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LANA LEE - M.D.A.H. VOL. 4 -"LA FURIA" (2017 / LANA LEE) (Rockliquias Bandas)

Desde Zaragoza se pone en contacto con nuestra redacción un trío de nombre Lana Lee. Me suenan remotamente, y me extraña no haber coincidido con ellos. Sobretodo porque tenemos amigos comunes, como los stoners The Dust Bowl, que también deberán aparecer por aquí.  O sitios donde podría haberlos visto, como ese oasis cultural que es la sala Arrebato, de la capital maña.


Lana Lee son Manuel (batería), Rupert (bajo, ambientes) y Nacho (guitarra, delay,  feedback). Se autodefinen como una banda casi instrumental con ciertos rasgos progresivos, psicodélicos y (algo) post rock. Aunque no comenzaron de ese modo allá por el 2003. En el 2010 dieron un cambio musical hacia lo que hoy les define.


Ya llevan publicados casi  una decena de trabajos, siendo éste "La Furia" el más reciente, publicado en agosto de éste año. Lo de "M.D.A.H. VOL. 4" se debe a una serie de grabaciones experimentales que crean a partir de samplers extraídos de sus conciertos y ensayos. En éste último volumen colaboró su original guitarrista, David P. "La Furia". De ahí el título,  supongo.

"Pan Duro 1& 2" (6'17) se inicia con fuerte sabor psicodélico vintage, lo cual me parece de maravilla. Los toques bluesistico-ácidos de las guitarras entran dentro de la zona de los primeros Gurú Gurú. Con perfecta autenticidad en sonido y estilo. 


En "Cosmos" (8'51) la electricidad moldeada con expresivas cuerdas, y ahí incluyó también las del bajista, siguen remitiendo a ilustres leyendas Kraut. Gila,  Popol Vuh, Can, Orange Peel o Achim Reichel son referencias cercanas en ac(p)titud, para definir su rico sonido.Pasa que cuando Nacho, (o quizá en ésta grabación también David), se llevan los solos hacia el blues, la cosa se pone inevitablemente pinkfloydiana. Y además suena a gloria. A éste respecto recomiendo escuchar en YouTube  su versión de "Cymbaline". Clarificadora.


"Aproximación Orbital - Gravedad" (8'10) se acerca al Stoner / Space Rock instrumental que está calando bastante ahora en el mundo underground. Los necesarios teclados para éste tipo de música se suplen con soltura y agilidad, a base de efectos de pedal y otros astutos trucos muy bien aprendidos. La verdad es que no aburren en absoluto. Se nota que llevan lo suyo juntos, porque su sincronía improvisativa no engaña.


A partir de aquí todos los temas son más cortos, no sobrepasando ninguno los cuatro minutos. Eso no quiere decir que se simplifiquen. Su densidad instrumental te deja con ganas de ver esto mismo desarrollado en directo.


"Ozono", "Alerta A. E.", "Para Casa" o "Ya están aquí " son acertados extractos de un trip musical que se intuye mucho más extenso y "viajero". En "Diálogos con el Unicornio" introducen ritmos funk o pseudo-reggae, como en su día hiciera Can en discos como "Flow Motion" o "Saw Delight". Que aportan ligereza al cuelgue eléctrico. Excelente labor percusiva  (en toda la grabación), su cometido como pilar rítmico es intachable y solvente.



En "Fail" tenemos a dos Michael Rothers retroalimentandose de watios. Y "Domingo de Paraguas / Lunes de Paraguas", ya en su recta final, nos descubren la paranoica melancolía de la belleza que puede surgir en una sesión libre inspirada.



Lana Lee han confundido su tiempo y lugar. Deberían estar en la Alemania de primeros 70, tocando en algún sótano de Hamburgo, mientras les graba Conrad Plank para editar en Ohr, Brain o Bacillus. Pero hasta que no se invente la máquina del tiempo, ellos seguirán inmersos en su lisérgico sueño. Y bien que hacen.
J.J. IGLESIAS




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Dr. DOPO JAM (Dinamarca ) (Canterbury Ways)

Esta viejuna banda danesa se inició a finales de los sesentas en la localidad de Roskilde. Los tiempos de la psicodelia y el inicio progresivo,  tuvo su propio movimiento en tierras escandinavas con bandas, que gracias a la era de la comunicación virtual,  han podido salir del polvo de los tiempos y han tenido acceso allende fronteras.


 La influencia de los Mothers Of Invention en las zonas más “cool” de Europa fue mucho más importante de lo que en su momento creíamos, y todo aquel inicio “prog” fue en buena parte manufacturado por el perillas más famoso de la historia de la música “moderna” y en el lado del jazz fusión europeo tanto John Coltrane como Miles Davis tienen casi toda la culpa. Cuando dicen que el sonido Canterbury es la quintaesencia autóctona de Inglaterra tienen razón en una parte, pero en la otra a veces se olvidan que fue la influencia jazz y vanguardista de músicos norteamericanos los que crearon la alquimia. Esto es así. 


