aturde al protagonista confuso y solo, aunque algo lo tranquiliza… una visión momentánea?... gentileza al fin’.. un ser diferente?...un halo de sabiduría’? La medicina holística nos devuelve a Ravel y a su solitario destino…voces?...una campana…la vida se termina al fin…que descanso, ángeles vienen a recogerme pero ya me he ido. 

Nada entiendo ahora, pero la guitarra ya no me duele tanto aunque tiene contraindicaciones. Estoy tumbado y temeroso sin ganas de incorporarme, hay resquicios de vida…tan leves que me dan pereza aunque probablemente estoy muerto y solo son recuerdos borrosos de la memoria…que apatía. Alguien decide que el muerto se levante pero solo se arrastra, pierde masa, líquidos corporales y la voz de la conciencia lo trastorna…se arrastra al abismo negro y se pierde. Es el vacío. Una página en blanco es la última pieza, nuestro absurdo paso por la vida sin que nadie nos recuerde y en realidad ¿que falta hace que nadie nos recuerde?. Si en realidad probablemente nunca hemos estado.
Alberto Torró




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KARAKORUM - Karakorum (2016 / KARAKORUM)

Como ya va acabando el año, y a todos nos gusta hacer más o menos un balance, os traigo por aquí a una banda de reciente cuño. No suelo hacerlo, a no ser que su calidad desborde el simplemente "están majos", y me hayan transmitido esencias como mínimo,  tan buenas como en los 70. Éste quinteto alemán  de Muhldorf, Bavaria,  de aspecto hippie recién salidos del sello Brain  (si existiera), son : Máx Schorghuber y Bernhard Huber (ambos guitarras, percusiones y voz), Axel Hackner (órgano, sintetizadores, voz), Jonas Kollenda (bajo, contrabajo, voz) y Bastian Schuhbeck (batería,  percusión,  vibrafono, lap steel y voz). 


Su homónimo debut salió el año pasado por su cuenta, pero yo los descubrí recientemente. Es un artefacto que chorrea retro-kraut con la veracidad suficiente como para quitarle el "retro". Porque éstos tíos creen firmemente en ésta música,  y dudo que "recreen" nada. Como se advierte en las primeras notas de "Phrygian Youth" (7'28), donde la melodía dirigida por el órgano nos lleva a los primeros tiempos de Jane. Guitarras planeantes, contestadas por teclados muy Bardens, (o de orientación jazzy), conforman un sólido tema hard prog que podía datar del 71 perfectamente.


"Beteigeuze Part 1" (15'41), con una intro que emula un clavicordio, recuerda a momentos gloriosos de ELP. Aunque su posterior desarrollo esté más cerca de paisanos suyos como Schicke, Fuhrs & Frohling o Tritonus. Fuerte fiebre mellotronica,  bajos de gordo percutado Rickenbaker, devaneos jazz free e "improvisaciones preparadas" , que te recordarán a los King Crimson de "Lizard". O a los franceses Shylock. O a los acthales Anglagard. La maestría orfebre de éstas estructuras no parecen ni por lo más remoto que pertenezcan a un primer disco. Pero asi es. Estos tíos se salen de la norma. Vuelve el sonido de clave para terminar ésta primera parte. 

La segunda, de casi 10 mts, cuida el apartado vocal como unos Flower Kings, pero amueblan tirando para casa al estilo de Grobschnitt. Es otro derroche de lirismo guitarristico en complicidad con el órgano,  y una atenta sección de ritmo muy imaginativa.


 La tercera parte de "Beteigeuze" (17'11) tiene un poso escandinavo absoluto. Los mencionados Anglagard, Anekdoten o Gargamel, en igualdad de condiciones para Karakorum. El reinado analógico campa a sus anchas, en imprevisibles cambios y siniestros pasajes de densa oscuridad progresiva. Que gozada, brothers. Para colmo, la voz solista ( ignoro quién es), gusta claramente del estilo de John Wetton. La pasión por estas músicas resplandece en éste grupo. 

Que finalizan con otra joya (más), en "Fairy Tales" (14'26) ; sobreexponiendo el legado kraut heredado de McChurch Soundroom, Message, Nektar (sí,  ya sé. ...), Necronomicon, Drosselbart, Eulenspygel, Gomorrah o Gift. Mucho tomate.


Este año han visto editado su primer álbum oficial, titulado evidentemente, "Beteigeuze" (2017 / Tonzonen). Masterizado por la leyenda Eroc (Grobschnitt), y editado en vinilo de color en cantidad de 500 copias. Éste consta únicamente de las tres partes incluidas en el autofinanciado previo, si bien la tercera parte sube de minutaje hasta los 24 mts. Cualquiera de las dos ediciones me vale para considerarlo mejor disco del año, y eso que la cosecha ha estado florida. Tienen el nombre apropiado. Creativamente, estos alemanes ya están en la cima.
J.J. IGLESIAS


Temas
1.  Phrygian Youth
2.  Beteigeuze Pt. I
3.  Beteigeuze Pt. II
4.  Beteigeuze Pt. III
5.  Fairytales





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SECRET OYSTER ‎– Secret Oyster 1973

El saxofonista danés Karsten Vogel lleva más de 50 años de carrera musical a sus espaldas . Afinales de los 50 estaba dando conciertos de jazz en diversas formaciones. En 1963 junto a sus hermanos forma un cuarteto que gana un concurso en Dinamarca. En 1967 forma Burnin Red Ivanhoe, banda progresiva que debuta en diciembre del 68 junto a  Spooky Tooth. Su primer disco con esta formación se publica en el verano de 1969, "M 144", álbum doble que integra sonoridades del rock con el jazz y el progresivo. La banda se disuelve temporalmente en el 72 ya que parte de sus miembros se integran en un nuevo proyecto de Vogel, Secret Oyster.


