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J.B. Hutto and The New Hawks - Live at Shaboo Inn 1979

El firmamento "blusero" está lleno de estrellas, unas brillan más que otras y por supuesto J.B. Hutto es una de ellas. Su maestría en el uso del "cuello de botella" fue una de sus características mas significativas.

Joseph Benjamin Hutto nace en Blackville, Carolina del Sur, en 1926. Se traslada con su familia en primer lugar a Augusta y posteriormente a Chicago. Comienza en la música tocando la batería, el piano y por fin la guitarra. Primero toca en las calles  y poco a poco organiza su grupo, The Hanks", con Joe Custom (guitarra),  George Mayweather (armónica),  Eddie Hines (batería ) y  Johnny Jones (piano).  A mediados de los 50 edita varios singles pero como consecuencia de un incidente en un club abandona la música hasta la siguiente década que vuelve con unos renovados The Hanks con Herman Hassell (bajo) y Frank Kirkland (batería). Graba varios discos para Vanguar Records, Testament y Delmark obteniendo cierto reconocimiento con "Hawk Squat!". En los setenta se traslada a Boston y forma The New Hawnks,  firma por el sello Varrick con los que grabaría su último disco "Slippin y Slidin". Muere en 1983 a consecuencia de un cáncer.  Como curiosidad podemos decir que uno de sus temas "Too much alcohol" fue versioneado por el gran Rory Gallagher.


Lo cierto es que tenemos pocos datos sobre la grabación. El concierto de J.B. Hutton con su banda The News Hawks se celebró en 1979 en el mítico Shaboo Inn de Conetica. Por este local pasarían multitud de blues man y rockeros desde 1971 has ta 1982 que cerró sus puertas.  El "setlist" contiene tan solo ocho temas con una duración total de 38 minutos. J.B. Hutto nos muestra su dominio de la técnica de "slide" con el "cuello de botella" al estilo de Elmore James. Temas destacados sin duda "The 16  years old boy", "Shake Batle & Roll" y por supuesto "Too Much Alcohol". Corta pero intensa noche de blues.
J.C. Miñana





 




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MORTON SUBOTNICK - Until Spring (1975 / ODYSSEY) (Serie Pioneros)

Nacido en 1933 en Los Angeles,  el compositor y pionero en electrónica Morton Subotnick es conocido por su obra "Silver Apples of the Moon" (1967). Una de las primeras grabaciones por encargo para una compañía discográfica. Claro que ésta fue Nonesuch Records, filial de Elektra, la cual presidía el visionario de sonido Jac Holzman. Este hombre ayudó a la evolución de la naciente electrónica desde todos sus angulos posibles. Silver Apples se bautizaron así en honor a Subotnick y su obra. Que fue adaptada como pieza de ballet, iniciando eso que luego se ha dado en llamar, "multimedia". Fue miembro fundador del California Institute of the Arts, así como del adelantado a su tiempo, San Francisco Tape Music Center.


No se conforma con la danza, y comienza a preparar piezas para cinta manipulada, con vistas a scores cinematográficos y obras de teatro, durante la década de los 60. Colaborador habitual de Don Buchla, ayudó a desarrollar el famoso (hoy hiper-caro), Buchla 100 Modular Synthesizer. El ejemplo viviente de "sintetista de bata blanca". Fue director musical del The Actors Workshop, y su actividad docente en materias de vanguardia fue muy requerida en universidades durante los años 60. Desde su debut con "Sonata for Viola and Piano" (1958), una treintena de albumes respaldan su intensa labor investigadora. Lo que él define como "music as studio art". En el album que hoy hemos elegido, "Until Spring", dos únicas piezas son su contenido. "Beginning" (14'54) y "Conclusion" (14'20). Los Buchla synths tienen un sonido particular, con una constante percusión electrónica que sugiere abstracción melódica en forma de esculturas sonoras repetitivas a velocidad de vértigo. Como un primitivo secuenciador tribal enloquecido que forma ambientes y dibujos senoidales más que extraños.