La Dr. Dopo Jam fueron una macro banda que se disolvieron en 1974 dejando dos discos: “Entree” (1973” y “Fat Dogs & Danishmen” (1974) en 1981 algunos de sus miembros intentaron reactivar la banda hacia distintos derroteros musicales. En los créditos de sus dos trabajos aparecen hasta una docena de músicos con un jugoso despliegue instrumental que aparte de lo habitual entre guitarras, bajo, percusión y teclados, incluye vibes, violín, trompeta, saxo, trombón  flauta etc. 


Su  música contiene pues una nutrida paleta de colores muy representada en la larga primera pieza de su primer trabajo “Entree”.   La genéricamente titulada “Opening” es una suite de 25 mtos en 12 cortes a modo de macedonia sonora agitada y mezclada entre los Mothers, los Traffic, los Chicago de Terry Kath (similar suena la guitarra) los Colosseum, o más alejados, los primeros Caravan (In The Morning). Los solos constantes en la macro pieza se van alternando inclusive el de batería y percusiones,  todo por derroteros que van del jazz, al rock, al hard, a la psicodelia, al blues rock o a la fusión, con atractiva brass sección y hasta toques afro caribeños santaneros.  El sonido es muy “vintage” hijo de su época y musculoso proto-prog, mucho más centrado entre 1968-69 que en 1973, año en que por otra parte las bases del estilo gozaban su luna de miel. Conforme escuchas tienen sus peculiaridades en un sentido en que “todo cabe”, curiosamente sin que nos indigeste por la cantidad de vericuetos musicales por los que se meten. Hay partes de cachondeo y cierta frivolidad que no molestan y no aburren en ningún momento. La estupenda aunque breve tercera pieza “Entree” resume a la perfección el fantástico jazz-rock que hacía esta gente. Los diálogos entre teclado-guitarra y vientos son constantes entre amables fraseos melódicos. Termina el álbum con un corte de 7 mtos: “Desserts…flower…” donde el catecismo sonoro del mejor Frank Zappa no puede evitarse. 


 
Temas
A1.a Opening "HELLO" 
A1.b Essentia I, Sanquine 
A1.c Essentia II, Choleric 
A1.d Essentia III, Melancholic 
A1.e Essentia IV, Phlegmatic 
A1.f Qvinta Essentia: VITA 
Overture: Absorbia
A1.g.a Heart-Theme, Solaria 
A1.g.b Brain-Theme, Lunaria 
A1.g.c Liver-Theme, Jupiter 
A1.g.d Kidney-Theme, Venus 
-
A2 VI: The Complete Pentagram 
B1 Samelam-Samelam 4:10
B2 Entree's 3:54
B3 Spring-Theme-Summer-Theme 3:55
B4 In The Morning 2:01
Desserts:
B5 Forest-Flower-Picking-Preludium 7:29

Su siguiente álbum de 1974 “Fat Dogs…” continúa por similares caminos de variedades musicales y no le va a la zaga al primero. Quizá más elaborado. Una verdadera Big Band a la Grand Wazoo Zappera, estilo incluido. Aclarar que las referencias canterburianas, son pequeñas pinceladas instrumentales que aparecen y desaparecen. El fino hilo de esta sección con el jazz rock de la época, nos aproxima intermitentemente a la temática británica de cabecera, aunque a veces inevitablemente nos alejemos, como pasa en este caso y en otros. 


Temas
1. Cowboy Song (4:36)
2. The Rubber Waltz (3:22)
3. Ode To Daddy Meatloaf (1:42)
4. Surfin' In Sahara (2:51)
5. Mambo Bernaice (3:44)
6. Scerzo For Violin & Pianoforte (1:55)
7. Rendezvous (Suite) (6:33)
8. Tango Macabre (3:12)
9. Fat Dogs & Danishmen (9:07)
10. Nova Bossa Nova (5:21)
11. Concerto For Solo Violin, Strings & Expanded Beatorchestra (7:35)

Hay muchas bandas que ofrecen “dudas razonables” y hay que ser prudentes. No obstante son discos totalmente recomendables para quienes os gusta este estilo de música aunque a veces reconozco que “estiro demasiado la cuerda”. Pero hay que recordar que también los autóctonos de Kent absorbieron muchos estilos de música diferentes e hicieron lo que les dio la gana.
Alberto Torró








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THE TANGENT: A Place On The Shelf (fan club 2009)

Pocos saben que el señor Andy Tillison en sus años adolescentes y algo más, fue un punkarra hijo de la Inglaterra bastarda pelo pincho, que no vendió la música inteligente por una libra precisamente, sino que se la cargó directamente.  El querido y adorado pelito liso de Steven Wilson con su pintilla intelectual de  tímido chico bueno, viene de la misma cosecha y alguno de mis amigos que lo conoció en persona, cuando era chaval en Londres, puede certificarlo. Algunos y aquellos que echaron pestes de la grandilocuencia y pretenciosidad de los extintos monstruos progresivos, son ahora en su madurez, los que han tomado su relevo. Cosas del destino o el regreso del hijo pródigo. Nunca lo sabremos. 