La primera formación de Secret Oyster estaba integrada por Karsten Vogel (vientos), Bo Thrige Andersen (batería), Mads VINDING (bajo), Claus BØHLING procedente de HURDY GURDY (guitarra) y Kenneth KNUDSEN (teclados). Su presentación oficial se realizó el 12 de septiembre de 1972 en Montmartre, Copenhagen. Son fichados por la CBS y su primer disco , "Secret Oyster", ve la luz en el 73.  Posteriormente llegarían "Sea Son" (1974), Vindunderlige Kælling (1975) y Straight to the Krankenhaus (1976). Más de 500 conciertos por todo el mundo y realizando giras junto a Captain Beefheart y Herbie Hancock  entre otros.


Este primer disco de Secret Oyster fue grabado en Nibe, al noreste de Jutland, con un  Revox de 2 pistas y en tan sólo tres días. La música que nos ofrecen es un jazz rock mezclado con tintes free jazz y progresivo en línea con formaciones del tipo MAHAVISHNU ORCHESTRA. El disco se inicia con el dinámico "Dampexpressen", gran riff rockero de Claus BØHLING compitiendo con el piano eléctrico de Kenneth KNUDSEN y los vientos de Vogel. Buen comienzo. "Fire & Water" nos sigue mostrando una banda de fusión jazz rockera con grandes musicos en un ambiente que podría considerarse de "jam session"."Vive La Quelle ?" es otra trepidante composición donde el batería Bo Thrige Andersen tiene su protagonismo. Nos relajamos levemente con "Blazing Laze" la más jazz de todo el repertorio, Vogel  camina a sus anchas. Llegamos al mejor tema de la grabación, "Public Oyster", los cinco maestros dándolo todo y compitiendo entre ellos. Once minutos de deleite jazz rockero. "Mis(s) Fortune", tema compuesto por KNUDSEN (teclados) para su lucimiento personal. El disco finaliza con "Ova-X", La más free jazz de todas. En una posterior edicción se incluyeron dos temas más: "Dampexpressen (Live)" y Orlavær. Como curiosidad podemos decir que el disco fue lanzado internacionalmente bajo el nombre de "Furtive Pearl".
J.C. Miñana



Temas

1 Dampexpressen 00:00 
2 Fire & Water 04:27 
3 Vive La Quelle ? 10:04 
4 Blazing Laze 18:58 
5 Public Oyster 23:56 
6 Mis(s) Fortune 34:48 
7 Ova-X 36:18 
Bonus Tracks:
8 Dampexpressen (Live) 41:24 
9 Orlavær 48:49





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HAWKWIND - Hawkwind (1970 / LIBERTY-UA)

Estamos en 1969 y un grupo de pirados freaks del barrio de Ladbroke Grove llamados Group X toman el escenario de All Saints' All, en Notting Hill Gate, con furia caníbal. El público,  formado por unas 50 personas acostumbradas a las performances drogatas más esperpenticas,  alucinan con éstos nuevos aliens. Poco después se llamarán Hawkwind Zoo, ya con un leal seguimiento friki de todo London. Fichan por UA, que andaban buscando sonidos bizarre para ponerse al día. Acortan el nombre a Hawkwind y comienza la leyenda.


 Nick Turner, saxofonista desquiciado por John Coltrane y el hombre de los mil disfraces. Dave Brock, abyecta mente y cerebro del grupo a la voz, guitarra, armónica,  percusión y loco de la ciencia ficción.  Huw Lloyd-Langton, guitarra solista. John A. Harrison al bajo. Terry Ollis en la batería. Y Michael Davies, alias DikMik,  como "miembro metido con calzador" en un principio. Éste era un roadie empeñado en entrar en el grupo, pero con la guitarra era imposible. Compra un audiogenerador de sonidos (ni siquiera un primerizo sintetizador) en Tottenham Court Road, y se presenta ante la banda. La manipulación de ondas sobre el conjunto musical del grupo consigue el efecto sci-fi deseado. La cosa funciona, y es admitido sin tener mucha idea, en un principio. Pero ésta casualidad hará que les consolide un distintivo sonido. Además de adelantarse muchos años a estilos que estaban por venir.

DikMik fue un total visionario. Y nos ha dejado éste mismo mes, uniendo sus noise generators al bajo de Lemmy y la guitarra de Lloyd Langton. Un nuevo Hawkwind interdimensional se estará formando en algún plano de la existencia.....


Los Hawkwind de 1970 entran en los Trident Studios con el guitarra de The Pretty Things, Dick Taylor, (fundador de The Rolling Stones), que acababa de dejar al grupo para tomarse un respiro como productor. Las majaradas del grupo andaban semi-organizadas, y Taylor opta por grabarlos en directo, viendo el desmadre sonoro que arman. Luego tocaría algunos bolos con ellos, antes de volver de nuevo con The Pretty Things.