Lo que sí puede decirse de Subotnick es que no se parece a nadie. Su pintura surrealista sonora, que juega constantemente con el stereo, es de marca única e intransferible. Reniega de la melodía convencional en formas típicas y se recrea en la intensa búsqueda de sonidos nuevos, sorprendentes y aptos para tu más que posible brote psicótico. Sabe como atraer la atención del oyente, (predispuesto a ello). En un esfuerzo imaginativo, podríamos comparar alguno de sus pasajes más pausados a Conrad Schnitzler, siendo flexibles.


 Aunque Subotnick podría definirse como "cosmic kraut" desde los años 50. La creación de estas dos piezas supuso un auténtico quebradero de cabeza para Subotnick, trabajando con cinta, la sincronización de sonidos envolventes repetitivos (a gran rapidez) le suponía un control manual metódico dentro del espacio-tiempo. No os aburriré con su explicación técnica,  que me ha llevado paciencia de santo en su lectura. Pero lo que entonces era un proceso altamente artesanal, con gran peligro de incurrir en errores de bulto, hoy se haría apretando un botón mientras se dispone de un micro-cerebro digno de Kiko Rivera (con perdón por su mención aquí ). Así que hay que darle a Subotnick el mérito que merece por lo que en su día creó. Un reto: busca algo similar de 1975.



La conclusión final es que suena a score desquiciado para la más absurda de las alucinaciones "ayahuasquianas".
No contento, en 2009 le apetecio seguir la juerga con "Until Spring : Revisited". Imagino que ésta vez con tecnología actual, más relajado, y ciego de grifa. 
J.J. IGLESIAS



Temas

A Beginning 14:59
B Conclusion 14:20


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It's A Beautiful Day - Live at the Fillmore West 1971

It's A Beautiful Day fue una banda californiana formada en 1967 y que tuvo un papel relevante en lo que se llamó el "verano del amor". Su  primer disco, "It's a Beatiful Day", representa uno de los pilares de la psicodelia junto a las obras de Grateful Dead y Jefferson Airplane. Por diversos problemas no pudieron tocar en Woodstock pero si lo hicieron en Atlanta ante 250.000 personas. Editaron cuatro discos en estudio (It's a Beautiful Day (1969), Marrying Maiden (1970), Choice Quality Stuff/Anytime (1971) y It's a Beautiful Day... Today (1973)). En 1974 decidieron separarse.


El Fillmore West es un autentico icono dentro de los teatros donde se realizanban conciertos a finales de los 60. Durante años multitud de estrellas del rock pasaron por su escenario, podemos encontrar numerosas grabaciones y vídeos que lo atestiguan. En 1971 Bill Graham organizó una series de conciertos con motivo de su cierre. En esos conciertos participaron los It's Beautiful Day. Por cierto hace algún tiempo comentamos el concierto de Creedence Clearwater Revival que también estuvieron en la despedida del Fillmore.


Tenemos a los I'ts Beautiful Day en la última semana de conciertos en el Fillmore West el 1 de Julio de 1971. En cuanto al contenido musical nos encontramos con mucha psicodelia con algo de folk y buenos momentos instrumentales a cargo de Hal Wagenet (guitarra), David LaFlamme (violín), sin olvidar la inconmensurable labor de su teclista Fred Webb. la parte estelar del concierto llega con la interpretación de su gran éxito, "White Bird". Muy destacable el tema "Let A Woman Flow", relajante y los dos instrumentales "Don & Dewey" (part. 1 y 2). Cusioso  "Bombay Calling" con exóticos ritmos  y percusiones una pena que se corte. Sonido perfecto para una gran fiesta psicodélica.
J.C. Miñana







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REGNA - Meridian (2015 / REGNA) (Rockliquias Bandas)

A ésta ya gran familia de ROCKLIQUIAS BANDAS, o agrupaciones de aquí de nuevo cuño, viene a unirse ahora Regna,  de Barcelona.

Su debut ya data del 2015, y es un autofinanciado EP titulado "Meridian". Que es una suite de 17 mts dividida en cuatro partes, y que deja entrever, como tarjeta de presentación,  una excelente forma compositiva e instrumental en estos jóvenes músicos. Ellos son Alejandro Domínguez (guitarras), Arturo García  (bajo), Miguel González (teclados), Marc Illa  (voz), Eric Lavado (batería) y Xavier Martínez (guitarras).