Para los que hemos sobrepasado (en varios ya) los 60 años y vivimos esos tiempos con orgullo y sin cambiar nunca de chaqueta, nos resulta pintoresco,  porque también ocurrió el caso contrario y más dramático de cambiar el violín por un imperdible en la punta del nabo. Muchos de nuestros músicos favoritos tienen alguna mancha fea o gilipollez en el currículum con algún comportamiento y ocurrencia que los aleja de esa imagen idílica de héroe que tenemos de ellos cuando éramos más jóvenes. Pero no es nada extraño que los humanos tengamos gustos o actitudes antagónicas a lo largo de nuestra vida. La estupidez es nuestro ADN. Supongo que forma parte de la evolución y de la psiquiatría a partes iguales. Se podría escribir un libro de las chanzas, comportamientos y cambios sorprendentes de algunas de nuestras estrellas rutilantes y adoradas, pero ahora no es el caso. 

 Tillison pasó de la ruidera y la bronca guitarrera, a enamorarse de la música clásica modernista de principios del XX. Claro que no todos los sinfónicos empezamos siéndolo. Hay un principio y posterior evolución y conforme pasan los años una hermosa decadencia. El final es lo más interesante. Ironías aparte este disco de la tangente podría haber estado integrado en la discografía de estudio oficial, pero misteriosamente lo relegaron a “acompañante de segunda” destinado a los fans. Para mí es un disco (en piezas puntuales, ojo) incluso superior a otros de ellos. Pero este segundo plano no impide que lo coloquemos en el lugar que se merece. ELP hicieron una estrambótica “versión” del Cuadros de una Exposición del atormentado borrachín y depresivo Modesto Mussorgsky, al que sus compañeros del “Grupo de los cinco” en especial su amigo Rimsky Korsakov tuvo que orquestar muchas de sus obras de partituras anárquicas y caóticas, muchas veces liantes esbozos. Mussorgsky murió alcoholizado y enfermo relativamente joven. La versión “rock” de Emerson y compañía poco tiene que ver con la deliciosa orquestación que hizo Maurice Ravel. 



En el caso que nos ocupa adaptar a una banda progresiva una obra de la complejidad de La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky es de valientes o de locos. Una obra revolucionaria  llena de medidas y ritmos muy complicados y quienes la conozcáis sabéis a que me refiero. En principio Andy Tillison quería hacer un disco de mayores proporciones basado en esta obra. Imagino posibles problemas de derechos y tal. Pero bueno al final llevó a cabo, no una “adaptación” rigurosa o mera copia de la partitura de la Sacré, sino una inspiración que toma evidentemente partes de la obra, pero llevado completamente al rock progresivo y esto para mí ya es más fascinante y personal. Desde el comienzo con su famoso fraseo melódico de los augurios primaverales, Tillison lleva a su terreno de jazz-fusión-canterburiana con ramalazo emersoniano incluido, su propia versión dividida en dos partes de 11 y 14 mtos respectivamente. Me imagino a mí mismo detrás de la batería tocando esto y se me eriza la piel de emoción. He oído la consagración stravinskiana cientos de veces,  e incluso en mis desvaríos juveniles llegué a pensar que de esta obra algún día y algún grupo prog del futuro llegaría a atreverse con ella. Pues ya ves, ni Nostradamus.  No obstante hubiese preferido que Tillison se hubiese callado en la segunda parte. La voz sobra y hasta me cabrea, pero afortunadamente es relativamente breve y la fantástica instrumentación ultra-prog me hace perdonarle. Puedes escucharla las veces que quieras, es más, es hasta recomendable que lo hagas,  para impregnarla en vena. El tipo se lo ha currado a base de bien. 

El resto de este disco tiene otras tres piezas, una de ellas es una larga llamada “Live On Air”  a ratos sumamente interesante donde el fantasma de Stravisky continúa en la mente inquieta de Tillison que mima el sinte y el hammond y las “tangenadas” siguen haciendo esa buena música a la que ya nos han acostumbrado. Son tipos brillantes pero insisto que en este caso hubiese preferido un disco totalmente instrumental, porque la línea tomada lo pedía y las partes cantadas es lo que menos me gusta de la tangente en esta ocasión, por muy “vocals zappero” que quiera ponerse a veces (que lo hace). Musicalmente se salen, como siempre, y este disco en este sentido, es de los mejores y no exagero. Para sinfónicos con pedigrí y si no, también que cojones.
Alberto Torró








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MATAO With ATILLA ENGIN - Turkish Delight (1980 / RA)

No, no es un grupo dedicado a la ilustre memoria de nuestro presidente "mireuste". Tampoco es que estemos ante algo muy convencional. Matao era una banda jazz rock prog de Dinamarca, formada por Torben Gronning (bajo), Svend Staal (guitarra) y Alan Stade (teclados). Resulta que necesitaban batería como el respirar, y Atilla Engin acababa de instalarse en el paraíso hippie desde su no tan libertaria Estanbul. Virtuoso percusionista y batería,  además de compositor extraordinario.


"Turkish Delight", (famosa película erótica con el replicante Rutger Hauer como prota, cuando estaba de buen ver en los 70), fue compuesto enteramente por el turco. En un principio despista el estilo de la banda. La cosa comienza con fuerte sabor étnico al estilo de experimentos ECM del tipo Zakir Hussain o Shankar.