"Hurry on Sundown" (4'55) casi es un blues entre Mayall y Dylan, pasado por la batidora LSD. "The Reason Is?" (3'30) apunta en dirección psych/ambient al estilo de Pink Floyd por esos días.  Enlaza con "Be Yourself" (8'01) , puede que el primer corte grabado con típico "Hawkwind sound".

Saxo sobrevolando, sonidos anárquicos electrónicos,  agilidad rítmica. ....una cosmic jam en toda regla. Casi imaginas cómo se lo montaron en el exterior del Festival de la Isla de Wight,  donde improvisaron un escenario y un show que hasta llamó la atención de Jimi Hendrix, dedicando una canción al "tipo de la cara plateada" (Nick Turner). DikMik hace un uso simple, naif, pero muy inteligente de sus electronics y osciladores.


"Paranoia Part 1" (1'12) termina la primera cara con enigmáticas vibraciones. Que siguen en el otro lado en "Paranoia Part 2" (4'10) con delirante lisergia, aunque muy bien entendida musicalmente. Ésta se encadena a "Seeing It as you Really Are" (10'44), pura ciencia ficción -jam,  con primitivos sonidos del audiogenerador (imitando al theremin), y adelantándose a Eno y muchos synth kraut wizards próximos. La intuición de DikMik es incontestable, y demuestra que un "no músico " puede aportar sabiduría  como el mejor de los virtuosos. El saxo esquizo de Turner termina el trip llegando a buen puerto,  casi de color carmesí. Por ultimo "Mirror of Illusion" (7'08) ayuda a conformar el clásico estilo Hawkwind todavía no enteramente definido. Ese mismo que se adelantaria al punk, gótico,  industrial, techno, heavy, drone  y yo que sé cuántas cosas más. A pesar de ser un primer álbum con todavía fuerte influencia floydiana, (en los bonus tienes una versión del "Cymbaline" nada desdeñable), fue un paso de gigante en el desarrollo del género prog/psych.

DikMik compartiría teclados con Del Dettmar (a consecuencia de un accidente de coche del primero que obligó a sustituirlo temporalmente). Y asistiría a la época dorada del grupo : "In Search of Space", "Doremi Fasol Latido" y "Space Ritual", del 69 al 73. Como el propio DikMik dijo : "Algunos miembros de la banda odiaban el debut, pero yo creo que fue el más musical que hicimos".
J.J. IGLESIAS


Temas
Hurry on Sundown (Brock) 
The Reason Is? (Brock) 
Be Yourself (Brock) 
Paranoia -- Part 1 (Brock) 
Paranoia -- Part 2 (Brock) 
Seeing It as You Really Are (Brock) 
Mirror of Illusion (Brock)






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Felix Pappalardi & Creation - Traveling In The Dark - Live ... Denver `76

En Rockliquias siempre hemos tenido cierta fascinación por las bandas procedentes del sol naciente. Nuestro redactor Alberto Torró dedicó un monográfico al rock progresivo japonés, comentando más de cuarenta grupos del género. Por mi parte también he rescatado algunas joyas niponas, entre ellas el BLUES CREATION - Live, proyecto del guitarrista Kazuo Takeda que tras su disolución se convertiría en CREATION.


En 1971 Blues Creation edita su último disco, "Blues Creation Live". Dos años más tarde Takeda forma una nueva banda, Creation, y realizan una gira por Japón como teloneros de Mountain. Felix Pappalardi queda impresionado gratamente con la fuerza interpretativa de la banda. En 1975 publican su primer disco, "Creation", con una portada que hoy en día no sería muy bien vista. Aparecían unos niños desnudos orinando. A finales de año Pappalardi decide ayudar al grupo en la grabación de su segundo disco. Los invita a su casa en Nantucket, Massachusetts y tanto él como su mujer, Gail Collins, se implican plenamente en la composición de los temas. La grabación ve la luz en abril de 1976, "Creation with Felix Pappalardi". Aún editarían un disco en directo, "Pure Electric Soul " (1977), antes de separarse.

Kazuo Takeda siguió sacando discos en solitario, más de veinte y trabajando como músico de sesión. Por su parte Felix Pappalardi continuó como productor hasta que fue asesinado por su mujer en 1983.


La grabación nos muestra el concierto de Creation en el Ebbets Field club en Denver el 30 de Julio de 1976. La actuación fue retransmitida por la cadena local de radio KCUV-FM . En cuanto a la música nos encontramos con una replica casi perfecta de los Mountain, y si tenemos en cuenta que en el bajo se encuentra uno de sus miembros, Felix Pappalardi, el circulo se cierra de manera perfecta. Escuchando temas como "Preachers’ Daughters",  "Secret Power", "Dark Eyed Lady Of The Night"  o  "High Heeled Sneakers" nos parece oír al mismísimo Leslie West. Y para rematarlo una versión de más de veinte minutos del mítico tema de la banda de Long Island, "Nantucket Sleighride". Multitud de riff cargados de distorsión  emulando al gran Leslie. Sin olvidarnos del relajado blues a lo Clapton en "As The Years Go Passing By". Sonido perfecto.
J.C. Miñana