A pesar de que entre sus autoconfesadas influencias están Riverside, Spock's Beard, Dream Theater o Camel, en "Black Crows" (4'24) sobrevuela un aire a prog español de los 70. Sobretodo en las guitarras,  que les da un toque vintage muy personal. Combinando esencias clásicas con más recientes. También contiene el agridulce sabor depresivo de unos Marillion.

 Algo que se rompe con el riff a la Petrucci del comienzo de "Collapse (In Technicolor) "(3'48). Astutos juegos teclisticos,  en complicidad con poderosas guitarras y un bloque rítmico bien empastado,  conforman un instrumental rico en técnica,  que sin llegar al metal-prog, transcurre con enérgica seguridad en su resolución. 


Enlaza con "Awake Again" (7'14), donde la positividad deja atrás nubarrones más oscuros. Aquí el órgano sí que cabalga a la par con la finura de las guitarras en un paralelismo a Riverside. Incluso a las progresiones instrumentales de las que hacen gala Deep Purple en sus dos últimos discos de estudio. Curiosamente, añaden arabescos melódicos que recuerdan al clásico proceder de Blackmore. Para renovarlo con arreglos sofisticados en línea Dream Theater o...Mastermind (alguien se acuerda de ellos?!!).

Finalmente "Coda" (2'06) es el reposado epílogo casi de sabor blues, donde afloran las influencias más añejas, como Camel o los mismos Floyd. 

Aunque se nota que no han gozado de grandes medios,  sí han sabido aprovecharlos para darnos un sonido claro y limpio. Para un EP, poco más podemos añadir, salvo la valentía de hacerlo con una suite y la solidez instrumental expuesta. Esperamos el larga duración de Regna con curiosidad. Ya está probada su capacidad con "Meridian".

Pero no está del todo claro el estilo a seguir. Sus arranques metal prog no acaban de explotar, quizá porque lo suyo no es exactamente eso. Aquí veo un prog musculoso al que no le hacen falta más etiquetas. Las semillas están plantadas, ahora hace falta que fructifiquen en frondoso árbol milenario. Y pueden.
J.J. IGLESIAS



Temas

1. Meridian, Part One: Black Crows 0:00
2. Meridian, Part Two: Collapse (in Technicolor) 4:55
3. Meridian, Part Three: Awake Again 8:13
4. Meridian, Part Four: Coda 15:25




Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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HEAD - Red Dwarf (1975 / CANON) (Canterbury Ways)

No cabe duda que el Canterbury sound marcó en las islas profundamente, a las agrupaciones que orientaron  su estrategia progresiva hacia el jazz. A veces incluso influyeron también los cercanos al movimiento, que no nativos de Kent o latitudes cercanas. Nombres como Isotope, Nucleus, IF, Keith Tippet Group, John Surman o el Graham Collier Sextet. 


Esta banda de Glasgow conocida como Head, sin ir más lejos. En cuestión de cinco años de existencia, dejaron tres bonitos álbumes del estilo. "GTF" (1974), "Red Dwarf" (1975) y " Blackpool Cool" (1977). Sus intérpretes en éste disco eran Howard Copland (saxo), Charles Alexander (guitarra), John Davies (trompeta, teclados), Graham Mince (bajo) y Billy Kyle (batería). Siendo la sección rítmica la única constante en los tres discos.

Aquí dan inicio con "Quasar" (7'39), con sonoridades vanguardistas de órgano a la Soft Machine, y acto seguido el Fender Rhodes entrando junto a una sección de ritmo de gran nivel. Para que el saxo primero y la guitarra después,  expongan su disertación musical a sus anchas, para deleite del oyente.

 "Solaris Dream" (3'45) es un tema exquisitamente progresivo. El piano eléctrico reina junto a acertadas intervenciones de saxo estilo Mel Collins, (muy melodioso, como hacía en Camel).

"White Giant" (5'13) impone el bajo fuzz a la Hugh Hopper o Colín Hodgkinson, con predominio de saxo/guitarra que nos aproxima a bandas como Ben, Jonesy o Tonton Macoute. Es un tema de intensidad, donde los tambores crean tensión  y cambios espectaculares.