"Anadolu" (2'46), "Cool" (5'34) o "Dancing Darbuka"(1'50), van por esos derroteros. Aunque con un brochazo prog que los emparenta con nuestros queridos combos del Rock Andaluz. Esto es curioso, porque yo no había caído  en ello hasta que he leído  varias reseñas extranjeras apuntando precisamente esto. La verdad es que un aire a Guadalquivir, Imán Califato Independiente o el propio Manglis sí que tienen. Es como una trilogía de cortos temas de presentación donde los músicos demuestran su extraordinaria valía. 

A partir de "Drama Koprusu" (6'01) nos orientamos un poco más a Occidente,  o a formaciones de aquellas norteñas tierras. Secret Oyster, Pekka Pohjola, Coste Apetrea, Atlas o Janne Schaffer son nombres de similar factura a Matao. Con una diferencia. La composición recae en un turco, y el sabor mediterraneo impera en su sonido.

 "Turkish Delight" (7'00) es otra preciosa exposición melódica instrumental, que me recuerda a las tonadas sinfo-medievales de Minimum Vital. Destacables los fraseos de sintetizador conversando con la guitarra. Las percusiones sobrevuelan la contienda en increíble y espectacular forma. Una auténtica maravilla. Que continúa de igual modo en la segunda cara.


 "Rain in Spain" -atención al título - podría ser una jam de los primeros Imán, o ir incluida en su inmortal debut tranquilamente. Pero tal cual. Rock Andaluz hecho por daneses y compuesto por un turco. Se puede resumir así a Matao. Evidentemente, el "My Spanish Heart" de Chick Corea también influye lo suyo.

La calma sosegada de "Take Care of your baby" (6'00) esconde unos bonitos solos de moog al estilo de Bo Hansson, correspondidos por la guutarra en casi onda flamenca. Puro Al DiMeola, de factura exquisita.

Un título tan zappero como "Seventeen Small Chinese Guys" (6'15) nos trae una pieza hecha y diseñada para Iceberg. Quedaría perfecta en "Coses Nostres" o "Sentiments". Kitflus, Suñe, Colomer y Sancho se lo hubieran pasado pipa con esto.

"Daldalan" (6'45) finaliza con otra andanada de "Spanish Prog ", (ya no me corto  en decirlo),  que es una delicia (turca). Como un kebab de longaniza.

Atilla Engin Group fue el siguiente paso de este hombre en 1981, tras la aventura Matao. Le duró casi diez años, y por sus filas paso entre otros el grandísimo contrabajista Niels-Henning Orsted Pedersen. En los 90 emigró a USA. No es un disco de fácil encuentro, aviso. En Discogs empezamos a hablar a partir de 130 pavos. Pero si eres de los que saltan del sofá entre sudores y movimientos espasmódicos cada vez que te pones "Arc En Ciel" , "Camino del Águila " (......o "del Concierto"),  Matao te dejará "to idem".
Altamente recomendable.
J.J. IGLESIAS 


Temas
A1 Anadolu  00:00
A2 Cool  02:51
A3 Dancing Darbuka 08:31
A4 Drama Koprusu 10:23
A5 Turkish Delight 16:29
B1 Rain In Spain 23:34
B2 Take Care Of Your Baby 30:09
B3 Seventeen Small Chinese Guys  36:09
B4 Daldalan  42:24

Formación
Torben Gronning: bajo
 Atilla Engin: batería
Svend Staal Larsen: guitarra
Alan Stade: piano




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Fred Van Zegveld ‎– Dynamite 1969

Todos aquellos que siguen habitualmente el blog saben perfectamente mi devoción por el Hammond. Siempre que puedo traigo virtuosos del instrumento, algunos de ellos son estrellas muy conocidas (Jimmy Smith, Jon Lord, Vicent Crane, etc)  otros, como en esta ocasión con Fred Van Zegveld, son músicos casi anónimos.


Realmente conocemos pocos datos sobre Fred Van Zegveld, se sabe que era holandés y que nació en 1943. Fue miembro de diversos grupos holandeses, Roek's Family y The The Flood. En 1969 grabó, "Dinamite", casi de casualidad. Se dice que una banda no se presentó al estudio y el bueno de Fred y su banda aprovecharon para grabar el disco en una hora. 


Está única joya grabada por Fred Van Zegveld contiene nueve temas instumentales de jazz con algo de pop donde el protagonista es el sonido "Hammond". Las composiciones las podríamos agrupar en dos grupos. El primero de ellos el compuesto por temas propios de Fred, sin duda el mas interesante. En este grupo tenemos verdaderas obras maestras del instrumento tales como "Family Blues", "Whiskey" o "Daffodil", imposible estarse quieto con este tema.  Tenemos su rinconcito de blues en "Blue Organ" y su mayor éxito "Dinamite". El segundo grupo estaría compuesto por las versiones , "Whiskey" ( Errol Garner) y, "Here, There And Everywhere" ( Lennon-McCartney) mucho más "poperas". El disco finaliza con " I Wanna Be Your Man" ( Lennon-McCartney) esta vez con aires mas "jazzeros". A destacar el grupo que acompaña a Fred. La sección rítmica es brutal, Ruud Jacobs (bajo) y Louis de Bey (batería), los pies se os moverán sin poder evitarlo con sus endiablados ritmos. El guitarrista, Rick Beekman, va rellenando huecos y tiene su minuto de gloria en "Round About 12".
J.C. Miñana.