Temas
01. Preachers’ Daughters (Pappalardi/Collins/Takeda) 4.31
02. Secret Power (Pappalardi/Collins/Takeda) 6.47
03. Dreams I Dream Of You (Pappalardi/Collins/Takeda) 4.24
04. Travellin’ In The Dark (To EMP) () 3.55
05. Reason To Believe (Hardin) 3.15
06. Dark Eyed Lady Of The Night (Pappalardi/Collins/Takeda) 5.07
07. As The Years Go Passing By (Harris) 7.15
08. Nantucket Sleighride (To Owen Coffin) (Pappalardi/Collins) 21.39
09. High Heeled Sneakers (Higginbotham) 2.14

Formación
Masayuki Higuchi : batería
Yoshiaki Iljima : guitarra
Shigeru Matsumoto (: bajo
Felix Papalardi: voz, bajo
Kazuo Flash Takeda : guitarra, voz





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ETHIVA - Sublime Island (2017 / CLOSTRIDIUM) (Rockliquias Bandas)

Desde Asturias llegan este trío llamado Ethiva. Con una andadura suficiente como para no llamarlos unos recién llegados. Javi Lorenzo (guitarra, efectos), Jandro Losa (bajo, voz) y Ramón Fernández (batería) ya poseían un homónimo trabajo del 2013. Tras cuatro años de espera, llega "Sublime Island" para confirmar las buenas expectativas de su debut. La excelente portada ha sido obra de Héctor Castañon, y me recuerda poderosamente a los mundos fantásticos de Hugh Syme. Pero ni el portadista influyente, ni el hecho de que sean un trío,  hace que Ethiva tengan nada que ver con Rush. Más bien definiría su laberíntica música como un compendio prog/psych de ciertos rasgos kraut.



 Así comienza "Walk Among the Stars" (7'45), - así y con fluidos rosas ambientales-. Donde bajo y guitarra conversan en el espacio, hasta que voz y bateria rompen el intimismo cósmico. Se advierte enseguida en Javi Lorenzo un estilo personal en su manejo de las seis cuerdas y buena elección de efectos. Es curiosa la relación de influencias vintage y actuales. Por momentos pueden sonar a T2 y otros a los canadienses The Tea Party. Buena combinación. Y rara.

La cáustica guitarrera al comienzo de "While the Hills" (6'31) recuerda al gran Ax Genrich en los comienzos de Guru  Guru . Y ese pensamiento se mantiene a lo largo de toda la energía desbordante que irradia el tema.


Nuevamente Pink Floyd "Meddle-era" conecta con la tensión rítmica de "Long Lost Friend" (7'17). Mientras que los zigzagueantes dibujos eléctricos podrían ser obra de Tony "TS" McPhee y sus inolvidables Groundhogs. A ese mismo nivel estamos hablando.

Damos la vuelta al vinilo (sí,  hay editados como 200), y "Eslinga" (2'30) abre como un homenaje a High Tide.

La sección de ritmo de "Velvet Fog" (5"42) entra a quemarropa al estilo de Blue Cheer. Pero pronto es "psicoanalizada" por guitarra y voz hacia parajes lisergicos propios de la UK Neo Psych 90s ; Sun Dial, The Heads, Strobe o Dead Flowers en igual filosofía alucinógena. 

La melodía es factor clave en Ethiva, como atestigua la magnífica "Emptiness" (8'19) y su colosal estructura de puro power trío krautie. Extraordinario gasto de energía eléctrica,  bien utilizada. Finalizando con "One of Them" (2'21), en un esbozo instrumental digno de Neil Young.

"Sublime Island" es otro de esos discos del año a nivel nacional. De fecunda cosecha y rivalidad muy alta. Ethiva roza las excelencias de unos The Soulbreaker Company, con sólo tres miembros. Mucho decir, pensará alguno, pero absolutamente cierto. Y eso significa que los pone muy altos en la tabla clasificatoria de mejores bandas del país. Para mí,  una sorpresa inesperada, que suelen ser las mejores.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Walk Among The Stars 00:00
2. While The Hills 7:45
3. Long Lost Friend 14:17
4. Eslinga 21:34
5. Velvet Fog 24:05
6. Emptiness 29:48
7. One of Them 38:07



Contacto:




P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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PREMIATA FORNERIA MARCONI (segunda parte) ("Per un amico" 1972)

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (RPI) TEMPORADA UNO: CLÁSICOS

Es curioso comprobar como la fama y la leyenda de muchas de las bandas famosas del rock progresivo aunque con escasas excepciones, se debe a una época en concreto y afinando más, a unos álbumes determinados. Si lo miráis detenidamente en muchas de nuestras leyendas, lo realmente bueno y lo que ha trascendido en el tiempo se reduce tan sólo a un 20% de su producción y en algunos casos ni eso y sin embargo han pasado a la historia como unos grandes. Esto evidentemente no vale para fans acérrimos y normalmente con escaso criterio musical, que consideran estupendo cualquier cosa de sus ídolos y… ¡ojo lo critiques! Pero si observáis detenidamente las discografías de los ejemplos más conocidos, tanto de Yes, de Genesis, de ELP, de Jethro Tull, de Pink Floyd y sobre todo por poner el ejemplo más penoso, de Mike Oldfield etc… gran parte de su discografía es floja o irrelevante y sin embargo el dicho de crea fama y échate a dormir lo ejercieron sin pudor alguno la mayoría de nuestras veneradas estrellas.