 "Event Horizont" (2'28) no tiene nada que ver con la posterior aterradora película sci-fi. Es un suave y delicado pasaje de positiva amabilidad.

Damos la vuelta al vinilo y nos encontramos con el tema-título y sus casi 9 mts. La intro al contrabajo parece obra de Stanley Clarke en solitario, para acto seguido, entrar con gran efectividad ambiental toda la banda. La proposición melódica es no obstante muy progresiva, con símiles  (por parte de la trompeta de Davies), hacia Nucleus. Bien contestado por un melodioso saxo y un tejido rítmico impoluto.

"Earthsong Suite" (11'11) desarrolla el influjo de Ian Carr de nuevo, en la histórica etapa de su banda en "Solar Plexus" o "Belladonna". Mucho más jazzy que el resto del álbum, pero con un rico mobiliario instrumental lleno de detalles y sorprendentes arreglos, a veces rozando el Free. Que los equipara a nombres tan respetables como Alan Bown, Bob Downes o Backdoor. Una hermosa flauta a la Ian McDonald sugiere la calma tras la tempestad sonora, seguida del resto de instrumentos de viento, en suave calma resolutiva. "Su Salvavida Esta Debajo de su Asiento" (1'48) termina como una quedada de sabor rural mediterraneo,  como un pasacalles de fiesta en la Italia (o España) más profunda.

Head fue un pequeño gran combo que, escuchado esto en la actualidad, sorprende por su poca repercusión en su día. Exquisito álbum y músicos,  que desde ya tienen su merecido sitio en nuestro particular museo cuasi-canterburyano. Pata negra.
J.J. IGLESIAS


Temas
A1 Quasar 
A2 Solaris Dream 
A3 White Giant 
A4 Event Horizon 
B1 Red Dwarf 
B2 Earthsong Suite 
B3 Su Salvavida Esta Debajo De Su Asiento








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PHIL MILLER - IN CAHOOTS - Cutting Both Ways (1989 / CUNEIFORM)

En realidad éste artículo debería hacerlo mi buen amigo Alberto Torro, que es el que tal como ahora, (finales de Octubre), pero de 1978, pudo conocer en persona al gran Phil Miller, fallecido el 18 de éste mes. Alberto pudo asistir a aquel memorable concierto de National Health, y no yo. Que era demasiado joven pero me escapaba a los que podía. Entre ellos, a Henry Cow / Suck Electronic Encyclopedic por esas mismas fechas, y con J. C. Miñana como cómplice de correrías. Pero Alberto se ausenta ésta semana de Rockliquias, y me toca a mí despedir a Phil Miller. También es de esos músicos que me ha acompañado toda la vida. Cualquiera que guste del sonido Canterbury te dirá lo mismo. Una acepción que al propio Miller no le hacía mucha gracia, aunque comprendía  que era útil para situar una música y sus protagonistas en el mapa temporal de la historia del rock progresivo. Así lo declaró a Classic Rock en una entrevista dada en 2005.


Su paso por Delivery, Caravan, Matching Mole, Coxhill / Miller, Hatfield and the North, National Health, Geoff Leigh, Short Wave o In Cahoots, fue decisivo. Así como colaborando con su círculo habitual de colegas. No quisiera olvidar aquella maravilla titulada "Before a Word is Said" que hiciera junto a Gowen-Sinclair-Tomkins. O con Hugh Hopper. O con Robert Wyatt. Éste último uno de los pocos supervivientes que quedan de entonces.


Su estilo a la guitarra, al igual que sus amigos de campiña, estaba siempre con un pie en el jazz  y otro en la investigación melódica - armónica - improvisación sonora. Un caso paralelo a otro simpatizante del pueblo, que también se fue éste año, Allan Holdsworth.

A finales de los 80 Phil Miller crea su banda, In Cahoots, con sospechosos habituales tales como Elton Dean (saxos), Pete Lemer (teclados), Pip Pyle  (batería) y Hugh Hopper  (bajo). La crema de Canterbury bien condensada.