Temas

1 Family Blues 00:00 
2 Here, There And Everywhere 03:21 
3 Daffodil 06:29 
4 Blue Organ 08:30 
5 Dynamite 11:53 
6 Misty 16:32
7 Whiskey 20:13 
8 Round About 12 24:18 
9 I Wanna Be Your Man 27:00 

Formación
Rick Beekman »» Guitarra 
Louis de Bey »» Batería 
Ruud Jacobs »» Bajo 
Fred van Zegveld »» Hammond



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ZOMBI - Shape Shift (2015 / RELAPSE)

Los norteamericanos Zombi, (Pittsburgh, Pennsylvania), son un dúo  formado por Steve Moore (bajo, sintetizadores) y Anthony Paterra (batería).


En mi opinión crearon los cimientos donde se ha desarrollado todo esto de la Retro Synth Wave. Más "serios" que sus sucesivos contemporáneos,  pero amantes de las mismas influencias. El nombre de Zombi fue un homenaje a George Romero, por ejemplo.


Se iniciaron discográficamente con el magnífico "Cosmos" en 2004. Muy positivas críticas los animan a seguir, tanto con una apretada agenda en vivo, como en estudio. Aunque esto último se lo toman con más calma. 



"Surface to Air" (2006) fue la siguiente joya. Hasta el 2009 no saldría "Spirit Animal". Y tras dos años apareció  "Escape Velocity" (2011), otro gran acierto. Por ahora, "Shape Shift" (2015) es su última entrega, doble en formato vinilo.



Su acercamiento  progresivo viene dado por el virtuosismo rítmico del dúo bajo/batería.  A veces recordando a los mismísimos Rush. Eso sí,  toda melodía viene dada por su fuerte arsenal analógico,  de sonidos y estructuras realmente cuidadas. 




 "Pillars of the Dawn" es una perfecta introducción a su mundo. Con dominio de Moog  Y mellotron que nos recuerda al sonido vintage de un Tony Banks en los mejores Génesis. Con potente batería ejerciendo en primer plano. Perfecta banda sonora para un film de terror o ciencia-ficción, como mandan los cánones. Pero esto también podríamos encuadrarlo en el lado más melódico del space kraut.

Las influencias de los Rush de "Signals" o "Grace Under Pressure" llegan en " Total Breakthrough", en la que casi estamos esperando la característica voz nasal de Geddy Lee. En su lugar, una melodía de la factoría John Carpenter define la pieza inmejorablemente.



 "Mission Creep" puede asemejarse a alguno de los trabajos de Klaus Schulze junto al batería Harald Grosskopf. Ya ves, todo está (casi) inventado. Muy bueno el tándem rítmico luciendo técnica sobre la alfombra electrónica. 

"Interstellar Package" (8'33) no es un episodio de Star Trek, aunque por su sonido podría serlo. Instrumental progresivo/space rock de perspectivas irreales y audaces recursos, cercano en estilo al Edgar Froese de "Ages" / "Stuntman" o los Tangerine Dream de finales 70. Recuérdese que en 1978 ya utilizaron éstos batería  para el álbum "Cyclone". Al final resulta una preciosa pieza de ilimitado cromatismo sintético. 

"Diffraction Zone" vuelve a sonar a un outtake instrumental de unos Rush de los 80, esperando para ser completado por la voz de Geddy. Imposible resistirse a sus líneas de bajo, muy al modo del canadiense.

En "Toroidal Vortices" es de las pocas veces que podemos escuchar un secuenciador en acción. Ya que normalmente se encarga de ese cometido Anthony Paterra con sus parches. Aquí van sincronizados con el poderoso cuatro cuerdas, hilando melodías  electrónicas con muy interesantes resultados. 



"Shadow Hand" se acerca a la profundidad épica  de unos Eloy. Mientras que "Metaverse" no abandona su fuerte conexión cinematográfica,  de ambientes nocturnos agobiantes estilo "Blade Runner". 

Finalmente "Siberia II" (14'38) es otra gozada krautie rebosante de fat sounds mooger y "planantes" String synths. Pura herencia tangerina. Sólo los hard rockers ritmos percusivos la alejan un poco de los creadores de "Phaedra". Dotando a Zombi de un particular estilo propio que no ha decaído  en calidad en toda su discografía. Son mis favoritos de toda ésta hornada de sintetistas retro,  que a pesar de ello, tienen algo que ofrecer novedoso, excitante y atractivo.

Goblin o Ghost lo saben, y los eligieron para abrir sus giras. Que la prog-electrónica vuelva al terreno del rock es una gran noticia para todos los que amamos la historia real de ésta. Un dúo de clarividentes ideas.
Zombi no fallan.
J.J. IGLESIAS










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Ashton, Gardner & Dyke - Live In Montreux 1970

Muchos de vosotros recordaréis a Tony Ashton por sus colaboraciones con miembros de la saga "Purple" sobre todo con Jon Lord, Ian Paice y  Roger Glover. A lo largo de su carrera la lista de sus participaciones en diversos proyectos es bastante larga y extensa. Hoy lo recordaremos junto a Roy Dyke y Kim Gardner .