La Premiata Fornería Marconi fueron uno de los grandes y uno de cuyas discografías desgraciadamente se reducen a media docena de discos fundamentales o interesantes. Curiosamente todo lo que digo se encuentra en la década de los años 70. Fuera de esa década y por vergüenza ajena no hablaré de la tríada clásica italiana más allá de los 80. Claro que grabaron alguna cosa decente y lo resaltaré en su momento, pero hicieron discos horribles y no es preciso hablar de ello. 

Tanto el primer LP de la Premiata como su segundo trabajo “Per un amico” de 1972, son dos perlas del sinfónico progresivo y si el “magnate” de la Manticore Records, es decir mister Greg Lake no se hubiese encariñado con ellos, la PFM ý esto es muy probable, no habría ido más allá de estos dos encantadores trabajos o habría sido un grupo más, encerrado en las fronteras de su país de origen. No fue así para su fortuna. Los “historiadores” del prog no se ponen de acuerdo si es mejor “Storia di un minuto” o “Per un amico”. Yo personalmente considero superior el segundo trabajo y probablemente su disco más significativo incluso antes de convertirse en el aclamado “Photos Of Ghosts” en su versión inglesa. Yo siempre he sido partidario de que cada país cante en su propio idioma, sea el que sea. Es terrible cantar en inglés si no eres anglosajón y ese cuento deberían aplicárselo la mayoría de las bandas prog, en especial las de origen latino, y tanto en España como en otros lugares de lenguas afines, hemos cometido ese error siempre. En definitiva, la versión en italiano de este disco es muy superior, aunque por otra parte, me guste más la portada del Photos. 


Una de las peculiaridades de la mayoría de bandas italianas de esa época es que los discos eran demasiado cortos, en torno a la media hora o poco más. Una constante que no sé, si se debía a las cuestiones técnicas de grabación, o a una precaria tecnología. Es posible ambas cosas. Cuando pones por primera vez la aguja en el surco de “Per un amico” y comienza a desgranarse la pieza “Appena un po”, una sensación cálida de felicidad recorre tu cuerpo, el perfume de atardecer mediterráneo se impregna, quizá por la cercanía histórica o literaria o artística de un país casi vecino, no lo sé, pero es así. Una canción preciosa, con un pasaje sinfónico central de mano del teclista Flavio Premoli, antológico y maravilloso que se repetirá en “Il Banchetto” o la fantástica “Per un amico” unas de esas joyas compositivas cuya ternura y encanto ya no veremos en adelante.


 El disco posee unos perfiles llenos de contrastes melódicos, a veces pasajes experimentales y extraños aparecen y desaparecen, pero la variedad y la riqueza compositiva se imponen aun en tan corto espacio de tiempo. La melodía es dulce y hermosa y el italiano es un idioma agradable, casi tierno, poético. No puedo imaginarme esto cantado en alemán o francés o en español quedaría terrible. En inglés es pasable, pero en italiano es sublime. El empleo de la instrumentación roza la exquisitez, las acústicas, mandolina, las flautas, los violines, el piano. No me extraña que ELP quedaran enamorados de este disco. Otras dos piezas de éste álbum demuestran la habilidad técnica de estos músicos, como “Generale” o la pieza final “Geranio”. Todas ellas salvo “Il Banchetto” serían rebautizadas en inglés como “River Of Life”, “Photos Of Ghosts”, “Mr 9 Till 5” o “Promenade the Puzzle”. Este es un trabajo que puedes oírlo una y mil veces y siempre ejerce el mismo efecto, el sentirnos agradecidos por el privilegio de haber conocido esta música.
Alberto Torró


Temas
01. Appena Un Po'
02. Generale!
03. Per Un Amico
04. Il Banchetto
05. Geranio





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ISILDURS BANE - THE VOYAGE-ATRIP TO ELSEWHERE (1992)

El refinamiento y el gusto por el modernismo les llevan por fin a realizar una música que, si bien ya tiene su punto de partida en el palacio de Cheval, los llevarán a una fascinación atemporal por una música tan compleja y mimada que es difícil de etiquetar. A partir de aquí toda la música de Isildurs Bane se aleja por completo de cualquier referencia conocida dentro del progresivo sinfónico. La originalidad y la fuente tan rica que supone toda la música que se hizo en las primeras décadas del siglo XX, es un legado inspiracional que pocas bandas se han atrevido a seguir. Quiero citar aquí como argumento al maestro Keith Emerson y a algunas de sus propias composiciones, que parten directamente de formas modernistas muy afines a muchos compositores norteamericanos. Para centrarse en lo que digo se debería prestar atención a piezas suyas como Abadon´s Bolero, Pirates, Changing States, The Score, La tercera impresión de Karn Evil 9 o el propio Piano Concerto para darse cuenta que tipo tan complejo de estructura, harmonía, melodía y ritmo emplea y ya no solo por su pasión por Aaron Copland, sino por muchos otros de esa generación de clásicos modernos a nivel global. 