"Cutting Both Ways" reunía dos aspectos diferenciados. Por un lado In Cahoots tocando "live in the studio" en toda su salsa jazz progger. Por otro, Dave Stewart (teclados) y Bárbara Gaskin (voz) en dos temas. Casi National Health.

"Green & Purple Extract" (15'59) venía dividida en tres partes, para comenzar la fiesta. Este material procedía de 1985, y aunque las esencias hippies quedaban ya algo lejanas, el poso a incomparable elegancia seguía intacto. Pyle y Dean murieron en 2006. Hopper en 2009. Y ahora Miller. Así que a sus 75 años, Pete Lemer es el que sobrevive a ésta formación.  Música inmortal en cualquier caso, tan llena de sensibilidad e inteligencia, que duele el corazón.  Y el alma. 

"Eastern Region " (5'58), "Second Sight" (5'02) y "Green & Purple" (9'32) quedan ahí, para aquel que quiera sumergirse en una forma de entender la vida al margen de estupideces humanas. Sólo es necesario buen gusto. Como un ermitaño en su impenetrable cueva de la felicidad. 

"Hand Shoulder" (4'32) con los teclados de Stewart y la synth guitar de Miller, más la voz de la Gaskin, revive el espíritu Health en modo simplificado, pero con tecnología punta. 

En "Figures of Speech" (9'06), los dos músicos continúan divirtiéndose con enredados compositivos de indudable ingenio. El que tuvo, retuvo, y la "resurrección moderada" resulta un bonito homenaje a unos días que no volverán,  pero siempre serán recordados con cariño y sana nostalgia.

Como la guitarra de Phil Miller, que siguió sonando con In Cahoots hasta su última grabación del 2011, "Mind Over Matter".Siempre precisa, siempre bella, siempre eterna.
J.J. IGLESIAS






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GIFT - Blue Apple" (1974 / NOVA)

Una de esas bandas alemanas que surgieron en los primeros 70 que iban directos al grano fue Gift. Ni rollos espaciales, ni místicos ni hostias. Hard Rock sano para la pista de la "discotheque". Mira que se lo montaban bien por entonces. Yo me pregunto porqué se siguen llamando "discotecas", si no tienen ni discos!!!


Gift comenzaron en 1969 como una "school band" llamada Phallus Dei. Tres años después,  Uwe Patzke (bajo, voz), Rainer Baur (guitarras), Hermann "Mandy" Lange (batería ) y Helmut Treichel (cantante solista) graban su homónimo debut para Telefunken en 1972. Nick Woodland (guitarras) aparece en créditos,  pero la verdad es que cuando entran a grabar ya se había ido a Sáhara (antes Subject Esq.). El álbum es un buen exponente de "heavy progressive", y tiene un status de culto. Sólido y bien construido, pero algo tosco a pesar de incluir algo de flauta en algún tema.

Para su segundo continúan el bajo, guitarra y batería.  El cantante es relevado por Dieter Atterer, que además de buena voz solista, aporta guitarra de la misma índole.  Además se refuerzan con los teclados de Dieter Frei  (órgano,  piano, mellotron, moog, voz) . Grabado en los Teldec Studios de Hamburgo con Thomas Kukuck como ingeniero (luego con su propio sello), y editado por Nova en 1974. Se ha ganado en consistencia y riqueza instrumental.


 "Blue Apple" (4'16) incluye también flauta y unas esplendorosas guitarras casi a lo Dickey Betts. Está más cerca de la Marshall Tucker Band que del genuino Kraut rock. El Hammond también aporta lo suyo al paso de gigante dado con éste disco. 

"Rock Scene" (3'49) no oculta su influencia de Deep Purple por esas fechas, y la guitarra transpira el mismo feeling que Blackmore. Siguiendo con la saga, puede equipararse a Warhorse y bandas de ese estilo. 

En "Don't Waste your Time" (4'05), la orientación es más prog,  con una melodía vocal entre Yes y Wishbone Ash. Y Epitaph sería su referente alemán. El magnífico sólo de órgano guarda símiles con Jon Lord o Rod Argent. Espléndidas guitarras dual y sección de ritmo, placer de dioses. 

La onda de "Psalm" (4'00) está más orientada a Santana o Karthago, hasta que llega el break y esto puede ser un outtake de Camel en su primer álbum. Es un estupendo instrumental. 