La banda se formó en 1968, Tony y Dyke ya habían participado en diversos proyectos juntos (The Remo Four , George Harrison). No alcanzaron cierto reconocimiento hasta el lanzamiento de su segundo sencillo "Resurrection Shuffle" que estuvo en las listas catorce semanas.  El grupo editó tres Lp's , "Ashton, Gardner and Dyke" (1969), "The Worst of Ashton, Gardner and Dyke" y "What A Bloody Long Day It's Been". También realizaron la banda sonora de "The Last Rebel" junto a Jon Lord.


La grabación nos presenta la actuación de Ashton, Gadner & Dyke en Montreux en 1970. El setlist comienza con el instrumental "Billy And His Paino" que marca plenamente el sonido del grupo, órgano Hammond con sonoridades jazz y blues. Temas con ritmos típicamente "jazzeros" podría ser "Young Man's Blues" y "Skate". Otros más melódicos al estilo "Procol Harum" los encontramos en "The Falling Song" y "New York Mining Disaster 1941" con un solo final de Ashton a lo Keith Emerson.  Continuando con sonoridades a lo "The Nice" comienza la introducción de "Sorcery" para dar paso al solo de batería de Roy Dyke. También tenemos un blues bastante machacon, "No Money Down". Finalizan con su éxito "The Resurrection Shuffle".
J.C. Miñana






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IN NOMINE ( Rockliquias Bandas)

In Nomine se formó en Nigran un pueblo de Galicia a finales de los 80 teniendo como miembro fundador a Leonardo Pérez (batería, voz). Durante sus primeros años tocaban versiones de Marillion, Camel, Pink Floyd. Los cambios de personal eran continuos ocasionando cierta inestabilidad en la banda.


Su primer concierto llega el 28 de agosto de 1993 en Priegue. En el 94 graban su primera maqueta, "Nicodemus Patri".  y la distribuyen a diversos medios recibiendo  críticas favorables.

En 1995 su agenda de conciertos es bastante amplia e incluso consiguen ganar el "II Revoltallo de Musaicas Emergentes". Un año mas tarde llega su segunda maqueta, "Ten to Nine", grabada en Bayona, Pontevedra,  teniendo como músicos a  Lenonardo Pérez  (batería, voz),  Esteban Fragas  (guitarra, bajo), Andrés Carrera (teclados) y  Segundo González  (bajo, guitarra).

El 7 de Enero de 1997 entran al estudio para grabar su primer Cd, la elección del técnico de sonido fue un auténtico desastre. Los problemas se acumulan y el tiempo pasa en interminables jornadas de grabación. Con buen criterio siguiente deciden cambiar de ingeniero y las cosas parecen mejorar notablemente. Firman con Musea Record y por fin en Noviembre de 2000 ve la luz, "Mutatis Mutantis".






El disco contiene seis temas con un gran contenido instrumental progresivo muy en la onda de los grupos  de los 80 tipo Marillion. El CD se inicia con "Beetles of Concrete", uno de sus mejores temas. Los cambios de ritmo se suceden y la guitarra, en este tema tocada por Esteba Fragas, muy al estilo Steve Rothery está plenamente arropada por las teclas de Andrés Carrera. ""No Deal" contiene riffs mas poderosos a cargo de Segundo Gonzalez que se va turnado en la guitarra y el bajo con Andrés en los diversos temas. Las armonías vocales del final nos pueden recordar a los primeros discos de Yes. "Spiritless Fellow" continua en la misma línea prestando atención al solo de guitarra de la parte final. "Panem and Circenses" es otro de los temas estrella de la grabación, la intensidad y el sentimiento sonoro va subiendo poco a poco casi sin darte cuenta. Rubén Pérez colabora como narrador de un texto en latín en la parte central de la composición. "Snowly" es una delicadeza de estilo campestre con acústica y teclados, es posible que nos suene a los primeros Genesis.  El CD se cierra con "Le Cadavre Exquis", una suite de 15 minutos dividida en cuatro partes y que cuenta con la colaboración de Jesús Filardi (Galadriel) en " The Stillness of Quiet Presences". Ritmos guitarreros a lo Robert Fripp.





El grupo continua con sus actuaciones apareciendo y desapareciendo. Se producen nuevos cambios en su formación, entran  Andrés González (teclados) y  Julio Fragas (bajo) en sustitución de Andrés Carrera y Segundo González. En 2005 editan un nuevo CD en Musea Records, "Mythos".