Pero bueno no nos salgamos del cauce, aunque lo utilice como ejemplo de ciertas similitudes. El siguiente y doble cd en su edición original y bonita caja negra de cartón tuvo a bien llamarse “The Voyage: A trip to Elsewhere”. Se grabó entre noviembre de 1991 y junio de 1992. La obra más ambiciosa de Isildurs bane y para mí, su obra maestra. Evidentemente continúan como trabajo histórico-conceptual esta vez basado en otro extraño personaje llamado Adolf Wölfli (1864-1930) un artista suizo que pasó la mitad de su vida en un hospital psiquiátrico (los de rockliquias deberíamos tomar ejemplo) y la otra mitad viajando por el mundo y recopilando las más extrañas experiencias. Su legado fueron pinturas, inventos, composiciones y ensayos y como en el caso del loco arquitecto Ferdinand Cheval, este personaje es un maldito y olvidado de la historia del arte. La preocupación intelectual de Isildurs Bane se centra en elementos nada habituales y sin duda originales en un contexto musical como el nuestro. 

“The Voyage” es un disco tremendo, inmenso. Una obra musical que va mucho más allá de lo habitual en el estilo. Como en el trabajo anterior nos encontramos con un amplio y variado despliegue de ejecutantes. El line up básico del grupo con los Johansson, Emilson y Sverinson, se ve aumentado ahora por músicos de cámara como el Zorn Trío, un coro vocal mixto de 18 integrantes y numerosos músicos invitados. Riqueza de medios que es lo que esta música reclama y ante semejante despliegue de medios humanos e instrumentales os podéis hacer una idea de las proporciones del proyecto. Voyage se presentó en una doble caja como volumen 1 y volumen 2 y un libreto apaisado cuidadosamente presentado donde relatan con detalle cada pieza del álbum. Gaudí y su Sagrada Familia. Tarjetas postales y sonoras a la Francia de finales de siglo XIX. Referencias al arquitecto revolucionario Karl Junker´s (1850-1912) y a todo ese perfume sepia y encantador del impresionismo. Cuando yo hago música aparecen esas melodías intemporales pentatónicas tonales tan hermosas tan claras y tan maravillosamente pasadas de moda por lo que mi connivencia con estas músicas va más allá de mi mera labor de comentarista musical. 



La música está prácticamente compuesta por el teclista Mats Johansson. “The Adventures Of The Whirling Delerium” 12.01. Un tren entrando en una estación, un aeroplano, una banda de música popular…una puerta violentamente cerrada… una narración en varios idiomas y el grupo va entrando en una música indescriptible y obsesiva. El piano se hace con el protagonismo pronto contestado por cellos y violines. El retorcido entramado prog no se hace esperar demasiado con fórmulas muy elaboradas entre lo clásico, lo contemporáneo hasta que la cuerda se relaja en una inmensa ternura. Precioso. 




“A Telescope And a Hot Air Ballon” 9.12 mtos vuelven a adentrarnos en la descripción total en términos de nostalgia, inquietud, amargura, sofisticación en un diálogo entre violín y cello. La guitarra eléctrica hace su entrada de forma descarnada, arrastrada. Expresividad entre la melancolía y la tristeza. La música nos describe situaciones, sentimientos. La música nos habla de una música y época encuadrada en el impresionismo francés y una inmensa belleza culmina al fin y al cabo. 





Aparecen joyas que no exceden de los cinco minutos como “Picassiette: First walk” o las citas de una jornada en la Sagrada Familia. El refinamiento y la delicadeza se apoderan del sonido con pinceladas de flauta y arreglos que rozan el cristal. Todo el primer volumen está lleno de carga emocional y de belleza sonora dentro de una alquimia de estilos jazz incluido. 





El segundo volumen tiene la larga “Wild Is A toad” con 17 mtos de prog de alto calibre a la fripp crimson pero con mayor complejidad armónica y ritmos contrastados. Tras los iniciales cuatro minutos, piano violín y cello toman de nuevo el protagonismo absoluto en forma de sonata que pone los pelos de punta. La parte más dramática del disco y posiblemente la más genial. El estallido y la resolución capitular con un “tutti orquestal” produce un efecto sobrecogedor y emocionante. 




La sombra de Satie reaparece en las diferentes apariciones de “Picassiette” con sus dulces y amables perfumes franceses. Llegando al final una pieza extraña y vanguardista como “Nimis-Wotan´s Tower da paso a un coral religioso en la última parte de la Sagrada Familia que se rubrica en “Magnificent Giant Battles” vanguardia pura y música inclasificable que cierra uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida de rock progresivo y la etiqueta prog incluso se queda corta. Imperdonable no tener este disco.
Alberto Torró






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OPUS 5 - Serieux ou Pas (1977 - 1989 / L'ALLER-RETOUR)

Como ya señalaba esta semana en la reseña de Michel Madore, Quebec en los 70 fue otra "reserva espiritual progresiva", con su propia escena francófona. Los buenos grupos se apelotonan en la mente : Dionysos, Octobre, Contraction, Maneige, Et Cetera, Morse Code, L"Orchestra Sympathique, Vos Voisins, ExCubus, Pollen,  Sloche, Harmonium, Aquarelle, Conventum, Toubadou, Charles Kaczynski, FM u Opus 5, entre otros. 