"Everything's Alright" (4'35) arremete con la furia percusiva de "Mandy" Lange, y arrasan con hard rock teclistico en la línea de Birth Control o Uriah Heep. Nuevamente el Hammond no deja prisioneros.

 Inaugura la cara B "Got to Find a Way" (6'44), en desarrollo hard progresivo paralelo a bandas alemanas de su mismo calibre, como Night Sun, Gomorrah, Virus o Hairy Chapter. La pugna guitarras-teclados eleva la tensión emocional a cimas increíbles. Gift es una banda extraordinaria, no cabe duda. 

El tema "Reflections" (7'10) viene dividido en dos partes. El trabajo vocal, muy hard, hasta recuerda a Scorpions en discos como "Fly to the Rainbow" o "In Trance", en su primera mitad. Mientras que la segunda es decididamente proggy, con buenos arranques de moog y guitarras Wishbone Ash style.

Finalmente "Left the Past Behind" (6'01) es otra rocosa pieza de prog hard con un bajo a la Squire y construcción digna del "The Yes Album", aunque Gift siempre acaban sucumbiendo al hard rock, lo cual no me parece mal.


Si su primer álbum ya era de notable alto, "Blue Apple" tiene la suficiente consistencia en sobrada calidad para darle el sobresaliente. Éste fue todo su legado, que además de valer una pasta en original, es superlativo por evidentes motivos artísticos.  Una joya a escuchar.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Blue Apple 
A2 Rock Scene 
A3 Don't Waste Your Time 
A4 Psalm 
A5 Everything Alright 
B1 Got To Find A Way 
B2 Reflections Part 1 
B3 Reflections Part 2 
B4 Left The Past Behind



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Downchild Blues Band ‎– Bootleg 1971

El guitarrista de esta banda , Don Walsh, es considerado por algunos como el padre del blues canadiense. Es posible que Downchild Blues Band no sea suficientemente conocido pero si os digo que son autores de temas como  "I've Got Everything I Need (Almost)" y "Shot Gun Blues".Ya lo teneis mas claro, no?. Mas pistas. Estas composiciones fueron popularizadas por los Blues Brothers en su primer álbum, "Briefcase Full of Blues" (1978). Ahora si.



Los hermanos Wals, Donnie y Richard, formaron la banda en Toronto en 1969. Su primer disco llega en el 71, "Bootleg". El reconocimeinto les llegaría en el segundo, "Staight Up", posteriormente llegarían quince discos mas, el último  "Can You Hear The Music" (2013), ganador de un previo Juno por "mejor álbum de blues del año". En los 80 perdieron a su teclista,  Jane Vasey, a los 32 años por una leucemia. También en esa década acortaron el nombre, Downchild.


Este primer disco de  Downchild Blues Band se grabó en los estudios Rochdale College de Toronto durante dos  noches de 1971. La música que nos ofrece la banda es un excelente blues al estilo Chicago con una sección de viento increíble., Dave Woodward y  Ron Jacobs dan el toque jazz -blusero que junto con la guitarra de Don Walsh logran un gran sonido. Os invito a escuchar el primer tem, "Rock It", con los pies atados. En segundos la música os liberará de vuestras ataduras. Downchild Blues Band combina versiones de Jimmy Reed, Jimmy Rogers o Taj Mahal con excelentes temas propios como "Don't You Bother My Baby" o "I'm Sinkin'". El ambiente me recuerda a la época del "Jazz Blues Fusion" de John Mayall. Está muy claro la gran influencia que representó este grupo para los Blues Brothers.
J.C. Miñana



Temas
A1 Rock It 00:00
A2 Just A Little Bit 03:58  
A3 Down In Virginia 07:05  
A4 That's All Right 10:41 
A5 Messin' With The Kid 15:37 
B1 Don't You Bother My Baby 19:00 
B2 Change My Way Of Livin' 23:11 
B3 You Don't Have To Go 28:18 
B4 Next Time You See Me 31:26 
B5 I'm Sinkin' 34:19



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F. G. EXPERIMENTAL LABORATORY - Journey Into a Dream" (1975 / TH)

A estas alturas de la película,  descubrir algún tesoro electrónico 70's me "llena de orgullo y satisfacción". Eso es lo que me pasó recientemente buceando por la red, y dando con éste disco perdido procedente de Suiza.