El resultado es un grupo mucho mas maduro con un sonido mas compacto y elaborado. Su guitarrista  Esteban Fragas es todo un Licenciado Superior en Guitarra Española y eso se nota en temas como " Sisyphus - A Hard Working Day" o "Ares - In Naturalibus". Es posible que hayan perdido algo de frescura pero no obstante resulta un trabajo notable y totalmente válido. Otro tema destacado podría ser "Zeus, Son Of Cronus - The Boss", enérgico y dinámico con buenos riffs. 
J.C.Miñana

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ANTIQUE SEEKING NUNS (uk) (Canterbury Ways)

Los que nos habéis seguido recordareis que hablamos en su momento de una banda llamada Sanguine Hum. Pues bien el origen de éstos se llamó previamente “Antique Seeking Nuns” curioso nombre que podría traducirse por monjas buscando antigüedades. Algo parecido a lo que hacemos nosotros aunque de momento no nos disfrazamos de monjas. Cosas del humor inglés, según el caso, estúpido para unos, genial para otros, e incomprensible y antagónico para quienes  gusten del humor bruto casposo español de toda la vida. 


El sonido Canterbury no solo fue la música de unos chalados freaks, también fue un vehículo del absurdo en sus letras sin sentido. Si traducimos al español los títulos de los temas de Soft Machine, Caravan o Hatfield & The North os daréis cuenta de que los Muchachada Nui del Joaquin Reyes o el Ernesto Sevilla en sus momentos de sublime tontería, son hasta normales. Claro que aquí cuando raramente hacemos “humor inteligente” usamos la mala hostia y la ironía borde, más afín a nuestro carácter y los ingleses con sus bromas incomprensibles, a veces ácidas y burlonas sin duda, te dejan en la inopia.  Más marcianas, surrealistas y nada familiares para nosotros. Zappa al menos era un guarro en sus letras y eso aquí nos encanta.                            

 Bueno si vamos al asunto dos amiguetes de Oxford llamados Matt Baber (teclados) y Joff Winks (guitarra) deciden en 2003 hacer algo patafísico que se quedó en tres EP´s bastante curiosos e interesantes porque la música tiraba hacia lo rarito pero complejo y atractivo a la vez. Se pueden escuchar no solo las influencias puramente del british canterburiano, sino también un gusto muy próximo a papa Zappa y a los extraterrestres franceses de Magma. Claro está que en general se trata de un grupo próximo al RIO pero sin descuidar un sonido agradable y melódico. 






“Mild Profundities” de 2003 y con un inicio delicioso llamado “It´s Pissing Don” define todas las influencias mencionadas y le siguen 4 piezas más en apenas 26 mtos de música sumamente originales con constantes variaciones muy agradables y “diferentes”. 





El segundo EP de 2006 con 19 mtos se llamaría “Double Egg With Chips And Beans” cuatro canciones en un registro bastante diferente al anterior con su dosis de rock-pop extraño, pero no por ello menos interesante aunque la última pieza nos lleva de nuevo instrumentalmente al primer trabajo. 




Cerrarían esta mini “trilogía” con “Careful it´s Tepid” de 2009 a pesar de sus seis canciones es el más corto con 18 mtos y en la misma línea agradable y extraña de los anteriores. Todo muy concentrado pero muy efectivo. El trabajo vocal es muy elaborado y exquisito. Todo intercalado entre breves pasajes instrumentales verdaderamente excitantes y melodías a veces sorprendentes. Un añadido muy aconsejable a los discos de los Sanguine Hum que serían la continuación estilística de esta banda sumamente original,  recomendable y sin desperdicio.
Alberto Torró









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THE TANGENT - London Or Paris, Berlin Or Southend On sea (Official Bootleg 2012)

Lo de “pirata oficial” es algo así como me auto-grabo el concierto, saco algunas copias y por un módico precio, las distribuyo en exclusiva a los fans porque ya que vienen pocos, hay que mimarlos. Todo un detalle.  



Los grandes del género en los 70´s nunca hicieron semejante cosa con sus fans y la mayoría anteponían el negocio y el ego. El fan era para ellos una hormiguita más que engordaba sus cuentas corrientes, que llenaba grandes estadios y se gastaba la pasta en aras de sus idealizados dioses. Aun me parece ver a su santidad Jon Anderson con sonrisa beatífica, con su túnica blanca y entre lasers celestiales decirnos: “ ¡¡es maravilloso estar con vosotros esta noche!!,  mientras tú estirabas el cuello para verlo, prieto como sardina en lata, entre empujones desagradables y gritos, con la sobaquera del vecino en tus narices y el paquete del de atrás dándote por donde sabes. Del concierto de Génesis en San Sebastián en el 81 y casi aplastado,  estoy vivo de milagro. En el de Police en Barcelona por los mismos años hubo cuatro muertos. Eso era un concierto en España. Es maravillosa la pasta que nos llevamos y lo cómodos que estáis gilipollas. Afortunadamente los prog musicians de hoy ya no están en el Olympo  y nosotros en el infierno de Dante. Se han vuelto humanos, tienes espacio para moverte y respirar y hasta pasillos entre la gente para ir a por una birra al mostrador del bar. Joder que lujo!! . Bueno que bien que vimos a los neos de los 90 en adelante, bastante más cómodos y seguros.