Opus 5 editaron una verdadera obra maestra titulada "Contre-Courant" en 1976, mezclando las esencias de Harmonium, Maneige y Sloche. Un disco para recomendar a ojos cerrados. Pero para el año siguiente, en plena grabación de "Serieux ou Pas", el sello Celebration cae en bancarrota. Dejando en la estacada las aspiraciones de Opus 5. El disco no saldría hasta 1989 (alguien estaba interesado en esto ese año?!!).

Luc Gauthier (guitarras, voz), Olivier Du Plessis (teclados, voz), Serge Nolet  (flauta, voz) y Jean-Pierre Racicot (batería,  voz) formaban la banda. Es importante también la labor del arreglista y director musical, Robert Le Blanc JR. Tanto como para aparecer en portada con el grupo.

La duración de los temas se ha acortado con respecto al debut, pero la calidad se mantiene. Como se advierte en las primeras notas de "Provisoir" (4'35), claramente influido por Keith Emerson al piano.
Para seguir hacia un paraíso de Canterbury, donde la flauta de Nolet nos acerca a lo mejor del género. 


"Prelude Au Suivant" (3'21) utiliza las voces como un instrumento más,  en un delicioso coctail de esencias entre Focus y los catalanes Gotic. 


La admiración hacia Emerson se mantiene en "Subtil Desir" (2'48), y Bartok estaría orgulloso. Ésta da pie a "Episode Sur Cette Plague" (5'00), donde los arreglos, fluidos, ágiles,  llenos de inteligencia, no envidian a Hatfield and the North o Gentle Giant. Rhodes picaron, flauta traviesa y travesera,  más guitarra en gamberra elegancia. Une una sección de ritmo que es pura delicia.


Como los dibujos teclisticos naif de "Sac a Delice" (2'08). La nostalgia genesiana de "Y'a Des Choses Dans l'air" (5'50), (que podría ser perfectamente un tema de Ange). 




La delicadeza Canterbury / Camel de "Nos Amis-Fermeture" (6'07)...Imagina todas éstas influencias con la suave cadencia del francés como idioma cantado. Justo lo que le faltaba a Richard Sinclair.


Aún quedan un buen puñado de cortos temas que probablemente, son esbozos o ideas de algo pensado para ser desarrollado más ampliamente. Pero el repentino cierre de actividades obligó a dejar tal cual. Hasta así,  conforman un bello y altamente disfrutable álbum que obliga a una asidua visita. Hay mucho sentimiento y amor por lo bien hecho puesto en "Serieux ou Pas" como para tildarlo de un simple "outtakes-compilation". 
Una maravilla a descubrir.
J.J.IGLESIAS 


Temas
1. Provisoir 0:00
2. Prelude Au Suivant(4:40
3. Subtil Désir 8:03
4. Episode Sur Cette Plage 10:55
5. Sac À Délice 15:58
6. Y A Des Choses Dans L'Air 18:09
7. Nos Amis / Fermeture 24:04
8. Qui Cé Qui Cé Pas 30:16
9. Sérieux Ou Pas 30:49
10. Rêves De Voyages 33:32
11. Jouer Chanter 38:31
12. Pour Boire Il Faut Vendre 42:05
13. Bonus A Bob 45:00



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El Chicano - Viva Tirado 1970

El Chicano, con este nombre  ¿ que tipo de música puede hacer esta banda?. Sin duda todos lo habéis adivinado. Por supuesto  rock latino mezclado con jazz y algo de funk siguiendo los pasos de Santana.



El grupo lo formó Freddie Sanchez (bajo) en un barrio al este de Los Ángeles  a finales de los 60. En un principio la banda tomó el nombre de V.I.P.s. En 1970 editan su primer trabajo, "Viva Tirado", para la MCA Records. El tema que da título al disco obtiene un notable éxito permaneciendo en el número uno durante trece semanas consecutivas. Posteriormente se embarcan en una extensa gira  que les llevó a actuar en el  Ohio Jazz Festival y en el Teatro Apollo. 

La discografía de la banda consta de ocho discos: "Viva Tirado" (1970), "Revolution" (1971), "Celebration" (1972), "El Chicano" (1973), "Cinco" (1974), "The Best of Everything" (1975)", "Pyramid" (1976) y el último editado en 1998 "Painting the Moment".

La primera formación de "El Chicano" estaba integrada por Bobby Espinoza (teclados), Andre Baeza ( congas), Freddie Sánchez (bajo), Mickey Lespron (guitarra) y John De Luna (batería). Durante los 70 pasaron por sus filas Ersi Arvisu (voz), Rudy Regalado (timbales), Max Garduno (congas), Danny Lamonte (batería), Brian Magness (bajo), Joe Perreria (bajo) , Jerry Salas (voz principal y guitarra), etc.