Fredy Guye (F. G.) fue un músico activo en grupos amateur desde 1960 a 1975. Parece ser que animado por la corriente alemana, (Klaus Schulze particularmente), y Míke Oldfield, se decidió a emprender una carrera similar.


A esto hay que agregar un dedicado amor por la música clásica, en concreto el Barroco y J. S. Bach. En 1974 ya tenía un pequeño home-studio montado en su casa, todo un logro económico por aquel entonces. Y el dispendio no acabó ahí. Se autoedito "Journey Into a Dream" él mismo, en un "yo me lo guiso, yo me lo como" meritorio para un 1974, en el que incluso dibujó él la portada. La valentía de este hombre no conoce límites, y se embarca en actuaciones en vivo arropado por 2 órganos Philicorda, una guitarra eléctrica,  un sintetizador y varios pedales. Modesto, pero seguro. Del álbum edita una tirada de 100 copias que venderá en sus conciertos. Como puedes imaginar, hoy están más cotizados que el autógrafo de Hendrix en un disco de Parchís. Al año siguiente, se atreve con un single. Hasta que en 1980 edita "Hope", poniendo fin a su carrera como sintetista. Los nuevos tiempos no debieron gustarle mucho al bueno de Guye.



Dos largas suites, que en realidad pertenecen a la misma sesión,  incluye su debut. "Journey Into a Dream" (20'32) y "2335" (23'35), muy imaginativamente titulado. Todo fue grabado en una sola toma, como podemos imaginar, live in the studio. La primera tiene una fuerte influencia Schulze de sus primeros discos, "Irrlicht" y "Cyborg", así como de Ash Ra Tempel. La mística sacra que fluye de su fuerte inspiración barroca es sencillamente entusiasmante. Con poca cosa, y técnica normalita, Fredy Guye nos atrapa en su mundo fascinante casi sin darnos cuenta, con mantras melódicos de hipnótica atracción.  Igualmente el uso predominante del órgano,  y unas guitarras gilmourianas, nos abducen al misterio sonico de Pompeya. Situando esto en territorio Pink Floyd cerca de "A Saucerful of Secrets" - "More" - "Ummagumma". Incluyendo esas espectrales voces que parecen llegadas desde otra dimensión. 



La segunda cara continúa el trip de la primera, ya que "2335" no es más que la continuación de esa misma sesión mágica. Los sugerentes ambientes sacros son perfectos para un concierto en una catedral, algo muy usual por entonces. De hecho consigue el mismo efecto que alguno de esos conciertos a los que he asistido con el hiper-gigante órgano de tubos de la Basílica de El Pilar o la Iglesia de Santa Isabel, en Zaragoza. Siip, es para lo único que suelo ir a misa. Las melodías se tornan aquí más progresivas, casi medievales, y con unas muy lógicas y acertadas resoluciones. Vuelvo a insistir en el mérito de Guye, para mantener tu atención en todo momento con un equipo de lo más humilde. Como que se pone el tío al mismo nivel que unos Tangerine Dream de "Zeit", "Atem" o "Alpha Centaury". Ésta pequeña joya fue reeditada en cd en 1993 por Thors Hammer, y seguramente estará en el limbo de los descatalogados imposibles.

Una maravilla hecha con pocos medios e inmensa ilusión. 
Se nota al instante.
J.J. IGLESIAS

Temas

1 Journey Into A Dream 20:32
2 2335 23:35
Bonus-Tracks:
3 Happiness 4:02
4 Church 4:32



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RUSH - Brainwaves - Live at Tucson 1978

Lo sé me repito mas que el ajo pero como se suele decir la cabra tira al monte y mi monte son los Rush, desde que los descubrí a finales de los 70 los he seguido y los he reverenciado. El primer disco que compre de esta banda canadiense fue "Hemispheres", los anteriores cayeron poco a poco en mis manos vía importación, en aquella época en España  no se editaba todo lo que se publicaba en el resto del mundo. Por todo ello recordar la gira de ese disco me emociona. 