Esta grabación quizá no tiene la calidad sonora de los lives comentados anteriormente, pero el sonido es bastante bueno tirando a excelente y el programa musical impecable. No hay mucha información sobre este disco y ni siquiera puedo encontrar el “back cover” así que supongo que line up será el mismo del Comm. También da la sensación por lógica de haber sido grabado en las diferentes localidades que se mencionan en el titulo disco. Están los grandes temas de la tangente como “El mundo que atravesamos”  “Perdido en París” la épica “El Titanic pidiendo auxilio al Carpathia” la suite “Donde están ahora” la “GPS Culture”  y alguna inédita como  la balada “Hide and Seek” etc. En total 94 mtos es decir un Doble Album con la alta calidad interpretativa que es la habitual del grupo. Nos quedan un par de trabajos de estudio que salieron como “acompañantes” de la discografía oficial, pero más destinados al “fan club”  y de los que hablaremos las dos próximas semanas. Hasta entonces intentad no escuchar demasiada mala música.
Alberto Torró






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CAPTAIN MARRYAT - Captain Marryat (1974 / THOR)

Una de independentistas. Glup. Nos arriesgamos a que en un blog de rock raruno se nos acuse de "apología del referéndum", en una "supuesta" democracia. Supuesta.Estamos en 1971 pero las mismas trabas y mierdas de rigor ya se vivían entonces en Escocia. De Glasgow eran Captain Marryat, una extraordinaria formación practicante de un no menos extraordinario hard prog que, no les quepa a ustedes la menor duda, de haberse dado en London hubieran alcanzado mayores cotas de popularidad. Pero descentralismo implica castigo, y si vas de independiente ni te digo.


Hugh Finnegan (bajo, voz), Jimmy Rorrison (batería,  voz), Ian McEleny (guitarras), Tommy Hendry (voz solista) y Allan Bryce  (Hammond M102 Organ, piano eléctrico) deciden bautizarse como Captain Marryat. Marinero, escritor y amigo de Charles Dickens. No es casual la elección de ese nombre. Recordemos que Uriah Heep pertenece a un personaje de la novela "David Copperfield" de Dickens. Y los escoceses tenían verdadera admiración por Mick Box y los suyos. Algo que se aprecia en su música. Con mucho esfuerzo, en 1974 consiguen prensar 150 o 200 copias (no se sabe a ciencia cierta), de un demo-álbum en un micro-sello llamado Thor Records. Discos que venderían en sus actuaciones. Algunas de ellas relevantes, abriendo para paisanos como Alex Harvey Band o Nazareth. Seguro que plantaron batalla a las estrellas, oyendo éste perdido y maravilloso álbum.

"Blindness" (5'10) resalta la personal voz de Hendry y las armonías vocales en un rol mayor que el simple apoyo.  Sección rítmica espectacular y solistas al Hammond y las seis cuerdas de primera Liga. Uriah Heep es evidente influencia, al igual que los primeros Beggars Opera o los mismos Deep Purple.

Barroquismo de órgano nos adentran en "It Happened to me" (8'11) , como si de un gótico tema de VIincent Crane se tratara. Atomic Rooster no podían faltar en éste catálogo de perfecto mezclaje entre hard y prog rock. Y el nivel de Captain Marryat va parejo a ellos. Hasta los Camel del primer álbum son una buena comparación aquí, con un Allan Bryce sonando como el primer Peter Bardens.

 Se cierra éste primer lado con "A Friend" (4'32), otra pieza dominada por Hammond, bajo solista y cómplice y resuelto batería. Su tratamiento psicodélico en las voces le da un enfoque entre el primer Argent e Indian Summer.


 "Songwriter's Lament"  (6'20) abre la cara B al típico estilo de David Byron con una acústica.  Para entrar después toda la banda en tropel Heep del "Demons & Wizards". El Hammond domina, así como el progresivo sobre la faceta más hard rock del grupo. Ahora es McEleny el que recuerda a Latimer levemente.

"Changes" (2'45) es la más corta y claramente se ve que estaba destinada a single. Comercial, tardo-psico y no muy representativa del potencial del Capitán. No obstante, no es mala pieza.

 Por último,  "Dance of Thor" (6'53) es todo lo contrario a la anterior. Improvisación y valentía en desarrollos no alejados de Iron Butterfly, Julian's Treatment, Fuzzy Duck,  Aardvark, Bodkin, Czar o Arzachel. Una pasada de tema instrumental que hicieron sobre la marcha en el estudio al ir escasos de material. A veces las ideas de última hora pueden resultar las mejores (o no). En éste caso, es uno de los momentos álgidos  en un álbum sin desperdicio.

 Antes de su disolución en 1975, tanto EMI como Chrysalis se interesaron moderadamente en Captain Marryat. Pero la cosa no pasó de ahí  (....por escoceses!!!). Lo que "escoce" es soltarlas por un original. Nada menos que 3000 £ se han pagado en Ebay por un genuino artefacto. Tanto en 2010 como 2013 fue reeditado. Y éste mismo año ha vuelto a ocurrir de la mano de Shadoks Music en una edición de 400 copias en blanco transparente que pronto se cotizaran en altas sumas. Extraordinario reflejo de una época y sí,  uno de esos que a mí me encantan.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Blindness 
A2 It Happened To Me 
A3 A Friend 
B1 Songwriter's Lament 
B2 Changes 
B3 Dance Of Thor




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