El primer trabajo de "El Chicano" contiene nueve temas instrumentales, todos ellos versiones de temas bastante conocidos. El disco se inicia con "Cantaloupe Island", un clásico de  Herbie Hancock del "Empyrean Isles" ( 1964). Sabor latino total, percusiones de fondo y un magnífico Hammond conducido por el genial Bobby Espinoza y obteniendo la replica de la guitarra jazz de Mickey Lespron. La segunda composición, "Quiet Village" (Les Baxter) sigue la misma musicalidad que la primera con un gran riff de guitarra. "The Look Of Love" (Burt Bacharach-Hal David), es un tema de poco más de dos minutos donde se muestra la sensibilidad de Lespron, una mezcla entre Santana y West Montgomery. Llegamos a una de las versiones estrella de la grabación, "Eleanor Rigby" ( John Lennon-Paul McCartney), ambiente de garito cargado de humo con la banda en un rincón, Hammond, guitarra moderada y percusiones latinas. Por fin su gran éxito, "Viva Tirado"(Gerald Wilson), homenaje al torero mexicano Jose Ramon Tirado. Ritmo entre cortado ideal para un bailecito a lo Pulp Fiction. "Sometimes I Feel Like A Motherless Child" nos muestra a un Bobby Espinoza a lo Jimmy Smith compitiendo sosegadamente con la relajada y sensual guitarra de Lespron, todo envuelto en ritmos latinos. Las mismas líneas melódicas y rítmicas las encontramos en  "Hurt So Bad" y "Coming Home Baby". Curiosa la versión de treinta segundos del "Light My Fire". En definitiva un disco elegante de rock latino.
J.C. Miñana




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MICHEL MADORE - Le Komuso A Cordes (1976 / BARCLAY)

Sumergirse en los bosques progresivos de Quebec en los 70 es un mundo tan fascinante como cerrado. La de bandas y solistas de habla francófona que pulularon por esa escena no tiene fin. Es un no parar de descubrir discos de notable para arriba, nombres absolutamente anónimos. Uno de ellos fue el multiinstrumentista Michel Madore.  Experto guitarrista de 12 cuerdas, pero también interesado en los teclados y otros sonidos. Para su primer disco,  "Le Komuso A Cordes", grabado en 1975, supo reunir un buen equipo de magníficos músicos. Madore también toca ARP Solina,  ARP Pro-solist, piano, EMS synth y ocarina.  Ron Proby se encarga de saxos, Ocarina y mini-moog. El batería Mathieu Leger fue miembro de Dionysos, excelente psych band canadiense que recomiendo. Philhippe Beck estaba al piano acústico y Fender Rhodes. Y Errol Walters en el bajo acústico y eléctrico. La música creada era de una belleza instrumental evidente, con planeadores resultados psico-sinfos y merodeos jazz propios del momento.


"Mac" (7'21) nos plantea a un músico muy ligado, a pesar de la lejanía,  con Francia. Concretamente con Carpe Diem, Atoll o Cyrille Verdeaux y sus Clearlight. El saxo de Ron Proby también conecta con Didier Malherbe, colaborador de Clearlight y por ende, con los Gong de mediados 70 ("Shamal"). Es un estupendo tema lleno de "vivencias" dentro de su desarrollo. Desde luego, aquí "pasan cosas" sin parar.

"Ballade" (3'52) es dirigida por acústica,  ocarina y saxo, en un acolchado teclistico muy relajante. 

En "Avant-Derniere" (7'31) la definición sería como kosmische Ant Phillips, Paul Brett o Gordon Giltrap, pero con su estilo particular. Madore juega en esa misma liga, aunque con más humildes medios. Vale, esto podría ser un soberano aburrimiento (como todo lo soberano, menos el coñac), si lo trasladamos a la perspectiva "new age" de posteriores años. Pero estamos en los 70, y aquí estaban "vacunaos" contra eso. Además de contar con un batería extraordinario que sacude cera como Bruce Lee con hemorroides. Así que de "calma Zen", aquí,  la justa.


En la segunda parte del vinilo las líricas vibraciones space continúan.  "Stanley" (3'56) podría ser un instrumental de Hoelderlin o Novalis. Mientras que la extraordinaria "Rush" (6'07) (ooops!), podría pasar por material de Missus Beastly, Kraan o Missing Link, en su gloriosa forma Space-jazz rock, llena de detalles microscópicos. 

Lo mismo tenemos en "Juggernaut" (9'21), donde se precisa especial atención  para disfrutar de tal cantidad de sabores. Posee esta pieza una cegadora calidad que la hace destacar claramente de todo el álbum. De ser alemán,  Michel Madore hubiera acabado fichado con toda seguridad por IC, Sky o Kuckuck, por similaridades estilísticas. La breve "Bali" (2'00) termina con exotismos alucinógenos.  Un bello disco para ser disfrutado en cualquier fase temporal y anímica. 


Michel Madore hizo la continuación a éste en 1978 con "La Chambre Nuptiale". Más electrónico  y en modo total sintetista al estilo Schulze (creo que lo editó EGG, todo dicho). Para abandonar la música poco despues, por sus otras actividades como escultor y pintor. Con la que se avecinaba, acertó de pleno. Quizá nos vimos privados de más buenos trabajos entre el ambient, jazz y la psico-prog-tronica. Pero Madore se evitó neuras chungas.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Calligraphie 7:21
A2 Ballade 3:52
A3 L'Avant-Dernière 7:31
B1 Stanley 3:56
B2 Rush 6:07
B3 Juggernaut 9:21
B4 Bâli 2:00



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