En Junio de 1978, Rush entra en los  Rockfield Studios de Gales para grabar su sexto álbum en estudio. En Agosto lo tiene terminado y el 29 de octubre ve la luz. Por muchos de los críticos sería considerado como el último de la primera época de la banda.  El grupo se embarcaría en una gira promocional que duraría hasta Junio de 1979.


Estamos ante la grabación del concierto de Rush en el Tucson Community Center el 20 de noviembre de 1978. Siendo la gira promocional del "Hemispheres", tocan  todos sus temas.  El resto del "setlist" esta compuesto por temas de sus cinco discos anteriores. Mas de dos horas de la época que mas me gusta de la banda. El sonido es muy bueno. Merece la pena.
J.C. Miñana




Temas
Intro 0:00
Anthem 1:01
Passage to Bangkok 5:15
By-tor & the Snowdog 9:27
Xanadu 14:56
Something for Nothing 28:53
The Trees 33:18
Cygnus X-1 Book 1 38:07
Cygnus X-1 Book 2 48:44
Closer to the Heart 1:05:27

Circumstances 1:09:06
A Farewell to Kings 1:13:19
La Villa Strangiato 1:19:05
2112 1:29:08
Working Man 1:48:11
Bastille Day 1:51:28
In the Mood 1:53:10
Drum Solo 1:55:51



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SOLUTION - Cordon Bleu (1975) (Canterbury Ways)

Para los expertos este es su mejor disco. A mí me suena como un excelente disco de jazz-fusión sinfónico con acertadas partes de composición melódica que posee interesantes variaciones para no ser uno más de la gran cantera jazz rockera de los setentas. Estamos en 1975. El jazz-rock-progresivo está en su cumbre y Solution han tomado buena cuenta de ello. 


Aunque su estilo nunca ha estado muy definido, las lagunas e indecisiones estilísticas de sus otros dos trabajos han desaparecido (en parte solo) y su música ha ganado en masa muscular y desparpajo…Brand X, Return To Forever, Passport, Nova, el Zappa del talla única… ya se nos anuncian en el primer corte “Chappaqua”





y el siguiente “Third Line” las “canterburradas” como diría el jota te tornan pausadas con el bajo acariciando las cuatro cuerdas y el piano contándonos una bonita balada en los acordes iniciales, con unas voces que han mejorado bastante.



A mitad el ritmo se dobla y tenemos un agradable y feliz paseo jazzy, saxo en mano y un swing que juega con los tempos y la melodía para alegrarnos el día. 

 “Una canción para ti” es otra baladilla que aunque bonita, se acerca peligrosamente al pop fácil o al rock melódico, de cuando adolescentes nos agarrábamos en los guateques de finales sesentas (ya sé que os suena rancio) y nos poníamos palotes. Conste que la bonita flauta de la canción engancha. 



“Whirligig” vuelve a poner las cosas en su sitio con alguna que otra sacudida funk. Bajo, batería, piano Rhodes,  más aquel  teclado dinosaurio analógico llamado Elka Rhapsody y saxo, llevan el peso en esta selvática y casi Miles (cuando le daba por tocar normal y no iba colocao)  pieza de jazz-funk.

 “The Last Detail” cambia completamente de registro y se mete en las aguas del prog sinfo con casi toques moody-crimson primarios incluidos y conste que tiene su gracia y está bien resuelto. 

Termina el disco con “Black Pearl” con claros visos de jugar entre varios puentes a la vez pero gana la tendencia baladista de rock prog melódico con saxo destacando casi demasiado,  aunque el piano lo frene algo hacia el final. Es un disco que en general gustará más que los anteriores aunque también indica que los estilos musicales siguen sin definirse en un camino determinado (están buscando) y una delgada línea puede darles un cambio brusco.
Alberto Torró



Temas

A1 Chappaqua 5:20
Third Line
A2 Part 1 5:12
A3 Part 2 7:21
-
A4 A Song For You 3:54
B1 Whirligig 8:59
Last Detail 5:29
B2.a Part 1 
B2.b Part 2 
Black Pearl 6:15
B3.a Part 1 
B3.b Part 2








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